Hollanda'da canlanma sanatının dönemi. Almanya Sanatı ve XV-XVI Yüzyıllar Hollanda'nın Hollanda Hollanda Boyama 15. Yüzyıl

"Güzel Sanatlar 16. Yüzyıl" bölümünde, "Hollanda'nın Sanatı" bölümünde. Evrensel Sanat Tarihi. Cilt III. Rönesans sanatı. Gönderilen: e.i. Rothenberg; YU.D.'in genel baskısı altında. Kolpinsky ve e.i. ROTHENBERG (Moskova, Devlet Yayınevi "Sanat", 1962)

16. yüzyılın ilk on yılları boyunca. Hollanda'da boyama, sanatı 15 V ilkelerinin nihayetinde belirtildiği bir sonucu olarak karmaşık değişiklikler yapıldı. Ve geliştirildi (ancak, İtalya'dan daha az verimlidir) yüksek yeniden doğuşun özellikleri. Boyamanın sanatsal avantajları 16 inç. Bruegel hariç, 15. yüzyılın seviyesine, tarihi ve evrimsellikte rolü çok önemliydi. Her şeyden önce, sanat yaklaşımı ile gerçekliğin daha doğrudan, doğrudan bir yansıması ile belirlenir.

Belirli bir gerçekliğe kendi kendine yeterli ilgi, yeni, ümit verici yolların ve yöntemlerin keşfedilmesine ve ressamın ufkunu daraltmaya eşit olarak yol açtı. Dolayısıyla, günlük gerçeklik fikrinin konsantre olması, birçok ressam, geniş bir genelleştirici anlamdan yoksun olan çözümlere geldi. Bununla birlikte, sanatçının, çağın ana çelişkilerinin temel çelişkileri, işinde mantıklı olan zamanın ana sorunlarıyla yakından ilişkili olduğu durumlarda, bu süreç, Peter Bruegel kıdemli çalışmalarının bir örneğin bir örneğin bir örnek olarak olağanüstü önemli sanatsal sonuçlar vermiştir. misal.

16. yüzyılın resimsel sanatıyla tanışmak, sanatsal ürünlerde keskin nicel artış ve yeni tarihsel ve sosyal koşulların etkisi ile tezahür edilen geniş pazara nüfuz etmeyi unutmayın.

Ekonomik olarak, yüzyılın başlangıcındaki Hollanda'nın hayatı, hızlı bir çiçek ile karakterizedir. Amerika'nın açılması ülkeyi uluslararası ticaretin odağına koydu. Dükkanı zanaatinin bir fabrikada yer değiştirme işlemi ile aktif olarak ilerledi. Üretim geliştirildi. Anvers, Brugge'nin doğusunda, transit ticaret ve parasal operasyonlar için en büyük merkezi oldu. Hollanda'nın şehirlerinde bu ilin tüm nüfusunun neredeyse yarısını yaşadı. Ekonominin liderliği, kentsel patrici, dükkan bahşişine ait olmayan, ancak yalnızca işletme ve serveti tarafından etkili olmayan yeni zengin yüzlerinin ellerine geçti.

Hollanda'nın burjuva gelişimi, sosyal hayatı teşvik etti. En büyük filozof, öğretmen vb. Görünümü Erashma Rotterdamsky sürekli rasyonalist ve hümanist. Çeşitli Protestan Püf Noktaları ve pratik rasyonellik ruhu ile birlikte Calvinizm büyük ölçüde başarılı. Bir kişinin halka açık evrimdeki rolü giderek daha fazla ortaya çıkıyor. Ulusal kurtuluş eğilimleri geliştirilmiştir. Kütle ile protesto ve memnuniyetsizlik etkinleştirilir ve son üçüncü yüzyıl, Hollanda devrimi - güçlü bir artışla işaretlenmiştir.

Bu gerçekler, sanatçıların dünya görüşünü tamamen değiştirdi.

Boyama 16 in. Üç aşamasında değerlendireceğiz. İlk üç yıl boyunca ilk, heyecan verici, yaşamdaki bir kişinin yeni pozisyonunun karmaşık işlemleri ile ilişkilidir, erken kapitalizmin eklenmesinin daha yüksek bir aşamasıyla ve yöntemlerin aşırı çeşitli arayışı ve yıkılması ile karakterize edilir. . Stadadide, İtalya'da yüksek bir canlanmaya karşılık gelir.

1570 yılına kadar tamamlanan ikinci aşama, yeni DünyaView'in vadesi ve gerçekçi eğilimlerin en göze çarpan başarısı ile ve bununla birlikte, zıt yönlerin aktivasyonu ve bu iki çizginin zıtlığının sanatın geliştirilmesinde açık olduğu gerçeğiyle işaretlendi. Temel olarak, bu Rönesans krizinin zamanı.

Yüzyılın son üçüncü bölümüne sarılan üçüncü dönem, canlanma ilkelerinin ortadan kalkması ve 17. yüzyıl sanatının temellerinin ortaya çıkmasıyla belirlenir.

Yüzyılın ilk üçte'sinin en büyük ustalarından biri - Quentin Massais (Loupee'de 1465 ya da 1466'da doğdu. Anvers'te 1530'da).

Quentin Massais'in erken çalışmaları eski geleneklerin belirgin bir baskısını taşıyor. İlk önemli iş, Aziz'e adanmış olan trabty. Anne (1507 - 1509; Brüksel, Müze). Yan kapakların dış tarafındaki sahneler, kısıtlanmış drama ile ayırt edilir. Majestic'in az ekili görüntüleri, rakamlar büyütülür ve yakından derlenir, alan sıkıştırılmış görünüyor. Açıklanan sunakta, sunak daha uyumludur - Oyunculuk yapan kişilerin konumu ücretsizdir, ritimin ve kompozisyonun sakin boyutu ortaya çıkar. Kitle yapımcısı kavramının temeli, genellikle sanatsal ve resmi araçların yardımı ile dolaylı olarak arzudur, bir kişinin imajını yükseltir.

Bir sonraki işte - "yas" (1509-1511; antwerp, müze) artık görüntülerin genel olarak ortaya çıkması ile sınırlı değildir; Kahramanların deneyimlerini ortaya çıkarmak için daha spesifik olarak, kompozisyonda bir eylem başlatmaya çalışıyor. Bununla birlikte, insanın gerçek büyüklüğünün ne olduğunu görmeden, bu görevi organik olarak çözemez ve kararını ST. sunağının avantajları ile birleştiremez. Anna.

Sanatçı, genellikle Gotik kalıntıları tarafından açıklanan, gergin ve karıştırılmıştır. Bununla birlikte, daha doğrudur, ancak iki halen yeterli eğilimin kaynaşmasının sonucunu görmek için: Bir kişinin imajını ve durumu yaşamın doğallığında sunma girişimleriyle ilişkili başka bir eğilimin ortaya çıkması arzusu. Her durumda, aynı sunak, her iki eğilimleri de temsil eder; Görüntüler, grotesk karakteristiğine bitişiktir.

Hayati başlangıcı, yeni tür, yerli resimlerin yeni zamanı sanatında birinci sınıftan birini oluşturmasına neden oldu. "Karısıyla değişim" anlamına geliyor (1514; Paris, Louvre). Aynı zamanda, sanatçının sürekli olarak sanatçının sürekli devam ettiği ilgi, kendisini (belki de Hollanda'da) Leonardo Da Vinci ("Maria ve Baby") sanatına itiraz etmeye teşvik etti ("Maria ve Baby"; Poznan, Müze), ancak Borçlanma veya taklit hakkında daha fazla konuşun.

Massa çalışmalarında, her ikisi de eğilimler olarak adlandırılır veya diğerinin üstünde bir tanedir. Aynı durumlarda, somutluk arzusu hakim olduğunda, olağanüstü veya tek bir fenomenin gerçekte onu çekmesi gerektiği belirtilebilir. Bunlar aşırı tezahürler veya deformasyonlar veya özellikler (yaşlı adamın portresi; Paris, Jacmar-Andre Müzesi).

Aynı durumlarda, her iki eğilim de sentezlendiğinde, insanların hayati enerjisinin (zaten "yas" olarak gerçekleşen) ifadesi olarak görev yaparlar veya insan zihinsel alanını ("St. Magdalene"; Antwerp, Müze) iletmek için kullanılır. .

Bu sentez, özellikle de portre alanında toplu bir olayla elde edildi. Erashma Rotterdam (Roma, Corsini Sarayı) ve arkadaşı Peter Madidia (Salisbury, Radnor'un toplantısı), Vaduets'te Lihtenştayn Galerisi'nden Etienne Gardiner portresi ve diğer - Derin, Kompleks İç Devletten - Frankfurt'taki Standart Enstitüsü'nden bu türün en iyi örnekleri tarihine kadar. Portre'da, bir dizi başka bir işte olduğu gibi, bireysel duygu ve kalite, imajın maneviyatı için yaygın bir, sökülmesi durumunda özel bir başarı elde eder.

İşleminde, Hollanda Resim Masserins'in temelleri büyük ölçüde geleneği dikkate alır. Aynı zamanda, bir sanatın daha belirleyici bir güncellemesini tercih eden ustalar çalıştırıldı - sözde romancılar.

Ancak, sonuçta tüm çabalarını itibarsızlaştırmış olan yolları seçtiler. Gerçekte çok az ilgi duyuyorlardı, böylece bir kişinin imajını anıttırmaya çalıştılar. Ancak ideal görüntüleri, yeni barış ve erkek kavramını ve eski mitlerin temalarında, bir tür kültürlü sanatsal kendini ifade eden bir insanın öfkeli bir fantezi olduğunu çok fazla yansıtmadı. Çalışmalarında, gerçekten insancıl manzaraların yokluğu özellikle açıkça etkilendi ve İtalyan sanatına sürekli itiraz (bu yönün adını belirledi) boş borçlanmayı izlemedim. Boyama Novelists, dünyadaki adamın yerini yeni anlayışın ve bu konuyu İtalyanca formlarda çözmek için Hollanda topraklarında daha az parlak bir iskele kanıtı yoktur. Novelistlerin Panegik formülleri esasen saf formülasyon sonucuna kalmıştır.

Yüzyılın ilk üçte birinin nomanizminin en büyük temsilcisi, takma adın ardından (1478'de Utrecht veya Marezhe, zihin, Middelburg'da 1533 ve 1536 arasında doğmuş) Yang Gossart'dı.

Ancak erken çalışma (Lisabone'daki sunak) şablonlar ve Arkaik, ancak, ancak İtalya'dan döndükten hemen sonra (Palermo Ulusal Müzesi'ndeki sunak, Londra Ulusal Galerisi'nde "Wolf Balina".

Gossarth eserlerindeki vardiya, 1510. yüzyılın ortalarında, mitolojik grafiklere birçok resim yaparken oluşur. Çıplak doğa burada ortaya çıkıyor ve daha sonra özel bir sebep olarak değil, işin ana içeriği olarak (Neptün ve Amphitrite, 1516, Berlin; "Hercules ve Omfala", 1517, Richmond, Cook Toplantısı; "Venüs ve Amur", Brüksel, Müze; "Dana", 1527, Münih, Pinakotek, yanı sıra Adam ve EVA'nın çok sayıda görüntüsü). Ancak, tüm bu eserler inandırıcı değil. Kahramanın zafer duruşu, dar bir kompozit program ve bir kapı, ölü modelleme, bireysel detayların neredeyse doğal bir doğruluğu ile birleştirilir.

Gossart sınırlı bir insancıllık planından devam etti. Bir veya iki çıplak figüründeki varyasyonları her zaman oldukça şartlı tasarım kalır. Fatur gözlemleri onları canlandırmaz ve sadece çelişkili yazarın düşüncesini yapmaz.

Gossarta'nın yaratıcılığının dar çerçevelerle yaratıcılığın yakınlığı, özellikle bu çerçevenin bir dereceye kadar bu çerçevenin üstesinden gelmeyi başardığı nadir durumlarda hissedilir.

St. " Luke, Mary Yazma "(Prag, Ulusal Galeri) Gosart, kendi sisteminden çekiliş, rakamları karmaşık bir mimari alanla bağlamaya çalıştı ve biraz fantastik, ancak etkileyici bir insan ve orta kavram yarattı.

Aksine, daha önceki bir "haçtan uzaklaştırılarak" (Hermitage), dramatik anlatımı yöntemleriyle yeniden yaratma yetersizliği ile karşılaştı ve büyük ölçüde büyük görevleri çözmek için uygun olmayanlıklarının kanıtını görmeyi reddetti.

Son olarak, Gossarta'nın yenilik şemalarının sınırlılığının üçüncü ve en önemli kanıtı, portreleridir (Chancellor Carondel, 1517, Paris, Louvre; Brüksel Müzesi'ndeki Portre Kanatları; Erkek Portresi, Berlin); Yüksek sanatsal nitelikleri için bu şemalardan iyi bilinen bir ayrılmanın fiyatı ile elde edilir. Gerçek görünümün rekreasyonu, ustası anıtsaldır ve detaylı psikolojik özelliklerin yokluğu bu portreleri daha da etkileyici hale getirir. Türün iradesi, doğaya uymak zorunda kaldığında, Statesart buraya buraya ulaşan imajın oranlarını bu yüzden, sistemini tüm titizlikle gözlemledi.

Başka Bir Büyük Novelist - Bernard Wang Oreley (Tamam. 1488-1541) Devlet sistemi sistemi genişletti. Zaten erken sunağında (Viyana, Müze ve Brüksel, Müze), İtalyanların Ruhu'ndaki İl Hollanda Şablonu ve Manzara ile birlikte, ayrıntılı, kapsamlı bir hikayenin unsurlarını görüyoruz.

Sözde sunak işinde (1521; Brüksel, müzesi), Orel'ın genel kararın dinamiklerini ve anlatımın dinamiklerini arar. Düşük dondurulmuş gosselta kahramanları, aktif olarak içerir. Birçok gözlenen parçayı kullanır. Acilen, natüralistiksel olarak karakteristik rakamlar (kötü tırmanışın görüntüsü), İtalyan örneklerinin (Cehennem bakımından zengin) doğrudan borçlanmalarına ve sadece ikincil, özel bölümlerde, sanatçının onları gerçek bir yaşam sahnesine birleştirmeye karar vermesine karar verilir (doktorlar dikkate alınır (doktorlar dikkate alınır) idrar ölüyor). Her türlü kalıpın mimarisini örtmeyi sever ve sunakların ana hatları inanılmaz intricateness sağlar.

Çalışmalarının ikinci yarısı, İtalyan resminin daha organik bir gelişmesinin girişimleriyle ilişkilidir. Bu, Cardboard Rafael'in Brüksel'deki Stell'i yerine getirmek için gönderilen Karton Rafael'e tanıdık, orelin yaşadığı yerdi. Bu dönemin ana işi, "korkunç mahkeme" (1525; Antwerp, Müze), IOVA sunağının aşırılıklarından mahrumdur ve saha gözlemlerinin tanıtılması daha organik olarakdır.

Orel, zamanının dikkat çekici portrelerinden biridir. Bu türün en iyi çalışmasında, Medica Georg van Keller (1519; Brüksel, Müze) portresi, modelin manevi alanına derin bir nüfuz etme hedefi koymuyor. Dekoratif ifadelerden geliyor; Yüz özellikleri belirli bir stilistik formül altında ayarlanır. Ancak, parlak, etkileyici bir bütün usta, ince gözlemlenen detayların nasıl tanıtılacağını biliyor. Diğer portreleri dekoratif, ancak daha stilizedir. Bu çalışmalarda gerçek bir görüntüyü ortaya çıkarmaktan daha sanatsal bir ifade var.

Tüm romancılar gibi (ve belki de, daha yoğun diğerleri) gibi, orel, bölgesinde çok ve verimli bir şekilde çalıştığı dekoratif sanatlarla ilgileniyordu. Çalışmaları Brüksel'in en iyi otomobil fabrikası, vitray pencereleri (örneğin, Brüksel'deki St. Guadula kilisesinde) bilinir.

Massaes ve romancılar (Gossart, Orel) Hollanda boyamasını güçlü bir şekilde güncellemeye çalıştıysa, çağdaşlarının ezici çoğunluğu eserlerinde daha geleneksel olmuştur. Ancak, yaratıcılığı, Hollanda'nın sanatındaki eğilimlerin çeşitliliğini karakterize ettiği için yaratıcılıkları akılda tutulmalıdır.

Massa'nın antwerp çağdaşları arasında, ustaları 15 V ile sıkıca bağlıyız. (Frankfurt'tan Master, Morrison Ustası Ustası) ve sanatçılar eski kanoyları kırmaya çalışan, dramatik (Master "magdalen" Manzi'nin iptali) veya anlatılar (ev koruma ustası) unsurları. Yeni problemlerin formülasyonundaki kararsızlık, bu ressamlarla koşulsuz bir ilgiyle birleştirilir. Dikkat edemez daha fazla - bir doğanın gerçek, doğru bir görüntüsüne, dramanın canlanmasına ilişkin deneyler, her gün ikna edici bir hikaye ve eski lirik görüntüleri kişiselleştirmeye çalışır.

İkincisi, bir kural olarak, en az radikal zanaatkarları karakterize eder ve bu eğilimin hem ekonomik hem de kültürel olarak düştüğü şehir için Bruges için belirleyici olmaları çok önemlidir. Burada neredeyse korkusuzca Gerard David'in ilkelerine hakimdir. Sanatsal düzeyde vasat ve daha büyük Yang teli (yaklaşık 1465-1529) ve Adrian Isorebrandt (1551'de zihin) için ustalar olarak itaat edildiler. Isaenbrandt'ın yavaş solması ritmi ve şiirsel konsantrasyon atmosferi (yedi tutkular, Brugge, Notre Dame Kilisesi; Erkek Portre, New York, Metropolitan-Museum) - Brugge ürünlerinde en değerli olanı. Sanatçıların Bruges geleneğinin dar sınırlarını kırmaya çalıştığı nadir durumlarda (Ambrosius Benson Lombarde'nin çalışması, 1450'de), kaçınılmaz olarak güç eklektisizminde, sert procariik kararlar mı yoksa, Aksine, etkileyici romandan yoksun değil.

Diğer yaratıcı özlemler Kuzey illerini karakterizedir. Burada, geliştirme daha kısıtlanmış, çok kozmopolitik ve bazen abartılı formlar, antwerp'teki gibi ilerledi ve aynı zamanda Brugge'nin durgunluk özelliğinden yoksundu. Yaşam tarzı ve aynı zamanda kültür mütevazı ve demokratikti.

Eski nesil Hollanda ressamlarının çalışmaları oldukça gariptir, ancak zaten yazarlarının masum gözlemlerine ve belirli bir hayata olan bağlılıklarına ("Delphta, Amsterdam'ın Ustası" ustası olan "Mary'nin ustası"). Bu kalite, 16. yüzyılın tüm Hollanda sanatının temelini oluşturdu.

15 V'da ayırt edilir. İnsan yatırım ilişkisine (Gertgen) ilgisi meyve getirmeye başlar. Bazen canlı bir insan bireysellik duygusuyla birleşir ve portrenin tuhaflığını belirler (Erkeklerin Yana Mostarta (yaklaşık 1475-1555 / 56), Brüksel Müzesi'nde. Tür trendlerinin güçlendirilmesinde daha sık ortaya çıkıyor - Örneğin, Calcar'ın (yaklaşık 1460-1519) ile 1505 ve 1508 arasında. Kalseyride St. Nicholas Kilisesi'nin sunağı. ALCMARA'dan Ustanın çalışmasında (1490'dan sonra çalıştı), bir gerçekten kentsel, ev, anlatı türü. "Yedi Merhamet Vakası" (1504; Amsterdam, Reixmuses) döngüsünde, eylem caddeye devredildi - Hollanda evleri arasında, rastgele yolculukların katılımıyla temsil edilmektedir. günlük akışın tüm doğruluğu.

Böylece, yüzyılın ilk üçte birinin Hollanda resimlerinin genel panoraması aşağıdaki özetleri alır: romancılar eski gelenekleri bitirmeye çalışırlar ve resmi anıtalizasyon arayışı içinde İtalyanları taklit etmek, Massa, yükseklik görüntüsünü bilgilendirmeye çalışıyor, Aynı zamanda canlı gerçeklikle aynı anda pes etmeden ve 15. yüzyılın ikinci yarısının gerçekçi geleneği gerçekçi sanat koşullarında yaratıcı bir şekilde gelişir. Son olarak, küçük ustalar yeni taleplere kendi yollarıyla cevap verir - burada ve Anvers Masterları aramanın çeşitliliği ve Brajeztsev'in Arkaik Şarkı Sözleri ve The Hollanda'nın yerli başlangıcına karar vermiştir. Şu anda 15 V.- Bosch, Gerard David'in ustaları, hala yaşıyor ve çalışıyor.

Romancılar hariç (ve dışarıdan kahramanize edilmiş çözümlerinin hane halkı azaltılması göz önüne alındığında, daha sonra bunlarla birlikte), Hollanda Sanatı, yaratıcı yönteminin aktif bir şekilde özelleştirilmesine yönelik, gerçekliğin doğrudan ve kendinden somut bir imajını ifade eder.

"Antwerp maneristleri" olarak adlandırılan grubu özel bir pozisyonda bulunur. (Bu terim tamamen şartlıdır ve bazı kişilik kişilik kişiliğini göstermelidir. Bu kelimenin her zamanki anlamında terimlerle karıştırılmamalıyız.). Görüntünün canlı gerçekliği ve görüntünün doğruluğu onları etkilemedi. Ancak romancıların koşullu, retorik ve soğuk işleri de uzaylıydı. En sevdikleri tema "Magi ibadet" dır. Sofistike fantastik figürler, kalıntılar ve karmaşık mimari manzaralar arasında yer alan kafa karıştırıcı bir multifigure etkisi, nihayet, aksesuarların bolluğu ve çokluğu (karakterler, parçalar, mekansal planlar) için neredeyse ağrılı bağımlılığı, resimlerinde karakteristik farklılıklardır. Bütün bunlar boyunca, sınırsız evrenin hissini koruyan büyük, genelleyici çözümler için itme tahmin edilmektedir. Ancak bu arzusunda, "Manherista" her zaman beton ömrünü terk etti. İdeallerini yeni içerikle doyurma fırsatı olmadan, zamanlarının eğilimlerine direnecek güçlere sahip olmadan, gerçekliği ve kurgu, ciddiyet ve parçalanma, sağlık ve anekdotizmi birleştiren sanat yarattı. Ancak kurs semptomatiktir - hane halkı somutluğunun tüm Hollanda ressamlarından uzaklaştığını gösterir. Ek olarak, pek çok ustalık (özellikle Holland'da) özel bir şekilde "genel" teknikleri kullandılar - anlatı kompozisyonlarını canlandırmak ve onlara daha fazla drama bildirmek için. Bu şekilde, Cornelis Engelbrechteste (Leiden'deki 1468'de doğmuş, akıldır. 1535'te, aynı yerde, "Crucufix" ve Leiden Müzesi'nde "yas" olan Altar), Jacob Cornelis Wang Ostzanendir (yaklaşık 1470- 1533) ve diğerleri.

Son olarak, "tavırsızlık" ilkeleri ile iyi bilinen bir temas, Joachim Patinir'in (yaklaşık 1474-1524) zamanının en büyük ustalarından birinin çalışmasında yakalanır, tamamı tam olarak kabul edilebilecek bir sanatçı Yeni zamanın Avrupa manzara resminin ana jeneratörleri.

Çalışmalarının çoğu, kayalar, nehir vadileri vb. Dahil olmak üzere kapsamlı görüşleri temsil eder. Ancak, harmony olmayan mekansallikten yoksundur. Patinir ayrıca, resimlerinde çeşitli dini sahnelerin karakter figürlerini de yerleştirmektedir. Doğru, "Manuristler" nin aksine, evrimi gerçeklik ile sürekli bir yakınsama üzerine inşa edilmiştir ve manzaralar yavaş yavaş dini bir konunun egemenliğinden kurtulur (Bkz. "Viyana'da" Vaftiz "ve Anvers'te" Mısır'a uçuş "manzarasına bakın). Peyzajın yapımı, yüksek bir bakış açısı ve özellikle renk çözeltisi (kahverengi ilk plandan yeşil ve yeşil ve sarı ortamdan mavi DALA'ya kadar) daha sonraki ustalar üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Zamana yakın ustalardan Patinir, Herrimme de Blis (Tamam. Tamam. 1550) olarak adlandırılmanın yanı sıra başka bir bağlantıda da belirtildiği gibi Jan Mostart, Amerika'nın fetihinden (Harlem, Fransa Gals Müzesi) bir sahne Bosch geleneğinin de algıladığı.

16. yüzyılın ilk üçte biri için - eski prensipleri ve yeni yolların tespit edilmesiyle - karakteristik ve çeşitli eğilimlerin eklektik bir kombinasyonu ile. Aksine, sanatsal görevlerin farkındalığı ve çözümünde neredeyse fanatik azizlik.

Bunlardan ilki, özellikle profesyonelce yaratıcılıkları devalüe eder, bazen ustalıkla ios van Kleve (O usta "Mary'nin varsayımı", yakl. 1464-1540); Bebek ve Joseph ile Mary'nin şiirsel görüntüleri, ayrıca modelin karakterini tanımlayan geç portreler. Ancak ikinci adlandırılmış özellik, gözden geçirilen gözeneklerin en büyük sihirbazının iç patholarını belirler - Lutensky (yaklaşık 1489-1533). Sanatı, ilk üçüncü yüzyılın resmini tamamlar ve tüketir.

Erken gravürlerde (bir gravürün ustası olarak yüceltilmiştir ve faaliyetleriyle birlikte, "Hollanda'daki gravürlerin ilk başarı ile ilişkilidir), sadece gerçeklik transferinde doğru değil, aynı zamanda Bütünsel ve etkileyici bir sahne yaratın. Aynı zamanda, Hollanda çağdaşlarının aksine (örneğin, Alcmara'dan yüksek ustalar), Luka akut psikolojik ifadeyi arar. Bunlar, "Ölü Keşiş ile Magomet" (1508) ve özellikle "David ve Saul "(yaklaşık 1509). Saul (adlandırılmış eserlerin ikincisinde) görüntüsü, o zaman için olağanüstü karmaşıklıkla ayırt edilir: burada ve delilik - sonuncusu bile, ancak bir birliklerin ruhun tükenmesine izin vermeye başlar ve yalnızlık ve trajik mahkum. Bu çözeltinin duygusallığı, resmi araçlarla daha yaratılmıştır - bileşim (Saul izole edilmiş ve sıkıştırılmış kompozit çizgiler gibi görünüyor), mevcut kişilerin sonucunda somutluk derecesi, Arka Plan Goth David'e hane halkı özelliklerinin yükselişini gider, böylece Saul görüntüsünde dramatik bir şekilde değişmek için Stresli drama) ve nihayet, zıtlıklarının karşısında ters detayları karşılaştırmak (Saul'un bir gözü çarpıcı bir mesafedir, agresif, agresif, başka bir hareketliliğin görünümü, koyu, yakın).

Bu dönemindeki soğan özellikleri, gerçekliğe kararlı bir temyiz olarak kabul edilmeli ve aynı zamanda işin sanatsal konseptinin takviyeli olanı. Saf tür motifleri özel bir görev olarak işlev görür - ruhun hareketlerini vurgulamak, onları aşırı, extrementbate ifadesinin sınırına sunmak için bir girişim. İkincisi, Luke'nin psikolojik deneylerini garip bir dualite verir: heyecan verici ifadeleri bir solucanla, bazen zor bir ceza ile birleştirilir. Bireysel karakterler yaratmanın başka bir sanatına sahip değil, onu döndürür, belirli duyguların düzenlemesi için araçlara oldukça gerçek kahramanlar gibi görünecektir. Psikolojik motiflere olan ilgisinde - zihinsel hareketin bariz objektif gücünü, karmaşıklığı ve tutarsızlığını yapma arzusu.

Belirli bir gerçekliğe yaklaşımda öne çıkan büyük bir adım, tür emri çalışmalarında ("satrançtaki oyun", Berlin; "Karısı Potifara'nın Joseph'in kıyafetlerini getiriyor", Rotterdam, Bumansvan Bainingen Müzesi), ama aynı zamanda burada Hanehalkı başlangıcı, bir çeşit rahatsız edici, bağımsız bir kategori olarak sanatçı tarafından vurgulanır.

Dikey problemine benzer. Kendi kendine portre olan Luke Leidensky (Brown-Schpet, Müze), çağın en hayati görüntülerinden birini yarattı. Ve yukarıda belirtilen KERSİYONLASYON, gerçek başlangıcın altı çizili bu görüntüyü ve diğer değerli kaliteyi anlattı - burger karakteri, sanatçı tarafından PATHO'lara neden olan bir yazılımla onaylandı.

Ancak özel bir kuvvetle "konsept gerçekçi" olan Luke, Korovnica oymacılığı (1510) en derin çalışmalarından birinde kendini gösterdi. Buradaki yabancı izlenimler brüt doğrulukla ifade edilir. Ancak, ineklerin geometrik olarak net, ritmaşlanmış düzenlenmesi ve tüm parçaların dikey eksen sistemi tarafından kompleks altlaştırılması, kusursuz sertlik ruhunu bu sayfaya ve orantılmaya getirir. Bir adamın ciddi şekilde etkileyici bir figürü ve kaba, fakat korovnice'nin lütfundan mahrum edilmeyen, ilk durumda, ikinci durumda, ikinci durumda, eğri formlarda inşa edilmiştir.

Rakamları dondular ve jestler kararlıdır. Bununla birlikte, Luke Leidensky, kahramanlarının ilişkisini yürütmektedir - uzak dağın ve diğer birçok kompozit tekniklerin pürüzsüz bir koşu hattının yardımı ile, adamı ve kızın cenin cenin ve bunların aralarında temas kurmayı başardığını iddia ediyor, tamamen bağlantısı kesildi. .

Luke Leidensky, çevresindeki gerçeği aktaran nadir bir netlik ile, tür çözümlerinden kaçınır ve gerçekliği anıttırmaya çalışır. Korovnice'de, ünlü bir uyumağa ulaşıyor - gerçekliğin genelleştirilmesi, anıtsallığın özelliklerini verir, ancak Sözleşmeye yol açmaz.

Bu uyumun yaratıcılığının aşağıdaki on yılı yoksundur.

Daha fazla organiktir, özel gözlemler getirir, tür-anlatı elemanını arttırır, ancak herhangi bir oyunculuk yapan kişinin kalıcı tahsisine - kendisine giren ve hane halkı ortamından kapanmış gibi etkisiz hale getirir.

Heyecanlı ve sinirli duygusal tonu "St. Anthony "(1511; Brüksel, Müze), Giriş, her gün" oyun kartı "(yaklaşık 1514; Wilton Hauz, bir Pembrok toplantısı), özetinde gizemli, merkezi figürün belirsiz hali, nihayet değiştirme" Madonna bir bebeğim ve melekleriyle ", 15 V'luk mükemmel bir görüntünün bulunduğu bir memleket. Umutsuzluk Dipnotları (Berlin) yapılır - tüm bunlar Luke Sanatında yeni bir aşamayı gösterir.

Hanehalkı ve genelleştirilmiş anların doğal birliği gerginlik kazanır. Sanatçı, beton gerçekliğin rolü çalışmalarında güçlendirir. Aynı zamanda, görüntülerin yorumlanmasının gerginliğinin yükselişi, dünya görüşünün eski netliğinin kaybını konuşuyor. Bununla birlikte, diğerine dikkat etmemek imkansızdır - bu dönemin çalışmalarında, kendi içinde kapalı olan bir gerçeklik fikri, izole edilmiş bir yoğun, bir yaşam duygusunun bütünsel, derin ve karmaşık bir fenomen olarak daha düşüktür. Ve 1510'un eserleri. Sadece uyarmayı değil aynı zamanda doğrudan insanlığın gölgesini de ayırt eder.

Bu şeytanın en eksiksiz ifadesi, "kilisede vaaz" (Amsterdam, Reynxmuses) taşır. Master açıkça üç bileşeni ayırt eder: vaazın ev sahnesi, kilisenin alanı boş, duygusal olarak doymuş, ellerinde bir şapkalı şapkalı bir adamın çekilmesi ve şeklidir, bu da izleyicinin dikkatini çeken, dikkati dağılmış bir ifade ve yüksek saygınlık ile. Buradaki görüntü ve tür, tüm sahnenin yapay yapısıyla daha da kötüleşir, çıplak ve bağlanır. Burada ve neredeyse yaşamdaki ilgi ve ünlü karışıklık, sanatçının çağdaşlarını bu kadar belirgin bir biçimde anlamadığı sorunun neden olduğu dalgalanmalar, insanın önemli olduğu şeydir.

"Kilisede vaaz vermek", görünümün soğuk kararlılığının aşırı, ajitasyonlu samimiyetten bir gölge verildiği bir erkek portre (yaklaşık 1520; Londra, Ulusal Galeri) tarafından zamanında yakındır. Bu portrede, Luka'nın zaten dar ya da statik olarak sabit bir gerçeklik değil, aynı zamanda bir kompleks olarak, süreç olan bir karmaşık olarak ilgi duyan "kilisedeki kaynaklar" ndan daha da görünür. Ekli tonlamanın görüntüsü, önceki gerçeklik anlayışı ile düşünülemez (bir renk gaması büyük ölçüde karşılık gelir: yeşil bir arka plan, soğuk kansız yüz, renksiz dudaklar).

Bununla birlikte, burada Luten Lutensky, Hollanda kültüründeki o aşamada pratik olarak inat edilemez işleri uyudum. Sonunda hayati bir süreç duygusu, kişinin seviyelenmesine neden oldu; Kahramanca yüceltisi için, kendini temeli görmedi ve kendi kendine sürdürme onayı için, bütünsel bir bireysellik dünyasının bir fikri fikrinden yoksundu. Master bir çıkmazdı ve çalışmalarının üçüncü dönemi, 1520'ler, bir çıkış yolu bulma trajik girişimdir.

"Duyuru" (Deptaş, 1522; Münih, Pinakotek) ve "Bir Bebekle Mary" (Amsterdam, Reyxmuses), rakamlar, yaşam akışkanlığı olamaz, ancak sadece irrasyonel, düşüşlü bir endişe. Gerginliğin büyümesiyle birlikte, notlar alaycı, neredeyse alaycı (aynı "duyuru", 1525 "Sepette Vergilia'yı oyma"). Önceki aramalarınızda teslim ederek, ana Romanizm'e hitap eder.

Sunakta "korkunç bir mahkeme" (1521-1527; Leiden, Müze) ile, günahkarların ve doğru insanların kuşkusuzun kuşkusuzun anlamlılığına sahip (onlardan daha uzağa - onlardan daha uzak olanı, küçük babasının içsel doğasına kadar , - Bu önemi daha hızlı azalır). Ancak, sanatçının bu rakamları yan kanatlara kaydırması ve kompozisyonun merkezinde, yalnızca dünyanın ıssız kılıçları kalması tesadüfen değildir. Monumentally kahramanmış çözümlere yönelik girişimler çöküşü dayanır. Leiden Sunta, Hollanda boyamasının en dikkat çekici eserlerinden biri olan, aynı anda Yaratıcısı için aramanın kıyametini belirtir.

Son iki eser, Luke Leidensky zihinsel kriz hakkında konuşuyor: "Bir Bebek ile Maria" (Oslo, Müze), "Körün İyileşmesi" (1531; Hermitage) tamamen resmi bir idealleşmedir (1531; Hermitage), tarzda abartı ve natürüreli olarak ev detaylarının bir kombinasyonudur. .

Lutensky'nin yaratıcılığı Lutensky, ilk üçüncü yüzyılın sanatını kapatıyor. Zaten 1530'ların başında. Hollanda Boyama yeni yollar katıldı.

Bu süre zarfında gerçekçi ilkelerin hızlı gelişimi, novelizmin paralel aktivasyonu ve sık sık kombinasyonunu karakterizedir.

1530-1540'lar. - Bunlar, ülkenin burjuva gelişiminde yıllarca daha fazla başarıdır. Bilimde, bu genişleme ve bilgi sistematizasyonu zamanıdır. Sivil Tarihte - rasyonalizm ve pratiklik ruhu (Calvinizm) ve yavaş, hala kitlelerin devrimci faaliyetinin güvence altına almak, artan ulusal kendini bilinçlilik ve ingenik feodal-mutlakutist gücün egemenliği arasındaki ilk çatışmaların güvence altına alınması Habsburgs.

Sanatta, en dikkat çeken, ev türünün yaygın dağılımıdır. Yurtiçi eğilimler, büyük yanan bir tür veya küçük bir phony resim veya dolaylı olarak tezahür ettirerek, portre ve dini resmin özel niteliğini belirler.

Büyük yanan tür, Antwerp'te dağıtıldı. Ana temsilcileri - Yang Sanders, Hemessen (Tamam. 1500--1575) ve Marinus van Roymers-Vale (yaklaşık 1493 - belki de 1567) - Quentin Massais'in geleneğine (çeşitli seçenekler "" Roimmersvale ve "Merry Society" geleneğine güveniyordu. Karlsruhe Hemessen'den). Onlar, özünde, ev ve dini kalıp arasındaki sınırı tamamen tahrip etti. Her ikisi de, grotesqueness, gerçek gözlemleri artırarak karakterizedir. Ancak HemseSense prensipleri daha zordur - önündeki iki veya üç büyük statik figürü vurgulamak, derinliklerde küçük tür sahneleri yerleştirir, yorumun rolünü oynatır. Burada, yurt içi bir davayı ortak bir canlılıkta, belirli bir gerçeği daha genel bir anlam ifade etme arzusunu içeren bir girişim görebilirsiniz. Konuyla ilgili bu dar resimler (halka açık evlerden değişim, kızlar) ve bir insan topluluğu fikrinin eksikliğini yansıtır.

Bu ikincisi, Hollanda resiminde bir düzenleme bulur ve özgünlüğünü belirler. Yana van Amstel'in ("Brownshweag'teki" yazarı bilinmeyen ve Brunshweigsky Monogramist olarak adlandırılmış olan Yana van Amstel ("Beş Bin Harika Doygunluk" çalışmasında her şeyden daha parlaktı. Aynı zamanda hemasssen'e atfedildi.). AMSTEL (cins. Tamam. 1500; Antwerp'te 1540'a kadar çalıştı) Türe, izleyiciye taşınan tek bir sahne biçiminde görünmez, ancak birçok katılımcıya sahip bir panorama olarak, peyzaj vb. Bu tür resim çok umut verici oldu. Ve bir dereceye kadar Bruegel'in resminin eklenmesini etkiledi. Amstel, anında hayati rotasında bir hane halkı görüyor.

Daha da açıkça, ev eğilimleri kendilerini portrede kendini gösteriyor ve Hollandaca'nın portresi - Hollanda'da, burjuvazi halk katmanlarına daha yakındı ve kurumsal toplumun ruhunda güçlüydü.

Amsterdam ressamlarının eserlerinde, Dirk Jacobs (yaklaşık 1497-1567) ve Cornelis Tainissen (1533'ten 1561'den çalıştı) bireysel bir görüntü günlük gerçekliğinde zaten anlaşılabilir. Her zamanki duruşunu seçerler, tasvir etmek için doğal bir jest verin ve özellikle önemli olan, belirli bir kişinin manevi ABI'sinin daha kesin bir anlayışına doğru önemli bir adım atarlar. Tam burger görüntülerinde, Jacob, modelin yüksek öz bilincini (bir erkek portresi) (Torino'dan bir erkek portresi) aktarmaya çalışıyor ve artık yazarın ilk üçte biri kadar tipik olan yazarın konseptinin bu alt kısmının bir izi yok. Yüzyıl.

Portre görüntüsünün ev doğallığının ev doğallığını, bir burger topluluğu duygusuyla kapandı, başka bir bağlantıda, Amstel ile tezahür etti ve bunun sonucunda tamamen orijinal bir tür vardı - Hollandalı bir grup portresi. En iyi örnekleri daha sonra yaratıldı, ancak ilk başarılar aynı D. Jacobs'un (Hermitage'de 1532 Portre) ve K. Tainissen'in (Amsterdam'da 1533) portresi. İki ana gruptan oluşan iki grup portresini belirten - bir miktar yarı görüntüleme ve şematik olarak temsil edilen bir yemek biçiminde olanlardı. Bu portreler oldukça ilkeldir, ancak içlerinde olduğu gibi, yalnız görüntülerde, bunların ustalaşmasında belirli bir görüntüye ve başarıya açıkça ortaya çıkıyor. Bir dereceye kadar, sanatçı, tasvir edilen karakterlerin sosyo-hanehalkı özelliklerinin unsurlarını bile tanıttı.

Bu eğilimler novelizm tarafından geçmedi, kötü bir şekilde yüzlerini değiştirdi. 1520'lerin ve 1530'ların sonundaki Roma'daki imajın anıtsallaşması. Artık devlete ait yöntemlerin hatırlatılmaması.

Ancak, bu zamanın nomanizması heterojendir. Peter Cook Wang Alst (1502-1550), eserleriyle bu kadar fazla değil, ilgi ve hümanist eğitim enlemi: Türkiye'yi ziyaret ettiği, birçok dekoratif işi gerçekleştirir, Tedavi Serlio, vb. Çevir. Yang Rod (1495-1562) ) Ayrıca kişilik çok yönlü - din adamları, mühendis, müzisyen, ayırt edici, Adrian VI koleksiyonları, vb. Keeper, ancak ek olarak ve çok büyük bir ressamdı.

Zaten en erken çalışmalarda, görüntünün (Ober-Vellaha, 1520'den Sunak) ve insan ve peyzajın (Altar van Lochorst; Utrecht, Müze) 'nin güçlü, zıt karşılaştırmalarının imkansızlığına sahiptir. "Çarmıha gerilme" (Detroit, Sanat Enstitüsü) fikri burada açıklanmaktadır.

Kompozisyon, John, Mary'yi destekleyen bir karşılaştırmaya ve Uzak Kudüs türüne dayanmaktadır. Bu bileşenlerin her ikisi de birleştirilir: Magdalene ayağında, büyük ölçüde John Grubu'na ve manzara alanına ait bir kadının savaşçısına karşı koreledir. Böylece Firstpland Rakamlar arka plan ile ilişkilidir, ancak bu bağlantının atlama şeklindeki, aralıklı doğası drama ile doldurulur. Rakamların kaba ifade (Şiddetli John, "Menzitsky" Mesih), peyzajın heyecanlı bir panoramasında hızlı bir şekilde dağıtımda beklenmeyen bir eşleşme bulur. "Haç" dramatizminde, Ralls yaşamla iletişim arıyor, görüntüyü yoğunlaştırıyor ve onu cesaretlendiren, ifadeye neden oluyor.

Bu şartlar altında, İtalyanların deneyimine karşı karşılar. Görüntünün kalıntılarının bilinci, bir kişinin dünyayla harmonik birlik bulma olasılığı fikrine yol açar.

Sanatçı yolu değiştirir. 1520-1530'ların eşiğinde bir yerde. Birkaç kişiliksiz, ancak doğal olarak insanları ve kararın manzarasını birleştiren bir şekilde birleştiren, dengeli, dengelenmiştir. Ve eğer ilk başta, manzara bir yenilik-retorik eşliğin rolüne düşerse (Novonidenny, Sovyet Sanat Tarihçileri "tarafından" Madonna'nın bir bebekle ") ve bir bütün olarak resim bir bütün olarak görünmüyor, Paphos'tan mahrum edilmeyen (" John vaaz) ", Lahey, Türklerin toplantısı;" Vaftiz ", Harlem, França Ghorts Müzesi), başka deneyleri bir kişinin yüksek bir fikrini yansıtır (" tapınağa getirme "; Viyana). Aynı yıllarda, Rawls, tek bir görüntünün etkililiğini ararken portre üzerinde çok çalışıyor: Agatha van Shothonhoven (1529; Roma, Galeri Doria Pamphili), yukarıda belirtilen Madonna'nın bir kez Diptych ( Berlin), "Shkolyar" (1531; Rotterdam, Bumans-Van Bainingen Müzesi). Ravinlerin Portreleri, Jacobs'un çalışmalarında Jacobs ve Teinissen'e çekilen canlı özelliklerden yoksundur, modelin bireysel özelliklerine daha az ilgi duymaktadır, ancak şüphesiz anıtsal kaldırma imajını verebilmektedir. İkincisi, dar bir grup portreleri ile, oldukça eşdeğer, ancak etkileyici yarı görüntülemeden oluşan bir friz şekli olan bir friz şekli ile doğrulanır. Jacobs ve Tainissen'in kompozisyonlarının iç gövdesi olan genellik duygusu eksikliği için özellikle dikkat çekiyor. Her görüntü izole düşünüyor; Buradaki birkaç dikkati dağılmış anıtalizasyon, olumsuz bir tarafa dönüşüyor - bu kamuoyun mitinglerinin, sosyal özelliklerin portrelerinin, sanatçının Hollanda çağdaşlarının yakaladığı ve bu yıllarda resim alanında tanıtıldığı portreleri mahrum eder. Bununla birlikte, bir kişinin öneminin elde edilmesi hiç değildir ve zamanının kişisi - iz olmadan geçmedi. Martin van Chemskerk (1498-1574), çok tartışmalı bir usta olan bir öğrenci, öğretmenin görüntülerini farklı, daha sosyal bir şekilde çevirmek için gördü. Aile Portresi (Kassel, Müze) ve Anna Coddada (Amsterdam, Reixmus) portresi, burgers kendi kendini onaylayan paphos'u açıkça geliyor. Her ikisinde de portrelerde, Nomanizm, Hollanda boyamasının gerçekçi kanatlarına yeterince yakındır. Ancak, bu durum kısa bir süre için vardı.

Önümüzdeki iki ila on yraç için, romancılığın aktivasyonu ve içinde kazancı, sanatçı gerçekçi sanatçılara karşı çıkıyor. Buna karşılık, gerçekçi eğilimler, özellikleri sadece 16. yüzyılın ilk üçte biri olan ustaların eserlerini tahmin eden insanları elde etti. Aynı zamanda, 1530'larda, romancılık gerçekçi ilkelerin en güçlü etkisini yaşadıysa, şimdi ters işlem hakkında konuşmak yerine.

Rönesans dünya görüşünün kriziyle ilişkili fenomenlerin oluşumunu not etmek özellikle önemlidir. Birçok yönden, İtalya'da olan ilgili süreçlere ve orada olduğu gibi, tarımsal eğilimlerin eklenmesini belirler. Çoğu durumda Hollanda'daki bu ikincisi, novelizm temelinde büyüdü.

Bununla birlikte, Rönesans İdeolojik Sisteminin krizi, Hollanda'da İtalya'dan daha az açık bir formda ilerledi. İspanyol baskısındaki eşzamanlı artış ve bunun aksine, Hollanda Bourgeois devrimini taçlandıran ulusal-vatansever ve barış demokratik özlemlerindeki hızlı artışın doğrudan bir etkisi oldu. Bu karmaşık tarihsel durum kültür alanında daha az karmaşık sonuçlara neden olmamıştır. 1540-1560'lar ise. - Bu Coğrafya, Matematik, Doğa Bilimi, Mercator, Ortelus, Kornert ve diğerlerinin aktivitesinin zamanında önemli bilimsel keşiflerin zamanı, daha sonra aynı zamanda bir reaksiyon artışıdır (örneğin , 1540 yılında Brüksel'deki yayın, yasaklanmış kitapların bir listesini, Erasma'nın ve Tills'in yasaklanması. P.).

Bütün bu fenomenler, resmin gelişimi özel yollarını tanımladı. Her şeyden önce, birçok ustanın sanatsal yönünü değiştirmeleri (bu süreç daha önce başladı). Bize tanıdık olan Martin van Chemskerk, portre (Aile ve A. Kodda) en çarpıcı örnek olabilir. Artık çalışmalarında hakim olan, birçok yükselticili, haçlara çarpan, neredeyse grotesk dilimlik ya da tuval koşullu anıtsallaştırılmış, etkileyici, ancak boş ve hoş olmayan stereoskopiklik ("St. Luca yazıyor"; Harlem, Fransa Gals Müzesi). Bazı sanatçıların çalışmalarında-romancıların (örneğin, Lombert Lombard, Tamam. 1506-1566), İtalyan Yüksek Rönesansının ideal, harmonik motiflerinin gelişmiş penetrasyonuna dikkat etmek mümkündür, bu da gerçek gözlemlerin artan bir yer değiştirmesine yol açan ve terbiyesizlik görünümünden sonra.

Bu süreç en yüksek salıncak, Lombard, Antwerp Fransa Floris (De Veriendt, 1516 / 20-1570) öğrencisine ulaşır. Sanatçının İtalya'ya seyahati, boyamasının birçok özelliğini gösterdi - hem olumlu hem de olumsuz. Birincisi, bilinen sanat, genelleştirilmiş formlara sahip olan daha fazla organik (örneğin, PAIWNSHOP) içermelidir. İkincisi, öncelikle, vbatik kanonlara olan bağlılığı olan Michelangelo ile rekabet etmeye saf girişimleri içerir.

Floris'in birçok eserinde, şekilli özellikler belirgin görünüyor ("Yükleme Melekleri", 1554, Antwerp, Müze; "Korkunç Mahkemesi", 1566, Brüksel, Müze). Tüm kol, neredeyse gerçeküstü uyarma ile gerçekleştirilen gergin, zengin hareketteki kompozisyonlar için çaba göstermektedir. Esasen, Floris, 16. yüzyılın ilklerinden biri ideolojik içerik sanatını iade etmeye çalıştı. Bununla birlikte, derin düşünce ve yaşamla güçlü iletişimin olmaması genellikle onu orijinal öneminden mahrum eder. Belirli bir gerçeklik görüntüsünü reddetmek, kahramanca bir anıtsallığa ulaşmaz, konsantrasyon yoktur. Karakteristik örnek, "döngü melekleri "dir: ideal ve saf kurgunun rakamlarından dokuma olan en karmaşık açılar üzerine inşa edilen beden, bu bileşim kırılganlık, açıklayıcı kuruluğu ve bireysel parçaların uygun olmayan işleme ile ayırt edilir ( Büyük bir sinek, apostat meleklerinden birinin uyluğunda oturuyor).

Floris'in (ve çağdaşlardaki başarısı) çalışmaları Hollanda'nın Hollanda'nın Hollanda'daki ana pozisyonların, RomaM, RomaMismma'nın halihazırda açıkça davranışları hatırlattığını göstermektedir. Bununla birlikte, bu fenomen, yalnızca önceki dünya görüşünün krizinin özelliklerini değil, aynı zamanda Hollanda resimlerinin gelişmesinin daha olgunlaşması için koşulların ortaya çıkışını da görmelidir.

Aynı Floris, bir kişinin ezilmiş bir imajını (Salol, 1558; Braunschweig) bir portresi oluşturma girişimleri yapar ve bazı eserlerdeki bazı çalışmalarda, birleştirici sıcaklık duygularını ifade etmek, bir araya getirerek, manevi sıcaklık duygularını ifade etmeyi amaçlamaktadır. insanlar. Bu ikincisinde, özel bir renkli, daha pitoresk, yumuşak, şeffaf, daha pitoresk, yumuşak, şeffaftır (hermitage'de bir kadın kafanın öğrencisine bakınız). Trend adı verilen en yüksek ifade, "Çobanların ibadetine" (Antwerp, Müze) ulaşır. Hafif sarımsı-limon ve kahverengimsi tonlarda yazılmış bu büyük çok parçalı tuvalde, insanların karşılıklı yakınlığı konusu, insanlıkları gerçek samimiyet kazanır ve Floris için olağan uyarma heyecan verici bir derinliktir.

Bununla birlikte, Floris'in Hollanda Sanatındaki yerinin bu işler tarafından belirlenmediğini kabul etmek gerekir. Aksine, 1540-1560'larda ana, belirgin kriz fenomenleri olarak tanımlanmalıdır.

Hollanda'nın özelliklerinin tuhaf bir yansıması, o yılların Hollanda resimlerinin resmini bulduk. Karıştırma ve çeşitli eğilimlerin yarısı ile ayırt edilir. Bir yandan, Hollandalı grup portresinin gelişimi ile belirlenir. Bununla birlikte, rakamların bileşik konumu daha özgür olmasına rağmen, modellerin görüntüleri daha canlı olmasına rağmen, bu eserler, bu tür eserlerin türüne ve canlılık özelliklerinin 1580'lerde gerçekleştiğinde, bu türün tarzına ulaşmaktan uzaktır. Aynı zamanda, 1530'taki tipik olan basit burger vatandaşlık patolarını zaten kaybederler. (Geç Portreler D. Jacobs - örneğin, 1561, Hermitage ve Erken Dirk Bentse - 1564 ve 1566, Amsterdam).

O zamanın en yetenekli portresinin Antonis Mor (Van Dashorst, 1517/19 -1575/76) olduğu önemlidir - aristokrat çevreleriyle avantajla ilişkilendirildiği ortaya çıkıyor. Başka bir şey, sanat Mora Double'un en çok yaratığıdır: o keskin psikolojik çözümlerin ustasıdır, ancak manherering unsurları vardır (Wilhelm Orange, 1556 portresi, bir I. Gallus; Cassel portresi), o en büyük temsilcisidir. Corpus, Mahkeme portresi, ancak modelleri ile keskin bir sosyal olarak boyanmış özellikler (Hollanda Margarita Parm'daki Philip II valilerinin portreleri, danışmanı Cardinal Granvise, 1549, Viyana ve diğerleri).

Kendi portreler Mora, Hollanda sanatçısının öz-bilincinde keskin bir artış olduğunu, ancak bu öz-bilincin temeli, büyük ölçüde başarısının resmi olarak tanınması ile belirlenir (Mor'yu Roma, İngiltere, İspanya, Portekiz, Oret Emirleri Philip II ve Duke Alba). Aynı zamanda, ön portre ve Hollanda ve İspanya'nın (Sanchez Coelho, Patoha de la Cruz) üzerinde en güçlü etkisine sahip olan ustanın hayatının sonuna kadar, işlerinde, nazikçe yazılmış olduğu söylenmelidir. Düşünceli dalgın portreler iç mekanında artan bir yer işgal ediyor. Grassham - Amsterdam, Reynxmuses ve Vali Golzius - Brüksel, Müze).

Diğer portrelerin eserlerinde 1550-1560'lar. (Willem Kay, Cornelis Wang Kleve, Fransa Puburbus) görüntünün kökenine, bazen de modelin manevi durumuna arttırılabilir.

Krizin aktivasyonu, geç motor ve şekilli, eğilimler, işletme ustaları çemberini kantitatif olarak daralttı, ancak aynı zamanda, gerçeğin nesnel yansıması pozisyonlarında duranların çalışmalarında sosyal başlangıcını ortaya koydu. Gerçekçi tür resim 1550-1560'lar. Kitlelerin hayatının doğrudan yansımasına başvurdu ve özünde, ilk defa ilk defa insanlardan birinin imajını yarattı. Bu başarılar Peter Artesna'nın (1508 / 09-1575) çalışmalarıyla bağlantılıdır.

Sanatının oluşumu Güney Hollanda'da - Antwerp'te devam etti. Orada Antwerp novelistlerinin ilkelerini karşıladı ve orada 1535'te ustanın başlığını aldı. 1540'ların eserleri. Distribütörler: Antwerp novelistlerine yakın işler, Van Amstel kavramının açıkça bakan doğada tıbbi sahte ve ev ile karıştırılır. I. Belki sadece "köylü" (1543; Lille, müze), bir halk türünü anıttırmaya çalışır.

1550'lerde. Arsen zaman zaman küçük-yumuşak kompozisyonlara başvuruyor ("Havariler Peter ve John Hastaları İyileştirecek"; Hermitage), ancak çoğunlukla güçlü, büyük yanan çözümleri ifade eder. Çoğu, köylü türünü ve natürmort, özellikle de kombinasyonlarında çeker. Birkaç kaba gerçek rakamlar; Bilinen kurulukla aktarılan, ancak doğru ve dürüstlük ikna edici, sebze, et, vb. Bu kadar doğru görüntülerle birleşir. Ancak, 1550'lerin başında. Türün doğal bağlantısı ve hala hayatın hayatına ulaşmaya başladı. En sık, bunlardan biri belirleyici bir prevalans alır. Öyleyse, eğer "Köylü tatilinde" (1550; Viyana, Müze) natürmort, daha sonra "et dükkanında" (1551; Uppsala, Üniversite Müzesi) eşyalarında uygun bir rol oynar.

Arsena sanatının kısa gelişimi 1550'lerin ortasında gerçekleşir. "Ocaktaki köylülerde" (1556; Antwerp, Mayer van den.berg) ve "Yumurtalar arasında dans" (1557; Amsterdam) Sanatçı, köylü ego olağan bölümlerini anlatıyor. Bununla birlikte, adlandırılmış ağların birincisinde, eylemlerin katılımcıları hala yeterince bileşik görünüyor ve tüm gerçekçi güvenilirliklerle - yüzsüz. Temel olarak, Paphos Onayı, sahnede, kahramanlarında değil, bir etkinliğe yöneliktir. Altı Tür Gerçeği, Artsen, onu günlük rahatlıktan mahrum bırakıyor. Sınıflarının tipik temsilcileri olarak tasvir edilen köylüler tamamen tesviye edilir ve bireysel öneme sahip değildir.

"Yumurtalar arasında dans", Arsen, oyunculuk kişilerinin eşdeğerini ve sahnenin gösteri stateriğini ihlal ediyor. Resmin derinliğini köylü festivaline götürürken, bir erkeğin figürü bir pozun figürü, kaygısız neşeyle tanık olmalıydı. Burada, Arsen, jestlerin, eyaletlerin ve görüntülerin normal stabilliliğini kendisi için ve kompozit ilkelerde bırakmaz, Antwerp türüyle bir bağlantı tespit etmez, ancak ana karakterin tahsisi köylülüğü sunma arzusunu ifade eder ve Daha şahsen (vurgulanan şekil, "ocağındaki köylülerin" herhangi birinden daha bağımsız olarak) ve daha fazla görülür.

Bu yıllar boyunca, Arsena'nın çalışmaları çeşitli eğilimleri tespit eder. Tamamen tür eserlerini gerçekleştirir (en açık, ancak aynı zamanda sadece örnek "," bir çocuğa sahip anne "; Anvers, Antikalar), eserler, anıtsallaştıran bir köylü (" piyasadaki köylüler "; Viyana, Müze) veya Köylü natürmort ("mutfak"; Kopenhag, Devlet Sanat Müzesi) ve ayrıca dini konuların eserleri.

"Bir çocuğu olan anne", 17. yüzyılın Hollanda Sanatının tür ilkelerinin beklentisi için ilginçtir, ancak Artssen'in çalışmalarında oldukça olağanüstü olur. Ancak "mutfak" ve "piyasadaki köylüler", sanatsal evriminin önemli bağlantılarıdır.

Bu resimlerin her ikisi de köylülüğün yüceltilmesine ayrılmıştır (ve bu bakımdan "yumurtalar arasında dans" ile yakından ilişkilidir). Ancak "mutfakta", bu amaç dolaylı olarak, natürmort yardımı ile ve "piyasadaki köylüler" nde, ayrı bir imajın yüceltilmesi.

Bunlardan birincisi, tüm ön plana natürmort verildi ve natürmort resmin merkez eksenini tanımlar. Solun derinliklerdeki tür sahnesi, sağda gösterilen köylü ailesine görüşümüzü ortaya koyuyor (adamın ve elinin hareketi sayesinde, natürmort için işaret), biz temyiz ediyoruz ön yüzün hala hayatına. Resimin böyle bir tefekkür dizisi, sanatçı tarafından kesin olarak önceden belirlenmiştir ve varlıklarının alanını karakterize eden kişilerin ve nesnelerin görüntülerini sigortalamasına izin verir. En çok türün derinliğindeki sahnenin - bir hizmet rolü oynadığı tesadüfen değil; Sağdaki rakamlar anıtsallaştırılmıştır ve yoğun dengeli gruplarında, hala yaşam tarzını (statik, bazı yapaylık pozlar, dört karşılıklı elin bileşimi) sağlamaya başlar; Son olarak, ön planda hala hayat egemendir. Böyle bir yapı, Arsen, köylü, halkın özelliklerinin natürmortlarını yavaş yavaş uyma fırsatı verir.

"Piyasadaki köylülerde" sanatçı farklı geçti. Bu resim, formların özelliklerinin ve konsolidasyonlarının gerçekçiliğini şaşırtıyor. Arsen, köylü yarı-demansını vurgulamaya çalıştı. Bununla birlikte, önceki çalışmalarda olduğu gibi, kahramanının imajını içsel öneme sahip özelliği veremez ve tekrar karmaşık bir kompozit şemaya başvurur. Keskin, bir kadının köylülerin solundaki gösteri hareketi, dikkatimizi üzerine konsantre eder, hizmetçiye sahip olan bayan üzerinde belirtilmiştir. Aynı etki, arka plandan ön plana kadar hızlı artış (neredeyse stereoskopik) hacimlere (yani, nihayetinde köylü figürüne) katkıda bulunur. Bu durumda, sanatçının köylülerin anıtsal bir görüntüsünü yaratması için kalıcı arzu hakkında konuşabiliriz.

Bununla birlikte, ARSEN'in bir kural olarak, bir kişinin büyüklüğünü, kişinin bu kalitesini, seçilen temsilcilerin sınırını verdiği anda ortaya koyduğunu söylemek gerekir. İzleyici, sanatçının kahramanları ile temasını hissetmez. Bu nedenle, birçok kompozisyonunun ikna edici değil, bazen neredeyse ağrılı kapanış, görüntülerin yabancılaşması.

Gerçekçi ve demokratik ideallerin düzenlemesi için, Artssen'in neredeyse sürekli olarak romanizmin resepsiyonlarına başvurduğu derinlemesine semptomatiktir. Sızdırmazlık, insan yüzünün görüntüsündeki formların düzeltilmesi, küçük, mekansal olarak yırtık olanlar ile birinci düzlem figürlerinin eşliğinde, arka planın rakamları, bazı şeylerin uzaması - Bütün bunların novelism ile ortak noktası var, ve bazen terbiyesizlik ile.

Artssen'in sanatı dolaylı olarak kitlelerin aktivasyonunu ve kamu reaksiyonunun keskin bir şekilde güçlendirilmesini yansıtıyor. Bununla birlikte, kabul edilen eserlerde, bir kişinin halktan görüntünün rolü sürekli artmaktadır. Bu eğilimin üst kısımları, ustanın bir dizi bireysel kahramanca köylü görüntüsü (iki "aşçı", 1559, Brüksel, Müzesi, "Dich'in tüccarı", hermitage ve "Köylü", 1561'i oluşturduğu 1550'lerin sonunda ulaşır. , Budapeşte, Müze, Diğer). Burada da romanlığı kullandı. Ancak amaç, insanların temsilcisinin, kahramanca gösterimi ve aslında israfının yüceltilmesidir - bu sadece bu idealleşen resmi anları alakalı olarak yapmamakla birlikte, aynı zamanda bunlarda da yeni bir anlam kazandı. Temel olarak, İsimler Hollanda Sanatında gerçekçi ve kasım ayının tek integrapyonudur. Bu bağlamda, Kassel aile portresi ve Anna Codda Chemaster portresi sağlıklı bir tanedir.

Bunu 1559-1560'larda söylemeliyim. Ülkedeki demokratik ruh halleri keskin bir aktivasyon geçirdi. Kamuoyu İspanyollar tarafından öfkelendi (özellikle Kato-Kammbrezy'deki dünyanın sonuçlanmasından sonra (1559), İspanyollar birliklerini Hollanda'dan, İspanya'nın niyetiyle bağlantılı olarak getirmedi, Hollanda'da, Katoliklik'in kalanı olarak hizmet etmek için 14 yeni piskopos oluşturmak.). Sanatçının iç protestosunun ve halk sempatisinin güçlendirilmesi olasılığı, bu işlerin yaratılmasının nedeni ortaya çıktı.

ARSEN'in adlandırdığı gibi, Arsen, önceki şeylerindeki doğal tutarsızlıklarının özgün bir şekilde aşılması. Ancak bunlarda, bu çalışmaların tüm ilerici önemiyle, kahramanlarına karşı yabancılaşmış tutum korunur. Sonuç olarak, kahramanca halk görüntülerinin çemberinden hızla taşındı (bu atığın, ülkenin kamu ömründe zamanın zamanında zamana karşılık geldiği karakteristiktir - Hollanda'da İspanyollar teröre geçti ve geçici olarak herhangi bir direnci bastırdı. ). Geç çalışması, natürmortun başladığının tamamı ile işaretlenmiştir. Son yıllarda hayatın yerini attığı bir varsayım var.

Arsena'nın sanatı, Hollanda sanatının gerçekçi bir jetinin geliştirilmesinde önemli bir dönüm noktasıydı. Ve yine de bu yolların en umut verici olmadığı söylenebilir. Her durumda, öğrencinin ve Arsena'nın yeğeninin yaratıcılığı, Joachim Beikelara (yaklaşık 1530 - yakl. 1574), Arsen'in resminin sınırlı özelliklerini kaybetti, aynı zamanda anlamı. Bireysel gerçek gerçeklerin anıtalizasyonu zaten yetersizdi. Sanattan önce büyük bir görev yoktu - gerçekte ulusal, tarihi prensibi yansıtmak, bir tür sergi olarak sunulan tezahürlerinin görüntüsü ile sınırlı değil, güçlü bir yaşamın genel yorumlanması. Bu görevin karmaşıklığı, eski fikirlerin krizinin geç canlanma özelliklerinin karakteristiği ile ağırlaştırılmıştır. Kusurluluğunun trajik farkındalığı ile birleştirilen yeni bir yaşam biçiminin keskin bir hissi ve dramatik olarak şiddetli ve kendiliğinden gelişen tarihsel süreçler gelişen dramatik çatışmalar, ayrı bir kişinin masumiyetinin, birey arasındaki ilişki hakkındaki önceki fikirlerin fikrine yol açtı. ve çevresindeki sosyal çevre, dünya. Aynı zamanda, şu anda, sanat, insan kütlesinin öneminin ve estetik ifadesinin kalabalığının farkındadır. Hollanda dönemlerinin sanatındaki en bilgilendirici olan bu, Breygel'in çalışmalarıyla ilişkilidir.

Peter Bruegel Sr., takma ada göre, Menzitsky (1525 - 1530-1569 yılları arasında) Anvers'te bir sanatçı olarak oluşturuldu (P. Buck Van Alsta'da okudu), İtalya'yı ziyaret etti (1551-1552'de), yakındı. Hollanda'nın radikal düşünürleri.

Master'ın en eski pitoresk ve grafik eserleri, doğal nitelikteki alpin ve İtalyan izlenimlerini ve motiflerinin, Hollanda'nın boyaması (öncelikle Bosch) sanatsal ilkeleri ve bazı tarz özellikleri. Bütün bu işlerde, grandiose Panorama'da ("Naptitarian Harbor", Roma, Doria-Pamphili Gallery, oyulmuş I. Kok Koki çizimleri için küçük bir resmi dönüştürmek için bariz bir arzu.

Sanatçının amacı, insanları emici gibi, dünyanın anlaşılmasıyla, dünyanın anlaşılmasının ifadesidir. Bir kişiye eski inancın krizi de buradan etkilendi ve ufukların sınırsız genişlemesi. Daha olgun bir "ekme makinesi" (1557; Washington, Washington, Ulusal Galeri), doğa daha büyük bir doğallık ile yorumlanır ve bir kişinin figürü yanlışlıkla eklenmemiş gibi görünmüyor. DOĞRU, dili tasvir kuşlar, tahıl tarafından toprağa atılmış, ancak Gospel'in bu illüstrasyonu, sanatsal olandan ziyade hikayenin anıdır. "Ikara'nın düşmesi" (Brüksel, Müze), ayrıca bir alegori var: Dünya hayatını yaşıyor ve ayrı bir kişinin ölümü deaaktivitesini kesmeyecek. Ama burada çiftçilik sahnesi ve kıyı panoraması bu düşünceden daha fazla. Resim, dünyanın ölçülen ve görkemli yaşamı hissi ile etkileyicidir (PAHAR'ın huzurlu emeği ve doğanın yüce binası tarafından belirlenir).

Ancak, Bruegel'in erken çalışmalarının felsefi ve karamsar bir şekilde gölgesini inkar etmek yanlış olur. Ancak, resimlerinin edebi ve alegorik tarafında çok fazla değil, gravür için yapılan hiciv desenlerinin ("döngüleri" - 1557, "erdem" - 1559), ancak özelliklerinde Dünyadaki sanatçının genel görünümü. Yukarıdan, dışarıdan, dışarıdan, ressam, resimde tasvir eden insanlardan yabancılaşan, onunla birlikte kalacağı gibi ressam.

Bununla birlikte, insanlık fikrinin görkemli ihmal edilebilir büyüklükteki bir set olarak, kentsel, halk ömrünün unsurları örneğinde yer almaktadır.

Aynı fikirler Bruegel, FLEMISH atasözleri (1559; Berlin) ve özellikle "Çocuk Oyunları" (1560; Viyana, Müze) resimlerinde gelişir. Bu ikincisinde, sokak, çocukları oynayarak kaplı, ancak beklentisi, komik ve anlamsız eğlenceli çocukların, tüm insanlığın eşit derecede saçma aktivitelerinin bir tür sembolü olduğu, bunun nasıl bir sınırı yoktur. 1550'lerin sonlarının eserlerinde. Bilinmeyen eski sanatı olan Bruegel, dünyadaki bir kişinin yerini belirtir.

Aniden 1561'de, Bruegel'in sahneleri yarattığı zaman, uğursuz fantastikliğini çok fazla Bosch'u aştı. İskeletler insanları öldürür ve boş bir fare kaplamasında barınak bulmaya çalışırken, haç işareti ("ölümün zaferi"; Madrid, Prado). Gökyüzü, kırmızı denizcilerle sıkılır, harika ve korkunç yaratıkların Miriada dünyaya girer, kalıntılardan büyük gözleri ortaya çıkaran kafaları ortaya çıkar ve sırayla çirkin canavarlar üreten kafaları ortaya çıkar ve insanlar artık kurtuluş aramıyor: uğursuz dev kendinden çığlık atıyor ve insanlar birbirlerini koydu, altını alıyorlar ("Mad Greta", 1562; Antwerp, Mayer Van Den Berg).

Aynı zamanda, Bruegel'in adlandırılmış eserlerinde, kişisel bir gölge ortaya çıkıyor - insan deliliğinin, açgözlülük ve zulümlerin kınanması, insanların kaderinin derin yansımalarında gelişir, ustaları büyük ve trajikteki resimlere yönlendirir. Ve tüm fantezisi ile keskin bir gerçeklik hissi taşıyorlar. Onların gerçeği, alışılmadık derecede anında zaman ruhunun sansasyonunda. Kalıcı bir şekilde, kasıtlı olarak hayatın gerçek, modern sanatçının trajedisini somutlaştırırlar. Ve bu resimlerin her ikisinin de 1560'ların başında göründüğü doğal görünüyor. - Baskı, Hollanda'daki İspanyollar tarafından, daha fazla ölüm idaresinin ülkenin tarihinde olduğundan daha fazla ölüm gerçekleştirildiğinde en yüksek sınıra ulaştığında (Arsena'nın sanatının bu yıllarda hayran olduğunu hatırlıyoruz. Bruegel, Görünüşe göre İspanyol baskılarıyla, Brüksel'e geçmek zorunda kaldım.). Böylece, 1561-1562'de. Hollanda Sanatında ilk kez Bruegel, dolaylı olarak, mecazi olarak belirli kamu çatışmalarını yansıtmak için kompozisyonlar yarattı.

Yavaş yavaş, sanatçının trajik ve etkileyici kürlütlüğü, acı felsefi yansıması, üzüntü ve sürtünme havası ile değiştirilir. Bruegel yine gerçek formlara hitap ediyor, yine uzak, sonsuz manzaraları olan resimler yaratır, tekrar izleyiciyi sonsuz, büyük bir panoramaya götürür. Şimdi, çalışmalarında, notlar zihinsel yumuşaklık, yalnızlık ve dünyaya iyi tesisler söylenmelidir. Onlar Kızıl saçlı zincirinde "maymunlar" (1562; Berlin), nehrin ve cennetin geniş stroyundan uzaklaştığında, hafifçe ve sıcak hava yoluyla oyulmuş. Onlar - ama "Babil Kulesi" (1563; Viyana, Müze) 'de - ancak bunlar daha güçlü ölçeklerde - (1563; Viyana, Müze). Her ne kadar bu iki işin ikincisi hala alegori (İncil Babil'in modern hayatını beğenmek), görkemli ve birlikte şiirsel formdaki resim, yaşam hissi ile verilmektedir. Yapıcıların sayısız figürlerinde, arabaların hareketinde, peyzajın hareketinde (özellikle deniz kulesinin yanlarına yayılan çatıların görüntüsünde - küçük, ayrı duran ve aynı zamanda yakın, yakın birbirlerine, nazik tonları döküm). Aynı arsa üzerinde yazılı resimde (görünüşte, yaklaşık 1554-1555; Rotterdam), kule, insanın başlangıcını tamamen bastırdığı karakteristiktir. Burada Bruegel, yalnızca böyle bir etkiyi önler, ancak devam eder - doğanın bir kişiden daha güzel olduğu için, bunun içindeki bir insanı arıyor.

Yaşam, insan konutlarının nefesi, insanların faaliyetleri düşüncelerinin deliliği hakkındaki düşüncelerinin üstesinden gelir, eserlerinin ele alınması hakkında. Bruegel ilk önce, kendisine ne de hayatın çağdaşlarının yaşam değerinin bilinmesi, ancak eski kozmik ve hümanist olmayan görünümlerinin altındaki tutulması altında gizlenmiş olmasına rağmen, yeni bir tane ortaya koyuyor. Aynı sonuçlar "SAULA'nın intiharını" (1562; Viyana, Müze) ve "Mısır'a uçuşa sahip" (1563; Londra, Zeiler'in koleksiyonu). Ancak, özellikle bu geleneksel müjde arsasının, birçok meraklı - asker, erkek ve köylülerin katılımıyla büyük bir kitle sahnesi olarak yorumlandığı Cross (Viyana, Müze).

Bütün bu eserler, (1565'te) manzara döngüsü, Breegel'in yeni bir yaratıcılığı dönemi açarak ve dünya resminin en iyi eserlerine ait olarak hazırlanmıştır. Döngü, yılın zamanlarına adanmış resimlerden oluşur (bu, bu bölümün yazarı, bu bölümün yazarı, dördü orada olduğu varsayımdan ve "Senokos" olduğu varsayımdan oluşur. (Prag, Ulusal Galeri) döngü için geçerli değildir..).

Bu işler sanat tarihinde işgal ediyor. Yeri oldukça olağanüstü - Uygulamanın kapsamlı, neredeyse uzay yönünün bir yaşam duygusu ile organik olarak birleştirileceği doğanın resimleri yoktur.

"Kasvetli Günü" (Viyana, Müze) şeritleriyle, şişmiş bulutlar, yavaşça yeryüzünün kırmızı-kahverengi tonlarını yavaşça yanıp sönüyor, çıplak dalları canlandıran ve tüm kollu ham rüzgarlar; Zhvat (New York, Metropolitan Müzesi) tarafından kararmış gibi; "Bir kama ile yavaş yavaş, kırmızı-yeşil sonbahar boyalarının son yanması ve doğanın sert sessizliği ile" (Viyana, Müze) "Damızlık Dönüşü" (Viyana, Müze); Son olarak, "kar avcıları" (Viyana, Müze) - Erkek Kasabası, donmuş havuzlarda canlı bir hayat, sakin bir yaşam, insan coziness sıcaklığının sıcaklığında sıcak, doğanın döngüsünün olduğu, şimdiye dek değişiyor , onun iç ritmi.

Panoramalarının kapsamlı niteliğini korumak, Bruegel temel olarak temel olarak ve nihayetinde somut bir gerçeklik duygusu ortaya koymaktadır. Konuşmayı ilkbahara adanmış sahnenin boşluğuna, "hasat", diğer mekânsalite - bir kesme, basınç - sonbahar manzara ve tüm kompozit çizgileri sessiz bir şekilde birleştiren, baharına adanmış sahnenin boşluğuna geri çağırmak yeterlidir. - "Hunters" ı "Hunters" daki kasaba, bu resimlerin kompozisyon yapısı, doğanın durumunu ifade etmek için tasarlanmıştır.

Aynı gerçeklik duygusu, renk yapısını, ilk resimde, dünyanın kırmızı kahverengi tonları, arka planın soğuk, yeşil tonları ile bir çarpışmaya girerek daha yoğun hale gelir; Ancak ikincisinde kahverengimsi sarı renginin baskınları - sıcak ve pürüzsüz; "Stad'ın geri dönüşü" nde, ölü mavi-gri gammanın yerine hemen verilen kızarıklık ve reddingler kazanır; "Avcılar" da, genel soğuk yeşilimsi renk, sıcak kahverengi evlerin ve insan figürleriyle ısınmış gibi görünüyor.

Bruegel ve Grand Sinema'nın doğası ve tamamen bir kişiye yakın, güvenilir. Ancak "mevsim" döngüsünde bir doğanın hayatını görmek yanlış olur. Bruegel Mir tarafından yeniden oluşturulmuş insanlar tarafından doldurulur.

Bu insanların fiziksel olarak fiziksel olarak daha fazla olduğunu söylemeleri zor, çalışkan, çalışkan. Ancak, döngünün kalıpları, insanların varlığının, en yüksek, derinden doğal düzenin düzenliliğine bağlı olduğu gerçeğinin gerçek bir anlamı ile dolu olduğuna dair şüpheleri bırakmaz. Bu mahkumiyet, insanların ve doğanın tamamen füzyonunun bilinciyle doğar. Bu işin bu kavşakta ve insanların günleri sistemi anlamlı ve yüksek. İnsan figürleri sadece görüşü yönlendirmez, özel bir prensip yapar, doğal, aynı zamanda ondan da farklıdır. Ve köylülerin rakamlarının, tüm renk ve kompozit çizgilerin odaklanması (birinci döngü düzeninin ana renkleri, köylülerin elbiselerinde açıkça ifade edilir) ve doğanın uyanışının bir paralel bulur. Köylü işinin başlangıcında; "Sürüün Dönüşü" nde, insan kaçakçıları, tüm canlılar ve bu manzarada olan aktif şey, tüm kompozit hatlar grubuna, sırayla, yakındaki evlere doğru hareket ediyor yerli köylerinden).

Bruegel ve daha önce yaşamın hareketini aktarmaya çalıştı, barış ve insanın büyük ölçekli oranında tek doğru oranı bulmaya çalıştı. Amaç hayatının orijinal noktasını doğal, doğum, halk açısından orijinal noktasını alarak hedefe ulaştı. Dünya, evren, görkemli ihtişamını kaybetmeyen, yerel ülkenin somut özelliklerini edinmiştir. Kişi, doğal işçiliğin varlığının anlamını, insan takımının akıllı ve uyumlu yaşamında, bu ekibin birleşmesinde doğayla.

Aslında, bu "mevsim" manzaralarının münhasırlığını belirler. Bruegel'in çalışmalarında olağanüstü. İnsanların hayatının belirli bir görüntüsüne giden yolu açmak, gelecekteki gelişmesinde Bruegel, görkemli peyzaj motiflerinden uzaklaşır ve doğanın ve insanın doğal birliğini kaybeder.

1566'da "Yılın Zamanı" ndan sonra yaratıldı, resimler - "Bethlehem'deki" (Brüksel), "Bebekler Beathes" (Viyana, Müze), "Viajesting John Baptist" (Budapeşte, Muse) - Sanatın Doğuşu Anlamı Temel, bir paroidin ömrü olan teması zamansız, olduğu gibi, evrensel bir açıdır, ancak sosyal ve özel bir sosyal planda. Hepsi, neler olup bittiğinin doğruluğunun bilinciyle etkileyicidir ve Müjde plotu esasen sadece kılık değiştiren ("dayaklarda", İspanyol askerlerinin Flaman köyüne bir saldırıyı göstermiştir).

Oluşturma gerçeği, belki de aynı zamanda modern arsa üzerindeki ev boyamaları ve sadece hayati ve yurtdışı, aynı zamanda halkın ortaya çıkması, sosyal anlar, bu yılların tarihi olayları tarafından açıklanmaktadır: bunları yaratma zamanı İşler - Hollanda Devrimi'nin başlangıç \u200b\u200bzamanı, aktif mücadele Hollanda'nın İspanyol feodalizmine ve Katolikliğe karşı başlangıcı. 1566'dan başlayarak, Bruegel'in yaratıcılığı bu olaylarla en doğrudan bağlantıda gelişir.

Görünüşe göre, 1567'de Bruegel, en sermaye eserlerinden birini "Köylü Dansı" (Viyana, Müze) tarafından gerçekleştirdi. Arsa alegori içermiyor, kargo köylülerin güçlü figürleri büyük ölçekli bir broig skalasında tasvir edilir ve genel karakter kendi içinde kapalı bir paphos tarafından ayırt edilir.

Sanatçı, köylü festivalinin ya da bireysel grupların resminin atmosferinin çok fazla değil, ancak köylülerin kendileri türleri, yüzlerin özellikleri, alışkanlıkların, jestin karakterini ve hareket etmesini sağlar.

Her rakam, bileşik eksen sisteminin tüm resminin tümünün içine geçirerek ütüyü yerleştirilir. Ve her figür durdu - dans, anlaşmazlık ya da öpücük. Rakamlar büyüyen gibi, ölçeklerinde ve önemlerinde abartılı. Neredeyse acil ikna olmuş, kaba, hatta acımasız, hatta acımasız, fakat uyuyan etkileyici bir anıtsallıkla doludur ve bir bütün olarak sahne, köylülüğün, kendiliğinden, güçlü gücünün belli bir grup karakteristist özelliğinde uygulanmaktadır.

Bu resimde, belirli bir köylü türü yönteminde doğar. Ancak, bu türün daha sonraki eserlerinin aksine, Bruegel tabanı istisnai güç ve sosyal patolarını bilgilendirir.

Bu resim yazıldığında, kitlelerin en güçlü isyanı sadece bastırıldı - iconObor. Breygel'in kendisine karşı tutumu bilinmemektedir. Ancak bu hareket, insanların sonuna kadar başından beri, çağdaşları sınıfının görgü tanığı ile şok etti ve Bruegel'in, bununla birlikte duran insanların ana, ayırt edici özelliklerini gösterme arzusunun Doğrudan iletişimde gerçeği (ne tahrip ettiğini yok etti, görünüşte, siyasi karakter).

Iconocrousal ve Bruegel'in diğer eserleri ile ilgilidir - "Köylü Düğün" (Viyana). Burada, bir halk niteliğinin vizyonunun ciddiyeti daha da arttı, ana rakamlar daha da büyük kazandı, ancak zaten birkaç abartılı güç kazandı ve sanatsal kumaş kumaşlarda (korku ile üç köylü) bir alegorik bir prensip yeniden doğmuş Şakım, iddiaya göre, resimlerin önünde iddia edildiği iddia edildi. Belki de bu, Duvardaki hazinenin tapınağını kaçıran ve önemsiz durumundan kurtulmak isteyenlerin ölümünü öngören kelimeler, Pira Valstasar hakkındaki İncil bir hikayenin bir ipucu. Katolik ve Katolik Kilisesi ile savaşan köylülerin isyancılarını hatırlayın.). Bazı idealleşmenin gölgesi ve sıradışı Black Yumuşaklığı, Gorky Pişmanlığı ve İyi İnsanlığın Tadı - Net ve tutarlı olmayan bir "köylü dansı" olan nitelikler. "Köylü Dansı" nın ilkelerinin ve fikirlerinden bazıları, ilk bakışta, ilk bakışta, resme yakından adlandırılan şekilde "yaz" (Hamburg) 'de bulunabilir.

Bununla birlikte, önceki umutlardan yapılan tam ayrılış biraz sonra, usta bir dizi kasvetli ve acımasız resim ("Misanthrop", 1568, Napoli; "Boyama", 1568, Louvre; "INSIE ÖNCESİ", 1568, VIENNA , Müze) ve ünlü "kör" (1568; Napoli, Capodimont Müzesi) dahil olmak üzere. Dolaylı olarak, Hollanda Devrimi'nin gelişimindeki ilk krizle ilişkilidirler.

Dilenci körlüğün kendiliğinden bezinin yüzleri insanlık dışı çirkindir ve aynı zamanda gerçektir. İzleyicinin görünümü, sanki onları takip etmiş gibi, bir başkasıyla başka bir figüre atlamak, aptallık ve hayvan kenarlarını açgözlülükten, kurnazlık ve öfkeyle anlamlılığı hızla artırmaya ve onunla birlikte ve onlarla birlikte ve saygısız kişilerin iğrenç bir manevi deformasyonunu yakalar. . Ve ayrıca, görünüşe göre ruhsal körlük, fiziksel ve manevi ülserlerin üst kısmını üstlenirler, belki de giderek daha fazla giderek daha fazla. Temel olarak, Bruegel gerçek bir gerçek alıyor. Ancak bunu evrensellik kazandığı figüratif bir konsantrasyona getirdi, benzeri görülmemiş güçlerin trajedisine yükseliyor.

Sadece bir, düşen körleme bize bir yüz çizer - ağzı mahvetti ve boş ıslak göz oyuncularının kötü bir görüntüsü. Bu görünüm, kör adamın yolunu tamamlar - insanların yaşam yolu.

Ancak daha temiz gereksiz ve temizdir - manzara, önünde bir kör adamın tökezledi ve artık başka bir başkasını gölgelemedik. Rustik Kilise, Nazik Tepeler, Ağaçların yumuşak yeşillikleri sessizlik ve tazelik doludur. Sadece kuru bir cansız gövde, düşmanın bükülme hareketini yiyor. Dünya sakin ve sonsuzdur.

İnsan doğası, insanlar değil. Bruegel, dünyanın felsefi olmayan bir imajını oluşturur, insanlığın trajedi. Ve resmini vermeye çalışmasına rağmen, sistem açık ve soğuk, rengi çeliktir, ancak nazik bir leylak titreme çipi ile trajik ve gergin umutsuzluk verir.

"Kör" sonrasında Bruegel, sanatçının son hayal kırıklığının ve eski uyumuna geri dönme arzusunu ve böyle bir getirinin imkansızlığının (son derece tutarlı) "Daramstadt, Müzesi) sadece bir resim yaptı - Dünya görüşü, köylüler, dev kapılarının anlamsız sarkan kirişleri, peyzaj, şeffaf güneş tozu, uzak, anlaşılmaz) ile oyulmuş peyzaj.

Bruegel'in yaratıcı yolunun zihinsel bakışla yaratıcı yolu, sanatında konsantre ettiği, önceki gözeneklerin Hollanda'nın tüm başarılarını yoğunlaştırdığı kabul edilmelidir. Geç Novelism'in hayatlarını genelleştirilmiş formlarda iten, daha başarılı bir şekilde iten başarısızlıkların başarısız olmaları, ancak Arsen'in insanların imajının yüceltilmesinde sınırlı deneyleri, Bruegel'e güçlü sentezlere girdi. Aslında, yüzyılın başında belirgin bir şekilde, yaratıcı yöntemin gerçekçi bir şekilde somutlaşması için özlem, ustanın derin ideolojik önemliliği ile serpilir, görkemli meyveler getirdi.

Hollanda'nın yeni nesli, Breegel'den keskin bir şekilde farklıdır. Her ne kadar Hollanda Devrimi'nin ana olayları bu dönem için düşerse de, 16. yüzyılın son üçte biri sanatındaki devrimci patholar. Bulamayacağız. Etki, toplumun burjuva gelişimini yansıtan dünya görüşünün oluşumunda dolaylı olarak etkilendi. Sanatsal boyama yöntemleri için, keskin somutlaşma ve doğaya yaklaşmak, 17. yüzyılın ilkelerinden daha karakteristiktir. Aynı zamanda, Rönesans evrenselliğinin ayrışması, hayatın yorumlanması ve yansımasıdaki evrensellik fenomenleri, bu yeni yöntemleri küçük ve manevi dar özelliklerini verir.

Dünya algısının çeşitli şekillerde sınırlamaları, romanları ve resimdeki gerçekçi akışları etkiledi. Nomanizm, çok yaygın olmasına rağmen, tüm dejenerasyon belirtilerini taşır. En sık, seyreltici, mahkeme-aristokrat bir yönüyle davranır ve dahili olarak yıkılmış gibi görünüyor. Bu semptomatik ve daha fazlasıdır - Nanlı türde, çoğu zaman natüralı olarak anlatılmış unsurlar (K. Cornellissen, 1562-1638, K. Van Manderender, 1548-1606). Buradaki ünlü önemi, çoğu 1580'lerde olan Flemish ile Hollandalı ressamların yakın iletişimiydi. Kuzey İllerinin Şubesi nedeniyle Güney Hollanda'dan göç etti. Sadece nadir durumlarda, alan gözlemlerini yorumlamalarının akut öznelliği ile birleştirin, romancılar etkileyici bir etki elde etmeyi başarır (A. Blumart, 1564-1651).

Gerçekçi eğilimler öncelikle daha spesifik bir gerçeklik ekranında ifade bulur. Bu anlamda son derece, bireysel türlerin dar bir özelliğini göz önünde bulunduran bir gösterge fenomenidir. Ayrıca çeşitli arsa durumları oluşturma konusundaki ilgi vardır (işin sanatsal kumaşında artan bir rol oynamaya başlarlar).

Yüzyılın son üçüncü çeyreğinde tür boyama, gelişme yaşanıyor (bu da novelizmde belirtilen penetrasyonda da ifade edilir). Ancak eserleri içsel önemi yoksun. Bruegel'in gelenekleri derin bir yaratığın yoksundur (en azından oğlu P. Bruegel Jr., Numarned, 1564-1638). Tür sahnesi, genellikle Lucas (1535-1597'ye kadar) ve Martin (1535-1612) Valkenborkhov gibi peyzaja, ya da tamamen kentsel yaşamın önemsiz hane halkı bölümünün kılavuzunda yer almaktadır. Soğuk Kibir - Martin Van Kleve (1527-1581; "Tatil St. Martin", 1579, Hermitage).

Portre ayrıca 1580'lerin gelişimine katkıda bulunan küçük tür ilke hakimdir. Grup kompozisyonları. Bu son "Küresel Kaptan Rosencranse" (1588; Amsterdam, Reyxmus) (1588; Amsterdam, Reyxmus) (1583; Harlem, Müze) Cornelis Cornelissen. Her iki durumda da, sanatçılar eski grup yapılarının kuru aritmetiğini kırmaya çalışırlar (Ketil - Grubun ciddi geçit töreni, korneelissen - hanehalkı zayiatı). Son olarak, en son 16 yıllarda. Yeni tür kurumsal grup portreleri, örneğin, Peter ve Art Peters'ın "Reget" ve "Anatomi" nidir.

Peyzaj boyama daha kafa karıştırıcı bir bütündür - burada daha güçlüydü ve ayrı resim türlerini eziyor. Ancak, Ruiland Saver'in (1576 / 78-1679) (1576 / 78-1679) (1576 / 78-1679) ve daha güçlü bir Giliss van Koninksloo (154-1606) ve romantik-mekansal ios de annesi (1564-1635) ve öznel duygularıyla birlikte Abraham Bloumrt - Her şey farklı derecelerde farklı şekillerde olsa da, doğanın algısındaki kişisel başlangıcın büyümesini yansıtır.

Tür, manzara ve portre çözümlerinin özellikleri, içsel önemi hakkında konuşmalarına izin vermez. Güzel sanatların büyük fenomenlerinin sayısına ait değiller. Onları 15 ve 16 yüzyılın büyük Hollanda ressamlarının eserleri ile ilişkilendirirlerse, Rönesans'ın en ilkelerinin tam reddedilmesinin belirgin kanıtı gibi görünmektedir. Ancak, 16. yüzyılın son üçünün resmi. Bizim için büyük ölçüde dolaylı ilgi, geçiş aşaması olarak ve 17. yüzyılın milli flandre ve Hollanda'nın ulusal okullarının büyüdüğü genel kökün olarak.

15. yüzyılın ilk üçte biri, neredeyse aynı anda İtalya'daki Rönesans'ın başlangıcıyla aynı anda Kuzey ülkelerinin sanatının gelişmesinde bir kırılma geliyor - Hollanda, Fransa, Almanya. Bireysel ulusal özelliklere rağmen, bu ülkelerin sanatı, 15. yüzyılın, özellikle İtalya ile karşılaştırırken açıkça konuşulan bir dizi özelliklerin varlığı ile karakterizedir. En parlak ve tutarlı olan bu kırılma resimde meydana gelirken, heykel, Gotik özellikleri uzun süre tutar ve 16. yüzyılın ilk on yıllarına kadar mimari, Gotik tarzın bir parçası olarak gelişmeye devam ediyor. 15. yüzyılın boyamasının geliştirilmesindeki öncü rol, Fransa ve Almanya üzerinde önemli bir etkisi olan Hollanda'ya aittir; 16. yüzyılın ilk çeyreğinde, Almanya ilk etapta öne sürülür.
İtalya'da ve kuzeydeki yeniden doğuş sanatı için ortak bir insanın ve çevresindeki dünyanın gerçekçi bir görüntüsünün arzusudur. Ancak bu görevler, çeşitli kültürel doğaya göre farklı şekilde çözüldü.
Hollanda ustalarının dikkati, doğa biçimlerinin tükenmez servetini ve bakmadan önce insanların bireysel görünümünün çeşitliliğini çekti. Nordic ülkelerinin sanatçılarının işinde ortak ve tipik olarak karakteristik ve özel hüküm sürüyor. Doğa ve görsel algıların kalıplarını açıklamayı amaçlayan İtalyan Rönesans sanatçılarının aramalarına yabancıdır. 16. yüzyıla kadar, İtalya'nın hem ortak bir kültürde hem de teknikte etkisi önemli bir rol oynayacağına, dikkatleri perspektif teorisini ya da oranlar doktrinini çekmeyecek. Bununla birlikte, Hollanda ressamları, ancak tamamen ampirik olarak, İtalyanlardan daha az ikna edici olmayan tekniklerle, mekan derinliklerinin izlenimini ileten tekniklerle geliştirmiştir. Gözlem, çoklu ışık fonksiyonlarını ortaya çıkarır; Çeşitli optik etkiler tarafından yaygın olarak kullanılmaktadırlar - kırılma, yansıyan ve dağınık ışık, uzatma izlenimi olarak geçerken, havanın ve ışıkla dolu peyzaj ve hava ile dolu ve şeylerin malzeme özelliklerinde (taş, metal, cam, kürk) en iyi farklılıklar , vb.). En küçük ayrıntıların aşırı titizliğiyle çoğaltılıyor, aynı ağırlaştırılmış testisli boyaların ışıltılı zenginliğini yeniden yaratıyorlar. Bu yeni pitoresk görevler, yalnızca tarihsel efsane niteliklerinin Jan Van EIC'nin "keşif" nin yeni pitoresk yağlıboya teknolojisi ile çözülebilirdi; 15. yüzyılın ortasından, bu yeni "Flaman tarzı" Eski Tempera Tekniğini ve İtalya'da yer değiştirir.
Nordic ülkelerindeki İtalya'nın aksine, anıtsal resimlerin önemli gelişimi için hiçbir koşul yoktu; Önemli bir yer, Fransa'daki 15. yüzyıla ve burada sağlam geleneklere sahip olan Hollanda'nın Hollanda'sına aittir. Kuzey ülkelerinin sanatının temel bir özelliği, İtalya'da çok büyük bir öneme sahip olan antika ilgisinin önkoşullarının olmamasıydı. Antiklık, sanatçıların dikkatini sadece 16. yüzyılda, insancıli çalışmaların gelişimi ile birlikte çekecektir. Sanat atölyelerinin ürünlerindeki ana yer, her iki taraftaki kapakları da görüntülerle kaplanmış olan sunak görüntülerine (oyulmuş ve pitoresk kıvrımlar) aittir. Dini sahneler gerçek bir yaşam durumuna transfer edilir, eylem genellikle manzara arasına veya iç mekanda geliyor. Önemli gelişim, Hollanda'da 15. yüzyılda ve Almanya'da, 16. yüzyılın başlarında, portre resmini alıyor.
16. yüzyılda, ev boyaması, peyzaj, natürmort, mitolojik ve alegorik resimlerin kademeli olarak tahsisi var. 15. yüzyılda, yeni bir görsel sanat türü var - ağacın üzerinde gravür, yüzyılın sonunda ve 16. yüzyılın ilk yarısı; Özellikle Almanya'nın sanatında işgal ettikleri harika bir yer, Hollanda ve Fransız grafiklerinin gelişimini etkiler.

Hollanda'daki yeni canlanma sanatının ilk filizlerinin, Minyatür'de gözlendiği, ortaçağ gelenekleriyle ilgili göründüğünü not etmek ilginçtir.

Hollanda Resimdeki Revival, Gubert'un kardeşlerinin "Gentsky sunağı" ile başlar (1426'da öldü) ve Yana (yaklaşık 1390-1441) Wang Eykov, Jan Eyk tarafından 1432 Genta Sunlaştı (Gent, St. Bavon Kilisesi) ranza 12 panolarda (açık formda) 12 sahneler temsil edilir. Topta, Mesih'in önümüzdeki Maria ve John, şarkı söyleme ve Melek melekleri ve Adem ve Havva ile tahtta tasvir edilmiştir; Beş panelde aşağıda - "Kuzu tapan" sahnesi. Sanat için daha az önemli özellik yoktur: Hollanda Masters, olağanüstü derecede titizlik ve ayrıntı ile ilettikleri dünyaya bakıyor gibi görünüyor; Her mesane, her bir kumaş parçası, onlar için yüksek bir sanat nesnesidir. Wang Eyki, petrol tekniğini geliştirdi: Yağ, Glitter, Derinlik, Nesnel Dünyanın zenginliğini, Hollanda sanatçılarının dikkatini çeken, renkli sonsuzluğunun dikkatini çekmeyi mümkün kıldı.

Çok sayıda Madn Yana Van EYKA'dan en ünlü "Madonna Rollen Chancellor" (yaklaşık 1435), çünkü Madonna'nın kendisine uyuyan bağışçıları göstermesinden önce - Chancellor Rolllin. Yang van Eyk ve başarıyla bir portre ile meşgul, her zaman güvenilir bir şekilde doğru kaldı, derinden bireysel bir görüntü yaratıyor, ancak bir kişinin genel özelliğinin ayrıntılarını ("karanlığa sahip adam"; "Türban'taki adam ", 1433; Sanatçının karısının portresi Margarita van Eyk, 1439). İtalyan Rönesansı portrelerinin karakteristiği olan aktif eylem yerine, Van Eyk, tefekkür, dünyadaki bir kişinin yerini belirleyen, sonsuz manifoldunun güzelliğini anlamaya yardımcı olan bir kalite olarak düşünülür.

Modern sanatsal kültürde olağanüstü bir yer tutan Van Eykov Brothers'ın Sanatı, Hollanda Rönesansının daha da gelişmesi için büyük önem taşıyordu. XV yüzyılın 40'larında Hollanda Sanatında, Van Eyk'a özgü olan Panteist çok renkli ve harmonik netlik, yavaş yavaş kaybolur. Fakat insan ruhu tüm sırlarında daha derin olduğunu ortaya koyuyor.

Bu tür sorunları çözmede, Hollanda Rogir Van der Wayden (1400? -1464) tarafından mecburdur. 40'ların sonlarında, Rogir Van der Wayden İtalya'ya gitti. "Haçtan çıkarmak", Vaden'in tipik bir eseridir. Kompozisyon çapraz olarak inşa edildi. Çizim zordur, rakamlar keskin açılarda sunulur. Giysiler sertifikalıdır, girdap ile bükülürler. Kişiler keder tarafından bozulur. Herkesin neredeyse acımasız bir ifadeye sahip olan soğuk analitik gözlemin bir baskısı var.

XV yüzyılın ikinci yarısında. Bu, hayatı esas olarak Ghent'e geçti olan Özel Dalış Gogo Van Der Gus (yaklaşık 1435-1482) ustasının çalışmalarını oluşturuyor. Sunak Portinari'nin (müşterilerin adına göre), Sunak Portinari'nin görüntülerinde büyüklüğündeki ve anıtsalın merkezi sahnesi, bebeğin ibadetinin sahnesidir. Sanatçı, çobanların ve meleklerin manevi şokunu, kişilerin olayın gerçek anlamını tahmin ettiklerini söyleyen kişilerin ifadesini ifade eder. Mary'nin kederli ve nazik görünümü, neredeyse fiziksel olarak bebek figürünün etrafındaki boşluğun geçersiz kıldığı ve ruh halini daha da arttıkça, olmanın olağandışı olmasının ruh halini vurguladı. Boyama Gogo Van der Gus, Floransalı Quatrochet üzerinde belirli bir etkiye sahipti. GUS'un geç eserleri, Şeytan'ın berferindeki özelliklerini, manevi donsları, trajediyi, dünyaya iadesi, sanatçının acımasız durumunun ("Mary'nin ölümü") bir yansıması olarak giderek daha fazla bilgi edinmektedir.

Madn'in lirik görüntüleriyle kendisini yüceltken, Hans Memnuncing'in yaratıcılığı (1433-1494), Brugge şehri ile ayrılmaz bir şekilde bağlandı. Memleme bileşimleri açık ve ölçülür, görüntüler şiirsel ve yumuşaktır. Süblime her günle iyi geçinir. Membling'in en karakteristik çalışmalarından biri - St. Ursula (yaklaşık 1489 g)

Jerome Bosch (1450-1516), ortaçağ alegorisimerini ifade ettiği ve yaşayan bir somut gerçeğe atıfta bulunduğu kasvetli mistik vizyonların yaratıcısı. Demonoloji, sağlıklı bir halk mizahı olan Bosch ile birlikte, ince bir doğa duygusu - insan yardımcısının soğuk bir analiziyle ve insanların imajında \u200b\u200bacımasız grotesk ile ("aptalların gemisi"). En büyük çalışmalardan birinde - "Zevk Bahçesi" - Bosch, insanların günahkar hayatının görüntü görüntüsünü yaratır. Geç Bosch'un ("St. Anthony) çalışmalarında yalnızlık teması artar. XV ve XVI yüzyılları arasında Hollanda'nın sanatında XVI yüzyıllar arasında rubbroze, bir önceki gözenek sanatının organik, mantıksal bir sonucu ortaya çıkan Quatrocheto ve İtalya'daki yüksek canlanma arasında önemli ölçüde daha belirgindir. XVI yüzyılın Hollanda'nın sanatı. Giderek daha fazla ve daha fazla, büyük ölçüde geçmiş yüzyılın sanatçılarına dayanan ortaçağ geleneklerini kullanmayı reddediyor.

Hollanda'nın tepesinde Rönesans hiç şüphesiz Peter Bruegel kıdemli çalışmalarıydı, Menietic (1525 / 30-1569). Bruegel adıyla, Hollanda'daki peyzajın nihai eki, bağımsız bir tür olarak boyama yapılır. Aşsamılardan gelen özel ün kazandı "Seasons" (Başka Bir Ad - "Snow Hunters", 1565): Doğada ince penetrasyon, Lyrizm ve karın üzüntü bu koyu kahverengi ağaçlar siluetleri, avcılar ve köpek şekillerinden darbeler Beyaz karın arka planı ve tepelerin mesafesinde akan, buzdaki küçük insan figürleri ve uçan kuştan, bu gergin, neredeyse somut zil seslenmesinde uğursuzca arıyor.

60'lı yılların başlarında, Bruegel, tüm Bosch'un Phantasmagoria'nın ifadesinden üstün olan bir dizi trajik eser yaratıyor. Alegorik dil, İspanyol ezmelerinin arzusunun en yüksek noktaya ulaştığı tüm ülkenin modern hayatının Bruegel trajedi olduğunu ifade etti. "Bethlehem'in bebekler atışını" topikal olayları ortaya çıkaran dini arazileri ele aldı (1566)

Hollanda canlanmasında, şu anki olan romanlığı da icatalize ediyordu. Bu alanın sanatçıları (mümkünse) Roma okulunun geleneklerini ve öncelikle Rafael'i takip etti. Bu tür ustaların çalışmalarında, Y. Gossart, P. Cook Wang Alst, YA. Relorl, F. Floris, vb. Şaşırtıcı bir şekilde, idealleşme arzusunu, tamamen Hollanda'yı olan İtalyan Plastisite formlarına, detaylar, anlatım ve Doğalizm. Doğru olduğu için (V. Vlasov), Hollanda'nın romancılarının taklit edilmesi, yalnızca XVII yüzyılda zaten Rubens'in dehasını aştı.

Benzer bilgiler.

Tür motifleri, latetik sanatın dekoratif ve rafine tarzının bir parçası olarak, beton detaylar bir parçası olarak, dekoratif ve rafine tarzın bir parçası olarak, Hollanda boyamasının dini arazilerine nüfuz etti, somut detaylar biriktirildi, duygusal aksanlar arttı. Bu süreçteki önde gelen rol, minyatür tarafından oynandı, yaklaşık 13-15 yüzyılda yaygın olarak yayılan Fransız ve Burgundy Aristokrasinin mahkemesiyle birlikte, etraflarındaki kentsel atölyelerden yetenekli ustalar topladılar. Bunların arasında Hollanda geniş bir şöhrete sahiptir (Brothers Limburg, Marshal Beadiko). Karakter (daha kesin olarak saatler kitabı - Belirli bir saate adanmış duaların aylardır, emek ve eğlence sahnelerini yılın çeşitli zamanlarında ve kendi manzaralarının dekore edilmesine başladı. Masterların aşkı ile birlikte güzelliklerini yakaladı, çok sanatsal eserler yaratıyor, renkli, yürütülen lütuf (Turin-Milan sınıfı 1400-1450). Tarihsel kroniklerde, tarihsel olayları ve portreleri gösteren minyatürler ortaya çıktı. 15. yüzyılda portre boyama yayılır. 16. yüzyılda, ev boyama, peyzaj, natürmort, mitolojik ve alegorik grafiklere ilişkin resimler, bağımsız türlerde vurgulanır.

15. yüzyılın 40'lı yılların arasında Hollanda resimlerinde, bir yandan, anlatının unsurları, diğer - dramatik eylem ve ruh hali. Ataerkil tahvillerin imhası ile, bir ortaçağ toplumunun yaşamını, uyum duygusu, emir ve barışın ve insanın birliğini ortadan kaldırarak kaybolur. Bir kişi bağımsız hayati öneminin farkındadır, aklına inanmaya başlar ve irade. Sanattaki imajı giderek daha fazla benzersiz hale geliyor, derinlemesine, gizli duygular ve düşüncelerde, karmaşıklıkları ortaya çıkıyor. Arsa sahnelerinin veya bir makine portrelerinin bir kahramanı, ince bir zekanın sahibi, bir tür ruh aristokratının sahnesinin merkezi bir oyunculuk yüzüne dönüşür. Aynı zamanda, kişi yalnızlığını, hayatının trajedisini, kaderini keşfeder. Görünüşünde, alarm başladı, karamsarlık. Dünyevi mutluluğun gücüne inanmayan bu yeni barış ve erkek kavramı, ROGYR van der Vadena'nın trajik sanatına (yaklaşık 1400-1464), dini arazilerdeki kompozit tuvallerinde ("haçtan çıkarılması" için yansıtıldı. , Madrid, Prado) ve en büyük ustası olan harika psikolojik portreler.

Gizem ve endişe hissi, her gün güzel, benzeri görülmemiş ve derinden trajik duygusu, güçlü bir şekilde belirgin bir kişiliğin sanatçısının yaratıcılığını belirler ve Gogo Van GUS'un (1440-1482), güçlü bir yazarı, Altar Portinari'nin acıklı ruh halini ve plastik kuvvetini büyüleyici (1476- 1478, Floransa, Uffizi). Gus, malzeme somutluğunda tamamen dünyevi bir varlığın bütünsel bir görüntüsünü yaratan ilk idi. Yaşam Çeşitliliği Bilgisine İlgi Alanı, Manevi Enerjisi ve Gücü, tamamen halk türlerini, gerçek peyzajına ve duygusal sesine soktu. Bakanlığın trajedi, çelişkilerle belirtilen, ancak değerli hayranlıkla, dünyanın varlığının değerinin onaylanmasıyla cesur sanatında gizlendi.

15. yüzyılın son çeyreğinde, Kuzey İllerinin (özellikle Hollanda'da) sanatsal ömrü etkinleştirilir. Burada çalışma sanatında, sanatçılar Hollanda'nın güneyinde olduğundan daha güçlüdür, popüler inançlarla, folklorlu, karakteristik, düşük sokakta, çirkin, sosyal hiciv için özlem, bir alegorik, dini olarak giyinmiş bir bağlantı var. veya koyu kurgu formu keskin bir şekilde ifade edilir.

Bu özellikler, kılığının lezzetlerini satın alan, dünyanın çevreleyen dünyasında kötü kötülük krallığını keşfeden, Keranne Bosch'un tutkulu suçlayıcısının (yaklaşık 1450 - 1516) resminin derin karamsarlığı ile belirlenmiştir. güçsüz, insanlığın günahlarında dolaşıyor. Antiklenik ahlaksızlığının yaratıcılığının, bir kişiye karşı acımasız bir tutum, "Aptalların Gemisi" (Paris, Louvre), Rencuing Rahines'in alegorik resminde açıkça ifade edilir. Bosch'un sanatsal görüntülerinin, hanehalkı eserlerinin ifadesi, insan ırkının imajında \u200b\u200bGrotesca ve Sarcazma'ya eğilimi, resimsel performansın iyileştirilmesi ve mükemmelliği ile karakterize edilen çalışmalarının etkileyici gücünü belirledi. Bosch Sanatı, Hollanda toplumu, 15. yüzyılın sonlarında sosyal çatışmaların büyümesi bağlamında ele geçiren kriz hissini yansıtıyordu. Şu anda, eski Hollanda şehirleri (Bruges, tente) dar yerel ekonomik düzenlemeyle ilişkili eski güçlerini kaybetti, kültürleri beslendi.

Romanesk ve Alman kökeninin çeşitli zarflarında konuşulan etnik, ekonomik ve politik ilişkilerde, bu iller ve şehirleri, 16. yüzyılın sonuna kadar tek bir ulusal devlet yaratmadı. Hızlı ekonomik kaldırma ile birlikte, serbest ticaret ve zanaat şehirlerinin demokratik hareketi ve ulusal öz-bilincin uyanışı, İtalyan canlanmasına benzer birçok şekilde kültürü açar. Yeni sanat ve kültürün ana merkezleri, Flanders ve Brabant'ın güney illerinin zengin şehirleri (Bruges, Ghent, Brüksel, Turna, daha sonra Antwerp) idi. Şehir burger kültürü, başlıca pratiklik kültüyle birlikte, buraya prenserin muhteşem kültürünün yanında gelişti, Fransızca bordo toprağında büyüdü. Bu nedenle, Kuzey Avrupa Sanat Okulları arasındaki baskın bir yerin 15. yüzyılın sürdüğü şaşırtıcı değildir. Hollanda Boyama: Sanatçılar Yang van Eyk, Robert Campen, IOS van Gent, Rogir van der Wayden, Dirk Bautz, Jerome Bosch, Albert Owater, Hugo Van der Gus, Petrus Cristus Hans Memling, Jacques Daré, Gertgen, Sint-Jan ve diğer ressamlar (metinde daha fazla bakınız).

Hollanda'nın tarihsel gelişiminin özellikleri, tuhaf bir sanat rengine yol açtı. Feodal vakıflar ve gelenekler, 16. yüzyılın sonuna kadar burada zulmediler, ancak sınıf kapanmasını ihlal eden kapitalist tutumun ortaya çıkmasına rağmen, insan kişinin gerçekleşmeye başladığı gerçek yere göre değerlendirilmesinde bir değişikliğe yol açtı. hayatta işgal. Hollandalı şehirler, şehir komünelerinin İtalya'da olduğu politik bağımsızlığı kazanmadı. Aynı zamanda, sektörün köye sürekli hareketi sayesinde, Hollanda'da kapitalist kalkınma, toplumun daha derin rezervuarlarını ele geçirerek, daha fazla ulusal birliğin ortaya çıkması ve bazı sosyal grupları kendileri aralarında bağlanan kurumsal ruhu güçlendiren. Kurtuluş hareketi şehirlerle sınırlı değildi. İçindeki belirleyici savaş kuvveti köylülüğdü. Feodalizmle mücadele şimdi daha akut formlar aldı. 16. yüzyılın sonunda, güçlü reformasyon hareketine girdi ve burjuva devriminin zaferiyle sona erdi.

Hollanda, İtalyancadan daha demokratik bir karakter kazandı. Folklor, kurgu, grotesk, akut hicivin güçlü özellikleridir, ancak asıl özelliği, hayatın bir uyruğu, halk kültürü, yaşam, ahlak, türlerin, insanların hayatındaki sosyal kontrastların gösterilmesinin derin bir anlamıdır. toplumun çeşitli sektörleri. Toplumun sosyal çelişkileri, düşmanlık ve şiddet krallığı, rakip güçlerin çeşitliliği, onun açıklığının farkındalığını arttırdı. Dolayısıyla, Hollanda Rönesansının eleştirel eğilimleri, en anlamlı ve bazen trajik groteskinin sanat ve edebiyatındaki trajik grotesk, genellikle şaka maskesi altında saklanıyor ", böylece bir gülümsemeyle konuşan kralların gerçeği" (Erasmus Rotterdamsky) (Erasmus Rotterdamsky. "Gözselciğer Sözsüz"). Hollanda'nın sanatsal kültürünün bir başka özelliği, Hollanda'nın doğasını 15-16 yüzyılın gerçekçiliğini belirleyen ortaçağ geleneklerinin sürdürülebilirliği. Tüm yeni insanlar, uzun süre açılan, yeni görüşler bağımsız olarak gelişme yeteneğini sınırlayan, ancak aynı zamanda bu sistemde yer alan değerli unsurları özümsemek zorunda kaldığında, aynı zamanda, eski ortaçağ görüntüleme sistemine başvurdu.

Kesin bilimler, antik miras ve İtalyan canlanmasına olan ilgi, zaten 15. yüzyılda Hollanda'da kendini gösterdi. 16. yüzyılda, "sözler" (1500) 'nin yardımıyla, Rotterdam'ın ERAZMA'sı "gizemi" eruditleri kırdı ve yaşamın, özgürlük ve antika bilgeliğin, "başlatılmamış ". Bununla birlikte, sanatta, eski mirasın ve Rönesans'ın İtalyanlarının başarılarına atıfta bulunarak Hollanda sanatçıları yola çıktı. Sezgi, doğanın imajına bilimsel bir yaklaşımın yerini aldı. Gerçekçi sanatın temel problemlerinin gelişmesi, insan figürünün oranlarının, mekan, hacim, vb. İnşaatı, spesifik bireysel fenomenlerin akut doğrudan gözlemlenmesiyle elde edildi. Bunda, Hollanda sihirbazları, bir yandan üstesinden gelinmiş ve diğer yandan, imajın bilinçli, amaçlı genelleştirilmesine yönelik, bireysel özelliklerin komplikasyonları için yeniden düşünülmüş ve geliştirilmiş olan ulusal Gotik geleneklerden idi. Hollanda sanatının bu yönde elde ettiği başarılar, 17. yüzyıl gerçekçilerinin başarılarını hazırladı.

İtalyan'dan farklı olarak, Hollanda Rönesans Sanatı, mükemmel insan-titanyumun resminin sonsuz egemenliğinin onayına girmedi. Orta Çağ'da olduğu gibi, bir kişi Hollanda'nın, karmaşık manevi olarak tamsayı içine dokunmuş, evrenin ayrılmaz bir parçası gibi görünüyordu. Bir kişinin Rönesans özü, yalnızca evrenin birden fazla fenomen arasından en büyük değer olarak kabul edildiğinden belirlenmiştir. Hollanda Sanatı için, dünyanın yeni, gerçekçi bir vizyonu karakterize edilir, gerçekliğin sanatsal değerinin onayı, bir kişinin ve çevresinin organik iletişiminin ifadesi, insan doğası ve çevresinin organik iletişiminin ifadesidir. hayat vermek. Bir kişinin imajında, sanatçılar, sıradan ve manevi yaşamın karakteristik ve özel, alanıyla ilgileniyor; 15. yüzyılın Hollanda ressamlarını, insanların bireyselliklerinin çeşitliliği, tükenmez doğanın çeşitliliği, maddi çeşitliliği, her gün şiirini, görünmez, ancak şeylerin şiirini, oblivyonun rahatlığını hissedin. iç mekanlar. Dünyayı algısının bu özellikleri, Hollanda resimlerinde kendilerini ve yerli türde, portre, iç mekan, manzara 15 ve 16 yüzyıl çizelgesinde kendini gösteriyor. Hollanda'nın detayları, görüntülerinin özellikleri, anlatımlarının özellikleri, ruh hallerinin transferindeki incelemelerinin özellikleri ve aynı zamanda, uzamsal sonsuzluğu ile evrenin bütünsel bir resmini yeniden üretme yeteneğinin çarpıcı yeteneğini buldular.

Yeni eğilimler çeşitli sanat türlerinde düzensiz bir şekilde kendini göstermiştir. Gotik tarzın bir parçası olarak gelişen 16. yüzyıla kadar mimari ve heykel. 15. yüzyılın ilk üçte biri sanatında işlenen kırılma, en tamamen etkilenen resim. En büyük başarı, romantizm kiliselerinin duvar resimlerini ve Gotik vitrin camlarının değiştirilmesine gelen Batı Avrupa'daki bir makine resminin ortaya çıkmasıyla ilişkilidir. Dini konularda makine resimleri aslında aslında simge boyaması eserleridir. Müjde ve İncil grafiği olan boyalı klasörler şeklinde, kiliseleri sunakları dekore ettiler. Yavaş yavaş, sunak kompozisyonları laik hikayeler içermeye başladı, daha sonra bağımsız bir anlam aldı. İkon kapağından ayrılan cam resim, zengin ve aristokrat evlerin iç mekanlarına ait bir integrale dönüşmüştür.

Hollanda Sanatçılar için, sanatsal ifadelerin ana vasıtası - rengin, görsel görüntülerini, renkli servetlerinde sınırlayıcı t sağgufu ile yeniden oluşturma olanaklarını açar. Hollanda, nesneler arasındaki en iyi farklılıklardan kaçtı, malzemelerin dokusunu, optik etkiler - metal parlaklığı, cam şeffaflığı, aynanın yansıması, yansıyan ve dağınık ışığın yansımasının özellikleri, mesafenin hava atmosferinin izlenimi sahne mesafesinde. Gotik vitray pencerelerinde olduğu gibi, geleneği dünyanın resimsel algısının gelişiminde önemli bir rol oynadığı gibi, renk, görüntünün duygusal doygunluğunu iletmenin ana yolu olarak görev yaptı. Gerçekçiliğin gelişmesi, tempera'dan Hollanda'daki yağ boyasına geçişe neden oldu, bu da dünyanın önemsizliğini daha yanlış.

Ortaçağlarda bilinen yağlıboya tekniğinin geliştirilmesi, yeni kompozisyonların gelişimi Jan van Eyka'ya bağlanır. Şövale boyamasındaki yağlı boya ve reçineli maddelerin kullanımı, köpüklenme ve beyaz veya kırmızı tebeşir toprak vurgulu, beyaz veya kırmızı tebeşirle birlikte, parlak renklerin derinlik ve saflığı, genişletilmiş boyama yetenekleri - renkte servet ve çeşitlilik elde etmesine izin verilen , tiner ton geçişleri. Boyama Boyama Yana Van Eyka ve onun yöntemi, İtalya, Fransa, Almanya ve diğer ülkelerin sanatçılarının uygulamasında 15-16 yüzyıllarda neredeyse değişmeden yaşamaya devam etti.