Empresyonizm tarzında kentsel peyzajlar. İzlenimcilikte kentsel peyzaj
Avrupa resminin daha da gelişmesi, izlenimcilikle ilişkilidir. Bu terim tesadüfen doğdu. Sebep, manzaranın adı C. Monet “İzlenim. Gündoğumu ”(bkz. Ek No. 1, Şekil 3) (Fransız izleniminden - izlenim), 1874'te İzlenimci sergide ortaya çıktı. Bu, C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro ve diğerlerini içeren bir grup sanatçının halka açık ilk performansı, resmi burjuva eleştirisi tarafından kaba alay ve tacizle karşılandı. Doğru, 1880'lerin sonundan itibaren, resminin resmi yöntemleri akademik sanatın temsilcileri tarafından ele geçirildi ve bu, Degas'ın acı bir şekilde şunları söylemesine neden oldu: "Vurulduk, ama aynı zamanda ceplerimiz de arandı."
Artık İzlenimcilik hakkındaki hararetli tartışma geçmişte kaldı, pek kimse İzlenimci hareketin Avrupa gerçekçi resminin gelişiminde bir sonraki adım olduğunu tartışmaya cesaret edemez. “İzlenimcilik, her şeyden önce, benzeri görülmemiş bir inceliğe ulaşan gerçekliği gözlemleme sanatıdır” (V. N. Prokofiev). Görünür dünyanın aktarımında maksimum dolaysızlık ve doğruluk için çabalayarak, esas olarak açık havada resim yapmaya başladılar ve stüdyoda dikkatlice ve yavaş yavaş oluşturulan geleneksel resim türünün neredeyse yerini alan doğadan bir çalışmanın önemini artırdılar.
Paletlerini sürekli olarak netleştiren İzlenimciler, resmi toprak ve kahverengi verniklerden ve boyalardan kurtardı. Tuvallerindeki koşullu, "müze" siyahlığı, sonsuz çeşitlilikte bir refleks oyununa ve renkli gölgelere yol açar. Sadece güneşin, ışığın ve havanın dünyasını değil, aynı zamanda sislerin güzelliğini, büyük şehir yaşamının huzursuz atmosferini, gece ışıklarının saçılmasını ve sürekli hareketin ritmini keşfederek güzel sanatların olanaklarını ölçülemez bir şekilde genişlettiler.
Açık havada çalışma yöntemi sayesinde, keşfettikleri kentsel peyzaj da dahil olmak üzere manzara, İzlenimcilerin sanatında çok önemli bir yer işgal etti. Empresyonistlerin sanatında gelenek ve yeniliğin organik olarak nasıl birleştiği, her şeyden önce 19. yüzyılın seçkin ressamı Edouard Manet'nin (1832-1883) eseriyle kanıtlanmıştır. Doğru, kendisini izlenimciliğin bir temsilcisi olarak görmedi ve her zaman ayrı sergiledi, ancak ideolojik ve dünya görüşü açısından şüphesiz bu hareketin hem öncüsü hem de ideolojik lideriydi.
E. Manet, kariyerinin başında toplumdan dışlanır (toplumla alay edilir). Burjuva kamuoyunun ve eleştirmenlerin gözünde, sanatı çirkinle eşanlamlı hale gelir ve sanatçının kendisine "heyecan içinde titreyerek resim yapan bir deli" (M. de Montifo) denir (bkz. Ek No. 1, Şekil 4). Sadece o zamanın en anlayışlı zihinleri Manet'nin yeteneğini takdir edebildi. Bunların arasında C. Baudelaire ve "Bay Manet'in kaderi Louvre'da bir yer olacak" diyen genç E. Zola da vardı.
İzlenimcilik, en tutarlı ama aynı zamanda geniş kapsamlı ifadesini Claude Monet'nin (1840-1926) çalışmasında aldı. Adı genellikle bu resimsel yöntemin, aydınlatmanın zor geçiş durumlarının aktarımı, ışık ve havanın titreşimi, sürekli değişim ve dönüşüm sürecindeki ilişkileri gibi başarılarıyla ilişkilendirilir. V.N. Prokofiev, “Bu kuşkusuz Yeni Çağ sanatı için büyük bir zaferdi” diye yazıyor ve ekliyor: “Ama aynı zamanda nihai zaferi.” Cezanne'ın konumunu biraz polemik olarak keskinleştirmesine rağmen, daha sonra Monet'nin sanatının "sadece bir göz" olduğunu iddia etmesi tesadüf değildir.
Monet'in erken dönem çalışmaları oldukça gelenekseldir. Hala gelecekte giderek daha fazla kadroya dönüşen ve resimlerinden yavaş yavaş kaybolan insan figürleri içeriyorlar. 1870'lerde, sanatçının izlenimci tarzı nihayet şekillendi, bundan sonra kendini tamamen manzaraya adadı. O zamandan beri, neredeyse sadece açık havada çalıştı. Büyük resmin türü olan etüd, en sonunda onun eserinde onaylanmıştır.
İlk Monet'lerden biri, aynı motifin yılın ve günün farklı zamanlarında, farklı aydınlatma ve hava koşullarında tekrarlandığı bir dizi resim yaratmaya başlar (bkz. Ek No. 1, şek. 5, 6). Hepsi eşit değil, ancak bu serinin en iyi tuvalleri, renklerin tazeliği, renk yoğunluğu ve ışık efektleri oluşturma sanatı ile şaşırtıyor.
Monet'nin resmindeki yaratıcılığın geç döneminde, süslemecilik ve düzlük eğilimleri yoğunlaşıyor. Renklerin parlaklığı ve saflığı zıtlarına dönüşür, bir çeşit beyazlık ortaya çıkar. Geç empresyonistlerin “bazı işleri renksiz bir tuvale dönüştüren hafif bir ton” ile istismar edilmesinden bahseden E. Zola şunları yazdı: “Ve bugün açık havadan başka bir şey yok ... sadece noktalar kaldı: bir portre sadece bir nokta, rakamlar sadece noktalar, sadece noktalar” .
Diğer Empresyonist ressamlar da çoğunlukla manzara ressamlarıydı. Çalışmaları, doğaya karşı uyanık bir vizyon ve resimsel beceri bakımından ondan daha aşağı olmasalar da, Monet'nin gerçekten renkli ve etkileyici figürünün yanında genellikle haksız yere gölgede kaldı. Bunlar arasında öncelikle Alfred Sisley (1839-1899) ve Camille Pissarro (1831-1903) isimleri sayılmalıdır. Aslen bir İngiliz olan Sisley'nin eserleri, özel bir resimsel zarafet ile karakterizedir. Plein havanın parlak bir ustası, berrak bir kış sabahının berrak havasını, güneşin ısıttığı hafif bir sisi, rüzgarlı bir günde gökyüzünde uçuşan bulutları iletebiliyordu. Gamı, tonların zenginliği ve tonların doğruluğu ile ayırt edilir. Sanatçının manzaraları, temelde lirik doğa algısını yansıtan, her zaman derin bir ruh hali ile doludur (bkz. Ek No. 1, şek. 7, 8, 9).
İzlenimcilerin sekiz sergisinin tümüne katılan tek sanatçı olan Pissarro'nun yaratıcı yolu daha karmaşıktı - J. Revald ona bu hareketin "patriği" adını verdi. Resimde Barbizonlara yakın manzaralardan başlayarak, Manet ve genç arkadaşlarının etkisi altında, paleti sürekli olarak aydınlatarak açık havada çalışmaya başladı. Yavaş yavaş, kendi izlenimci yöntemini geliştirir. İlklerden biri siyah boya kullanmayı reddetti. Pissarro her zaman resme analitik bir yaklaşıma meyilli olmuştur, bu nedenle renk ayrıştırma deneyleri - "bölmecilik" ve "noktacılık". Bununla birlikte, kısa süre sonra en iyi eserlerinin yaratıldığı izlenimci tarza geri döner - harika bir Paris kentsel manzara serisi (bkz. Ek No. 1, şek. 10,11,12,13). Kompozisyonları her zaman düşünülmüş ve dengelidir, resim renk bakımından rafine ve teknikte virtüözdür.
Rusya'da, izlenimcilikteki kentsel manzara Konstantin Korovin tarafından aydınlandı. “Paris benim için bir şok oldu… İzlenimciler… onlarda Moskova'da ne için azarlandığımı gördüm.” Korovin (1861-1939), arkadaşı Valentin Serov ile birlikte Rus İzlenimciliğinin merkezi figürleriydi. Fransız hareketinin büyük etkisi altında, Fransız izlenimciliğinin ana unsurlarını o dönemin Rus sanatının zengin renkleriyle karıştıran kendi stilini yarattı (bkz. Ek No. 1, şek. 15).
“İzlenimciler çizdiğinde yeni bir dünya doğdu”
Henri Kahnweiler
XIX yüzyıl. Fransa. Resimde düşünülemez olan oldu. Bir grup genç sanatçı, 500 yıllık geleneği sarsmaya karar verdi. Net bir çizim yerine geniş bir "özensiz" fırça darbesi kullandılar.
Ve herkesi arka arkaya tasvir eden olağan görüntüleri tamamen terk ettiler. Ve kolay erdemli bayanlar ve şüpheli bir üne sahip beyler.
Halk, Empresyonist resim için hazır değildi. Alay edildiler ve azarlandılar. Ve en önemlisi, onlardan hiçbir şey satın almadılar.
Ama direniş kırıldı. Ve bazı İzlenimciler zaferlerini görmek için yaşadılar. Doğru, zaten 40'ın üzerindeydiler. Claude Monet veya Auguste Renoir gibi. Camille Pissarro gibi diğerleri ancak hayatlarının sonunda tanınmayı beklediler. Alfred Sisley gibi biri buna ayak uyduramadı.
Her biri hangi devrimciyi yaptı? Neden halk onları bu kadar uzun süre kabul etmedi? İşte dünyanın en ünlü Fransız İzlenimcilerinden 7'si.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edward Mane. Paletli kendi kendine portre. 1878 Özel koleksiyonManet, Empresyonistlerin çoğundan daha yaşlıydı. O onların ana ilham kaynağıydı.
Manet'in kendisi devrimcilerin lideri olduğunu iddia etmedi. O bir dünya adamıydı. Resmi ödüllerin hayalini kurdu.
Ama tanınmak için çok uzun bir süre bekledi. Halk, yemek odasında güzel görünmeleri için Yunan tanrıçalarını veya en kötü ihtimalle natürmortları görmek istedi. Manet çağdaş yaşamı resmetmek istiyordu. Örneğin, cariyeler.
Sonuç "Çimenlerde Kahvaltı" oldu. İki züppe, kolay erdemli hanımların eşliğinde rahatlıyor. İçlerinden biri, sanki hiçbir şey olmamış gibi giyinmiş adamların yanına oturur.
Edward Mane. Çimlerin üzerinde kahvaltı. 1863, Paris "Çimenlerde Kahvaltı" ile Thomas Couture'un "Düşüşteki Romalılar"ı karşılaştırın. Couture'un resmi büyük ses getirdi. Sanatçı bir anda ünlü oldu.
"Çimenlerde Kahvaltı" kabalıkla suçlandı. Hamile kadınların ona bakmaları kesinlikle önerilmezdi.
Thomas Couture. Romalılar düşüşte. 1847 Orsay Müzesi, Paris. artchive.ru Couture'un resminde, akademizmin (16.-19. yüzyıl geleneksel resmi) tüm özelliklerini görüyoruz. Sütunlar ve heykeller. Apollon halkı. Geleneksel sessiz renkler. Duruşların ve jestlerin tavırları. Tamamen farklı bir insanın uzak yaşamından bir arsa.
Manet'nin “Çimenlerde Kahvaltı”sı farklı bir format. Ondan önce kimse fahişeleri bu kadar kolay tasvir edemezdi. Saygın vatandaşlara yakın. O zamanın birçok erkeği boş zamanlarını bu şekilde geçirmesine rağmen. Gerçek insanların gerçek hayatıydı.
Bir zamanlar saygın bir bayanı canlandırdı. Çirkin. Onu bir fırçayla pohpohlayamazdı. Bayan hayal kırıklığına uğradı. Onu gözyaşları içinde bıraktı.
Edward Mane. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org Bu yüzden denemeye devam etti. Örneğin, renk ile. Sözde doğal rengi canlandırmaya çalışmadı. Gri-kahverengi suyu parlak mavi olarak gördüyse, onu parlak mavi olarak tasvir etti.
Bu tabii ki halkı rahatsız etti. "Sonuçta, Akdeniz bile Manet'teki su kadar maviyle övünemez," diye alay ettiler.
Edward Mane. Arjantin. 1874 Güzel Sanatlar Müzesi, Tournai, Belçika. wikipedia.org Ama gerçek devam ediyor. Manet, resmin amacını temelden değiştirdi. Resim, istediği gibi yazan sanatçının bireyselliğinin somutlaşmış hali oldu. Kalıpları ve gelenekleri unutun.
Yenilikler onu uzun süre affetmedi. Tanıma sadece yaşamın sonunda bekledi. Ama artık buna ihtiyacı yoktu. Tedavisi olmayan bir hastalıktan ıstırap içinde ölüyordu.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Bereli otoportre. 1886 Özel koleksiyon Claude Monet, ders kitabı izlenimcisi olarak adlandırılabilir. Çünkü o, ömrü boyunca bu istikamete sadık kalmıştır.
Nesneleri ve insanları değil, vurguların ve noktaların tek bir renk yapısını boyadı. Ayrı vuruşlar. Hava titriyor.
Claude Monet. Çocuk havuzu. 1869 Metropolitan Sanat Müzesi, New York. Metmuseum.org Monet sadece doğayı boyamadı. Ayrıca şehir manzaralarında da iyiydi. En ünlülerden biri - .
Bu resimde çok fazla fotoğraf var. Örneğin, hareket bulanık bir görüntü kullanılarak iletilir.
Dikkat edin: uzaktaki ağaçlar ve figürler puslu görünüyor.
Claude Monet. Paris'te Boulevard des Capucines. 1873 (19.-20. Yüzyıl Avrupa ve Amerikan Sanatı Galerisi), Moskova Önümüzde Paris'in hareketli hayatının durmuş bir anı. Sahne yok. Kimse poz vermiyor. İnsanlar bir vuruş koleksiyonu olarak tasvir edilir. Bu tür bir plansızlık ve “dondurma çerçevesi” etkisi, izlenimciliğin ana özelliğidir.
1980'lerin ortalarında, sanatçılar İzlenimcilikle hayal kırıklığına uğradılar. Estetik elbette iyidir. Ama birçok ezilenin plansızlığı.
Sadece Monet, izlenimciliği abartarak ısrar etmeye devam etti. Bu bir dizi resim haline geldi.
Aynı manzarayı onlarca kez resmetti. Günün farklı saatlerinde. Yılın farklı zamanlarında. Aynı görüşü ne kadar sıcaklık ve ışığın tanınmayacak kadar değiştirebileceğini göstermek için.
Yani sayısız saman yığını vardı.
Claude Monet'in Boston Güzel Sanatlar Müzesi'ndeki resimleri. Solda: Giverny'de günbatımında saman yığınları, 1891 Sağ: Samanlık (kar etkisi), 1891
Lütfen bu resimlerdeki gölgelerin renkli olduğunu unutmayın. Ve İzlenimcilerden önce olduğu gibi gri veya siyah değil. Bu onların buluşlarından bir diğeri.
Monet, başarının ve maddi refahın tadını çıkarmayı başardı. 40 yaşından sonra yoksulluğu çoktan unutmuştu. Bir evim ve güzel bir bahçem var. Ve bunu uzun yıllar kendi zevki için yaptı.
Makalede ustanın en ikonik tablosunu okuyun
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Otoportre. 1875 Sterling ve Francine Clark Sanat Enstitüsü, Massachusetts, ABD. Pinterest İzlenimcilik en olumlu resimdir. İzlenimciler arasında en olumlu olanı Renoir'di.
Onun resimlerinde dram bulamazsınız. Siyah boya bile kullanmadı. Sadece olmanın sevinci. En banal Renoir bile güzel görünüyor.
Monet'in aksine, Renoir insanları daha sık boyadı. Onun için manzaralar daha az önemliydi. Resimlerde arkadaşları ve tanıdıkları rahatlıyor ve hayattan zevk alıyor.
Pierre-Auguste Renoir. Kürek kahvaltısı. 1880-1881 Phillips Koleksiyonu, Washington, ABD. wikimedia.commons.org Renoir ve düşünceliliği bulamazsınız. Konuları tamamen reddeden İzlenimcilere katılmaktan çok memnundu.
Kendisinin de söylediği gibi, sonunda çiçekleri boyama ve onlara basitçe “Çiçekler” deme fırsatı buldu. Ve onlar hakkında hikayeler uydurmayın.
Pierre-Auguste Renoir. Bahçede şemsiyesi olan kadın. 1875 Thyssen-Bormenis Müzesi, Madrid. arteuam.com Renoir, kadınların yanında kendini en iyi hissetti. Hizmetçilerinden şarkı söylemelerini ve şaka yapmalarını istedi. Şarkı ne kadar aptal ve safsa onun için o kadar iyiydi. Bir adamın gevezeliği onu yordu. Renoir'in çıplak resimlerle tanınması şaşırtıcı değil.
“Gün Işığında Çıplak” resmindeki model, renkli bir soyut arka plana karşı görünüyor. Çünkü Renoir için ikincil bir şey yoktur. Modelin gözü veya arka planın alanı eşdeğerdir.
Pierre-Auguste Renoir. Gün ışığında çıplak. 1876 Orsay Müzesi, Paris. wikimedia.commons.org Renoir uzun bir hayat yaşadı. Fırçayı ve paleti asla elinizden bırakmayın. Elleri romatizmaya tamamen zincirlenmişken bile fırçayı bir iple koluna bağladı. Ve boyadı.
Monet gibi o da 40 yıl sonra tanınmayı bekledi. Ve Louvre'da ünlü ustaların eserlerinin yanında resimlerimi gördüm.
Makalede Renoir'in en büyüleyici portrelerinden birini okuyun
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Otoportre. 1863 Calouste Gulbenkian Müzesi, Lizbon, Portekiz. kültürlü.com Degas klasik bir izlenimci değildi. Açık havada (açık havada) çalışmayı sevmiyordu. Onunla kasıtlı olarak aydınlatılmış bir palet bulamazsınız.
Aksine, net bir çizgiyi severdi. Çok fazla siyahı var. Ve sadece stüdyoda çalıştı.
Ama yine de, diğer büyük izlenimcilerle her zaman eşit tutulur. Çünkü o bir jest izlenimcisiydi.
Beklenmeyen açılar. Nesnelerin düzenlenmesinde asimetri. Karakterler hazırlıksız yakalandı. İşte resimlerinin ana özellikleri.
Karakterlerin aklının başına gelmesine izin vermeyerek hayatın anlarını durdurdu. En azından “Opera Orkestrası”na bakın.
Edgar Degas. Opera Orkestrası. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org Ön planda bir sandalyenin arkası var. Müzisyenin sırtı bize dönük. Ve arka planda, sahnedeki balerinler “çerçeveye” sığmadı. Kafaları resmin kenarında acımasızca “kesilir”.
Bu yüzden en sevdiği dansçılar her zaman güzel pozlarda tasvir edilmez. Bazen sadece uzanırlar.
Ancak böyle bir doğaçlama hayalidir. Tabii ki, Degas kompozisyonu dikkatlice düşündü. Bu sadece bir kare dondurma efektidir, gerçek bir kare dondurma değil.
Edgar Degas. İki bale dansçısı. 1879 Shelbourne Müzesi, Wermouth, ABD Edgar Degas kadınları resmetmeyi severdi. Ancak hastalık veya vücudun özellikleri, onlarla fiziksel temas kurmasına izin vermedi. Hiç evlenmedi. Kimse onu bir bayanla görmedi.
Kişisel hayatında gerçek olayların olmaması, görüntülerine ince ve yoğun bir erotizm ekledi.
Edgar Degas. Bale yıldızı. 1876-1878 Musee d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org Lütfen “Bale Yıldızı” resminde sadece balerin kendisinin çizildiğini unutmayın. Sahne arkası meslektaşları zorlukla ayırt edilebilir. Sadece birkaç bacak.
Bu, Degas'ın resmi bitirmediği anlamına gelmez. Resepsiyon böyle. Yalnızca en önemli şeyleri odakta tutun. Gerisini yok edin, okunaksız hale getirin.
Makalede ustanın diğer resimleri hakkında bilgi edinin.
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edward Mane. Berthe Morisot'un portresi. 1873 Marmottan Monet Müzesi, Paris. Bertha Morisot, büyük İzlenimciler arasında nadiren ön plana çıkar. Eminim ki hak edilmemiştir. Sadece onun içinde izlenimciliğin tüm ana özelliklerini ve tekniklerini bulacaksınız. Ve bu tarzı seviyorsanız, yaptığı işe tüm kalbinizle bayılacaksınız.
Morisot, izlenimini tuvale aktararak hızlı ve aceleci bir şekilde çalıştı. Rakamlar uzayda çözülmek üzere gibi görünüyor.
Berthe Morisot. Yaz. 1880 Fabre Müzesi, Montpellier, Fransa. Degas gibi o da çoğu zaman bazı detayları yarım bıraktı. Ve hatta modelin vücut parçaları. “Yaz” resmindeki kızın ellerini ayırt edemiyoruz.
Morisot'un kendini ifade etme yolu zordu. Sadece “özensiz” resim yapmakla kalmadı. O hala bir kadındı. O günlerde bir bayanın evlilik hayali kurması gerekiyordu. Bundan sonra, herhangi bir hobi unutuldu.
Bu nedenle, Bertha uzun süre evliliği reddetti. Ta ki mesleğine saygılı davranan bir adam bulana kadar. Eugene Manet, ressam Edouard Manet'in kardeşiydi. Karısı için bir şövale ve boyalar taşıdı.
Berthe Morisot. Eugene Manet kızıyla Bougival'de. 1881 Marmottan Monet Müzesi, Paris. Ama hala 19. yüzyıldaydı. Hayır, Morisot pantolon giymedi. Ancak tam bir hareket özgürlüğü sağlayamadı.
Yanında bir yakını olmadan tek başına çalışmak için parka gidemezdi. Bir kafede tek başıma oturamazdım. Bu nedenle resimleri aile çevresinden insanlardır. Koca, kız, akrabalar, dadılar.
Berthe Morisot. Bougival'de bir bahçede çocuğu olan bir kadın. 1881 Galler Ulusal Müzesi, Cardiff. Morisot tanınmayı beklemedi. 54 yaşında zatürreden öldü ve hayatı boyunca neredeyse hiçbir eserini satmadı. Ölüm belgesinde "meslek" sütununda bir tire vardı. Bir kadının sanatçı olarak adlandırılması düşünülemezdi. Gerçekten öyle olsa bile.
Makalede ustanın resimleri hakkında bilgi edinin
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille Pissarro. Otoportre. 1873 Orsay Müzesi, Paris. wikipedia.org Camille Pissarro. Tartışmasız, makul. Birçoğu onu bir öğretmen olarak gördü. En huysuz meslektaşlar bile Pissarro hakkında kötü konuşmadılar.
İzlenimciliğin sadık bir takipçisiydi. Korkunç bir ihtiyaç içinde, bir karısı ve beş çocuğuyla, hala en sevdiği tarzda çok çalıştı. Ve daha popüler olmak için asla salon resmine geçmedim. Kendine tam olarak inanacak gücü nereden bulduğu bilinmiyor.
Açlıktan ölmemek için Pissarro, hevesle tükenen fanları boyadı. Ve asıl tanınma 60 yıl sonra ona geldi! Sonra sonunda ihtiyacı unutabildi.
Camille Pissarro. Louveciennes'de posta arabası. 1869 Orsay Müzesi, Paris Pissarro'nun resimlerinde hava kalın ve yoğundur. Olağandışı renk ve hacim birleşimi.
Sanatçı, bir an için ortaya çıkan ve kaybolan doğanın en değişken fenomenlerini resmetmekten korkmadı. İlk kar, buz gibi güneş, uzun gölgeler.
Camille Pissarro. Don. 1873 Orsay Müzesi, Paris En ünlü eserleri Paris manzaralarıdır. Geniş bulvarlar, boş rengarenk kalabalık. Geceleri, gündüzleri, farklı havalarda. Bazı açılardan, Claude Monet'in tablo serisini yansıtıyorlar.
Bu yazıda Petersburg'u göreceksiniz. şehir manzarası"Art-Breeze" sanat galerisinde sunuldu. Burada çeşitli yazarların çeşitli stil ve tekniklerde yapılmış eserleri toplanmıştır. Tüm bu eserlerin ortak bir yanı var - St.'yi sanatçının gördüğü gibi tasvir ediyorlar.
şehir manzarası bir resim türü olarak, 18. yüzyılda oldukça geç kuruldu. O zaman şehirler modern karakterlerini kazanmaya başladı ve şehir sakinlerinin sayısı hızla artmaya başladı. Bundan önce, sadece birkaç ortaçağ sanatçısı şehirleri tuvallerinde tasvir etti. Bu görüntüler çok ilkeldi, topografik doğruluktan yoksunlardı ve arsanın adandığı olayların yerini göstermeye hizmet ediyorlardı. atalar şehir manzarası resimde 17. yüzyılın Hollandalı sanatçıları Delft'li Vermeer, J. Goyen ve J. Ruisdal sayılabilir. Modern resimlerde görmeye alışık olduğumuz kent manzarasıyla tanışmanız onların işlerinde oluyor.
St. Petersburg'daki Art Breeze Gallery'de kendi şehir manzaralarını sergileyen çağdaş sanatçılar, St. Petersburg'u canlı yaşamı ve muhteşem mimarisi ile büyük ölçüde puslu bir sahil şehri olarak tasvir ediyor. Resimlerin çoğu, izlenimcilik ve klasikler tarzında yapılmıştır. Empresyonist resim tekniğinin sağladığı renklerin doygunluğu ve tuvali ışıkla doldurma yeteneği, Neva'da bu şehrin ruhunu en iyi şekilde yansıtıyor!
Beyler ruhumuzu siteye koyduk. bunun için teşekkürler
bu güzelliği keşfettiğim için İlham ve tüyler ürpertici için teşekkürler.
Bize katılın Facebook ve Temas halinde
Sonbahar, romantizm ve özel samimiyetle doludur. Doğa altın ve kıpkırmızı parlıyor, insanlar daha duygusallaşıyor ve sanatçılar fırçaları ilhamla alıyor. Ve yaratımlarında, uygulamada çok farklı, en güzel şeyler yansıtılıyor: rengarenk ormanlar, mega şehirleri yatıştıran yağmurlar, göllerde düşen yapraklar...
Takım alan ayrıca lirik bir ruh hali ile dolu ve sizi sonbaharın büyüsüne kapılan sanatçıların tablolarının keyfini çıkarmaya davet ediyor.
Guy Dessat'tan kentsel melodiler
Yetenekli Fransız sanatçı dünyanın çeşitli yerlerini gezdi. Resimlerinde hem Japonya'yı hem de Amerika'yı görebilirsiniz. Ama hepsinden önemlisi, dünyanın en romantik şehri Paris'e adanmış Guy Dessat'ın eserleri hatırlanıyor.
Abe Toshiyuki tarafından sihirli suluboya
Japon sanatçı Abe Toshiyuki'nin muhteşem suluboyaları, felsefi bir şekilde kurgulanmış. En küçük ayrıntılar önemlidir: Nehrin sıçraması, yaprakların hışırtısı, sakura yapraklarının şefkati... Ressamın dediğine göre, "sanat, bakanın ruhunun aynasıdır", böylece kendi ruh halinizi belirleyebilirsiniz. herhangi bir resim için.
Güzel Gerçek, Peter Mörk Mönsted
Danimarkalı tanınmış bir realist ressam olan Peter Mörk Mønsted, resimlerinde çoğunlukla kırsal alanları, ormanları ve nehirleri tasvir etmiştir. Arsanın sadeliğine rağmen, yetenekli bir ressamın manzaralarını unutmak mümkün değil. Virtüöz bir beceriyle icra edilirler ve bizi doğal dünyanın tefekkürünün keyfini çıkarmaya davet ederler.
Laurent Parcelier'in Güneşli Dünyası
Bulutlu hava sizi üzüyorsa, gerçek Fransız Laurent Parcelier'in güneşli tablolarını beğeneceksiniz. Olumlu izlenimci bir sanatçının resimlerinde sonbaharda bile sadece güzel hava vardır. Ve "imzası" güneş ışınları hemen neşeleniyor.
John Atkinson Grimshaw'ın gizemi
Bu muhteşem sanatçı hakkında "ay ışığı, sis ve alacakaranlık ile resim yaptığı" söylendi. Çarpıcı resimleri bir tür mistik anlamla dolu görünüyor. Bugün, John Atkinson'ın çalışmaları, tüm orijinaller özel koleksiyonlarda olduğu için yalnızca kataloglarda görülebilir. Ancak bir zamanlar genç John'un ebeveynleri, resim tutkusuna kategorik olarak karşı çıktılar.