Sanat dünyasına giren sanatçılar derneği. okul ansiklopedisi

Sanat derneği ve "World of Art" dergisi, Gümüş Çağı'nın Rus kültüründe, zamanlarının temel estetik trendlerinden birini canlı bir şekilde ifade eden önemli fenomenlerdir. Commonwealth of the World of Art 90'lı yıllarda St. Petersburg'da şekillenmeye başladı. XIX yüzyıl. Rusya'nın kültürel ve sanatsal yaşamını yenilemeye çalışan bir grup genç sanatçı, yazar ve sanat işçisi etrafında. Ana başlatıcılar A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst, daha sonra M.V. Dobuzhinsky ve diğerleri. aynı kültür ve ortak tada sahip arkadaşlar. " 1898'de, ağırlıklı olarak Filosofov tarafından hazırlanan "World of Art" dergisinin ilk sayısı yayınlandı, 1899'da derginin beş sergisinden ilki gerçekleşti, derneğin kendisi 1900'de resmileşti. Dergi, 1899 yılına kadar varlığını sürdürdü. 1904'ün sonu ve 1905 devriminden sonra derneğin resmi faaliyeti sona erdi. Sergilere dernek üyelerinin yanı sıra, "Sanat Dünyası"nın manevi ve estetik çizgisini paylaşan yüzyılın seçkin sanatçıları da katıldı. Bunlar arasında K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin isimleri var. Yabancı ustalar da davet edildi. Rusya'da maneviyatın "canlanması" için ayağa kalkan birçok Rus dini düşünürü ve yazarı da derginin sayfalarında yayınlandı. Bunlar V. Rozanov, D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky ve diğerleri. Orijinal haliyle dergi ve dernek uzun sürmedi, ancak World of Art'ın ruhu, yayıncılığı, organizasyonu, sergilenmesi ve eğitim faaliyetleri Rus kültür ve estetiğine damgasını vurmuş ve dernek üyeleri bu ruhu ve estetik tercihlerini pratik olarak tüm yaşamları boyunca korumuştur. 1910-1924'te. "Sanat Dünyası" faaliyetine devam etti, ancak zaten çok geniş bir kompozisyonda ve yeterince açık bir şekilde yönlendirilmiş bir ilk estetik (esas olarak estetik) çizgiden yoksundu. 1920'lerde dernek temsilcilerinin çoğu. Paris'e taşındılar, ama orada da gençliklerinin sanatsal zevklerine bağlı kaldılar.

İki ana fikir, Sanat Dünyası katılımcılarını ayrılmaz bir toplulukta birleştirdi: 1. Rus sanatına sanatın ana kalitesine geri dönme arzusu sanat, sanatı herhangi bir eğilimden (sosyal, dini, politik vb.) arındırmak ve tamamen estetik bir kanala yönlendirmek. Bu nedenle, kültürde eski olmasına rağmen aralarında popüler olan l'art pour l'art sloganı, akademizm ve gezici hareketin ideolojisinin ve sanatsal pratiğinin reddi, sanatta romantik ve sembolist eğilimlere özel bir ilgi, İngiliz Pre- Raphaelitler, Fransız Nabidler, Puvi'nin Chavannes tablosunda, Böcklin'in mitolojisinde, Jugendstil'in estetizminde, Art Nouveau'da, ama aynı zamanda ETA Hoffmann'ın masalsı kurgusunda, R. Wagner'in müziğinde, saf bir sanat biçimi olarak balede vb. .; Rus kültürünü ve sanatını geniş bir Avrupa sanatsal bağlamına dahil etme eğilimi. 2. Bu temelde - Rus ulusal mirasının, özellikle 18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarında, genel olarak Batı kültürüne yönelik romantikleştirme, şiirselleştirme, estetikleştirme, ana üyelerin Petrine sonrası kültüre ve geç halk sanatına olan ilgisi dernek, sanat çevrelerinde "Geçmişe dönük hayalperestler" takma adını aldı.

"Sanat Dünyası"nın ana eğilimi, son derece gelişmiş bir estetik zevke dayalı sanatta yenilik ilkesiydi. Sanat dünyasının sanatsal ve estetik tercihleri ​​ve yaratıcı tutumları bundandır. Aslında, yüzyılın başında neo-romantizm veya sembolizmin poetikasına, çizginin dekoratif ve estetik melodikliğine yönelen ve farklı ülkelerde farklı isimler taşıyan bu estetik olarak keskinleştirilmiş hareketin sağlam bir Rus versiyonunu yarattılar ( Art Nouveau, Secession, Jugendstil) ve Rusya'da “ modern " tarzının adını aldı.

Hareketin katılımcıları (Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lanceray, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) büyük sanatçılar değildi, sanatsal şaheserler veya seçkin eserler yaratmadılar, ancak tarihte çok güzel, neredeyse estetik birkaç sayfa yazdılar. Rus sanatı, aslında bu haksız yere küçümsenmiş terimin en iyi anlamıyla Rus sanatının ulusal yönelimli estetizm ruhuna yabancı olmadığını dünyaya gösteriyor. Sanat dünyasının çoğunun tarzı için tipik olan, mükemmel doğrusallık (grafik kalitesi - Rus grafiklerini bağımsız bir sanat formu düzeyine getirdiler), ince dekoratiflik, geçmiş dönemlerin güzelliği ve lüksü için nostalji, bazen neoklasik eğilimler ve samimiyetti. şövale işlerinde. Aynı zamanda, birçoğu sanatın teatral sentezine yöneldi - dolayısıyla tiyatro gösterilerine, Diaghilev projelerine ve "Rus mevsimlerine" aktif katılımları, müzik, dans ve genel olarak modern tiyatroya artan ilgi. Sanat dünyasının çoğunun ihtiyatlı olduğu ve bir kural olarak, zamanlarının avangard hareketleriyle keskin bir şekilde olumsuz ilişkili olduğu açıktır. "Sanat Dünyası", sanatta kendi yenilikçi yolunu, avangard sanatçıların alternatif bir yolunu, geçmişin en iyi sanat gelenekleriyle sıkı bir şekilde bağlantılı bulmaya çalıştı. Bugün bunu yirminci yüzyılda görüyoruz. World of Artists'in çabaları pratikte herhangi bir gelişme göstermedi, ancak yüzyılın ilk üçte birinde yerli ve Avrupa kültürlerinde yüksek bir estetik seviyenin korunmasına katkıda bulundular ve sanat ve manevi kültür tarihinde iyi bir anı bıraktılar. .

Sanat Derneği "Sanat Dünyası"

Sanat Dünyası (1898-1924), 1890'ların sonunda Rusya'da kurulan bir sanat derneğidir. Aynı adla 1898'den beri grup üyeleri tarafından yayınlanan bir dergi yayınlandı. "Sanat Dünyası"nın kurucuları, St. Petersburg sanatçısı A. N. Benois ve tiyatro figürü S. P. Diaghilev idi. 1898'de Baron A. L. Stieglitz Merkez Teknik Çizim Okulu Müzesi'nde "Rus ve Fin Sanatçılar Sergisi" düzenleyerek kendini yüksek sesle duyurdu. Dernek hayatında klasik dönem 1900-1904'e düştü. - şu anda grup, özel bir estetik ve ideolojik ilkeler birliği ile karakterize edildi. Sanatçılar, World of Art dergisinin himayesinde sergiler düzenlediler. 1904'ten sonra dernek genişledi ve ideolojik birliğini kaybetti. 1904-1910'da. World of Art üyelerinin çoğu Rus Sanatçılar Birliği üyesiydi. Devrimden sonra liderlerinin çoğu göç etmek zorunda kaldı. Dernek 1924'te fiilen ortadan kalktı. Sanat Dünyası sanatçıları, sanatta estetik ilkeyi bir öncelik olarak gördüler ve Gezginlerin fikirlerine karşı çıkarak modernite ve sembolizm için çabaladılar. Onlara göre sanat, sanatçının kişiliğini ifade etmelidir.

Dernek sanatçıları dahil:

Bakst, Lev Samoiloviç

Roerich, Nicholas Konstantinoviç

Dobuzhinsky, Mstislav Valerianovich

Lanceray, Evgeny Evgenievich

Mitrokhin, Dmitry Isidorovich

Ostroumova-Lebedeva, Anna Petrovna

Odalar, Vladimir Yakovleviç

Yakovlev, Alexander Evgenievich

Somov, Konstantin Andreevich

Zionglinsky, Yan Frantsevich

Purvit, Wilhelm

Sunnerberg, Konstantin Aleksandroviç, eleştirmen

"Sanat Dünyası üyelerinin grup portresi" derneği. 1916-1920 M. Kustodiev.

portre - Sergei Petrovich Diaghilev (1872 - 1925)

Sergei Diaghilev, 19 Mart (31), 1872'de Novgorod eyaleti, Selishchi'de askeri, kalıtsal bir asilzade Pavel Pavlovich Diaghilev ailesinde doğdu. Annesi Sergei'nin doğumundan birkaç ay sonra öldü ve V.A.Panaev'in kızı üvey annesi Elena tarafından büyütüldü. Çocukken Sergei, St. Petersburg'da, ardından babasının hizmet verdiği Perm'de yaşadı. Babanın erkek kardeşi Ivan Pavlovich Diaghilev, hayırsever ve bir müzik çevresinin kurucusuydu. Perm'de, Sibirskaya ve Puşkin caddelerinin (eski adıyla Bolshaya Yamskaya) köşesinde, şimdi onun adını taşıyan spor salonunun bulunduğu Sergei Diaghilev'in atalarının evi hayatta kaldı. Geç Rus klasisizmi tarzındaki konak, 19. yüzyılın 50'lerinde mimar R.O. Karvovsky'nin projesi ile inşa edildi. Ev, otuz yıl boyunca büyük ve arkadaş canlısı Diaghilev ailesine aitti. Çağdaşlar tarafından "Perm Atina" olarak adlandırılan evde, şehir aydınları Perşembe günleri toplandı. Burada müzik çaldılar, şarkı söylediler, ev performansları oynadılar. 1890'da Perm spor salonundan mezun olduktan sonra St. Petersburg'a döndü ve St. Petersburg Konservatuarı'nda N. A. Rimsky-Korsakov altında müzik okurken üniversitenin hukuk fakültesine girdi. 1896'da Diaghilev üniversiteden mezun oldu, ancak hukuk okumak yerine kariyerine sanat işçisi olarak başladı. Diplomasını aldıktan birkaç yıl sonra, A. Benois ile birlikte "World of Art" derneği kurdu, aynı adı taşıyan dergiyi (1898'den 1904'e kadar) düzenledi ve sanat tarihi üzerine makaleler yazdı. Geniş bir yankı uyandıran sergiler düzenledi: 1897'de - İngiliz ve Alman suluboya sergisi, Rus halkını bu ülkelerin bir dizi büyük ustasıyla ve görsel sanatlardaki modern trendlerle tanıştırdı, ardından salonlarda İskandinav sanatçılarının Sergisi Sanat Teşvik Derneği'nden, Stieglitz Müzesi'nde (1898) Rus ve Fin sanatçıların bir sergisi olan Sanatçılar Dünyası, ilk performanslarını kendileri düşündüler (Diaghilev, genç sanatın diğer önemli temsilcilerini çekmeyi başardı - Vrubel, Serov, Levitan, vb.) St. Petersburg'da Rus portrelerinin tarihi ve sanat sergisi (1905); Benoit, Grabar, Kuznetsov, Malyavin, Repin, Serov, Yavlensky (1906) ve diğerlerinin eserlerinin katılımıyla Paris'teki Sonbahar Salonunda Rus sanatının sergilenmesi.

Benois Alexander Nikolaevich (1870 - 1960)

Alexander Nikolaevich Benois (21 Nisan (3 Mayıs) 1870 - 9 Şubat 1960) - Rus sanatçı, sanat tarihçisi, sanat eleştirmeni, World of Art derneğinin kurucusu ve baş ideoloğu. 21 Nisan (3 Mayıs) 1870'de St. Petersburg'da, Rus mimar Nikolai Leontievich Benois ve Camilla Albertovna Benois (mimar A.K. Kavos'un kızı) ailesinde doğdu. Prestijli 2. St. Petersburg spor salonundan mezun oldu. Bir süre Sanat Akademisi'nde okudu, ayrıca görsel sanatları bağımsız olarak ve ağabeyi Albert'in rehberliğinde okudu. 1894'te teorisyen ve sanat tarihçisi olarak kariyerine, Alman 19. Yüzyıl Resim Tarihi koleksiyonu için Rus sanatçılar hakkında bir bölüm yazarak başladı. 1896-1898 ve 1905-1907'de Fransa'da çalıştı. Aynı adı taşıyan dergiyi kuran "World of Art" sanat derneğinin organizatörlerinden ve ideologlarından biri oldu. 1916-1918'de sanatçı, Alexander Puşkin'in "Bronz Süvari" şiiri için illüstrasyonlar yarattı. 1918'de Benoit, Hermitage Resim Galerisi'nin başına geçti ve yeni kataloğunu yayınladı. Kitap ve tiyatro sanatçısı olarak çalışmalarına devam etti, özellikle BDT performanslarının tasarımı üzerinde çalıştı. 1925'te Paris'teki Uluslararası Çağdaş Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi'ne katıldı. 1926'da Benoit, yurtdışındaki bir iş gezisinden dönmeden SSCB'den ayrıldı. Paris'te yaşadı, esas olarak tiyatro sahnesi ve kostüm eskizleri üzerinde çalıştı. Alexander Benois, S. Diaghilev'in bale topluluğu “Ballets Russes”ın yapımlarında sanatçı ve yazar-sahne yönetmeni olarak önemli bir rol oynadı. Benoit, 9 Şubat 1960'ta Paris'te öldü.

Benoit'in portresi

Otoportre, 1896

- İkinci Versay Serisi (1906), dahil olmak üzere:

Benoit'in en eski retrospektif çalışmaları Versailles'deki çalışmalarıyla ilgilidir. Suluboya ve guajdan yapılmış ve ortak bir tema olan "XIV. Louis'nin son yürüyüşleri" ile birleştirilen bir dizi küçük resim, 1897-1898 yıllarına aittir. Benois'in 1905-1906'da yarattığı ikinci Versailles serisi, The Last Walks of Louis XIV'den çok daha kapsamlıdır ve içerik ve teknik açısından daha çeşitlidir. Versailles parkında boyanmış doğadan eskizler, retrospektif tarihsel tür resimleri, mimari ve peyzaj temaları üzerine orijinal "fanteziler", Versay'daki mahkeme tiyatrosu performanslarının görüntülerini içerir. Seride yağlı boya, tempera, guaj ve sulu boya çalışmaları, sanguin ve sepya çizimleri yer alıyor. Bu eserlere ancak şartlı olarak bir "dizi" denilebilir, çünkü bunlar birbirleriyle yalnızca Benoit'in "Versailles tarafından sarhoş olduğu" ve "tamamen dünyaya taşındığı" sırada gelişen belirli bir ruh hali birliği ile bağlantılıdır. geçmiş", 1905'te trajik Rus gerçekliğini unutmaya çalışıyor. Sanatçı burada, geçmişin mecazi-şiirsel yeniden yaratılması görevini biraz ihmal ederek, izleyiciye dönem, mimari formlar, kostümler hakkında gerçek bilgiler kadar bilgi vermeyi amaçlıyor. Bununla birlikte, aynı seri, Benoit'in en başarılı eserleri arasında yer alan, haklı olarak yaygın olarak bilinen eserleri içerir: "Paul I'in Altında Geçit Töreni" (1907, Devlet Rus Müzesi;), "İmparatoriçe Catherine II'nin Tsarskoye Selo Sarayı'ndan Çıkışı" (1909). , Ermenistan Devlet Sanat Galerisi, Erivan), "Peter I'in Altındaki Petersburg Caddesi" (1910, Moskova'da özel koleksiyon) ve "Peter I Yaz Bahçesinde Yürüyüş" (1910, Rus Devlet Müzesi). Bu eserlerde, sanatçının tarihsel düşüncesinin ilkesinde bir miktar değişiklik fark edilebilir. Son olarak, eski sanatın anıtları, eşyalar ve kostümler değil, ilgi odağına giren insanlardır. Benoit tarafından boyanmış çok figürlü tarihi ve gündelik sahneler, sanki bir çağdaşın gözünden görülen geçmiş bir yaşamın görünümünü yeniden yaratıyor.

- "Kralın Yürüyüşü" (Tretyakov Galerisi)

48x62

Tuval üzerine kağıt, sulu boya, guaj, bronz boya, gümüş boya, kurşun kalem, tükenmez kalem, fırça.

Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Kralın Yürüyüşü'nde Alexandre Benois, izleyiciyi XIV. Louis zamanının muhteşem Versailles parkına götürüyor. Kralın yürüyüşlerini anlatan yazar hiçbir şeyi görmezden gelmedi: ne bahçe mimarisine sahip park manzaraları (doğadan yazılmışlardı), ne eski zamanlarda çok moda olan tiyatro gösterileri, ne de tarihi materyalin kapsamlı bir çalışmasından sonra çizilen günlük sahneler. Kralın Yürüyüşü çok etkili bir eserdir. İzleyici, beyninde gezinen Louis XIV ile tanışır. Versay'da sonbahar: ağaçlar ve çalılar yapraklarını dökmüş, çıplak dalları yalnız gri gökyüzüne bakıyor. Su sakin. Aynada çeşmenin heykel grubunun ve hükümdarın tören alayının ve çevresinin yansıtıldığı sessiz göleti hiçbir şey rahatsız edemez gibi görünüyor. Bir sonbahar manzarasının arka planına karşı sanatçı, hükümdarın saraylılarla birlikte ciddi alayını tasvir ediyor. Yürüyen figürlerin düz modellemesi, onları geçmiş bir dönemin hayaletlerine dönüştürüyor. Mahkeme heyeti arasında Louis XIV'i ​​bulmak zor. Sun King, sanatçı için önemli değildir. Benoit, çağın atmosferiyle, taç sahibi sahibinin zamanlarının Versailles parkının nefesiyle çok daha fazla ilgileniyor. Bu eser, "güneş kralı" döneminin Versailles yaşamının diriltildiği ikinci resim döngüsüne dahil edilmiştir. Benois'in "Versailles"ı bir tür manzara ağıtı, modern bir insanın gözüne uzun süredir sahnelenen bir performansın harap manzarasıyla ıssız bir sahne şeklinde görünen güzel bir dünya. Eskiden muhteşem, ses ve renklerle dolu olan bu dünya şimdi biraz hayalet gibi görünüyor, mezarlık sessizliğinin gölgesinde. Benoit'in The King's Walk'ta bir Versailles parkını sonbaharda ve hafif akşam alacakaranlığında, açık renkli bir gökyüzünün arka planına karşı düzenli bir Fransız bahçesinin yapraksız “mimarisinin” şeffaf bir görünüme dönüştüğü bir saatte tasvir etmesi tesadüf değildir. , geçici bina. Nedimeyle konuşan yaşlı kral, eski bir kurmalı saatin figürleri gibi, tam olarak belirlenmiş aralıklarla arkalarında ve önlerinde yürüyen saraylılar eşliğinde unutulmuş bir minuet'in hafif çanına doğru süzülür. rezervuarın kenarı. Bu retrospektif fantazinin teatral doğası sanatçının kendisi tarafından incelikle ortaya çıkar: çeşmede yaşayan cıvıl cıvıl aşk tanrılarının figürlerini canlandırır, sahnenin dibinde özgürce oturan ve oynanan kukla gösterisine bakan gürültülü bir seyirciyi komik bir şekilde tasvir ederler. insanlar tarafından.

- "Marki Hamamı"

1906 gr.

Rus pitoresk tarihi manzara

51x47.5

karton, guaj

"Markiz Hamamı" adlı resim, yoğun yeşillikler arasında gizlenmiş Versailles Park'ın tenha bir köşesini tasvir ediyor. Güneş ışınları bu gölgeli sığınağa girerek suyun yüzeyini ve banyo tentesini aydınlatır. Kompozisyonda neredeyse simetrik, önden perspektife uygun olarak oluşturulmuş resim, desen ve rengin kusursuz güzelliği izlenimi veriyor. Net geometrik şekillerin hacimleri dikkatlice işlenmiştir (hafif yataylar - zemin, suya inişler ve dikeyler - bosketlerin aydınlatılmış duvarları, çardak sütunları). Ağaçların aralığında gördüğümüz, güneşin aydınlattığı zarif beyaz mermer köşk, resmin üst kısmında, tente başının hemen üstünde tasvir edilmiştir. Hafif su akışlarının banyoya döküldüğü dekoratif maskeler, havuzun beyaz duvarının yatayını kırar. Ve hatta tentenin bankın üzerine atılan hafif kıyafetleri bile (derinlere doğru uzanan çizgilerin kaybolma noktası ile neredeyse örtüşüyor) bu dikkatlice düşünülmüş çizimde gerekli bir kompozisyon unsurudur. Kompozisyon merkezi, elbette, geometrik merkezde yer almasına rağmen, giysili bir tezgah değil, tente başının üzerinde güneşle aydınlatılmış bir çardak gibi göründüğü merkezi bir dikey eksene sahip tüm karmaşık "dörtgen" kompleksidir. taç gibi değerli bir mücevher parçası. Tente başlığı, yatay, dikey ve köşegenlerden oluşan bu karmaşık simetrik deseni organik olarak tamamlar. İyi düşünülmüş ve planlanmış bir parkta, sakinleri bile mükemmelliğini ancak varlıklarıyla tamamlar. Onlar sadece kompozisyonun güzelliğini ve ihtişamını vurgulayan bir unsurdur.

Miriskusyalılar genellikle resimlerinde "resim" olmaması nedeniyle suçlanırlar. Buna cevaben “Markiz Hamamı”nın çeşitli tonlarıyla yeşil rengin bir zaferi olduğunu söyleyebiliriz. Sanatçı, taze yeşilliklerin güzelliğine ve isyanına hayran kalıyor. Resmin ön planı genelleştirilmiş bir şekilde yazılmıştır. Yaprakların arasından parlayan yumuşak ışık, yamaçları yüzme suyuna, mavi-gri ve koyu mavi-yeşil renklerle boyanmış koyu sulara aydınlatır. Uzun vadeli plan daha ayrıntılı olarak işlendi: ağaçların yaprakları dikkatlice ve ustaca boyandı, yapraktan yaprağa, bosquetlerdeki yaprakların hareli en küçük noktalardan, renkli vuruşlardan oluşuyor. Gölgede, farklı tonlarda hem sessiz hem de parlak soğuk yeşillikler görüyoruz. Merkezdeki lüks, güneşli yapraklar küçük, soğuk mavimsi ve sıcak yeşil darbelerle boyanmıştır. Sanatçı, yeşilin doğasını keşfederek, ışık ışınlarında yeşilliklerle banyo yapar gibidir. Derin mavi gölgeler, gri-mor toprak, mavi desenli mor bir elbise, sarı bir eşarp, kurdele etrafında mavi çiçekli bir şapka, yeşil bir yamaçta beyaz noktalar ve markizin saç stilinde kırmızı damlalar, siyah üzerine kırmızı damlalar kadının kafası, çalışmanın tek renkli yeşil olmasını engelliyor. " Marki Hamamı "- tarihi bir manzara.

- A.S.'nin şiirine illüstrasyonlar Puşkin'in "Bronz Süvari" (1904-22.), dahil olmak üzere:

Yirminci yüzyılın ilk on yıllarında, Alexander Nikolaevich Benois'in (1870 - 1960) "Bronz Süvari" için çizimleri yapıldı - Puşkin'in illüstrasyonunun tüm tarihinde yaratılmış en iyisi. Benoit, 1903'te Bronz Süvari üzerinde çalışmaya başladı. Önümüzdeki 20 yıl boyunca, çok sayıda seçenek ve eskizlerin yanı sıra bir çizimler, başlıklar ve sonlar döngüsü yarattı. Cep baskısı için hazırlanan bu illüstrasyonların ilk baskısı 1903'te Roma ve St. Petersburg'da yapıldı. "World of Art" dergisinin 1904 tarihli ilk sayısında Diaghilev tarafından farklı bir formatta basıldılar. İlk illüstrasyon döngüsü mürekkep ve sulu boya ile yapılmış 32 çizimden oluşuyordu. 1905'te A.N. Benois, Versailles'deyken önceki altı illüstrasyonunu elden geçirdi ve Bronz Süvari'nin ön yüzünü tamamladı. Bronz Süvari'nin yeni çizimlerinde, Süvari'nin küçük bir adam arayışı teması ana tema haline geliyor: kaçak üzerindeki siyah süvari, Falcone'un şaheseri değil, zalim güç ve gücün kişileştirilmesidir. Ve St. Petersburg, sanatsal mükemmelliği ve inşaat fikirlerinin kapsamı ile fetheden değil, kasvetli bir şehir - kasvetli evler, ticaret sıraları, çitler kümesi. Bu dönemde sanatçıyı saran kaygı ve kaygı, burada Rusya'daki insanın kaderi hakkında gerçek bir ağlamaya dönüşüyor. 1916, 1921–1922'de, döngü üçüncü kez revize edildi ve yeni çizimlerle desteklendi.

- "Chase Scene" (ön yüz)

Alexander Puşkin'in "Bronz Süvari" şiirinin ön yüzünün taslağı, 1905

Kitap grafikleri

23,7 x 17,6

kağıt üzerine sulu boya

Tüm Rusya Müzesi A.S. Puşkin, St.Petersburg

1905'te AN Benois, Versailles'dayken, önceki altı çizimini elden geçirdi ve ön yüzünü tamamladı (ön sayfa, başlık sayfasının ön sayfasını ve bu görüntünün kendisini oluşturan bir resmin bulunduğu bir sayfadır.) Bronz Süvari"... Bronz Süvari'nin yeni çizimlerinde, Süvari'nin küçük bir adam arayışı teması ana tema haline geliyor: kaçak üzerindeki siyah süvari, Falcone'un şaheseri değil, zalim güç ve gücün kişileştirilmesidir. Ve St. Petersburg, sanatsal mükemmelliği ve inşaat fikirlerinin kapsamı ile fetheden değil, kasvetli bir şehir - kasvetli evler, ticaret sıraları, çitler kümesi. Bu dönemde sanatçıyı saran kaygı ve kaygı, burada Rusya'daki insanın kaderi hakkında gerçek bir ağlamaya dönüşüyor. Ön planda solda, koşan bir Yevgeny figürü, sağda - at sırtında onu sollayan bir binici. Arka planda şehir manzarası var. Ay, sağdaki bulutların arkasından görülebilir. Binici figüründen dev bir gölge kaldırıma düşüyor. "Bronz Süvari" üzerinde çalışırken, Benoit'in bu yıllardaki en yüksek yükselişini tanımladı.

Somov Konstantin Andreevich (1869 - 1939)

Konstantin Andreevich Somov (30 Kasım 1869, St. Petersburg - 6 Mayıs 1939, Paris) - Rus ressam ve grafik sanatçısı, portre ve manzara ustası, illüstratör, "World of Art" derneğinin ve dergisinin kurucularından biri aynı isimden. Konstantin Somov, ünlü bir müze figürü, Hermitage küratörü Andrei Ivanovich Somov'un ailesinde doğdu. Hala spor salonundayken Somov, daha sonra Sanat Dünyası topluluğunun yaratılmasına katıldığı A. Benois, V. Nouvel, D. Filosofov ile tanıştı. Somov, "World of Art" dergisinin tasarımında ve A. Benois'in editörlüğünde yayınlanan "Art Treasures of Russia" (1901-1907) dergisinin tasarımında aktif rol aldı, "Count Nulin" için illüstrasyonlar yarattı. A. Puşkin (1899), öyküler N. Gogol'un "Burun" ve "Nevsky Prospect" (1901), K. Balmont'un şiir koleksiyonları "Ateş Kuşu"nun kapaklarını boyadı. Slav Svirel ", V. Ivanov" Cor Ardens ", A. Blok" Tiyatro "ve diğerlerinin kitabının başlık sayfası. Resim, eskiz ve çizimlerden oluşan ilk kişisel sergi (162 eser) St. Petersburg'da yapıldı. 1903'te; Aynı yıl Hamburg ve Berlin'de 95 eser gösterildi. Peyzaj ve portre resim ve grafiklerinin yanı sıra Somov, küçük plastik alanında çalıştı ve zarif porselen kompozisyonlar "Count Nulin" (1899), "Aşıklar" (1905), vb. Oluşturdu. Ocak 1914'te tam üye statüsü aldı. Sanat Akademisi'nden. 1918'de Golike ve Vilborg (St. Petersburg) yayınevi, Somov'un erotik çizimleri ve illüstrasyonlarıyla en ünlü ve eksiksiz baskısını yayınladı: Sanatçının sadece kitabın tüm tasarım öğelerini yaratmadığı Markizin Kitabı, aynı zamanda Fransızca seçilmiş metinler. 1918'de Petrograd devlet serbest sanat eğitim atölyelerinde profesör oldu; E. N. Zvantseva'nın okulunda çalıştı. 1919'da jübile kişisel sergisi Tretyakov Galerisi'nde gerçekleşti. 1923'te Somov, Rusya Sergisinin yetkili temsilcisi olarak Amerika'ya gitmek üzere Rusya'dan ayrıldı; Ocak 1924'te New York'taki bir sergide Somov'a 38 eser sunuldu. Rusya'ya dönmedi. 1925'ten itibaren Fransa'da yaşadı; 6 Mayıs 1939'da Paris'te aniden öldü.

Somov'un portresi

Otoportre, 1895

Otoportre, 1898

46 x 32,6

Karton üzerine sulu boya, kurşun kalem, pastel, kağıt

Otoportre, 1909

45,5 x 31

Sulu boya, guaj, kağıt

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

- “Mavili bayan. Sanatçı Elizaveta Martynova'nın Portresi "(1897-1900, Devlet Tretyakov Galerisi)

Sanatçı uzun zamandır Elizaveta Mikhailovna Martynova ile arkadaştı, onunla Sanat Akademisi'nde okudu. 1897'de K. Somov, E.M.'nin portresi üzerinde çalışmaya başladı. Martynova, ayrıntılı bir planla. Sanatçının önünde çok ilginç bir model vardı ve derin şiirsel bir görüntü yakalayabileceği bir portre-resim fikri hakkında endişeliydi. Gür, dekolteli bir elbise içinde, alçaltılmış elinde bir şiir kitabı olan genç bir kadın, aşırı büyümüş bir çalının yeşil duvarına karşı ayakta tasvir edilmiştir. YEMEK YEMEK. Sanatçı, Martynova'yı geçmişin dünyasına götürüyor, ona eski bir elbise giydiriyor ve modeli geleneksel bir dekoratif parkın arka planına yerleştiriyor. Açık pembe bulutlu akşam gökyüzü, eski bir parkın ağaçları, rezervuarın karanlık yüzeyi - tüm bunların rengi mükemmel, ancak gerçek bir "sanat dünyası" gibi, K. Somov manzarayı stilize ediyor. Bu yalnız, özlem dolu kadına bakan izleyici, onu başka bir dünyadan, geçmişten ve uzaklardan biri olarak algılamaz. Bu 19. yüzyılın sonlarında bir kadın. Onunla ilgili her şey karakteristiktir: hem acı veren bir kırılganlık hem de ağrılı bir melankoli hissi, iri gözlerinde hüzün ve kederle sıkıştırılmış dudakların yoğun çizgisi. Heyecanla nefes alan gökyüzünün arka planına karşı, E.M.'nin kırılgan figürü. Martynova, ince boynuna, ince eğimli omuzlarına, gizli üzüntü ve acısına rağmen özel zarafet ve kadınlıkla doludur. Bu arada, E.M. Herkes Martynova'yı neşeli, neşeli bir genç kadın olarak tanıyordu. YEMEK YEMEK. Martynova harika bir gelecek hayal etti, kendini gerçek sanatta gerçekleştirmek istedi ve günlük hayatın koşuşturmacasını hor gördü. Ve öyle oldu ki, 30 yaşında akciğer tüberkülozundan öldü, planından hiçbir şeyi yerine getirmeye vakti olmadı. Portrenin görkemine rağmen, içinde gizli bir duygulu not var. Ve izleyiciye, kadın kahramanın ruh halini, sanatçının kendisinin dolu olduğu sempatiyle dolup taşmasını sağlar. "Mavili Kadın" 1900 yılında "World of Arts" sergisinde (sanatçının Paris'e gitmesi ve modelin hastalığı nedeniyle bu resim üç yıl boyunca boyanmıştı) "Portre" başlığı altında yer aldı ve üç yıl sonra Tretyakov Galerisi tarafından satın alındı.

- "Akşam" (1902, Devlet Tretyakov Galerisi)

142,3 x 205,3

tuval, yağ

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Şair Valery Bryusov, Somov'u “nefis kısa öykülerin yazarı” olarak adlandırdı. Ne de olsa, Somov'un kısa öyküleri baştan sona teatraldir. Som'un "gerçekliği", "Akşam" (1902) resminde stilistik olarak tamamlanmış görünüyor. ahenkli ve törensel ritim: pasajların tekrarları, uzaklaşan bosquet uçaklarının münavebesi, hanımların yavaş, sanki törensel hareketleri… Buradaki doğa bile, 18. yüzyıldan esinlenen, üslubun özelliklerini taşıyan bir sanat eseridir. Ama hepsinden önemlisi, insan, doğa ve sanatın uyumlu bir bütünlük içinde olduğu altın rengi gökyüzünün ve yaldızlı heykellerin büyülü, garip bir şekilde durağan dünyası olan "Somov" dünyası. kıyafetlerin kırmızı renkleri vesaire. Kırmızı topuklu klozetlerin, yüzüklerin, kurdelelerin, ayakkabıların incelikle işlenmiş detaylarına bakmak ayrı bir keyif. "Akşam" resminde gerçek bir anıtsallık yoktur. Somovsky dünyası, manzaranın geçiciliğini taşır, bu nedenle tuvalin büyük boyutu tesadüfi gibi görünmektedir. Bu büyütülmüş bir küçük resim. Somov'un odası, samimi yetenek her zaman minyatüre yönelir. Çağdaşlar "Akşam" ı gerçekliğin bir kontrastı olarak algıladılar: "Bize saf görünen, zayıf kaslarla, buharlı lokomotifler olmadan - yavaş hareket eden, sürünen (bizimkine kıyasla) - ve doğayı nasıl ele geçirebileceği, baştan çıkarabileceği dönem doğa, neredeyse onu kostümünün bir uzantısı haline getiriyor" ... Somov'un retrospektiflerinde genellikle fevkalade kurgusal bir renk vardır, fantezilerin neredeyse her zaman geçmişe dönük bir rengi vardır.

- "Harlequin ve Lady" (1912, Tretyakov Galerisi)

1912 1921

62,2 x 47,5

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Somov'un sanatsal konsepti burada özel bir bütünlük kazanıyor. Resmin bütün yapısı açıkçası tiyatro sahnesine benziyor. İki ana karakter ön planda, resmin ortasında, izleyiciye bakan, komedi Marivaux'un oyuncuları gibi bir diyalog yürütür. Arkadaki figürler yan karakterler gibidir. Tiyatro spotları gibi havai fişeklerin sahte ışığıyla aydınlanan ağaçlar, bir kısmı ön planda görünen havuz, orkestra çukurunu düşündürüyor. Karakterlerin aşağıdan yukarıya bakış açısı bile tiyatro salonundan seyircinin bakış açısı gibi görünmektedir. Sanatçı, kırmızı, sarı ve mavi yamalarla bezeli kıvrımlı bir Harlequin'in, maskesini çıkarmış, kırmızı güllerin parıldadığı, gökyüzüne şenlik havai fişeklerinin saçıldığı robronlu bir hanımefendiyi nazlı bir şekilde kucakladığı bu renkli maskeli baloya hayran kalıyor. . Somov'a göre, fantomların bu aldatıcı dünyası, geçici varoluşlarıyla gerçekliğin kendisinden daha canlıdır.

Bir dizi grafik portre, dahil. -

- "A. Blok Portresi" (1907, Tretyakov Galerisi)

"Alexander Alexandrovich Blok'un Portresi", 1907

38 x 30

Kurşun ve renkli kalemler, kağıt üzerine guaj

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

1907'de Somov, L. A. Blok'un görüntülerini yaratır. Somov'un portreleri hiçbir şekilde doğrudan bir taklit olmasa da, onlarda, 16. yüzyılın sonlarında ve özellikle 17. yüzyılın Fransız karakalem portresinin (sanguine kullanımıyla) en yakın çalışmasının izleri görülebilir. Fransız kurşun kalem portresinin gelenekleri, Somov tarafından tanınmayacak şekilde dönüştürüldü. Resmin karakteri tamamen farklıdır. Somov, Blok ve Lancer'ın portrelerinde (her ikisi de Devlet Tretyakov Galerisi'nde) azami kısalık için çabalıyor. Şimdi Blok portresinde bir omuz görüntüsü var. Tüm alakasız ayrıntılar atılır. Somov, yalnızca omuzların siluetinin ana hatlarını ve tasvir edilenin görüntüsünün ayrılmaz bir parçası olan kostüm ayrıntılarını - Blok'un her zaman giydiği devrik yakaları - dikkatli bir şekilde özetliyor. Figür ve kostüm tasvirindeki özlü anlatımın aksine, portrenin yüzü dikkatlice işlenir ve sanatçı, bunların sunumuna, özellikle Blok'un portresinde etkileyici görünen birkaç renk vurgusu ekler. Sanatçı, renkli kalemlerle Blok'un gri-mavi gözlerinin soğuk, "kış" görünümünü, yarı açık dudaklarının pembeliğini, badanalı - pürüzsüz bir alnı kesen dikey bir kıvrımla aktarıyor. Blok'un kalın kıvırcık saçlarla çerçevelenmiş yüzü donmuş bir maskeyi andırıyor. Portre, benzerliği ile çağdaşlarını etkiledi. Birçoğu, Blok'ta bulunan "özelliklerin balmumu hareketsizliğine" de dikkat çekti. Somov, portresinde, özelliklerin bu ölülüğünü mutlak bir seviyeye yükseltti ve böylece Blok imajını kişiliğinin özünü oluşturan çok yönlülük, manevi zenginlikten mahrum etti. Blok, portreyi sevmesine rağmen, onun tarafından "yüklendiğini" itiraf etti.

Bakst Lev Samoilovich (Leib-Chaim Izrailevich Rosenberg, 1866 - 1924)

Sanat Akademisine gönüllü olarak girmek için L. S. Bakst, küçük bir işadamı olan babasının direncini yenmek zorunda kaldı. Dört yıl (1883-87) okudu, ancak akademik eğitimle hayal kırıklığına uğradı ve eğitim kurumunu terk etti. Kendi başına resim yapmaya başladı, suluboya tekniğini öğrendi, çocuk kitapları ve dergileri çizerek geçimini sağladı. 1889'da sanatçı, anneannesinin (Baxter) kısaltılmış soyadı olan bir takma ad benimseyerek eserlerini ilk kez sergiledi. 1893-99 Paris'te geçirdi, sık sık Petersburg'u ziyaret etti ve kendi tarzını aramak için çok çalıştı. A. N. Benois, K. A. Somov ve S. P. Diaghilev ile yakınlaşan Bakst, "World of Art" (1898) derneğinin yaratılmasının başlatıcılarından biri oldu. Bakst, "World of Art" dergisi için yaptığı grafik çalışmalarıyla ünlendi. Şövale sanatını incelemeye devam etti - I.I. Levitan, F.A.Malyavin (1899), A. Bely (1905) ve 3. N. Gippius'un (1906) mükemmel grafik portrelerini yaptı ve V.V. Rozanov'un (1901), SPDyagilev ile SPDyagilev'in portrelerini yaptı. bir dadı (1906). Rus sanatında Art Nouveau tarzının bir tür manifestosu haline gelen "Akşam Yemeği" (1902) adlı resmi, eleştirmenler arasında şiddetli tartışmalara neden oldu. Daha sonra, kaderin kaçınılmazlığının sembolist fikrini somutlaştıran "Antik Korku" (1906-08) adlı tablosuyla izleyiciler üzerinde güçlü bir izlenim bıraktı. 1900'lerin sonunda. kendini tiyatroda çalışmakla sınırladı, zaman zaman kendisine yakın insanların grafik portrelerini istisna etti ve tarihe Art Nouveau döneminin seçkin bir tiyatro sanatçısı olarak geçti. Tiyatroya ilk kez 1902'de "Markizin Kalbi" pandomimini tasarlayarak başladı. Daha sonra, esas olarak manzarası nedeniyle başarılı olan "Bebeklerin Perisi" (1903) balesi sahnelendi. Birkaç performans daha tasarladı, sanatçılar için, özellikle M. M. Fokin'in (1907) ünlü "Kuğu" nda A. P. Pavlova için ayrı kostümler yaptı. Ancak Bakst'ın gerçek yeteneği, "Rus Mevsimleri" ve ardından "S.P. Diaghilev'in Rus Balesi" bale performanslarında ortaya çıktı. Cleopatra (1909), Scheherazade and Carnival (1910), Vision of a Rose and Narcissus (1911), Blue God, Daphnis and Chloe ve Faun's Afternoon Rest (1912), Oyunlar (1913), dekoratif hayal gücüyle yorgun Batılı izleyicileri şaşırttı, renk zenginliği ve gücü ile Bakst tarafından geliştirilen tasarım teknikleri, bale senografisinde yeni bir dönemin başlangıcını işaret etti. Russian Seasons'ın önde gelen sanatçısı Bakst'ın adı, en iyi sanatçıların ve ünlü koreografların isimleriyle birlikte yankılandı. Diğer tiyatrolardan da ilginç siparişler aldı. Tüm bu yıllar boyunca Bakst, Avrupa'da yaşadı, ancak ara sıra anavatanına geri döndü. Diaghilev topluluğuyla işbirliğine devam etti, ancak onunla S.P.Dyaghilev arasındaki çelişkiler yavaş yavaş büyüdü ve 1918'de Bakst gruptan ayrıldı. Yorulmadan çalıştı, ancak artık temelde yeni bir şey yaratamadı. Pulmoner ödemden ölüm, ününü kazandığı sırada, solmaya başlasa da, yine de parlak olsa da Bakst'ı geride bıraktı.

Sanatçının portresi

Otoportre, 1893

34 x 21

karton üzerine yağ

Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg, Rusya

- "Elysium" (1906, Devlet Tretyakov Galerisi)

Dekoratif panel, 1906.

158 x 40

Karton üzerine sulu boya, guaj, kağıt

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

- "Antik (Antik) Korku" (1908, RM)

250 x 270 tuval üzerine yağlı boya

Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg

"Antik Korku", Leon Bakst'ın eski bir uygarlığın (muhtemelen Atlantis'in) doğal bir felakette ölümünü betimleyen bir tablosudur. Pagan dünya görüşünde, "antik korku", karanlık ve insanlık dışı bir Kaderin yönetimi altındaki dünyadaki yaşamın dehşeti, onun kölesi olan ve umutsuzca boyun eğen (Fatum) bir kişinin acizliğinin dehşetidir; ve aynı zamanda, içine dalma felaket olan bir hiçlik uçurumu olarak kaosun dehşeti. Kadim korkunun altında, kaderin dehşetini anladı. Sadece insani olan her şeyin değil, ilahi olanın taptığı her şeyin eskiler tarafından göreceli ve geçici olarak algılandığını göstermek istedi. Neredeyse kare biçimindeki büyük bir tuval, yüksek bir bakış açısıyla boyanmış bir manzara panoraması tarafından işgal edilmiştir. Manzara bir şimşek çakması ile aydınlanır. Tuvalin ana alanı, gemileri yok eden ve kale duvarlarına çarpan azgın deniz tarafından işgal edilir. Ön planda nesiller boyu süslenmiş arkaik bir heykel figürü var. Heykelin sakin gülümseyen yüzünün kontrastı, arkasındaki unsurların isyanıyla karşılaştırıldığında özellikle dikkat çekicidir. Sanatçı, izleyiciyi, ayaklarımızın altındaki derinliklerde bir yerde ortaya çıkan, bu panoramik perspektifin mümkün olan tek olduğu görünmez bir yüksekliğe taşıyor. İzleyiciye en yakın olanı, arkaik Kıbrıslı Afrodit'in devasa heykelinin bulunduğu tepedir; ama tepe, ayak ve idolün bacakları tuvalin dışındadır: sanki dünyanın kaderinden özgürmüş gibi, tanrıça bize yakın, derinlerde yatan denizin karanlığında yükselir. Tasvir edilen kadın heykeli, esrarengiz bir arkaik gülümsemeyle gülümseyen ve elinde mavi bir kuş (veya Afrodit'in simgesi olan bir güvercin) tutan bir tür arkaik kabuktur. Geleneksel olarak, hangi tanrıçaların kabuk tarafından tasvir edildiği henüz belirlenmemiş olmasına rağmen, Bakst - Afrodit tarafından tasvir edilen heykeli aramak gelenekseldir. Heykelin prototipi, Akropolis'teki kazılar sırasında bulunan bir heykeldi. Bakst'ın karısı kayıp eli için poz verdi. Tanrıçanın arkasından açılan ada manzarası, Atina Akropolü'nden bir görünümdür. Dağların eteğinde ön plandaki resmin sağ tarafında, Pruzhan'a göre binalar - Miken Aslanlı Kapısı ve Tiryns'teki saray kalıntıları var. Bunlar, Yunan tarihinin erken, Girit-Miken dönemine kadar uzanan yapılardır. Solda, klasik Yunanistan'a özgü binalar arasında korku içinde koşan bir grup insan var - büyük olasılıkla bu, propileaları ve devasa heykelleriyle Akropolis. Akropolis'in ötesinde, simli zeytinlerle büyümüş, şimşeklerle aydınlatılmış bir vadi var.

Bale dekorasyonu, dahil. -

"A.S. Arensky'nin müziğine" Kleopatra balesi için Ida Rubinstein için bir Kleopatra kostümü taslağı

1909

28 x 21

Kalem, sulu boya

"Şehrazad" (1910, Rimsky-Korsakov'un müziği)

"N.A. Rimsky-Korsakov'un müziğine" Scheherazade "bale için manzara taslağı", 1910

110 x 130

tuval, yağ

Nikita ve Nina Lobanov-Rostovsky Koleksiyonu, Londra

"Scheherazade" balesi için Mavi Sultan için kostüm tasarımı

1910

29,5 x 23

Suluboya, kalem

Nikita ve Nina Lobanov-Rostovsky Koleksiyonu, Londra

Dobuzhinsky Mstislav Valerianovich (1875 - 1957)

MV Dobuzhinsky, bir topçu subayının oğluydu. St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinin ilk yılından sonra, Dobuzhinsky, St. Petersburg Sanat Akademisi'ne girmeye çalıştı, ancak kabul edilmedi ve 1899'a kadar özel stüdyolarda okudu. 1901'de St. Petersburg'a dönerek yakınlaştı. World of Art derneğinin en önemli temsilcilerinden biri oldu. Dobuzhinsky ilk çıkışını grafiklerde yaptı - dergilerdeki ve kitaplardaki çizimler, St. Petersburg'u bir şehir olarak algılayabildiği şehir manzaraları. Şehrin teması hemen çalışmalarının ana konularından biri haline geldi. Dobuzhinsky şövale grafikleri ve resim ile uğraştı, çeşitli eğitim kurumlarında başarıyla öğretti. Yakında Moskova Sanat Tiyatrosu onu Ivan Turgenev'in “Ülkede Bir Ay” (1909) oyununu sahnelemeye davet etti. Sahnelediği sahnenin büyük başarısı, sanatçı ile ünlü tiyatro arasındaki yakın işbirliğinin temellerini attı. Bu işbirliğinin zirvesi, FM Dostoyevski'nin "Şeytanlar" adlı romanına dayanan "Nikolai Stavrogin" (1913) oyununun sahnesiydi. Keskin ifade ve nadir özlülük, bu yenilikçi çalışmayı Rus senografisinin gelecekteki keşiflerini öngören bir fenomen haline getirdi. Devrim sonrası Rusya'da gelişen olayların sağlam bir algısı, 1925'te Dobuzhinsky'yi Litvanya vatandaşlığını kabul etmeye ve Kaunas'a taşınmaya zorladı. 1939'da Dobuzhinsky, aktör ve yönetmen Mikhail Chekhov ile Demons oyununda çalışmak için ABD'ye gitti, ancak II. Hayatının son yılları onun için en zoru oldu - kendisine yabancı olan Amerikan yaşam tarzına ve Amerikan sanat piyasasının geleneklerine uyum sağlayamadı ve uyum sağlamak istemedi. Sık sık mali zorluklar yaşadı, yalnız yaşadı, yalnızca dar bir Rus göçmen çevresiyle iletişim kurdu ve en azından bir süreliğine Avrupa'ya çıkmak için her fırsatı kullanmaya çalıştı.

Sanatçının portresi

Otoportre. 1901

55x42

tuval, yağ

Devlet Rus Müzesi

Münih Okulu Sandor Holloshi'de resimsel göreve göre yürütülen çalışma, karakterlerini yoğun, duygusal olarak aktif bir ortama sokmayı seven Eugene Career'in sembolist kompozisyonlarına yakın. Modeli çevreleyen gizemli pus, yüzdeki ve figürdeki titreşen “renkli” ışık, gölgeli gözlerin keskin enerjik ve gizemli ifadesini güçlendiriyor gibi görünüyor. Bu, içten bağımsız ve soğukkanlı bir genç adam imajına bir tür şeytanlığın özelliklerini verir.

- "1830'ların Eyaleti" (1907-1909, Devlet Rus Müzesi)

60 x 83,5

Karton, kurşun kalem, sulu boya, badana

Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg

"1830'ların Eyaleti", yarım yüzyıldan fazla bir süre önce bir Rus kasabasında günlük hayatın akışından etkilenen bir sanatçının bakışını yakalıyor. Sütunun kasıtlı olarak neredeyse kompozisyonun ortasına yerleştirilmesiyle görüntünün "kapılması", olup bitenlerin bir filmin tesadüfen görülen bir karesi olarak algılanmasına katkıda bulunur. Ana karakterin yokluğu ve resmin plansızlığı, izleyicinin boş beklentileri olan sanatçının bir tür oyunudur. Eğik evler, eski kiliselerin kubbeleri ve görevinde uyuyan bir polis - bu, şehrin ana meydanının manzarası. Görünüşe göre yeni kıyafetler için şapkacıya acele eden bayanların telaşı, neredeyse Dobuzhinsky tarafından karikatürize ediliyor. Eser, sanatçının zararsız nezaketinin havasıyla doludur. Eserin canlı rengi, yüzyılın başında çok popüler bir kartpostal gibi görünmesini sağlıyor. "1830'ların Rus eyaleti" (suluboya, grafik kalem, Devlet Rus Müzesi) resmi 1907'ye kadar uzanıyor. Alışveriş merkezlerinin uyukladığı, baltasına yaslandığı, güvenlik görevlisinin, elektrik direğine sürtünen kahverengi bir domuzun, yoldan geçen birkaç kişinin ve ortasında kaçınılmaz su birikintisinin olduğu bir taşra kasabasının uykulu meydanını tasvir ediyor. Gogol'un anıları tartışılmaz. Ancak Dobuzhinsky'nin resmi alaycılıktan yoksundur.Sanatçının zarif grafikleri dokunduğu her şeyi yüceltir. Dobuzhinsky'nin kalem ve fırçasının altında, İmparatorluk tarzı Gostiny Dvor'un oranlarının güzelliği, 1930'ların şık takım elbisesi, meydandan geçen bir bayanın üzerinde "sepet" şapkalı, çan kulesinin ince silüeti geliyor. ön. Dobuzhinsky'nin ince üslubu bir sonraki zaferine galip geliyor.

- "St. Petersburg'daki Ev" (1905, Devlet Tretyakov Galerisi)

37x49

Pastel, guaj, karton üzerine kağıt

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

- "Gözlüklü Adam" (Yazar Konstantin Sunnerberg'in Portresi, 1905-1906, Devlet Tretyakov Galerisi)

Sanat eleştirmeni ve şair Konstantin Sunnerberg'in portresi

1905

63,3 x 99,6

Karakalem, sulu boya, karton üzerine kağıt

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Bir portre ressamı olmayan Dobuzhinsky, bütün bir entelektüel-kasabalı neslini bünyesinde barındıran en geniş imge-sembollerden birini yarattı. "Gözlüklü Adam" (1905-1906) resmi, Konst takma adı altında hareket eden şair ve sanat eleştirmeni KA Sunnerberg'i tasvir ediyor. Erberg. Adam saygın bir elbisenin sert kabuğuna sıkıca kapatılmış, gözlük camlarıyla dünyadan perdelenen gözleri neredeyse görünmez. Tüm figür, sanki üçüncü boyuttan yoksunmuş gibi, inanılmaz derecede dar bir alana yayılmış, sıkıştırılmıştır. Bir adam, deyim yerindeyse, iki cam levha arasına yerleştirilmiş - fantastik bir şehrin tuhaf faunasının bir örneği - pencerenin dışından görülebilen St. Petersburg, izleyiciye başka bir yüz gösteriyor - çok katlı, çok borulu şehircilik ve taşra arka bahçeleri.

Lanceray Evgeny Evgenievich (1875 - 1946)

Rus ve Sovyet sanatçısı. Birinci St. Petersburg Gymnasium'dan mezun oldu. 1892'den itibaren St. Petersburg'daki Sanat Teşvik Derneği Çizim Okulu'nda okudu ve burada Ya.F. Tsionglinsky, NS Samokish, EK Lipgart'ın derslerine katıldı. 1895'ten 1898'e kadar Lanceray, Avrupa'yı kapsamlı bir şekilde gezdi ve F. Calarosi ve R. Julien'in Fransız akademilerinde becerilerini geliştirdi. 1899'dan beri - World of Art derneğinin bir üyesi. 1905'te Uzak Doğu'ya gitti. 1907-1908'de, yüzyılın başında Rusya'nın kültürel yaşamında kısa süreli, ancak ilginç ve dikkat çekici bir fenomen olan "Antik Tiyatro" nun kurucularından biri oldu. Lanceray, 1913-1914 yıllarında tiyatro ile çalışmaya devam etti. 1912-1915 - bir porselen fabrikasının sanat yönetmeni ve St. Petersburg ve Yekaterinburg'daki cam oyma atölyeleri. 1914-1915 - Birinci Dünya Savaşı sırasında Kafkas cephesinde savaş sanatçısı-muhabir. 1917-1919'u Dağıstan'da geçirdi. 1919'da A. I. Denikin'in Gönüllü Ordusu'nun (OSVAG) Bilgi ve Ajitasyon Bürosunda sanatçı olarak işbirliği yaptı. 1920'de Rostov-on-Don'a, ardından Nahcivan-on-Don'a ve Tiflis'e taşındı. 1920'den beri - Etnografya Müzesi'nde bir ressam, Kafkas Arkeoloji Enstitüsü ile etnografik gezilere çıktı. 1922'den beri - Gürcistan Sanat Akademisi Profesörü, Moskova Mimarlık Enstitüsü. 1927'de Georgia Sanat Akademisi'nden altı aylığına Paris'e gönderildi. 1934'te Tiflis'ten Moskova'ya kalıcı olarak taşındı. 1934'ten 1938'e kadar Leningrad'daki Tüm Rusya Sanat Akademisi'nde ders verdi. ONA. Lanceray 13 Eylül 1946'da öldü.

Sanatçının portresi

- "Tsarskoe Selo'daki İmparatoriçe Elizabeth Petrovna" (1905, Devlet Tretyakov Galerisi)

43,5 x 62

Guaj, karton üzerine kağıt

Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Evgeny Evgenievich Lansere çok yönlü bir sanatçıdır. Moskova metrosu istasyonlarını, Kazansky tren istasyonunu, "Moskova" otelini, manzaraları, 18. yüzyılın Rus tarihinden bir tema üzerine resimleri süsleyen anıtsal duvar resimleri ve panellerin yazarı, aynı zamanda harika bir illüstratördü. Rus edebiyatının klasik eserlerinden ("Dubrovsky" ve "Shot" A S. Puşkin, L. N. Tolstoy'un "Hacı Murad"), 1905'te hiciv dergilerinde keskin siyasi karikatürlerin yaratıcısı, tiyatro ve dekoratif sanatçı. Burada çoğaltılan resim, sanatçının en ilginç ve önemli şövale eserlerinden biridir ve 20. yüzyılın başlarındaki sanatta tarihi resim anlayışının ta kendisidir. Böylece, dönemin atmosferi, mimaride somutlaşan sanat görüntüleri ve park toplulukları, insanların kostümleri ve saç stilleri, manzara aracılığıyla mahkeme yaşamını, ritüelleri gösterir. Kraliyet alaylarının teması özellikle favori oldu. Lanceray, Elizabeth Petrovna'nın kır evindeki avlusunun ciddi çıkışını tasvir ediyor. Tiyatro sahnesindeymiş gibi, seyircinin önünde bir alayı gerçekleşir. İnanılmaz güzelliğe sahip dokuma giysiler giymiş şişman bir imparatoriçe, muhteşem bir görkemle yüzüyor. Bunu kabarık kıyafetli ve pudralı peruklu bayanlar ve baylar takip ediyor. Sanatçı yüzlerinde, duruşlarında ve jestlerinde farklı karakterler ve tipler ortaya koyuyor. Şimdi aşağılayıcı bir şekilde çekingen, bazen kibirli ve asil saraylılar görüyoruz. Elizabeth ve sarayının gösterisinde, sanatçının ironisini ve hatta biraz groteskini fark etmemek mümkün değil. Lanceray, tasvir ettiği insanları beyaz mermer heykelin asil sadeliği ve Rastrelli Sarayı'nın muhteşem mimarisinde somutlaşan gerçek ihtişam ve düzenli parkın güzelliği ile karşılaştırıyor.

Ostroumova-Lebedeva Anna Petrovna (1871 - 1955)

A.P. Ostroumova-Lebedeva, önde gelen bir yetkili P.I.Ostroumov'un kızıydı. Hala bir lise öğrencisiyken, ilkokula CUTR'de devam etmeye başladı. Daha sonra, gravür tekniğiyle taşındığı okulun kendisinde ve I.E. Repin'in stüdyosunda resim yapmakla meşgul olduğu Sanat Akademisi'nde okudu. 1898-99'da. Paris'te çalıştı, resim (J. Whistler ile) ve gravürde ilerledi. 1900 hayatında bir dönüm noktası olduğu ortaya çıktı, sanatçı ilk kez gravürleriyle "Sanat Dünyası" sergisinde (daha sonra çalışmalarını sıkıca bağladığı) yaptı, ardından OPKh'de gravürler için ikinci ödülü aldı. Yarışma ve Sanat Akademisi'nden sanatçı ünvanı ile mezun olan, 14 gravür sunarak... Ostroumova-Lebedeva, Rusya'da bağımsız bir sanat türü olarak şövale ahşap oymacılığının yeniden canlanmasında ana rolü oynadı - yeniden üretim tekniği olarak uzun bir varoluştan sonra; sanatçının renkli gravürün canlanmasına katkısı özellikle büyüktür. Biçim ve rengi genelleştirmenin orijinal teknikleri, onun tarafından çalışıldı, diğer birçok sanatçı tarafından ustalaştı ve kullanıldı. Gravürlerinin ana teması, imajını onlarca yıl boyunca yorulmadan adadığı Petersburg'du. Renkli ve siyah-beyaz gravürleri - her ikisi de şövale, döngüler halinde birleştirildi ("Petersburg", 1908-10; "Pavlovsk", 1922-23, vb.) ve V. Ya. Kurbatov'un "Petersburg" kitapları için uygulandı ( 1912) ve NP Antsiferov'un "Petersburg'un Ruhu" (1920) - şehrin görkemli güzelliğinin duyumunun ve aktarımının doğruluğunda ve ifade araçlarının nadir vecizliğinde hala eşsizdir. Birçok kez yeniden basıldılar ve farklı nedenlerle uzun zamandır ders kitabı haline geldiler ve son derece popülerler. Kendi yollarıyla, sanatçının hem yurtdışında (İtalya, Fransa, İspanya, Hollanda) hem de ülke çapında (Bakü, Kırım) sık seyahatlerin izlenimlerine dayanarak yarattığı eserler ilginç ve nadirdi. Bunların bir kısmı gravür, bir kısmı da sulu boya ile yapılmıştır. Yetenekli ve iyi eğitimli bir ressam olan Ostroumova-Lebedeva, kokuları astım krizlerine neden olduğu için yağlı boyalarla çalışamadı. Ancak, suluboya resminin zor ve kaprisli tekniğine mükemmel bir şekilde hakim oldu ve tüm hayatı boyunca onunla uğraştı, mükemmel manzaralar ve portreler yarattı ("Sanatçı IV Ershov'un Portresi", 1923; "Andrei Bely'nin Portresi", 1924; "Portresinin Portresi". sanatçı ES Kruglikova ", 1925, vb.). Ostroumova-Lebedeva savaşını kuşatılmış Leningrad'da geçirdi, sevgili eserini terk etmedi ve Otobiyografik Notlar'ın üçüncü cildindeki çalışmaları tamamladı. Sanatçının hayatının son yılları yaklaşmakta olan körlük tarafından karardı, ancak mümkün olduğunca çalışmaya devam etti.

Bir dizi baskı ve çizim "St. Petersburg ve banliyölerinin manzaraları", dahil. -

Olgun yaratıcı hayatı boyunca, A.P. Ostroumova-Lebedeva'nın grafiklerine St.'nin geceleri kaleye teması hakimdi. Toplamda, kendi hesaplamalarına göre, büyük şehre adanmış 85 eser yarattı. Petersburg'un Ostroumova-Lebedeva için imajı neredeyse yarım asırdır şekilleniyor. Bununla birlikte, ana özellikleri sanatçı tarafından en neşeli ve sakin yıllarda - yirminci yüzyılın ilk on yılında bulundu. İşte o zaman, eserlerinde güçlü istikrar ve anıtsallık, geometrik, doğrulanmış perspektif ve duygusal özgürlüğün keskinliği ile keskin, rafine, hatta sert lirizm bir arada ortaya çıktı.

- "Borsa sütunlarından Neva" (1908)

Devlerin ayakları gibi, Borsa'nın köşe sütunları Vasilyevsky Adası'nın Spit'inde duruyor ve Neva'nın diğer yakasının perspektifi, Amirallik kanadı ve Genelkurmay binasının Saray Meydanı'ndaki muhteşem parabolü gidiyor. uzak mesafeye. Parkın koyu ve güçlü yeşilliklerinin perspektifi de daha az çarpıcı değil, mimari alanın kenarı haline geliyor ve uzaktan zar zor fark edilebilen Elagin Sarayı'na yaklaşıyor. Moika Nehri'nin granit giysisine inen ve Neva'ya giren Yaz Bahçesi ızgarasının bir parçasının akıl almaz derecede zarif olduğu ortaya çıkıyor. Burada her çizgi tesadüfi değil, aynı anda hem oda hem de anıtsal, burada mimarın dehası, güzelliğe özen gösteren sanatçının rafine vizyonuyla birleştirildi. Karanlık Kryukov Kanalı'nın üzerinde, gün batımı gökyüzü yanar ve muhteşem narinliği ile ünlü Nikolsky Deniz Katedrali'nin silueti sudan yükselir.

World of Art, 1898'de ortaya çıkan ve o yıllarda Rusya'nın en yüksek sanat kültürünün ustalarını, sanatsal seçkinlerini bir araya getiren bir organizasyondur. "Sanat Dünyası", A. Benois'in sanat, edebiyat ve müziğe adanmış evindeki akşamlarla başladı. Orada toplanan insanlar, güzellik sevgisi ve gerçeğin çirkin olduğu için bunun ancak sanatta bulunabileceğine olan güveniyle birleştiler. "Geç" Gezginlerin küçük temalarına tepki olarak ortaya çıkan "Sanat Dünyası" kısa sürede Rus sanat kültürünün ana fenomenlerinden birine dönüştü. Bu derneğe neredeyse tüm ünlü sanatçılar katıldı - Benoit, Somov, Bakst, Lancere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, hatta Larionov ve Goncharova. Hayırsever ve sergiler organizatörü olan Diaghilev'in kişiliği ve daha sonra yurtdışındaki Rus bale ve opera turlarının (Avrupa'yı Chaliapin, Pavlova, Fokin, Nizhinsky vb. bu derneğin oluşumu. ). "Sanat Dünyası"nın varlığının ilk aşamasında Diaghilev, 1897'de St. Petersburg'da bir İngiliz ve Alman suluboya sergisi ve 1898'de Rus ve Fin sanatçıların bir sergisini düzenledi. 1899'dan 1904'e kadar bir derginin editörlüğünü yaptı. aynı isim, iki bölümden oluşur: sanatsal ve edebi (ikincisi dini ve felsefi bir plana sahiptir, D. Merezhkovsky ve Z. Gippius, 1902'de Novy Put dergilerinin açılışından önce işbirliği yaptı. estetik teorisinin yeri ve bu bölümündeki dergi, A. Bely ve V. Bryusov başkanlığındaki Sembolistlerin tribünü oldu). Dergi, edebi ve sanatsal bir almanak profiline sahipti. Bol illüstrasyonlarla donatılmış, aynı zamanda kitap tasarımı sanatının ilk örneklerinden biriydi - "sanat dünyasının" gerçek yenilikçiler olduğu bir sanatsal etkinlik alanı. Yazı tipinin çizimi, sayfanın bileşimi, açılış ekranı, vinyet şeklindeki sonlar - her şey dikkatlice düşünülmüştü.

Derginin ilk sayılarının başyazıları, "sanat dünyası"nın sanatın özerkliği hakkındaki ana hükümlerini, modern kültürün sorunlarının yalnızca sanatsal biçim sorunları olduğunu ve sanatın asıl görevinin sanatın temel görevi olduğunu açıkça formüle etti. Rus toplumunun estetik zevklerini, öncelikle dünya sanatının eserlerini tanıyarak eğitmek. Onlara haraç ödemeliyiz: "sanat dünyası" sayesinde, İngiliz ve Alman sanatı yeni bir şekilde gerçekten takdir edildi ve en önemlisi, 18. yüzyılın Rus resmi ve St. Petersburg klasisizminin mimarisi bir keşif haline geldi. birçok. "Miriskusniki", bir bilim adamı-sanat eleştirmeni değil, yüksek profesyonel kültür ve bilgi birikimine sahip bir eleştirmen-sanatçı idealini ilan ederek "sanat olarak eleştiri" için savaştı. Böyle bir eleştirmenin türü, "Sanat Dünyası" A.N.'nin kurucularından biri tarafından somutlaştırıldı. Benoit.

Derginin faaliyetlerindeki ana yerlerden biri, en son Rus ve özellikle Batı Avrupa sanatının başarılarının propagandasıyla işgal edildi. Buna paralel olarak World of Art, Rus ve Batı Avrupalı ​​sanatçıların ortak sergi pratiğini tanıtıyor. "Sanat dünyasının" ilk sergisi, Ruslara ek olarak, Fransa, İngiltere, Almanya, İtalya, Belçika, Norveç, Finlandiya vb. Sanatçıları birleştirdi. Sergide hem St. Petersburg hem de Moskova ressamları ve grafik sanatçıları yer aldı. Ancak bu iki okul - St. Petersburg ve Moskova - arasındaki çatlak neredeyse ilk günden belli oldu. Mart 1903'te "World of Art"ın son beşinci sergisi kapatıldı, Aralık 1904'te "World of Art" dergisinin son sayısı yayınlandı. Sanatçıların çoğu organize "Rus Sanatçılar Birliği" ne taşındı, yazarlar - ve Merezhkovsky'nin grubu tarafından açılan "Yeni Yol" dergisi, Moskova Sembolistleri "Vesy" dergisi etrafında birleşti, müzisyenler "Çağdaş Müzik Akşamları" düzenledi, Diaghilev gitti tamamen bale ve tiyatroya. Görsel sanatlardaki son önemli çalışması, 1906 Paris Sonbahar Salonunda ikon resminden modern zamanlara kadar Rus resminin görkemli bir tarihi sergisiydi ve daha sonra Berlin ve Venedik'te sergilendi (1906). - 1907). Çağdaş resim bölümünde, ana yer "sanat dünyası" tarafından işgal edildi. Bu, "Sanat Dünyası" nın tüm Avrupa tarafından tanınmasının ilk eylemi ve ayrıca 18. - 20. yüzyılın başlarında Rus resminin keşfiydi. genel olarak Batı eleştirisi ve Rus sanatının gerçek bir zaferi için.

1910'da "Sanat Dünyası"na yeniden hayat verilmeye çalışıldı. Bu sırada ressamlar arasında bir sınır çizildi. Benoit ve destekçileri, Moskovalılarla "Rus Sanatçılar Birliği" ile kopuyor ve bu organizasyondan ayrılıyor, ancak "Sanat Dünyası" adlı ikincil derneğin ilkiyle hiçbir ilgisi olmadığını anlıyorlar. Benoit ne yazık ki "güzellik bayrağı altında barışmak artık hayatın her alanında bir slogan değil, kıyasıya bir mücadele haline geldi" diyor. Zafer, "Sanatçıların Dünyasına" geldi, ancak "Sanat Dünyası", aslında, 20'li yılların başına kadar resmi olarak var olmasına rağmen, tam bir bütünlük eksikliği, sınırsız hoşgörü ve esneklik konusunda artık yoktu. pozisyonları, Rylov'dan Tatlin'e, Grabar'dan Chagall'a sanatçıları uzlaştırıyor. Buradaki İzlenimcileri nasıl hatırlamazsınız? Bir zamanlar Gleyre'nin atölyesinde, Serseriler Salonu'nda, Herbois kafesinin masalarında doğan ve tüm Avrupa resmi üzerinde büyük etkisi olacak olan Commonwealth, tanınma eşiğinde de dağıldı. "Sanat dünyasının" ikinci nesli, şövale resminin sorunlarıyla daha az meşgul, ilgi alanları grafikler, özellikle kitaplar ve tiyatro ve dekoratif sanatlarda yatıyor, her iki alanda da gerçek bir sanatsal reform yaptılar. "Sanat Dünyası" nın ikinci neslinde de büyük bireyler (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, vb.) bir epigonizm dalgası tarafından boğulmuş. Bu nedenle, "Sanat Dünyası" nı karakterize ederken, esas olarak bu derneğin varlığının ilk aşaması ve çekirdeği - Benoit, Somov, Bakst hakkında konuşacağız.

Bir yanda akademik salon sanatıyla, diğer yanda geç Wanderers ile polemiğe giren Mir Iskusstvo, doğrudan toplumsal eğilimin reddini, sözde sanatta bireysel yaratıcı kendini ifade etme özgürlüğünü kısıtlayan ve sanatçıların haklarını ihlal eden bir şey olarak ilan ediyor. sanatsal biçim. Daha sonra, 1906'da, A. Benois grubunun önde gelen sanatçısı ve ideoloğu, başlangıçta "Sanat Dünyası" nın ortaya çıktığı "sanatsal sapkınlık" olan bireycilik sloganını duyurdu. "Sanat Dünyası" tarafından performanslarının başlangıcında ilan edilen bireycilik, yaratıcı oyun özgürlüğü haklarının bir savunmasından başka bir şey değildi. "Miriskusniki", 19. yüzyılın ikinci yarısının güzel sanatlarında, şövale resminin yalnızca bir alanında ve bunun içinde - belirli türlerde ve belirli (topikal) konularda doğasında bulunan tek taraflı uzmanlaşmadan memnun değildi. "bir eğilimle." Sanatçının geçmişte ve günümüzde sevdiği ve taptığı her şeyin, güne inat sanatta vücut bulma hakkı vardır - bu, World of Art'ın yaratıcı programıydı. Ancak bu görünüşte geniş programın önemli bir sınırlaması vardı. “Sanat dünyası”nın inandığı gibi, yalnızca güzelliğe duyulan hayranlık gerçek yaratıcı coşkuyu doğurduğundan ve dolaysız gerçekliğin, güzelliğin tek saf kaynağı olan güzelliğe yabancı olduğuna ve bu nedenle ilhamın sanatın kendisi olduğuna inanıyorlardı. güzellik alanı mükemmel. Böylece sanat, "sanat dünyası"nın geçmişi, bugünü ve geleceği gördüğü bir tür prizma haline gelir. Hayat onları ancak sanatta zaten ifade ettiği ölçüde ilgilendiriyor. Bu nedenle, çalışmalarında zaten mükemmel, hazır güzelliğin tercümanları olarak hareket ederler. Bu nedenle, World of Art sanatçılarının geçmişe, özellikle de dönemin ana, baskın ve dışavurumcu ruhunu, “güzellik çizgisini” ayırt etmeyi mümkün kılan tek bir üslubun hakim olduğu dönemlere yönelik birincil ilgi alanıdır. ” - klasisizmin geometrik şemaları, Rokoko'nun tuhaf kıvrımı, Barok'un tatlı formları ve chiaroscuro, vb.

"Sanat Dünyası"nın önde gelen ustası ve estetik yasa koyucusu Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) idi. Bu sanatçının yeteneği olağanüstü bir çok yönlülük ile ayırt edildi ve profesyonel bilgi hacmi ve genel kültür seviyesi, World of Art figürlerinin yüksek eğitimli çevrelerinde eşsizdi. Ressam ve grafik şövale ressamı, illüstratör ve kitap tasarımcısı, tiyatro sahnesi ustası, yönetmen, bale librettolarının yazarı, Benoit aynı zamanda Rus ve Batı Avrupa sanatının seçkin bir tarihçisi, teorisyen ve keskin bir yayıncı, zeki bir eleştirmen, büyük bir yazardı. müze figürü, eşsiz bir tiyatro, müzik ve koreografi uzmanı... Bununla birlikte, sadece Alexander Benois tarafından derinlemesine incelenen kültür alanlarını listelemek, sanatçının manevi imajı hakkında henüz doğru bir fikir vermiyor. Belirgin bir şekilde, şaşırtıcı bilgisinde bilgiç hiçbir şey yoktu. Karakterinin ana özelliği, her şeyi tüketen bir sanat aşkı olarak adlandırılmalıdır; bilginin çok yönlülüğü sadece bu sevginin bir ifadesi olarak hizmet etti. Tüm faaliyetlerinde, bilimde, sanat eleştirisinde, düşüncesinin her hareketinde Benoit her zaman bir sanatçı olarak kaldı. Çağdaşlar onda sanat ruhunun canlı bir düzenlemesini gördüler.

Ancak Benois'in görünüşünde, Andrei Bely'nin anılarında keskin bir şekilde not edilen, sanatçıda her şeyden önce “Sanat Dünyasının sorumlu partisinin bir diplomatı, büyük bir kültürel dava yürüten ve birçok kişiyi feda eden bir diplomat” olan bir tuhaflık daha vardı. bütünün adına; BİR. Benoit, buradaki ana politikacıydı; Diaghilev bir izlenimci, girişimci, yönetmendi; Benoit, tabiri caizse, sahnelenen metni verdi ... ". Benois'in sanatsal politikası, "Sanat Dünyası" nın tüm figürlerini etrafında birleştirdi. O sadece bir teorisyen değil, aynı zamanda değişen estetik programlarının yaratıcısı olan "Sanat Dünyası" taktiklerinin ilham kaynağıydı. Derginin ideolojik konumlarının tutarsızlığı ve tutarsızlığı büyük ölçüde Benoit'in o aşamadaki estetik görüşlerinin tutarsızlığından ve tutarsızlığından kaynaklanmaktadır. Ancak dönemin çelişkilerini yansıtan bu tutarsızlık, sanatçıya özel bir tarihsel ilgi kazandırmaktadır.

Ayrıca, Benoit olağanüstü bir pedagojik yeteneğe sahipti ve manevi zenginliğini sadece arkadaşlarıyla değil, “onu dinlemek isteyen herkesle” cömertçe paylaştı. Benois'in, A.P.'nin doğru yorumuna göre, Sanat Dünyası sanatçılarının tüm çevresi üzerindeki etkisinin gücünü belirleyen bu durumdur. Ostroumova-Lebedeva, "onunla birlikte, kendileri için belirsiz bir şekilde sanatsal zevk, kültür ve bilgi okulu" geçti.

Doğuştan ve yetiştirilmeden Benoit, Petersburg sanatsal entelijansiyasına aitti. Nesiller boyunca sanat, ailesinde kalıtsal bir meslek olmuştur. Benois'in anne tarafından büyük büyükbabası K.A. Kavos besteci ve orkestra şefiydi, büyükbabası St. Petersburg ve Moskova'da çok şey inşa eden bir mimardı; sanatçının babası da büyük bir mimardı, ağabeyi suluboya ressamı olarak ünlüydü. Genç Benoit'in zihni, bir sanat ve sanatsal ilgi atmosferinde gelişti.

Daha sonra, çocukluğunu hatırlatan sanatçı, özellikle görüşlerinin oluşumunu güçlü bir şekilde etkileyen ve bir anlamda gelecekteki tüm faaliyetlerinin yönünü belirleyen iki manevi akışı, iki deneyim kategorisini ısrarla vurguladı. Bunlardan ilki ve en güçlüsü tiyatro deneyimiyle ilgilidir. Benoit, ilk yıllarından itibaren ve tüm yaşamı boyunca, tiyatro kültü dışında pek adlandırılamayacak bir duyguyu yaşadı. Benois, "sanatsallık" kavramını her zaman "tiyatrallik" kavramıyla ilişkilendirmiştir; Modern koşullarda resim, mimari, müzik, plastik ve şiirin yaratıcı bir sentezini yaratmak, kendisine en yüksek amaç gibi görünen sanatların organik kaynaşmasını gerçekleştirmek için tek fırsatı tiyatro sanatında gördü. sanatsal kültürden.

Benois'in estetik görüşleri üzerinde silinmez bir iz bırakan ikinci ergen deneyimleri kategorisi, kır evlerinin ve St. Petersburg banliyölerinin izlenimlerinden ortaya çıktı - Pavlovsk, Neva'nın sağ kıyısındaki eski Kushelev-Bezborodko kulübesi ve hepsinden önemlisi, Peterhof'tan ve birçok sanat anıtından. Sanatçı daha sonra “Bu ... Peterhof izlenimleri ... muhtemelen daha fazla Peterhof, Tsarskoe Selo, Versailles kültüne yol açtı” dedi. Alexander Benois'in ilk izlenimleri ve deneyimleri, yukarıda da bahsedildiği gibi, "Sanat Dünyası"nın en büyük başarılarından biri olan, 18. yüzyıl sanatının cesurca yeniden değerlendirilmesinin kökenlerine kadar gider.

Genç Benoit'in sanatsal zevkleri ve görüşleri, muhafazakar "akademik" görüşlere bağlı olan ailesine karşı kuruldu. Sanatçı olma kararı onun için çok erken olgunlaşmıştı; ancak Sanat Akademisi'nde sadece hayal kırıklığı yaratan kısa bir süre kaldıktan sonra, Benoit St. Petersburg Üniversitesi'nde hukuk diploması almayı ve kendi programına göre kendi başına profesyonel sanat eğitimi almayı seçti.

Daha sonra, düşmanca eleştiriler defalarca Benoit'i amatör olarak adlandırdı. Bu pek adil değildi: Günlük inatçı çalışma, hayattan çizim konusunda sürekli eğitim, kompozisyonlar üzerinde çalışırken hayal gücünün kullanılması, sanat tarihinin derinlemesine incelenmesiyle birlikte sanatçıya, kendi yeteneğinden daha düşük olmayan kendinden emin bir beceri verdi. Akademide okuyan arkadaşlar. Aynı ısrarla Benoit, bir sanat tarihçisinin faaliyetine hazırlandı, Hermitage'ı inceledi, özel edebiyat okudu, Almanya, İtalya ve Fransa'daki tarihi şehirlere ve müzelere seyahat etti.

Alexander Benois'in "Kralın Yürüyüşü" (1906, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı tablosu, "Sanat Dünyası"ndaki en çarpıcı ve tipik resim örneklerinden biridir. Bu eser, "Güneş Kralı" döneminin Versailles yaşamından sahneleri canlandıran bir resim döngüsüne dahil edilmiştir. 1905-1906 döngüsü, sırasıyla, Duke de Saint-Simon'un anılarının izlenimi altında Paris'te başlayan "XIV. Benois'in Versailles manzaraları, 17. yüzyılın tarihsel yeniden inşasını, sanatçının modern izlenimlerini, Fransız klasisizmi algısını, Fransız gravürünü birleştirdi. Bu nedenle net kompozisyon, net mekansallık, ritimlerin ihtişamı ve soğuk şiddeti, sanat anıtlarının ihtişamı ile aralarında yalnızca personel olan insan figürlerinin küçüklüğü arasındaki karşıtlık - “XIV. Louis'in Son Yürüyüşleri” başlıklı ilk seri. ”.

Benois'deki Versailles, bir tür manzara ağıtı, modern bir insanın gözüne ıssız bir sahne şeklinde görünen güzel bir dünya, uzun süredir gerçekleştirilen bir performansın harap manzarasıyla. Eskiden muhteşem, ses ve renklerle dolu olan bu dünya şimdi biraz hayalet gibi görünüyor, mezarlık sessizliğinin gölgesinde. Benoit'in The King's Walk'ta bir Versailles parkını sonbaharda ve hafif akşam alacakaranlığında, parlak bir gökyüzünün arka planına karşı sıradan bir Fransız bahçesinin yapraksız “mimarisinin” şeffaf bir görünüme dönüştüğü bir saatte tasvir etmesi tesadüf değildir. , geçici düzenleme. Bu resmin etkisi, son katın balkonundan keskin bir mesafede gerçek bir büyük sahne gördüğümüzde ve daha sonra bu oyuncak bebek boyutuna indirgenmiş dünyaya dürbünle bakarak bu iki izlenimi birleştireceğimize benzer. tek bir gösteri. Uzak, böylece bir oyuncak tiyatrosu boyutunda uzakta kalarak yaklaşır ve canlanır. Romantik peri masallarında olduğu gibi, belirlenen saatte, bu sahnede belirli bir eylem oynanır: merkezdeki kral, nedime ile konuşur, onlara arkalarında ve önlerinde kesin olarak belirlenmiş aralıklarla yürüyen saraylılar eşlik eder. Hepsi, eski bir kurmalı saatin figürleri gibi, unutulmuş bir minuet'in hafif seslerine karşı rezervuarın kenarı boyunca süzülür. Bu retrospektif fantazinin teatral doğası sanatçının kendisi tarafından ustaca ortaya çıkar: çeşmede yaşayan cıvıl cıvıl aşk tanrılarının figürlerini canlandırıyor - komik bir şekilde kendilerini sahnenin dibinde özgürce oturan ve kukla gösterisine bakan gürültülü bir seyirci olarak tasvir ediyorlar. insanlar tarafından oynanır.

Geçmiş zamanların günlük ritüelinin karakteristik bir özelliği olarak ciddi çıkışların, gezilerin, yürüyüşlerin nedeni, "sanat dünyası" arasında favorilerden biriydi. Ayrıca V.A. Serov ve G.E. Lanceray "Tsarskoe Selo'daki İmparatoriçe Elizabeth Petrovna" (1905, GGT). Benois'in klasisizmin rasyonalist geometrisini estetize etmesinden farklı olarak, Lanceray, formların heykelsi maddiliği olan Rus Barokunun şehvetli pathosundan daha çok etkilenir. İri yapılı Elizabeth ve onun pembe yanaklı saray mensuplarının, kaba bir gösterişle giyinmiş tasviri, Benois'in Kralın Yürüyüşü'nün karakteristik özelliği olan teatral mistifikasyondan yoksundur.

Benois, saltanatı inanılmaz ihtişam ve ihtişamla ayırt edilen ve Fransız devletinin en parlak dönemi olan Louis XIV'den başkası olmayan yarı muhteşem, oyuncak bir krala dönüştü. Geçmişin büyüklüğünün bu kasıtlı indirgemesi bir tür felsefi program içerir - ciddi ve büyük olan her şey sırası geldiğinde bir komedi ve bir saçmalık olmaya mahkumdur. Ancak "Sanatçılar Dünyası"nın ironisi yalnızca nihilist şüphecilik anlamına gelmez. Bu ironinin amacı, geçmişi itibarsızlaştırmak değil, tam tersi - geçmiş kültürlerin sonbaharının kendi içinde güzel olduğunu sanatsal bir kanıtla, ona karşı nihilist bir tutum olasılığı karşısında geçmişi rehabilite etmektir. baharları ve yazları gibi. Ama böylece, "zanaatkarlar" arasında güzellik fenomenine damgasını vuran özel melankolik çekicilik, bu güzelliğin yaşamsal gücün ve büyüklüğün tam olarak ortaya çıktığı dönemlerle olan bağlantısından yoksun bırakılması pahasına satın alındı. Büyük, yüce, güzel kategorileri "Sanat Dünyası"nın estetiğine yabancıdır; güzel, zarif, zarif ona daha çok benziyor. Aşırı ifadelerinde, bu anların her ikisi de - çıplak şüphecilikle sınırlanan ayık ironi ve hassas coşkuyla sınırlanan estetizm, grubun en karmaşık ustalarının - K.A. Somova.

Grabar ile birlikte Rus sanat tarihinin yöntemlerini, tekniklerini ve temalarını güncelleyen bir sanat eleştirmeni ve sanat tarihçisi olan Benois'in etkinliği, sanat tarihi bilimi tarihinde tam bir aşamadır (bkz. R. Muter - cilt "Rus resmi", 1901-1902; 1904'te yayınlanan "Rus Resim Okulu"; "İmparatoriçe Elizabeth Petrovna döneminde Tsarskoe Selo", 1910; "World of Art" dergilerinde makaleler ve "Eski Yıllar", "Rusya'nın Sanatsal Hazineleri" vb.).

En yakın arkadaşlarının oybirliğiyle tanınmasına ve daha sonraki eleştirilerin kanıtlarına göre, Somov, bu derneğin tarihinin ilk döneminde Sanat Dünyası sanatçıları arasında merkezi bir figürdü. World of Art çevresinin temsilcileri onu büyük bir usta olarak gördüler. “Somov'un adı sadece Rusya'da değil, tüm dünyada eğitimli her insan tarafından biliniyor. Bu bir dünya değeridir ... Uzun zamandır zaten okulların, çağların ve hatta Rusya'nın sınırlarının ötesine geçti ve dünya dehası arenasına girdi, "diye yazdı şair M. Kuzmin onun hakkında. Ve bu, izole edilmiş ve hatta en hevesli incelemeden çok uzak. Diaghilev'in organizatör ve lider olarak adlandırılması gerekiyorsa ve Benois'e yeni sanatsal hareketin ideolojik lideri ve ana teorisyeni olarak adlandırılması gerekiyorsa, o zaman Somov ilk başta önde gelen sanatçı rolüne aitti. Çağdaşlarının hayranlığı, daha sonra "Sanat Dünyası" nın tüm grubuna rehberlik eden temel resim ilkelerinin doğduğu ve oluştuğu Somov'un çalışmasında olduğu gerçeğiyle açıklanmaktadır.

Bu ustanın biyografisi, "Sanat Dünyası" çevresi için çok tipiktir. Konstantin Andreevich Somov (1869-1939), ünlü bir sanat figürü ve koleksiyoncu olan Hermitage'ın küratörünün oğluydu. Sanat atmosferi onu çocukluğundan beri kuşatmıştır. Somov'un resim, tiyatro, edebiyat ve müziğe olan ilgisi çok erken ortaya çıktı ve tüm hayatı boyunca devam etti. Alexander Benois ve Filosofov ile arkadaşlığının başladığı spor salonundan (1888) ayrıldıktan sonra, genç Somov Sanat Akademisine girdi ve Sanat Dünyasının diğer tüm kurucularının aksine orada neredeyse sekiz yıl geçirdi (1889-1897) . Yurtdışında bir dizi gezi yaptı - İtalya, Fransa ve Almanya'ya (1890, 1894, 1897-1898, 1899, 1905).

"Sanat Dünyası" ndaki arkadaşlarının çoğunun aksine, Somov asla öğretmedi, makale yazmadı, halka açık çevrelerde herhangi bir rol oynamaya çalışmadı. Sanatçının hayatı, sadece çalışmaya, okumaya, müziğe ve antika toplamaya adanmış birkaç arkadaş - sanatçılar arasında kapalı ve tenhaydı.

Somov'un sanatsal kişiliğini iki karakteristik özellik ayırt eder. Bunlardan biri, nispeten erken yaratıcı olgunluğu tarafından belirlenir. Somov, yaşıtları Bakst ve Benoit sanatta bağımsız bir yol aramaya başladıklarında yetenekli bir zanaatkar ve tamamen özgün bir sanatçıydı. Ancak bu avantaj kısa sürede dezavantaja dönüştü. En hassas çağdaşlar bile Somov'un erken olgunluğunda acı verici bir şey hissetti. Somov'un ikinci özelliği, arkadaşı ve hayranı S. Yaremich tarafından dikkatli bir şekilde fark edildi: “... Somov, doğası gereği Vermeer-van-Delft veya Pieter de Rus ressamına benzeyen güçlü bir gerçekçidir. Bir yanda hayatın cezbedilmesi ve çekimine kapılır... Diğer yanda, genel yaşam ile sanatçının yaşamı arasındaki çelişki, onu şimdiki zamandan uzaklaştırır... Bu kadar yetenekli başka bir sanatçı yoktur. Çalışmamda tamamen dekoratif görevler ve geçmiş için çok fazla yer ayıracak olan Somov'umuz olarak en keskin ve delici gözlem. " Somov'un eserlerinin daha önemli olduğu, canlı, somut olarak görülen doğaya ne kadar yakın kaldıkları ve eleştirmenin bahsettiği gerçek hayattan ayrılma ve izolasyonun o kadar az hissedildiği varsayılabilir. Ancak öyle değil. Sanatçının bilincinin tam da çağına özgü olan ikiliği, keskin ve özgün yaratıcı fikirlerin kaynağı haline gelir.

Somov'un en ünlü portrelerinden biri “Mavili Leydi. Elizaveta Mikhailovna Martynova'nın Portresi "(1897-1900, Devlet Tretyakov Galerisi), sanatçının programlı bir eseridir. Eski bir elbise giymiş, Puşkin'in Tatiana'nın anısını "gözlerinde hüzünlü bir düşünceyle, elinde Fransızca bir kitapla" hatırlatan Somov portresinin kahramanı, yorgunluk, özlem, hayatta savaşamama ifadesi ile , şiirsel prototipiyle farklılığını daha da açığa vurur, geçmişi bugünden ayıran uçurumun derinliğini zihinsel olarak hissetmeye zorlar. Somov'un bu çalışmasında, yapay olanın gerçekle, oyunun ciddiyetle iç içe geçtiği, yaşayan bir insanın şaşkın bir şekilde sorguladığı, çaresiz ve sahte bahçeler arasında terk edildiği, vurgulanan dürüstlükle dünyevi olanın karamsar arka planını ifade ettiği " "Geçmişin terk edilmesi" ve modern insanın orada kurtuluşu kendinden, hayalet gibi değil, gerçek acılardan bulması imkânsızdır.

"Mavili Kadın"a yakın bir yerde, Somov'un bir kadının kırılgan, anemik kadın güzelliğinin şiirsel bir tanımını yarattığı "Geçmiş Zamanın Yankı" (1903, karton üzerine kağıt, suluboya, guaj, Devlet Tretyakov Galerisi) portre resmi vardır. zamanımızın gerçek günlük belirtilerini aktarmayı reddeden çöküş modeli. Modellere eski kostümler giydirir, görünüşlerine gizli ıstırap, hüzün ve hayal, acılı kırıklık özelliklerini verir.

Parlak bir portre ressamı olan Somov, 1900'lerin ikinci yarısında, bize sanatçı tarafından iyi bilinen ve onun tarafından derinlemesine incelenen, zamanının entelektüel seçkinleri olan sanatsal ve sanatsal bir ortam sunan bir dizi kurşun kalem ve suluboya portreler yaratır - V Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lancere , Dobuzhinsky ve diğerleri.Portrelerinde genel bir teknik kullanır: beyaz bir arka plan üzerinde - belirli bir zamansız alanda - bir yüz çizer, benzerlik vatandaşlığa alınma yoluyla elde edilmez , ancak cesur genellemeler ve karakteristik detayların doğru seçimi ile. Zamanın bu yokluğu, statik, katılık, soğukluk, neredeyse trajik bir yalnızlık izlenimi yaratır.

Somov'un sonraki çalışmaları pastoral ve cesur şenlikler ("Gülen Öpücük", 1908, Devlet Rus Müzesi; "Markizin Yürüyüşü", 1909, Devlet Rus Müzesi), "Columbine's Tongue" (1913-1915), yakıcı ironi, manevi dolu yıkım, hatta umutsuzluk. 18. - 19. yüzyılın başlarından aşk sahneleri. her zaman bir erotizm dokunuşuyla verilir. İkincisi, özellikle hayaletimsi zevk arayışına adanmış porselen heykelciklerinde belirgindi.

Bir aşk oyunu - flört, notlar, sokaklarda, çardaklarda, normal bahçelerin kafeslerinde veya lüks döşenmiş yatak odalarında öpüşme - pudralı peruklarda, yüksek saç modellerinde, işlemeli kombinezonlarda ve kabarık etekli elbiselerde görünen Somov kahramanlarının ortak bir eğlencesidir. Ancak Somov resimlerinin neşesinde gerçek bir neşe yoktur; insanlar hayatın doluluğundan dolayı değil, başka bir şey bilmedikleri için, yüce, ciddi ve katı oldukları için sevinirler. Bu neşeli bir dünya değil, eğlenceye mahkum bir dünya, insanları kuklaya, hayatın zevklerinin hayali bir arayışına dönüştüren yorucu, sonsuz bir tatile mahkum bir dünya.

The World of Art'taki herkesten önce Somov, geçmişin temalarına, 18. yüzyılın yorumuna döndü. ("Mektup", 1896; "Gizlilik", 1897), Benoit'in Versay manzaralarının öncülüdür. Asil mülkün ve saray kültürünün motiflerinden ve ironi ile nüfuz eden tamamen öznel sanatsal duyumlarından dokunmuş gerçek olmayan bir dünya yaratan ilk kişiydi. "Sanatçılar Dünyası"nın tarihselciliği gerçeklikten bir kaçıştı. Geçmiş değil, dramatizasyonu, geri alınamazlığı özlemi - bu onların ana nedenidir. Gerçek eğlence değil, ama sokaklarda öpücüklerle eğlenmek - bu Somov.

Somov'un yapıtlarında önemli ve önemli hiçbir şeyin olmadığı yapay dünya, sahte bir yaşam teması başroldedir. Bu çevrenin hedonist zevklerinin en canlı temsilcisi Somov olmasına rağmen, sanatçının modern burjuva-aristokratik toplumun ahlakına ilişkin derin karamsar değerlendirmesi onun ön koşuludur. Somov saçmalığı, trajik tutumun yanlış tarafıdır, ancak bu, özellikle trajik konuların seçiminde nadiren kendini gösterir.

Somov resminin teknikleri, tasvir ettiği dünyanın basit, sanatsız olandan tutarlı bir şekilde izole edilmesini sağlar. Somov'un adamı, yapay bahçelerin destekleri, şam ile kaplanmış duvarlar, ipek ekranlar, yumuşak kanepeler ile doğal doğadan çitle çevrilidir. Somov'un yapay aydınlatma motiflerini kullanmaya özellikle istekli olması tesadüf değildir (1910'ların başlarında bir dizi "Havai Fişek"). Havai fişek ışıklarının beklenmedik bir şekilde parlaması, insanları riskli, rastgele saçma, açısal pozlarda bulur ve hayatın bir kukla tiyatrosuna sembolik asimilasyonunu çizer.

Somov grafik sanatçısı olarak çok çalıştı, S. Diaghilev'in Levitsky hakkında bir monografisi, A. Benois'in Tsarskoe Selo hakkında bir çalışması tasarladı. Ritmik ve üslup birliği ile tek bir organizma olarak kitap, onun tarafından olağanüstü bir yüksekliğe yükseltildi. Sanat eleştirmeni A.A., Somov bir illüstratör değil, “bir metni değil, edebi bir cihazı sıçrama tahtası olarak kullanan bir dönemi gösteriyor” diye yazdı. Sidorov.

M.V.'nin rolü Dobuzhinsky, "Sanat Dünyası" tarihindeki önemi bakımından, kurucularının sayısına ait olmamasına ve A.I.'nin gençlik çemberinin bir üyesi olmamasına rağmen, bu grubun kıdemli ustalarının rolünden daha düşük değildir. Benoit. Sadece 1902'de Dobuzhinsky'nin grafikleri "World of Art" dergisinin sayfalarında yer aldı ve sadece 1903'te aynı adla sergilere katılmaya başladı. Ancak, belki de, faaliyetinin ilk döneminde adı geçen gruba katılan sanatçıların hiçbiri yeni yaratıcı hareketin fikir ve ilkelerini anlamaya Dobuzhinsky kadar yaklaşmadı ve hiçbiri bu kadar önemli ve özgün bir katkı yapmadı. "Sanat Dünyası"nın sanatsal yönteminin geliştirilmesi.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957), üniversite eğitimi almış ve geniş kültürel ilgi alanlarına sahip bir adamdı. Çocukken çizime bağımlı hale geldi ve erken yaşta bir sanatçının çalışmalarına hazırlanmaya başladı. Görsel sanatların yanı sıra edebiyat ve tarihe ilgi duydu; çok okur ve okuduklarını örneklendirirdi. Belleğine sonsuza dek kazınmış olan en eski sanatsal izlenimler, Berthal, G. Dore ve W. Bush'un çizimleriyle çocuk kitaplarından toplandı.

Dobuzhinsky için grafikler resim yapmaktan her zaman daha kolay olmuştur. Öğrencilik yıllarında, kendisi üzerinde herhangi bir etkisi olmayan gezgin G. Dmitriev-Kavkazsky'nin rehberliğinde çalıştı. “Neyse ki”, sanatçının dediği gibi, Sanat Akademisi'ne girmedi ve etkisini hiç yaşamadı. Üniversiteden mezun olduktan sonra Münih'te sanat eğitimi almaya gitti ve üç yıl (1899-1901) A. Ashbe ve S. Holloshi'nin I. Grabar, D. Kardovsky ve diğer bazı Rus sanatçıların da çalıştığı atölyelerde çalıştı. . Burada Dobuzhinsky'nin sanatsal eğitimi tamamlandı ve estetik zevkleri oluştu: Manet ve Degas'a çok değer verdi, Ön-Rafaelcilere sonsuza dek aşık oldu, ancak 19. yüzyılın sonlarında Alman manzara ressamları ve Simplicissimus sanatçıları onun üzerinde en güçlü etkiye sahipti. . Genç Dobuzhinsky'nin hazırlığı ve yaratıcı oluşumu, oldukça organik bir şekilde onu "Sanat Dünyası" ile temasa geçirdi. Dobuzhinsky, St. Petersburg'a döndükten sonra, yeteneğini çok takdir eden Grabar ve Benois'in aktif desteğiyle bir araya geldi. Dobuzhinsky'nin (1902-1905) ilk çizimlerinde, Münih okulunun hatıraları, başta Somov ve Benois olmak üzere Sanat Dünyasının kıdemli ustalarının oldukça belirgin etkisiyle iç içe geçmiştir.

Dobuzhinsky, modern şehre adanmış eserlerin tematik repertuar-aromasıyla "Sanat Dünyası" sanatçıları arasında öne çıkıyor. Ama tıpkı Somov ve Benois'de "geçmişin ruhu" çağın sanatsal el yazısıyla ifade edildiği gibi, mimaride, mobilyada, kostümlerde, süslemede somutlaştırılır, aynı şekilde Dobuzhinsky'de de modern kentsel uygarlık, kendisini insanların eylemlerinde ve eylemlerinde ifade etmez. insanlar, ancak modern kentsel binaların görünümüyle, yoğun sıralar halinde ufku kapatan, gökyüzünü kapatan, fabrika bacaları tarafından çizilen, sayısız pencere sırası ile çarpıcı. Dobuzhinsky, modern şehri, insan bireyselliğini silip süpüren bir monotonluk ve standartlar krallığı olarak görür.

Dobuzhinsky'nin "Gözlüklü Adam" filmi için Somov "Mavili Kadın" için olduğu gibi programatik. Konstantin Alexandrovich Sunnerberg'in Portresi "(1905-1906, Devlet Tretyakov Galerisi). Arkasında, terk edilmiş bir çorak arazinin önünde belli bir mesafede, şehir bloğunun yığıldığı bir pencerenin arka planına karşı, fabrika bacalarının ve büyük apartman binalarının çıplak güvenlik duvarlarının eski binanın üzerinde yükseldiği, arkadan, öngörülemeyen taraftan tasvir edilmiştir. evlerde, kambur omuzlarında sarkmış ceketli ince bir adam figürü beliriyor. Gözlüklerinin göz yuvalarının dış hatlarına uyan parıldayan camları, boş göz yuvaları izlenimi veriyor. Kafanın siyah beyaz modellemesinde, çıplak bir kafatasının yapısı ortaya çıkar - bir insan yüzünün ana hatlarında ürkütücü bir ölüm hayaleti belirir. Etkilenen cephede, figürün vurgulanmış dikeyliği, duruşun hareketsizliği, bir kişi bir mankene, cansız bir otomata benzetilir - bu nedenle, modern çağla ilgili olarak, Dobuzhinsky gerçekleştirilen “kukla gösterisi” temasını dönüştürdü. geçmişin sahnesinde Somov ve Benoit tarafından geriye dönük olarak. Dobuzhinsky'nin hayaletli adamında aynı zamanda "şeytani" ve acınası bir şey var. O korkunç bir yaratık ve aynı zamanda modern şehrin kurbanı.

Dobuzhinsky ayrıca, en dikkat çekici olanı Dostoyevski'nin Beyaz Geceleri (1922) için yaptığı mürekkep çizimleri döngüsü olarak kabul edilebileceği illüstrasyonda çok çalıştı. Dobuzhinsky ayrıca Nemirovich-Danchenko'nun Nikolai Stavrogin'i (Dostoyevski'nin Şeytanları'nın sahnelenmesi), Turgenev'in Ülkede Bir Ay ve Freeloader oyunları için tasarlanan tiyatroda çalıştı.

Dili yeniden birleştirmeyi ve yorumlamayı amaçlayan fantezinin karmaşıklığı, yabancı kültürlerin üslupsal el yazısı, genel olarak geniş anlamda “yabancı dil”, en doğal organik uygulamasını bu kalitenin sadece arzu edilir değil, aynı zamanda gerekli olduğu alanda buldu - kitap illüstrasyon alanında. World of Art sanatçılarının neredeyse tamamı mükemmel illüstratörlerdi. Bu alanda "Miriskusnicheskoe" yönünün hakim olduğu dönemin sanatsal açıdan en büyük ve en göze çarpan açıklayıcı döngüleri, A. Benois'in The Bronze Horseman (1903-1905) ve E. Lancer'ın Hacı Murad'a yaptığı illüstrasyonlardır. 1912-1915).

Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) çalışmasında, 20. yüzyılın başında kitap grafiklerinin tüm ana sorunlarına değindi. ("Brittany'nin Eski Kaleleri Efsaneleri" kitabı için çizimlerine bakın, Lermontov için, Bozheryanov'un "Nevsky Prospekt" kapağı, vb.), Lanceray, St. Petersburg'un bir dizi suluboya ve litografisini yarattı ("Kalinkin Köprüsü" ", "Nikolsky Pazarı", vb.). Mimari, tarihsel kompozisyonlarında büyük bir yer kaplar ("Tsarskoe Selo'daki İmparatoriçe Elizaveta Petrovna", 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Serov, Benoit, Lanceray'in eserlerinde yeni bir tür tarihi resmin yaratıldığını söyleyebiliriz - bir arsadan yoksundur, ancak aynı zamanda dönemin görünümünü mükemmel bir şekilde yeniden yaratır, birçok tarihi, edebi ve estetik çağrıştırır. dernekler. Lanceray'in en iyi eserlerinden biri - L.N.'nin hikayesi için 70 çizim ve suluboya. Tolstoy'un Benoit'in "Tolstoy'un güçlü müziğine mükemmel bir şekilde bağlanan bağımsız bir şarkı" olarak nitelendirdiği "Hadji Murad" (1912-1915).

Benois the Illustrator, kitabın tarihinde tam bir sayfadır. Benoit, Somov'dan farklı olarak bir anlatı illüstrasyonu yaratır. Sayfa düzlemi onun için başlı başına bir amaç değildir. A.A.'ya göre, "Maça Kızı" için çizimler, büyük olasılıkla "kitap sanatı" değil, tam bağımsız eserlerdi. Sidorov, "kitapta ne kadar sanat var". Kitap illüstrasyonunun bir başyapıtı, Bronz Süvari'nin (1903, 1905, 1916, 1921-1922, mürekkep ve sulu boya, renkli ahşap baskıyı taklit eden) grafik tasarımıydı.

Petersburg - "güzel ve korkunç" şehir - Benois'in çizimlerinin kahramanı. Bu çizimlerin tarzında, genel olarak "sanat dünyası" için tipiktir, ancak bu durumda, Puşkin'in Petersburg hikayesinin görüntülerinin ve resimlerinin birçok kez kırıldığı oldukça karmaşık bir "prizmalar sistemi" kendini hissettirir - burada Resimde "Kuzey Venedik" in ilk şarkıcısının manzaralarının bir hatırlatıcısıdır - F. Alekseev (hikayenin odic tanıtımına eşlik eden resimlerde) ve Venedik okulunun iç mekanlarının iç sahnelerdeki şiirsel cazibesi ve 19. yüzyılın ilk üçte birinin grafikleri ve sadece Puşkin'in Petersburg'u değil, aynı zamanda Dostoyevski'nin Petersburg'u da, örneğin ünlü gece kovalamaca sahnesinde. Puşkin'in St. Petersburg hikayesinin ana teması - özel bir kişi ile bronz Süvari suretinde kişileştirilen devlet gücü arasındaki çatışma, birey için uğursuz bir kader şeklinde hareket ediyor - yüksek sanatsal düzenlemesini cephede buldu. 1905'te. Bu suluboya çiziminde Benoit, karmaşık bir fikri, yani Puşkin'in büyük sadeliğine benzeyen kaliteyi ifade etmede inanılmaz basitlik ve netlik elde etmeyi başardı. Ancak Bronz Süvari görüntüsündeki kasvetli "şeytanlığın" gölgesi ve zulüm gören Eugene'nin tozla karışmaya hazır "önemsiz bir solucan" görüntüsüne asimilasyonu, yalnızca başka bir "prizmanın" varlığını göstermekle kalmaz, "Sanatçıların Dünyası" için oldukça tipiktir - Hoffmann'ın fantezisi, ama aynı zamanda Puşkin'in nesnelliğinden tamamen bireysel bir doğaya geçiş anlamına gelir - tarihsel zorunluluğun tarafsızlığında korku duygusu - Puşkin'in sahip olmadığı bir duygu.

Bir başkasının tasarımının yorumlanmasıyla da ilişkili olduğu için kitap illüstrasyon sanatına benzeyen teatral dekorasyon, World of Art'ın büyük bir sanatsal reform getirmeye yazgılı olduğu başka bir alandı. Tiyatro sanatçısının eski rolünü yeniden düşünmekten ibaretti. Artık o, aksiyonun sanatçı-tasarımcısı ve rahat sahne duvarlarının mucidi değil, aynı müzik ve drama yorumcusu, yönetmen ve oyuncularla aynı eşit performans yaratıcısı. Böylece, I. Stravinsky'nin “Petrushka” balesi için müzik besteleme sürecinde, A. Benois, gelecekteki performansın görsel görüntülerini ondan önce ortaya çıkardı.

"Petrushka" sahnesi, bu, sanatçının sözleriyle "sokak balesi", panayır şenliğinin ruhunu canlandırdı.

Tiyatro ve dekoratif sanat alanındaki "sanat dünyasının" faaliyetlerinin gelişmesi 1910'lara kadar uzanır ve S.P. Diaghilev (fikir A. Benois'e aitti) Paris'te bir dizi senfoni konseri, opera ve bale gösterileri içeren "Rus Mevsimleri". Avrupa halkının F. Chaliapin'i ilk kez duyduğu, A. Pavlova'yı gördüğü ve M. Fokine'nin koreografisiyle tanıştığı “Rus Mevsimleri” performanslarındaydı. L.S.'nin yeteneği buradaydı. Bakst, "Sanat Dünyası"nın ana çekirdeğine ait olan bir sanatçı.

Benoit ve Somov ile birlikte Lev Samoilovich Bakst (1866-1924), World of Art tarihinin en önemli isimlerinden biridir. Bu yönün ideolojik ve yaratıcı eğilimlerinin doğduğu gençlik çemberinin bir üyesiydi; yeni bir estetik programı yürüten derginin kurucuları ve en aktif çalışanları arasında yer aldı; Diaghilev ile birlikte Rus sanatını Batı Avrupa'ya "ihraç etti" ve tanınmasını sağladı; Rus tiyatro ve dekoratif resminin "Sanat Dünyası" nın dünya çapındaki şöhreti öncelikle Bakst'a düştü.

Bu arada, "Sanat Dünyası" nın fikir ve ilkelerinin geliştirilmesi sisteminde Bakst tamamen ayrı ve bağımsız bir yere aittir. Bir bütün olarak birleştirme ve paylaşma taktiklerini aktif olarak desteklerken, temel estetik pozisyonları Bakst, aynı zamanda tamamen bağımsız bir yol izledi. Onun resmi Somov ve Benoit, Lanceray ve Dobuzhinsky'nin resmi gibi değil; başka geleneklerden gelir, farklı bir zihinsel ve yaşam deneyimine dayanır, başka temalara ve görüntülere yönelir.

Sanatçının yolu, birçok arkadaşının ve iş arkadaşının eserinin özelliği olan pürüzsüz ve tutarlı evrimden daha karmaşık ve dolambaçlıydı. Bakst'ın görevlerinde ve fırlatmalarında bir miktar paradoks var; gelişiminin çizgisi dik zikzaklarla çizilir. Bakst, "Sanat Dünyası"na "sağdan" gelmiş gibi geldi; yanında eski akademik okulun becerilerini ve on dokuzuncu yüzyılın geleneklerine saygıyı getirdi. Ancak çok az zaman geçti ve Bakst, "Sanat Dünyası"na katılanlar arasında en "solcu" oldu; Batı Avrupa art nouveau resmine yaklaşmada diğerlerinden daha aktifti ve tekniklerini organik olarak özümsedi. Batılı izleyiciler, Bakst'ı kendilerine ait olarak tanımayı World of Art'taki diğer sanatçılardan daha kolay buldular.

Bakst, Somov'dan üç yaş, Benoit dört yaş ve Diaghilev altı yaş büyüktü. Kendi içinde önemsiz olan yaş farkı, "Sanat Dünyası" figürlerinin genç erkekler olduğu zamanlarda belli bir öneme sahipti. Benoit çevresinde toplanıp çevresini oluşturan genç amatörler arasında. Bakst, profesyonel deneyime sahip tek sanatçıydı. Dört yıl (1883-1887) Sanat Akademisi'nde okudu, bazen sipariş üzerine portreler yaptı ve sözde "ince dergilerde" illüstratörlük yaptı. Rus Müzesi, Bakst tarafından 1890'ların ilk yarısında boyanmış birkaç manzara ve portre çizimi içeriyor. Yüksek sanatsal kalitede değiller, ancak oldukça profesyoneller. Bakst'ın dekoratif özelliklerini zaten gösteriyorlar; ancak ilkeleri gereği geç dönem akademik resmin sınırlarını aşmazlar.

Ancak kısa süre sonra Bakst'ın çalışması farklı bir karaktere büründü. World of Art'ın ilk sergilerinde Bakst, öncelikle bir portre ressamı olarak hareket etti. Bakst'ın resminin kariyerinin başlangıcında hangi kavramlardan kaynaklandığını ve gelecekte ne yönde geliştiğini anlamak için 19. ve 20. yüzyılların başında yaptığı portreler serisine yakından bakmak yeterlidir.

Sanatçının en ünlü eserlerinden biri Alexander Benois (1898, Devlet Rus Müzesi) portresidir. Hala kusurlu ve illüzyonist eğilimlere aşina olmayan bu erken dönem pastel dolgulu çalışmada, Bakst için portre resminin görevini ve anlamını belirleyen yaratıcı fikirlerin bütün bir kompleksi görülebilir. Doğa burada, somut, kesin olarak belirtilmiş niteliklerinin tüm değişkenliği içinde, kendi canlı durumlarının akışında alınır. Ana rol, karakteri ortaya çıkarma, tasvir edilen kişinin bireysel psikolojik özelliklerini ortaya çıkarma arzusu tarafından oynanır. Bu eğilim, doğrudan Rus gerçekçi resminin yaratıcı ilkelerine geri döner. 19. yüzyılın ikinci yarısının portre ressamlarında olduğu gibi, burada da sanatçının görevi, akan gerçekliğin bir anını, gerçek hayatın belirli bir parçasını yakalamaktır. Buradan olay örgüsü fikri geliyor - Benoit'i hiç poz verme düşüncesi olmadan gafil avlanmış gibi tasvir etmek; dolayısıyla portrenin kompozisyon yapısı, olduğu gibi, pozun rastgeleliğini ve modelin ifadesinin kolaylığını vurguluyor; Son olarak, günlük karakteristiklere, iç unsurların ve natürmortların portreye dahil edilmesine olan ilgi buradan geliyor.

Sanatçının biraz daha sonraki bir çalışması da benzer ilkelere dayanıyor - yazar V.V. Rozanov (pastel, 1901, Devlet Tretyakov Galerisi). Ancak burada Bakst'ın portre resminin gelişimindeki yol gösterici eğilim, kendini 19. yüzyılın psikolojik gerçekçilik geleneklerinden kurtarma girişimi şimdiden görülebilir.

Rozanov'un portresinde psikolojik ve günlük özellikler için bir çaba da kendini gösterir ve formun yorumlanmasında illüzyonizmin özelliklerini fark etmek kolaydır. Yine de, Benoit'in portresiyle karşılaştırıldığında, burada farklı, yeni nitelikler hemen ortaya çıkıyor. Resmin dar ve uzun formatı, kapı ve kitap raflarının dikey çizgileriyle kasıtlı olarak vurgulanır. Tuvalin neredeyse tüm düzlemini kaplayan beyaz bir arka plana karşı, sert bir kontur çizgisiyle çevrelenen portrenin karanlık bir silueti özetlenir. Figür, resmin merkez ekseninden kaydırılır ve artık iç mekanla birleşmez, aksine ona keskin bir şekilde karşı çıkar. Benoit'in portresinin mahremiyet özelliği kayboluyor.

Portreyi, tuvale sabitlenmiş akan gerçekliğin bir anı olarak anlamayı reddeden Bakst - neredeyse Somov ile aynı anda - artık çalışmalarını farklı temeller üzerine kurmaya başlıyor. Bakst'ta yansıtma doğrudan gözleme, genelleme ise analiz öğelerine üstün gelir.

Portre karakteristiğinin içeriği, artık yaşam durumlarının akışındaki doğa değil, tasvir edilen kişinin belirli, özel olarak idealize edilmiş bir fikridir. Bakst, bu belirli kişinin iç dünyasını bireysel benzersizliğinde ortaya çıkarma görevinden vazgeçmez, ancak aynı zamanda, havalı "Sanat Dünyası" nın insanlarının karakteristik tipik özelliklerinin tasviri görünümünü keskinleştirmeye çalışır, anlar. döneminin ve yakın ideolojik çevresinin "pozitif kahramanı" imajı. Bu özellikler, S.P.'nin portresinde oldukça belirgin ve eksiksiz bir biçim kazanmıştır. Bir dadı ile Diaghilev (1906, Devlet Rus Müzesi). İnsan figürünün aynı temasını iç mekanda çeşitlendiren sanatçı, aksanları yeniden düzenler, önceki yöntemleri yeni bir şekilde yeniden yorumlar, tutarlı, tutarlı bir sistem haline getirir ve amaçlanan görüntüye tabi kılar. Daha önceki portrelerdeki illüzyonizm ve natüralist titizliğin artık hiçbir izi yok. Kompozisyon ritimleri keskin asimetriye dayanır. Resmin kütleleri birbirini dengelemiyor: Resmin sağ yarısı aşırı yüklü, solu neredeyse boş. Bu teknikle sanatçı, portrede görüntüyü karakterize etmek için gerekli olan özel bir gerilim atmosferi yaratır. Diaghilev'in pozuna törensel bir heybet verilir. İç mekan, oturan yaşlı bir kadın, bir dadı görüntüsü ile birlikte, portre karakterizasyonunu tamamlayan bir yorum haline gelir.

Diaghilev'in bu portredeki imajının psikolojik olanın dışında olduğunu söylemek yanlış olur. Aksine, Bakst görüntüye bir dizi keskin ve uygun psikolojik tanım koyar, ancak orada onları kasıtlı olarak sınırlar: poz veren bir kişinin portresi var. Poz anı, gündelik yakınlığın bir ipucunun bile olmadığı konseptin en önemli kısmıdır; poz, resmin bütün yapısı tarafından vurgulanır: Diaghilev'in siluetinin ana hatları ve ifadesi, kompozisyonun mekansal yapısı ve durumun tüm detayları.

Bakst'ın grafiklerinde 18. yüzyılın motifleri yoktur. ve malikane temaları. Antik çağa ve sembolik olarak yorumlanan Yunan arkaikine yönelir. "Terroantiquus" (tempera, 1908, Rus Devlet Müzesi) adlı resmi, Sembolistler arasında özel bir başarı kazandı. Korkunç fırtınalı bir gökyüzü, denizin ve antik kentin uçurumunu aydınlatan şimşek - ve tüm bu evrensel felaketin üzerine, gizemli donmuş bir gülümsemeyle antik bir tanrıça heykeli hakimdir.

Daha sonra, Bakst tamamen tiyatro ve dekoratif çalışmalara girdi ve Diaghilev'in girişiminin baleleri için sahneleri ve kostümleri, olağanüstü bir parlaklıkla, ustaca, sanatsal bir şekilde gerçekleştirildi ve ona dünya çapında ün kazandı. Fokine'nin balelerinden Anna Pavlova ile performanslar için tasarlandı.

Bir yanda egzotik, baharatlı Doğu, diğer yanda Ege sanatı ve Yunan arkaik, Bakst'ın sanatsal hobilerine konu olan ve onun bireysel tarzını oluşturan iki tema ve iki üslup katmanıdır.

Başyapıtları arasında N.A.'nın müziğine "Scheherazade" için setler ve kostümler de dahil olmak üzere bale performansları tasarlar. Rimsky-Korsakov (1910), I.F. Stravinsky (1910), M. Ravel'in (1912) ve V.F.'nin yönettiği "Daphnis ve Chloe". Nijinsky, K. Debussy'nin "Bir Faun'un Öğleden Sonrası" (1912) balesi için müziğine. Zıt ilkelerin paradoksal bir bileşiminde: erken modernizmin süslemesiyle bağlantısını koruyan zayıf iradeli akıcı bir çizim çizgisinin şehvetli rengi ve tembel zarafeti: Bacchanal canlı parlaklık, şehvetli zarafet, Bakst'ın bireysel stilinin özgünlüğüdür. Kostüm eskizleri yapan sanatçı, karakter, renkli görüntü-ruh hali, rolün plastik çizimini aktarır, kontur ve renk noktasının genelliğini mücevher dikkatli bir şekilde bitirme ile birleştirir - mücevherler, kumaşlar üzerindeki desenler vb. Bu nedenle, eskizlerine en azından taslak denebilir, ancak kendi başlarına tam bir sanat eseridir.

A.Ya. Golovin - XX yüzyılın ilk çeyreğinin en büyük tiyatro sanatçılarından biri olan I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedev ve diğerleri.

Nicholas Roerich (1874-1947) "Sanat Dünyası"nda özel bir yere sahiptir. Doğu felsefesi ve etnografyasında uzman, arkeolog-bilim adamı olan Roerich, önce evinde, sonra Hukuk ve Tarih ve Filoloji Fakültesinde, ardından Sanat Akademisi'nde, Kuindzhi'nin atölyesinde ve Paris'te mükemmel bir eğitim aldı. F. Cormon'un stüdyosunda. Erken bir bilim adamının otoritesini kazandı. Aynı geçmişe bakma sevgisiyle "sanat dünyası" ile ilgiliydi, sadece 17.-18. yüzyıllarda değil, aynı zamanda pagan Slav ve İskandinav antik ve Eski Rusya, stilistik eğilimler, teatral dekorasyon ("Messenger", 1897, Devlet Tretyakov) Galeri; "Yaşlılar Bir Araya Geliyor" , 1898, Rus Devlet Müzesi; "Sinister", 1901, Rus Devlet Müzesi). Roerich, Rus sembolizminin felsefesi ve estetiği ile en yakından ilişkiliydi, ancak sanatı mevcut eğilimlerin çerçevesine uymuyordu, çünkü sanatçının dünya görüşüne ve dünya görüşüne uygun olarak, olduğu gibi tüm insanlığa hitap ediyordu. tüm halkların dostane bir birliğine çağrı. Bu nedenle, tuvallerinin özel anıtsallığı ve epik karakteri. 1905'ten sonra, Roerich'in çalışmalarında panteist mistisizm havası büyüdü. Tarihsel temalar yerini dini efsanelere bırakıyor ("Göksel Savaş", 1912, Rus Devlet Müzesi). Rus ikonunun Roerich üzerinde büyük etkisi oldu: Dekoratif paneli Kerzhenets'te Kesim (1911), Rimsky-Korsakov'un The Legend of the Invisible City of Kitezh ve Maiden Fevronia adlı operasından Paris Rus dilinde aynı başlığın bir parçasını icra ederken sergilendi. Mevsimler.

İlk estetik tutumların evrimi nedeniyle, derginin editör ofisindeki bölünme nedeniyle, Moskova sanatçı grubu "World of Art" 1905'e kadar sergi ve yayın faaliyetlerini durdurdu. 1910'da "Sanat Dünyası" yenilendi, ancak yalnızca bir sergi organizasyonu olarak işlev görüyor, daha önce olduğu gibi, yaratıcı görevlerin birliği ve üslup yönelimi ile çeşitli yönlerden sanatçıları birleştiriyor.

Bununla birlikte, çalışmalarında "Sanat Dünyası" nın kıdemli ustalarının sanatsal ilkelerini daha da geliştiren "ikinci dalga" sanat dünyasının bir dizi sanatçısı vardı. Aralarında B.M. Kustodiev.

Boris Mihayloviç Kustodiev (1878-1927) Astrakhan'da bir öğretmen ailesinde doğdu. Sanatçı P.A.'dan çizim ve resim eğitimi aldı. Astrakhan'da (1893-1896) Vlasov ve 1898'den beri St. Petersburg Sanat Akademisi'ndeki (1896-1503) Yüksek Sanat Okulu'nda - Profesör I.E. tekrarla. 1902-1903'te Repin tarafından “Danıştayın ciddi toplantısı” resmi üzerinde ortak çalışmaya çekildi. Sanat Akademisi öğrencisi olarak tatilde Kafkasya ve Kırım'ı dolaştı ve ardından her yıl (1900'den beri) yazı Kostroma eyaletinde geçirdi; 1903'te Volga boyunca ve D.S. Stellets-kim'den Novgorod'a.

1903'te Kustodiev, 1941'e kadar Novgorod Tarih ve Sanat Müzesi'nde bulunan "Köydeki Çarşı" resmi için sanatçı unvanını ve yurtdışına seyahat etme hakkını aldı. Aynı yılın sonunda Akademi emeklisi olarak Paris'e gitti ve burada kısa bir süre R. Menard'ın atölyesinde çalıştı ve aynı zamanda çağdaş sanatla tanıştı, müze ve sergileri gezdi. Nisan 1904'te eski ustaları incelemek için İspanya'ya gitmek üzere Paris'ten ayrıldı; yaz başında Rusya'ya döndü. 1909 yılında akademisyen unvanını aldı.

Kustodiev daha sonra yurtdışına birkaç gezi yaptı: 1907'de D.S. Stelletsky, - İtalya'ya; 1909'da - Avusturya, İtalya, Fransa ve Almanya'ya; 1911 ve 1912'de - İsviçre'ye; 1913'te - Fransa'nın güneyinde ve İtalya'ya. 1917 yazını Finlandiya'da geçirdi.

Resimde tür ressamı ve portre ressamı, grafikte şövale ressamı ve illüstratör, tiyatro dekoratörü, Kustodiev heykeltıraş olarak da çalıştı. Bir dizi portre büstleri ve kompozisyonlar yaptı. 1904'te Kustodiev, Yeni Sanatçılar Derneği'ne üye oldu; 1911'den beri World of Art'ın üyesidir.

Kustodiev'in boyalı oyuncaklar ve popüler baskılar ruhundaki rafine stilizasyonlarının nesnesi, sanatçının özel bir estetik kod ödünç aldığı ataerkil Rusya, posad ve tüccarların gelenekleri - renkli, aşırı renkli, karmaşık süslemeli her şeyin tadı. Bu nedenle parlak şenlikli "Fuarlar", "Maslenitsa", "Balagany", dolayısıyla burjuva ve tüccar yaşamından resimleri, yakıcı bir ironi ile aktarıldı, ancak semaverdeki bu kırmızı yanaklı, yarı uykulu güzelliklere hayranlık duymadan değil. tombul parmaklarda tabaklar ("Tüccar", 1915, Rus Devlet Müzesi; "Tüccar'ın çaydaki karısı", 1918, Rus Devlet Müzesi).

"Güzellik" (1915, Devlet Tretyakov Galerisi), Kustodiev'in tüccar ruhundaki stilizasyonunun mükemmel bir örneğidir, bu miktarın hiperbolik zorlamasıyla ifade edilen "miktar estetiği" - beden, tüy, atlas, süsler. Yorganlar, yastıklar, kuş tüyü yataklar ve maun krallığında inci pembesi bir güzellik, bir tanrıça, tüccar yaşamının bir idolüdür. Sanatçı, bu hayatın değerleriyle ilgili tipik olarak “dünyevi” ironik mesafeyi hissettirir, zevki yumuşak bir sırıtmayla akıllıca iç içe geçirir.

Sanat Dünyası, yüzyılın başında, tüm modern sanat kültürünü abartan, yeni zevkleri ve sorunları onaylayan, sanata - en yüksek profesyonel düzeyde - kitap grafiklerinin, tiyatro ve dekoratif resimlerin kayıp biçimlerine dönen büyük bir estetik hareketti. Yeni bir sanat eleştirisi yaratan -nie, Rus sanatını yurt dışında tanıtmış, hatta XVIII. "Miriskusniki", kendi üslup özelliklerine sahip yeni bir tarihsel resim, portre, manzara türü yarattı (farklı stilistik eğilimler, grafik tekniklerin resim üzerindeki baskınlığı, tamamen dekoratif renk anlayışı vb.). Bu onların Rus sanatı için önemini belirler.

"Sanat Dünyası"nın zayıflıkları, öncelikle, "şimdi Boecklin, şimdi Manet" modelini ilan eden programın değişkenliği ve tutarsızlığına yansır; sanata ilişkin idealist görüşlerde, sanatın yurttaşlık görevlerine kayıtsızlıktan etkilenen, programatik apolitiklikte, resmin toplumsal öneminin yitirilmesinde. Sanat Dünyasının mahremiyeti, özgün sınırlamasının özellikleri, yaklaşmakta olan proleter devrimin ürkütücü öngörüleri çağında yaşamının kısa tarihsel dönemini belirledi. Bunlar yaratıcı arayışlar yolundaki ilk adımlardı ve çok geçmeden "Sanat Dünyası" gençler tarafından ele geçirildi.

Sanat Dünyası, 1890'ların sonlarından beri var olan yaratıcı bir sanatçılar derneğidir. 1924'e kadar (aralıklı olarak). Derneğin ana çekirdeği A.N. Benois, L.S. Bakst, K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, I. Ya. Bilibin'di. K. A. Korovin, A. Ya. Golovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, S. Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld ve diğerleri World of Art'a katıldı.

World of Art programı tartışmalıydı. Gezicilere ve Sanat Akademisi'ne karşı olan "World of Art", "saf sanat"ın destekçisiydi. Aynı zamanda, dernek sanatçıları gerçekçilikten kopmadı, birçoğu 1905 Devrimi'ne ve 1910'larda tepki verdi. "Sanat Dünyası", çöküşe ve biçimciliğe karşı çıktı. "Sanat Dünyası" sanatçılarının eserlerinde güçlü bir retrospektif eğilim, 17-18 yüzyılların kültürüne hayranlık vardı.

World of Art etkinliklerinin en güçlü yönleri kitap grafikleri ve tiyatro sahneleridir. Performansın içeriğini ve bütünlüğünü savunan sanatçının içindeki aktif rolü, "Sanat Dünyası", opera S. I. Mamontov'un dekoratörleri tarafından başlatılan tiyatro ve dekoratif sanat reformunu sürdürdü.

World of Art sanatçılarının dekorasyon çalışmaları, yüksek kültür, tiyatronun modern resmin başarılarıyla zenginleştirilmesi, çözümlerin sanatsal bütünlüğü, hassas tat ve bale dahil sahne eserlerinin yorum derinliği ile karakterizedir.

Performansların tasarımında "Sanat Dünyası" sanatçıları tarafından büyük bir rol oynadı.

Sanat Derneği "World of Art", XIX-XX yüzyılların başında aynı adı taşıyan derginin yayınlanmasıyla kendini duyurdu. 1898'in sonunda St. Petersburg'da "World of Art" dergisinin ilk sayısının yayınlanması, Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) başkanlığındaki bir grup ressam ve grafik sanatçısı arasındaki on yıllık iletişimin sonucuydu.

Birleşmenin ana fikri “Zor Sorular” makalesinde ifade edildi. Hayali düşüşümüz." Sanatsal yaratımın temel amacı, her ustanın öznel anlayışında güzellik ve güzellik olarak ilan edildi. Sanatın görevlerine yönelik bu tutum, sanatçıya Rusya için oldukça yeni ve alışılmadık olan temaları, görüntüleri ve ifade araçlarını seçme konusunda mutlak özgürlük verdi.

Sanat Dünyası, Rus halkı için Batı kültürünün, özellikle Fin ve İskandinav resminin, İngiliz Pre-Raphaelite sanatçılarının ve grafik sanatçısı Aubrey Beardsley'nin birçok ilginç ve daha önce bilinmeyen fenomenini açtı. Benoit ve Diaghilev etrafında birleşen ustalar için Sembolist yazarlarla işbirliği büyük önem taşıyordu. 1902'de derginin on ikinci sayısında şair Andrei Bely "Sanat Biçimleri" başlıklı bir makale yayınladı ve o zamandan beri en büyük Sembolist şairler sayfalarında düzenli olarak yer aldı. Ancak Sanat Dünyası sanatçıları kendilerini sembolizmle sınırlamadılar. Sadece üslup birliği için değil, aynı zamanda benzersiz, özgür yaratıcı bir kişilik oluşumu için de çabaladılar.

Bütünleyici bir edebi ve sanatsal dernek olarak, "Sanat Dünyası" uzun sürmedi. Sanatçılar ve yazarlar arasındaki anlaşmazlıklar, 1904'te derginin kapatılmasına neden oldu. Grubun 1910'daki faaliyetlerine yeniden başlaması, eski rolünü artık eski haline getiremezdi. Ancak Rus kültür tarihinde bu dernek derin bir iz bıraktı. Ustaların dikkatini içerik sorunlarından biçim ve resimsel dil sorunlarına çeviren şey buydu.

World of Art sanatçılarının ayırt edici bir özelliği, çok yönlü olmalarıydı. Resimle, tiyatro gösterilerinin tasarımıyla, sanat ve el sanatlarıyla uğraşıyorlardı. Bununla birlikte, grafikler miraslarında önemli bir rol oynamaktadır.

Benoit'in en iyi grafik çalışmaları; aralarında özellikle ilginç olan, Alexander Puşkin'in "Bronz Süvari" (1903-1922) şiirinin illüstrasyonlarıdır. Petersburg tüm döngünün ana "kahramanı" oldu: sokakları, kanalları, mimari şaheserleri ya ince çizgilerin soğuk şiddetinde ya da parlak ve karanlık noktaların dramatik kontrastında ortaya çıkıyor. Trajedinin zirvesinde, Eugene, arkasında dört nala koşan Peter anıtı olan zorlu devden kaçtığında, usta şehri karanlık, kasvetli renklerle boyar.

Benoit'in çalışması, yalnız bir acı çeken kahramana ve dünyaya karşı koyma, ona kayıtsız kalma ve böylece onu öldürme romantik fikrine yakındır.

Tiyatro gösterilerinin tasarımı, Lev Samuilovich Bakst'ın (gerçek adı Rosenberg; 1866-1924) çalışmasındaki en parlak sayfadır. En ilginç eserleri, 1907-1914 Paris'teki Rus Mevsimlerinin opera ve bale yapımlarıyla ilişkilidir. - Diaghilev tarafından düzenlenen bir tür Rus sanatı festivali. Bakst, R. Strauss'un "Salome" operası, N. A. Rimsky-Korsakov'un "Scheherazade" süiti, C. Debussy'nin müziğine "Afternoon of a Faun" balesi ve diğer performanslar için sahne ve kostüm çizimleri yaptı. Özellikle dikkat çekici olan, bağımsız grafik eserler haline gelen kostümlerin eskizleridir. Dansçının hareket sistemine odaklanarak kostümü modelleyen sanatçı, çizgiler ve renkler aracılığıyla dansın kalıbını ve müziğin doğasını ortaya çıkarmaya çalıştı. Eskizlerinde görüntünün vizyonunun keskinliği, bale hareketlerinin doğasına dair derin bir anlayış ve şaşırtıcı zarafet dikkat çekiyor.

"Sanat Dünyası"nın birçok ustası için ana temalardan biri, geçmişe başvurmak, kayıp ideal dünyanın özlemiydi. Favori dönem 18. yüzyıl ve hepsinden öte Rokoko dönemiydi. Sanatçılar sadece bu sefer eserlerinde canlandırmaya çalışmakla kalmadılar, halkın dikkatini 18. yüzyılın gerçek sanatına çektiler, aslında Fransız ressamlar Antoine Watteau ve Honore Fragonard ile yurttaşları Fyodor Rokotov ve Dmitry Levitsky'nin eserlerini yeniden keşfettiler. .

Benois'in eserleri, Versailles saraylarının ve parklarının güzel ve uyumlu bir dünya olarak sunulduğu, ancak insanlar tarafından terk edildiği "yiğit çağın" görüntüleri ile ilişkilidir. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946), 18. yüzyılda Rus yaşamının resimlerini yapmayı tercih etti.

Rokoko motifleri, Konstantin Andreevich Somov'un (1869-1939) eserlerinde özel bir ifade ile kendini gösterdi. Sanat tarihine erken katıldı (baba

sanatçı Hermitage koleksiyonlarının küratörüydü). Sanat Akademisi'nden mezun olduktan sonra genç usta, eski resim konusunda mükemmel bir uzman oldu. Somov, resimlerinde tekniğini zekice taklit etti. Çalışmasının ana türü, "yiğit sahne" temasının varyasyonları olarak adlandırılabilir. Gerçekten de, sanatçının tuvallerinde Watteau'nun karakterleri yeniden canlanıyor gibi görünüyor - yemyeşil elbiseler ve peruklardaki bayanlar, komedi maskelerinin aktörleri. Gün batımı ışığının sevecen parıltısıyla çevrili park sokaklarında flört eder, flört eder, serenatlar söylerler.

Ancak, Somov'un resminin tüm araçları, "yiğit sahneyi" bir an için parlayan ve hemen kaybolan fantastik bir vizyon olarak göstermeyi amaçlıyor. Ondan sonra sadece acı bir hatıra kalır. Hafif cesur oyunun ortasında, suluboya "Harlequin and Death" (1907) gibi ölüm görüntüsünün ortaya çıkması tesadüf değildir. Kompozisyon açıkça iki düzleme ayrılmıştır. Uzakta Rokoko'nun geleneksel "pul seti": yıldızlı gökyüzü, aşık çiftler, vb. Ve ön planda ayrıca geleneksel maske karakterleri vardır: Renkli takım elbiseli Harlequin ve Ölüm - siyah pelerinli bir iskelet. Her iki figürün silüetleri keskin, kesik çizgilerle özetlenmiştir. Parlak bir palette, belirli bir şablon için belirli bir kasıtlı çabada, kişi kasvetli bir grotesk hisseder. Rafine zarafet ve ölümün dehşeti aynı madalyonun iki yüzü olarak ortaya çıkıyor ve ressam her ikisini de eşit kolaylıkla tedavi etmeye çalışıyor gibi görünüyor.

Somov, geçmişe duyduğu nostaljik hayranlığı kadın imgeleriyle özellikle incelikli bir şekilde ifade etmeyi başardı. Ünlü "Lady in Blue" (1897-1900), usta sanatçı E. Martynova'nın çağdaş bir portresidir. Eski moda giyinmiş ve şiirsel bir peyzaj parkının fonunda tasvir edilmiştir. Resim, Biedermeier stilini zekice taklit ediyor. Ancak kahramanın görünüşünün bariz morbiditesi (Martynova kısa süre sonra tüberkülozdan öldü) akut bir melankoli hissi uyandırıyor ve manzaranın pastoral yumuşaklığı gerçek değil, sadece sanatçının hayal gücünde var.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) dikkatini esas olarak kentsel peyzaja odakladı. Onun Petersburg'u, Benois'in Petersburg'unun aksine, romantik bir auradan yoksundur. Sanatçı, şehri insan ruhunu öldüren devasa bir mekanizma olarak göstererek en çekici olmayan, "gri" manzaraları seçiyor.

"Gözlüklü Adam" ("K. A. Sunnerberg'in Portresi", 1905-1906) resminin kompozisyonu, kahramanın ve geniş bir pencereden görülebilen şehrin karşıtlığına dayanmaktadır. İlk bakışta, rengarenk evler dizisi ve gölgelere dalmış bir yüzü olan bir adam figürü birbirinden izole edilmiş gibi görünüyor. Ancak bu iki düzlem arasında derin bir içsel bağlantı vardır. Şehir evlerinin "mekanik" donukluğu, renklerin parlaklığının arkasında duruyor. Kahraman kopuk, kendi içine dalmış, yüzünde yorgunluk ve boşluktan başka bir şey yok.