Modern insanlara klasisizm sanatına yakın olan şey. Resimde Klasisizm

Klasisizm, 17. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarında Avrupa kültürünün yönüdür. Adı, "örnek" anlamına gelen Latince classicus kelimesinden gelir. Klasisizmin ayırt edici bir özelliği, kesinlikle uyulması gereken, kesinlikle gelişmiş bir sanatsal normlar sistemi olarak kabul edilir, yaratıcı hayal gücünün tezahürü kabul edilemez olarak kabul edildi. Klasisizm fikirleri kültürel yaşamın tüm alanlarında mevcuttu. Sanatta, edebiyatta, resimde, mimaride, müzikte klasisizmin evrensel uyumu ifade etmesi gerekiyordu.

Klasisizmin temel ilkeleri, Nicolas Boileau'nun (1674'te Fransa) incelemesinde formüle edildi. İçinde, edebi yaratıcılığa dayatılan bir dizi sanatsal gereksinimi ikna edici bir şekilde doğruladı. Dramatik çalışmaların katı bir şekilde sürdürülmesi gerekiyordu.Mekanın birliği, olayların gerçekleştiği sabit bir alanı, zamanın birliğini - belirli, sınırlı bir zaman periyodunu, eylemin birliğini - bir merkezi olay örgüsünü ima eder.

Ayrıca, F. Fenelon ve M.V. Lomonosov'a göre, edebiyattaki klasisizm temsilcilerinin katı bir tür ve stil hiyerarşisini gözlemlemesi gerekiyor. "Yüksek Sakin" - yüce kelime hazinesi, türler: odes, kahramanca şiirler. "Ortalama Sakin" - ağıtlar, hiciv eserleri, dramalar. "Düşük Sakin" - özel ve günlük yaşam, türler: masallar, komediler, mektuplar. yasaktı. 19. yüzyılın başlarında, klasisizm, duygusallık ve romantizm gibi stiller tarafından kaideden atılmaya başlandı. Şiddet ve netlik arayışı durdu.

Rusya'da klasisizm sadece 18. yüzyılın başında ortaya çıktı. Gelişiminin itici gücü, aynı zamanda Trediakovski'nin reformu olan Lomonosov'un "Üç Sakin" teorisiydi. Rusya'daki klasisizmin en ünlü temsilcileri: Denis Ivanovich Fonvizin (komedi), Antakya Dmitrievich Kantemir (hiciv), Gabriel Romanovich Derzhavin ve Mikhail Vasilyevich Lomonosov (ode), Ivan Ivanovich Khemnitser ve Alexander Petrovich Sumarokov (masal). O zamanlar toplumun temel sorunu güç sorunuydu, bu nedenle Rus klasisizminin Batı klasisizminin aksine kendine özgü yönleri var. Hiçbir imparator yasal olarak iktidara gelmediği için, entrikalar, saray darbeleri, hükümdarın saraylıların ve halkın beklentileriyle uyuşmaması sorunu acildi. Rus klasisizmine yansıyan bu problemler.

Müzikte klasisizm temsilcileri, örneğin, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, sonsuza dek dünya tarihine girdi. Çalışmaları, daha fazla müzik kompozisyonunun geliştirilmesi için bir referans noktası oldu. Müzik eserleri daha net bir yapıya sahip olmaya başladı, tek parçanın tüm parçaları dengelendi.

Klasisizm, mimarlık gibi bir kültür dalını güçlü bir şekilde etkiledi. Antik formlar kullanılmış, Yunan ve Roma motifleri görülebilmektedir. Pastel tonları hakimdir. Rusya'da, Rus barok karışımı da çok dikkat çekicidir. Rus mimarisinde klasisizm temsilcileri: Kazakov, Eropkin, Zemtsov, Korobov, Rossi, Stasov, Montferrand.

Kural olarak, formların düzgünlüğünü vurgular ve formun ana unsurları çizgi ve chiaroscuro'dur. N. Poussin ve C. Lorrain en iyi ressamlardan bazıları olarak kabul edilmektedir. Poussin, kahramanca eylemleri ve hikayeleri tarihsel bir tarzda tasvir eden şaheserler yarattı. Lorrain, sırayla, insan ve doğa arasındaki bağlantının farkedildiği, etkileşimlerinin uyumu olan manzaralarla uğraştı. Rus resminde klasisizm temsilcileri: konunun eşsiz ustası A.P. Losenko, öğrencileri (I. A. Akimov, P. I. Sokolov ve diğerleri).

KLASİKİZM (Latin classicus'tan - örnek), 17. - 19. yüzyılın başlarında edebiyat, mimari ve sanatta stil ve sanatsal yön, klasisizm art arda Rönesans ile ilişkilendirilir; barok ile birlikte 17. yüzyıl kültüründe önemli bir yer işgal etti; Aydınlanma döneminde gelişimini sürdürmüştür. Klasisizmin kökeni ve yayılması, mutlak monarşinin güçlendirilmesiyle, R. Descartes felsefesinin etkisiyle, kesin bilimlerin gelişmesiyle ilişkilidir. Klasisizmin rasyonalist estetiğinin kalbinde, sanatsal ifadenin (büyük ölçüde Rönesans estetiğinden alınmıştır) dengesi, netliği ve tutarlılığı için çaba vardır; Tarihsel değişimlere tabi olmayan, beceri, beceri olarak yorumlanan ve kendiliğinden ilhamın veya kendini ifade etmenin bir tezahürü olmayan sanatsal yaratımın evrensel ve ebedi kurallarının varlığına inanç.

Yaratıcılık fikrini, Aristoteles'e kadar uzanan bir doğanın taklidi olarak algılayan klasikçiler, doğayı, eski ustaların ve yazarların eserlerinde zaten somutlaşan ideal bir norm olarak anladılar: "güzel doğaya" yönelim, sanatın değişmez yasalarına göre dönüştürüldüğü ve düzenlendiği, böylece antik tasarımların taklidi ve hatta onlarla rekabet ettiği varsayılmıştır. Sanat fikrini, "güzel", "uygun" vb. Ebedi kategorilere dayanan rasyonel bir etkinlik olarak geliştirmek, klasisizm, estetiğin genelleştirici bir güzellik bilimi olarak ortaya çıkmasına diğer sanatsal yönlerden daha fazla katkıda bulunmuştur.

Klasisizmin merkezi kavramı - inandırıcılık - ampirik gerçekliğin doğru bir şekilde yeniden üretilmesini ima etmedi: dünya olduğu gibi değil, olması gerektiği gibi yeniden yaratıldı. Evrensel normun özel, tesadüfi, somut her şeye "nedeniyle" tercih edilmesi, kişisel ve özel her şeyin tartışılmaz devlet iktidarının iradesine tabi olduğu klasisizm tarafından ifade edilen mutlakiyetçi bir devletin ideolojisine karşılık gelir. Klasikçi somut, tek bir kişiyi değil, evrensel, tarih dışı bir ahlaki çatışma durumundaki soyut bir kişiyi tasvir etti; dolayısıyla klasikçilerin dünya ve insan hakkında evrensel bilginin somutlaşmışı olarak antik mitolojiye yönelimi. Klasisizmin etik ideali, bir yandan kişisel olanın genele tabi kılınmasını, tutkuların - görev, akıl, yaşamın iniş çıkışlarına karşı direnişi; Öte yandan, duyguların ifadesinde kısıtlama, ölçüye uyma, uygunluk, memnun etme yeteneği.

Klasisizm, yaratıcılığı kesinlikle tür tarzı hiyerarşinin kurallarına tabi tuttu. "Yüksek" (örneğin, edebiyatta epik, trajedi, kaside - resimde tarihi, dini, mitolojik tür, portre -) ve "düşük" (hiciv, komedi, masal; resimde natürmort) türleri arasında bir ayrım yapıldı. belirli bir stile, temalar ve kahramanlar çemberine karşılık gelen; trajik olanla komik olanın, yüce olanla alçak olanın, kahramanca olanla sıradan olanın net bir sınırı çizilmişti.

18. yüzyılın ortalarından itibaren, klasisizmin yerini yavaş yavaş yeni eğilimler aldı - duygusallık, romantizm öncesi, romantizm. 19. yüzyılın sonlarında - 20. yüzyılın başlarında klasisizm gelenekleri neoklasizmde yeniden canlandırıldı.

Klasikler (örnek yazarlar) kavramına dayanan "klasisizm" terimi, ilk olarak 1818 yılında İtalyan eleştirmen G. Visconti tarafından kullanılmıştır. Klasikçiler ve romantikler arasındaki polemiklerde yaygın olarak kullanıldı ve romantikler arasında (J. de Stael, V. Hugo, vb.) olumsuz bir çağrışım vardı: antik çağı taklit eden klasisizm ve klasikler, yenilikçi romantik edebiyata karşıydı. Edebi eleştiri ve sanat tarihinde, kültürel-tarihi ekol bilim adamlarının ve G. Wölflin'in çalışmalarından sonra "klasisizm" kavramı aktif olarak kullanılmaya başlandı.

17-18. yüzyılın klasisizmine benzer üslup eğilimleri, diğer dönemlerde bazı bilim adamları tarafından görülür; Bu durumda, "klasisizm" kavramı, sanat ve edebiyat tarihinin çeşitli aşamalarında (örneğin, "antik klasisizm", "rönesans klasisizmi") periyodik olarak güncellenen stilistik bir sabiti ifade eden geniş anlamda yorumlanır.

N.T. Pakhsaryan.

Edebiyat... Edebi klasisizmin kökenleri, normatif poetikada (J. Ts. Scaliger, L. Castelvetro ve diğerleri) ve bir tür sisteminin yaratıldığı, dilbilimsel stiller sistemiyle ilişkilendirildiği ve antik döneme odaklandığı 16. yüzyılın İtalyan edebiyatındadır. örnekler. Klasisizmin en yüksek çiçeklenmesi, 17. yüzyılın Fransız edebiyatı ile ilişkilidir. Klasisizm poetikasının kurucusu, edebi dilin düzenlenmesini canlı konuşma dili temelinde gerçekleştiren F. Mahlerb'di; gerçekleştirdiği reform Fransız Akademisi tarafından pekiştirildi. En eksiksiz biçimde, edebi klasisizm ilkeleri, çağdaşlarının sanatsal pratiğini genelleştiren N. Boileau'nun (1674) "Şiirsel Sanat" adlı incelemesinde ortaya kondu.

Klasisist yazarlar, edebiyatı kelimelere tercüme etmenin ve okuyucuya doğanın ve aklın gereklerini “eğlendirirken öğretme”nin bir yolu olarak aktarmanın önemli bir görevi olarak görürler. Klasisizm edebiyatı, önemli düşünceyi, anlamı açıkça ifade etmeye çalışır ("... anlam her zaman benim yaratımımda yaşar" - F. von Logau), üslupsal karmaşıklığı, retorik süslemeleri reddeder. Klasikçiler, laf kalabalığı yerine vecizliği, basitliği ve açıklığı mecazi karmaşıklığa ve abartılı olanı aşırıya kaçmaya tercih ettiler. Ancak yerleşik normları takip etmek, klasikçilerin bilgiçliği teşvik ettiği ve sanatsal sezginin rolünü görmezden geldiği anlamına gelmiyordu. Her ne kadar kurallar klasikçilere yaratıcı özgürlüğü aklın sınırları içinde tutmanın bir yolu olarak sunulsa da, onlar sezgisel içgörünün, uygun ve sanatsal olarak etkiliyse kurallardan sapma yeteneğini bağışlamanın önemini anladılar.

Klasisizmdeki karakterlerin karakterleri, evrensel evrensel insan türlerine dönüşmelerine katkıda bulunan bir baskın özelliğin tahsisine dayanır. Favori çarpışmalar - görev ve duygu çatışması, akıl ve tutku arasındaki mücadele. Klasikçilerin eserlerinin merkezinde kahraman bir kişilik ve aynı zamanda kendi tutkularını ve duygularını stokça yenmeye, onları frenlemeye ya da en azından gerçekleştirmeye çalışan iyi yetiştirilmiş bir kişi (J. . Yarış). Kartezyen "Düşünüyorum, öyleyse varım" klasisizm karakterlerinin bakış açısında sadece felsefi ve entelektüel değil, aynı zamanda etik bir ilke rolünü oynar.

Edebi teori, klasisizm üzerine kuruludur - hiyerarşik bir türler sistemi; "yüksek" ve "düşük" kahramanların farklı eserlerde, hatta sanatsal dünyalarda analitik olarak yetiştirilmesi, "düşük" türleri yüceltme arzusuyla birleştirilir; örneğin, kaba burlesk hicivinden, komediden gülünç özelliklerden kurtulmak için (Moliere'in "yüksek komedisi").

Klasisizm literatüründe ana yer, üç birliğin kuralına dayanan bir drama tarafından işgal edildi (bkz. Üç birlik teorisi). Önde gelen türü, en yüksek başarıları P. Corneille ve J. Racine'in eserleri olan trajediydi; ilkinde trajedi kahramanca bir karaktere bürünür, ikincisinde ise lirik bir karaktere bürünür. Diğer "yüksek" türler edebi süreçte çok daha küçük bir rol oynar (J. Chaplain'in epik bir şiir türündeki başarısız deneyimi daha sonra Voltaire tarafından parodi edildi; ciddi kasideler F. Malerbes ve N. Boileau tarafından yazılmıştır). Aynı zamanda, "düşük" türler önemli bir gelişme geçiriyor: kahramanca şiir ve hiciv (M. Rainier, Boileau), masal (J. de La Fontaine) ve komedi. Küçük didaktik nesir türleri yetiştirilir - aforizmalar (özdeyişler), “karakterler” (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de La Bruyere); hitabet düzyazısı (J. B. Bossuet). Klasisizm teorisi, romanı ciddi eleştirel düşünmeye değer türler sistemine dahil etmese de, MM Lafayette'in psikolojik başyapıtı The Princess of Cleves (1678) klasisist bir roman örneği olarak kabul edilir.

17. yüzyılın sonunda, edebi klasisizmde bir düşüş vardı, ancak 18. yüzyılda antik çağa olan arkeolojik ilgi, Herculaneum, Pompey kazıları, I.I. Yeni klasisizmin ana temsilcisi, çalışmalarında rasyonalizm ve akıl kültü, artık mutlakiyetçi devlet normlarını değil, bireyin kilise ve devletin iddialarından kurtulma hakkını haklı çıkarmaya hizmet eden Voltaire'di. Dönemin diğer edebi hareketleriyle aktif olarak etkileşime giren eğitimsel klasisizm, "kurallara" değil, halkın "aydınlanmış beğenisine" dayanır. Antik çağa başvurmak, A. Chénier'in şiirinde 18. yüzyıl Fransız Devrimi'nin kahramanlıklarını ifade etmenin bir yolu haline gelir.

17. yüzyılda Fransa'da klasisizm, güçlü ve tutarlı bir sanatsal sistem haline geldi ve barok edebiyat üzerinde gözle görülür bir etkisi oldu. Almanya'da, diğer Avrupa edebiyatlarına (M. Opitz) layık "doğru" ve "mükemmel" bir şiir okulu yaratmak için bilinçli bir kültürel çaba olarak ortaya çıkan klasisizm, tam tersine, üslubu olan Barok tarafından boğuldu. Otuz Yıl Savaşlarının trajik dönemiyle daha uyumluydu; IK Gotsched'in 1730'larda ve 40'larda Alman edebiyatını klasikçi kanonlar yolunda yönlendirmeye yönelik gecikmiş girişimi şiddetli tartışmalara neden oldu ve genellikle reddedildi. Bağımsız bir estetik fenomen, J.W. Goethe ve F. Schiller'in Weimar klasisizmidir. Büyük Britanya'da, erken klasisizm J. Dryden'ın eserleriyle ilişkilidir; daha da geliştirilmesi, Aydınlanma'nın ana akımında ilerledi (A. Pope, S. Johnson). 17. yüzyılın sonunda, İtalya'da klasisizm Rokoko ile paralel olarak var oldu ve bazen onunla iç içe geçti (örneğin, Arcadia şairlerinin eserlerinde - A. Zeno, P. Metastasio, P. Ya. Martello, S. Maffei ); aydınlanma klasisizmi, V. Alfieri'nin çalışmasıyla temsil edilir.

Rusya'da klasisizm, Batı Avrupa klasisizmi ve Aydınlanma fikirlerinin etkisi altında 1730'lar-1750'lerde kuruldu; aynı zamanda, barok ile bir bağlantı açıkça izlenir. Rus klasisizminin ayırt edici özellikleri, didaktizm, suçlayıcı, sosyo-eleştirel yönelim, ulusal-vatansever pathos, halk sanatına güven olarak telaffuz edilir. Klasisizmin ilk ilkelerinden biri, A.D. Kantemir tarafından Rus toprağına aktarıldı. Hicivinde I. Boileau'yu takip etti, ancak insan kusurlarının genelleştirilmiş görüntülerini yaratarak onları yerel gerçekliğe uyarladı. Kantemir, Rus edebiyatına yeni şiirsel türler getirdi: mezmurların, fablların, bir kahramanlık şiirinin transkripsiyonu (Petrida, bitmedi). Klasik övgüye değer bir övgünün ilk örneği, teorik bir “Genel olarak bir gazel üzerine Söylem” ile eşlik eden VK Trediakovsky (“Gdansk şehrinin teslim olmasına ciddi bir övgü”, 1734) tarafından yaratıldı (her ikisi de Boileau'yu takip etti) . MV Lomonosov'un kasideleri, Barok'un poetikasının etkisiyle işaretlenir. En eksiksiz ve tutarlı Rus klasisizmi, A.P. Sumarokov'un çalışmasıyla temsil edilir. Boileau'nun incelemesini taklit ederek yazılan Şiir Üzerine Mektup'ta (1747) klasikçi doktrinin ana hükümlerini ana hatlarıyla belirten Sumarokov, eserlerinde onları takip etmeye çalıştı: 17. yüzyılın Fransız klasikçilerinin eserlerine ve Voltaire'in dramaturjisine odaklanan trajediler, ama esas olarak ulusal tarihin olaylarına odaklandı; kısmen - modeli Moliere'nin eseri olan komedilerde; satirlerde ve ona "kuzey Lafontaine" şanını getiren masallarda. Ayrıca Boileau tarafından belirtilmeyen, ancak Sumarokov'un kendisi tarafından şiirsel türler listesine dahil edilen bir şarkı türü geliştirdi. 18. yüzyılın sonuna kadar, Lomonosov tarafından 1757'de toplanan eserlerin önsözünde önerilen türlerin sınıflandırılması - "Rus Dilinde Kilise Kitaplarının Kullanımı Üzerine" konuşması; orta ile - trajedi, hiciv, ağıt, eklog; düşük - komedi, şarkı, epigram. Kahramanlık şiirinin bir örneği V. I. Maikov (Elisha veya Irritated Bacchus, 1771) tarafından yaratıldı. İlk tamamlanan kahramanlık destanı MM Kheraskov'un Rossiada'sı (1779) idi. 18. yüzyılın sonunda, klasik tiyatronun ilkeleri N.P. Nikolev, Y.B. Knyazhnin, V.V. Kapnist'in eserlerinde kendini gösterdi. 18-19 yüzyılların başında, klasisizmin yerini yavaş yavaş romantizm öncesi ve duygusallıkla ilişkili edebi gelişimdeki yeni eğilimler alıyor, ancak etkisini bir süre koruyor. Gelenekleri 1800'lerde-1920'lerde şair-Radishchevites (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), edebi eleştiride (A. F. Merzlyakov), edebi ve estetik programda ve tür-üslup pratiğinde izlenebilir. AS Puşkin'in ilk eserlerinde Decembrist şairler.

AP Losenko. "Vladimir ve Rogneda". 1770. Rus Müzesi (St. Petersburg).

N.T. Pakhsaryan; T. G. Yurchenko (Rusya'da klasisizm).

Mimarlık ve güzel sanatlar. Avrupa sanatında klasisizm eğilimleri, 16. yüzyılın ikinci yarısında İtalya'da zaten ana hatlarıyla belirtilmişti - A. Palladio'nun mimari teorisi ve pratiğinde, G. da Vignola, S. Serlio'nun teorik incelemelerinde; daha tutarlı bir şekilde - J.P. Bellory'nin (17. yüzyıl) eserlerinde ve Bologna okulunun akademisyenlerinin estetik standartlarında. Ancak, 17. yüzyılda, barok ile akut polemik etkileşimi içinde gelişen klasisizm, yalnızca Fransız sanat kültüründe entegre bir üslup sistemi haline geldi. Ağırlıklı olarak Fransa'da, ortak bir Avrupa tarzı haline gelen 18. - 19. yüzyılın başlarında klasisizm de kuruldu (ikincisi genellikle yabancı sanat tarihinde neoklasizm olarak adlandırılır). Klasisizm estetiğinin altında yatan rasyonalizm ilkeleri, bir sanat eserinin, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan, akıl ve mantığın bir ürünü olduğu görüşünü belirledi. Makul bir başlangıca yönelim, kalıcı modellere yönelim, klasisizm estetiğinin gereksinimlerinin normatifliğini, sanatsal kuralların düzenlenmesini, görsel sanatlarda katı bir tür hiyerarşisini de belirledi ("yüksek" tür, mitolojik ve tarihi konulardaki çalışmaları içerir, ayrıca “ideal manzara” ve tören portresi; düşük "- natürmort, tür vb.). Klasisizmin teorik doktrinlerinin pekiştirilmesi, Paris'te kurulan kraliyet akademilerinin - resim ve heykel (1648) ve mimari (1671) faaliyetleriyle kolaylaştırıldı.

Dramatik form çatışması, hacim ve mekansal çevrenin enerjik etkileşimi ile barok mimarisinin aksine, klasisizm mimarisi, hem bireysel bir yapının hem de bir topluluğun uyum ve iç bütünlük ilkesine dayanır. Bu üslubun karakteristik özellikleri, bütünün netliği ve birliği, simetri ve denge, sakin ve ciddi bir ritim yaratan plastik formların ve mekansal aralıkların kesinliği; çoklu tamsayı oranlarına dayalı orantı sistemi (şekillendirme modellerini belirleyen tek bir modül). Klasisizm ustalarının antik mimarinin mirasına sürekli çekiciliği, yalnızca bireysel motiflerinin ve unsurlarının kullanılması değil, aynı zamanda arkitektonik genel yasalarının anlaşılması anlamına da geliyordu. Klasisizmin mimari dilinin temeli, önceki dönemlerin mimarisine göre antik çağa daha yakın oranlarda ve formlarda mimari düzendi; binalarda, binanın genel yapısını karartmayacak, ancak onun incelikli ve ölçülü eşlikçisi olacak şekilde kullanılır. Klasisizmin iç mekanları, mekansal bölünmelerin netliği, renklerin yumuşaklığı ile karakterizedir. Anıtsal ve dekoratif resimde perspektif efektlerini yaygın olarak kullanan klasisizm ustaları, yanıltıcı alanı temelde ayırdı.

Klasisizm mimarisinde önemli bir yer, kentsel planlama sorunlarına aittir. "İdeal şehirler" projeleri geliştiriliyor ve yeni bir tür düzenli mutlakiyetçi şehir ikametgahı (Versailles) yaratılıyor. Klasisizm, kararlarının temelinde bir kişiyle orantılılık ilkesini ve aynı zamanda mimari görüntüye kahramanca yükseltilmiş bir ses veren ölçek koyarak, antik çağ ve Rönesans geleneklerini sürdürmeye çalışır. Ve saray dekorunun retorik ihtişamı bu baskın eğilimle çelişse de, klasisizmin istikrarlı figüratif yapısı, tarihsel gelişim sürecinde değişiklikleri ne kadar çeşitli olursa olsun, üslup birliğini korur.

Fransız mimarisinde klasisizmin oluşumu, J. Lemercier ve F. Mansart'ın eserleri ile ilişkilidir. Yapıların görünümü ve yapım teknikleri ilk bakışta 16. yüzyıl kalelerinin mimarisini andırır; L. Levo'nun çalışmalarında belirleyici bir dönüm noktası meydana geldi - her şeyden önce, Vaux-le-Vicomte'nin saray ve park topluluğunun yaratılmasında, sarayın kendisinin ciddi bir kuşatması, C. Lebrun'un etkileyici tabloları ve yeni ilkelerin en karakteristik ifadesi - A. Le Nôtre'nin düzenli parter parkı. Louvre'un doğu cephesi (1660'lardan beri) C. Perrault'un planına göre (J.L. Bernini ve diğerlerinin Barok projelerinin reddedilmiş olması karakteristiktir) uygulandı, klasisizm mimarisinin programatik çalışması haline geldi. 1660'larda, L. Levo, A. Le Nôtre ve C. Lebrun, klasisizm fikirlerinin belirli bir eksiksizlikle ifade edildiği Versailles topluluğunu yaratmaya başladı. 1678'den itibaren Versay'ın inşası J. Hardouin-Mansart tarafından denetlendi; tasarımlarına göre, saray önemli ölçüde genişletildi (kanatlar eklendi), merkezi teras, iç mekanın en temsili kısmı olan Ayna Galerisi'ne dönüştürüldü. Ayrıca Grand Trianon Sarayı ve diğer yapıları inşa etti. Versailles topluluğu ender bir üslup bütünlüğüne sahiptir: fıskiyelerin jetleri bile bir sütun gibi statik bir formda birleştirildi ve ağaçlar ve çalılar geometrik şekiller şeklinde budandı. Topluluğun sembolizmi, "güneş kralı" Louis XIV'in yüceltilmesine tabidir, ancak sanatsal ve mecazi temeli, doğanın unsurlarını güçlü bir şekilde dönüştüren aklın tanrılaştırılmasıydı. Aynı zamanda, iç mekanların vurgulanan dekoratifliği, Versailles ile ilgili olarak stilistik “barok klasisizm” teriminin kullanımını haklı çıkarmaktadır.

17. yüzyılın ikinci yarısında, kentsel gelişimin doğal çevre unsurlarıyla organik bir şekilde birleştirilmesini, sokak veya set ile mekansal olarak birleşen açık alanların yaratılmasını, temel unsurların toplu çözümlerini sağlayan yeni planlama teknikleri geliştirildi. kentsel yapı (Louis the Great Square, şimdi Vendôme ve Zafer Meydanı; tümü J. Hardouin-Mansart tarafından yapılan Invalids Evi'nin mimari topluluğu), zafer giriş kemerleri (NF Blondel tarafından tasarlanan Saint-Denis kapıları; tümü Paris'te) ).

18. yüzyılda Fransa'da klasisizm gelenekleri neredeyse hiç kesintiye uğramadı, ancak yüzyılın 1. yarısında Rokoko tarzı hakim oldu. 18. yüzyılın ortalarında, klasisizm ilkeleri, Aydınlanma estetiğinin ruhunda dönüştürülmüştür. Mimaride, "doğallığa" itiraz, iç mekanda kompozisyonun düzen unsurlarının yapıcı bir şekilde gerekçelendirilmesi gerekliliğini ortaya koydu - konforlu bir konut binasının esnek bir düzenini geliştirme ihtiyacı. Peyzaj (bahçe ve park) ortamı ev için ideal ortam haline geldi. Yunan ve Roma antikitesi (Herculaneum, Pompey, vb. kazıları) hakkındaki bilgilerin hızlı gelişimi, 18. yüzyılın klasisizmi üzerinde büyük bir etkiye sahipti; Klasisizm teorisine katkılar I.I.Vinkelmann, I.V. Goethe, F. Milizia'nın çalışmalarıyla yapılmıştır. 18. yüzyılın Fransız klasisizminde, yeni mimari tipler tanımlandı: son derece samimi bir konak ("otel"), törensel bir kamu binası, şehrin ana caddelerini birbirine bağlayan açık bir meydan (Place Louis XV, şimdi Place de la Concorde). , Paris'te mimar JA Gabriel; ayrıca formların uyumlu netliğini çizimin lirik karmaşıklığı ile birleştirerek Versailles Park'ta Les Trianon Sarayı'nı inşa etti). J. J. Soufflot, Paris'teki Sainte-Genevieve Kilisesi projesini klasik mimari deneyimine dayanarak gerçekleştirdi.

18. yüzyıl Fransız Devrimi'nden önceki çağda, sade bir sadelik arayışı, yeni, düzensiz bir mimarinin (C.N. Ledoux, E.L. Bullet, J.J. Lekeu) anıtsal geometrisi için cesur bir arayış, mimaride kendini gösterdi. Bu arayışlar (aynı zamanda GB Piranesi'nin mimari gravürlerinin etkisiyle de işaretlenmiştir), klasisizmin geç aşaması için bir başlangıç ​​noktası olarak hizmet etti - muhteşem bir temsiliyetin büyüdüğü Fransız İmparatorluk tarzı (19. yüzyılın 1. üçte biri) (C. Persier, PFL Fontaine, J.F. Chalgren).

17. ve 18. yüzyılların İngiliz Palladyanizmi, birçok yönden klasisizm sistemiyle ilgilidir ve çoğu zaman onunla birleşir. Klasiklere yönelim (sadece A. Palladio'nun fikirlerine değil, aynı zamanda antik çağa da), plastik olarak açık motiflerin katı ve kısıtlı ifadesi I. Jones'un çalışmasında mevcuttur. 1666'daki "Büyük Yangından" sonra, K. Wren Londra'daki en büyük binayı - St. Paul Katedrali'ni ve 50'den fazla bölge kilisesini, Oxford'da eski kararların etkisiyle işaretlenmiş bir dizi binayı inşa etti. Bath (J. Wood the Elder ve J. Wood the Younger), Londra ve Edinburgh'un (Adam kardeşler) düzenli gelişiminde 18. yüzyılın ortalarında kapsamlı kentsel planlar uygulandı. W. Chambers, W. Kent, J. Payne binaları, banliyö park sitelerinin gelişmesiyle ilişkilidir. R. Adam da Roma antik döneminden ilham aldı, ancak klasisizm versiyonu daha yumuşak ve daha lirik bir görünüm kazanıyor. Büyük Britanya'daki klasisizm, sözde Gürcü tarzının en önemli bileşeniydi. 19. yüzyılın başında, İngiliz mimarisinde İmparatorluk tarzına benzer özellikler ortaya çıktı (J. Soun, J. Nash).

17. ve 18. yüzyılın başlarında, Hollanda mimarisinde klasisizm şekillendi (J. van Kampen, P. Post), bu da özellikle kısıtlanmış bir versiyonuna yol açtı. Fransız ve Hollanda klasisizminin yanı sıra erken Barok ile çapraz bağlantılar, 17. yüzyılın sonlarında ve 18. yüzyılın başlarında (N. Tessin the Younger) İsveç mimarisinde klasisizmin kısa sürede çiçek açmasına yansıdı. 18. ve 19. yüzyılın başlarında, klasisizm İtalya'da (J. Piermarini), İspanya'da (J. de Villanueva), Polonya'da (J. Kamsetzer, HP Aigner) ve ABD'de (T. Jefferson, J. Hoban) kök saldı. . 19. yüzyılın 18. - 1. yarısının Alman klasisizm mimarisi için, Palladian FV Erdmannsdorff'un katı formları, KG Langhans, D. ve F. Gilly'nin "kahramanca" Helenizmi ve L. von Klenze'nin tarihselciliği için karakteristiktir. K. F. Schinkel'in çalışmasında, görüntülerin sade anıtsallığı, yeni işlevsel çözümler arayışıyla birleşiyor.

19. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, klasisizmin öncü rolü ortadan kalktı; onun yerini tarihsel stiller alıyor (ayrıca bkz. Neo-Yunan stili, Eklektizm). Aynı zamanda, klasisizmin sanatsal geleneği, 20. yüzyılın neoklasizminde canlanır.

Klasisizmin görsel sanatları normatiftir; figüratif yapısı, sosyal bir ütopyanın açık işaretleri ile karakterize edilir. Klasisizmin ikonografisine eski efsaneler, kahramanca işler, tarihi arsalar, yani insan topluluklarının kaderine, “iktidarın anatomisine” olan ilgi hakimdir. Basit bir "doğa portresi" ile yetinmeyen klasisizm sanatçıları, somut, bireysel - evrensel olarak anlamlı olanın üzerine çıkmaya çalışırlar. Klasikçiler, Caravaggio veya Küçük Hollandalı'nın natüralizmiyle örtüşmeyen sanatsal gerçek fikirlerini savundular. Klasisizm sanatında makul eylemler ve hafif duygular dünyası, arzu edilen varlık uyumu rüyasının somutlaşmışı olarak kusurlu günlük yaşamın üzerinde yükseliyordu. Yüce ideale yönelim, "güzel doğa" seçimine yol açtı. Klasisizm, sıradan, normdan sapan, grotesk, kaba, itici olandan kaçınır. Klasisist mimarinin tektonik netliği, heykel ve resimdeki planların net bir şekilde çizilmesiyle karşılanır. Klasisizm plastiği, kural olarak, sabit bir bakış açısı için tasarlanmıştır, formların düzgünlüğü bakımından farklılık gösterir. Figürlerin pozlarındaki hareket anı genellikle plastik izolasyonlarını ve sakin heykellerini ihlal etmez. Klasisizm resminde, formun ana unsurları çizgi ve chiaroscuro; yerel renkler, resmin mekansal kompozisyonunu sahne kompozisyonuna yaklaştıran nesneleri ve peyzaj planlarını açıkça ortaya koyuyor.

17. yüzyılın klasisizminin kurucusu ve en büyük ustası, resimleri felsefi ve etik içeriğin yükselmesi, ritmik yapı ve renk uyumu ile işaretlenen Fransız sanatçı N. Poussin'di.

Klasikçilerin insanlığın "altın çağı" rüyasını somutlaştıran "ideal manzara" (N. Poussin, C. Lorrain, G. Dughet), 17. yüzyıl klasisizm resminde oldukça gelişmiştir. Fransız klasisizminin 17. - 18. yüzyılın başlarındaki heykellerinde en önemli ustaları P. Puget (kahramanca tema), F. Girardon (formların uyum ve özlülüğünü arama) idi. 18. yüzyılın ikinci yarısında, Fransız heykeltıraşlar yeniden sosyal açıdan önemli temalara ve anıtsal çözümlere yöneldiler (J.B. Pigalle, M. Claudion, E.M. Falconet, J.A. Houdon). Sivil pathos ve lirizm, J. M. Vien'in mitolojik resminde ve J. Robert'ın dekoratif manzaralarında birleştirildi. Fransa'daki sözde devrimci klasisizmin resmi, tarihi ve portre görüntüleri cesur drama ile işaretlenmiş J.L. David'in eserleri ile temsil edilmektedir. Fransız klasisizminin geç döneminde, resim, bireysel büyük ustaların (J. O.D. Ingres) ortaya çıkmasına rağmen, resmi bir özür dileyen veya salon sanatına dönüşür.

Roma, 18. yüzyılın - 19. yüzyılın başlarında, akademik geleneğin, formların asaleti ve akademizm için nadir olmayan soğuk, soyut idealleştirmenin bir kombinasyonu ile sanatta egemen olduğu uluslararası klasisizm merkezi haline geldi (ressamlar AR Mengs, JA Koch, V. . Camuccini, heykeltıraşlar A. B. Thorvaldsen gibi). Alman klasisizminin görsel sanatında, ruhta tefekkür, A. ve V. Tishbeinov'un portreleri, A. Ya. Carstens'in mitolojik karikatürleri, I. G. Shadov'un plastiği, KD Rauch öne çıkıyor; dekoratif ve uygulamalı sanatta - D. Röntgen'in mobilyaları. Büyük Britanya'da, J. Flaxman'ın grafik sanatı ve heykel klasisizmi, dekoratif ve uygulamalı sanatta - J. Wedgwood'un seramikleri ve Derby fabrikasının ustaları ile yakındır.

A.R. Mengs. Perseus ve Andromeda. 1774-79. Ermitaj (St. Petersburg).

Rusya'da klasisizmin gelişmesi, 19. yüzyılın 18. - 1. üçte birinin son üçte birine aittir, ancak 18. yüzyılın başlangıcı, Fransız klasisizminin kentsel planlama deneyimine yaratıcı bir çekicilik ile işaretlenmiş olsa da (simetrik-ilke ilkesi). Petersburg inşaatında eksenel planlama sistemleri). Rus klasisizmi, kapsamı ve ideolojik içeriği bakımından Rusya için eşi görülmemiş, Rus laik kültürünün gelişmesinde yeni bir tarihsel aşamayı somutlaştırdı. Mimaride erken dönem Rus klasisizmi (1760-70'ler; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu.M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) hala Barok ve Rokoko'da var olan formların plastik zenginleşmesini ve dinamiklerini koruyor.

Klasisizmin olgun döneminin mimarları (1770-90'lar; V.I.Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. ve şehirlerin yeni, törensel yapılarında. Ülke park sitelerindeki topluluk sanatı, Rus klasisizminin dünya sanat kültürüne önemli bir katkısıdır. Palladyanizmin Rus versiyonu (N. A. Lvov) mülklerin inşasında ortaya çıktı ve yeni bir tür oda sarayı kuruldu (C. Cameron, J. Quarenghi). Rus klasisizminin bir özelliği, benzeri görülmemiş bir devlet şehir planlaması ölçeğidir: 400'den fazla şehir için düzenli planlar geliştirildi, Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl, vb. Merkez toplulukları oluşturuldu; kentsel planların “düzenlenmesi” uygulaması, bir kural olarak, klasisizm ilkelerini eski Rus şehrinin tarihsel olarak kurulmuş planlama yapısı ile art arda birleştirdi. 18-19. yüzyılın dönümü, her iki başkentte de en büyük kentsel gelişim başarıları ile işaretlendi. Petersburg merkezinin görkemli bir topluluğu kuruldu (A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, J.F. Thomas de Thomon, daha sonra K.I. Rossi). Farklı bir kentsel planlama temelinde, 1812 yangınından sonraki restorasyon döneminde, rahat iç mekanlara sahip küçük konaklarla inşa edilen “klasik Moskova” kuruldu. Buradaki düzenliliğin başlangıcı, sürekli olarak şehrin mekansal yapısının genel resimsel özgürlüğüne tabiydi. Geç Moskova klasisizminin en önde gelen mimarları D.I. Gilyardi, O. I. Bove, A.G. Grigoriev'dir. 19. yüzyılın 1. üçte birlik binaları Rus İmparatorluğu tarzına aittir (bazen İskender klasisizmi olarak anılır).

Görsel sanatlarda, Rus klasisizminin gelişimi, St. Petersburg Sanat Akademisi (1757'de kuruldu) ile yakından bağlantılıdır. Heykel, mimariyle incelikle düşünülmüş bir sentez oluşturan "kahramanca" anıtsal ve dekoratif plastiklerle temsil edilir, sivil pathoslarla dolu anıtlar, ağıtlı aydınlanma ile dolu mezar taşları, şövale plastikleri (I.P. Prokofiev, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky, I.P. Martos, FF Shchedrin, VI Demut-Malinovsky, SS Pimenov, II Terebenev). Resimde, klasisizm en açık şekilde tarihsel ve mitolojik türün eserlerinde kendini gösterdi (A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, I.A. A.A. Ivanov; senografide - P. de G. Gonzago'nun çalışmasında). Klasisizmin bazı özellikleri de F.I.Shubin'in heykel portrelerinde, resimde - D.G. Levitsky'nin portrelerinde, V.L. Borovikovsky, F.M. Matveyev'in manzaralarında. Rus klasisizminin dekoratif ve uygulamalı sanatında, mimaride sanatsal modelleme ve oymalı dekor, bronz ürünler, dökme demir, porselen, kristal, mobilya, şam kumaşları vb.

A.I. Kaplun; Yu.K. Zolotov (Avrupa güzel sanatları).

Tiyatro... Tiyatro klasisizminin oluşumu 1630'larda Fransa'da başladı. Bu süreçte harekete geçirici ve düzenleyici rol, tiyatronun kendisini "yüksek" sanatların saflarında kurması sayesinde edebiyata aitti. Fransızlar, Rönesans'ın İtalyan "bilimsel tiyatrosunda" tiyatro sanatının örneklerini gördüler. Saray toplumu zevklerin ve kültürel değerlerin yasa koyucusu olduğundan, sahne tarzı da mahkeme törenleri ve festivaller, baleler ve resmi resepsiyonlardan etkilenmiştir. Tiyatro klasisizminin ilkeleri Paris sahnesinde geliştirildi: G. Mondori (1634) başkanlığındaki "Mare" tiyatrosunda, yapısı Kardinal Richelieu tarafından inşa edilen "Palais Cardinal" de (1641, 1642 "Palais Royal"). İtalyan sahne tekniğinin yüksek gereksinimlerini karşıladı; 1640'larda Burgundy Hotel, tiyatro klasisizminin yeri oldu. 17. yüzyılın ortalarında kademeli olarak eşzamanlı dekorasyon, yerini pitoresk ve tek tip bir perspektif dekorasyona (saray, tapınak, ev vb.) Gösterinin başında ve sonunda inip kalkan bir perde belirdi. Sahne bir tablo gibi çerçevelendi. Oyun sadece ön planda gerçekleşti; oyun birkaç kahramanın merkezindeydi. Mimari bir zemin, tek bir sahne, oyunculuk ve resimli planların bir kombinasyonu ve genel bir üç boyutlu mizansen, inandırıcılık yanılsamasının yaratılmasına katkıda bulundu. 17. yüzyılın sahne klasisizminde "dördüncü duvar" kavramı vardı. F.E. a'Aubignac oyuncu hakkında “Bunu yapıyor” diye yazdı (The Practice of Theatre, 1657), “sanki seyirci hiç yokmuş gibi: karakterleri Mondori değil, gerçekten krallarmış gibi davranır ve konuşur ve Belrose, sanki Paris'teki Burgundy otelinde değil, Roma'daki Horace Sarayı'ndalar ve sanki sadece sahnede bulunanlar (yani tasvir edilen yerde) tarafından görülüp duyuluyormuş gibi.

Klasisizmin yüksek trajedisinde (P. Cornel, J. Racine), A. Hardy'nin oyunlarının dinamikleri, eğlence ve macera planları (ki bu, kahraman dünyasında V. Lecomte'nin ilk kalıcı Fransız grubunun repertuarını oluşturdu) , davranışlarının nedenleri. Yeni drama, sahne sanatlarında değişiklikler gerektiriyordu. Oyuncu, oyunculuğuyla bir çağdaşın yakın plan portresini yaratarak, çağın etik ve estetik idealinin vücut bulmuş hali oldu; antik olarak stilize edilmiş kostümü modern modaya tekabül ediyordu, plastik asalet ve zarafetin gerekliliklerine uyuyordu. Oyuncu, bir hatipin pathosuna, bir ritim duygusuna, müzikalliğe (oyuncu M. Chanmelet için, J. Racine rolün çizgileri üzerine notlar yazdı), anlamlı bir jest sanatına, bir dansçının becerilerine sahip olmalıydı. , hatta fiziksel güç. Klasisizmin dramaturjisi, tüm performans tekniklerini (okuma, jest, yüz ifadeleri) birleştiren ve Fransız aktör için ana ifade aracı haline gelen sahne beyanı okulunun ortaya çıkmasına katkıda bulundu. A. Vitez, 17. yüzyılın ilanını "aruz mimarisi" olarak adlandırdı. Oyun, monologların mantıksal etkileşimi üzerine inşa edilmiştir. Kelime yardımıyla duyguları uyandırma ve kontrol etme tekniği işlendi; performansın başarısı sesin gücüne, tınısına, tınısına, renklerin ve tonlamaların ustalığına bağlıydı.

Burgundy Otel'de J. Racine tarafından "Andromache". F. Chauveau'nun gravürü. 1667.

Tiyatro türlerinin "yüksek" (Burgundy otelindeki trajedi) ve "düşük" (Moliere zamanlarının "Palais Royal" deki bir komedi) olarak bölünmesi, rolün ortaya çıkması tiyatronun hiyerarşik yapısını güçlendirdi. klasisizm. "Asilleştirilmiş" doğanın sınırları içinde kalan, performansın çizimi ve görüntünün ana hatları, en büyük aktörlerin bireyselliği tarafından belirlendi: J. Floridor'un açıklama tarzı, aşırı poz veren Belrose'unkinden daha doğaldı. ; M. Chanmelet, sesli ve melodik bir "okuma" ile karakterize edildi ve Montfleury, tutkunun duygulanımlarında eşit olduğunu bilmiyordu. Standart hareketlerden oluşan teatral klasisizm kanonunun müteakip fikri (sürpriz, eller omuz seviyesine yükseltilmiş ve avuç içi izleyiciye dönük olarak tasvir edildi; iğrenme - kafa sağa çevrilmiş ve eller aşağılama nesnesini itiyor , vb.), stilin gerileme ve yozlaşma çağını ifade eder.

18. yüzyılda, tiyatronun eğitici demokrasiye kararlı bir şekilde ayrılmasına rağmen, Comedie Francaise A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequin, Dumenil, Cleron, L. Preville'in oyuncuları, zevk ve isteklere göre sahne klasisizmi tarzını geliştirdiler. çağ. Klasik beyanat normlarından saptılar, kostümü yeniden düzenlediler ve oyunu yönlendirmek için girişimlerde bulundular, bir oyuncu topluluğu yarattılar. 19. yüzyılın başında, "mahkeme" tiyatro geleneği ile romantiklerin mücadelesinin ortasında, F.J. »Ve talep edilen tarz. Klasisizm gelenekleri, 19. ve 20. yüzyılların başında ve hatta daha sonra Fransa'nın tiyatro kültürünü etkilemeye devam etti. Klasisizm ve modern tarzların kombinasyonu, J. Mounet-Sully, S. Bernard, B. K. Coquelin'in oyununun karakteristiğidir. 20. yüzyılda, Fransız yönetmen tiyatrosu Avrupa'ya daha yakın hale geldi, sahne tarzı ulusal özgünlüğünü kaybetti. Bununla birlikte, 20. yüzyılın Fransız tiyatrosundaki önemli olaylar klasisizm gelenekleriyle ilişkilidir: J. Copot, JL Barrot, L. Jouvet, J. Vilar'ın performansları, Vitez'in 17. yüzyılın klasikleriyle yaptığı deneyler, R. Planchon, J. Desart vb.

18. yüzyılda Fransa'da egemen üslubun önemini yitiren klasisizm, diğer Avrupa ülkelerinde halefler bulmuştur. J.W. Goethe, yönetimi altında Weimar Tiyatrosu'nda klasisizm ilkelerini tutarlı bir şekilde tanıttı. Almanya'da oyuncu ve girişimci F.K. Neuber ve aktör K. Eckhoff, İngiliz aktörler T. Betterton, J. Queen, J. Kemble, S. Siddons klasisizmi teşvik etti, ancak kişisel yaratıcı başarılarına rağmen çabaları etkisiz kaldı ve, sonunda reddedildiler. Sahne klasisizmi, pan-Avrupa tartışmasının bir nesnesi haline geldi ve Almanlar sayesinde ve onlardan sonra ve Rus tiyatro teorisyenleri "sözde-klasik tiyatro" tanımını aldı.

Rusya'da, klasikçi tarz, 19. yüzyılın başında A.S. Yakovlev ve E.S.Semenova'nın eserlerinde gelişti, daha sonra St. Petersburg tiyatro okulunun V.V.Samoilov (bkz. Karatygin), ardından Yu'nun başarılarında kendini gösterdi. .M. Yuriev.

E.I. Gorfunkel.

Müzik... Müziğe uygulandığı şekliyle "klasisizm" terimi, antik örneklere yönelik bir yönelim anlamına gelmez (yalnızca eski Yunan müzik teorisinin anıtları biliniyor ve inceleniyordu), ancak Barok stilinin kalıntılarına son vermek için tasarlanmış bir dizi reformu ifade ediyor. müzikal tiyatro. Klasisist ve barok eğilimler, 17. yüzyılın 2. yarısının Fransız müzik trajedisinde - 18. yüzyılın 1. yarısının (libretto yazarı F. Kino ve besteci JB Lully'nin yaratıcı işbirliği, JF Rameau'nun operaları ve opera-balelerinde) çelişkili bir şekilde birleştirildi. ve 18. yüzyılın müzikal ve dramatik türleri arasında (İtalya, İngiltere, Avusturya, Almanya, Rusya'da) lider konumda olan İtalyan opera-dizisi. Fransız müzik trajedisinin en parlak dönemi, ülke çapında bir devlet mücadelesi dönemindeki kahramanlık ve yurttaşlık ideallerinin yerini şenlik ve törensel resmiyet ruhu, lüks ve lükse yönelik bir çekimin aldığı mutlakıyetçilik krizinin başlangıcında geldi. rafine hedonizm. Müzikal bir trajedinin mitolojik veya şövalyece efsanevi bir arsa bağlamında klasisizmin tipik duygu ve görev çatışmasının şiddeti azaldı (özellikle bir tiyatro tiyatrosundaki bir trajedi ile karşılaştırıldığında). Tür saflığı (komedi ve günlük bölümlerin yokluğu), eylem birliği (çoğunlukla yer ve zaman), “klasik” 5 perdelik kompozisyon (genellikle bir önsöz ile) gereksinimleri klasisizm normlarıyla ilişkilidir. Müzikal dramadaki merkezi konum, akılcı sözlü-kavramsal mantığa en yakın unsur olan alıntıdır. Tonlama alanında, doğal insan konuşmasıyla ilişkili açıklayıcı ve acıklı formüller (sorgulayıcı, emir, vb.) hakimdir, aynı zamanda barok operanın karakteristik retorik ve sembolik figürleri hariç tutulur. Fantastik ve pastoral-pastoral temalı kapsamlı koro ve bale sahneleri, eğlence ve eğlenceye yönelik genel bir yönelim (sonunda baskın hale geldi) klasisizm ilkelerinden çok Barok geleneklerine karşılık geldi.

İtalya için geleneksel olan, şarkı söyleme virtüözlüğünün yetiştirilmesi, opera-dizi türünün doğasında bulunan dekoratif unsurun gelişimiydi. Roma akademisi "Arcadia" nın bazı temsilcileri tarafından öne sürülen klasisizmin talepleri doğrultusunda, 18. yüzyılın başlarındaki kuzey İtalyan librettistleri (F. Silvani, J. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) ciddi bir operadan, komik ve günlük bölümlerden, doğaüstü veya fantastik güçlerin müdahalesiyle ilişkili arsa motiflerinden atıldı; olay örgüsü yelpazesi tarihsel ve tarihsel-efsanevi olanlarla sınırlıydı; ahlaki ve etik konular ön plana çıkarıldı. Erken dönem opera dizisinin sanatsal kavramının merkezinde, ideal bir kişiliğin olumlu niteliklerini gösteren bir hükümdarın, daha az sıklıkla bir devlet adamının, bir saray mensubunun, bir epik kahramanın yüce kahramanca görüntüsü vardır: bilgelik, hoşgörü, cömertlik, bağlılık göreve, kahramanca coşku. İtalyan operası için geleneksel olan 3 perdelik yapı korundu (5 perdelik dramalar deneyler olarak kaldı), ancak karakter sayısı azaldı, tonlama ifade araçları, uvertür ve arya biçimleri ve vokal bölümlerin yapısı müzikte belirlendi. . Tamamen müzikal görevlere tabi olan drama türü, adı opera-seria tarihindeki en yüksek sahne ile ilişkilendirilen P. Metastasio tarafından geliştirildi (1720'lerden beri). Arsalarında, klasik pathos gözle görülür şekilde zayıfladı. Kural olarak, bir çatışma durumu, çıkarlarının veya ilkelerinin gerçek bir çelişkisi nedeniyle değil, ana aktörlerin uzun süreli "sanrıları" nedeniyle ortaya çıkar ve derinleşir. Bununla birlikte, katı bir rasyonel gerekçelendirmeden uzak olsa da, insan ruhunun asil dürtüleri için duyguların idealize edilmiş ifadesi için özel bir tercih, Metastasio'nun librettosunun yarım yüzyıldan fazla bir süre boyunca olağanüstü popülaritesini sağlamıştır.

Aydınlanma döneminin (1760'lar-70'lerde) müzikal klasisizminin gelişimindeki doruk noktası, K.V. Gluck ve libretto yazarı R. Calzabigi'nin yaratıcı işbirliğiydi. Gluck'un opera ve balelerinde, klasikçi eğilimler, etik sorunlara, kahramanlık ve cömertlik hakkındaki fikirlerin gelişimine (Paris döneminin müzikal dramalarında - görev ve duygu temasına doğrudan bir itirazda) vurgulanan bir dikkatle ifade edildi. Klasisizm normları aynı zamanda tür saflığına, neredeyse bir dramatik çarpışmaya indirgenmiş maksimum eylem konsantrasyonu arzusuna, belirli bir dramatik durumun görevlerine göre katı bir ifade aracı seçimine, dekoratif unsurun sınırlayıcı sınırlamasına, şarkı söylemede virtüöz ilkesi. Görüntülerin yorumlanmasının aydınlatıcı doğası, klasik kahramanların doğasında bulunan asil niteliklerin, duygusallığın etkisini yansıtan doğallık ve duyguların ifade özgürlüğü ile iç içe geçmesine yansıdı.

1780'lerde ve 90'larda, 18. yüzyılın Fransız Devrimi'nin ideallerini yansıtan devrimci klasisizm eğilimleri Fransız müzikal tiyatrosunda ifade edildi. Genetik olarak önceki aşamayla ilgili ve esas olarak Gluck'un opera reformunun (E. Megul, L. Cherubini) bestecileri-takipçileri nesli tarafından temsil edilen devrimci klasisizm, her şeyden önce, daha önce trajedilerin karakteristiği olan sivil, zalim pathos'u vurguladı. P. Corneille ve Voltaire. Trajik çatışmanın çözülmesinin zor olduğu ve dış güçlerin müdahalesini gerektirdiği 1760'ların ve 70'lerin eserlerinden farklı olarak (“deus ex machina” geleneği - Latince “makineden tanrı”), 1780'ler ve 1790'lar, gerilimin canlı ve etkili bir şekilde serbest bırakılmasını sağlayan kahramanca bir eylemle (itaat etmeyi reddetme, protesto, genellikle bir misilleme eylemi, bir tiranın öldürülmesi vb.) Bu tür drama, 1790'larda klasik opera gelenekleri ile gerçekçi dar kafalı dramanın kesiştiği noktada ortaya çıkan "kurtuluş operası" türünün temelini oluşturdu.

Rusya'da, müzikal tiyatroda, klasisizmin orijinal tezahürleri nadirdir (F. Araya'nın operası "Cephalus ve Procris", E. I. Fomin'in melodramı "Orpheus", O. A. Kozlovsky'nin V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky ve AN Gruzintseva'nın trajedilerine müziği ).

Komik opera ile ilgili olarak, 18. yüzyılın enstrümantal ve vokal müziğinin yanı sıra, tiyatro eylemiyle ilgili olmayan "klasisizm" terimi büyük ölçüde şartlı olarak kullanılır. Klasik-romantik dönemin ilk aşamasını, cesur ve klasik stilleri belirtmek için bazen geniş bir anlamda kullanılır (bkz. "Klassik" terimi veya "Rus klasisizmi" ifadesiyle, 18. yüzyılın 2. yarısının tüm Rus müziğine - 19. yüzyılın başlarına kadar uzanır).

19. yüzyılda, müzikal tiyatroda klasisizm yerini romantizme bıraktı, ancak klasisist estetiğin bazı özellikleri ara sıra yeniden canlandırıldı (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev ve diğerlerinde). 20. yüzyılda, neoklasizmde klasisist sanat ilkeleri yeniden canlandı.

PV Lutsker.

Yanıyor.: Genel çalışma. Zeitler R. Klassizismus und Utopia. Stokh 1954; Peyre N. Quest-ce que le klasisizm? R., 1965; Fransa'da Bray R. La formasyon de la doktrin klasiği. R., 1966; Rönesans. Barok. Klasisizm. 15-17. Yüzyıl Batı Avrupa sanatında üslup sorunu. M., 1966; Tapié V. L. Barok ve klasisizm. 2 ed. R., 1972; Benac H. Le klasisizm. R., 1974; Zolotov Yu. K. 17. yüzyılın Fransız klasisizminde eylemin ahlaki temelleri. // SSCB Bilimler Akademisi Bülteni. Sör. edebiyat ve dil. 1988, cilt 47, sayı 3; Zuber R., Cuénin M. Le klasisizm. R., 1998. Edebiyat. Vipper Yu.B. 17. Yüzyılın Başlarında Fransız Şiirinde Klasisizmin Oluşumu. M., 1967; Oblomievsky D. D. Fransız klasisizmi. M., 1968; Serman I.Z.Rus Klasisizmi: Şiir. Dram. hiciv. L., 1973; Morozov A.A. Rus klasisizminin kaderi // Rus edebiyatı. 1974. No.1; Jones T.V., Nicol B. Neo-klasik dramatik eleştiri. 1560-1770. Kamb 1976; Moskvicheva G.V. Rus klasisizmi. M., 1978; Batı Avrupa klasikçilerinin edebi manifestoları. M., 1980; Averintsev S.S. Antik Yunan şiiri ve dünya edebiyatı // Eski Yunan edebiyatının şiiri. M., 1981; Rus ve Batı Avrupa klasisizmi. Nesir. M., 1982; L'Antiquité gréco-romaine vue par le siècle des lumières / Ed. R. Chevallier. Turlar, 1987; Klassik im Vergleich. Normativität und Historizität europäischer Klassiken. Stuttg.; Weimar, 1993; Pumpyansky L. V. Rus klasisizminin tarihi üzerine // Pumpyansky L. V. Klasik gelenek. M., 2000; Génétiot A. Le klasisizm. R., 2005; Smirnov A.A.Rus klasisizminin edebi teorisi. M., 2007. Mimarlık ve Güzel Sanatlar. Gnedich P. P. Sanat Tarihi .. M., 1907. T. 3; o öyle. Sanat Tarihi. Batı Avrupa Barok ve Klasisizm. M., 2005; Brunov N.I. 17. ve 18. yüzyılların Fransa Sarayları. M., 1938; Blunt A. François Mansart ve Fransız klasik mimarisinin kökenleri. L., 1941; idem. Fransa'da sanat ve mimari. 1500 ila 1700.5 baskı. New Haven 1999; Fransa'da Hautecoeur L. Histoire de l'architecture klasiği. R., 1943-1957. Cilt 1-7; Kaufmann E. Akıl Çağında Mimarlık. Camb. (Kitle) 1955; Rowland B. Batı sanatında klasik gelenek. Camb. (Kitle) 1963; Kovalenskaya N.N.Rus klasisizmi. M., 1964; Vermeule S.S. Avrupa sanatı ve klasik geçmiş. Camb. (Kitle) 1964; 17. yüzyılın Rotenberg E.I.Batı Avrupa sanatı. M., 1971; o öyle. 17. yüzyılın Batı Avrupa resmi Tematik ilkeler. M., 1989; Nikolaev E.V. Klasik Moskova. M., 1975; Greenhalgh M. Sanatta klasik gelenek. L., 1978; Fleming J. R. Adam ve çevresi, Edinburgh ve Roma'da. 2. baskı. L., 1978; Yakimovich A.K. Poussin döneminin klasisizmi. Temeller ve ilkeler // Sovyet sanat tarihi'78. M., 1979. Sayı. 1; Zolotov Yu.K. Poussin ve özgür düşünürler // age. M., 1979. Sayı. 2; Summerson J. Mimarlığın klasik dili. L., 1980; Gnudi C. L'ideale classico: saggi sulla tradizione classica nella pittura del Cinquecento ve del Seicento. Bolonya, 1981; Howard S. Antikite restore edildi: antikin sonraki yaşamı üzerine denemeler. Viyana, 1990; Fransız Akademisi: klasisizm ve karşıtları / Ed. J. Hargrove. Newark; L., 1990; Arkin D.E. Mimari görseller ve heykel görselleri. M., 1990; Daniel S.M. Avrupa klasisizmi. SPb., 2003; Karev A. Rus Resminde Klasisizm. M., 2003; Bedretdinova L. Catherine'in Klasisizmi. M., 2008. Tiyatro. Celler L. Les decors, les Costumes et la mise en scène au XVIIe siècle, 1615-1680. R. 1869. Gen. 1970; Manzius K. Moliere. Tiyatro, seyirci, zamanının aktörleri. M., 1922; Mongredien G. Les grands comédiens du XVIIe siècle. R., 1927; Fuchs M. La vie théâtrale en eyalet au XVIIe siècle. R., 1933; Tiyatro hakkında. Oturdu. nesne. L.; M., 1940; Kemodle G. R. Sanattan Tiyatroya. Chi., 1944; Blanchart P. Histoire de la mise en sahne. R., 1948; Vilar J. Tiyatro geleneği hakkında. M., 1956; Batı Avrupa tiyatrosunun tarihi: 8 ciltte, Moskova, 1956-1988; Velekhova N. Tarz konusundaki anlaşmazlıklarda. M., 1963; Boyadzhiev G.N. Klasisizm sanatı // Edebiyat soruları. 1965. Sayı 10; Leclerc G. Les grandes aventures du théâtre. R., 1968; Mints N.V. Fransa'nın Tiyatro Koleksiyonları. M., 1989; Gitelman L.I. XIX yüzyılın yabancı oyunculuk sanatı. SPb., 2002; Yabancı tiyatro tarihi. SPb., 2005.

Müzik. Müzik tarihi ile ilgili malzeme ve belgeler. XVIII yüzyıl / M.V. Ivanov-Boretsky tarafından düzenlendi. M., 1934; Buken E. Rokoko ve Klasisizm Dönemi Müziği. M., 1934; o öyle. Operada kahramanca tarz. M., 1936; Livanova T.N. Rönesans'tan 18. Yüzyılın Aydınlanmasına giden yolda. // Rönesans'tan XX yüzyıla. M., 1963; o. 17. yüzyıl müziğinde üslup sorunu. // Rönesans. Barok. Klasisizm. M., 1966; o. 17.-18. yüzyıllarda Batı Avrupa müziği sanatlar arasında. M., 1977; Liltolf M. Zur Rolle der Antique in der musikalischen Tradition der französischen Epoque Classique // Studien zur Tradition in der Musik. Münih 1973; Keldysh Yu.V. 17.-18. yüzyıl Rus müziğinde üslup sorunu. // Keldysh Yu. V. Rus müziği tarihi üzerine denemeler ve çalışmalar. M., 1978; Lutsker P.V.XVIII-XIX yüzyılların başında müzik sanatında stil sorunları. // Batı sanatı tarihinde çığır açan kilometre taşları. M., 1998; Lutsker P.V., Susidko I.P. 18. yüzyılın İtalyan operası. M., 1998-2004. Bölüm 1-2; Kirillina L.V. Gluck'un Reform Operaları. M., 2006.

Latince'den çevrilen "classicus", "örnek" anlamına gelir. Basit bir deyişle, oluşumunun başlangıcında klasisizm, resim açısından ideal olarak kabul edildi. Sanatsal üslup 17. yüzyılda gelişti ve 19. yüzyılda yavaş yavaş kaybolmaya başladı ve yerini romantizm, akademizm (klasisizm ve romantizmin bir kombinasyonu) ve gerçekçilik gibi yönlere bıraktı.

Klasisizmin resim ve heykel tarzı, sanatçıların ve heykeltıraşların antik çağ sanatına döndüğü ve birçok özelliğini kopyalamaya başladığı bir zamanda ortaya çıktı. Rönesans döneminde Yunanistan ve Roma'nın antik sanatı, sanat eserlerine ve yaratıcılığa gerçek bir ilgi dalgası yarattı. Bugün tarihin en büyük yaratıcılarından biri olarak kabul edilen Rönesans yazarları, eski motiflere, arsalara ve en önemlisi - insan figürlerini, hayvanları, çevreyi, kompozisyonu vb. Klasisizm doğru bir görüntü ifade eder, ancak sanatçıların resimlerindeki figürler oldukça heykelsi görünüyor, hatta denilebilir - abartılı ve doğal değil. Bu tür tuvallerdeki insanlar, "konuşan" pozlarda donmuş heykeller gibi görünebilir. Klasisizmdeki insanların pozları, şu anda neler olduğunu ve bu veya bu karakterin hangi duyguları yaşadığını - kahramanlık, yenilgi, keder vb. Bütün bunlar abartılı gösterişli bir şekilde sunulmaktadır.

İdealleştirilmiş atletik veya abartılı kadınsı bir fiziğe sahip kadın ve erkeklerin eski tasvirlerinin temelleri üzerine inşa edilen klasisizm, Rönesans sanatçılarının ve sonraki dönemlerin sanatçılarının resimlerinde insanları ve hayvanları tam olarak bu biçimde tasvir etmelerini gerektirdi. Bu nedenle, klasisizmde, sarkık tenli bir erkek, hatta yaşlı bir adam veya şekilsiz bir figürü olan bir kadın bulmak imkansızdır. Klasisizm, bir resimde bulunan her şeyin idealize edilmiş bir tasviridir. Antik dünyada bir insanı tanrıların kusursuz bir yaratılışı olarak tasvir etmek kabul edildiğinden, bu üslubu kopyalamaya başlayan sanatçılar ve heykeltıraşlar bu fikre tam olarak uymaya başladılar.

Ayrıca, klasisizm genellikle antik mitolojiye başvurdu. Antik Yunan ve Roma mitolojisinin yardımıyla, hem mitlerin kendilerinden arsalar hem de eski mitolojinin unsurlarına (antik mimari, savaş tanrıları, aşk, muses, aşk tanrısı vb.) Klasisist sanatçıların resimlerindeki mitolojik motifler daha sonra sembolizm şeklini aldı, yani eski semboller aracılığıyla sanatçılar şu veya bu mesajı, anlamı, duyguyu, ruh halini ifade ettiler.

Klasisizm tarzında resimler

Gros Antoine Jean - Napolyon Bonapart Arkol köprüsünde

Giovanni Tiepolo - Kleopatra'nın Bayramı

Jacques-Louis David - Horace'ın Yemini

Greuze Jean Baptiste - Şımarık Çocuk

En önemli özelliği antik sanata ideal, standart - klasisizm olarak derin bir çekiciliği olan 17. - 19. yüzyılların Avrupa'sı. Resimde, heykel, mimari ve diğer yaratıcılık türlerinde olduğu gibi, Rönesans gelenekleri devam etti - insan zihninin gücüne inanç, ölçü ve uyum ideallerine hayranlık

Klasisist eğilimler, 16. yüzyılın sonunda İtalya'da ortaya çıktı. Fransa'nın bağrında ortak bir Avrupa tarzı şekillenmeye başladı. Bu çağın estetik değeri, yalnızca zamansız, bozulmaz olanın elindedir. Sanatın eğitimsel ve sosyal işlevine büyük önem verildi. Bu nedenle, resimdeki klasisizm, kahramanlarının görüntülerini oluşturan en son etik normları ortaya koymaktadır: genel kişiselliğe boyun eğme, tutkular - akıl, görev, halkın üstün çıkarları, evrenin yasaları, iniş çıkışlarına direnç. hayat ve kaderin acımasızlığı. Kalıcı görüntülere, rasyonel bir başlangıca yönelim, sanatsal yasaların düzenlenmesini, klasik estetiğin gereksinimlerinin normatifliğini, mevcut türlerin katı bir hiyerarşisini - “düşük” (portre, manzara, natürmort) ile “yüksek” (mitolojik) arasında belirledi. , tarihi, dini). Her tür, anlamlı katı sınırlar ve resmi açık işaretler ortaya koymaktadır.

Klasisizmi resme ilk sokan Fransız N. Poussin'di ve kurucusudur. Sanatçının resimleri - "Germanicus'un Ölümü", "Rinaldo ve Armida", "Arcadian Çobanları", "Musa'yı Bulmak" vb. Hepsi ritmik renk ve yapının uyumu, etik ve felsefi içeriğin yükselmesi ile işaretlenir.

Rus resminde klasisizm, bireysel, benzersiz, sıradışı güzelliğin iddiasıyla ifade edildi. Bu dönemin resimdeki en yüksek başarısı tarihsel bir tema değil, bir portredir (A. Antropov, A. Agrunov, F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, O. Kiprensky). kendi keşiflerine ve özelliklerine sahip olduğu için gurur duymaktadır. Örneğin O. Kiprensky, sadece yeni değil, aynı zamanda en yeni resim olanaklarını da keşfetti. Tüm portreleri farklıdır: her birinin kendi orijinal boyama sistemi vardır. Bazıları gölge ve ışığın pitoresk kontrastı üzerine inşa edilmiştir. Diğerlerinde, benzer, yakın renklerin ince bir geçişi görünür.

Resimdeki Rus klasisizmi, mutlaka Bryullov'un paha biçilmez tuvalleriyle ilişkilidir. Akademik klasisizm ve romantizmin kaynaşması, arsaların yeniliği, plastik ve aydınlatmanın teatral gösterişliliği ve kompozisyonun karmaşıklığı ile ayırt edilirler. A. Ivanov, akademik tekniğin doğasında bulunan birçok kalıbın üstesinden gelmeyi başardı ve eserlerine, fikirlerin fedakar yargılarının karakterini verdi.

Rus resmindeki klasisizm, bu tür ünlü sanatçılar tarafından da desteklendi: I. Repin, I. Surikov, V. Serov, I. Shishkin, A. Savrasov, I. Levitan. Hepsi ayrı ayrı ülkelerinin sanatı için çok şey yaptı ve birlikte bütün dünyanın kültürü için.

Klasisizm, Rönesans döneminde gelişmeye başlayan bir resim tarzıdır. Latince'den çevrilen "classicus", "örnek" anlamına gelir. Basit bir deyişle, oluşumunun başlangıcında klasisizm, resim açısından ideal olarak kabul edildi. 17. yüzyılda gelişen sanatsal üslup, 19. yüzyılda yavaş yavaş kaybolmaya başlamış, yerini romantizm, akademizm ve gerçekçilik gibi yönlere bırakmıştır. Rönesans Klasisizm resim ve heykel tarzı, sanatçıların ve heykeltıraşların antik çağ sanatına yöneldiği ve birçok özelliğini kopyalamaya başladığı bir zamanda ortaya çıktı. Klasisizm doğru bir görüntü ifade eder, ancak sanatçıların resimlerindeki figürler oldukça heykelsi görünüyor, hatta abartılı denebilir - doğal değil. Bu tür tuvallerdeki insanlar, "konuşan" pozlarda donmuş heykeller gibi görünebilir. Klasisizmdeki insanların pozları, şu anda neler olduğunu ve bu veya bu karakterin kahramanlık, yenilgi, keder vb. Bütün bunlar abartılı, gösterişli bir şekilde sunuluyor.

Klasisizm İdealleştirilmiş atletik veya abartılı kadınsı fiziğe sahip erkek ve kadınların eski tasvirlerinin temelleri üzerine inşa edilen Klasisizm, Rönesans sanatçılarının ve sonraki dönemlerin sanatçılarının resimlerinde insanları ve hayvanları tam olarak bu biçimde tasvir etmelerini gerektirdi. Bu nedenle, klasisizmde, sarkık tenli bir erkek, hatta yaşlı bir adam veya şekilsiz bir figür olan bir kadın bulmak imkansızdır. Klasisizm, bir resimde bulunan her şeyin idealize edilmiş bir görüntüsüdür. Antik dünyada bir insanı tanrıların kusursuz bir yaratılışı olarak tasvir etmek kabul edildiğinden, bu üslubu kopyalamaya başlayan sanatçılar ve heykeltıraşlar bu fikre tam olarak uymaya başladılar. Ayrıca, klasisizm genellikle antik mitolojiye başvurdu. Antik Yunan ve Roma mitolojisinin yardımıyla, hem mitlerin kendilerinden gelen arsalar hem de antik mitolojinin unsurlarına sahip sanatçılar için modern olan arsalar tasvir edilebilir. Klasisist sanatçıların resimlerindeki mitolojik motifler daha sonra sembolizm şeklini aldı, yani eski semboller aracılığıyla sanatçılar şu veya bu mesajı, anlamı, duyguyu, ruh halini ifade ettiler.

Nicolas Poussin 1594'te Normandiya'da doğdu.17. yüzyılın en önemli Fransız ressamı olarak kabul edilir.1612'de Rouen'deki ilk eğitiminden sonra Paris'e geldi, ardından İtalya'ya gitti ve 1624'te Roma'ya yerleşti. hayatının geri kalanı onlar ve bize ulaşan eserler Roma dönemine kadar uzanıyor Büyük siparişler verdi ve klasisizmin tanınan başı oldu Bu ustanın eseri Fransız klasisizminin zirvesi oldu ve sonraki birçok sanatçıyı etkiledi. yüzyıllar

"Körlerin İyileşmesi" "Körlerin İyileşmesi" resmi İncil hikayesi üzerine yazılmıştır Ağaçların arasında pitoresk mimariye sahip oldukça sert bir şekilde yürütülen bir manzaranın arka planına karşı, iki bölümden oluşan bir grup insan gösterilmektedir: İsa'nın öğrencileri ve bir grup kasaba halkı, diz çökmüş kör bir adamla, İsa'nın elle dokunduğu

"Kudüs Kurtarıldı" Poussin'in resimlerinin arsalarının çoğu edebi bir temele sahiptir.Bazıları, Filistin'deki Haçlı şövalyelerinin kampanyalarını anlatan İtalyan Rönesans şairi Torquato Tasso "Kudüs Kurtarıldı" adlı eserine dayanmaktadır.

"Polyphemus ile Peyzaj" Peyzaj, Poussin'in eserinde önemli bir yer tutmuştur. Mitolojik kahramanların her zaman yaşadığı bir yer. Bu, eserlerin başlıklarına yansır: "Polyphemus ile Manzara", "Herkül ile Manzara" Ama figürleri küçük ve neredeyse devasa dağlar, bulutlar ve ağaçlar arasında görünmez.mitolojiler burada dünyanın maneviyatının bir sembolü olarak hareket eder.Aynı fikir, peyzajın kompozisyonu ile ifade edilir, basit, mantıklı, düzenli

Claude Lorrain () Claude Lorrain, Poussin'in çağdaşıydı. Sanatçının gerçek adı Claude Jellet'tir ve Lorraine ilindeki doğum yerinin adından Lorrain lakabını almıştır.Çocukken, İtalya'da sona erdi. resim okumaya başladı.Sanatçı hayatının çoğunu Roma'da geçirdi

Lorrain limanında sabah, çalışmalarını XVII.Yüzyılda Fransa'da olan manzaraya adadı. Nadirdi Tuvalleri, Poussin manzaralarıyla aynı fikirleri ve kompozisyon ilkelerini içeriyor, ancak daha fazla renk inceliği ve ustalıkla oluşturulmuş perspektif açısından farklılık gösteriyor Lorrain, tonların oyunuyla, tuval üzerindeki hava ve ışığın görüntüsüyle ilgileniyordu.

Öğlen Sanatçı, yumuşak ışık ve gölgeye ve hatta uzaktaki nesnelerin ana hatlarını "çözme" etkisini aktarmaya izin veren dağınık aydınlatmaya yöneldi. ışığın yumuşak yansımalarla oynadığı yamaçlar, deniz yüzeyi Fransız manzara geleneklerinin kurucusu olarak kabul edilen Lorrain'dir.

Charles Lebrun () Charles Lebrun'un geniş mirası, Fransız klasisizminin geçirdiği değişiklikleri açıkça göstermektedir.Kralın ilk ressamı unvanını alan Lebrun, başta Versay'daki Büyük Saray'ın tasarımı olmak üzere tüm resmi projelere katıldı.Duvar resimleri yüceltildi. Fransız monarşisinin gücü ve Güneş Kralı XIV.Louis'in büyüklüğü de birçok portre çizdi.Müşterileri ağırlıklı olarak kraliyet bakanları ve mahkeme aristokrasisiydi.Ressam, resimlerini törensel bir tiyatroya dönüştürerek zevklerini her şeye şımarttı. performans. ama Lebrun zulmüne bile ima etmedi, asil bir duruşa ve bilge haysiyetle dolu bir yüze sahip bir asilzade, maiyetiyle çevrili bir ata biniyor
Büyük İskender'in Babil'e Girişi Lebrun sayesinde 1648 yılında kurulan Fransız Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi, Kraliyet Goblen ve Mobilya Fabrikası'na uzun yıllar liderlik etti. Akademideki uzun öğretmenlik kariyerinde Lebrun, gerçek bir diktatör, her şeyden önce, kapsamlı eğitim çizimi ve renkleri ihmal etme konusunda ısrar ederken, Poussin'in otoritesine atıfta bulunurken, fark edilmeden ilkelerini ölü bir dogmaya dönüştürdü.