Maľovanie 1. polovice 19. storočia. Maľovanie prvého polovice XIX storočia

Lyagin Yana.

Táto práca nás zavádza do umenia XIX storočia. Umenie kedykoľvek, ako špongia, absorbuje hlavné problémy, myšlienky a názory na ich čas. Pre ruské umenie je táto okolnosť najvýznamnejšia, pretože vždy nemohla byť politizovaná, potom v každom prípade je úzko spojená s ideológiou vládnucej časti spoločnosti, reakciou jeho kruhov alebo revolucionárnych radikálov.

Stiahnuť ▼:

Náhľad:

Mestská súťaž o rašeň Študenti

Mestská štátna inštitúcia Spoločenstva

stredná škola. Slravay.

Plná adresa: SARATOVský kraj, okres Ekaterinovsky, s. Kŕdeľ

ul. Práca d. 1

Abstraktné práce:

"Ruské umenie v XIX storočí"

Trieda 10

Hlava : SAZONOVA JULIA ANDEREVNA,

umenie učiteľ.

2013-2014 Akademický rok

Úvod ................................................... .......................... ......... 3

1. Kultúra Ruska XIX storočia: všeobecná charakteristika ................................. 4

2.Russké umenie v XIX storočí ............................................ .................. 6

2.1 Ruské umenie v prvej polovici storočia XIX - "Zlatý vek kultúry" ................................. .................................................... .................. 6

2.2 Ruské umenie v druhej polovici storočia XIX ........................... .... 11

Záver ................................................... ................................................. 15

Zoznam použitých literatúry ................................................ .. ....... 16

Úvod

Umenie kedykoľvek, ako špongia, absorbuje hlavné problémy, myšlienky a názory na ich čas. Pre ruské umenie je táto okolnosť najvýznamnejšia, pretože vždy nemohla byť politizovaná, potom v každom prípade je úzko spojená s ideológiou vládnucej časti spoločnosti, reakciou jeho kruhov alebo revolucionárnych radikálov.

Účel práce - analyzujte ruské umenie XIX storočia.

Úlohy:

1. Celková charakteristika tejto éry;

2. Stručne opíšte ruské umenie XIX storočia v jeho názoroch.

1. Kultúra Ruska XIX storočia: Všeobecné charakteristiky

História ruského umenia XIX storočia je obvyklá na zdieľanie etáp.

Prvá polovica sa nazýva Zlatý vek ruskej kultúry. Začal sa zhodovať s epochou klasicizmu v ruskej literatúre a umení. Po porážke decentristov začala nový výťah sociálneho hnutia. To vinštaloval nádej, že Rusko bude postupne vyrovnať s jeho ťažkosťami. Krajina dosiahla v týchto rokoch najpôsobivejší úspech v oblasti vedy a najmä kultúry. Prvá polovica storočia dal Rusko a svet Pushkina a Lermontova, Griboedova a Gogolu, Belinskej a Herzen, GLinka a Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov a Fedotov.

Výtvarné umenie prvej polovice XIX storočia má vnútornú komunitu a jednotu, jedinečné kúzlo jasných a humánnych ideálov. Klasicizmus je obohatený o nové funkcie, jeho silné stránky sa jasne prejavujú v architektúre, historickej maľbe, čiastočne v sochárstve. Vnímanie kultúry starovekého sveta sa stalo viac historickým ako v XVIII storočia a demokratickejšie. Spolu s klasicizmom je romantickým smerom intenzívny vývoj a začína sa vytvárať nová realistická metóda.

Romantický smer ruského umenia prvej tretiny XIX storočia pripravil rozvoj realizmu v nasledujúcich desaťročiach, za to do určitej miery spojili romantických umelcov s realitou, s jednoduchým skutočným životom. Bola to vnútorná podstata komplexného umeleckého pohybu celej prvej polovice XIX storočia. Všeobecne platí, že umenie menovanej fázy je architektúra, maľba, grafika, sochárstvo, aplikovaná a ľudová kreativita - vynikajúci, úplný fenomén zvláštnosti v histórii ruskej umeleckej kultúry. Rozvoj progresívnych tradícií predchádzajúceho storočia, vytvorilo mnoho vynikajúcich diel veľkej estetickej a sociálnej hodnoty, pričom prispel k svetovému dedičstvu.

Druhou polovicou je čas konečného schválenia a konsolidácie národných foriem a tradícií v ruskom umení. V strede storočia XIX prežil Rusko silné šoky: Krymská vojna z roku 1853-1856 skončila porážkou. Cisár Nicholas, ktorý som zomrel, ktorý vyliezol na trón, Alexander II, vykonal dlho očakávané zrušenie serfdom a iných reforiem. Populárny v umení sa stal ruskou témou. Ruská kultúra nebola uzavretá v národnom rámci, nebola oddelená od kultúry zvyšku sveta.

1. Ruské umenie v XIX storočí

Začiatkom XIX storočia je čas kultúrneho a duchovného zdvíhania v Rusku. Rozvoj ruskej kultúry v 19. storočí sa spoliehal na predchádzajúcu konverziu času. Prenikanie prvkov kapitalistických vzťahov k ekonomike posilnila potrebu príslušných a vzdelaných ľudí.Verejné bivalice a múzeá zohrali pozitívnu úlohu v kultúrnom živote krajiny (prvá verejná knižnica bola otvorená v St. Petersburg v roku 1814). Rusko vyvinuté na pozadí zvyšujúcej sa národnej identity ruských ľudí av súvislosti s tým mala výrazný národný charakter.

2.1 Ruské umenie v prvej polovici XIX storočia - "Zlatý vek kultúry

Prvá tretina storočia XIX sa nazýva "zlatý vek" ruskej kultúry. Záujem o domácu históriu boli dôvodom na vznik mnohých románov, príbehov, baladov, vedie na rôzne historické témy. Najznámejšie oceľové romány M.N. Zagoskin (1789-1852) "Yuri Miloslavsky, alebo Rusi v roku 1612", "Roslavlev, alebo Rusi v roku 1812", "Kuzma Roshchin",I.I. Lazhechnikova (1792-- 1869) "Ice House", "Posledný Nový rok", "Basurman". Dokonca aj v menách je jasné, že tieto a iné diela historickej prózy považovali krízové \u200b\u200bobdobia ruskej histórie: civilný boj ruských princov, ruskej oslobodzovacej vojny, politických intrigov a udalostí, ktoré majú z hľadiska svojich autorov, nevyhnutné význam. Politické závislosti autorov v rovnakom čase. Napríklad MN Zagoskin bol zrejmý zástanca monarchie a tieto názory sa prejavujú v politických vyhláseniach autora, ale v jeho hrdinoch, v opisoch prvkov života, v závislosti od osobného vzťahu postáv z výsledkov mnoho historických udalostí. A napriek tomu, v centre všetkých NOCHES, bola uzavretá jedna spoločná myšlienka, ktorá sa väčšinou vydala po vojne 1812 a stručne vyslovila II Alazhennikov v predslove na románe "Posledný nový rok": "Pocit, ktorý dominuje v mojom romáre , je láska pre trosky ".

Príbeh v jeho extrémnych momentoch je obsah a dômyselné "Taras Bulba" Gogol, "Kapitánova dcéra" a "Arape Peter Veľká" Pushkin, jeho dráma "Boris Godunov", básne "Poltava" a toľko funguje nie sú nemožné a prevedené.A.S. Pichnúť Stal sa symbolom jeho éry, keď sa rýchla koná v kultúrnom rozvoji Ruska. Pushkin je tvorcom ruského literárneho jazyka. Stalo sa s nepriestretnou hodnotou v rozvoji len ruštine, ale aj svetovej kultúry. Bol spevák slobody a presvedčeného vlastene. Básnik odomknutého k potomkom: "Nie je to možné len hrdý na hrdý na mojich predkov, ale mal by ... rešpekt na posledný - tu je funkcia, ktorá odlišuje tvorbu divokosti ...."

Humanistické ideály ruskej spoločnosti sa prejavili v vysoko nákladovo všeobecných vzorkách architektúry tejto doby a monumentálnej dekoratívnej sochy, pri syntéze, s ktorým dekoratívne maľovanie a aplikované umenie, ktoré sa často ukáže, že sú v rukách architektov sami. V architektúre XIX storočia. Klasicizmus dominoval. Budovy postavené v tomto štýle sa vyznačujú jasným a pokojným rytmom, správnosť pomerov. Významné rozdiely boli k dispozícii v architektúre Petrohradu a Moskvy. V strede XVIII storočia. Petersburg bolo mestom architektonických majstrovských diel, sa utopilo v zeleňoch estov a bol v mnohých smeroch podobný Moskve. Potom pravidelný rozvoj mesta začal pozdĺž škrtov svojich prospektov, lúčov z admirality. Petrohrad Klasicizmus je architektúra nie jednotlivých budov, ale celé súbory, ktoré ovplyvňujú ich jednotu a harmóniu. . Dôležitú úlohu pri vytváraní architektonického výskytu St. Petersburg hrá budovy admirality, postaveného projektomA.D. Zaharov (1761-1811). Fasáda admirátubol natiahnutý na 406 m. V strede sa nachádza triumfálny oblúk s vysokým združeným vetrom, ktorý sa stal jedným zo symbolov mesta.

Najväčší architekt tohto časuAndrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814). Hlavným tvorbou Voronikhina je Kazanská katedrála, ktorej majestátna kolonáda tvorila oblasť v centre mesta Nevsky Prospekt, otáčanie katedrály a životného prostredia v najdôležitejšom prostredí mestského plánovaného uzla stredu St. Petersburg. V roku 1813 bol v katedrále pochovaný Mi Kutuzov a katedrála sa stala druhou pamiatkou na víťazstvá ruských zbraní vo vojne z roku 1812. Neskôr na námestí pred katedrálou, sochy Kutuzov a Barclay de Tolly, vykonáva sochárB.I. Oorlovsky. Ruská socha 30-40 rokov XIX storočia. Je to demokratickejšie. V polovici storočia sochárstvo, hlavné - dve smery: jeden, pochádza z klasiky, ale ktorí prišli do suchého akademického; Ďalší zistí túžbu po priaznivejšom a multilaterálnej realite, dostane sa v druhej polovici storočia, ale nepochybne aj skutočnosť, že obidva smery monumentálneho štýlu sa postupne stratia.

Sochár, ktorý sa v rokoch poklesu monumentálnych foriem podarilo dosiahnuť významný úspech v tejto oblasti, ako aj v "malých formách", bolPeter Karlovich Klodt. (1805-1867), autor koní pre NARVA triumfálne brány v Petrohrade (oblúk. V. Stasov), "Tweeders of Konya" pre Anichkova most (1833-1850), Monument na Nicholas I na IsaAC Square (1850-1859 ), IA. Kryona v letnej záhrade (1848-1855), ako aj veľké množstvo sochárstva zvierat. Vedúci smer architektúry a sochárstva prvej tretiny XIX storočia bol klasicizmus. V maľovaní, bol primárne vyvinutý akademickými umelcami v historickom žánri (A.E. Egorov - "štúdium Spasiteľa", 1814, načasovanie; V.k. Shebeyev - "výkon obchodníka IGolekin", 1839, načasovanie; F.A. Bruni- Smrť Camilla, sestry Horace ", 1824, načasovanie;" Copper Fri ", 1826-1841, načasovanie). Ale skutočné úspechy maľby ležali, avšak v inom riadku - romantizmus. Najlepšie ašpirácie ľudskej duše, UPS a farnosti Ducha vyjadrila romantickú maľbu tej doby a predovšetkým portrét. V portrétnom žánri by malo byť predné miesto priradené Cyprinen Oresa (1782-1836). Testovacia časť CyProsk kreativity je grafické portréty, vyrobené v hlavne mäkkej talianskej ceruzke s úspornou cestou, akvarel, farebné ceruzky. Zobrazuje všeobecný e.i. CHAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (načasovanie), p.a. Olenina (GTG). Vznik rýchlych ceruzkových portrétov-skicing sám o sebe je významný, charakteristický pre nového času: Akákoľvek zmena tváre je ľahko upevnená akýmkoľvek mentálnym pohybom. Určitý vývoj sa však vyskytuje aj v Graf Kiprensky: Neexistuje žiadna priamosť a teplo v neskoršej práci, ale sú virtuáčkou a vynikajúcim vykonaním (portrét S.S. Shcherbatova, IT., GTG).

Sekvenčná romantika sa môže nazývať pólA.O. Orlovsky (1777-1832), rýchlo sa asimiloval v ruskej pôde, ktorá je obzvlášť viditeľná v grafických portrétoch. V nich, cez všetky vonkajšie atribúty európskeho romantizmu s jeho povstaním a napätím s výhľadom na povstanie a napätie s výhľadom na niečo hlboko osobné, skryté, intímne (samo-portrét, 1809, GTG). Oryolsky patrí k určitej úlohe v "spustení" spôsobov, ako si uvedomiť, že vďaka svojim žánrovým náčrtom, výkresom a litografiám zobrazujúcich Petersburské pouličné scény a typy, ktoré spôsobili slávne kretéra PA, VYAZEMKY:

Rusko je bývalé, vymazanie

Odchádzate mimo potomkov,

Chytili ste ju nažive

Pod ľudskou ceruzkou.

Prvej polovici storočia XIX. označené rozkvetom ruskej hudby súvisiaceho, prvé, pomenovanéMIKHAIL IVANOVICH GLINKA(1804-1857), ktorý vstúpil do príbehu ako prvý ruský skladateľ svetového významu. M.I. GLINKA je považovaná za zakladateľa ruskej klasickej hudby. Jeho operas "Život pre kráľa" a "Ruslan a Lyudmila" do značnej miery určil ďalší rozvoj ruskej opernej hudby po mnoho desaťročiach dopredu. Charakteristickým znakom kreatívneho prístupu skladateľa bolo využiť motívy ruského folklóru, ľudovej hudby. Napísal záblesky a romantiku. Významný príspevok k rozvoju v ruskej hudobnej kultúre urobil súčasníkmi GLINKAA.aALABYEV, A.E.VLAMAMOV, A.L.GURLEV, slávny dnes, hlavne ako autori romantiky.

A.A. ALYABYEV. A.L.GURLEV A.E.VLAMOV

2.2 Ruské umenie v druhej polovici storočia XIX

Podmienky pre rozvoj kultúry v druhej polovici 19. storočia.

Druhá polovica storočia XIX. - čas konečného schválenia a konsolidácie národných foriem a tradícií v ruskom umení. Uprostred XIX storočia. Rusko zažilo silné šoky: Porážka ukončila krymskej vojny z roku 1853-1856, cisár Nicholas, ktorý som zomrel, ktorý vyliezol na trón Alexander II, ktorý vykonal dlhodobo očakávaný storno SERFDY a ďalšie reformy. Populárny v umení sa stal ruskou témou. Ruská kultúra nebola uzavretá v národnom rámci, nebola oddelená od kultúry zvyšku sveta. Úspechy zahraničných umení našli odpoveď v Rusku. Na druhej strane ruská kultúra získala celosvetové uznanie. Ruská kultúra obsadila čestné miesto v rodine európskych kultúr.

Výtvarné umenie nemohlo zostať stranou z procesov, ktoré sa konali vo verejnom vedomí. Štátna galéria Tretyakov v Moskve je jedným z najväčších stretnutí ruského vizuálneho umenia, svetoznámejším národným kultúrnym centrom. Múzeum je názov zakladateľa - Moskva Merchant P.M.Treakova (1832-1898), ktorý predstavil svoju fotogalériu v roku 1892, ako aj malú zbierku brata a domu, ktorá v roku 1881 otvorila pre návštevníkov.

V tomto čase sa ruskí umelci dosiahli takú úroveň zručností, ktorá vložila svoje diela v jednom rade s najlepšími príkladmi európskeho umenia. Súčasný je založený na myšlienkach kritického realizmu. Jedným z prvých majstrov tejto oblasti bol Vasily Grigorievich Perov (1833-1882). Jeho žáner pracuje ("vidiecke cestovanie vo veľkonočnom" z roku 1861, "drôty tímu" z roku 1865, Troika 1868) sú smutné príbehy života jednoduchých ľudí, ktorí sú v jazyku maľby.

Bezprecedentný rozkvet dosiahol krajinu. Landscape maľba sa zmenila na jednu z pokročilých oblastí umeleckej tvorivosti, tento žáner bol zvýšený do novej výšky. Zlepšili sa výrazné prostriedky, vyvinula sa technika. Landscape II Half XIX už nie je len obrazom "druhy krajiny" a maľba, cez obrazy prírody, prenášanie najkrajších hnutí ľudskej duše. Najväčší majstri krajiny v Rusku boli A.K. Savrasov ("Gracchi letel" z roku 1871), i.i Chishkin ("Sosnovy Bor" 1873, "Rye" z roku 1878), A.I.Kouezhi ("Birch Grove" 1879, "Moonlight na DNYPER "1880), VD Poleńov (Moskva Dvorik, 1878), II Lemitan (" Večer "1892," Jar. Veľká voda "1897), K.A. Korovin (" Zimné "1894" Paríž. Capuchin Boulevard "1906).

Vertices sú realistické umenie II polovice XIX storočia. KreativitaT.j. Pepina a V.I. SURIKOVA. Historická maľba našla svoju najvyššiu expresiu v práci Vasily Ivanovich Surikova (1848-1916). V histórii umelca sa ľudia najviac zaujímali o: Hmotnosť ľudí a silných svetlých osôb.

Prvá práca, ktorá priniesla V.I. SURIKOV DO GLORY, "RÝCHLOKOU STREALTKY" (1881). Kompozícia je postavená na kontraste: smútok, nenávisť, utrpenie stelesnené na obrázkoch strelcov, ktorí chodia do smrti a ich blízkych, sú proti stláčaniu na koni, kameň zmrazený v diaľke.

Okrem V.I. Surikova maľby na historických témach napísal v.m.vasnetsov. Obraz histórie v jeho dielach má hmatateľný epický, báječný odtieň: "Po tom, čo igor Svyatoslavich s Polovtsy" (1880), "Alenshka" (1881), najmä jasne zlúčeninou epickej a histórie sa prejavuje v Grand Canves "BOGATYRY" (1898 G.).

V roku 1898 bola založená nová umelecká asociácia v St. Petersburgu, pomenovanom"Svet umenia" . Umelecký umelec postavil na hlavu kruhuA.N. Benua a Messenat S.P. DYAGILEV. Hlavným jadrom združenia boloL.S. BAKST, E.E.LESKER, K.A. OSOV. "Svet umenia" usporiadal výstavu a uverejnil časopis pod rovnakým menom. Únia zahŕňala veľmi veľa umelcov:M.A.Vrubel, V.Serov, I.I. Levitan, M.V.NESTEROV, A. P. RYABUSHKKIN, N.K. RYRICH, B.M. KUSTODIEV, Z. SERBRYAKOVA, K. S.PETROV-VODKIN. Miriskusniks obhajoval slobodu individuálnej kreativity. Hlavný zdroj inšpirácie bol uznaný ako krása. Moderný svet podľa ich názoru je zbavený krásy, a preto namiesto pozornosti. Pri hľadaní krásnych umelcov "svetového mieru" v ich dielach sa často obracajú na pamiatky minulosti.

Aj druhá polovica XIX storočia. - Toto je obdobie nesplatených úspechov vedy a techniky. Chémia, fyzika, geografia, Biológia Rozvíjajte sa ...

Rozvoj prírodných vied, širokých spojení ruských vedcov so západným testom na dostatočnom mieste v Rusku vo Svetovej komunite.

Záver.

ruské vrecúška architektúra maľby

Umenie XIX storočia možno porovnať s multicolor mozaiky, kde každý kameň má svoje miesto, má svoj význam. Takže nie je možné odstrániť všetky, dokonca aj najmenšie, bez porušenia harmónie celku. Avšak, v tejto mozaike sú kamene najcennejšie, emitujú obzvlášť silné svetlo.

V priebehu storočia-starej histórie, ruské umenie zažilo významné, niekedy pôvodné zmeny: bola obohatená, komplikovaná, zlepšila, ale vždy zostala originálna.

Ruská architektúra, vizuálna, ľudová a aplikovaná umenie svedčia o neoceniteľnom príspevku, ktorý zaviedol našich ľudí do pokladnice domácej a svetovej umeleckej kultúry.

Stupňou XIX, možno, najťažšie a zaujímavé obdobie v histórii ruského umenia. Táto éra vyvolala brilantnú tvorivosť A.S. Pushkin, ľud a celý život, plný sen o slobode. Toto je obdobie prosperujúcej duchovnej kultúry: literatúra, filozofia, hudba, divadlo a vizuálne umenie.

Bibliografia.

1.ILINA T.V. Umenie História: Domáce umenie. Tutorial / TV. - M.: Vyššia škola, 2007. - 407 p.

2. Úplná referenčná kniha Školiteľka 5-11 Triedy (2 hlasitosť). E.V. Simonova.

Záujem o výtvarné umenie sa týkali čoraz väčšieho počtu častí spoločnosti, ktorá bola vyjadrená v tvorbe rôznych umeleckých spoločností, ktoré rastú popularitu výstav na Akadémii umení, základných umeleckých časopisov, vytváranie umeleckých múzeí.

Portrét zostal popredným žánrom v obraze, jeho vývoj bol spojený s prácou O.A. Cyproshensky a V.A. Tropinín. V dielach týchto umelcov, túžba chytiť jedinečnosť duchovného a emocionálneho sveta súčasných súčasníkov, romantizmus je prepojený s vlastnosťami realizmu. Krajina vyvinula spolu s portrétom spojeným s názvom S.F. Shchedrin, pre ktorých je charakteristické poetické vnímanie prirodzeného vzhľadu prírody. Domácnosť žánru predstavuje tvorivosť A.g. Venetsianova, ktorá ho zámerne vybrala ako nezávislý a plný typ maľby a p.a. Fedotova. Predmetom ich maľby je národný a demokratický. Historická maľba vyvinutá pod vplyvom vojny z roku 1812, rast vlastenectva a národného seba-vedomia. Tento smer bol reprezentovaný A.A. Ivanov, ktorý napísal slávny obraz Kristovho fenoménu ľuďom, A.E. Egorov, atď Niektorí umelci pracovali rovnomerne v rôznych žánroch. Tak boli F. Bruni, K.P. Bryullov, najväčší umelec svojho času, v ktorej pracovnej dráme, ľudskosti, brilantné zručnosti, bol stelesnený.

Takmer všetok rozvoj maľby v tom čase sa konal v rámci klasicizmu, pri maľovaní nadobudnutia akademického stavu. Academaizmus bol zameraný na najvyššiu vizuálnu techniku, mytologické a biblické pozemky, zloženie dekorácie. Všeobecne platí, že na maľovanie XIH v. Vyznačuje sa expanziou žánrov, pozemkov, zlepšení technických techník a umeleckých aspektov. Pre ruské vizuálne umenie boli charakteristické romantizmus a realizmus. Klasicizmus však bola oficiálne uznávaná metóda.

Klasicizmus v architektúre na začiatku XIX storočia. Dosiahol najvyššiu úroveň vývoja vytvorením úrodnej pôdy vyjadriť civilné patos. Charakteristický znak - vytvorenie veľkých súborov. Ruská architektúra rozlišovala vysokú profesionalitu, hľadala nové cesty.

Medzi architektmi v tom čase by sa mala prideliť OI. Beauva, ktorá viedla prácu na obnove Moskvy po požiari 1812. Pod jeho vedením boli vytvorené jedinečné mestské súbory: divadlo, vzkriesenie, červené námestie; Alexander Garden; Budovy divadla Bolshoi, Maneja - štruktúry, konverziu vzhľadu mesta. V Petrohrade, klasicizmus si zachoval svoj oficiálny charakter a odrážala hodnotu mesta ako hlavné mesto ríše. Kazanská katedrála (1801-1811) Architect A.N. patrí k počtu vynikajúcich pamiatok. Voronikhina; Budovanie výmeny (1804-1811) architekta Tom de tonon; Mestské súbory K.I. Rossi, ktorý mesto obrátil na umelecké dielo. Podľa návrhu pekla. Zakharov bol postavený admirality budovy. Rámy Petersburských prospektov boli od neho oddelené. Podľa projektu A.A. Monferran bol vytvorený katedrály sv. Izáka - najvyššia budova Ruska tej doby.

Zmeniť klasicizmus, ktorý vyčerpal svoje schopnosti, ktoré sa dostali k rozpor so zmenenými estetickými potrebami éry v 30s. Hih. Eklektické prišlo. Jeho hlavným princípom je použitie prvkov rôznych architektonických štýlov minulosti vo voľnej forme. Architect K.a. Tón je jedným z najvýraznejších zástupcov tejto oblasti. Projekt bol postavený Kristom Cirkvi Spasiteľ (1839-1883) na počesť víťazstva v vlasteneckej vojne z roku 1812

Najvýznamnejšie úspechy boli v tejto dobe dosiahnuté v oblasti monumentálnej sochy. Rovnako ako v iných smeroch umeleckej kultúry, bolo veľa vplyvu vlasteneckej vojny z roku 1812, témy hrdinstvo, vlastenectvo, atď. Boli populárne. Socha vyvinula v rámci štýlu klasicizmu, ale pomerne silný vplyv získava realistické funkcie. Charakteristickým znakom vývoja ruskej sochy z prvej polovice storočia bola syntéza sochárstva a architektúry, ktorá bola obzvlášť vyslovovaná pri vytváraní mestských súborov, riešenie iných úloh urbanistov.

Medzi vynikajúcimi sochármi - monumentalists, je špeciálne miesto obsadené V.I. Demum - Malinovsky a S.S. Pimenov. Spolu s architektom, Voronichin vytvorili jedinečnú dekor kazanskej katedrály, potom BAS-Reliéf pre banský inštitút. Niekoľko ambitových sôch bolo vyrezaných z kameňa na budovu admirality. Sochári tiež pracovali v spolupráci s architektom Rossi, vrcholom ich tvorivosti je socha oblúka generálneho štábu.

Medzi významné pamiatky éry patrí Minin a Poznaharsky Pamätník na Červenom námestí, ktorú vytvoril sochár i.p. Martos. V obrazoch hrdinov XVII storočia. Vlastnosti vlastenectva, Národná pýcha sú stelesnené. Veľkého významu bola práca B.I. Orlovsky, Autor postavy anjela, prepracovanie Alexander Stĺp, pamiatky poľa Marshal M.I. Kutuzov a General Barklay de Tollya pred katedrálou Kazan v Petrohrade. Alexandrovskaya stĺpec - Mengir, jedna z najznámejších pamiatok St. Petersburg. Reliéfny v štýle AMPIR v roku 1834 v centre palácového námestia architektom Auguste Monferran podľa dekrétu mladšieho brata cisára Alexandra I Nicholas I na pamiatku víťazstva nad Napoleonom. Stĺpec je monolitický obelisk, ktorý stojí na dekorated Bas-reliéfny podstavec s oddatinovým nápisom "Alexander Ďakujem Rusku". Stĺpce na poschodí - anjelová socha Boris Orlovského. Angelova tvár je daná vlastnosti Alexandra I. V ľavej ruke, Angel drží štvorpolík Latinský kríž a správny postoj k oblohe. Hlava anjela je naklonená, jeho pohľad je upevnený na zemi. Stĺpec čelí strane fasády do zimného paláca. Nie je to len vynikajúca architektonická pamiatka, ale aj veľký inžiniersky úspech jeho éry. V prvej polovici storočia XIX. Zdá sa, že nezávislé ruské hudobné umenie, hoci vplyv talianskeho, nemčiny, francúzskych škôl bol stále veľmi plstený. Ruská národná hudobná kultúra bola vytvorená na základe ľudovej tvorivosti, o čo dokazuje tvorivosť A.A. Alyabyeva, tvorca ruskej národnej opery M.I. Glink. Významný príspevok k rozvoju domáceho hudobného umenia, inovatívnej opery A.S. Dargomyzhsky. Kombinácia ľudových motívov s romantizmom viedla k vzniku špeciálneho žánru - ruskej romantiky (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, Al. GURILEV). V tom čase sa úloha Dramačného divadla v kultúrnom živote Ruska vážne zvýšila. V Moskve bolo centrom tohto typu umenia malé divadlo, kde boli demokratické trendy veľmi silné; V Petrohrade - Alexandrinsky, ktorý si zachoval hodnotu úradníka. Domáce umenie tohto času sa vyvinula ako súčasť štýlu romantizmu (najmä v práci PS Mochalov, ktorí hrali Schillerovej hry, Shakespeare; špeciálny úspech mal svoju úlohu Hamlet). Postupne bol v ruskej scéne schválený realistický smer v dôsledku dramaturgie A.S. GRIBOEDOVA, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky. Medzi hercami, ktorí vytvorili slávu ruskej scény, by mali byť pridelené M. S. Shchepkin, P.S. Moochalova, E.S. Semenova a kol. Tam boli rôzne typy divadiel. Pevnosť divadlá patrili k ruským aristokratickým priezviskom (Sheremetev, apraksin, Yusupov atď.) Boli stále široko distribuované. Štátne divadlá boli trochu (Alexandrian a Mariinsky v Petrohrade, Big a malý v Moskve). Osobitné miesto v kultúrnom živote Ruska bolo obsadené baletom divadelným umením. Vyvinula sa v úzkom spojení a pod vplyvom domácej literatúry. Opustenie minulých baletov "najčistejšie klasika". Prišli posunúť sentimentálne melodramy a romantické produkcie. Balety sa objavili v repertoári, ktorého graf navrhol domáci literatúra.

Zobrazenia: 27 748

Prvé desaťročia XIX storočia. V Rusku sa konali v situácii celoštátneho výťahu spojeného s vlasteneckou vojnou z roku 1812. Ideálne ideály tohto času sa nachádzali v poézii mladých pushkina. Vojna z roku 1812 a povstanie decentristov do značnej miery určilo povahu ruskej kultúry prvého tretieho storočia.

Zvlášť akútne rozptýlenie času boli označené v 40. rokoch. To bolo potom, že A.I. Revolučná aktivita začala Herzen, s brilantnými kritickými článkami V. G. Belinsky, vášnivých sporov LED Westerns a Slavoholes.

Romantické motívy sa objavujú v literatúre a umení, čo je prirodzené pre Rusko, už viac ako jedno storočie zapojené do celoeurópskeho kultúrneho procesu. Cesta od klasicizmu k kritickému realizmu prostredníctvom romantizmu určovala podmienené oddelenie histórie ruského umenia z prvej polovice XIX storočia. Ako keby dvomi fázami, ktorých povodia boli 30s.

V porovnaní s XVIII storočím sa zmenilo. Vizuálne, plastové umenie. Verejná úloha umelca, význam jeho osobnosti, jeho právo na slobodu tvorivosti, v ktorom sa teraz čoraz viac zvýšili sociálne a morálne problémy.

Rast záujmu o ruský život Ruska bol vyjadrený v budove niektorých formulovaných spoločností a zverejnenie osobitných časopisov: "slobodná spoločnosť literatúry grantov, vied a umenia" (1801), "Journal of Fine Arts" najprv v Moskve (1807), a potom v St. Petersburg (1823 a 1825), "spoločnosť pre propagáciu umelcov" (1820), "ruské múzeum ..." P. Swistina (1810s) a "Ruská galéria" v Hermitage (1825), Provinčné umelecké školy, ako je škola AV Stupina v Arzamoch alebo A.G. Venetianovanova v Petrohrade a obci Safonkovo.

Humanistické ideály ruskej spoločnosti sa prejavili v vysoko nákladovo všeobecných vzorkách architektúry tejto doby a monumentálnej dekoratívnej sochy, pri syntéze, s ktorým dekoratívne maľovanie a aplikované umenie, ktoré sa často ukáže, že sú v rukách architektov sami. Majstrovský štýl tohto času je zrelý, alebo vysoký, klasicizmus, vo vedeckej literatúre, najmä začiatkom 20. storočia, často označovaný ako ruský ampir.

Architektúra

Architektúra prvej tretiny storočia je predovšetkým riešením veľkých úloh urbanistov. V Petrohrade je dokončená dispozícia hlavných štvorcov hlavného mesta: Palác a Senát. Vytvoria sa najlepšie súbory mesta. Najmä intenzívne po požiari 1812 je postavený Moskva. Ideál sa stáva starožitnou v jeho gréckej (a dokonca archaickej) verzii; Cenning Heroic of Antique inšpiruje ruské architekti. Používa sa dorický (alebo toskánsky), ktorý priťahuje jeho závažnosť a laconizmus. Niektoré prvky objednávky sú zväčšené, zvyčajne sa týka kolonády a oblúkov, je zdôrazňovaný výkon hladkých stien. Architektonický obraz je pozoruhodný zväčšovač a monumentálnosť. Veľká úloha vo všeobecnom vzhľade budovy hrá sochárstvo, ktorá má určitú sémantickú hodnotu. Veľa rieši farbu, zvyčajne architektúru s vysokou klasicizmovou dvojfarebnou: stĺpikmi a stukco sochy - biela, pozadia - žltá alebo sivá. Medzi budovami sú hlavné miesto obsadené verejnými štruktúrami: divadlá, oddelenia, vzdelávacie inštitúcie, paláce a chrámy sú oveľa menej pravdepodobné (s výnimkou nových katedrálov v rámci kasárňach).

Najväčší architekt tohto času Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814) začal svoju nezávislú cestu v 90. rokoch s reštrukturalizáciou po F.I. Demetsov interiéry Stroganovho paláca F.-B. Rastrelli v Petrohrade (1793, minerálny kabinet, galéria obrázkov, rohová halu). Klasická jednoduchosť je charakteristická pre stoganovského chaty na čiernej rieke (1795-1796, nezachovalo. Pre krajinné maslo "Chata Stroganova na čiernej rieke" , 1797, MRM, Voronikhin dostal názov akademika). V roku 1800, Voronikhin pracoval v Peterhof, splnil návrh galérií na Buchet Fontana "Samson" a zúčastňoval sa na celkovom rekonštrukcii veľkých grotských fontán, pre ktoré bola umelecká akadémia oficiálne uznaná ako architekt. Neskôr, Voronikhin často pracoval na predmestí St. Petersburg: navrhol množstvo fontán pre Pulkovskaya Road, oddelené skrine "baterka" a egyptská lobby v Pavlovskom paláci,

Wiscontal Bridge a Pink Pavilion v Pavlovsk Parku. Hlavná brainstormina Voronikhina - Kazanská katedrála (1801-1811). Semi-zakrivená kolonáda chrámu, ktorú postavil, ani zo strany hlavnej západnej, a zo strany - severnej fasády, vytvoril námestie v centre mesta Nevsky, otočil katedrálu a budovu okolo najdôležitejšia jednotka urbanistov. Arménsko, druhá je dokončená kolonádou, pripojte budovu s okolitými ulicami. Proporcionalita bočnej cesty a budov katedrály, kresba Portico a koncové korintické stĺpy svedčia o vynikajúcej znalosti starovekých tradícií a zručnosti ich úprav v jazyku modernej architektúry. V zostávajúcom nedokončenom projekte 1811 sa druhá kolonáda prevzala z južnej fasády a veľkej polkruhovej oblasti západnej. Z tohto dizajnu bol vyrobený len nádherná liatina mriežka pred západnou fasádou. V roku 1813 bol v katedrále pochovaný M.I. Kutuzov a budova sa stala druhou pamiatkou na víťazstvá ruských zbraní. Boli tam bannery a iné pamiatky, zostrelili z napoleonských vojakov. Neskôr boli pamiatky M.I. doručené do katedrály. Kutuzov a M.B. Barclay De Tolly, ktorý vykonáva sochár B. I. Orlovsky.

Ešte skôr prísnejší, predpokladaný charakter dal Voronikhin na horský kadet Corps (1806-1811, teraz horský inštitút), v ktorom je všetko podriadené silným Doric Portico z 12 stĺpcov, ktorí čelia Neva. Rovnako ťažko, obraz sochárstva zdobenie jeho sochárstvo, dokonale v kombinácii s vyhladzovaním bočných stien a dorických stĺpcov. T.j. Grabár správne si všimol, že ak klasicizmus Catherine Epoch vyšiel z ideálu rímskej architektúry (štvrtiny), potom "Aleksandrovsky", pretože by sa podobal najmodernejšieho štýlu spoločnosti Pestem.

Voronikhin - Architekt klasicizmu - veľa sily poskytla vytvorenie mestského súboru, syntézu architektúry a sochárstva, organickej kombinácie sochárskych prvkov s architektonickými členmi v oboch veľkých budovách a malých. Horský kadet Corps hľadať pohľad na ostrov Vasilsvského z mora. Na druhej strane ostrova, na jeho šípke, Tom de Tomon v týchto rokoch stavia ilustráciu výmeny (1805-1810).

Tom de Tomon (OK 1760-1813), Švajčiarsky podľa pôvodu, prišiel do Ruska na konci 18. storočia, už pracoval v Taliansku, Rakúsku, možno po absolvovaní kurzu v Parížskej akadémii. Nedostal dokončené architektonické vzdelávanie, napriek tomu bol poverený stavebnom budovanie

Výmena A brilantne sa vyrovnal s úlohou (1805-1810). Tomon zmenil celý vzhľad šípok Vasilyevského ostrova, umiestnením polkruhu pobrežia dvoch lôžok Neva, uvedenie do okrajov stĺpy Rostral Maják , čím sa vytvorí oblasť výmenného námestia. Samotná výmena má formu gréckeho chrámu - Periptera na vysokej báze, určený na obchodné sklady. Dekor je takmer neprítomný. Jednoduchosť a jasnosť formulárov a proporcií dávajú budovu majestátne, monumentálny charakter, aby bola hlavná vec nielen v šípkovom súbore, ale aj vplyv na vnímanie oboch nábreží ako univerzita a paláca. Dekoratívna alegorická socha budovania burzovej výmeny a rostralových stĺpcov zdôrazňuje vymenovanie štruktúr. Centrum výmeny s laconickým dorickým antablom je zablokovaný rozptávou semi-zakrivenou oblúkom.

Exchangeový súbor nebol jedinou ochranou Tom de Tomon v Petrohrade. Postavil v kráľovských prímestských rezidenciách, pomocou gréckeho typu stavby tu. Romantická náladu umelca bola plne vyjadrená v mauzóleu "manželka-dobrodina", postavený cisárovnou Máriou

Fedorovna na pamiatku Pavla v Pavlovsk Parku (1805-1808, pamätná socha vykonáva Marta). Mauzóleum sa pripomína archaický typ cirkvi. Vnútri haly je tiež zablokovaná kaissonovaným oblúkom. Hladké steny sú lemované umelým mramorom.

Nové storočie bolo poznačené vytvorením hlavných súborov Petrohradu. Absolvent St. Petersburg Academy a študentka Parížskeho architekta J.-f. Shalgrena Andreyan Dmitrievich Zakharov (1761-1811), od roku 1805 "Hlavný admiralty Architect", začína výstavbu Admirality (1806-1823). Regulácia starej budovy Korobovskoye, obrátil sa na hlavný súbor St. Petersburg, vždy stál v predstavivosti, keď mesto odkazuje na mesto a dnes. Kompozitné riešenie Zakharov je mimoriadne jednoduché: konfigurácia dvoch objemov a jeden objem je vložený v inom, z ktorých externý, p-tvarovaný, oddelený kanálom z dvoch vnútorných Fregnel, m v tvare m v pláne. Vnútorný objem je workshopy loďou a ťahaním, sklady, externé agentúry, administratívne inštitúcie, múzeum, knižnica atď. Fasáda admirátu natiahnutá 406 m. Side fasády-krídla ísť do Neva, centrálneho konca v strede triumfalu cestovný oblúk so špire, ktorý je hradom zloženia a cez ktorý

prevádzkuje hlavný vstup vnútri. Zakharov si zachoval brilantný Korobovský plán veže, ktorý ukazoval rytmus a úcty k tradícii a siatie, aby sa transformovala v novom klasickom obraze budovy ako celku. Monotónnosť takmer polkilometrovej fasády je rozbitá jednotne umiestneným portico. V pozoruhodnej jednote s architektúrou je dekoratívna plastová budova, ktorá má ako architektonický a sémantický význam: Admiralty je morský úrad Ruska, silnú námornú moc. Celý sochársky systém bol vyvinutý spoločnosťou Zakharov sám a brilantne stelesnenými najlepšími sochármi začiatku storočia. Nad parapet hornej plošiny pavilónu veže, preliate kopulou, zobrazené alegórii vetrov, stavby stavby, atď. V rohoch podkrovia - naplnené F. Shchedrine štyri sediace výstrahy v lats, založené na štítoch, pod -minálny, až 22 m dĺžky, reliéf Frieze "Inštalácia flotily v Rusku" I. TEEREBENEV, potom v bytovej reliéfnom obraze Neptún, vysielanie Petra Trident ako symbol nadvlády nad morom a vo vysokej reliéf - okrídlová sláva So Bannery - Symvari Víťazstvá ruskej flotily, dokonca aj nižšie sochárske skupiny "Nymf, Holding Globes", ako ich Zakharov sám nazýval, naplnený F. Shchedrinom. Toto je kombinácia okrúhlych sochárstva s vysokým a nízkym terénom, socha plastmi s reliéfmi okrasnými kompozíciami, tento pomer sochárstva s hladkým radom steny sa použil v iných dielach ruského klasicizmu prvej tretiny XIX storočia.

Zakharov zomrel, nevidiaci sa admirality v hotovom formulári. V druhej polovici storočia XIX. Lodenica lodenice bola vybudovaná so ziskami, veľa v sochárskej dekorácie bola zničená, ktorá skreslila pôvodnú myšlienku Veľkej Arch Republic.

Najlepšie tradície domácej architektúry boli spojené v Zakharovskom admiralite (to nie je náhodou, že jeho steny a Centrálna veža pripomínajú mnohými jednoduchými stenami starých ruských kláštorov s ich jemnou zvonicou) a najmodernejšie úlohy plánovania mesta: budova úzko súvisí s architektúrou centra mesta. Odtiaľto trvá začiatkom troch ciest: Voznesensky, hrachu ul .. Nevský prospekt (tento systém žiarenia bol koncipovaný Peterom). Admirality ihla ozveny Vysoké špirály Petra a Katedrály Pavla a Mikhailovský hrad.

Vedúci architekt Petrohradu prvej tretiny XIX storočia. ("Ruská ampury" bola Karl Ivanovich Rossi. (1777-1849). Počiatočné architektonické vzdelávanie Rossi prijalo v dielni Brenna, potom

urobil výlet do Talianska, kde študoval antiky pamiatky. Seba nezávislý Jeho práca začína v Moskve, pokračuje v Tver. Jeden z prvých prác v St. Petersburg -poztroka na ostrove Elagin (1818). Môžeme povedať o Rossi, že "myslel na súbory." Palác alebo divadlo sa zmenil na mestské plánovacie uzol z štvorcov a nových ulíc. Tak, vytváranie Mikhailovsky palác (1819-1825, teraz Ruské múzeum), organizuje námestie pred palácom a položí ulicu na Nevského vyhliadky, a v tomto prípade, v rovnakom čase, s jeho úmyslom s inými blízkymi budovami - Mikhailovský hrad a Priestor z oblasti Marsov. Hlavný vstup do budovy umiestnenej v hĺbkach predného nádvoria za liatinovou mriežkou vyzerá slávnostne, monumentálne, čo uľahčuje korinthian Portico, ku ktorému je široké schodisko a dve rampy.

Veľa v dekoratívnej výzdobe paláca Rossi sa urobil sám, a s bezchybnou chuťou - kreslenie plota, interiérov lobby a Bielej haly, v ktorej sa prevládala biela so zlatom, charakteristikou ampury, ako je maľba griezail.

V dekorácii Námestie paláca (1819-1829) Predtým, ako Rossi stál najťažšou úlohou - kombinovať barokový palác Rastrelli a monotónnej klasickej fasády budovy hlavných zamestnancov a ministerstiev. Architekt porušil smútok posledného triumfálneho oblúka, ktorý objavil výstup na veľkú námornú ulicu na Nevský vyhliadky a dal správny formulár tejto oblasti - jednej z najväčších z oblastí európskych hlavných miest. Triumfálny oblúk, korunovaný vozidlom Glory, uvádza celý súbor vysoko dôležitého charakteru.

Jeden z nádherných súborov Rossi ho spustil na konci 10. a dokončená len v 30. rokoch a zahŕňala budovu. Alexandrian Divadlo postavený podľa najnovších technológií tej doby a so zriedkavým umeleckým dokonalým susedným k nemu Alexandrian Square, divadelné

ulica za fasádou divadla, ktorý dostal meno svojho architekta a štvorec Fontankovej nábreží Fontanky. Okrem toho súbor vstúpil do SOCOLOMICKEJ BEZPEČNOSTI MUDICKEJ KNIŽNOSTI, MODIFIKOVANÉ ROSSIHO A PALACE Palác, ktorý postavil Rusko v rokoch 1817-1818.

Posledná tvorba Rossi v Petrohrade - budova Senata a synody (1829-1834) na slávnom námestí Senátu. Aj keď sa stále usiluje o visiaci rozsah tvorivej myšlienky o architekte, ktorý kombinoval triumfálny oblúk dvoch budov, oddelený galériou, by sa nemalo poznamenať, že vznik nových funkcií charakteristických pre neskorú tvorivosť architekta a Posledné obdobie nejednoznačnosti ako celku: niektoré zlomky architektonických foriem, \\ t

preťaženie sochárskymi prvkami, stuhnutosťou, chladovou a pompizikovou.

Všeobecne platí, že tvorivosť Rossi je všeobecná vzorka mestského plánovania. Ako raz RASTRELLLI, on sám urobil dekorový systém, navrhol nábytok, vytváranie tapety kresieb, a tiež viedol obrovský tím dreva a kovových majstrov, maliarov a sochárov. Integrita svojich myšlienok, jednotné pomôže vytvárať nesmrteľné súbory. Rossi neustále spolupracoval s sochármi S.S. Pimenálny senior a v.I. DEMOUST-MALINOVSKY, autori slávnych vozov na triumfálnom oblúku hlavného ústredia a sôch na divadle Alexandria.

"Najprísnejší" všetkých architektov neskorého klasiky bol Vasily Petrovich Stasov (1769–

1848) Či už ide o kasárne (Pavlovsk kasárne na Marse v Petrohradu, 1817-1821), či je cisárske stajne prestavané ("stabilný úrad" na nábreží umývanie na stabilnej oblasti, 1817-1823), či už policajných katedrálov boli postavené (Izmailovsky katedrála, 1828-1835) alebo triumfálne oblúky (NARVA a MOSKVO), alebo vydávali interiéry (napríklad zimný palác po požiari 1837 alebo ekaterinínsky tsarskoselsky po požiari 1820). Všade Stasov zdôrazňuje hmotnosť, jeho plastovú závažnosť: Jeho katedrály, ich kupoly nákladu a statické stĺpy, zvyčajne dorické objednávky, sú rovnako pôsobivé a ťažké, celkový vzhľad je bez milosti. Ak sa stasov resorts na dekor, potom je to najčastejšie ťažké okrasné friezes.

Voronikhin, Zakharov, Toma de Tonon, Rossi a Stasov - Petersburg Architects. V Moskve v tom čase nepracoval žiadny menej nádherný architekt. Vo vojne z roku 1812, viac ako 70% celého mestského rezidenčného nadácie boli zničené - tisíce domov a viac ako sto cirkví. Ihneď po vyhostení francúzskeho začala intenzívna obnova a výstavba nových budov. Odrážalo všetky inovácie epochy, ale zostali žijúcou a plodnou národnou tradíciou. To bola originalita Moskvy stavebnej školy.

Po prvé, červené námestie bolo vymazané a na ňom O.I. Bove (1784-1834) Boli prestavané a v skutočnosti, re-postavené obchodné série, kupola nad centrálnou časťou, ktorej sa nachádzalo oproti kopule Kazakovského senátu v Kremli. Na tejto osi bolo trochu neskôr, pamätník Minin a Pozhody.

Beauvais sa tiež zaoberá rekonštrukciou územia priľahlého k Kremľa, vrátane veľkej záhrady na svojich stenách s bránou z Mokhovaya Street, Grotto na úpätí steny Kremľa a Ramponus v Trinity Tower. Bovy vytvára divadelný štvorcový súbor (1816-1825), budovanie veľkého divadla a viazanie novej architektúry s starovekým stenou Kurtkoe. Na rozdiel od petersburských štvorcov je zatvorené. Osip Ivanovich patrí aj budovom prvého nemocnice (1828-1833) a Triumfálne dvere Pri vstupe do Moskvy na strane St. Petersburg (1827-1834, teraz na Cutuzov Avenue), Cirkev všetkých smútiacich radosti vo veľkej ordyanke

Zamoskvorechye, ktorá je vložená na postavenú na konci XVIII storočia. Bazhenovy Bell Tower a Refectory. Toto je Cirkev-ROTUNDA, ktorej kopula podporuje kolonádu vo katedrále. Majster primerane pokračoval v prípade svojho učiteľa Kazachova.

Takmer vždy spolu plodne pracoval Domenico (DEEME IVANOVICH) libolddi (1788-1845) a Athanasius Grigorievič Grigoriev (1782-1868). Liberadi prestavané Burt počas vojnového Cossack Moscow University (1817-1819). V dôsledku preskupenia sa kopula a portico stávajú monumentálnou, od iónovej zmene na doric. Mnohí a úspešne Liberadi a Grigoriev pracovali v architektúre kaštieľa ( manor UsAcheva na Jauze, 1829-1831 s jeho jemnou scenériou; Panstvo Golitsyny "Kuzmini", 20s, s jeho slávnym jazdeckým dvorom).

Špeciálne kúzlo ruského AMP nás dopravil v Moskve obytné budovy z prvej tretiny XIX storočia: Slávnostné alegorické postavy na fasádach pokojne sa pridrvajú - s motívom balkónov a barizají v duchu provinčných ussers. Koncová fasáda budovy je zvyčajne chované na červenej línii, zatiaľ čo samotný dom je ukrytý v hĺbke dvore alebo záhrady. Zloženie komplexnej maľby a dynamiky, na rozdiel od petrurskej rovnováhy a poriadku (Lunin House, v Bráne Nikitsky, postavený D. Livilladi, 1818-1823); House Khrushchev, 1815-1817, teraz Museum A.S. Pushkin, postavený A. Grigoriev; Jeho dom Stanitskaya, 1817-1822, teraz múzeum L.N. Tolstoy, ako na Prechistenka.

Liberadi a Grigoriev v mnohých ohľadoch prispeli k šíreniu mimoburčania Moskvy, najmä drevených, v priebehu Ruska, od Vologda na Taganrog.

40. rokom XIX storočia. Klasicizmus stratil svoju harmóniu, bezfarebný, komplikovaný, vidíme to na príklade

Katedrála sv. Izáka v St. Petersburg postavený Auguste Monferran Štyridsať rokov (1818-1858), jedna z posledných prominentných pamiatok kultovej architektúry v Európe XIX, ktorá sa zjednotila najlepšie sily architektov, sochárov, maliarov, murárov a zakladateľov.

Spôsoby, ako rozvíjať sochu z prvej polstoročia, sú neoddeliteľné s cestami vývoja architektúry. V sochárstve, títo majstri pokračujú v práci I.p. Martos. (1752-1835), v 80-90s XVIII storočia. HAPISTOVANÉ JEHO HARBBSTONES TÝKAJÚCEVOKOĽKA ZAPOJENOSTI A TLENKU, MUDEJ AKTIVITY SMRY, "Rovnako ako staroveký" ("smútok môj svetlo ..."). Storočia XIX. Jeho rukopis sa veľmi mení. Mramor je nahradený bronzovým, lyrickým štartom - hrdinským, citlivým prísnym (náhrobkom E.I. Gagarina, 1803, HMGS). Grécke staroveku sa stáva priamou vzorkou na napodobňovanie.

V rokoch 1804-1818 Martos pracuje monument Minin a oheň Finančných prostriedkov, na ktorých sa idú na verejné predplatné. Vytvorenie pamiatky a jeho inštalácie sa uskutočnilo počas najvyššieho verejného zdvíhania a odrážalo náladu týchto rokov. Myšlienky najvyššieho občianskeho dlhu a výkonu v mene MARTOS MARKLANDSKEJ POTREBUJÚCEHO POTREBUJÚCEHO STRÁNKU ALEBO JEDNODUCHÉHO PRIESTORUJÚCEHO AKTUÁLNEHO AKTULÁRU. Minina je ruka je jednoduchá pre Kremľa - najväčšia ľudová svätyňa. Jeho šaty sú ruské tričko, a nie starožitné toga. Na Princ Poznassy, \u200b\u200bstaroveké ruské brnenie, izochih helmu a štít s obrazom záchrany. Pamätník sa odlišuje od rôznych bodov preskúmania: ak sa pozriete na právo, zdá sa, že sa nakláňajú na štít, pozarasky stojí smerom k Minin; Z frontálnej pozície, od Kremľa, zdá sa, že Minin presvedčil Pozharsky, aby prevzal vysoké poslanie obrany vlasti a princ je už po meči. Meč sa stáva odkazom

všetky zloženie.

Spolu s F. Shchedrian Martos tiež pracuje na sochách pre Kazanskú katedrálu. Vykonávajú úľavu "Voda Outflow Mojžiš" O podkroví východného krídla kolonády. Jasné členstvo v číslach na hladkom pozadí steny, prísne klasický rytmus a harmónia charakteristické pre túto prácu (Frieze Attica Western Wing "Copper ZMIY", ako je uvedené vyššie, bol vykonaný ProkoFiev).

V prvých desaťročiach storočia bola vytvorená najlepšia tvorba F. Shchedrin - Sochy admirality, ako je uvedené vyššie.

Nasledujúca generácia sochárov je reprezentovaná menami Stepan Stepanovich Pimenova (1784-1833) a Vasily Ivanovich DEMOUST-MALINOVSKY (1779-1846). Oni, ako nie sú v XIX storočí, dosiahnuté v ich pracovnej organickej syntéze sochárstva s architektúrou - v sochárskych skupinách

poodostic Stone for Voronikhinsky Mining Institute (1809-1811, Demust-Malinovsky - "Abdukcia proserpiny pluto" , Pimenov - "Bitka Hercules s ANTHE"), povaha predmetov nákladu je sprisahaná Doric Portico, alebo sa vykonáva z listu medené CHARIOT SLORY A CHARIIOT APOLLO PRE NÁRODNÚ SPRÁVU Triumfálny oblúk DVORTS a Alexandria.

Chariot slávy triumfálny oblúk (Alebo, ako sa to tiež nazýva, zloženie "víťazstvo") je určené na vnímanie siluety, ktoré sú jasne nakreslené na pozadí oblohy. Ak sa na ne pozeráte priamo, zdá sa, že mocné šesť koní, kde najviac extrémne odstránený pod coziers, prezentovaný v pokojnom a prísnom rytme, vládne po celej oblasti. Na strane kompozície sa stáva dynamickejšou a kompaktnou.

Jeden z nedávnych príkladov syntézy sochárstva a architektúry možno považovať za sochy Barclay de Tolly a Kutuzov (1829-1836, dodané v roku 1837) na katedrále kazaja B.I. Orlovsky (1793-1837), ktoré nežijú niekoľko dní pred otvorením týchto pamiatok. Hoci oba sochy boli vykonané v dvoch desaťročiach po výstavbe katedrály, brilantne zapadajú do pasáží kolonády, ktorí im dali krásne architektonické rámovanie. Myšlienka pamiatok Orlovského stručne a jasne vyjadrená Pushkin: "Tu je prickle Barclay, a tu hráč Kutuzova", tj postavy personifikujú začiatok a koniec vlasteneckej vojny z roku 1812. Od odporu , Vnútorné napätie v Barclayovej postave - symboly hrdinskej odolnosti a pred gestom. Kutuzovove ruky, napoleonské bannery a orlov pod nohami.

Sochárstvo

Ruská klasicizmus našla výraz v strojárskej sochárstve, v soche malých foriem, v medailu umenie, napríklad v slávnych medailónových reliéfoch Fedor Tolstoy (1783-1873), venovaný vojne z roku 1812, odborník staroveku, najmä homárnej Grécka, najkrajšie plastové, rozsiahle

spravodajca. Tolstoy sa podarilo skombinovať hrdinské, vznešené s intímnym, hlbokým osobným a lyrickým, niekedy maľoval aj romantickú náladu, ktorá je tak charakteristická pre ruský klasicizmus. Reliéf Tolstoy boli vykonané vo vosku, a potom "starý manir", ako senior seniper v Petrovkom, bol obsadený samotným kovovým majstrom, a mnohé možnosti sadry sa zachovali alebo preložili do Číny, alebo naplnené do tmelu (" Ľudové milície "," Battle Borodino "," Battle of Liipzig "," Mir of Europe "atď.).

Nie je možné uviesť ilustráciu F. Tolstója na báseň "Drain" i.f.

Tolstoy F. P. Ilustrácie k "Drain". 1820-1833

Bogdanovich, ktorý sa uskutočnil v jatočnom tele a perie a blížil sa rezačkou - vynikajúca vzorka ruskej nepriateľskej grafiky na pozemku OVIDIEVY "Metamorfóza" o láske Amur a Psychia, kde umelec vyjadril svoje chápanie harmónie starovekého sveta .

Ruská socha 30-40 rokov XIX storočia. Je to demokratickejšie. Nie je náhodou, že tieto roky sa objavujú také práce ako "chlapík hrá v babičke" N.S. Pimenova (Pimenová mladšia, 1836), "Ten chlap hrá v Pike" A.V. Loganovsky, Hotely stretol Pushkin, ktorý napísal slávne básne o ich expozícii.

Zaujímavý sochár kreativity I.p. Vitaly (1794-1855), ktorý vykonal sochu medzi inými prácami

pre triumfálne brány na pamiatku vlasteneckej vojny z roku 1812 v Tver Ocpain v Moskve (oblúk. O.I. Bow, teraz na Ave. Kutuzov); Pushkin Bust, urobil krátko po smrti básnika (mramor, 1837, WMD); Kolosálny Čísla anjelov na lampách v rohoch katedrály sv. Izáka - možné, najlepšie a najvýraznejšie prvky z celého sochárskeho dizajnu tejto obrovskej architektonickej štruktúry. Pokiaľ ide o portréty Vitaly (výnimka je bustom Pushkina) a najmä portrét sochára S.I. Galberg, potom nesú priame štýlové funkcie pre starobylý lem, zle starostlivosti, podľa spravodlivej poznámky z výskumných pracovníkov s takmer naturačnými osobami.

Žáner Jet je jasne sledovaný v práci skoro zosnulých študentov s.i. Galberg - P.A. Stavasser ("Fisherman", 1839, mramor, načasovanie) a Anton Ivanova ("Lomonosovove vzory na mori",

1845, mramor, načasovanie).

V polovici storočia sochárstvo, hlavné - dve smery: jeden, pochádza z klasiky, ale ktorí prišli do suchého akademického; Ďalší zistí túžbu po priaznivejšom a multilaterálnej realite, dostane sa v druhej polovici storočia, ale nepochybne aj skutočnosť, že obidva smery monumentálneho štýlu sa postupne stratia.

Sochár, ktorý sa v rokoch poklesu monumentálnych foriem podarilo dosiahnuť významný úspech v tejto oblasti, ako aj v "malých formách", bol Peter Karlovich Klodt. (1805-1867), autor koní pre NARVA triumfálne brány v Petrohrade (oblúk. V. Stasov), "Tweeders of Konya" pre Anichkova most (1833-1850), Monument na Nicholas I na IsaAC Square (1850-1859 ), IA. Kryona v letnej záhrade (1848-1855), rovnako ako veľký

počet sôch zvierat.

Dekoratívne a aplikované umenie, takže mocne sa vyjadril vo všeobecnom jednom prúde dekoratívneho dizajnu interiérov "Ruskej ampury" z prvej tretiny XIX storočia, - umenie nábytku, porcelánu, tkaniny, - aj uprostred Z tohto storočia stratí integritu a čistotu štýlu.

Maľovanie

Vedúci smer architektúry a sochárstva prvej tretiny XIX storočia bol klasicizmus. V maľovaní, bol primárne vyvinutý akademickými umelcami v historickom žánri (A.E. Egorov - "štúdium Spasiteľa", 1814, načasovanie; V.k. Shebeyev - "výkon obchodníka IGolekin", 1839, načasovanie; F.A. Bruni- Smrť Camilla, sestry Horace ", 1824, načasovanie;" Copper Fri ", 1826-1841, načasovanie). Ale skutočné úspechy maľby ležali, avšak v inom riadku - romantizmus. Najlepšie ašpirácie ľudskej duše, UPS a farnosti Ducha vyjadrila romantickú maľbu tej doby a predovšetkým portrét. V portrétnom žánri musí byť predné miesto pridelené KIPRENSKY ORESA (1782–1836).

Cypinsky sa narodil v provincii St. Petersburg a bol synom majiteľa pôdy A.S. Dyaconov a Serf. Od roku 1788 do 1803 študoval, počnúc vzdelávacou školou, na Akadémii umenia, kde pracoval v triede historického maľby od profesora G.I. Ugryumov a francúzsky maliar G.-f. Duyien, v roku 1805 dostal veľkú zlatú medailu pre obrázok "Dmitry Donskaya pre víťazstvo nad mamou" (MRM) a právo na dôchodcovú cestu v zahraničí, ktorá bola vykonaná len v roku 1816 v 1809-1811. Cypinsky žil v Moskve, kde pomohol Martam v práci na pamätníku Minin a oheň, potom v Tver a v roku 1812 sa vrátil do Petrohrade. Roky po ukončení akadémie a pred odchodom do zahraničia, ktoré dostali romantické pocity, najvyššie prekvitajúce kreativitu Cyprosssky. Počas tohto obdobia sa otáčal v médiu voľne sisteného ruského ušľachtilého inteligencie. Vedel som K. BATYUSHKOVA A P. VYAZEMSKY, PODĽA V.A. Zhukovsky a neskôr roky - Pushkin. Jeho intelektuálne záujmy boli tiež široké, niet divu, že Kiprensky vykreslil vo svojich zrelých rokoch, poznamenal ho nielen ako talentovaný umelec, ale aj ako zaujímavá osoba. Komplexné, premyslené, premenlivé v nálade - poďme pred USA zobrazené Kiprensky. Rostopina (1809, GTG), D.N. Chvost (1814, GTG), Chelishchev Chlapec (cca 1809, GTG). Vo voľnom pozícii, hľadáte na boku, vyzerá nedbalo na kamennú dosku, stojí plukovník labigycapo napr. Davydov (1809, načasovanie). Tento portrét je vnímaný ako kolektívny obraz vojnového hrdinu 1812, hoci je celkom betón. Romantická nálada je vylepšená obrazom búrky krajiny, na pozadí, z ktorých je uvedený obrázok. Príchuť je postavený na sonorózne, v plnej sile farieb červenej zlata a bielej so striebrom-v oblečení hussar - a na kontraste týchto farieb s tmavými tónmi krajiny. Otvorenie inej tváre ľudského charakteru a duchovného sveta človeka, Cyprosensky používali rôzne možnosti maľby zakaždým. Každý portrét týchto rokov je označený malebným Maestre. Maľba je bezplatná, postavená ako v portréte chvosta, na najtenších prechodoch jedného tónu na druhé, na rôznych svetlách farieb, potom na harmónii kontrastných čistých svetelných spotov, ako v obraze chlapec chelischev. Umelec používa tučné farby ovplyvňujúce modelovanie formulárov; Pastomická maľba bude rýchlo expresiu energie, posilňuje emocionalitu obrazu. Podľa spravodlivej poznámky d.v. Sarabenova, ruský romantizmus nikdy nebol taký silný umelecký pohyb ako vo Francúzsku alebo Nemecku. Neexistuje žiadne extrémne vzrušenie alebo tragickú beznádelnosť. V romantizme Cypinského je stále veľa z harmónie klasicizmu, z jemnej analýzy "twist" ľudskej duše, takže charakteristické pre sentimentalizmus. "Storočie súčasného a veku minulosti", čelil v práci skorého cyprozen, ktorý sa konal ako kreatívna osoba v najlepších rokoch vojenských víťazstiev a dúhových nádejí ruskej spoločnosti a predstavoval originalitu a nevysvetliteľnú kúzlo jeho skorých romantických portrétov.

Koncom, taliančina, obdobie na základe mnohých okolností svojho osobného osudu, umelec sa zriedka podarilo vytvoriť niečo rovné pre skoré diela. Ale tu môžete volať také majstrovské diela ako jednu z najlepších celoživotných portrétov Pushkina (1827, GTG), napísané umelcom v poslednom období svojho pobytu v vlasti, alebo portrét Avdulina (cca 1822, načasovanie), plný liehu smútku.

Neoceniteľná časť Cyproshenského kreativity - grafické portréty vyrobené v hlavne mäkkej talianskej ceruzke s morskými plodmi, akvarel, farebné ceruzky. Zobrazuje všeobecný e.i. CHAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (načasovanie), p.a. Olenina (GTG). Vznik rýchlych ceruzkových portrétov-skicing sám o sebe je významný, charakteristický pre nového času: Akákoľvek zmena tváre je ľahko upevnená akýmkoľvek mentálnym pohybom. Určitý vývoj sa však vyskytuje aj v Graf Kiprensky: Neexistuje žiadna priamosť a teplo v neskoršej práci, ale sú virtuáčkou a vynikajúcim vykonaním (portrét S.S. Shcherbatova, IT., GTG).

Sekvenčná romantika sa môže nazývať pól A.O. Orlovsky (1777-1832), 30 rokov tých, ktorí žili v Rusku a prinášajú tému ruskej kultúre, charakteristické pre západnú romanticu (BIVUAKI, HORENSMEN, LOCKOWARE. "Vezmite si svoju rýchlu ceruzku, kresliť, Orlovský, meč a sich," napísal ). Rýchlo sa asimiluje v ruskej pôde, ktorá je obzvlášť viditeľná v grafických portrétoch. V nich, cez všetky vonkajšie atribúty európskeho romantizmu s jeho povstaním a napätím s výhľadom na povstanie a napätie s výhľadom na niečo hlboko osobné, skryté, intímne (samo-portrét, 1809, GTG). Oryolsky patrí k určitej úlohe v "spustení" spôsobov, ako si uvedomiť, že vďaka svojim žánrovým náčrtom, výkresom a litografiám zobrazujúcich Petersburské pouličné scény a typy, ktoré spôsobili slávne kretéra PA, VYAZEMKY:

Rusko je bývalé, vymazanie

Odchádzate mimo potomkov,

Chytili ste ju nažive

Pod ľudskou ceruzkou.

Nakoniec romantizmus nájde svoj výraz a v krajine. Sylvester Shchedrin (1791-1830) začal kreatívnu cestu so študentom jeho strýka semien veľkorysých s klasickými kompozíciami: jasné rozdelenie troch plánov (tretí plán je vždy architektúra), na stranách scén. Ale v Taliansku, kde opustil St. Petersburg Academy, tieto vlastnosti neboli spätne odkúpené, nezmenili sa na schému. Bolo to v Taliansku, kde Shchedrin žil viac ako 10 rokov a zomrel v rozkvapom talentu, odhalil ako romantický umelec, sa stal jedným z najlepších maliarov v Európe spolu s Constable a Coro. Najprv objavil maľbu zajatcov pre Rusko. Pravda, podobne ako barizons, Shchedrin napísal len v otvorenom vzduchu ETUDES a dokončil obraz ("zdobený", podľa jeho definície) v dielni. Motív sa však mení akcenty. Takže Rím v jeho plátkách nie je majestátne ruiny staroveku, ale živé moderné mesto jednoduchých ľudí -enbakov, obchodníkov, námorníkov. Ale tento každodenný život pod štetcom Generrine získal zvýšený zvuk. Harbour Sorrento, Neapolské násypy, Tiber na hradu sv. Anjel, ľudia, ktorí chytia ryby, jednoducho hovoria o terasei alebo na dovolenke v tieni stromov, - všetko sa prenáša v komplexnej interakcii prostredia svetla, v lahodnej fúzii strieborných šedých tónov, zjednotenej zvyčajne červeného oblečenia a čelenky, v hrdzavých lístiach stromov, kde bola stratená akákoľvek červená vetva. V posledných dielach Shedrína, záujem o čiernobiele efekty, ktoré predpovedali vlnu nového romantizmu Maxim Vorobyova a jeho študenti (napríklad "pohľad na Neapol na lunárskej noci"). Podobne ako portrétistický Cypinsky a Battalist Orlovsky, krajinný dôstojník Generin často píše žánrové scény.

Určité refrakcie nájdeného žánru pre domácnosť, podivne znelo, v portréte, a predovšetkým v portréte sv. Andreevich tropinínu (1776 - 1857), umelca, len o 45 rokov závislosti slobodnej závislosti. Tropinin žil dlhý život, a on bol predurčený, aby sa naučil skutočné uznanie, dokonca aj slávu, aby sa dostal titulka akademika a stal sa najslávnejším umelcom Moskvy Portrét Škola 20s a 30s. Počnúc sentizentom, pravda, viac divadelná citlivá ako sentimentalizmus Borovikovského, tropinínu získa svoj vlastný štýl obrazu. Vo svojich modeloch neexistuje romantický poryt Cypriansky, ale jednoduchosť, nečinnosť, úprimnosť výrazu, pravdivosť znakov, presnosť detailov pre domácnosť sa v nich podrobí. Najlepšie portréty tropinínu, ako je napríklad portrét syna (cca 1818, GTG), portrét BULAKHOV (1823, GTG), označená s vysokou umeleckou dokonalosťou. To je obzvlášť viditeľné v portréte syna Arsenia, nezvyčajne úprimný obraz, živosť a bezprostrednosť, ktorej je zdôraznené zručným osvetlením: pravej strane postavy, vlasy sa prenikli, naplnené slnečným svetlom, šikovne prenášaným majstrom . Farby gama z Golden-Ohloous do Ružovej hnedej sú nezvyčajne bohaté, široké využívanie lescing sa stále podobá malebným tradíciám XVIII storočia.

Tropinín v jeho práci ide pozdĺž cesty odovzdávania prirodzenosti, jasnosti, rovnováhy s jednoduchými kompozíciami obrazu na portrét obilnín. Rovnako ako pravidlo, obraz je uvedený na neutrálnom pozadí s minimálnym príslušenstvom. To je, ako tropinín A.S. Pushkin (1827) - sedí pri stole v voľnom póze, oblečená v domácich šatách, ktorý zdôrazňuje prirodzenosť vzhľadu.

Tropinin je tvorcom špeciálneho typu portrét-maľby, to znamená, že portrét, v ktorom sú prináša vlastnosti žánru. "Laneby", "ruka", "gitarista", "Gold Leto" -Typeped obrazy s určitým príbehom, ktorí však nestratili, ale konkrétne sakra.

Umelec prispel k svojej práci, aby posilnil realizmus v ruskej maľbe a mal veľký vplyv na školu Moskvy - podľa definície D.V. Sarabaunová, druh "Moskva Bidermeer".

Tropinin práve vstúpil do žánru prvok v portréte. Skutočný postoj domácnosti (1780-1847) bol Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Amermer pre vzdelávanie, Venetsianov opustil službu kvôli maľbe, presunutá z Moskvy do Petersburgu a stal sa študentom Borovikovského. Prvé kroky v "Arts" urobil v portrétnom žánri, ktorý vytvoril pastel, ceruzku, maslo úžasne poetické, lyrické, niekedy prijaté romantickou náladou obrázkov (portrét B.C. Putyathy, GTG). Ale čoskoro umelec opustí portrét kvôli karikatúre, a pre jednodlhovanú karikatúru "Westrex" prvý počet "časopisu karikatúr na 1808 na tvárach" bol zatvorený. Leptanie z Venetsianovu bolo v skutočnosti ilustráciou pre ODA Derzhavin a zobrazený preplnený v recepcii, zatiaľ čo v zrkadle bolo viditeľné pre Benálu, ktorá je v náručí krásy, predpokladá sa, že je to karikatúra na grafe Krafamodko ).

Na prelome 10-20s bol Venetsian ponechaný od St. Petersburg do provincie Tver, kde si kúpil malý majetok. Tu získal svoju hlavnú tému, venovala sa obrazu roľníckej životnosti. Na obrázku "Khnemno" (1821- 1822, MRM), ukázal pracovnú scénu v interiéri. V snahe presne reprodukovať nielen póza práce, ale aj osvetlenie, dokonca nariadil znížiť jednu stenu ďasien. Život, ako je to - to je to, čo chce venatsian zobraziť, kreslenie roľníkov na čistenie repy; Majiteľa pôdy, ktorý dáva úlohu nádvoria; Spací pastier; Dievča s brunchom v ruke; obdivovať motýľ roľníckych detí; Scény zberu, Senokos, atď. Samozrejme, že Venetčania neotvorili najviac akútne kolízie života ruského roľníka, nezvýšili "choré problémy" modernosti. Toto je patriarchálny, idylický život. Ale umelec neurobil poéziu zvonku, neprišiel s ňou a jej výkrik v jej najvýraznejším s takýmitou života ľudí. Neexistujú žiadne dramatické reťazce vo Venetských maľbách, dynamický pozemok, naopak, sú statické, "nič sa nestane v nich." Ale človek je vždy v jednote s prírodou, vo večnej práci, a to robí Venetianov obrazy sú skutočne monumentálne. Je realista? V chápaní tohto slova, umelcov druhej polovice XIX storočia - sotva. Vo svojej koncepcii existuje mnoho a z klasických myšlienok (stojí za to spomenúť si na jeho "jar. Na ornej pôde", GTG), a to najmä od sentimentálneho ("v zbere. Leto", GTG) a v pochopení vesmíru - a z romantického. A napriek tomu, že Venetianov je určitým štádiom na ceste pridania ruského kritického realizmu XIX storočia, a v tomto smere aj incredit význam jeho maľby. To určuje jeho miesto v ruskom umení ako celok.

Venetcianov bol vynikajúcim učiteľom. Škola Venetsianova, Venetsiansiants sú celé Pleiad umelcov 20 rokov a 19., ktorí s ním pracovali v St. Petersburgu a na jeho panstve Safonkovo. Toto je A.V. Tyranov, E.F. KRENDOVSKY, K.A. Zelentov, A.A. Alekseev, S.K. Zarynko, L.K. Plakhov, N.S. Krídla a mnoho ďalších. Medzi učeníkmi Venatsian je mnoho ľudí z roľníkov. Pod kečou Venatsians sa narodil nielen scény roľníckeho života, ale aj Urban: St. Petersburg ulice, ľudové typy, krajiny. A.V. Tyranov napísal scény v interiéri a portréty a krajiny, a stále život. Zvlášť miluje, že venetsianovtsy "rodinné portréty v interiéri" boli obzvlášť blízke - kombinovali špecifickosť snímok s podrobnosťami rozprávania, vysielania atmosféry životného prostredia (napríklad obrazom Tyrančiak "pracovníkov" Workshop Brothers Cherretovsky ", 1828, v ktoré sú kombinované portrét a žánru a zátišie).

Najtalentovanejší študent Venatsian je nepochybne Grigory Soroka (1813-1864), umelec tragického osudu. (Soroka bola oslobodená od prvku len reformou 1861, ale v dôsledku súdneho sporu s bývalým vlastníkom pôdy, bol odsúdený na telesného trestu, nerobil si o ňom a spáchal samovraždu.) Pod štetou, Soroki a krajinou Z jeho rodného jazera Moldino a všetky objekty v kancelárii nehnuteľností na ostrovoch, a postavy zmrazené nad mŕtvicou jazera rybárov sú transformované, naplnené najvyššou poéziou, zhovievavým tichom, ale aj so šikmým smútkom. Toto je svet reálnych objektov, ale aj dokonalý svetový imaginárny umelec.

Ruská historická maľba 30-40 rokov vyvinutých pod znakom romantizmu. "Genius kompromisu" medzi ideálmi klasicizmu a inováciami romantizmu nazývaného jeden výskumník (M.M. Allenov) Karl Pavlovich Bullov (1799-1852). Sláva Bohorlylov sa vrátil na Akadémiu: Už obyčajné etudes sa zmenili na Brullov v hotových maľbách, pretože to bolo napríklad s jeho "Daffissim" (1819, MRM). Po absolvovaní kurzu so zlatým medailou, umelec išiel do Talianska. V dwitalistánskych dielach sa Bullov odvoláva na pozemky z biblického ("Vzhľad troch anjelov troch anjelov Mamvrijských", 1821, načasovania) a starovekého ("Oedip a Antigone", 1821, Tyumen Regional Museum miestnych Lore) , Zapojený v litografii, sochárstve, píše divadelnú scenériu, čerpá kostýmy do produkcie. Obrázky "Talianske ráno" (1823, Umiestnenie Neznáme) a "Talianske popoludní" (1827, MRM), najmä prvý, ukázať, ako blízko maliar sa priblížil k problémom Plenäer. Brullov sám tak určil jeho úlohu: "Zahŕňal som model na slnku, čo naznačil osvetlenie zozadu, takže tvár a hrudník v tieni a reflexne z fontány osvetlených slnkom, čo robí všetky tiene oveľa príjemnejšie porovnanie s jednoduchým osvetlením z okna. "

Úlohy plenárneho maľby sa preto zaujímajú o Bullova, ale cesta umelca však ležal iným smerom. Od roku 1828, po výlete do Pompeii, Bryullov pracuje na svojej rovnakej práci - "Posledný deň Pompeii" (1830- 1833). Skutočnou udalosťou starovekej histórie je smrť mesta s erupciou Vesuviusu v 79 N. e. - Urobil to možné ukázať umelcovi ukázať veľkosť a dôstojnosť človeka tvárou v tvár smrti. Požiarna láva prichádza do mesta, budovy a sochy sa rozpadajú, ale deti opúšťajú svojich rodičov; Matka pokrýva dieťa, mladý muž zachráni svojho milovaného; Umelec (v ktorom Bryullove zobrazil sám) berie farby, ale opúšťa mesto, vyzerá široko otvorené oči, snaží sa zachytiť strašný pohľad. Dokonca aj v smrti osoby zostáva krásne, ako krásne vyhodí s chariotom, ženou v strede kompozície. V maľbe Bryullov bol jednou zo základných funkcií jeho maľby jasne ukázal: pripojenie klasického stylistu jeho diel s vlastnosťami romantizmu, s ktorým Bhorlylovský klasicizmus zjednocuje vieru do šľachty a krásu ľudskej povahy. Preto úžasná "prežitie" zachovávajúcu jasnosť plastového tvaru, výkres najvyššej profesionality prevládali nad inými expresívnymi prostriedkami s romantickými účinkami obrazového osvetlenia. Áno, a veľmi témou nevyhnutnej smrti, neúprosná rock je tak charakteristický pre romantizmus.

Ako určitý štandard, založená umelecká schéma, klasicizmus prevažne obmedzený umelec Romance. Dohovor o akademickom jazyku, jazyku školy, ako Academy volal v Európe, sa úplne prejavil v Pompei: divadelné pozície, gestá, výrazy tváre, osvetľovacie účinky. Ale musíte priznať, že bullly sa snažili hrať historickú pravdu, snažiť sa reprodukovať špecifické pamiatky, otvorené archeológovia čo najbližšie a celý svet, naplňte scény opísané v penny mladších v liste k tej citlivosti. Najprv vystavený v Miláne, potom v Paríži, obraz bol v roku 1834 priniesol do Ruska a mal hlučný úspech. Gogol ho prehodnotil nadšene. Hodnota diel BRYULLOV pre ruskú maľbu je určená známymi slovami básnika: "A" Posledný deň Pompeii "bol prvý deň pre ruskú kefu."

V roku 1835 sa Brullov vrátil do Ruska, kde bol splnený ako triumf. Samotný historický žáner sa však už neurobil, pre "Osada Pskov, poľský kráľ Štefanovej batožiny v roku 1581" nebol dokončený. Jeho záujmy boli v inom smere - portrét, ku ktorému sa otočil, zanechal historickú maľbu, ako je jeho veľký súčasný cyprosensky, a v ktorom ukázal všetok svoj kreatívny temperament a skúšobné zručnosti. Môžete sledovať určitý vývoj bullov v tomto žánri: z predného portrétu 30s, ktorej vzorka môže byť dokonca portrét, koľko generického obrazu, napríklad, brilantné dekoratívne plátno "Horseman" (1832, GTG), kde je znázornený žiak grófstva YU P. SAMOYALLOVA JOVANINA PACHCHCHINIUJÚCE, KTORÉ NEPOUŽÍVAJÚ VŠEOBECNÉ NÁZVY; alebo portrét yu.p. SAMOILOVA s iným žiakom - amacyliou (asi 1839, TRM), na portréty 40-tych rokov - viac komory a jemné, mnohostranné psychologické charakteristiky (portrét. Strigovshchikov, 1840, GRM; Self-Portrét, 1848, GTG). Tvárou v tvár literátora Strigovsk sa číta napätie vnútorného života. Únava a horkosť sklamanie fúka z vzhľadu umelca na seba-portrét. Smutná tenká tvár s astonvatibickými očami, bolo to bezmocne zavesené aristokraticky tenké štetce ruky. V týchto obrázkoch, veľa z romantického jazyka, zatiaľ čo v jednom z najnovších diel - hlboký a srdečný portrét archeológ Michelangelo obed (1851), vidíme, že guľky nie sú cudzinec na realistický koncept v interpretácii obraz.

Po smrti Brulloveho, jeho študenti často používali len dôkladne vyvinuté formálne, čisto akademické princípy listu, a názov BRYULLOV mal vydržať veľa hours z kritikov demokratickej, realistickej školy druhej polovice Storočia XIX, predovšetkým VV Stasova.

Centrálna postava v obraze stredu storočia bola nepochybne Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Ivanov absolvoval Akadémiu St. Petersburg s dvoma medailami. Dostal malú zlatú medailu pre maľbu "ATAM, požadoval z Achillov Hectorovho tela" (1824, GTG), v súvislosti s ktorou kritikou poznamenala pozorné čítanie umelca Homer, a veľká zlatá medaila - za prácu " Joseph, tlmočenie snov s ním v Dungeone Vinolrypia a Khlebodar "(1827, TRM), úplný výraz, vyjadrený, však jednoducho a jasný. V roku 1830, Ivanov opustí Drážďany a Viedeň do Talianska, v roku 1831 vstúpi do Ríma a len jeden a pol mesiaca pred smrťou (zomrel z cholery) sa vracia do svojej vlasti.

Cesta A. Ivanov nikdy nebola ľahká, nelietala na okrídlenú slávu, ako pre "Veľký Carl". Počas svojho života bol jeho talent ocenený gogol, Herzen, Sechenov, ale medzi nimi neboli žiadne maliarov. Život Ivanov v Taliansku bol naplnený prácou a odrazmi na maľovanie. Ani bohatstvo, ani sekulárna zábava, ktorú hľadal, strávil svoje dni v stenách workshopu a na Etudah. Ivanovský svetový svetový mal určitý vplyv nemeckej filozofie, v prvom rade, harmonogram jeho predstavu o prorockom destinácii umelca v tomto svete, potom filozofia historika náboženstva D. Straus. Fascinácia histórie náboženstva viedla k takmer vedeckému štúdiu posvätných textov, ktorého sa objavil vytvorenie slávnych biblických náčrtov a oslovil obraz Mesiáša. Výskumní pracovníci kreativity Ivanova (D.V. Sarabianov) sú pomerne nazývaní jeho princípom "princíp etického romantizmu", to znamená, že romantizmus, v ktorom bol hlavný dôraz odložený z estetického počiatočného morálky. Vášnivá viera umelca v morálnej transformácii ľudí, pri zlepšovaní osoby, ktorá hľadá slobodu a pravdu, viedol Ivanov na hlavnú tému jeho kreativity - na obrázok, ktorý venoval 20 rokov (1837 - 1857), "Fenomén Krista Ľudia "(GTG, verzia autora - načasovanie).

Ivanov k tejto práci šiel dlhú dobu. Študoval maľbu Jotto, Venetčania, najmä Titian, Veronese a Tintoretto, napísal dvojročné zloženie "Fenomén Krista Mary Magdalínu po vzkriese" (1835, GRM), pre ktoré mu dal St. Petersburg Academy Názov akademika a predĺžil obdobie odchodu do dôchodku v Taliansku na tri roky.

Prvé náčrty "Mesiášových javov" odkazujú na 1833, v roku 1837 bola kompozícia prevedená do veľkých plátnov. Ďalej, práca išla, ktorá môže byť posudzovaná početnými zostávajúcimi náčrtmi, náčrtmi, výkresmi, pozdĺž špecifikáciám znakov a krajiny, hľadanie celkového tónu obrazu.

Do roku 1845 bol v podstate "fenomén Krista". Zloženie tejto monumentálnej, softvérovej práce je založené na klasickom základe (symetria, umiestnenie expresívnej hlavnej postavy popredia - Jána Krstiteľa - v strede, umiestnenie BAS-reliéfu celej skupiny ako celku), ale Tradičná schéma je prehodnotená s umelcom. Maliar sa snažil preniesť dynamiku stavby, hĺbku priestoru. Ivanov hľadal toto rozhodnutie na dlhú dobu a dosiahol ho kvôli tomu, že sa objavuje postava Krista a pristupuje k ľuďom, ktorí berú krst Jána vo vodách Jordánska, od hĺbky. Ale hlavná vec, ktorá zasiahne na obrázku je mimoriadna pravdivosť rôznych znakov, ich psychologické charakteristiky, ktoré informujú úžasnú spoľahlivosť celej scény. Preto presvedčenie duchovného znovuzrodenia hrdinov.

Vývoj Ivanov v práci na "fenoméne ..." môže byť definovaný ako cesta z špecifickej realistickej scény do monumentálneho epického webu.

Zmeny vo svetonázore Ivanov-mysliteľa, ktorí sa vyskytli počas mnohých rokov práce na obrázku, viedli k tomu, že umelec nedokončil svoju hlavnú prácu. Ale on urobil hlavnú vec, ako povedal Kramskaya: "Prebudil vnútornú prácu v mysliach ruských umelcov." A v tomto zmysle sú výskumníci správne a hovoria, že Ivanovský obraz bol "predvídavosť skrytých procesov", ktoré sa konali v čl. Ivanov nájde tak nové, že divák ich jednoducho nemohol vyhodnotiť. Niet divu N.G. CHERNYSHEVSKY s názvom Alexander Ivanov Jeden z tých géniov, "ktorí sa dôrazne stanú ľuďmi budúcnosti, obetovať ... pravdy a, sa blíži jej už v zrelých rokoch, sa nebojí začať svoje aktivity znova s \u200b\u200boddanosťou mládeže" ( Chernyhevsky N.G. Poznámky k predchádzajúcemu článku // súčasné. 1858. T. XXI. November. P. 178). Až doteraz, obraz zostáva skutočnou akadémiou pre generácie majstrov, ako "Aténska škola" Rafael alebo sekvestinského plafónu Michelangelo.

Ivanov povedal, že svoje slovo vo vývoji princípov pleniára. V krajine napísané vonku, dokázal ukázať všetku moc, krásu a intenzitu prírody. A hlavnou vecou nie je rozdrviť obraz v snahe o okamžitý dojem, v túžbe presnosti detailov a zachovať jeho syntetickosť, takéto charakteristické klasické umenie. Z každej z jeho krajiny je harmonická jasnosť, či je znázornená osamelý pitie, samostatnú pobočku, námorné rozlohy alebo Pontské močiare. Toto je majestátny svet dopravovaný, avšak vo všetkých skutočných bohatstvách svetelného média, ako keby ste cítili vôňa trávy, váhavý horúci vzduch. V tej istej komplexnej interakcii s v stredu, zobrazuje ľudskú postavu vo svojich slávnych sudoch nahých chlapcov.

V poslednom desaťročí má Ivanov predstavu o vytvorení cyklu biblical-evanjeliových obrazov pre každú verejnú budovu na vykresľovanie pozemkov Svätého Písma v starovekej farbe Chuť, ale nie etnograficky jednoducho, ale vyvýšené. Biblické náčrty (GTG), ktoré vykonávali akvarelové biblické náčrty (GTG), zaberajú osobitné miesto v práci Ivanov a zároveň ho ekologicky dokončili. Tieto náčrty nám poskytujú nové príležitosti pre túto techniku, jej plastový a lineárny rytmus, škvrny na akvarel, nehovoriac o mimoriadnej tvorivej slobode pri výklade samotných pozemkov, ktoré ukazujú celú hĺbku Ivanov-filozofa a o jeho najväčšom darom Monumentalist ("Zechariáš pred anjelom", "spať Jozef", "krvte o luku", atď.). Ivanovový cyklus je skutočnosť, že dômyselná práca a náčrtky môžu byť nové slovo v umení. "V 19. storočí je storočie prehlbovacieho analytického rozdelenia bývalej integrity umenia do jednotlivých žánrov a individuálnych scénických problémov - Ivanov veľký génia syntézy, spáchaný myšlienkou univerzálneho umenia, interpretovaného ako druh Encyklopédie duchovného hľadania, kolízií a rastu historickej sebapozorovanosti človeka a ľudstva. (Allenov M.M. Umenie prvej polovice XIX storočia // Allenov M., Evangulova OS, Lifshits L.I. Ruské umenie x - začiatkom XX storočia. M., 1989. P. 335). Monumentalista volaním, IVANOV žil, však v čase, keď Monumentálne umenie rýchlo šlo na pokles. Realizmus Ivanovo foriem je málo v súlade s uplatnením kritického charakteru.

Sociálno-kritický smer, ktorý sa stal hlavnou v odbore druhá polovica Storočia XIX, v 40-50s vyhlásil v grafe. Nepochybná úloha tu hrala "Natural School" v literatúre, asociované (veľmi konvenčne) s menom N.V. Gogol.

Obrovský úspech mal album litografických karikatúr "Yelash" N.M. Nevakhovich, ktorý, ako benátsky časopis karikatúry ", bol venovaný satire morálky. Na jednej stránke veľkého formátu by mohla byť umiestnená niekoľko pozemkov, často tváre boli portrét, pomerne rozpoznateľné. "ELASH" bol uzavretý na 16. problém.

V 40. rokoch bolo vydanie V.F. veľkým dopytom. Timma, Ilustrátor a litograf. "Naše, odpísané z Nietya Rusi" (1841-1842) - Obrázok typov Petersburg Street z Flanders-Francúzsko do Jovníkom, Cabers, atď Timm tiež ilustrované "obrázky ruskej morálky" (1842-1843) a vykonali výkresy na báseň II. Matlev o pani Kurdyukovej, provinčnej vlhkosti, od nudy cestovania v Európe.

Kniha tohto okamihu sa stáva cenovo dostupnejšou a lacnejšou: ilustrácie začali tlačiť s drevenou doskou s veľkým obehom, niekedy s pomocou politikovania - kovových odliatkov. Prvé ilustrácie pre diela gogolu - "sto kreslí z básne n.m. Gogol "mŕtve duše" A.A. Azgin, gravírovaný e.e. Vernadsky; 50s boli poznačené aktivite T. G. Shevchenko ako odvodu ("podobenstvo o márnotř syna", ktorý impozantný krutý morálku v armáde). K rozvoja ruského žánru maľby druhej polovice XIX storočia prispeli karikatúry a ilustrácie pre knihy a časopisy Agina a Shevchenko.

Hlavným zdrojom žánru na maľovanie druhou polovicou storočia bola práca Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Za pár rokov venoval svoj maľbu svojím krátkym tragickým životom, ale dokázal sa vyjadriť ducha Ruska za 40 rokov. Syn SUVOROV vojaka, ktorý bol prijatý v Moskve Cadet Corps pre zásluhy Otca, Fedotov 10 rokov slúžil vo fínčine Guards pluku. Po rezignovaní sa zaoberá bojovou triedou A.I. Cheeerweed. Fedotov začal s kresbami pre domácnosť a karikatúry, s radom SEPII zo života Fitelka, Barynina Dog, ktorý bol v božstve a balenej hostesku, zo série, v ktorom sa vyhlásil ako satirický zmysel - ruský Domy svojho "Caricatyuran" (okrem meča - Sépia "Fashion Shop", 1844-1846, GTG; "Umelec, ktorý sa oženil bez Dowry v nádeji svojho talentu", 1844, GTG atď.). Študoval na Hogarth Gravdingy a holandský, ale väčšina z nich - na najradnom ruskom živote, otvorená postava talentovaného umelca vo všetkých jeho disharmóniach a rozporoch.

Hlavnou vecou vo svojej práci je domáca maľba. Aj keď píše portréty, je ľahké detekovať žánrové prvky (napríklad vo vodovodnom portréte "Hráči", GTG). Jeho vývoj v žánrovej maľbe - od obrazu karikatúry k tragickému, od preťaženia podrobne, ako v "čerstvom Cavalier" (1846, GTG), kde je všetko "sania": gitara, fľaše, posmechom slúžky, Dokonca aj papillos na hlave nereared Hero, - na limitný laconizmus, ako v "vdova" (1851, Ivanovo Regional Art Museum, možnosť - GTG, TRM), na tragický pocit nezmyselnosti existencie, ako v jeho poslednom Obrázok "kotva, stláčajte ďalej!" (približne 1851, GTG). Rovnaký vývoj a pochopenie farby: z farby, znejúce prehľadávanie, cez čisté, svetlé, intenzívne, nasýtené farby, ako v "hlavných hodinkách" (1848, GTG, verzia-načasovanie) alebo "Aristocrat raňajky" (1849- 1851, GTG), pred vynikajúcimi farbami "Vdovci", ktorý zradí predmetu, ako keby sa rozpustili v rozptýlenom svetle dňa, a integritu jedného tónu jeho posledných plátnov ("Ankor ...") . Bol to spôsob, ako z jednoduchého života na implementáciu v jasných, zdržanlivých obrazoch z najdôležitejších problémov ruského života, pretože to, čo je napríklad "Hlavným sledovaním", ako to nie je viniť jedným zo sociálnych faktov života svojich časových bugov ochudobnených šľachticov s obchodníkom "cash tašky"? A "Zdvihol nevestu, napísaný na pozemku požičaných z I.A. Krylova (veľmi, o ceste, ocenil umelec), ako to nie je manželstvo pri výpočte? Alebo alebo nepotvrdená prázdnoty sekulárneho spechu, práškového prachu v oku, - v "Aristokrat raňajky"?

Fedotovová maliarska sila nie je len v hlbinách problémov, v existencii pozemku, ale aj v úžasnej zručnosti realizácie. Stačí si spomenúť na úplnú kúznu komoru "Portrét N.p. Zhdanovich pre Claviersin "(1849, TRM). Fedotov miluje skutočný hmotnostný svet, s radosťou odrádza každú vec, potivovať to. Ale toto potešenie pred svetom nedodržiava horkosť toho, čo sa deje: beznádejnosť pozície "vdov", lož of sobášnej transakcie, túžba dôstojníka služby v "rohu medveď". Ak Fedotova prestávky cez Fedotov, potom je to ten istý gogol "smiech cez neviditeľný pre svet slz." Fedotov vyštudoval život v "Strefornom dome" o osudovom 37. roku života.

Umenie Fedotov končí vývoj maľby prvej polovice XIX storočia a zároveň úplne organicky - kvôli svojej sociálnej obľúdlosti - "Fedotovsky smer" otvára začiatok novej fázy - umenie kritického, \\ t Alebo, ako častejšie hovoria demokratický, realizmus.

Pre ruské vizuálne umenie boli charakterizované romantizmus a realizmus. Klasicizmus však bola oficiálne uznávaná metóda. Akadémia umenia sa stala konzervatívnou a šikmou inštitúciou, ktorá zabráni všetkým pokusom slobodom kreativity. Požadovala sa striktne sledovať kánony klasicizmu, podporované písacie maľby na biblických a mytologických pozemkoch. Mladí talentovaní ruskí umelci nespĺňali rámec AcadeIZ-MA. Preto sa častejšie obrátili na portrétový žáner.
Pri maľovaní boli stelesnené romantické ideály éry národného výťahu. Po zamietnuté prísne, neumožňujúce odchýlky princípov klasicizmu, umelci objavili rôznorodosť a jedinečnosť sveta. To sa však neodráža v obvyklých už žánrov - Portrét a krajina - ale tiež dal impulz na narodenie maľby domácností, čo bolo zameranie pozornosti majstrov druhej polovice storočia. Medzičasom zostala majstrovstvá za historickým žánrom. Bol to však posledné útočisko klasicizmu, a tu pre formálne klasicistické "fasády" HID Romantické myšlienky a témy.
Romantizmus - (Franz. Romantizmus), ideologický a umelecký smer v európskej a americkej duchovnej kultúre konca 18 - 1. poschodie. 19 storočí. Odráža sklamanie vo výsledkoch francúzskej revolúcie konca 18. storočia, v ideológii osvietenia a verejného pokroku. Romantizmus kontrastoval Utilitárstvo a vyrovnanie osobnosti ako obmedzenia na neobmedzenú slobodu a "nekonečné", smäd na dokonalosť a obnovu, patos osobnej a občianskej nezávislosti. Bolestná porucha ideálnej a sociálnej reality je základom romantického svetonázoru a umenia. Schválenie vnútornej hodnoty duchovného a kreatívneho života osoby, obraz silných vášní, obraz silných vášní, spiritualizovaného a hojenia prírody, v mnohých romantických látkach - hrdinovia protestu alebo boja sú susedí s motívmi "svetového smútku "," World Evil "," Noc "Soul Soul, pričom formy irónie, grotesksque poetiky dogmirínu. Záujem o národnú minulosť (často - jeho idealizácia), tradície folklóru a kultúry svojich vlastných a iných národov, túžba vytvoriť univerzálny obraz sveta (prvá zo všetkých histórie a literatúry), myšlienka Syntéza umenia našla expresiu v ideológii a praxi romantizmu.
Vizuálne umenie sa romantizmus najjasnejšie prejavil v maľbe a grafike, menej jasne v sochárstve a architektúre (napríklad falošne gothic). Väčšina národných romantických škôl v oblasti vizuálnych umení sa vyvinula v boji proti oficiálnemu akademickému klasikum.
V hĺbkach oficiálnej kultúry je medzivrstva "elitnej" kultúry, ktorá slúži dominantnej triede (aristokracia a kráľovský súd) a má osobitnú citlivosť na zahraničné inovácie. Stačí si spomenúť na romantické videá O. KIPRENKY, V. Tropinínu, K. Bryullovej, A. Ivanov a ďalších veľkých umelcov XIX storočia.
Cyprosa Orest Adamovich, ruský umelec. Vynikajúci majster ruského vizuálneho umenia romantizmu, známy ako nádherný portrét. V maľbe "Dmitry Donskaya v poli Kulikov" (1805, Ruské múzeum) preukázali istú vedomosť o kánonoch akademického historického obrazu. Ale začiatkom regiónu, kde je jeho talent zjavený v najprírodnejšom a ľahkom, portrét sa stáva. Jeho prvý malebný portrét ("A. K. Schwalbe", 1804, a tam), napísané v rembrandt spôsobom, vyniká pre jeho expresívne a dramatické čiernobiele svetlo. V priebehu rokov, jeho zručnosť, - pro-vzhľad v schopnosti vytvárať primárne jedinečné individuálne charakteristické prístupy, výber špeciálnych plastových nástrojov, aby odmietli túto charakteristiku, rastie. Impozantná vitalita je plná: portrét chlapec A. A. Chelischev (asi 1810-11), spárované obrazy manželov F. V. a E. P. Rostopchinny (1809) a V. S. a D. N. Podvovkov (1814, všetky Tretyakov Gallery). Umelec čoraz viac bije možnosti farieb a čiernych a čiernych kontrastov, krajinné pozadie, symbolické detaily ("E. S. AVEDUL", približne 1822, tam). Dokonca aj veľké predné portréty, umelec vie, ako urobiť lyricky, takmer dôverne uvoľnený ("portrét život-gusar plukovníka Evgraph Davydova", 1809, Ruské múzeum). Jeho portrét mladého, shefied poetickej slávy A.S. Pushkin je jedným z najlepších pri vytváraní romantického obrazu. Cyprosen Pushkin vyzerá slávnostné a romantické, v halo poetickej slávy. "Ty si ma lichotí, OREST," Pushkin si povzdychla, pri pohľade na hotové plátno. Cyprosensky bol tiež virtuózny záťah, vytvorený (hlavne v talianskej ceruzke a pastelovej technike) vzoriek grafických zručností, často lepšie ako otvorené, vzrušujúce emocionálne portréty. Jedná sa o typy domácností ("slepý hudobník", 1809, ruské múzeum; Kalmychka Bayaust, 1813, Tretyakov Gallery) a slávny séria ceruzkových portrétov účastníkov v vlasteneckej vojne 1812 (kresby s obrázkom E. I. CHAPLICA, A. R. TOMIILOV, PA OLENINA, ten istý výkres s básnikom BATYUSHKOV a AL.; 1813-15, Tretyakovov Gallery a ďalšie stretnutia); Hrdinský začiatok tu získava úprimný tieň. Veľký počet náčrtkov a textových certifikátov ukazujú, že umelec je všetko jeho zrelé obdobie na vytvorenie veľkej (podľa vlastných slov z listu Olnina z roku 1834), "veľkolepé, alebo, v ruštine, povedať, štrajk a štrajk a Magická maľba ", kde sa v alegorickej forme, výsledky európskej histórie by boli zobrazené, ako aj účel Ruska. "Noviny čitatelia v Neapole" (1831, Tretyakovov Gallery) - výstup len skupinový portrét - v skutočnosti je skrytá symbolická reakcia na revolučné udalosti v Európe.
Avšak, najviac ambicióznejšie z malebných alegórií Kiprenského zostalo nenaplnené, alebo zmizli (ako "Anacreonic Tomb" dokončená v roku 1821). Tieto romantické vyhľadávania však dostali rozsiahle pokračovanie v práci K. P. BRYULLOVA A A. A. IVANOV.
Realistické manera odráža funguje podľa V.A. Tropinín. Skoré portréty tropinínu, napísané v zdržanlivej farebnej sortimente (rodinné portréty počtu Carrots 1813 a 1815, obaja - v Treciakovskej galérii), stále patria k tradícii storočia osvietenstva: model je v nich bezpodmienečný a stabilné centrum obrazu. Neskôr sa maľba maliarskeho tropinínu stáva intenzívnejším, objemom sú zvyčajne jasnejšie a sochárne, ale najdôležitejšia vec - čisto romantický pocit pohyblivých prvkov života, len časť, ktorej fragment sa zdá byť portrét hrdina (BULAKHOV , 1823; "kg Ravich", 1823; self-portrét, asi 1824; všetky tri sú na tom istom mieste). TAKOV A ako Pushkin na slávnom portréte 1827 (All-Ruské múzeum ako Pushkin, Pushkin): básnik, dať svoju ruku na stoh papiera, bez ohľadu na to, ako "musey hesitates" počúva kreatívne sen, prostredie je neviditeľné halo. Napísal aj portrét A.S. Pushkin. Pred divákom sa javí ako kúzelnícky život, nie veľmi šťastný človek. Na portréte básniku tropinínu Homely očarujúce. Nejaký druh špeciálneho staromoshkovského tepla a pohodlné fondy z diel tropinínu. Až 47 rokov bol v zachytení pevnosti. Preto je to pravdepodobne tak čerstvé, tak spiritualizované na jeho plátna tváre obyčajných ľudí. A nekonečná mládež a kúzlo jeho "čipky". Najčastejšie v.a. Tropinín aplikovaný na obraz ľudí z ľudí ("čipky", "portrét syn" atď.).
Umelecké a ideologické hľadanie ruskej verejnej myšlienky, čakanie na zmenu ovplyvnili obrázky K.P. Bryullova "Posledný deň Pompeii" a A.A. Ivanova "Fenomén Nar-Stuw ľudí."
Veľká tvorba umenia je maľba "Posledný deň Pompeii" Karl Pavlovich Bryullova (1799-1852). V roku 1830 bol navštívil ruský HU-Devín Karl Pavlovich Brullov na vykopách starovekého mesta Pompejí. Prešiel pozdĺž starovekého mosta, obdivoval fresky, a vo svojej predstavivosti, Thor tragickej noci 79 g. E. Keď bolo mesto pokryté rutinným popolom a pembassantom Woken Vesuvia. O tri roky neskôr, maľba "Posledný deň Pompei" urobil triumfálnu cestu z Talianska do Ruska. Umelec zistil úžasné farby pre obraz tragédie starovekého mesta, umierajúci pod Looy a popol vybuchneho Vesuvius. Obraz je naplnený vysokými humanistickými ideálmi. Ukazuje odvahu ľudí, ich oddanosť, zobrazená počas strašnej katastrofy. Bryullov bol v Taliansku na služobnej ceste Akadémie umenia. V tejto vzdelávacej inštitúcii bola odborná technika maľby a kresby dobre dodaná. Akadémia sa však jednoznačne zamerala na starožitné dedičstvo a hrdinské témy. Pre akademickú maľbu bola charakterizovaná dekoratívna krajina, divadelná kvapalina z celkovej kompozície. Scény z moderného života, obvyklá ruská krajina bola považovaná za nehodnotu umeleckej kefy. Klasicizmus v maľbe dostal názov akademického. Bryullov bol spojený s Akadémou celej svojej práce.
Dostal silnú predstavivosť, s rastúcim okom a vernou rukou - a jeho živé výtvory boli dohodnuté s kanonmi akadelizmu. Skutočne s Pushkin Grace vedela, ako zachytiť plátno a krásu nahého ľudského tela, a triasť slnečného lúča na zelený list. Nepotrebované majstrovské diela ruskej maľby bude navždy opustené jeho plátna "Horseman", "Wirzavia", "Talianske ráno", "Taliansky poludnie", početné predné a intímne portréty. Avšak, umelec má vždy veľké historické témy, na obraz významných udalostí ľudskej histórie. Mnohé z jeho myšlienok v tomto ohľade neboli implementované. Nikdy som neopustil bullov nápad vytvoriť epickú tkaninu na pozemku z ruskej histórie. Začína maľbu "obliehania Pskova od vojakov kráľa Stephen Batory." Zobrazuje moment kulminácie obliehania 1581, keď Pskov bojovníci a. \\ T Občania Ki sú dané útoku na póly, ktoré sa vstúpili do mesta a zlikvidovali ich pre steny. Ale obraz zostal nedokončený a úloha vytvárať skutočne národné historické maľby neboli vykonané Bullylovom, ale ďalšou generáciou ruských umelcov. Jeden rok pushkin, Bryullov ho prežil 15 rokov. Posledné roky bol chorý. Z autoportika napísaného v tej dobe, načervenalý muž nás sleduje s jemnými vlastnosťami tváre a pokojného, \u200b\u200bpremysleného pohľadu.
V prvej polovici storočia XIX. Žilt a pracoval umelec Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). On venoval všetok svoj kreatívny život na myšlienku duchovného prebudenia ľudí, ste ju predstavovali do maľby "fenoménu Krista pre ľudí." Už viac ako 20 rokov pracoval na obrázku "Fenomén Krista pre ľudí", v ktorom položil všetku moc a jas svojho talentu. V popredí svojej veľkej tkaniny, odvážna postava Jána Krstiteľa, ktorá ukazuje na ľudí na blížiaci sa Krista, je hodený do očí. Jeho postava je uvedená vo vzdialenosti. Ešte neprišiel, ide, určite prišiel, umelec hovorí. A rozjasní, tváre a duše sú zbavené tých, ktorí očakávajú Spasiteľa. Na tomto obrázku ukázal, ako som sa neskôr povedal E. Repin, "utláčaní ľudia, dychtivý pre slobodu."
V prvej polovici storočia XIX. V ruskej maľbe vstupuje do domácnosti.
Jeden z prvého k nemu adresoval Alexej Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Bol v posvätenej kreativite na obraz života roľníkov. Ukazuje tento život v idealizovanej, ozdobenej forme, pričom sa vzdávajú módnym potom sentimentalizmu. Avšak obrázky Venetsianov "Khnemno", "na zbere. Leto "," na ornej pôde. Spring "," roľnícka žena s crunflowers "," Zakharka "," Ráno názoru "zobrazuje krásu a šľachtu obyčajných ruských ľudí, ktorá slúžila ako vyhlásenie o dôstojnosti osoby bez ohľadu na jeho sociálne postavenie.
Jeho tradícia pokračovala Paul Andreevich Fedotov (1815-1852). Jeho plátno sú realistické, naplnené satirickým obsahom, vystavenie obchodnej morálky, život a morálku spoločnosti ("hlavná" hlavná "," čerstvý kavalír "atď.). Začal svoju cestu umelca-satirika, bola dôstojníkom. Potom urobil veselé, nezbedné práce armády. V roku 1848 bol na akademickej výstave prezentovaný jeho obraz "Čerstvý Cavalier". Bol to odvážny posmech nielen nad hlúpym, sebestačným úradníkom, ale aj nad akademickými tradíciami. Špinavý rúcho, v ktorom bol hlavný charakter obrazu uhoril, veľmi pripomenul Antique Tower. Bullly stáli dlho pred látkou, a potom povedal autora polosúvania polosucha: "Blahoželám vám, vyhlásil si ma." Komédia-satirický charakter a ďalšie obrázky Fedotov ("Raňajky Aristocrat", "Major"). Posledné obrázky sú veľmi smutné ("kotva, kotva!", "Vdova"). Súčasníci pomerne porovnali P.A. Fedotov v maľbe s N.V. Gogol v literatúre. Hlavnou témou práce Pavel Andreevich Fedotov je nudí vredy Serfs Ruska.

Ruská maľba druhej polovice XIX storočia

Druhá polovica storočia XIX. označené rozkvitaním ruského vizuálneho umenia. Stalo sa skutočne skvelým umením, bol naplnený Pafosom oslobodzovacím bojom ľudí, odpovedal na požiadavky života a aktívne napadol život. V vizuálnom umení bol konečne zavedený - pravdivý a komplexný odraz života ľudí, túžba obnoviť tento život na základe rovnosti a spravodlivosti.
Vedomý obrat nového ruského maľby na demokratický realizmus, štátnu príslušnosť, modernosť bola označená na konci 50. rokov spolu s revolučnou situáciou v krajine, s verejnou imunitou absolutória Inteligencia, s revolučným osvietením Chernyhevského, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin, s pretrvávajúcou poéziou Nekrasov. V "esejách gogolového obdobia" (v roku 1856), Chernyhevsky napísal: "Ak je maľba vo všeobecnosti vo všeobecnosti v dosť žalostnom postavení, potom dôvod z dôvodu odcudzenia tohto umenia z moderných ambícií." Rovnaká myšlienka bola priniesla v mnohých článkoch súčasného časopisu.
Ústrednou témou umenia boli ľudia, nielen utláčaní a utrpení, ale aj ľudia - tvorcom histórie, ľudí, bojovník, tvorca všetkých najlepších, čo je v živote.
Schválenie realizmu v umenie sa uskutočnilo v pretrvávajúcom boji s úradníkom na palube, ktorého zástupca bol vedením Akadémie umenia. Spolupráca akadémie bola inšpirovaná svojimi myšlienkami ich učeníkov, že umenie nad rámec života bolo predložené len biblické a mytologické témy pre tvorivosť umelcov.
Ale maľba sa už začala pripojiť sa k moderným ambíciám - pred všetkými v Moskve. Moskovská škola a za desiateho podielu nepoužívali výsady St. Petersburg Academy of Atrads, ale bolo menej závislé od jeho zakoreneného dogmy, atmosféra bola v ňom živší. Hoci učitelia v škole sú väčšinou akadici, ale akadici sú menšie a kolísajú, nepodprimovali svoju autoritu ako v Akadémii F. Bruni, pilier starej školy, v jeho čase konkurentom s bruhlovyfotografím "Copper ZMIY" .
B1862 Rada St. Petersburská akadémia umenia sa rozhodla vyrovnať všetky žánre, zrušenie prvenstva historického maľby. Zlatá medaila bola teraz udelená bez ohľadu na tému obrazu, vzhľadom na svoje výhody. Avšak, sloboda v stenách Akadémie už dlho dlho.
V roku 1863 mladí umelci - účastníci akademickej súťaže podali petíciu "na povolenie slobodne si vybrať pozemky tých, ktorí si budú želajú, okrem cieľovej témy." Rada Akadémie reagovala za odmietnutie. Čo sa stalo ďalej v histórii ruského umenia, sa nazýva "Bunt štrnásť". Štrnásť študentov historickej triedy nechceli písať obrazy na navrhovanú tému od škandinávskej mytológie - "Pier v Valgaale" a demonštroval petíciu - o opustení Akadémie. Raz bez workshopov a bez peňazí, Buntari zjednotení na druh obce - podľa typu obcí, ktorý opísal Chernyhevsky v románe "Čo robiť?", "Umelci, ktorých maliar Ivan Nikolayevich Kramskaya. Arteels prijal rozkazy, aby splnili rôzne umelecké diela, žili v tom istom dome, boli zozbierané v spoločnej sále na konverzácie, diskutovať o obrázkoch, čítaní kníh.
Po siedmich rokoch sa Artel rozpadol. Do tejto doby, v 70. rokoch, z iniciatívy umelca Grigory Grigorievich Myasedov, Únie vznikla - "partnerstvo umeleckých mobilných vložiek", profesionálne a komerčné združenie umelcov, ktorí stáli v úzkych ideologických pozíciách.
Filmové partnerstvá nie sú ako príklad mnohých neskorších združení nákladov bez akýchkoľvek vyhlásení a manifestov. Len povedal, že členovia partnerstiev by mali viesť svoje vecné záležitosti, nezávisia od tohto ohľadu na to, ako aj na organizovanie výstavy a exportovať ich do rôznych miest ("pohyb" v Rusku) na znamenie krajiny s rusom Umenie. Obe tieto položky boli nevyhnutné, argumentovať nezávislosť od orgánov a vôli umelcov na širokú komunikáciu s ľuďmi nielen na metropolite. Hlavná úloha pri vytváraní partnerstva a rozvoja svojho štatútu vo vlastníctve Kramského Mysayedova, GE - z Petrohrade a od Muscovites - Perov, Sanidishniki, Savrasov.
"Mobilné" boli zjednotené vo svojom zamietnutí "akademizmu" jeho mytológiou, dekoratívnymi krajinami a pompéznou divadelnou divadelnou. Chceli zobrazovať životný život. Vedúce miesto v ich práci obsadilo scény žánru (domácnosti). Peasantnosť použila osobitný sympatie "Mobile". Ukázali jeho potrebu, utrpenie, utláčanú pozíciu. V tom čase - v 60-70s. XIX V.- Ideologická strana umenia bola ocenená vyššia ako estetická. Iba v čase, keď umelci si spomenuli na vnútornú maľovanie.
Snáď najväčšia prítok myšlienok dal Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Stačí si pamätať na tieto obrázky, ako je "príchod stať sa dôsledkom", "pitie čaju v Mytishchi." Niektoré diela perov sú preniknuté s pravou tragédiou ("Troika", "starí muži na hrobe syna"). Maľovanie kefy patrí k radu portrétov jeho slávnych súčasníkov (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).
Niektoré handry "mobil", napísané z prírody alebo ohromených skutočnými scénmi, obohatili naše myšlienky o roľníckej živote. V maľbe S. A. Korovina "o mieri" ukazuje triasť na vidieku medzi bohatými a chudobnými. V. M. Maksimov zachytil hnev, slzy a horu rodinného oddielu. Slávnostná slávnosť roľníckej práce sa odráža na obrázku G. G. Myasoyedov "Kosov".
V práci Kramského, portrétová maľba obsadila hlavné miesto. Napísal Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Patrí k jednej z najlepších portrétov Lion Tolstoy. Pohľadom spisovateľa neopustí diváka, bez ohľadu na to, čo sa pozrel na plátno. Jeden z najsilnejších diel Kramského - obrázok "Kristus v púšti".
Prvá výstava "mobilného" otvoreného v roku 1871 presvedčivo preukázala existenciu nového smeru, ktorý zložený nad 60. rokmi. Bolo to len 46 exponátov (na rozdiel od ťažkopádnych výstav akadémie), ale starostlivo vybraných, a hoci výstava nebola zámerne naprogramovaná, všeobecný nespracovaný program bol celkom jasne vyhodnotený. Všetky žánre boli prezentované - historické, domácnosť, krajinný portrét, - a publikum by mohli posúdiť, čo v nich boli nové na "mobilné". Nie šťastie len sochárstvo (tam bol jeden, a potom trochu pozoruhodná socha F. Kamenkého), ale tento druh umenia "nebol šťastný" dlhý čas, vlastne celé druhé polovicu storočia.
Na začiatku 90. rokov, medzi mladými umelcami Moskvyku, to bolo pravdivé, tí, ktorí si zaslúžili a vážne pokračovali v tradícii civilného hnutia: S. Ivanov s jeho cyklom obrazu o prisťahovalcov, S. Korovin - Autor maľby " Na svete ", kde je zaujímavé a zamyslene odhalené dramatické (naozaj dramatické!) Kolízie dediny Doreform. Ale nepýtali sa tónu: výstup na rozvoj "svetového umenia" sa blíži, rovnako a z pohybu a z Akadémie. Čo sa v tom čase akadémia pozrela? Jej umelecké bývalé prísne prísne postoje boli zvetrané, už netrvala na prísnych požiadavkách neoklassiky, na notorickej hierarchii žánrov, domáci žánr bol dosť tolerantný, len uprednostňoval, že bol "krásny", a nie "menitsky" (príklad " "Krásna" NEASAKADEEMICKÉ PRÁCE - Scény zo starovekého života populárneho potom S. BAKOLOVICH). V hmotnosti svojich ne-akademických výrobkov, ako to bolo v iných krajinách, bol buržoázny-salon, jej "krása" - vulgárnosť. Ale nie je možné povedať, že neposkytuje talent: veľmi talentovaný bol uvedený G. semiradsky, predčasný V. Smirnov (ktorý mal čas na vytvorenie pôsobivého maľby "Smrť Nero"); Nie je možné odmietnuť určité umelecké výhody maľby A. Svyutsky a V. Kotarbinsky. O týchto umelcov, ktorí ich posudzujú dopravcovia "Ellinsky ducha", ktorým bolo schválení reagovať na jeho neskoré roky Repin, zaujali Vrubel, rovnako ako Aivazovsky - tiež "Akademický" umelec. Na druhej strane nikto iný ako semiradsky, počas reorganizácie akadémie, rozhodne hovoril v prospech žánru domácnosti, čo naznačuje pozitívny príklad na Perov, Repin a V. Mayakovsky. Takže body zhromažďovania medzi "mobilným" a akadémii boli dosť, a toto pochopilo vtedy viceprezidentom Akadémie I.I. Tolstoy, z toho, čo a boli povolaní, aby vyučovali vedúcich "pohybov".
Ale hlavná vec, ktorá neumožňuje zľavu na úlohu Akadémie umenia, najmä ako vzdelávacia inštitúcia, v druhej polovici storočia, je jednoduchá okolnosť, že mnoho vynikajúcich umelcov vyšiel z jej steny. Toto je Repin, a Surikov, Poleńov a Vasna-Tsov, a neskôr - Serov a Vrubel. Okrem toho neopakovali "BUNTS FOUNTION" a zrejme ťažili z ich učňovského vzdelávania.
Rešpektovanie kresby, ku konštruktívnej forme postavenej v ruskom umení. Všeobecné zameranie ruskej kultúry do realizmu bol dôvodom na popularity metódy Chistyakov, "Jedna cesta alebo iná, ruskí maliari na Serov, NEPEROV a VRUBEL vrátane" neotrasiteľných večných zákonov formulára "a nosili" rozvody "alebo Podriadenie farebného amorfného prvku, bez ohľadu na to, koľko farieb miloval.
Medzi The MobileS pozvaných na Akadémiu, boli dvaja krajinní hráči - Shishkin a Queenji. Práve v tom čase začal v umení hegemónia krajiny a ako nezávislý žáner, kde vládol Levitan, a ako rovnaký prvok domácností, historického, čiastočne a maľby. Na rozdiel od prognóz Stasov, ktorý sa domnieva, že úloha krajiny sa zníži, zvýšila sa v 90. rokoch, viac ako kedykoľvek predtým. Prevládala sa lyrická "náladová krajina", ktorá vedie svojho rodokmeňa zo Savrasova a Polénov.
"Mobile" urobil autentický objav v krajinnom maľbe. Alexey Kondratiecich Savrasov (1830-1897) sa podarilo ukázať krásu a štíhlu knižnicu jednoduchej ruskej krajiny. Jeho obrázok "Graci Flew" (1871) nútil mnoho súčasníkov novým spôsobom, ako sa pozrieť na rodnú povahu.
Fyodor Aleksandrovich Vasilyev (1850-1873) žil krátky život. Jeho kreativita, rozbitá na samom začiatku, obohacte domácu maľbu v blízkosti dynamických, vzrušujúcich krajín. Umelec bol obzvlášť úspešný v prírode v prírode: od slnka do dažďa, od spojky do otvoru.
Spevák ruského lesa, Ivana Ivanovich Shishkin (1832-1898) sa stala epickou zemepisnou šírkou ruskej prírody. Archka Ivanovich Kindji (1841-1910) priťahoval malebnú hru svetla a vzduchu. Tajomné svetlo Mesiaca v vzácnych oblakoch, červené svitacie vrtuľky na bielych stenách ukrajinskej chaty, šikmé ranné lúče, vyrobené cez hmlu a hrať v bazéne na ceste Raskiye, sú tieto a mnoho ďalších malebných objavov sú potlačené jeho plátna.
Ruská krajinná maľba XIX storočia dosiahla študentovi Študent SAVRASOVA ISAAC ILYCH LEVITAN (1860-1900). Levitan - Majster pokojného, \u200b\u200bTichú krajinu Človek je veľmi plachý, plachý a zranený, vedel, ako spočívať sám sám s prírodou, prenikol do nálady milovanej scenérie.
Jedného dňa prišiel na Volga, aby napísal Slnko, vzduchové a riečne rozlohy. Ale slnko nebolo, nekonečné mraky sa plazili cez oblohu a nudné dažde sa zastavili. Umelec bol nervózny, kým nebol nakreslený do tohto počasia a nenašiel špeciálne kúzlo Lilacových farieb ruského zlého počasia. Odvtedy má horná Volga strávnej mesto Peles, ktoré pevne vstúpilo do svojej práce. V týchto regiónoch vytvoril svoju prácu "daždivú": "Po daždi", "ponurý deň", "nad večným regiónom". Tam boli tiež napísané pokojné večerné krajiny: "večer na Volrovi", "večer. Zlaté pásy "," večerné zvonenie "," tichý pobyt ".
V posledných rokoch Levitan upozornil na prácu francúzskych impresionistických umelcov (E. Manne, K. Monte, K. Pistarro). Uvedomil si, že s nimi mal veľa spoločného, \u200b\u200bže ich kreatívne vyhľadávania boli rovnakým smerom. Rovnako ako oni dávali radšej pracovať v dielni, ale vo vzduchu (na pleniaci, ako hovoria umelci). Ako oni, trval paletu, jazdila tmavé, zemité farby. Rovnako ako oni, snažil sa zachytiť flotilu bytia, prejdením pohybu svetla a vzduchu. V tom išli ďalej ako on, ale takmer rozpustili v osvetľovacích objemových formách (doma, stromy). Unikol to.
"Levitanové maľby vyžadujú pomalé zobrazené, - napísal veľký znalec jeho kreativity K. G. Powhovsky, - nebránia oko. Sú skromné \u200b\u200ba presné, ako napríklad Chekhov príbehy, ale dlhšie peering v nich, ticho provinčných spoja, známe rieky a osadníkov sa stáva míle.
V druhej polovici storočia XIX. Tam je kreatívny rozkvet I. E. Repin, V. I. SURIKOVA A V. A. SEROV.
Ilya Efimovič Repin (1844-1930) sa narodil v meste Chugaev, v rodine vojenského osadníka. Podarilo sa mu zapísať do Akadémie umenia, kde sa jeho učiteľ stal P. P. Chistyakov, ktorý zdvihol celý Pleiad slávnych umelcov (V. I. SURIKOVA, V. M. VASNETSOVA, M.A. DRUB-LA, V.A. SEROV). Veľa naučil Repin, ako aj Kramsky. V roku 1870, mladý umelec ko-vrchol nad Volrou. Početné etudes priniesli z cestovania, používal na maľovanie "Burlaci na Volga" (1872). Verejnosť urobila silný dojem. Autor okamžite nominoval do radov najznámejších majstrov.
Repin bol veľmi všestranný umelec. Jeho kefy patrí do série monumentálneho žánru. Možno nie menej dojem ako "Burlaci" produkuje "sprievod provincie Kursk." Jasná modrá obloha, jazda prachových mrakov, zlatá žiarenie krížov a mrakov, polície, jednoduchých ľudí a mrzutých - všetko namontované na tomto webe: veľkosť, moc, ignorovanie a bolesť Ruska.
V mnohých maľbách sa Repein dotkol revolučným predmetom ("odmietnutie priznania", "nečakal", "zatknutie propagandistov"). Revolucionári vo svojich maľbách sa jednoducho držia a prirodzene, cudzinec na divadelné predstavuje a gestá. Na obrázku "Odmietnutie priznania", odsúdený na smrť, akoby zámerne skryli jeho ruky v rukáve. Umelec jasne sympatizuje s hrdinami jeho obrazov.
V historických témach je napísané množstvo repinačných tkanín ("Ivan hrozné a jeho syn Ivan", "Cossacks, ktoré tvoria list Turecku Sultan" a i.). Repin vytvoril celú portrétovú galériu. Napísal portréty - vedci (Pirogov a Sechenov), - spisovatelia Tolsthoy, Turgenev a Garshin, - skladatelia GLINKY A MUSSORGSKY, - Umelci Kramského a Surikov. Na začiatku XX storočia. Dostal objednávku na obrázok "Slávnostné stretnutie Štátnej rady". Umelec sa podarilo nielen skladať na plátno taký veľký počet tých prítomných, ale aj na psychologickú vlastnosť pre mnohých z nich. Medzi nimi boli také známe obrázky ako S.YU. Witte, k.p. Víťazstvo, p.p. Semenov Tian-Shansky. Malozameten na obrázku, ale Nicholas II bol veľmi jemný.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) sa narodil v Krasnojarsku, v rodine Cossack. Rozkvitajúce jeho kreativity spadne na 80. rokoch, keď vytvoril tri najznámejšie historické maľby: "Ráno Trideskaya Vykonanie", "Menshikov v Berezove" a "Boar Morozov".
Surikov poznal dobre a morálku minulých epochov, vedel, ako dať jasné psychologické charakteristiky. Okrem toho bol nádherný farebný (farebný master). Stačí si spomenúť na oslňujúci čerstvý, šumivý sneh v maľbe "Boar Morozova". Ak cestujete do plátna bližšie, sneh je "rozptýlený" na modrej, modrej, ružové ťahy. Týmto malebným privítaním, keď sa dvaja tri rôzne rozmazania zlúčia a dávajú pravú farbu, francúzski impresionisti sú široko používané.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), Syn skladateľa, napísal krajiny, plátno pre historické témy, pracoval ako divadelný umelec. Ale sláva mu priniesla, predovšetkým portréty.
V roku 1887, 22-ročný Serov v roku 1887 odpočíval v Abramtsev, Moskovskej oblasti obce Metsnate S. I. MONTOVA. Medzi jeho početnými deťmi, mladý umelec bol jeho muž, účastník ich hlučných hier. Jedného dňa po večeri v jedálni, dvaja - Serov a 12-ročná milovaná Mamont boli náhodne zadržiavané. Sedeli pri stole, na ktoré zostali broskyne a milovaný bol zaznamenaný za konverzáciou, keď umelec začal hodiť jej portrét. Práca bola natiahnutá na mesiac a milovaný bol nahnevaný, že Anton (takže Homely nazývaný Serov) to robí sedieť v jedálni.
Na začiatku septembra bol dokončený "Dievča s broskyňami". Napriek krátkemu času, obraz napísaný v ružových zlatých farbách sa zdalo veľmi "priestranné". Mal veľa svetla a vzduchu. Dievča, ktoré sa posadilo na stôl, ako to bolo na minútu a kto zastavil svoj pohľad na audítor, bol zablokovaný s jasnosťou a spirituálnosťou. Áno, a všetky plátno boli smiešne čisto deti vnímanie každodenného života, keď šťastie nie je si vedomí seba, a dopredu je celý život.
Obyvatelia Abramtsevského domu, samozrejme, pochopili, že v ich očiach sa deje zázrak. Ale len čas poskytuje konečné odhady. To dal "dievča s broskyňami" v mnohých najlepších portrétnych prácach v ruskej a svetovej maľbe.
Budúci rok sa Serovovi podarilo takmer zopakovať jeho mágiu. Napísal portrét jeho sestry Mary Simonovich ("Dievča osvetlené slnkom"). Názov neboli opravené, nie moc nepresné: Dievča sedí v tieni, a lúče ranného slnka osvetľujú Glade na druhý plán. Ale na obrázku je všetko tak nalievané, takže jeden - ráno, slnko, leto, mládež a krása, - že najlepšie meno je ťažké prísť s.
Serov sa stal módnym portrétom. Slávni spisovatelia, umelci, umelci, podnikatelia, aristokrati, dokonca aj králi pred ním. Zdá sa, že nie nikomu, ktorý napísal, mal dušu. Niektoré skvelé portréty, s technikou vykonávania filigránov, sa ukázali byť chladné.
Už niekoľko rokov, Serov učil v Moskve School maľby, sochárstva a architektúry. Bol to náročný učiteľ. Súpera zmrazených maliarskych foriem, Serov, zároveň veril, že kreatívne vyhľadávania by mali byť založené na pevnom vlastníctve zariadenia výkresu a malebného písmena. Mnohí vynikajúci majstri sa považovali za študentov Serov. Je to M.S. Sariant, K.F. Jun, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Mnohé maľby Repin, Surikova, Levitan, Serov, "Mobile" padol do Treciakovského stretnutia. Pavel Mikhailovich Treciakov (1832-1898), zástupca starovekej Moskvy obchodného druhu, bola nezvyčajná osoba. Tenký a vysoký, s prchavým bradom a tichým hlasom, vyzeral viac na Svätosti ako na obchodníkovi. Zbierajte obrázky ruských umelcov, ktorí začali od roku 1856. Hobby rástla do hlavného prípadu života. Na začiatku 90. rokov. Stretnutie dosiahlo úroveň múzea, absorbovala takmer všetok stav zberateľa. Neskôr prešiel do vlastníctva Moskvy. Galéria Tretyakov sa stala svetovým slávnym múzeom ruskej maľby, grafiky a sochy.
V roku 1898 v St. Petersburg bol Ruské múzeum otvorené v Petrohrade, v Paláci Mikhailovsk (Tvorba K Rossi). Vyrobili to diela ruských umelcov z Hermitage, Akadémie umenia a niektorých cisárskych palácov. Objav týchto dvoch múzeí by bol korunovaný s úspechmi ruského obrazu XIX storočia.

V ére predstavenstva Alexandra 1, ruské umenie dosiahlo vysokú úroveň umenia, ruská architektúra dosiahla svoj vrchol. V tejto dobe bola v Petrohradu v Petrohrade vybudovaná významná časť vynikajúcich architektonických štruktúr, ktorá bola pamiatkami ruskej architektúry klasicizmu. Toto je Kazanská katedrála, budova banského ústavu (ARH.A.VORONICHIN), Mikhailovský palác, Alexandrinský divadlo (Arch. K. Rusko), budova výmeny (Arch. JF Tom de tonon), admiralty ( Arch. Andrei Zakharov), Trinity Cathedral, Preobrazhensky katedrála (oblúk. V. Stasov).

Po víťazstve Ruska vo vojne 1812 sa vyvíja v Rusku ampír štýl, vyvinutý na základe "Aleksandrovského klasikania". Dekoratívne prvky ambugácie St. Petersburg sa skladajú z prvkov starovekej rímskej vojenskej techniky (podľa tradície s francúzskym ammpir). Tie boli legions s orli, zväzky kópií, osí, posilňovačov šípok, obrazy štítov, prvky egyptského umenia boli tiež použité: Egyptské ornament, sfingové obrazy. Pre ruskú ampury sú bledožltá farba budov a biela farba stĺpcov, frontone, pilasters, a ďalšie detaily architektonického dekor (farba napoleonského amp - červená, modrá biela so zlatom). Vedúci architekt, vyjadrujúci myšlienky ruskej ampury Karl Rossi.V centre mesta Petrohrad postavil 12 ulíc a 13 štvorcov. Tvorba K. Rossi: Palace Square, Mikhailovský palác s rozsiahlym parkom a službami, Alexandrinského divadla. Rossi majstrovstievne kombinované architektonické formy s sochárskou a malebnou dekoráciou vonku a vo vnútri. Navrhol miesto a charakter reliéfov, malieb, sochy, závesy, nábytku. Dekor v interiéri bol poslušný rovnaký princíp ako vonkajší dizajn. Jedna z najlepších vzoriek Imperial Interior je Biela hala Mikhailovského paláca. Pokojná biela steny a stĺpcov je tieňovaná pozlátením tvarovacích odkvapov a korintských hlavných miest. Cez dvere - Bas-reliéfy s funkciami turistov Vakhanok, vence, Garlands a ďalšie zabavené atribúty. Natieranie stropu a hornej časti stien spája multicolor maľbu, zlaté vzory a griezail (monofónne obraz). Zlatý tón parkiet a dverí harmonizuje s modrým čalúnením pozláteného nábytku. Interiér je doplnený s vysokými plavidlami vo forme stĺpcov, lustre, svietniky, svietnikov vyrobených z bronzu, kameňa a kryštálu. So všetkou odrodou je interiérová úprava charakterizovaná zmyslom pre meranie všeobecne, charakteristické pre ampyr.

V prvých rokoch vlády cisára Nicholas 1. Činnosti K. Ruska, V. Stasova pokračoval. "Nikolaev Ampir" Stal sa poslednou fázou rozvoja klasicizmu v ruskej architektúre. Vizuálne pochopenie architektúry tohto obdobia dáva budovy sv. Izákového námestia v Petrohrade. Katedrála svätého Isaacu Projekt Architect Agusta Montferana. Obrovská, obdĺžniková budova, na štyroch stranách, je zdobená rovnakým multiscount portico s ťažkými frontónmi zdobanými horákmi. Nad katedrálou vo výške 101 m. Pozlátené kopule havaruje, bubon je obklopený kolonádou, korunovaným balustrádou so sochami. Vo vnútri katedrály, sochárstva, mozaiky, maľby (vyrobené maliarmi akademického klasicizmu K. Bryrylov, F. Buni, P. Basin) zohráva významnú úlohu.

Maľovanie Prvá polovica 19. storočia Prezentované rôznymi smermi: Tam bol klasicizmus, romantizmus vyvinul.

Ruský romantizmus nebol taký silný umelecký pohyb ako vo Francúzsku a Nemecku. Nemá extrémne vzrušenie, neexistuje žiadna tragická beznádelnosť.

V žánri portrétu, romantizmus sa prejavil v práci kese Cymensky, Vasily Tropinin.

O. KIPRENKY Dokončil akadémiu maľby St. Petersburg v triede historického maľby. Mladé roky sa otáčajú v kruhu voľného ušľachtilého ušľachtilého inteligencie. Vedel, že básničky-Romanticov Batyushkova, Vyazamsky, predstavoval V. Yujovský a neskôr A. Pushkin. V PorTraight sa Cyprossky snažil otvoriť rôzne pokraji ľudského charakteru a duchovného sveta človeka. Na to používa vždy rôzne malebné techniky. Od klasicizmu berie Cyprinsky idealizáciu obrazu, ale snaží sa ukázať romantický let dušu. Najvýznamnejšia práca patrí do série portrétov vojenských účastníkov 1812. (E. Davodova, I. a A.Lansky atď.). Cypřská maľba sa vyznačuje umeleckou slobodou. Vo voľnom pozícii, hľadáte na boku, vyzerá nedbalo na kamennú dosku, stojí plukovník labigycapo napr. Davydov (1809, načasovanie). Tento portrét je vnímaný ako kolektívny obraz vojnového hrdinu 1812, hoci je celkom betón. Romantická nálada je vylepšená obrazom búrky krajiny, na pozadí, z ktorých je uvedený obrázok. Farbenie je postavený na tvári, v plnej silnej farbe - červená so zlatom a bielym so striebrom v Gusarovom oblečení - a na kontraste týchto farieb s tmavými tónmi krajiny. Kiprensky majstrovské dielo je "Portrét Pushkin" (1827). Skutočný vzhľad básnika a osvetlený inšpiráciou. Básnik o tom napísal: "Vidím sa ako v zrkadle, ale toto zrkadlo mi splošňuje." V portréte, Cypinsky vytvoril kolektívny obraz. Cyprosan sa stal zakladateľom ruskej ceruzky portrét.

Romance umelci zahŕňajú vasily tropinín (o 45 rokov, oslobodený od serfdom). Žil dlhý plodný život, dostal celoživotné uznanie, názov akademika, sa stal najslávnejším umelcom Moskvy Portrét Škola 20s a 30s. V portrétoch štetcom tropinínu nie je romantický poryv cyprozensky. Najlepšie portréty tropinínu sú označené vysokou umeleckou dokonalosťou. To je obzvlášť viditeľné v portréte syna Arsenia, nezvyčajne úprimný obraz, živosť a bezprostrednosť, ktorej je zdôraznené zručným osvetlením: pravej strane postavy, vlasy sa prenikli, naplnené slnečným svetlom, šikovne prenášaným majstrom . Farby gama z Golden-Ohloous do Ružovej hnedej sú nezvyčajne bohaté, široké využívanie lescing sa stále podobá malebným tradíciám XVIII storočia.

Rovnako ako pravidlo, obraz tropinínu je uvedený na neutrálnom pozadí s minimálnym príslušenstvom. To je, ako tropinín A.S. Pushkin (1827) - sedí pri stole v voľnom póze, oblečená v domácich šatách, ktorý zdôrazňuje prirodzenosť vzhľadu. V obrazoch tropických, úprimnosť výrazu, jednoduchosti, nečinnosti, pravdivosti znakov, presnosť detailov pre domácnosť. Tropinín sa stal tvorcom portrétovej maľby, to znamená, že portrét, v ktorom sú prvky žánru priniesť. "Licker", "ruka", "gitarista", "zlatá škola" sú vyriešené obrázky so špecifickým grafom. Artist vyjadruje vnútorný svet svojich hrdinov.

Romantická krajina je prezentovaná na veľkorysej scenériu Sylvester. Žil v zahraničí po Akadémii umenia, napísal Harbor v Skrre, Naberezhnye G.Napol, rôzne typy Rím. Všetci umelec vysiela v komplexnej interakcii svetelného média, používa strieborno-šedé tóny s údermi červenej (v hrdzavej lístie jesenných stromov, v oblečení atď.) Jeho maľbách: "Shore v Sorrento s výhľadom na . Capri "," pohľad na Neapol na lunárskej noci. "

Romantizmus v krajinnom maľbe je jasnejší s prácou Alexey Venetsianova (študent Borovikovsky). Vo svojich maľbách je prezentovaná pokojná roľnícka životnosť: "Na Pashne. Jar "," na zbere. Leto "," ráno vlastníkov pôdy "," Kosks ". Venetcianianov prešiel poéziou života ľudí, toto je romantické kúzlo jeho obrazov. Venetsianov neodhalil najviac akútne rozpory moderného života ruského roľníka, nezvýšil "choré problémy" modernosti. Toto je patriarchálny idylický život. Fotografie: "Nič sa nestane", hrdinovia sú statickí, ale človek je vždy v jednote s prírodou, vo večnej práci, a to robí Venetsianove obrazy sú skutočne monumentálne.

Ruská historická maľba z 30. rokov a 19. storočia sa vyvíjala aj pod znakom romantizmu. Karl Brullov bol umelec, ktorý našiel kompromis medzi ideálmi klasicizmu a inováciami romantizmu. Po Akadémii umenia som žil v Taliansku, po ceste v Pompei, funguje na jeho hlavnej práci "Posledný deň Pompeii" (1830-1833). Ukázalo skutočnú udalosť starovekej histórie - smrť mesta počas erupcie VESUVIUS sopky v 79 g. Reklama (Témy v klasicizme sú vždy historické). Témou smrti je charakteristická pre romantizmus, dokonca aj v smrti, osoba zostáva krásne: Mladý muž zachráni svojho milovaného, \u200b\u200bmatka pokrýva dieťa, umelec berie farby, ale opustí zničiteľné mesto, snaží sa zachytiť strašný pohľad. Umelec ukázal veľkosť a dôstojnosť osoby tvárou v tvár smrti. Malebné osvetlenie s romantickými efektmi.

Alexander Ivanov bol centrálnym postavením v maľovaní polovice storočia. Po Akadémii umenia som žil v Taliansku, 1,5 mesiace pred smrťou sa vracia do svojej vlasti. Hlavným obrazom je "fenomén Krista pre ľudí." Ivanov k tejto práci šiel dlhú dobu. Veril v myšlienku prorockého účelu umelca na tomto svete, veril v zlepšenie osoby, ktorá hľadá slobodu a pravdu. Ukázal duchovný dojem ľudí, ktorí videli Ježiša, tak vyjadril myšlienku morálnej kultivácie ľudstva. Patrívnosť tohto obrazu na romantizmus je sporný: nemá dramatický graf, dynamika akcie, neexistuje žiadna zúrivá vášeň, farebné a svetelné efekty. V rovnakej dobe, myšlienka a spoločná myšlienka je nepochybne romantická: výzva Jána Krstiteľa a kázanie I. Chhrist by sa mali prebudiť z "storočia-starý ticho" ľudí Judska.

Sochárstvo.

V roku 1838, P.K. Klodt dostal názov akademika a vymenoval profesorskú sochu akadémie umenia.

Peter Klodt je vynikajúci sochár, ktorý vytvára sochárske skupiny koní. Oni zdobia Anichkov Bridge s Petrohradom, veľkým divadlom (Quadriga s Apollom na Frontonone Divadlo). Slávnostné otvorenie mosta so sochami KLODT sa konalo 20. novembra 1841 s veľkým pohonom obdivujúceho verejnosti.

Na prvom z týchto diel sa kôň postavil na dušach, bol nadšený, nozdry boli nafúknuté, snaží sa uniknúť, ale mladý muž ho vyliezol a zakryl jeho popopol. Na druhej strane, kôň stále zostáva vzrušený, ale to bolo poslúchanie človeka, mladý muž ho vedie vedľa neho - intenzívny, saní a pokrytý poprostom. P.K. Kolodt sa zúčastnil na dekorácii interiérov katedrály sv. Izáka (Kristova roklina Glava). On je autorom pamiatky I.A. Krylov v letnej záhrade v Petrohrade, sochy Vladimir Saint v Kyjeve. Posledným z jeho veľkých diel je pamätník svojho patróna, cisára Nicholas I, Petrohrad.