Západoeurópska hudobná kultúra renesancie. Správa: Hudba renesancie

Západoeurópska hudobná kultúra renesancie. Správa: Hudba renesancie
Západoeurópska hudobná kultúra renesancie. Správa: Hudba renesancie
28.06.2019

Pošlite svoju dobrú prácu v znalostnej báze je jednoduchá. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, absolventi študenti, mladí vedci, ktorí používajú vedomostnú základňu vo svojich štúdiách a práce, budú vám veľmi vďační.

Publikované na adrese http://www.allbest.ru/

Úvod

1.2 Francúzsko

1.3 Taliansko

1.3.2 Benátska škola

1.4 Anglicko

1.5 Nemecko

1.6 Španielsko

2. Hudobná estetika

2.4 Mesetzinger a ich umenie

Záver

Bibliografia

Úvod

Renesancia alebo renesancia (FR. Renesancia), - zlom v dejinách kultúry európskych národov. Určenie svetonázor renesancie, na rozdiel od stredovekého theocentizmu (filozofická koncepcia, ktorá je založená na porozumení Boha, ako absolútna, dokonalá, najvyššia bytosť, zdrojom života a akéhokoľvek dobra) a ascetizmu, sa stal humanizmom ( z lat. humanus - "človek", "humánny"). Individuálna hodnota ľudskej osoby bola nominovaná na poprednú, záujem o povedomie o okolitom svete a realistický reflekt reality sa zvýšil. Ideál harmonických ľudských humanistov hľadal starožitnosť a staroveké grécke a rímske umenie slúžili ako model pre umeleckú tvorivosť. Túžba "oživiť" starovekú kultúru a dal názov tejto éry, obdobie medzi stredovekým a novým časom (od stredu XVII storočia do súčasnosti).

Prvá polovica XV storočia je charakterizovaná ako začiatok oživenia v hudbe. V tomto okamihu, renesančný ideál harmónie a krásy, normy tzv. Na rozdiel od iných druhov umenia, hlavné ideály a kritériá revivalovej hudby neboli ideály starosti, ako hudobné záznamy starovekého Grécka a starovekého Ríma XIII-XVI storočia. ešte neboli úplne dešifrované a analyzované. Preto najčastejšie základy hudobných diel tejto éry boli poetické, literárne diela staroveku. Tak napríklad do konca XVI storočia. Opera funguje uzavreté starovekových kanónov. V hudbe, ako v iných typoch umenia, sa trend smerom k obrazu rozmanitosti sveta zvyšuje, a myšlienka rozmanitosti je kombinovaná s túžbou po harmónii a primeranosť všetkých prvkov celku. Tam je prehodnotenie sociálneho postavenia hudby - objaví sa demokratické publikum, amatérska hudba je široko aplikovaná - vykonávanie hier nie je známymi skladateľmi, ale aj osobnou esejou. Bolo to teda v rebrovacom ére, že predpoklady pre rozkvučenie domácnosti a profesionálnej sekulárnej hudobnej kreativity, ktorá nosila povahu života afirmation, radosť zo života, humanizmu a jasných obrázkov.

Zároveň boli zmeny v hudobnom liste: Taliansky mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný telefón lisers prišiel nahradiť ťažké drevené potlačené bloky. Publikované hudobné práce rýchlo si kúpili, viac a viac ľudí sa začalo pripojiť k hudbe.

Hudobné diela tohto obdobia boli rozlíšené veľkou časťou, piesňou, ktorá bola inherentná ľudovej hudby; Určitý počet piesní bol napísaný v natívnom a nie v latinčine.

Hlavnými črtami hudby boli melodizovanosť a určitý rytmus, ktorý sa líšil väčšiu flexibilitu, skôr ako v ére stredoveku. Vznik polyfónia vysvetlil predovšetkým skutočnosťou, že hudobník, skladateľ, umelec, spevák mal hudobnú slobodu konania, vyjadrili svoju dušu v piesňach, emocionálny postoj, právo na interpretovanie, vymyslieť svoje variácie v súlade s pocitmi a vnútorný stav.

Dôležité v tejto ére malo pridelenie a schvaľovanie hlavného Lada (ľahšie, radostné, nazývané v porovnaní s maloletým, smutným, smutným, smutným), najmä v stároch XV-XVI.

Špeciálny vývoj dostal pieseň pod doplnkom lute alebo spustiteľného multi-hlas.

V ére renesancie bol vyvinutý rozvoj inštrumentálnej hudby. Často kombinované rôzne nástroje v jednej téme. Zároveň sa zachovali tanečné formy a melódie, ktoré boli zjednotené v apartmáne. Zdá sa, že prvé inštrumentálne diela, ktoré nesú nezávislý charakter, variácie, prelomety, fantázie.

Rovnako ako architektúra, sochárstvo, maľovanie, hudobné umenie renesancie sa rozlišuje sekulárnym charakterom a na XIV-XVI storočia. Označuje tvorbu národných hudobných škôl.

1. Hudobná kultúra renesancie

Renesančná umelecká kultúra je osobným počiatočním podpory pre vedu. Neobvykle komplexná zručnosť polyfonistov XV-XVI storočia, ich virtuózne techniky sa spolu s jasným umením domácich tancov, sofistikovanosť sekulárnych žánrov. Zvyšujúci sa výraz v prácách sa získa Lyric Drama. Okrem toho sú jasnejšie ako autorská osobnosť, kreatívna individualita umelca (to je charakteristické nielen pre hudobné umenie), čo nám umožňuje hovoriť o humanizácii ako vedúcou zásadou renesančného umenia. Zároveň, cirkevná hudba, reprezentovaná takými veľkými žánrami, ako hmotnosť a motet, je naďalej "gothickou" líniou v odbore znovuzrodeného, \u200b\u200bv prvom rade, obnoviť už existujúceho kanonu a cez neho pre oslavovanie božstva.

Podľa XV storočia sa takzvaný "prísny list" polyfónia, pravidlá (normy hlasovania, formovanie atď.) Zaznamenali sa v teoretických správach tohto času a boli nemenným právom vytvárania cirkevnej hudby. Skladatelia zkladali svoje príspevky, ktoré využívajú požičané melódiá ako hlavného tematizmu (gregoriánske zborové a iné kanonické zdroje, ako aj hudobná hudba ľudí) - tzv niekedy sofistikovaný kontrakt. Zároveň došlo k nepretržitému procesu aktualizácie a prekonania zavedených noriem, v súvislosti s ktorými sú sekulárne žánre postupne čoraz dôležitejšie.

Takže, ako vidíte, že obdobie renesancie je ťažká doba v histórii rozvoja hudobného umenia, preto sa zdá byť rozumné zvážiť ho podrobnejšie, pričom sa venuje náležitú pozornosť jednotlivcom a krajinám.

1.1 Holandsko Polyfonická škola

Holandsko - historický región na severozápadnej oblasti Európy (ich územie pokrývalo súčasné severovýchodné Francúzsko, juhozápadné Holland, Belgicko, Luxembursko). Do XV storočia Holandsko dosiahlo vysokú hospodársku a kultúrnu úroveň a zmenil sa na prosperujúcu európsku krajinu s širšími obchodnými väzbami. Intenzita hospodárskeho rozvoja krajiny bola spôsobená prekvitajúcimi vedy, kultúry, umenia v Holandsku. Spolu s brilantnými úspechmi maľby, hudba dosiahla obrovský úspech. Profesionálny skladateľ tvorivosť v Holandsku vyvinutý v úzkom spojení s folklórom, ktorý mal dlhodobé, bohaté tradície. Bolo to tu, že sa vytvorila Holandská polyfonická škola - jedna z najväčších javov oživenia hudby. Pôvod Holandského polyfónia nájdete v anglickom, francúzskom, nemeckom a talianskom zmysle. Holandsko zároveň zhrnuté skúsenosti z mnohých národných škôl a vytvoril originálny vokálny polyfónny polyfónny štýl, ktorý sa stal dôležitou fázou vývoja prísneho listu. Tiež vynašiel imitácia - opakovanie melódia v niektorých hlasovaní priamo po inom hlasu. (Neskôr, počas doby bachu, bude imitácia základom založenia najvyššej formy polyfónia.) Holandsko rovnaké majstrovské používanie imitation v kanonách 15-16 storočí. V umení vytvárania takýchto kanónov, Holandsko Virtuosos ukázali veľa vynaliezavosti a technickej fikcie. Skladateľ napísaný v poznámkach: "Kriki bez zastavenia." To znamená, že hra môže byť vykonaná preskočením všetkých pauz. "Turn nočná nočná noc" - Veterinárov by mali hádať, že čierne poznámky môžu byť čítané ako biele a naopak. Hra bude zaznie rovnako dobre v normálnom zázname av transformovaní. Skladateľ Okhem zložený 36-hlasový Canon - hudobný mrakodrap zo štyroch deviativých kánonov.

Vynikajúci zástupca a jeden z rhodeschalters Holandskej školy - Sprievodca DUFAY (1400-1474) (DUFAY) (približne 1400 - 11/27/1474), Franco Flámsky skladateľ. Bol to on, ktorý položil základy polyfonickej tradície v Holandsku hudbu (asi 1400 - 1474). Guillaume Dufai sa narodil v meste Cambra v Flámsku (provincia na juhu Holandska) a už spievala v zboru cirkvi z malých rokov. Súbežne, budúci hudobník absolvoval súkromné \u200b\u200bzloženie. V mladom veku DUFAI išiel do Talianska, kde napísal prvé eseje - balady a misy. V 1428-1437 Slúžil ako spevák v pápelovej kaplnke v Ríme; V tom istom roku cestovali v Taliansku a Francúzsku. V roku 1437 bol skladateľ prijal duchovný SAN. Na nádvorí vojvodu z Savoy (1437-1439) tvoril hudbu na slávnostné obrady a sviatky. DUFAI sa tešil z veľkej úcty k ušľachtilým osobám - medzi jeho obdivovateľmi bolo napríklad Cheta Medici (vládca Talianskeho mesta Florencia). Od 1445 Kanonik a hlava hudobnej aktivity katedrály v Cambra. Majster duchovných (3-, 4-hlasových hmoty, hnojív), ako aj sekulárne

(3-, 4-Hlas francúzsky chanson, talianske piesne, balady, Rondo) Žánre spojené s populárnym polyfóniu a humanistickou kultúrou oživenia. Umenie DUFAI, ktorý absorboval úspechy európskeho hudobného umenia, mal veľký vplyv na ďalší rozvoj európskej polyfonickej hudby. Tam bol tiež reformátor hudobného listu (DUFAI pripisovaný zavádzaniu poznámok s bielymi hlavami). Kompletné zozbierané diela DUFAI publikované v Ríme (6 TT., 1951-66). DUFAI prvý medzi skladateľmi začal komponovať hmotu ako celú hudobnú kompozíciu. Na vytvorenie kostola sa vyžaduje vynikajúci talent: zručnosť so špecifickými, materiálnymi prostriedkami na vyjadrenie rozptyľovaných, nehmotných konceptov. Obtiažnosť je, že takáto esej, na jednej strane, neopustil poslucháč ľahostajný a na druhej strane, nepodporujem od uctievania, pomohol sa zamerať na modlitbu. Mnohé množstvo Duza sú inšpirované, plné vnútorného života; Zdá sa, že pomáhajú MIG otvoriť závoj božského zjavenia.

Často, vytváranie hmoty, DUFAI vzal dobre známe melódiu, ku ktorej pridal svoj vlastný. Takéto pôžičky sú charakteristické pre renesanciu. Bolo to veľmi dôležité, aby bola hmota založená na známej melódii, ktorá by sa mohla ľahko rozpoznať aj v polyfonickej práci. Často používajú fragment gregoriánskeho spievania; Svetské diela neboli vylúčené. Okrem cirkevnej hudby sa DUFAI zložili do sekulárnych textov. V nich tiež aplikoval komplexnú polyfonickú techniku.

Zástupca Holandsko Polyfonická škola druhej polovice XV storočia. Bola tam rozvinutá rosa (asi 1440-1521 alebo 1524), ktorá mala veľký vplyv na prácu skladateľov novej generácie. Vo svojej mladosti slúžil kostolovým spevákom v Cambray, vzal hudobné lekcie z Okemem. Vo veku dvadsať rokov, mladý hudobník prišiel do Talianska, spieval v Miláne na Dukes of Sforza a v pápelovej kaplnke v Ríme. V Taliansku, HEPE, pravdepodobne začala skladať hudbu. Na samom začiatku XVI storočia. Presťahoval sa do Paríža. V tom čase bola delera už známa a bol pozvaný na pozíciu súdneho hudobníka Francúzsky kráľ Louis XII. Od roku 1503, Delena opäť usadil v Taliansku, v meste Ferrara, s Duke Duke

d "Este. DEW Zlúčenina veľa a jeho hudba rýchlo získala uznanie v najširších kruhoch: bola milovaná a viela, a jednoduchými ľuďmi. Skladateľ vytvoril nielen kostol funguje, ale aj sekulárne. Najmä sa obrátil na Žáner talianskej ľudovej piesne - Frottol (IT. FROTTOLA, z FROTTA - "CROWD"), pre ktoré je charakterizovaný tanečný rytmus a rýchla konferencia. V cirkevnej hudbe, rosa priniesla vlastnosti svetských diel: čerstvé, živé intonácie porušené prísne rozšírenie a spôsobil pocit radosti a úplnosti bytia. Avšak zmysel pre meranie skladateľa sa nikdy nezmenil. Hĺbková polyfonická technika sa nerozlišuje sofistikovanosť. Jeho diela sú elegantne jednoduché, ale cítia silný intelektu autora. toto je tajomstvo popularity jeho výtvorov.

Junior Contemporari Gioma Dufai boli Johannes (Jean) vyšli (asi 1425-1497) a Jacob Obrecht. Podobne ako DUFAI, odišiel z Flámska. Celý život, ktorý pracoval usilovne; Okrem písania hudby vykonal zodpovednosť hlavy kaplnky. Skladateľ vytvoril pätnásť neporiadkov, trinásť mises, viac ako dvadsať chansonov. Pre diela Okemem sa vyznačujeme prísnosťou, koncentráciou, dlhodobým nasadením hladkých melodických línií. Veľmi venovala pozornosť polyfonickej technike, hľadal všetky časti hmotnosti vnímané ako celok. Kreatívna ručná písanie skladateľa sa uhádne vo svojich piesňach - sú takmer zbavené sekulárnej ľahkosti, viac ako hrobky, a niekedy fragmenty Messe. Johannes OKHEVYZ sa jasne využil vo svojej vlasti iv zahraničí (bol vymenovaný za poradcu pre kráľa Francúzska). Jacob Orecht spieval v katedráloch rôznych miest Holandska, dohliadaných kaplniek; Niekoľko rokov slúžilo na súde Duke D "Este v Ferraré (Taliansko). On je autorom dvadsaťpäť mesz, dvadsiatich motet, tridsiatich chansonov. Pomocou úspechov predchodcov, obrect urobil veľa nových v polyfónovej tradícii , Jeho hudba je plná kontrastov, odvaha, dokonca aj keď skladateľ čerpá do tradičných žánrov kostola.

Multifulted a hĺbka kreativity Orlando Lasso. Dokončuje históriu Holandskej hudby Renaissance Orlando Lasso (skutočné meno a priezvisko Roland de Lasso, asi 1532-1594), nazývané Súčasní "Belgický alebo Fefeit" a "Prince of Music". Lasso sa narodil v meste Mons (Flámsko). Zo ornamentu sa spieval v zboru Cirkvi, zasiahol farnosiče nádherný hlas. Gonzaga, vojvoda z talianskeho mesta Mantua, omylom počuť mladého speváka, ho vyzval na svoju kaplnku. Potom, čo Mantua Lasso pracoval na krátky čas v Neapole, a potom sa presťahoval do Ríma - tam dostal miesto hlavy kaplnky jednej z katedrálov. Dvadsaťpäť rokov, Lasso bol už známy ako skladateľ a jeho spisy boli v dopyte po notoizmers. V roku 1555 vyšla prvá zbierka diel obsahujúcich hrobky, madrigals a chanson. Lasso študoval všetko najlepšie, čo vytvorili jeho predchodcovia (holandské, francúzsky, nemeckí a talianski skladatelia) a využili svoje skúsenosti vo svojej práci. Byť mimoriadnou osobnosťou, LASSO sa snažil prekonať rušivú povahu cirkevnej hudby, dať jej individualitu. Na tento účel sa skladateľ niekedy používal žáner-domáce motívy (témy ľudových piesní, tancov), preto, približné kostol a sekulárne tradície. Komplexnosť polyfonických techník bola kombinovaná s LASSO s veľkou emocionálnou. Bol si obzvlášť schopný Madrigalls, v textoch, z ktorých mentálny stav pracovných osôb, napríklad slzy sv. Petra "(1593) na básne talianskeho básnika Luigiho Transilla. Skladateľ často napísal na veľký Počet hlasov (päť až sedem), takže jeho diela je ťažké pre realizáciu. Od roku 1556, Orlando Lasso žil v Mníchove (Nemecko), kde viedol kaplnku. Na konci svojho života bola jeho autorita v hudobných a umeleckých kruhoch Veľmi vysoká a sláva sa šíri v celej Európe.

Holandská polyfónová škola mala veľký vplyv na rozvoj hudobnej kultúry Európy. Princípy polyfónií vyvinutých holandskými skladateľmi sa stali univerzálnymi a mnoho umeleckých techník používali skladateľov vo svojej práci už XX storočia.

1.2 Francúzsko

Vo Francúzsku sa storočia XV-XVI storočia stalo ére dôležitých zmien: stédiár vojny (1337-1453) s Anglickom, do konca XV storočia. Štátna únia bola dokončená; V XVI storočí, krajina prežil náboženské vojny medzi katolíkmi a protestantmi. V silnom stave s absolútnou monarchiou sa zvýšila úloha súdnych osláv a ľudových festivalov. To prispelo k rozvoju umenia, najmä hudby, sprevádzané takéto opatrenia. Počet hlasových a inštrumentálnych súborov (kaplnka a konzorciami), pozostával z významného počtu výkonných umelcov. Počas vojenských výletov do Talianska sa Francúzi oboznámili s úspechmi talianskej kultúry. Dej sa cítili a vnímali myšlienky talianskeho oživenia - humanizmus, túžby po harmónii so svetom, aby si užívali život.

Ak sa v Taliansku, hudobná renesancia bola spojená predovšetkým s Mesiou, potom francúzski skladatelia, spolu s cirkevnou hudbou, venovala osobitnú pozornosť svetovom polyfonickej pieseň - Chanson. Záujem o ňu vo Francúzsku sa objavil v prvej polovici XVI storočia, keď bola vydaná zbierka hudobných miest Alenka ZAEQUEN (asi 1485-1558). Je to tento skladateľ, ktorý je považovaný za jedného z tvorcov žánru.

Ako dieťa, Zainen Sang v zboru kostola v rodnom meste Chateleral (Stredné Francúzsko). V budúcnosti, podľa historikov hudby, študoval v Holandsku pánovi Zoshen Rose alebo zo skladateľa z jeho životného prostredia. Po obdržaní kňaza San, Zainen pracoval ako regent (vedúci zbor) a organista; Potom bol pozvaný na Duke Giz. V roku 1555 sa hudobník stal spevákom kráľovskej kaplnky av roku 1556-1557. - Kráľovský súd skladateľ.

Clemen Zanecen vytvoril dvesto osemdesiat chansonov (publikované medzi 1530 a 1572); Napísal cirkev hudbu - hmotnosť, motetky, žalmy. Jeho piesne boli často grafickým charakterom. Pred premysleným pohľadom poslucháča, obrazy Bittle ("Bitka o Marignano", "Bitka o prenájom"), scénami lovu ("lov"), obrazy prírody ("Bird Singing", "Nightingale"), domácnosti scény ("Dámske chvenie"). Pozoruhodne svetlý skladateľ sa podarilo sprostredkovať atmosféru každodenného života Paríža v Chanson "Creek Paris": urobil z textu predajcov predajcov. Jequen takmer nepoužil dlhé a hladké témy pre jednotlivé hlasy a komplexné polyfonické techniky, čím sa uprednostňujú rolovanie hovorov, opakovanie, rozlíšenie zvuku.

Ďalší smer francúzskej hudby je spojený s celoeurópskym pohybom reformácie. V cirkevných službách francúzski protestanti (Huguentes) zamietli Latinskoamerické a Polyfón. Duchovná hudba získala otvorenejší, demokratický charakter. Jedným z jasných zástupcov tejto hudobnej tradície bol Claude Gudimel (medzi 1514 a 1520-1572) - autorom žalmov na biblických textoch a protestantských zborov.

Jednou z hlavných hudobných žánrov francúzskej renesancie je CHANSON (FR. CHANSON - "SONG"). Origins of It - v ľudovom umenie (Rymed básne epických príbehov sa posunuli na hudbu), v umení stredovekých pipelistov a rúrok. Obsahom a náladou by CHANSON mohla byť najrozmanitejšia - tam boli láska piesne, domácnosť, humoriálne, satirické, atď. Ako texty, skladatelia vzali ľudové básne, modernú poéziu.

1.3 Taliansko

S výskytom renesancie v Taliansku sa rozširuje obyvateľstvo domácností na rôzne nástroje; Tam boli hrnčeky milovníkov hudby. Nové formy hudobného a verejného života sa objavujú - hudobné akadémie a profesionálne hudobné vzdelávacie inštitúcie nového typu - konzervatórium. V profesionálnom regióne boli vytvorené dve najsilnejšie školy: Roman a Benátska.

V XVI storočí, Notophet bol vydaný prvýkrát, v roku 1501, benátsky knih Ottaviano Petricci publikoval Harmonice Musy Odhecaton - prvá hlavná zbierka sekulárnej hudby. Bola to revolúcia v šírení hudby, a tiež prispela k tomu, že Franco-Flámsky štýl sa stal dominantným hudobným jazykom Európy v budúcom storočí, pretože taliansky Petruchci vo svojej zbierke zahŕňali hlavne hudbu Franco Flámska skladatelia. Následne vydal mnoho diel a talianskych skladateľov, sekulárne aj duchovné.

Úloha sekulárnych žánrov sa zvýšila v renesančnej epoche. V XIV CENTOU V talianskej hudbe sa madrigal objavil (z Lat. Matrical - "pieseň vo svojom rodnom jazyku"). Vyvinula sa na základe ľudových (shephing) piesní. Madrigals boli piesne pre dva-tri hlasy, často bez inštrumentálnej podpory. Madrigal dosiahol vrchol svojho rozvoja a stal sa najobľúbenejším hudobným žánrom éry. Na rozdiel od predchádzajúcich a jednoduchých madrigallov, Tryteno, Madrigals Renesancia boli napísané pre niekoľko (4-6) hlasov, boli často cudzinci, ktorí slúžili na súdoch vplyvných severných rodín. Madrigalisti sa snažili vytvoriť vysoké umenie, často používanie recyklovanej poézie Veľkých talianskych básnikov neskorého stredoveku: Francesco Petrorski, Giovanni Boccaccio a ďalšie. Nedostatok prísnych štrukturálnych kanónov bol charakteristický pre Madrigala, základným princípom bola slobodná vyjadrenie myšlienok a pocitov.

Skladatelia ako zástupca Benátskej školy Cyprian de Rore a zástupca Franco Flamánskej školy Roland de Lass (Orlando di Lasso) - počas svojho talianskeho kreatívneho života experimentovali so zvyšujúcim sa chromatizmom, harmónom, rytmom, textúrou a inými prostriedkami hudobná expresivita. Ich skúsenosti budú pokračovať a prinášať do Climaxu počas časov Manheristu Carlo Jesuurdo. Počas 15. storočia sa skladatelia takmer odvolali na tento žánru; Záujem o to bol oživený len v XVI storočí. Charakteristickým znakom Madrigala XVI storočia je úzke pripojenie hudby a poézie. Hudba flexibilne nasledovala text, odráža udalosti opísané v poetickom zdroji. Postupom času boli zvláštne melodické symboly, ktoré označili jemné povzdychy, slzy, atď. V dielach niektorých symbolických skladateľov boli filozofickí, napríklad v Madrigan Jesuualdo di Venoza "Som umierajúci, nešťastný" (1611). Vysvetlenie žánru predstavuje prelomenie storočia XVI-XVII. Niekedy súčasne s vykonávaním piesne hral jej graf. Madrigal sa stal základom madrigal komédie (zborové zloženie na texte hry komédie), ktorý pripravil vzhľad opery.

1.3.1 Rímska polyfónová škola

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Vedúci rímskej školy bola Giovanni Pierluluji da palestrina - jedna z najväčších skladateľov renesancie. Narodil sa v talianskom meste palestínov, podľa ktorého dostal priezvisko. Od detstva Palestrina spievala v zboru Cirkvi, a pri dosahovaní staršieho veku bol pozvaný na miesto Kapelmeister (vedúci zboru) v katedrále svätého Petra v Ríme; Neskôr slúžil v SISTINE Chapel (Court Chapel pápeža Roman).

Rím, Katolícke centrum, prilákalo mnoho popredných hudobníkov. V rôznych časoch tu pracovali holandské majstri Polyfonists Guide Dufai a Zoshen Dere. Ich vyvinuté skladateľské vybavenie niekedy zasahovali do textu uctievania: bol stratený za sofistikovaným plexusom hlasov a slov, v skutočnosti neboli počuť. Preto cirkevné orgány zaobchádzalo s takým na takých prác a obhajovali návrat jedného salónika na základe grigorských chovov. Otázka prípustnosti polyfónie v cirkevnej hudbe bola diskutovaná aj na skúške katolícka katedrála katolíckej cirkvi (1545-1563). Priblížil sa k pápežovi Romanovi, Pastrina presvedčil cirkevné čísla v možnosti vytvárania diel, kde by zariadenie skladateľ nebránilo textu textu. Vo dôkaze sa skladal "masový pápež Marcello" (1555), v ktorom je komplexný polyfónia kombinovaný s jasným a expresívnym zvukom každého slova. Tak, hudobník "zachránený" profesionálnu polyfonickú hudbu z prenasledovania cirkevných orgánov. V roku 1577 bol skladateľ vyzvaný, aby prediskutoval reformu postupného - zhromaždenia posvätných chovov katolíckej cirkvi. V 80. rokoch Palestrina prijala duchovný san a v roku 1584 vstúpil do spoločnosti hudobných majstrov - Združenie hudobníkov, ktoré boli predložené priamo pápežovi Romanovi.

Parestrina je kreativita je naplnená svetlom globalizmu. Práce, ktoré vytvorili, boli zasiahnutí súčasníkov ako najvyššia zručnosť a množstvo (viac ako sto Messen, tristo motets, sto madrigals). Komplexnosť hudby nikdy nebola prekážkou pre jej vnímanie. Skladateľ vedel, ako nájsť zlatú stredisko medzi sofistikovanosťou kompozícií a dostupnosťou ich pre poslucháča. Hlavnou tvorivou úlohou Palestrina videla pri rozvoji celej veľkej práce. Každý hlas v jeho spevákoch sa vyvíja nezávisle, ale zároveň tvorí jeden celok so zvyškom, a často sú hlasy v pozoruhodnej kombinácii akordov. Často sa melódiu horného hlasu, ako by to ponechal po zvyšok, načrtol "Dome" polyfónia; Všetky hlasy sú charakterizované hladkosťou a vývojom.

Umenie giovanni da parestriny Nasledujúca generácia hudobníci považovali za príkladné, klasické. Mnoho vynikajúcich skladateľov XVIIXVIII stáročia študovali na jeho spisoch.

1.3.2 Benátska škola

Ďalším smerom renesančnej hudby je spojený s prácou skladateľov benátskej školy, zriaďovacím zriaďovacím právomocom, ktorý sa stal Adrian Vill (asi 1485-1562). Jeho študenti boli organizátorom a skladateľom Andrea Gabrielom (medzi 1500 a 1520 - po roku 1586), Cyprian de Pope Composer (1515 alebo 1516-1565) a ďalšími hudobníkmi. Ak sa Palestrina funguje charakterizované jasnosťou a prísnym obmedzením, Vullart a jeho nasledovníci vyvinuli bujný chorál štýl. Aby sa dosiahol objemový zvuk, hra Timo, používali v kompozíciách niekoľkých zborov nachádzajúcich sa na rôznych miestach chrámu. Použitie valcov medzi zbormi umožnilo naplniť cirkevný priestor bezprecedentnými účinkami. Takýto prístup odrážal humanistické ideály epochy ako celku - s jeho veselosťou, slobodou a skutočnou benátskou umeleckou tradíciou - s jej túžbou všetkým jasným a nezvyčajným. V práci benátskych majstrov bol hudobný jazyk komplikovaný: bol naplnený odvážnymi kombináciami akordy, neočakávané harmonie.

Svetlým postavou renesancie bol Carlo Jesuurdo di VENOSA (asi 1560-1613), princ mesta Denose, je jedným z najväčších majstrov sekulárne Madrigala. Získal slávu ako patrón, umelec na málo, skladateľ. Princ Jesuualdo bolo priateľmi s talianskym básnikom Torquato Tasso; Najzaujímavejšie listy zostali, v ktorom obaja umelci diskutujú o otázkach literatúry, hudby, vizuálneho umenia. Mnohé básne Tasso Jesuualdo di Venosa sa posunuli na hudbu - takže sa objavil niekoľko vysoko umeleckých matrovít. Ako zástupca neskorého renesancie, skladateľ vyvinul nový typ Madrigala, kde boli pocity na prvom mieste - násilné a nepredvídateľné. Preto je charakterizovaný objemmi objemu, intonácia, podobne ako vzdych a dokonca aj vzlyky, ostré akordy na zvuku, kontrastujúcou storočiam. Tieto techniky dali hudbu Jesuurdo expresívneho, trochu fantázieho charakteru, bola ohromená a zároveň prilákala súčasníkov. Legacy JESUURDO DI VENZA je sedem zbierok multi-vyjadrujúcich Madrigals; Medzi duchovné eseje - "posvätné spevy". Jeho hudba a dnes neopúšťa poslucháč indiferenc.

1.4 Anglicko

Kultúrny život Anglicka v renesančnej epoche úzko súvisel s reformou. V XVI storočí sa protestantizmus šíri v krajine. Katolícka cirkev stratila dominantné postavenie, anglikánsky kostol, ktorý odmietol rozpoznať nejaké dogmy (hlavné ustanovenia) katolicizmu; Väčšina kláštorov zastavila svoju existenciu. Tieto udalosti ovplyvnili anglickú kultúru, vrátane hudby.

Anglické hudobné umenie renesancie má brilantne uviedol v prvej polovici XV storočia, keď predložil jedinečnú kreatívnu identitu Jána Dunstaybla, ktorá urobila najsilnejší dojem na kontinente. Práca Dunstale je dôležitým prepojením medzi hudbou stredoveku a renesančným epoche Polyfónom. Všeobecne akceptovaná historická úloha jeho diel pre rozvoj polyfónie v západnej Európe bola tiež vopred určená významnou tradíciou Polyfónia (so sídlom v stredovekej Anglicku), zdedenej a vyvinutej Dunstaibl. Okrem toho, v XV storočia, boli známe mená mnohých anglických skladateľov, ktorí vytvorili hrobky, časti, niekedy chansons a balady. Niektorí z nich pracovali na kontinente, niektorí z nich prišli do Kapely vojvodu Burgundy. Ich Lionelová sila je vo vlastníctve jednej z prvých v Anglicku Messe - spolu s Mesou Dunstybla. Súčasníci boli J. Bedingham, les, J. Benet, R. Morton. V druhej polovici storočia XV, J. Banaster, W. Lambe, R. DAVI, W. FRY. Väčšina z nich boli speváci v kaplnkách a napísal veľa cirkevnej hudby. Vo výbere hlavných žánrov a v konzistentnom rozvoji polyfonických zručností boli vo veľkej miere uzavreté holandskou školou, čo bolo zase značné, ak štýlový príklad Dustybla je vo vlastnom vzostupu.

V XVI storočí, hudobné umenie Anglicka dosahuje významný rozmanitý. Spolu s tradičnými formami katolíckej hudby a duchovných motorov na latinských textoch od polovice storočia už boli vytvorené jednoznačné žalmy v angličtine - charakteristický fenomén reformácie. Je zvedavý, že ten istý John Merbek (asi 1510-1585), ktorý vytvoril biskup z winchester hmoty a latinských motet v službe, vydala v roku 1549 prvú zbierku žalmov do anglických textov. Spolu s ním, v prvej polovici storočia, anglické polyfonisti konali, autori hlavných foriem Johna Tavernera, Johna Redforda, Nicolae Lyudforda; Kreatívny život Christopher Thaya, Thomas Tallisa, Robert White trvala o niečo dlhšie.

Zároveň humanistické základy novej ERA v Anglicku XVI storočia viedli do Anglicka XVI storočia na prvé vysoké kvitnutie sekulárneho hudobného umenia v hlasových aj v inštrumentálnych formách. Nové generácie anglických skladateľov, ktorí hovorili v poslednom štvrťroku XVI storočia a ktorí zachytili prvé desaťročia XVII, vytvorili školu angličtiny Madrigalistov. A tiež označili začiatok novej oblasti inštrumentálnej hudby - hry pre Vyyrinel (Rod Clavsin), ktorý bol široko distribuovaný vo XVII storočí.

AKLOKTOVI AUTORI MADRIGALLS WILLIAM BERD (1543 alebo 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638), John Wilby (1574-1638) a iní pôvodne spoliehali na moderné talianske vzorky (Madrigal, ako viete, vznikli v Taliansku), najmä pre Marreinsio, ale potom objavil originalitu - ak nie v interpretácii žánru, potom v povahe polyfónia. Príchod v neskoršom štádiu rozvoja polyfónie, na samom zlomenine do nového štýlu XVII storočia, anglický Madrigal je jednoduchší v multi-beamistickom textúre ako talianska, viac homofónu, nie je ani zbavený rovnomerných nádherných tanečných funkcií . Na rozdiel od času Danstybla, anglická polyfonická škola do konca XVI storočia predstavuje výhodu národného záujmu (jeho tradície sú prevedené v XVII storočí a dosahovať Pessella), ale presunutím vlastnej cesty, už nemá Znalý vplyv na hudobné umenie západnej Európy.

Je tiež potrebné si uvedomiť významnú úlohu hudby v anglickom divadle renesancie. Táto úloha je špecifická v jeho čase: v Anglicku neexistovali žiadne predpoklady pre vznik opery na dlhú dobu, a nič ho ešte pripravilo. Hudba zneňala v dramatickom divadle pre prospech ako fenomén života (ale nie ako vnútorne dramaturgická zložka), a v žánri "masky" sa zúčastnil na bujnej predstavenia na kráľovskom dvore, sa pripojili k veľkolepé efekty, baletné scény, vokálne a Inštrumentálne fragmenty, poetický text.

V kusoch Shakespeara, často v priebehu akcie sa nazývajú populárne melódie na určitých slovách alebo dobre známe tance, ako napríklad galiard. Hudba sa stala pozadím akcie, niektoré "stredné", urobil nejaké psychologické odtiene, prečo Shakespeare nepotreboval viac ako domáce žánre.

Zároveň, hudobné oddelenia otvorené v Oxforde a Cambridge University.

1.5 Nemecko

Storočia XVI. V Nemecku už tam bol bohatý folklór, predovšetkým vokál. Hudba zanila všade: na slávnostiach, v kostole, na sekulárnych udalostiach av vojenskom tábore. Roľná vojna a reformácia spôsobili nový nárast piesne ľudového umenia. Existuje mnoho expresívnych luteranových hymnov, ktorých autorstvo nie je známe. Zborový spev sa stal neoddeliteľnou formou luteránskeho uctievania. Protestantský zbor ovplyvnil neskorý rozvoj všetkých európskych hudby. Ale v prvom rade, na hudobnosti samotných Nemcov, ktorí dnes hudobné vzdelanie považujú za menej dôležité ako prírodné vedy - a inak, ako sa zúčastniť na chore multi-reťazec?

Rozdelenie hudobných foriem v Nemecku XVI storočia. Úvahy: Balety, Operas Dajte na karneval. Nie je možné zavolať takéto mená ako K. Puman, P. HOFHEIMER. Ide o skladatelia, ktorí napísali svetskú a cirkevnú hudbu, predovšetkým pre orgán. Sú priľahlé k vynikajúcemu Franco Flámskemu skladateľovi, zástupcom Holandskej školy O. LASSO. Pracoval v mnohých európskych krajinách. Všeobecne a inovatívny vyvinul úspechy rôznych európskych hudobných škôl renesancie. Majster kultovej a sekulárnej zborovej hudby (viac ako 2000 spisov.).

Ale Henry Schütz (1585-1672), skladateľ, Cappermaster, organista, učiteľ, sú obrátené v nemeckej hudbe. Zakladateľ Národnej Composer School, najväčší predchodca I.S. Baha. Prvá nemecká opera "Daphne" (1627), opera balet "Orpheus a Eurydika" (1638) bol napísaný Schuyz Madrigals, duchovné kantárové a oratorické spisy ("vášne", koncerty, hrobky, žalmy atď.).

Zakladateľ reformácie Martina Luthera (1483-1546) veril, že reforma kostola bola potrebná. Hudba, po prvé, by mala prispieť k aktívnejšej účasti farníkov v uctievaní (pri výkone polyfonických kompozícií, ktoré bolo nemožné), a po druhé, porodiť empatiu biblických podujatí (ktoré ublížili službu v latinčine). Nasledujúce požiadavky boli teda predložené na spevácku cirkvi: jednoduchosť a jasnosť melódie, dokonca aj rytmus, jasnú formu spevy. Na tomto základe vznikol protestantský zbor - hlavný žáner kostola kostola nemeckej renesancie. V roku 1522, Luther Preložil Nový zákon na nemčine, teraz to bolo možné uctievať vo svojom rodnom jazyku.

Pri výbere zvonení pre Choralov bol aktívne zapojený Luther, rovnako ako jeho priateľ, nemecký hudobný teoret Johann Walter (1490-1570). Hlavnými zdrojmi takýchto melódie boli ľudové duchovné a sekulárne piesne - známe a jednoduché pre vnímanie. Melodie na niektoré z Khoralova Luther sa skladalo. Jedným z nich, "Pána - podpora výhľadu, sa stal symbolom reformácie počas obdobia náboženských vojen XVI.

1.6 Španielsko

Po dlhú dobu bola hudba Španielska pod vplyvom cirkvi, v ktorej bola feudálna katolícka reakcia rampovaná. Bez ohľadu na to, ako tento Nórsky nebol náporom protikladu s hudbou, stále nedokázal vrátiť predchádzajúce pozície. Inštalácia BOURGEOIS Vzťahy diktované nové objednávky.

V Španielsku sa v XVI storočí celkom jasne prejavili príznaky oživenia a predpoklady pre to sa zdá, že sa objavujú ešte skôr. Je známe, že už v XV storočí, tam boli dlhodobé a silné hudobné väzby medzi Španielskom a Talianskom, medzi španielskymi kaplnkami a súčasťou nich skladateľ spevákov - a pápežská kaplnka v Ríme, ako aj vojvodu vojvodu Burgundy a Duke Sforza v Miláne, nehovoriac o iných európskych hudobných centrách. Zo konca 15. storočia, Španielsko, as je dobre známe, v dôsledku súhrnu historických podmienok (koniec rekonštrukcií, otvorenie Ameriky, nové dynastické väzby v rámci Európy), našiel veľmi väčšiu silu v západnej Európe, Zostáva konzervatívny katolícky stav súčasne a prejavuje značnú agresivitu pri zachytávaní území iných ľudí (ktoré na neho plne zažili Taliansko). Najväčší španielsky hudobníci XVI storočia, ako predtým, boli v Cirkevnej službe. Nemohli potom zažiť vplyv Holandskej polyfonickej školy svojimi prevládajúcimi tradíciami. Už bolo povedané, že vynikajúci zástupcovia tejto školy boli viac ako raz v Španielsku. Na druhej strane, španielski majstri, niekoľko výnimky, sa neustále stretli s talianskymi a holandskými skladateľmi, keď odišli zo Španielska a pracovali v Ríme.

Takmer všetci hlavní španielski hudobníci skôr alebo neskôr padli do pápežskej kaplnky a zúčastnili sa na svojej činnosti, čím si stále pomerne zvládol koreňovú tradíciu prísnej polyfónie v jej ortodoxnom výraze. Najväčší španielsky skladateľ Cristobal de Morales (1500 alebo 1512-1553), oslavovaný mimo svojej krajiny, v roku 1535-1545 bol súčasťou pápežskej kaplnky v Ríme, po ktorej viedol metriku v Tolede, a potom katedrálová kaplnka v Malage.

Morales bol veľkým polyfonistom, autorom Messe, Motttes, Hymns a ďalšie hlasové, najdôležitejšie zborové práce. Smer jeho kreativity bol založený na syntéze natívnych španielskych tradícií a polyfonickej zručnosti Holandska a Talianov času. Po mnoho rokov (1565-1594), tam bol špičkový zástupca ďalšej generácie španielskych majstrov Thomas Luis de Victoria (cca 1548-1611) (cca 1548-1611), ktorá nie je veľmi presná na školu Parestrinov. Skladateľ, spevák, organista, Dropmester, Victoria vytvorila hmotu, Motety, žalmy a iné duchovné spisy v prísnom štýle polyfónia A Cappella, bližšie k palestine ako Holandsko, ale stále nie je možné zhodovať s Palestrinskym - Španielsky Majster mal menej prísny Viac výrazu. V neskorých dielach Victoria sa objaví Victoria a túžba narušiť palestrinovskú tradíciu v prospech polyhooreizmu, kontrastu, kontrastu a ďalších inovácií vedúcich ich pôvodu skôr z benátskej školy.

Ďalší španielsky skladatelia, ktorí pracovali hlavne v oblasti duchovnej hudby, boli tiež priniesol spevákom pápelovej kaplnky v Ríme. V 1513-1523 bol A. de Ribera súčasťou Capella, od roku 1536 tam bol spevák B. escobedo, v roku 1507-1539 - X. Escribano, trochu neskôr - M. Robbledo. Všetky z nich napísali polyfonickú duchovnú hudbu v prísnom štýle. Iba Francisco Gouserro (1528-1599) vždy žil a pracoval v Španielsku. Avšak, jeho milosti, hroby, piesne boli úspešné a mimo krajiny, často prilákali pozornosť muštín a VIUELS ako materiál pre inštrumentálne liečby.

Z sekulárnych vokálnych žánrov najčastejšie. Bol to WiliansIko-rod polyfónovej piesne v Španielsku, potom trochu viac polyfónne, potom, častejšie, s homofónom, pôvodom spojeným so životom, ale minulý profesionálny rozvoj. Mal by sa však povedať, že podstata tohto žánru, bez toho, aby ju roztrhal z inštrumentálnej hudby. Wiliansik Xvi storočia - najčastejšie pieseň pod VUela alebo pod LUTNO, vytvorenie veľkého umelca a skladateľa pre ich zvolený.

A v nespočetom Wiliancikos a vo všeobecnosti Španielsko v domácnosti hudba je mimoriadne bohatá a charakterizovaná národným melodizmom - druh, ktorý sa zachovávajú ich rozdiely od talianskej, francúzštiny a všetkých nemeckých, melodických. Španielska melódia vykonávala túto charakteristiku cez storočie, prilákala pozornosť nie sám na národnej, ale aj zahraničných skladateľov do nášho času. Nielen jeho intonačný systém je zvláštny, ale hlboko v súlade s rytmom, originálnym ornalizmom a improvizačným spôsobom, veľmi silné spojenia, s tanečnými pohybmi. Vo vyššie uvedenej rozsiahlej práci Francisco de Salinas "Sedem hudobných kníh" (1577), mnohé kastilské melódie sú dané, ktorí priťahovali pozornosť vedeckého hudobníka predovšetkým z ich rytmickej strany. Tieto stručné melodické fragmenty, ktoré niekedy pokrývajú len rozsah politiky, sú prekvapivo zaujímavé v ich rytmoch: časté synkopy v rôznych kontexte, ostré prerušenia rytmu, úplná absencia elementárneho pohybu, vo všeobecnosti trvalé aktivity rytmického pocitu, žiadna zotrvačnosť! Rovnaké vlastnosti boli vnímané z ľudovej tradície so svetskými vokálnymi žánrami, väčšinou všetkých Wiliansik a iných odrôd piesne blízko VUela.

Inštrumentálne žánre v Španielsku sú široko a nezávisle reprezentované prácou organizátorov organizácií, ktoré vedie najväčšie Antonio de Cabestoons (1510-1566), ako aj celé brilantné poukážky Pleiada s primeraným počtom ich diel, čiastočne súvisiacich s vokálnym Melón rôznych pôvodov (z ľudových piesní a tanca do duchovných spisov). Budeme sa s nimi osobitne vrátiť v kapitole o inštrumentálnej hudbe renesančnej éry, aby sme určili svoje miesto vo všeobecnom rozvoji.

Podľa XVI storočia, včasné etapy v histórii španielskeho hudobného divadla vznikli aj na výsledku predchádzajúceho storočia na iniciatíve básnika a skladateľa Juan del Essin a existoval dlhú dobu ako dramatické divadlo s veľkou účasťou Hudba v jednotlivých miestach.

Nakoniec, vedecké aktivity španielskych hudobníkov, z ktorých už bolo zrejmé Ramis di Pareh, na progresschopnosť teoretických názorov a Francisco Salinas pre jedinečné zváženie španielskeho folklóru pre jedinečný čas na tento čas. Spomenieme tiež niekoľko španielskych teoretistov, ktorí venovali svoju prácu v otázkach výkonu na rôznych nástrojoch. Composer, Performer (na Volone - Basovooy Violea Da Gamba), Diego Ortis, Diego Ortis zverejnil jeho "zaobchádzanie s lesklými" 1553 v Ríme), v ktorom pravidlá odôvodnené improvizované rôzne v súbore (Volone a Clavasin). Organista a skladateľ THOMAS de Sante Maria Publikované vo Valladolidoch Ošetrovanie "Art Play Fantasy" (1565) - pokus o metodicko sumarizovať skúsenosti s improvizáciou na tele: Juan Bermoudo, ktorý vydal svoju "vyhlásenie hudobných nástrojov" v Grenade (1555), na ktoré sa vzťahuje Okrem informácií o nástrojoch a hre, niektoré otázky hudobných písmen (namietané najmä proti preťaženiu polyfónia).

Tak, španielske hudobné umenie ako celok (spolu s jeho teóriou), nepochybne prežili jeho renesanciu v 16. storočí, objavovanie a určitých článkov s inými krajinami v tomto štádiu, a významné rozdiely spôsobené historickými tradíciami a sociálnymi súčasnými Španielsko.

2. Hudobná estetika

2.1 Vývoj žánrov a foriem inštrumentálnej hudby

renesančná hudba murár mussetserger

Sme povinní vytvoriť inštrumentálnu hudbu ako nezávislý typ umenia. V tomto okamihu sa objaví množstvo inštrumentálnych hier, variácií, preludov, fantázie, Rondo, TOCCAT. Violin, Clausius, orgán sa postupne zmenil na sólové nástroje. Hudba napísaná pre nich umožnila ukázať talent nielen skladateľa, ale aj dodávateľom. V prvom rade je virtuozita ocenená (schopnosť vyrovnať sa s technickými ťažkosťami), ktorý sa postupne stal pre mnohých hudobníkov sám o sebe a umeleckú hodnotu. Skladatelia XVII-XVIII stáročia zvyčajne nielen zložili hudbu, ale tiež hrali nástroje, ktoré sa zaoberajú pedagogickými aktivitami. Dobré životné podmienky umelca vo veľkej miere záviselo od konkrétneho zákazníka. Každý vážny hudobník sa spravidla snažil získať miesto buď na nádvorí panovníka alebo bohatý aristokrat (mnohí zástupcovia mali svoje vlastné orchestre alebo operné divadlá), alebo v chráme. Okrem toho väčšina skladateľov ľahko kombinovanú cirkevné šťavy s službou sekulárneho patróna.

Povaha mnohých hlasových diel XIV-XV storočia v talianskych a francúzskych skladateľov je skôr inštrumentálna ako vokál (v rozsahu, povahe hlasovania, pomer s verbálnym textom alebo absencia podpísaných slov). Toto sa plne aplikuje na talianske aktíva ARS NOVA, na niekoľko spisov "prechodného" obdobia vo Francúzsku (začiatok XV storočia). Neexistujú žiadne priame pokyny na použitie určitých nástrojov v zázname o poznámke. Zdá sa, že bola poskytnutá vôle umelcov v závislosti od ich schopností, najmä preto, že autor sám bol zvyčajne medzi nimi.

Každá hlasová práca je v zásade súčasťou hmoty, motet, chanson, darilu, Madrigal (s výnimkou Mesz, určená pre SISTINE Chapel, kde neboli povolené) - v praxi by sa mohlo vykonávať buď so zdvojnásobujúcim hlasom Strany nástroje, alebo čiastočne (jeden alebo dva hlasy) len nástroje alebo výlučne na orgán alebo skupine nástrojov. Bol to v podstate stabilný typ výkonnosti, menovite proces zavádzania nástrojov do hlasiky na pôvod polyfónie. Takže vznikli, napríklad, "hmotnosť orgánov" - medziľahlý fenomén, prechodný. V tých spisoch, kde horný hlas vyniknúť v ich význame (ako to bolo často v DUFAI alebo BENSHUA), používanie nástrojov s najväčšou pravdepodobnosťou súvisí s "sprevádzajúcou" melódou s hlasmi alebo harmonickým basom. Ale s "zosúlaďovaním" strán v obzvlášť rozvinuté multi-šampiónom Holandskej školy, možno predpokladať (napríklad v Chanson) Akýkoľvek pomer hlasových a inštrumentálnych síl do plnenia celého produktu skupiny nástrojov . Treba mať na pamäti a niektoré viac súkromných funkcií, ktoré nie sú zaznamenané v zázname o poznámke. Je známe, že na tele, napríklad, už v XV storočí, skúsených interpretov počas spracovania piesne "farby" (dodávané s dekoráciami) jeho melódie. Snáď inštrumalista, s inou účasťou na výkonnosti hlasovej hudby, mohla tiež robiť improvizované dekorácie v jeho párty, čo bolo obzvlášť prirodzené, ak sa autor sám sedel na telo. Koniec koncov, nie je prekvapujúce, že v XVI storočí, keď sa inštrumentálne žánre už skladali, a stále sú stále polyfonické práce s označením "na kantár na sonare" ("na spev alebo hru"). To bolo nakoniec úplné uznanie existujúcej praxe!

V domácnosti hudbe, najmä v tancovaní, ak nešli pod piesnicou (v Španielsku, pripojenie piesne a tanca), nástroje zostali, takže hovoriť, sú bez hlasových vzoriek, ale sú spojené žánrovou základňou každého tanca, rytmu, typu pohybu. Syncretizmus tohto druhu umenia bol stále v platnosti.

Z tejto celkovej hmoty neprítomných javov, z praxe, ktorá sa neodráža v hudobnom zázname, z dlhodobého procesu asimilácie hlasového a inštrumentálneho, začala v priebehu času rozvoj skutočných inštrumentálnych žánrov. Sotva načrtnuté v XV storočí, sa stalo hmatateľným v celom XVI, na ceste k nezávislosti, stále existovala malá, a len v niektorých formách (improvizačné), bol pozorovaný skutočný inštruktizmus hudobného listu. Na prvých štádiách cesty inštrumentálnej hudby na sebaurčenie boli určené dve žánrové oblasti jeho charakteristických trendov. Jedným z nich je výhodou výhody z polyfonickej, "akademickej" tradície s veľkými formami. Druhý je založený na tradícii domácnosti hudby, piesní a tanca. Prvým je najmä kompozície pre orgán, druhý - prvý zo všetkých repertoári lutu. Medzi nimi nie je nepriechodná tvár. Môže byť len o prevahe určitých tradícií, ale na zjavných kontaktných miestach. Polyfonické techniky nie sú teda vylúčené v dielach pre lute, a variácie na piesňach sa čoskoro objavia v orgánovej hudbe. A na tom a na inom nástroji začína rozvoj improvizačných foriem, v ktorom sú špecifiká tohto nástroja s najzreteľnejšími - s takmer úplnou slobodou od vokálnych vzoriek. Zdá sa, že by sa zdalo, že úspech inštrumentalizmu bol dosiahnutý po dlhodobej príprave, ktorý išiel do éry renesancie a bol zakorenený v najviac hudobnej praxi tej doby.

2.2 Hudobné nástroje renesancie

V ére znovuzrodenia sa zloženie hudobných nástrojov výrazne rozšírila, nové odrody pridali do už existujúceho reťazca a vetra. Medzi nimi je špeciálne miesto obsadené violami - rodina strunov potokov, ktoré ovplyvňujú krásu a šľachtu zvuku. V tvare sa podobajú nástroje modernej rodiny husle (husle, alt, viollo) a sú dokonca považované za svojich bezprostredných predchodcov (koexistovali v hudobnej praxi až do polovice XVIII storočia). Rozdiel, a významný, ale existujú. Na horu má systém rezonančných reťazcov; Spravidla existuje toľko z nich ako hlavné (šesť až sedem). Výkyvy rezonančných reťazcov robia zvuk violy mäkkej, zamatovej, ale nástroj je ťažké použiť v orchestri, pretože kvôli veľkému počtu strunov je rýchlo rozrušený. Po dlhú dobu bol zvuk viola považovaný v hudbe so vzorkou sofistikovanosti. V rodine Viola sa rozlišujú tri hlavné typy. Viola da Gamba je veľký nástroj, ktorý výkonný umelec vložil vertikálne a upínal nohami (talianske slovo Gamba znamená "koleno"). Dve ďalšie odrody - Viola da Braccho (z neho. Braccio - "predlaktie") a viole d "Amur (Fr. Viole d" Amour - "Viola Love") boli orientované horizontálne, a keď boli stlačené proti hre. Viola Áno Gamba v rozsahu zvukov je blízko k violám, violu da Bracocho - na husle, a viol d "AMUR - ALTO. Medzi tweezing nástrojov renesancie, hlavné miesto zaberá lutu (poľština. Lutnia, od Arab. "ALOUD" - "Strom"). V Európe prišla z Blízkeho východu na konci XIV storočia, a na začiatku XVI storočia, pre tento nástroj, tam bol obrovský repertoár; v prvom rade , Suchni sa vyskytli na sprievode. V ľavom krátkom prípade; horná časť je plochá a spodná časť pripomína hemisféru. Na široký krk bol pripevnený k hrdlu oddelenému šialenňou a hlava nástroja sa prenajímala späť takmer v pravom uhle , Ak si želáte, môžete vidieť podobnosť z misky v vzhľade lute. Dvanásť reťazcov je zoskupených dvojicami a zvuk sa odstráni obaja s prstami a špeciálnym záznamom - mediátor. V XV XVI storočia Majte rôzne typy klávesníc. Hlavnými typmi takýchto nástrojov sú Harposichin, klávesnica, Chamblock, Vyrhzhyel - sa aktívne používali v hudbe oživenia, ale ich skutočné prosperu prišlo neskôr.

2.3 Dodržiavanie opery (Florentine Camera)

Koniec éry oživenia bol poznačený najdôležitejšou udalosťou v hudobnej histórii - narodenia opery.

Vo Florencii sa zhromaždila skupina humanistov, hudobníkov, básnikov pod záštitou ich vodcu Grafu Jovani de Bardi (1534 - 1612). Skupina sa nazývala "kamera", jej hlavnými členmi boli Julio Kachchini, Pietro Srokzzi, Vincenzo Galilee (otec Astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii a Ottavio Rhinucchini v mladých rokoch.

Prvá zdokumentovaná montáž skupiny sa uskutočnila v roku 1573 a najkvalitnejšie roky práce "Florentine Cameras" bolo 1577-1582.

...

Podobné dokumenty

    Výrazné črty hudobnej kultúry renesancie: vzhľad tvorby piesní (Madrigal, Wiliansik, Frottol) a inštrumentálna hudba, narodenie nových žánrov (sólové piesne, Cantata, Oratoria, Operas). Koncept a hlavné typy hudobnej textúry.

    abstraktné, pridané 01/18/2012

    Vokálna, inštrumentálna a vokálna inštrumentálna hudba. Hlavné žánre a hudobné smery hlasovej inštrumentálnej hudby. Popularita inštrumentálneho typu hudby počas renesančnej éry. Vzhľad prvých produkcií virtuóz.

    prezentácia, pridané 04/19/2014

    Vlastnosti ruskej hudby XVIII storočia. Barokový - ERA, keď myšlienky o tom, čo by hudba mala nájsť svoj tvar, tieto hudobné formy nestratili relevantnosť a dnes. Veľkí zástupcovia a hudobné diela barokovej éry.

    abstraktné, pridané 01/14/2010

    cheat list, pridaný 11/13/2009

    Renesančná éra (renesancia) ako rozkvet všetkých druhov umenia a cirkulácie ich postavy na starožitné tradície a formy. Zákony harmónie, ktoré sú obsiahnuté v hudobnej kultúre oživenia. Vedúca pozícia duchovnej hudby: hmotnosť, hrobky, hymny a žalmy.

    vyšetrenie, pridané 05/28/2010

    Záznam o hudbe Twire. Hlavný rozsah profesionálnych spevákov a zborov v Egypte éry starého kráľovstva. Použitie phoenician abecedy v starovekom Grécku. Zborové umenie stredovekej éry, Indie a Číny. Nepovolené nahrávanie.

    prezentácia, pridané 06.10.2015

    Hudba obsadila jednu z najdôležitejších miest v systéme umenia starovekej Indie. Jeho pôvod sa vracajú do ľudových a náboženských obradov. Kozmologické reprezentácie starovekej Indie sa dotkli sfér vokálnej a inštrumentálnej hudby. Indické hudobné nástroje.

    vyšetrenie, pridané 15.02.2010

    Hudobný žáner ako historicky zavedený typ produktu v jednote jeho tvaru a obsahu. Hlavné žánre v modernej hudbe. Essence elektronickej hudby, pop žánru, rocková hudba, rap. Nové žánre XXI storočia. Najneobvyklejších hudobných nástrojov.

    kurz práce, pridané 12/20/2017

    Pôvod skalnej hudby, centier jeho výskytu, hudobných a ideologických zložiek. Rocková hudba 60. rokov, vzhľad tuhej hudby a prosperujúcej garážovej skaly. Alternatívna hudobná kultúra. Rocková hudba 2000 a outsiderov všetkých čias.

    abstraktné, pridané 01/09/2010

    Banner Singing - História rozvoja. Hudobná poetika a gymnatina. Hudobné písanie staroveké Rusko. Chorválna hudba a kreativita D. Bortnyansky. História ruskej opery, vlastnosti Ruského národného divadla. Kreatívne portréty skladateľov.

Estetika oživenia je spojená s veľkou revolúciou, ktorá sa vykonáva v tejto ére vo všetkých oblastiach verejného života: v ekonómii, ideológii, kultúre, vede a filozofii. Do tejto doby zahŕňajú rozkvet urbanistickej kultúry, veľké geografické objavy, nesmierne rozšírené horizonty človeka, prechod z remesiel na manufaktúru.

Revolučný rozvoj produktívnych síl, rozkladu feudálnych buniek a vzťahov s dielnou, ktoré boli preukázané výrobou, vedie k oslobodeniu jednotlivca, vytvárajú podmienky pre jeho slobodný a univerzálny vývoj. Niet pochýb o tom, že toto všetko nemohlo ovplyvniť povahu svetonázoru. V revivenčnom ére je proces rozbitia koreňa stredovekého systému názorov na svete a tvorbu novej, humanistickej, ideológie. Tento proces sa odráža v hudobnej estetike. Už XIV storočia sama osebe symptómy prebudenia nového estetického svetonázoru. ARS NOVA ART A EESTHENTIKA, Riešenie John de Grorho a Marketeto Paduansky postupne uvoľnili tradičný systém stredovekej hudobnej teórie. Teologický pohľad na hudbu tu bola ohrozená, založená na uznanie nejakého nereagovaného pocitu nebeskej hudby. Avšak, storočia-stará tradícia stredovekej hudobnej teórie nebola úplne zničená. Trvalo ďalšie storočie, aby muzikálne estetiky konečne utiekli z rámca tradičných schém.

Hudobná estetika renesancie pri výklade otázky vymenovania hudby je založená na skutočnej praxi charakterizovanej mimoriadnym rozvojom hudby vo verejnom živote. V tejto dobe sú stovky hudobných kruhov vytvorené v mestách Talianska, Francúzska, v ktorom sú zapojení do zloženia alebo hry na rôznych hudobných nástrojoch. Jeho vlastná hudba a vedomosti sa stávajú nevyhnutnými prvkami sekulárnej kultúry a sekulárneho vzdelávania. Slávny taliansky spisovateľ Baldasar Castiglion v jeho ošetrení "na súde" (1518) píše, že osoba nemôže byť zdvorilý, "Ak nie je hudobníkom, nevie, ako čítať hudbu z listu a nič o rôznych nástrojoch " Na mimoriadnej prevalencii hudby v oblasti civilnej životnosti XVI storočia je preukázaná maľba tohto času. V mnohých obrázkoch znázorňujúcich súkromie šľachty, neustále sa stretávame stovky ľudí, ktorí sa zaoberajú hudbou: spev, hranie, tanec, improvizáciu atď.

Predtým sa v Taliansku vyvinula a vyvinula kultúra oživenia. Storočna renesancie je tu označená mocným vývojom ľudovej poézie a hudby a najbohatšie tradície údržby piesne v takýchto žánrov, ako je Laud, Fottol, Vilall, sú obsadené hlavnou úlohou. Nemenej populárny žáner v domácnosti Urban Mutikation bol Kachchia, zvyčajne ukazuje šťavnaté žánrovú scénu pomocou v texte a hudbe existujúcich intonácií - až na remízy peddler a predajcov. Kachchia bola často sprevádzaná kruhovým tanečným tancom. Taliansky balada je tiež spoločným žánom s piesňovým tanečným textom spojeným s výkonom sólo-zbor (vo Francúzsku tej doby, podobné funkcie mali žánru Voell). Ľudia a piesne Intonácia, určitá hmotnosť melodického princípu, penivosť faktúry - tieto vlastnosti sekulárnej domácnosti hudby tiež prenikli do duchovnej hudby, až do polyfonického neporiadku.


Melodická povaha hudby bola spojená so skutočnosťou, že v Taliansku sa v Taliansku rýchlo vyvinuli tradície sólo a súboru Musitizácia na reťazcoch potokov. Všeobecne platí, že veľká distribúcia inštrumentálnej hudby prispela k tvorbe skladového skladu homofónu a funkčnú harmóniu.

Predtým, ako v hudobných kruhoch Talianska, sa objavil husle (v poslednom štvrťroku XVI storočia) a výroba husle z Krémových majstrov Amati, Stradivari, Gwarnarty, atď, bol obzvlášť populárny s materskou (najslávnejším skladateľom \\ t Maslo - Francesco Milano), Viola, Španielska gitara, teorer (basy lute veľkých veľkostí).

Skill husle sa predtým vytvorila v dielach B. Donati, L.ViadAN, J.Giacomelly (bol známym na zručnosti dlhodobej údržby luku a techniky legato). Nový krok vo vývoji husľového pôsobenia je spojený s prácou K.MonterDi, ktorý vyvíja techniku \u200b\u200bprechodu, platí Tremolo, Pizzicato, obohacuje dynamiku PP a FF Polar Kontrasty.

Veľké oživenie bolo pozorované v oblasti orgánov a klasických aktivácií. Od 40. rokov Storočna XVI storočia prudko zvyšuje počet ekologických zbierok ostro, celého Pleiadu vynikajúcich organistov - Williaert, Andrea a Giovanni Gabrieli, Claudio Merul, Cavazoni. Títo majstri ležali základy talianskeho orgánu a vytvárajú žánre inštrumentálnej hudby - RACHERKAR, CHANCEND, TOCCATA.

Klasické popravy široko využíva dlhodobé tance, spracovanie populárnych sekulárnych piesní. Vynikajúci skladateľ-improvizátor o orgáne a kľúčom bol Girolamo Freskrobaldi, v ktorej sa objavili celé zbierky slušnej hudby - tanečné cykly.

Zloženie skladateľskej školy Talianska je tiež zastúpené aktivitami profesionálnych skladateľov-Polyfonistov - Adriana Villatert a jeho študentov Chiprian de Roor, Andrea a Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluiga da Palustrina. Ich kreatívna dedičstvo je rôznorodé a väčšinou pozostáva z hlasových polyfonických diel - mnoho desiatok hmoty, duchovných a sekulárnych madrigals, misy, ktoré boli vykonané hlavne zborom Apellla.

Výkonný rozvoj polyfónia v Holandsku je spôsobený bohatstvom populárneho polyfónia a prítomnosti špeciálnych spální školách spevákov (metriky) v katedráloch bohatých holandských miest.

Niekoľko generácií skladateľov patrilo do Holandskej polyfonickej školy. Ich činnosť pokračovala nielen v Holandsku, na ktorú sa vzťahuje územie moderného Belgicka, Luxemburska, juhozápadne od Holandska a severu Francúzska (odtiaľ - druhým menom školy je Franco Flamadskaya). Veľkí zástupcovia Holandskej školy plodne pracoval v Ríme (Dufai, obrect, Joskin) a ďalšie mestá (Villaners, Železničný - v Benátkach, Isaac - v Rakúsku a Nemecku, Bensua - v Dijone v Burgundovom dvore).

Holandská škola zhrnula stáročnatý rozvoj polyfónia vo všetkých krajinách Európy. Aj keď v práci týchto majstrov, kostol hudobná hudba, samozrejme, na poprednom mieste, zlé

menej, spolu s duchovnými prácami, skladatelia napísali veľa sekulárne polyfonických piesní, v ktorých sa zohľadnil bohatý svet myšlienok a pocitov, charakteristický pre renesanciu.

Najmlejší žáner kreativity holandských polyfonistov bol Mesiaci, v ktorej došlo k zdokonaleniu princípov polyfónia prísneho štýlu. Aktivity každého Master však objavujú inovatívne funkcie spojené s vyhľadávaním výstupu z etablovaných expresívnych kanónov. Podpora rozsiahlej piesne a tanečného materiálu, vzájomného vplyvu duchovných a sekulárnych žánrov vedie k postupnému prideleniu v polyfólii melodického hlasu, k tvorbe vertikálneho a funkčného myslenia akordov.

Koruna Holandska Polyfónia XVI storočia bola dielom Orlando Lasso. Bolo to v jeho práci, že najširšie žánrové záujmy renesancie sústredil: vzdal hold takmer všetkým vokálnym formám jeho času - Madrigan, Messe, Motutu, Francúzsky chanson a dokonca aj nemeckej song Polyfony. Práce skladateľa sú nasýtené životne dôležité pravdivé obrazy, majú jasnú melódiu, úľavu rôznorodý rytmus, ktorý je dôsledne vyvinutý harmonickým plánom, ktorý zabezpečil ich mimoriadnu popularitu (opakovane používali iné skladatelia pre lute a organické ošetrenie).

Vývoj renesančných trendov a tvorba francúzskej národnej kultúry už v XIV storočí už plánovala. Vynikajúcimi predstaviteľmi umenia včasného znovuzrodenia vo francúzskej hudbe boli Philip de Vitrate a Gille de Masha, ktorí zanechali veľké dedičstvo v žánroch Virlael, Le, Rondo Balades.

Hlboko životne dôležité a realistické bolo najchladnejšie pre francúzsky hudobný žáner Chanson, ktorý je tvarom s viacerými hlasovými piesňami so sekulárnym textom a zvyčajne ľudovou melódiou domácností. Bolo to v tomto žánri, že nové renesančné vlastnosti sa objavili jasnejšie v obsahu, grafických, vlastnostiach expresívnych činidiel.

Francúzsky Chanson XV-XVI stáročia je druh "encyklopédie" francúzskeho života tohto času. Jeho obsah je rôznorodý a môže byť príbeh, lyrický, intímny, smutný, komický, popisný, galantný. Charakterizované a rozmanité množstvo ich mierky - z niekoľkých hodín až 42 strán.

Jednoduchosť a priamosť expresívnych látok, periodickú štruktúru s určitými koncami na d a t, príjem kanalizácií, ktorý sa potom zdvihol celým súborom - typické vlastnosti žánru, ktorých hudba sa niekedy podobá ľudovému tancu, Lyric-Epic Zapachanie alebo pieseň Perky Street City - Modista budúceho Waterville. Pre hudbu, CHANSON je charakterizovaný podčiarknutým rytmickým základom, niekedy je charakterizovaný kúpnou skladovou alebo kruhovým rondo-ľudstva, ľudové nástroje môžu byť použité na eskortu.

Najvýraznejším skladateľom francúzskej renesancie bol Clement Zhenken, v ktorého práca bola odrážaná a jemná Láska texta (v piesňach na textoch básniky Ronsar) a vyjadrenie smútok a smútku sentimentu a plné životy a pohyby Scéna populárnej zábavy. Vo svojom dedičstve, Big Choir Song-Fantasy Software, plný vynaliezavosti a Witty nálezov v oblasti chorálových písmen. V nich bol Zainen farebne zobrazený život a život svojho času. Najznámejšia "bitka", "lov", "spev vtákov", "Street kričí Paríž".

Okrem viac ako 200 piesní napísal Jequen a hromadne. Ale v oblasti hudby pre katolícky kult, odvážne využíva ľudové melódiá, intonuje duchovné texty pre obrat fanfare vojenskej hudby, predstavuje tanečné rytmy.

Takéto odvolanie na pieseň ľudu a tanečného materiálu bola vo veľkej miere charakteristická pre mnohých skladateľov renesancie, ktorá zjednotila v ich pracovnom záujme o duchovné a sekulárne žánre, ktoré viedli k konečnému prideleniu sekulárnej hudby do oblasti Umelecká nezávislosť a profesionalita.

Talianske slovo renesancia v pôvodných zvukoch ako Rinascita, vynajmená to George Vazari. Po prvýkrát, termín ho použil v práci "životných spôsobov" v zmysle "kvitnutia umenia" na označenie obdobia, keď boli umelci vo svojej práci oslobodené od GRECO-BYZAntine a Roman-Latin kanonické formy.

Ak chcete určiť kultúrne hnutie v Európe od 14. do 17. storočia, pojem "oživenie" alebo "renesancia" (z talianskeho slovesa "RINASCER" ") používané v 19. storočí v práci" histórie Francúzska " Francúzsky historik Jules Mishal.

Trochu o ére oživenia vo všeobecnosti

ERA oživenia sa vyznačuje rekultiváciou klasického (význam greco-rímsky klasicizmus) kultúry. Mnohí výskumníci sa domnievajú, že renesančné nápady majú svoj pôvod na konci 13. storočia vo Florencii v literatúre a vizuálnom umení, a sú spojené najmä s dielami Dante Aligiery, Francesco Petrarchi a fresky Jotto di Bondone.

Napriek tomu, že básnici, umelci, repirth epoch filozofi boli a nie menej náboženské ako ich predchodcovia

Snažili sa zosúladiť teologické praktiky s novým duchovným výskumom (filozofia nazývaná humanizmu, prenikne celú epochu). Bol to čas aktivovať učenie, vedecké úspechy, veľké geografické objavy. V hudbe, ktorá sa stane neoddeliteľnou súčasťou náboženského, civilného a súdneho života, boli kardinálne zmeny označené, počnúc 15. storočím.

Periodizácia a vývoj revivalovej hudby

Väčšina hudobných historikov sa domnieva, že vývoj renesančnej hudby pokrýva obdobie za 200 rokov. Tradične je rozdelený na:

  • hudba včasného renesančného obdobia od 1400 do 1467. rokov;
  • hudba stredného obdobia renesancie, od 146. do 1534;
  • hudba neskorého (alebo vysokého) renesancie, od roku 1534 do 1600s.

Takáto periodizácia je spojená s prosperujúcimi a dominanciou rôznych skladateľských škôl v západnej Európe. Stylistické charakteristiky, ktoré určujú hudbu renesancie, je polyfónová textúra, ktorá obmedzuje zákony commonstra a regulovaného zdedeného zo stredoveku modálnym systémom Gregorian Khorala.

Hudobná kultúra oživenia je niekedy umiestnená ako "zlatý vek zborovej hudby". V skutočnosti boli horizonty hudby výrazne rozšírené.

Ak počas stredoveku, skladatelia a hudobníci pracovali hlavne na cirkvi, potom vďaka náboženskému a sekulárnemu rozdeleniu, ku ktorému došlo v západnej Európe v renesančnej epoche, hudba našla niekoľko patrónov: katolíckych a protestantských kostolov, kráľovských yardov, bohatých Aristokrati, nová buržová trieda. Všetky z nich sa stali zdrojmi príjmov pre skladateľov, vrátane, samozrejme a melnotype: renesancia hudobná kultúra úzko súvisí s novými technológiami (vynález typografie pohyblivých línií Johanna Guttenberg).

Estetické črty oživenia hudby

Rovnako ako iné umenie, hudba bola do značnej miery pod vplyvom udalostí určených éry oživenia ako celku: rast humanistickej myšlienky, obnovenie greco-rímsky klasický dedičstvo, inovatívne objavy. Staroveké texty boli revidované, opäť hovorili ako objekt pre štúdium a boli upravené, ale len v súlade s rozvojovými vedami.

Zatiaľ čo všetky umenie a vedy boli považované za prepojené v starovekej gréckej kultúre, humanisti renesančnej epochy boli rozdelené, zdôraznili a študovali svoje jednotlivé vlastnosti. Hudba, najmä, bola považovaná za výrazné umenie schopné ovplyvniť emócie a pocity, čo bolo neslýchané pre stredoveký čas.

Úsilie o organizáciu poznatkov v hudbe zahŕňal objednávanie vonkajšej strany, aby bolo možné stanoviť vzťah medzi poznámkami a ľudskými emóciami.

Je tiež dôležité, aby sa hudobná kultúra oživenia charakterizovala koncepciou humanizmu. Vďaka tomu sa vyskytlo posunutie intelektuálnych akcenty - od rozšírenej dominancie náboženskej myšlienky na možnosti a úspechy sekulárnej osoby. Individuálny tvorivý génius človeka bol v oveľa vyššej pozícii. To znamenalo, že mnohí skladatelia boli uznané.

Väčšinou renesančná hudba však bola duchovná, as v stredovekom čase, ale "humanistické" zmeny ovplyvnili hľadanie jasnejšej expresivity v ňom - \u200b\u200bdosiahnuť dokonalosť.

Hlavná hudba včasného opätovného obdobia, napísaná pre dôležité cirkvi a kráľovské kaplnky, sú polyfonické hmoty a spevy (MOTES) v latinčine. Ale vo svetle náboženských reformácií, nové typy duchovnej hudby, okrem toho, že také veľké šoky na scéne cirkvi viedli k tomu, že sekulárna hudba získala skutočnú silu a mohol by už konkurovať svojmu "posvätnému" kolegu.

Kompozitné školy renesancie

Na začiatku 15. storočia sa predkladá anglická škola Polyfonistov pod vedením Johna Dunstaibl. Nový anglický štýl založený na používaní triezvy, diktovaný hudobným rytmom (s každou vokálnou linkou, ktorá sa pohybuje spolu v "vertikálnom" štýle), výrazne ovplyvnil Burgundskú skladačskú školu.

Najdôležitejšie medzi skladateľmi burgunkskej školy bolo Guillaume Dufai, ktorých hudobná kreativita zahŕňala spevu, hmoty, sekulárne diela charakterizované melodickým lyristikou.

Pohyb označený ako Franco Flemish School je charakterizovaný silným rozvojom polyfonickej hlasivej hudobnej kompozície, ktorá položila základ modernej harmónie. Najslávnejší zástupcovia - "skladateľ troch francúzskych kráľov": Johannesom Okhem a Jacob Obrecht.

Hudobná kultúra oživenia prvej polovice 16. storočia sa vyznačuje skutočnosťou, že Franco Flámsky skladatelia ho naďalej dominujú, medzi ktorými najslávnejší bol Goskien Dere, ktorého štýl skopíroval mnoho skladateľov. V polyfónovej hudbe boli použité kánony, ktoré predtým existovali kompozičné štruktúry, ale hladko v kombinácii s melódiami, ktoré zdôrazňujú poetické čiary, a nie ich maskovať.

Pre túto epochu to bolo celkom bežné, že vedúci skladatelia cestovali veľa, pracovali na rôznych patrónoch v Taliansku, Španielsku, Nemecku, Francúzsku. Výmena hudobných myšlienok vytvorila, ak to môžete spočítať, prvý medzinárodný štýl, pretože časy grigorského zboru v 9. storočí.

Od druhej polovice 16. storočia neprekonateľného majstrovstva v hudobnom umení hľadajú taliansky skladatelia. Medzi ikonami obrázkov - Giovanni Pierluja da parestrina.

Renesančné hudobné žánre

Duchovné vokálne žánre je mesiaca a motet. Sekulárne žánre - Madrigal (v Taliansku a Anglicku), Chanson (vo Francúzsku), Leed (v Nemecku).

Napriek tomu, že hudba cez éru výhodne závisí od vokálov, nástroje sa čoraz viac používajú. Výkončeci na náradiach niekedy sprevádzali speváci, z času na čas nahradili niektoré hlasy, ak neboli žiadne speváci.

Nástroje sa pohybovali od veľkých, ako je telo a harfychine, violy de gagba, na malý - harf (neskôr lute), rekordér (blockball). Postupy začínajú písať funguje len pre nástroje bez spevákov.

Hudba výrazne ovplyvnila súdne tancy, ktorá predstavuje širokú škálu nástrojov na ich údržbu. Nástroje boli použité v Cirkvi, počas slávnostných a verejných podujatí, v divadelných produkciách, v súkromných domoch.

Storočia XV sa ukázalo, že je rozhodujúci pre rozvoj hudby v umení a vo vývoji techniky vykonávania. Kultúrny konflikt vznikajúci medzi kresťanskou cirkvou a svetským svetom vopred urýchlil následný rýchly rozvoj hudobných smerov, ktoré nesúvisia s obradmi a službami cirkvi.
Spoločnosť tej doby je trochu "unavená" z toho istého typu, aj keď matematicky správne správne stredoveké kánony a potrebnú vytváranie jednoduchšie, svetskej hudby. Kreatívne vyhľadávanie viacerých generácií hudobníkov a skladateľov viedlo k rozvoju mnohých nových hudobných žánrov, tanca a divadla.
Prvé myšlienky reformácie Polyfónia vznikli na začiatku 15. storočia a patrili do Burgundy, angličtiny, FLANDERSHIC, ako aj talianskych hudobných škôl. John Dunstabeble, zástupca anglickej školy, načrtol základy techniky Foburdon (doslova, falošné basy). V multi-hlasových prácach sa zaznamenalo len priemerný hlas a počas vykonávania sa pridali horné a dolné hlasy.
Ďalší vývoj tejto techniky sa prejavil v spisoch Guillaume Dufai (1400-1474), ktoré nielen systematické cyklické hmotnosti, ale aj pridané prvky svetskej hudby. Nasledoval Joan Okkhem a Jacob Oberech, a najslávnejší hudobník tej doby bol Zoshen Depse (1440-1521).
Majstri talianskej školy, vrátane Giovanni Palestrina (1525-159. - 1594), Tomazo de Victoria (1548-1611), tiež vypracovali na pripútanosti polyfólia ľahšieho a vysokého štýlu a nové texty sa zdali vyrovnať hudbu a slovo v talianskom hudobnom umení.

Renesancia. Madrigal

Jedným z najbežnejších žánrov sekulárnej hudby renesancie bolo Madrigal, doslova označujú pieseň v jeho rodnom jazyku (materský) jazyk. Základom nového hudobného žánru bolo talianske pastierske piesne.
Spočiatku, v XIV storočí, Madrigals sa skladali na dva alebo tri hlasy pod doplnkom hudobného nástroja, ktorý zopakoval vežu horného hlasu. Madrigals často znelo na svetskej sviatky, svadby. Do stredu XVI, Madrigals už vykonávajú päť hlasov, vzťah medzi stranami sa zvyšuje, hudba žánru sa stáva výraznejšími.
Spolu s "ľahkosťou", veselým, Madrigalom absorbovaný storočia-staré tradície kresťanskej hudby. Táto kombinácia používala prominentnými madrigalistmi tej doby sipriano de Roor a Giuseppe palestrina. Na konci XVI storočia je Madrigal čoraz viac ovplyvnený affektom: láska potešenie, poznámky melanchólie a podanie osudu.
Najväčší majstri žánru ocele Luca Marreinsio (1553-1599), Jesuurdo daenose (1561-1613) a. Vytvorené sú mnohými zbierkami Madrigalls, úžasné melodium, rôzne rytmické formy a mnohé inovatívne hudobné riešenia zohrala kľúčovú úlohu pri rozvoji hudby renesancie.

Intermedia. Pôrodná opera

Ďalší rozvoj hudobného umenia vopred určený vznik medziproduktu. Rozkvitajúci tento žáner padol na prvú polovicu XVI storočia, keď na svadbe ALFONSO D'EST a Lucretia z Borgia, predstavitelia Veľkého talianskeho klanu.
Následne začali sprostredkovatelia znieť s najväčšími aristokratickými európskymi dvormi. Hudba sprostredkovania je prakticky nezachovaná, ale zozbierané dôkazy nám hovorí o mimoriadnom rozsahu predchodcu opery: niektoré orchestre, ktoré hovoria na svadby veľkých šľachticov, existuje viac ako dvadsať reťazcov, veterných a šokových hudobných nástrojov. Povesť súčasníkov medziproduktov bolo spokojní s Violou da Gamba, Lute, Piccolo Flauty, vírenia, Lira, obobra a dvojité basy.
Inovatívne myšlienky skladateľov renesancie, ako aj vznik nových hudobných nástrojov viedli k zásadnej zmene hudobného umenia - vzhľadu opery. Prvé kroky v tomto smere uskutočnili filozofi, hudobníci a básnici, zjednotené v druhom kultúrnej akadémie - Florentine Fotoaparát.
Count Giovanni del Vernio (1534-1612), autorom niekoľkých riešení o histórii a teórii hudby, skladateľov Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilee (1520-1591), otec slávneho astronóma a tiež Julio Kachchini, Luca Marreinsio a Claudio Monteverdi.
Prvé diela vytvorené na základe hudobných konceptov florentských kamier, sa stali operou "Daphne" a "Evridika" skladateľov Peri a Kachchini a najdlhšie princípy kamier boli stelesnené v operáciách Opera MonToverdi, UPHEVA Návrat a "koronation puppie."

Renesancia. Kľúčové slová:

Vynález v druhej polovici systému XV storočia špeciálnych značiek pre nástroje klávesnice a lute (tabulatúry), vzhľad zbierok pre orgán a lute slúžil ako základ pre rozvoj hudby nástroja renesančnej epochy.
Najstarší fragment kompozície pre orgán, ktorý zistili historikmi, je datovania od roku 1425 (neznámy autor z Sliezskeho kláštora Sagane). V roku 1448 sa objavili prvé eseje pre telo, v ktorom bol pedál použitý (päť prelude-preams of Adam Ileborgo). Najslávnejším výkonom orgánovej hudby XV storočia je nemecký hudobník Konrad Poifan (1410-1473). Jeho Peru patrí kolekcii "Buxheimer Orgelbuch", ktorý má 250 diel pre orgán svojej vlastnej eseje a iných hudobných dohôd.
Španielski hudobníci a skladatelia tvorili aj významnú časť renesančného epochu hudobného dedičstva. Vydané v roku 1557 Louis Endrose "Nová hudobná veľkosť pre klávesnicu, viol a harfu", zahŕňali mnoho piesní, fantázie, tanca a hymny slávnych španielskych skladateľov. Práca Antonio de Kabestov, jedného z najslávnejších hudobníkov Európy, je tiež rozlíšená. Jeho diela zozbierané v "spisoch pre klávesnice, violy a harfy" (1578), sa stalo, ďaleko za Španielskom.

Renesancia. Hudba pre Lute a Viola

Hudobné umenie XVI storočia sa vyznačuje širokou distribúciou v európskej hudbe nových hudobných nástrojov - Lute a Viola. Tieto nástroje boli ideálne pre sprievod a riedenie v určitých momentoch hudobných diel. Prvá kompilácia obsahujúca nielen polyfonické diela, ale aj skoré vzorky hudby Lute, sa stal prácou talianskeho vydavateľa Ottaviano Petruchci "Inbulatura de Lauto", datované 1507.
LUTY má niekoľko nastavení a kariet. Mnoho skladateľov a hudobných teoretikov, vrátane Hansa Görle, Juan Bermudo, Vincenzo Galilee, sa líšili v názoroch týkajúcich sa optimálneho počtu chlapcov. Napriek nezhodám, všetci odborníci sa konvergovali v hlavnej veci: lute, podobne ako klávesnice, umožnili vykonávať viacjazyčné práce bez použitia iných nástrojov.
Lute bol najväčší rozložený v Taliansku, Francúzsku, Nemecku a následne v Anglicku. Medzi slávnymi skladateľmi, ktorí zvrásili tisíc hudby, by nemali byť zaznamenané Viltingzo Kapirla, Petrucci, Matthais Weiselle, Matias Reiman, John Dowland a Thomas Morney.
Medzi španielskymi hudobníkmi, Lute nebola získaná veľká popularita. Veterná pohon uprednostňoval viol, ktorý bol ako malý, ale mal zvláštny, podobný modernej gitare, trupu. Sú známe dva typy husle da Gamba: "Manuálne violy" a "nohy viola". Louis de Milan, Alonso Midarra, obohacuje de Valderrabano sa stal najslávnejšími majstrov, ktoré boli napísané pre "Manuálne Viola", Alrikes de Valderrabano a Thomas de Santa Mary.

Renesancia. Revolúcia hudobného tesnenia

Vynález Johna Gutenberg novej tlačovej technológie, ktorý sa konal v XV storočí, sa odráža vo všetkých oblastiach kultúrneho života Európy. Nezostali stranou a hudobným umením. Už v druhej polovici 20. storočia sa prvé tlačové domy špecializujú na hudobné publikácie v Holandsku a Nemecku. Proces vytvárania kníh venovaných hudbe bol dosť pracný. Každá stránka bola vytlačená trikrát: Prvé tesnenie - pre nový mlyn, druhý tesnenie - a tretí - pre text a čísla stránok.
Zberateľské Super Magnificat, ktorý vytvoril Hersson z Esslinna v roku 1473 a Missale Romanum, vytlačené v roku 1476 v rímskej dielni Ulrich Khan, sa považuje za prvú hudbu kompilácie hudby.
Spočiatku sa centrá hudobných publikácií stali kultúrne vyvinuté talianske mestá v Benátkach, Miláne, Florencii a Neapole, kde miestni bohatí aristokrati v každom spôsobe podporili vydavateľov. Najznámejšie talianske tlačiarne boli Ottaviano Petrucci, ANTIKO ANTIKO a neskôr Antonio Gardano.
Najznámejší renesančný Parížsky primér - Pierre Atthannat (1494-1551), hudobník, ktorý má osobitný život k publikácii piesní, cirkvi Messe a Chances. Najobľúbenejšie Othannata Edition je Chansons Nouvelles Collection, publikovaný v roku 1527. Rýchly rozvoj tlače hudobných publikácií bol možný vďaka činnostiam a ďalším skvelým tlačiarňam: Jacques Mozhell (Lyon), Tillman Subsato (Amberres), Thomas Tallisa a Villama Bird (Londýn).

Ministerstvo školstva Ruskej federácie

Moskva Štátna vonkajšia pedagogická univerzita

ich. M.a.sholokhova

Katedra estetického vzdelávania

Esej

"Hudba renesancie"

Študenti 5 (počet)

Plný úväzok - absentný priestor

Sleepy Love Pavlovna

Učiteľ:

Zatsepina Maria Borisovňa

Moskva 2005

Oživenie - éra rozkvetu kultúry západnej a strednej Európy počas prechodu zo stredoveku do nového času (storočia XV-XVII). Kultúra oživenia sa nezníži a často odráža náladu širokých masy, v hudobnej kultúre predstavuje niekoľko nových vplyvných tvorivých škôl. Hlavnou ideologickou tyčou celej kultúry tohto obdobia bol humanizmus - nová, bezprecedentná myšlienka osoby ako slobodne a komplexne vyvinuté stvorenia schopné neobmedzeného pokroku. Muž je hlavným predmetom umenia a literatúry, kreatívnym z najväčších predstaviteľov renesančnej kultúry - F. Petrarki a D. Boccacio, Leonardo da Vinci a Michelangelo, Raphaelom a Titian. Väčšina kultúrnych osôb tejto éry boli univerzálne nadaných ľudí. Leonardo da Vinci nebol len vynikajúci umelec, ale aj sochár, vedec, spisovateľ, architekt, skladateľ; Michelangelo je známy nielen ako sochár, ale aj ako maliar, básnik, hudobník.

Rozvoj svetonázoru a celej kultúry tohto obdobia uložili odtlačok prstov podľa starobylých vzoriek. V hudbe, spolu s novým obsahom, nové formy a žánre sa tiež vyvíjajú (piesne, madrigals, balads, opery, cantata, oratóriu).

So všetkou bezúhonnosťou a povrchmi renesančnej kultúry v hlavnej veci sa vyznačuje vlastnosťami protichodného spojenia s oslabením prvkov novej kultúry so starým. Náboženské témy v odbore tohto obdobia pokračujú nielen existovať, ale aj na rozvoj. Zároveň je tak transformovaný, že práca na tom je vnímaná ako žánrové scény zo života ušľachtilých a obyčajných ľudí.

Talianska kultúra renesancie sa uskutočnila určité fázy vývoja: keď sa objavil na konci XIV storočia, dosiahol jeho rozkvet v strede XV skorého XVI storočia. V druhej polovici XVI storočia. Existuje dlhá feudálna reakcia v dôsledku hospodárskeho a politického poklesu krajiny. Humanizmus zažíva krízu. Pokles v umení však nie je označený tým, že nie je okamžite: Ďalšie desaťročia sú talianski umelci a básnikov, sochármi a architekti vytvorili diela najvyššieho umeleckého významu, rozvoj odkazov medzi rôznymi tvorivými školami, výmenou skúseností medzi hudobníkmi Krajina do krajiny pracovala v rôznych kaplnkách, stáva sa znamením a umožňuje nám hovoriť o trendoch spoločných pre celú éru.

Renaissance - jeden z brilantných stránok histórie európskej hudobnej kultúry. Súhvezdá veľkých menách Goskene, Ombrechta, Palestrina, O.LOMO, JESUBEURDO, ktorý otvoril nové horizonty na hudobnú tvorivosť v prostriedkoch expresivity, bohatstva polyfónia, rozsahu foriem; prosperujúce a vysoko kvalitné aktualizácie tradičných žánrov - mott, hmotnosť; Schválenie nových modelov, nových intonácií v oblasti multi-vyjadrených kompozícií, rýchly rozvoj inštrumentálnej hudby, publikovaný na popredných po takmer päťdesiatej podriadenom pozícii: iné formy musitalizácie, rast profesionality vo všetkých oblastiach hudobnej tvorivosti : zmena názorov na úlohu a príležitosť na hudobné umenie, vytvorenie nových kritérií krásy: humanizmus ako skutočne manifest trend vo všetkých oblastiach umenia - to všetko je kvôli našim myšlienkam o renesancii. Renesančná umelecká kultúra je osobným počiatočním podpory pre vedu. Neobvykle komplexná zručnosť polyfonistov XV - XVI storočia, ich virtuoso techniky sa spolu s jasným umením domácich tancov, sofistikovanosť sekulárnych žánrov. Zvyšujúci sa výraz v prácách sa získa Lyric Drama. Okrem toho, osobnosť osoby, tvorivá individualita umelca sa objavuje v jasnejšej (to je charakteristické nielen pre hudobné umenie), čo nám umožňuje hovoriť o gummanizácii ako vedúcou zásadou renesančného umenia. Zároveň, cirkevná hudba, reprezentovaná takými veľkými žánrami, ako hmotnosť a motet, je naďalej "gothickou" líniou v odbore znovuzrodeného, \u200b\u200bv prvom rade, obnoviť už existujúceho kanonu a cez neho pre oslavovanie božstva.

Práce takmer všetkých hlavných žánrov zo sekulárnej aj duchovnej sú postavené na základe akéhokoľvek vopred známeho hudobného materiálu. Mohlo by to byť jednorazový zdroj v mottas a rôznych sekulárnych žánrov, inštrumentálne spracovanie; Mohli by to byť dve hlasy požičané z trojzdychových zložení a zahrnuté do nového produktu rovnakého alebo iného žánru a nakoniec plné troch alebo štyroch glazúr (MOTET, MADRIGAL, pôsobiaci na predbežnom "modeli" práce väčšej formy (Massa).

Primárny zdroj koná rovnako a populárne, známe spletenie (chorál alebo sekulárna pieseň) a nejaký druh autorských práv (alebo hlasov z nej), spracované inými skladateľmi, a preto obdamenali inými vlastnosťami zvuku, iného umeleckého nápadu .

V Motta Žáner, napríklad, existujú takmer žiadne práce, ktoré nemajú žiadny zdrojový originál. Väčšina hromadných skladateľov XV - XVI stáročia má aj prvé zdroje: takže paletyseris celkového počtu viac ako sto neporiadok nájdeme len šesť-písané na základe pôžičiek na základe základu. O. LASSO nepísali žiadnu hmotnosť (z 58) na materiál autora.

Je možné si všimnúť, že je celkom jasne označené kruhom primárnych zdrojov, ktoré sú založené na autoroch. DUFAI, I. OČHEM, YA. OBERACHT, PALESTRINA, O. LASSO A I. Ako keby sa navzájom konkurovali, znova a opäť s odkazom na jedno melódiá, kresliť z nich zakaždým, nové umelecké impulzy pre svoje diela, v novej spôsob, akým pochopiace melódie ako počiatočná intonačná primordinácia pre polyfónové formy.

Pri výkone práce sa použil recepcia - Polyfónia. Polyfónia je polyfónia, v ktorom sú všetky hlasy rovnaké. Všetky hlasy opakujú jednu melódiu, ale v rôznych časoch, ako ECHO. Táto technika sa nazýva Imitácia Polyfónia.

Podľa XV storočia sa takzvaný "prísny list" polyfónia, pravidlá (normy hlasovania, formovanie atď.) Zaznamenali sa v teoretických správach tohto času a boli nemenným právom vytvárania cirkevnej hudby.

Ďalšie pripojenie, keď sa vykoná vykonaný v rovnakom čase rôzne melódiá a rôzne texty sa nazývajú kontrastné polyfónia. Všeobecne platí, že "prísny" štýl nevyhnutne znamená polyfóniu jedného z dvoch typov: simulácia alebo kontrastná. Je to simulácia a kontrastná polyfónia, ktorá umožnila skladanie multi-hlasové hniloby a pivicu pre cirkevné služby.

MOTET je malá zborová pieseň, ktorá sa zvyčajne skladá na akejkoľvek populárnej melódii, najčastejšie na jednom zo starých tulákov Church ("Grigorian Currals" a ďalších kanonických zdrojov, ako aj High-Class Hudba).

Od začiatku storočia 15. storočia, v hudobnej kultúre viacerých európskych krajín, sa objavujú črty obsiahnuté v epoche renesancie. Viditeľné u radých polyfonistov Holandskej renesancie, Guillae Dufa (Dufai) sa narodil v Flámsku okolo roku 1400. Jeho diela v podstate je viac ako pol storočia štádia v histórii Holandskej školy hudby, ktorá zriadila v druhom štvrťroku storočia XV.

DUFAI viedol niekoľko kaplniek, vrátane Pakaya v Ríme, pracoval vo Florencii a Bologni a posledné roky života strávil vo svojom rodnom kambre. Heritage Dufai je bohaté a bohaté: Zahŕňa asi 80 piesní (komorné žánre - Viros, Ballads, Rondo), asi 30 motely (duchovný obsah a sekulárny, "pieseň"), 9 úplných neporiadkov a ich jednotlivých častí.

Vynikajúca melódia, ktorá dosiahla lyrické teplo a vyjadrenie malých lyží, zriedkavé v ére prísneho štýlu, ochotne sa ochotne odvolal na populárne melódiá, ktoré ich vystavili na trblietavé spracovanie. DUFAI predstavuje veľa nových vecí v hmotnosti: Širšie zmení kompozíciu celej kompozície, voľne využíva kontrasty zborového zvuku. Jedným z jeho najlepších diel je hmotnosť "bledá osoba", "ozbrojený muž", v ktorom sa použijú požičané melódy pôvodu piesne. Tieto piesne v rôznych verziách predstavujú intonačnú tematickú rozsiahlu predĺženú základňu, ktorá upevňuje jednotu veľkých chorálových cyklov. V polyphonickom vývoji nádherného protivníkovi odhaľujú devastujúce v ich hĺbke, neznámej kráse a expresívnych príležitostiach. Melódia DUFAI harmonicky kombinuje koláčovú sviežosť holandských piesní s zmäkčovacím talianskym spevákom a francúzskym milosťou. Simulačný polyfónia je zbavený umelosti a trysiek. Niekedy sa tkanie stáva nadmernou, sa vyskytuje prázdnota. Ovplyvňuje nielen mládež umenia, ktorá ešte nenašla ideálnu rovnováhu štruktúry, ale aj charakteristické pre Cambrian Master, túžbu dosiahnuť umelecký a expresívny výsledok s najviac pokornými prostriedkami.

Práca mladších súčasníkov DUFAI - Iohannes Okhemema a Jacob Oberachta sa už poukazujú na tzv. Druhá Holandská škola. Obaja skladatelia sú najväčšími osobami svojho času, ktorý určil rozvoj Holandského polyfólia v druhej polovici XV storočia.

Johannesom Okhem (1425 - 1497) Väčšina života pracovala na kaplnke francúzskych kráľov. Tvárou v tvár Okhemema pred Európou, fascinovaný mäkkou, speváčkou Lyristika DUFAI, naivného mek a archealicky jasnením jeho Mesa a Motytov, bol úplne iným umelcom - "racionalist s nepriechodným okom" a sofistikovaným technickým perom, Niekedy sa vyhýbali lyrrianizmu a čoskoro sa zachytila \u200b\u200bv hudbe, niektoré mimoriadne všeobecné vzory objektívnej existencie. Objavil úžasné majstrovstvo vývoja melodických línií v polyfónnych súboroch. Jeho hudba je neoddeliteľná v niektorých gotických funkciách: snímky, mimo in-peripants prírodu expresivity atď. Vytvoril 11 plný neporiadkov (a niekoľko ich častí), vrátane témy "ozbrojený muž", 13 mzdí a 22 piesní. Je to veľké polyfónové žánre, ktoré stoja na prvom mieste. Niektoré piesne získali popularitu v súčasných a opakovane slúžili primárni na polyfónové procedúry vo väčších formách.

Kreatívny príklad Okhemema ako najväčší majster a čistý polyfonista mal veľký význam pre súčasníkov a nasledovníkov: jeho nekompromisná koncentrácia na špeciálnych problémoch polyfónia inšpirovaného rešpektu, ak nie uctievanie, vydala na legendu a obklopil svoje meno halo.

Medzi tými, ktorí viazali XV storočia s nasledujúcim nielen chronologicky, ale aj v podstate kreatívny rozvoj, prvé miesto, nepochybne, patrí do Jacob Obrech. Narodil sa v roku 1450 v Bergen-Op-Zoom. Obracht pracoval v Antverpových kaplnkách, Cambre, Bruneta atď., Podáva sa v Taliansku.

V kreatívnom dedičstve Obrecht - 25 MES, asi 20 motelov, 30 polyfónnych piesní. Zo svojich predchodcov a seniorských súčasníkov zdedil vysoko rozvinuté, dokonca aj virtuózne polyfonické techniky, imitácia a kanonické techniky polyfónia. V spoločnosti Oracle Hudba, plne polyfonické, počujeme niekedy špeciálnu pevnosť aspoň implicitných emócií, odvahu kontrastov vo veľkých a nízkych limitoch, pomerne "Zem", takmer domáce spojenia v povahe zvuku a stranami formácie . Jeho Workview prestane byť gotický. Presunie sa smerom k Goskien rose - skutočný zástupca renesancie v hudobnom umení.

Vyznačuje sa jednotlivými vlastnosťami, vrátane odpadu z gotickej neprítomnosti, čo spôsobuje opozíciu, silu emócií, komunikácia s domácimi žánrami.

Prvá tretina storočia XVI v Taliansku je doba vysokej reness, čas tvorivého zdvíhania a bezprecedentnej dokonalosti, ktorá bola stelesnená vo veľkých dielach Leonardo da Vinciho, Raphaela, Michelangelo. Určitá verejná vrstva sa vyvíja, ktoré sú usporiadané divadelné predstavenia, hudobné sviatky. Aktivity rôznych rozvojových akadémií umenia.

O niečo neskôr sa vysoký kvet objaví v hudobnom umení, nielen Taliansku, ale aj Nemecku, Francúzsku, ďalších krajinách. Trintovanie je nevyhnutné šíriť hudobné diela.

Tradície polyfónovej školy zostávajú stále silné (najmä, existuje rovnaká hodnota podpory vzorky), ale postoj k výberu tém sa zmení, emocionálne tvarované nasýtenie prác sa zvyšuje, osobné, autorské práva zvyšuje sa. Všetky tieto funkcie sa už objavujú v práci talianskeho skladateľa Zosken Rose, ktorý sa narodil okolo roku 1450 v Burgundsku a bývalého jedného z najväčších skladateľov Holandskej školy na konci XV - Cancel XVI storočia. Nadaný s vynikajúcim hlasom a sluchom, pôsobil ako nebo v cirkevných zboroch vo svojej vlasti av iných krajinách. Je to skoré a úzke kontakt s vysokým zborovým umením, aktívne praktické učenie veľkých umeleckých pokladov kultovej hudby do značnej miery určilo smeru, v ktorom bola potom vyvinutá individualita budúcnosti brilantného majstra, jeho štýl a žánrové záujmy.

V mladých rokoch sa DEW naučil umenie zloženia na I. Okhemema, ktorého tiež sedel spokojný v hre na rôzne hudobné nástroje.

V budúcnosti, Zoskien rose vyskúšal svoje sily vo všetkých tých, ktorí existovali v čase hudobných žánrov, vytváranie žalmov, hrobky, hmoty, hudby na vášeň Pána, esejí na počesť sv. Márie a sekulárnych piesní.

Prvá vec, ktorá sa ponáhľa do očí v kompozíciách DepE, je pozoruhodná protizutická technika, ktorá umožňuje autorovi považovať za skutočný náprotivok-virtuoso. Napriek úplným vlastníctvom materiálu však DEW napísal veľmi pomaly, veľmi kritické skúmanie jeho diel. Počas skúšobného plnenia spisov priniesol v nich veľa zmien, čím sa snažila dosiahnuť bezchybnú záznam, ktorá nikdy nedosiahla obeť na boj proti ochranným plexom.

Pomocou iba polyfónnych foriem, skladateľ v niektorých prípadoch dáva hornému hlasu nezvyčajne krásne vylievajúce melódiu, vďaka ktorej jeho práca je odlišná nielen s colouwing, ale aj melodickým.

Nechcem ísť nad rámec prísnej protistrany, rosa, aby zmiernila disonance, ako by ich pripravilo pomocou nedobytnej noty v predchádzajúcej konzervácii ako ochrana. Veľmi šťastie ako prostriedok na posilnenie hudobnej expresie delentov používa disonance.

Je potrebné preberať, že J. Delera s plným právom možno považovať nielen talentovaný protilád a citlivý hudobník, ale aj nádherný umelec, ktorý môže vyjadriť svoje diela najtenších odtieňov pocitov a rôznych nálad.

Zoskien bol technicky a esteticky silnejší ako talianske a francúzske polyfónom XV storočia. To je dôvod, prečo v oblasti čistého muzikálu ich výrazne ovplyvnil, skôr než zažil ich vplyv. Pred jeho smrťou, dele viedli najlepšie kaplnky v Ríme, Florencii, Paríži. Vždy bol rovnako venovaný svojej práci, čo prispieva k šíreniu a uznaniu hudby. Zostal Holandsko, "Master z Conde." A bez ohľadu na Brother úspechy a pocty boli brilantné, zatiaľ čo Pán hudby "bol životne dôležitý (tzv. Zmenených súčasníkov), on, poslúchanie poistenia" Call zeme ", už na svahu svojich rokov sa vrátil Shora Shelda a skromne absolvoval jeho životnosť s Canonom.

V Taliansku, v ére vysokej renesancie, sa pozorovalo prosperujúce svetové žánre. Vokálne žánre sa vyvíjajú v dvoch hlavných oblastiach - jeden z nich je blízko k piesni pre domácnosť a tanec (fotola, dedičky atď.), Druhý je spojený s polyphonic tradíciou (Madrigal).

Madrigal ako špeciálna hudobná a poetická forma dal mimoriadne príležitosti na prejavenie osobnosti skladateľa. Hlavný obsah jeho textov, žánrových scén. V benátskej škole boli žánre scénickej hudby kvitnúce (pokus o oživenie starovekej tragédie). Získané inštrumentálne formy nezávislosti (hry pre Lute, Viuela, orgán a iné nástroje).

Bibliografia:

Efremova t.f. Nový slovník ruského jazyka. Tolkovo - Formatívne slovo. - M.: RUS. Yaz .., 2000th. 1: A - O - 1209 p.

Stručný slovník o estetike. M., Polizdat, 1964. 543 p.

Populárna hudobná história.

TIKHONOVA A. I. OBCHODNÉ A BAROKETY: Kniha na čítanie - M.: LLC "Vydavateľstvo" Rosman - Press ", 2003. - 109 p.