Z XII storočia. V umení sa odráža antithex, ktorá je charakteristická pre estetiku stredoveku, keď sakrálna hudba - "Nová pieseň" je proti "starej", to znamená, že pagan hudba. Inštrumentálna hudba v západnej a východnej kresťanskej tradícii bola zároveň unikla menej hodným fenoménom ako spev.

"Maastrichtská trieda", Maastricht Rite. Prvý štvrťrok XIV storočia. Holandsko, Liege. Britská knižnica. Stowe MS 17, F.160R / Detail miniatúrne z Maastrichtských hodín, Holandsko (Liège), 1. štvrťrok 14. storočia, Stowe MS 17, F.160R.

Hudba je neoddeliteľná od prázdnin. Sledovanie hercov sú spojení s prázdninami v stredovekej spoločnosti - profesionálne zábavy a zabávačov. Ľudia z tohto remesla, ktoré získali celoštátnu lásku, v písomných pamiatkach boli nazývané inak. Kostol autori používané tradičnými starovekými rímskymi menami: MIME / MIMUS, PANTOMIMIMIZ / PANTOMIMUS, GISTRIUS / HISTRIO. Všeobecne prijatý bol latinský termín Yokulator / Joculator - Joker, Funny, Banagen. Zástupcovia potešení sa nazývali tanečníci / saltor; Jesters / Balatro, Scurra; Hudobníci / Musics. Hudobníci odlíšili sa pri pôrode: Citharista, Cymbalista, atď. Špeciálna distribúcia dostala francúzsky názov "Juggler" / Jongleur; V Španielsku zodpovedal slovu "Hugar" / Junglar; V Nemecku - "Spielman" / Spielmann, v Rusku - "Skomorok". Všetky tieto názvy sú prakticky synonymá.

O stredovekých hudobníkov a hudbe - krátko a fragmentárne.

2.

Maastrichtský znak, BL Stowe MS 17, F.269V

Ilustrácie - z Holandského rukopisu prvého štvrťroka XIV storočia - "Maastrichtský znak" britskej knižnice. Obrazy okrajových hraniciach vám umožňujú posudzovať zariadenie hudobných nástrojov a miesto hudby v živote.

Z XIII storočia sa stray hudobníci aktívnejšie usilujú o hrady a mestá. Spolu s rytiermi a zástupcami kňazov, súdne mílenci obklopujú svoje korunované patróny. Hudobníci a speváci sú nepostrádateľní účastníci obyvateľov obyvateľov rytierskych hradov, satelitov v láske s kavalírmi a dámami.

3.

f.192V.

Tam pipes a trombones hromu, ako by hrom,
A flauty a vírivé zvonenie striebro,
Zvuk harfu a husle sprevádzal spev,
A mnoho nových spevákov, ktorí boli prijaté na horlivosť.

[Kudruna ", nemecká epická báseň XIII storočia.]

4.

f.61V.

Teoretická a praktická hudba bola zaradená do programu učenia perfektného rytiera, bolo poctené ušľachtilou sofistikovanou zábavou. Zvlášť milovaný spevák violy s jej jemnými akordmi a melodickým harfom. Vokálne sólo bolo sprevádzané hru na Viola a Harp nielen žonglérovi sú profesionálni umelci, ale aj ušľachtilé básničky a speváci:

"Tristrah bol veľmi schopný študent a čoskoro vypracoval sedem hlavných umení a mnohých jazykov. Potom študoval sedem druhov hudby a stal sa slávnym ako slávnym hudobníkom, ktorý nebol rovný. "

["Saga Tristrama a Isonda", 1226]

5.


f.173V.

Tristan a Isolde vo všetkých literárnych fixáciách legiend - kvalifikovaných harvestorov:

Keď spieval - hrala
Potom ho nahradila ...
A ak sa spieval jeden - iný
Harfa zasiahla ruku.
A spev plný túžby,
A zvuky reťazcov z ruky
Konvergovaný vo vzduchu a tam
Vzlietnuť spolu do neba.

[Gottfried Strasbourg. Tristan. Prvý štvrťrok XIII storočia.]

6.


f.134R

Z "životopisov" provencal TROUBAADUROV, je známe, že niektoré z nich improvizované na nástroje a potom sa nazývajú "viola".

7.


f.46R

Cisár posvätného rímskeho impériu nemeckého národa Friedrich II Staufen (1194-1250) "hral rôzne nástroje a bol vyškolený v spev"

8.

f.103R.

Na harfu, ženy a iné nástroje hrali ženy, spravidla žonglérov, príležitostne - dievčatá z ušľachtilých rodín a dokonca aj najvyššej osoby.

Takže francúzsky súd básnik XII storočia. Cítil som, že kráľovná-wiseista: "Kráľovná spieva Sween, pieseň je zlúčená s nástrojom. Dobré piesne, krásne ruky, hlas je jemný, zvuk ticho "

9.


f.169V.

Hudobné nástroje sa vyznačovali odrodou a postupne sa zlepšili. Súvisiace nástroje jednej rodiny tvorili veľa odrôd. Neexistovali žiadne prísne zjednotenie: ich formy a rozmery boli do značnej miery závislé od túžby výrobcu. V písomných zdrojoch sa rovnaké nástroje často nosia rôzne mená alebo naopak rôzne typy sa skrývali pod rovnakými menami.

Obrazy hudobných nástrojov s textom nie sú pripojené - v tejto veci nie som špecialista.

10.


f.178V.

Skupina reťazových nástrojov bola rozdelená do rodiny luku, lute a harfu. Struny vyrobené z skrútenej strúhanky, konských síl alebo hodvábnych vlákien. Z XIII storočia. Zostávajú sa čoraz viac z medi, ocele a dokonca striebra.

String-nudí nástroje, ktoré majú výhodu posuvného zvuku so všetkými poltónmi, sú vhodné na to najlepšie sprevádzať hlasy.

Parížska hudba Hudba XIII Century John de Grorhaio / Groameio dal violu na prvom mieste medzi reťazcami: na nej "všetky hudobné formy sú pevne prenášané", vrátane tanca

11.

f.172R

Festival maliarskeho kurtu v epickom "Wilhelm von Veden" (1290), nemecký básnik Ulrich von Eschenbach zdôraznil VIE:

Zo všetkého, čo som počul,
Vila len chváliť prach;
Je užitočné počúvať ju všetkých.
Vzhľadom k tomu, že srdce je zranené,
Potom bude táto múka uzdravená
Z jemnej sladkosti zvuku.

Hudobná encyklopédia [M.: Sovietska encyklopédia, sovietsky skladateľ. Ed. Yu. V. KeDysh. 1973-1982] Správy, že Vila je jedným zo všeobecných mien stredovekých reťazcov nástrojov. A čo znamenalo Ulrich von Eshenbach - neviem.

12.

f.219v. Kliknite na obrázok - Nástroj je väčší

14.

f.216V.

V názoroch ľudí stredoveku, inštrumentálna hudba bola vyrezaná, vlastnila polárne vlastnosti a spôsobili priamo opačné emócie.

"Leží na prázdnej mazite, iní - na čisté umieranie radosti, a často na sväté slzy" [Petrarch].

15.

f.211V.

Predpokladá sa, že nenarodená a zdržaná hudba, zmäkčujúca morálka, predstavuje duše božskej harmónii, uľahčuje pochopenie tajomstiev viery.

16.


f.236V.

Naopak, vzrušujúce orgiastické melódiá slúžia korupcii ľudskej rasy, viesť k porušeniu Kristových prikázaní a konečného odsúdenia. Cez nespútanú hudbu v srdci, mnoho Benes preniká.

17.


f.144V.

Kostol hierarchov sledovali učenie PLATOU a BYATION, jasne oddelené ideálom, zvýšenou "harmóniou neba" a cla, obscénna hudba.

18.


f.58r

Monstrózny hudobníci, ktorí sú ohavní polia gotických rukopisov, vrátane maastrichtského charakteru - stelesnenie hriešnosti remesiel chlebných, predtým hudobníkov, tanečníkov, spevákov, trénerov zvierat, rozprávača atď. Giztrions oznámili "sluhovia Satan".

19.


f.116R

Groteskné tvory hrajú skutočné alebo smiešne nástroje. Iracionálny svet inšpekovateľne musítení hybridov desivé a zábavné súčasne. "Surrealistické" zlo, berúc nespočetné množstvo Lichni, nesie a bláznovstvo s podvodnou hudbou.

20.


f.208V.

Na začiatku XI storočia. NEPTKER HIP, nasledovaný Aristotelom a Boeziemom poukázal na tri vlastnosti osoby: Tvor je rozumný, smrteľník, ktorý vie, ako sa smiať. Notker považoval muž a schopný smiechu a spôsobujúci sa smiech.

21.


f.241R

Na sviatky divákov a poslucháčov sa okrem iného zabavili hudobné excentrics, ktoré sa zaviazali, ktoré prerušili a tak tieňovali "vážne" čísla.

V rukách smiechu sa zdvojnásobí v "svete na vnútri", kde sa obvyklý vzťah otáča, pretože nástroje začali "zvuk", najviac zdanlivo nie je vhodné pre mouzing položky.

22.


f.92V. Z pod oblečením hudobníka hrať kohút, vyzerá z draka trupu

Použitie položiek v úlohe nezvyčajné pre nich je jednou z techník bufónskeho komikčného komika.

23.


f.145V.

Fantastická Muzitsia reagovala na globovanosť slávností oblasti, keď sa medzi objektmi vymazala obvyklá tvár, všetko sa stalo nestabilným, relatívnym.

24.

f.105V.

V názoroch intelektuálov z xii-XIII storočia. Tam bola určitá harmónia medzi disembodovaným posvätným duchom a odhalila veselosť. Serien, osvietená "duchovná zábava", prikázanie neustáleho "Jog Krista" je charakteristické pre nasledovníkov Františka z Assisi. Francis veril, že neustály smútok nebol Pánom, ale diabol. V starovekej poézii je radosť jednou z najvyšších súdnych cností. Jeho kult je generovaný životom potvrdzujúcim Workviera Troubadur. "V mnohofruškovom kultúre a vážnych tónoch, znejú odlišne: padajú na reflexy smiechových tónov, stratia svoju výnimku a jedinečnosť, sú doplnené aspektom nakladania."

25.

f.124V.

Potreba legalizovať smiech a vtipy nevylučovali boj proti nim. Rizy viery značkových žonglejších ako "členovia diablovej komunity". Zároveň si uvedomili, že hoci žonglérstvo - smutné remeslo, ale keďže každý potrebuje žiť, a bude to v súlade s dodržiavaním slušnosti.

26.

f.220R

"Hudba má veľkú silu a vplyv na vášeň duše a tela; V súlade s tým sa rozlišujú singly alebo hudobné pražky. Koniec koncov, niektoré z nich sú také, že podporujú svoje rozmery čestného, \u200b\u200bnepoškvrneného, \u200b\u200bpokorného a oddaného. "

[Nikolay ruda. O konfigurácii vlastností. XIV storočia.]

27.


f.249v.

"Tympana, Lute, Harp a Kifara
Sú horúce a páry kráčali
V hriešnom tanci.
Mám niekedy noc
Jedlo a vetranie až do rána.
Tak Kerisili Mammon vo forme prasa
A v chrámoch sa satanian skočil. "

[Choseer. The Canterbury Tales]

28.


f.245V.

Kus melódie, ktoré, "šteklenie sluchu a okening myseľ, uvo-dať nám od dobra" [John Zlatoust], boli považované za degeneráciu hriešnej fyzosti, geniálnej tvorby diabla. S ich rozkladajúcim vplyvom je potrebné bojovať s tvrdými obmedzeniami a zákazmi. Self-chaotická hudba pekelného prvkov - časť sveta "liturgia na vnútri", "idolskoe uctievanie".

29.


f.209R

Je preukázaná, že Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) o prežití takýchto názorov (1878-1939), zapamätanie si katedrály Archpered Khlynovsk, malé mesto provincie Saratov.

"My, absolventi, urobil exkurziu do oblasti umenia, najmä na hudbu: - ale bude hrať, - a lúče pod nohami a utrite ... a ak pieseň spievajú nach-neteho, - tak z hrdlo Beskyho chvostov a dostať stúpanie a stúpanie. "

30.


f.129R

A na inom póle. To, čo sa deje od Ducha Svätého vzrušujúcej hudby s vysokým ideálom, hudba sférou bola spomenutá ako stelesnenie nadpozemskej harmónie vesmíru vytvoreného tvorcom, teda ôsmich tónoch gregoriánskeho zboru, a ako obraz súhlasu Kresťanská cirkev. Rozumná a primeraná kombinácia rôznych zvukov svedčil na jednotu pohodlného krupobutu Božieho. Štíhla konzistencia konzulácie symbolizovala dobre koordinované vzťahy prvkov, ročných období atď.

Správna melódia oneskoruje a zlepšuje Ducha, toto "výzva na vyžiadaný životný štýl, ktorý poučil tých, ktorí sú venovaní na cnosť, neumožňujú nič ne-oxic, nezohatené, neznesiteľné" [Gregory Nissky, IV storočia.]

Poznámky pod čiarou:
KUDRUN / ED. Prémia. R. V. Frenkel. M., 1983. P. 12.
Legenda o Tristan a Isolde / Ed. Prémia. A. D. Mikhailov. M., 1976. S. 223; C.197, 217.
Pieseň NibeLungha / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. P. 212. Minesers "sladké nalievky" znel v záhradách a hrad.
Hudobná estetika západoeurópskeho stredoveku a renesancie / SOST. Texty V. P. Shestakov. M., 1966. P. 242
Strocha B. A. Proces tvarovania viola a husle. M., 1959, s. 48.
Cülkep. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V. P. Kultúra stredoveku stredoveku: svetský rekreačný život v odbore IX-XVI stáročia. - m.: Veda, 1988. S. 217; 218; 223.
Estetika renesancie / sost. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
Gurevich A. YA. Problémy stredovekej ľudovej kultúry. P. 281.
BAKHTIN M. Estetika verbálnej tvorivosti. M., 1979. P. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlyovsk. Priestor euklide. SAMARKAND. L., 1970. P. 41.
AVERINTSEV S. S. Poetika runnevizante literatúry. M., 1977. P. 24, 25.

Zdroje pre text:
Darkevich Vladislav Petrovich. Skulárny slávnostný život stredoveku je storočia IX-XVI. Edícia druhá, doplnená; M.: Vydavateľ "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Ľudová kultúra stredoveku: Skulárny slávnostný život v odbore IX-XVI stáročia. - m.: Veda, 1988.
V.p. Darkevich. Pary Hudobníci v miniatúroch gotických rukopisov // "Umelecký jazyk stredoveku", M., "Veda", 1982.
Belatby. Usmernenie k hudbe (pasáže) // "Hudobná estetika západoeurópskeho stredoveku a renesancie" M.: Hudba ", 1966
+ Odkazy vo vnútri textu

Ostatné položky S ilustráciami z Maastrichtského charakteru:

P.S. Marginals - Kresby na poliach. Niektoré ilustrácie budú pravdepodobne presnejšie zavolať miniatúru na časť stránky.

Hudobné umenie stredoveku. Figy-sémantická výplň. Osobnosť.

Stredovek - Dlhé, pokrývajúce viac ako tisíc rokov rozvoja ľudstva.

Ak sa obrátime na obrazové a emocionálne prostredie obdobia "pochmúrneho stredoveku", pretože sa často nazývame, uvidíme, že to bolo naplnené intenzívnym duchovným životom, kreatívnou extázou a hľadaním pravdy. Kresťanská cirkev mala silný vplyv na myseľ a srdcia. Vlákna, príbehy a obrazy Svätého Písma pochopili, ako príbeh, ktorý sa rozvíja z tvorby sveta cez príchod Krista a do dňa strašného súdu. Zemský život bol vnímaný ako neustály boj tmavých a ľahkých síl a duša muža bola pozastavením tohto boja. Obnovenie konca sveta je preniknuté do zlobyty stredovekých ľudí, maľuje umenie tohto obdobia do dramatických tónov. Za týchto podmienok sa hudobná kultúra vyvinula dve silné útvary. Na jednej strane, profesionálnou cirkevnou hudbou, ktorá prešla v stredoveku, obrovský spôsob rozvoja; Na druhej strane, ľudová hudobná kreativita, ktorá bola prenasledovaná zástupcami "oficiálnej" cirkvi a sekulárnej hudby, ktorá existuje ako amatér, počas takmer celého stredovekého obdobia. Napriek antagonizmu týchto dvoch smerov, podstúpili vzájomný vplyv a do konca tohto obdobia sa výsledky vzájomného a cirkevnej hudby stali obzvlášť hmatateľnými. Zo strany emocionálneho sémantického obsahu je najviac charakteristická pre stredovekú hudbu prevaha dokonalého, duchovného a didaktického princípu - obaja v sekulárnych aj kostolných žánroch.

Emocionálny a sémantický obsah hudby kresťanskej cirkvi bol nasmerovaný na chválu božstva, popieranie pozemského tovaru kvôli odmenu po smrti, kázanie ascetizmu. Hudba sa koncentrovala sám o tom, čo bolo spojené s vyjadrením "čistého", bez akéhokoľvek "telesného", materiálnej formy túžby po ideále. Vplyv hudby zintenzívnil akustiku cirkví s ich vysokými trezormi, ktoré odrážajú zvuk a vytvorenie účinku božskej prítomnosti. Zvlášť jasne zlúčiť hudbu s architektúrou sa prejavuje vzniku gotického štýlu. Multi-hlasová hudba vytvorená týmto časom vytvorila aspirované napučanie, bezplatné utieranie hlasov, opakujúce sa architektonické línie gotického chrámu, čím sa vytvorí pocit nekonečnosti priestoru. Najviac živých vzoriek hudobných gotických vytvorených skladateľov katedrály Notre Dame - Magister Leonin a Magister Peroths, zavolali skvele.

Hudobné umenie stredoveku. Žánre. Vlastnosti hudobného jazyka.

Tvorba sekulárnych žánrov počas tohto obdobia pripravil prácu strašných hudobníkov - juggler, minstrelles a špiónktoré boli speváci, herci, cirkus a inštrumentálne v jednej osobe. Spojili sa aj na džgovanie, spory a minstrels vagnant a goliada - nešťastní študenti a unikli mních, ktorí majú nárok na "umeleckú" strednú gramotnosť a určitú erudáciu. Ľudia piesne zneli nielen na vznikajúcich národných jazykoch (francúzština, nemčina, angličtina a iní), ale aj v latinčine. Putujúce študenti a scholas (vagatanty) často mali veľkú zručnosť v latinskom rezidencii, ktorá priložená špeciálnu ostrosť na ich obojčtanové piesne zamerané proti sekulárnym feudalistom a katolíckej cirkvi. Postupne, stray umelci začali tvoriť góly, usadiť sa v mestách.

V tom istom období je nominovaný zvláštnym "inteligentným" interlayer - Chivary, v ktorej životnom prostredí (v obdobiach prímerie) sa vzťahuje aj na úroky z umenia. Hrady sa menia na centrá rytierskej kultúry. Oblúk pravidiel rytierskeho správania požadoval "courti" (vynikajúce, zdvorilé) správanie. V 12. storočí v provence s súdmi feudálnych streenorov sa narodí umenie troubadurov, ktorý predstavuje charakteristické vyjadrenie novej sivo rytierskej kultúry, ktorý vyhlasuje kult pozemskej lásky, teší si prírodu, pozemskú radosť. V kruhu obrázkov, hudobné a poetické umenie Trubadurova vedeli pomerne niekoľko druhov spojených hlavne s láskou textov alebo vojenských, oficiálnych piesní, čo odráža postoj Vassal do jeho Suzene. Láska texty Trubadurova sa často vybrali vo forme feudálnej služby: spevák sa uznal s vassalom dámy, čo bolo zvyčajne manželkou jeho Série. On naháňal svoju dôstojnosť, krásu a šľachtu, oslavoval svoju nadvládu a "chradol" v nepriaznivom góle. Samozrejme, že to bolo veľa podmienených diktovaných súdnym sústom času. Avšak, často za podmienenými formami Ministerstva rytiera bola položená skutočným pocitom, jasným a pôsobivým v poetických a hudobných obrazoch. Umenie Trubadurova bol do značnej miery postúpil svoj čas. Upozornenie na osobné skúsenosti umelca, dôraz na vnútorný svet milujúcej a utrpenia osobnosti naznačujú, že potrubia otvorene oponovali tendencie Stredovekej ideológie. Troubadour oslavuje skutočnú pozemskú lásku. Vidí "zdroj a pôvod všetkých výhod."

Pod vplyvom poézie troubadur, tvorivosť drivierkyTo bolo demokratickejšie (väčšina ovládačov sú od občanov) tu boli vyvinuté rovnaké témy a umelecký štýl piesní bol vyvinutý. V Nemecku sa vytvoril v Nemecku neskôr (13. storočie) mintezingerV ktorom boli skladby morálneho a edifikačného obsahu vyvinuté častejšie ako hladistky a potrubia, lásky motívy často získali náboženskou maľbou, boli spojené s kultou Panny Márie. Emocionálne systémové piesne sa vyznačovali väčšou závažnosťou, drážkami. Minnesinger z väčšej časti slúžil ako nádvorí, kde spokojní ich súťaže. Známe názvy volfrámu von Eshenbach, Walter Background der Foelweed, TankAcizer - Hero slávnej legendy. Vo Wagner Opera na základe tejto legendy je centrálnym obrazom súťažnej scény spevákovej, kde hrdina na univerzálne rozhorčenie oslavuje pozemské pocity a potešenie. Libretto "TankAcizer" Wagner napísal Wagner - vzorka pozoruhodného prenikania do svetonáča éry, spievajúce morálne ideály, strašnú lásku a v neustálom dramatickom boji s hriešnymi vášňami.

Žánre kostola

Grigorian Choral. Tam bolo mnoho možností pre cirkevné melódie a latinské texty v ranom kresťanskom kostole. Bolo potrebné vytvoriť jediný kultový rituál a zodpovedajúcu liturgickú hudbu. Tento proces bol ukončený 6 a 7VV. Pápež Gregory I. Kostolové melódie, vybrané, kanonizované, distribuované v rámci cirkevného roka, predstavoval oficiálny oblúk - AntifoneAry. Zborové melódie zahrnuté v nej sa stali základom liturgického spevu katolíckej cirkvi a dostal meno Gregorian Choral. Vykonal ho jedným vlasovým zborom alebo súborom mužských hlasov. Vývoj humor je pokojný a je založený na zmení počiatočného reproduktora. Voľný rytmus melódie je podriadený rytmu slov. Texty - prozaické v latinčine, ktorého zvuk sa vytvoril rozšírenie zo všetkých svetských. Melodický pohyb hladký, ak sa objavia malé skoky, okamžite kompenzujú pohyb v opačnom smere. Melodie gregorských chviechov sa rozpadli do troch skupín: recitácia, kde každý osnova textu zodpovedá jednému zvuku jamy, žalmody, kde sú povolené niektoré slabiky a výročie, keď boli slabiky vrhnúť v komplexných melodických vzoroch, Najčastejšie "Alluliia" ("Chvála Bohu"). Veľkého významu, rovnako ako v iných typoch umenia, má priestorovú symbolizmus (v tomto prípade, "top" a "dno"). Celý štýl tohto jednorazového spevu, absencia "druhého plánu" v ňom, "zvuková perspektíva" pripomína princíp lietadla obrazu v stredovekej maľbe.
Hymna . Gym Rozkvitacie je 6 V. Hymns, vyznačujúci sa väčšou emocionálnou bezprostrednosťou, nesený duch svetského umenia. Boli založené na melódiách skladu skladu v blízkosti folku. Na konci v storočí boli vylúčení z Cirkvi, ale po stáročia existovali ako extra spracovaná hudba. Vrátenie ich kostolu (9b.) Bol to druh koncesie na svetské pocity veriacich. Na rozdiel od Choralova sa hymny spoliehali na poetické texty a osobitne zložené (a nie si požičané z posvätných kníh). To určilo jasnú štruktúru melódov, ako aj väčšiu slobodu melódie, nie podriadené každému slovu textu.
Mesa.. Rituálna hmota bola zložená mnoho storočí. Sekvencia jeho častí v hlavných funkciách bola určená 9V., Posledný vzhľad Mesa získaného len XI storočím. Trvanlivý bol proces tvorby jej hudby. Najstarší typ liturgického spevu - žalmody; Priamo spojené s liturgickou akciou, to znelo v celej službe a boli vykonané kňazmi a cirkevnými spevákmi. Zavedenie hymnus obohatených hudobným štýlom. Zvýraznený Haymaker znel v určitých momentoch rituálu, vyjadril kolektívne pocity veriacich. Najprv spievali svojich farníkov, neskôr - profesionálny cirkevný zbor. Emocionálny vplyv hymnov bol taký silný, že sa postupne začal o žalomzódii, pričom si vzali miesto v hudbe mascie. Bolo to vo forme hymnus, päť hlavných častí hmotnosti (tzv. Ordinárium).
I. "Kyrie Eleison"("Pán, pomemui") - Molver pre odpustenie a odpustenie;
II. "Gloria"("Glory") - vďačnú hymnu tvorcu;
III. "Krédo"("Verím") - centrálna časť liturgie, ktorá stanovuje hlavné dogmy kresťanskej viery;
IV. "Sanctus" ("Svätý") - trojročný opakovaný slávnostný výkrik, ktorý nahradil privítací výkrik "Osanna", ktorý zarámoval centrálnu epizódu "Benedictus" ("Blahoslavený ten, kto prichádza");
V. "Agnus dei" ("Baránok Boží") - Ďalším množstvom milosti, verný obetovaniu Krista; Posledná časť je doplnená slovami: "Dona Nobis Pacem" ("Dajte nám svet").
Tiché žánre

Hlasová hudba
Stredoveké hudobné a poetické umenie bolo väčšinou amatér. Predpokladalo sa, že dostatočný univerzálny: ten istý muž bol skladateľ, básnik, a spevák a inštrumentalista, pretože pieseň bola často vykonávaná sprevádzaná Lute alebo Viola. Poetické texty piesní, najmä vzoriek rytierovho umenia, majú veľký záujem. Pokiaľ ide o hudbu, zažila vplyv grigorských chovov, hudby túlavých hudobníkov, ako aj hudby východného národov. Často umelci, a niekedy autori hudby Troubadur piesní boli žonglérske, ktorí boli sledovaní rytierov, sprevádzajúce ich spevu a vykonávanie funkcií sluhov a asistentov. Vďaka tejto spolupráci boli hranice vymazali medzi ľuďmi a rytierskou hudobnou tvorivosťou.
Tanečná hudba Oblasť, v ktorej sa význam inštrumentálnej hudby prejavuje obzvlášť dôrazne, bol hudobný tanec. Od konca XI storočia vznikne množstvo hudobných a tanečných žánrov, navrhnuté výlučne na vykonanie nástrojov. Žiadna dovolenka z úrody, žiadna svadba alebo iné náklady na oslavu rodiny bez tancov. Dance, ktoré sa často vykonávajú v spevní tancujú alebo pod rohom, v niektorých krajinách - pod orchestrom pozostávajúcim z potrubia, bubna, volania, dosiek.
Brada Francúzsky ľudový tanec. V stredoveku boli najobľúbenejšie v mestách a obciach. Čoskoro po jeho vzhľade, pozornosť aristokracie a stala sa tancom spoločenstva. Vďaka jednoduchým pohybom by Branley mohol tancovať všetko. Jeho účastníci sa držia za ruky, ktoré tvoria uzavretý kruh, ktorý môže byť rozdelený na linke, ktorý sa otočí na pohybnice Zigzag. Tam bolo mnoho typov otrhov: jednoduché, dvojité, vtipné, koni, otčerstvo prachk, otčer s pochodňami, atď. Na základe Beran Hysels, Gavot, Paspie a Burre boli postavené, z Branle postupne vzniká.
Svorka Tanec vykonal pútnikov, ktorí prišli k kláštoru, aby uctievali sochu Panny Márie. Stála na vrchole hory, ktorá osvetlená slnkom, a zdalo sa, že od nej vyskytne lampa. Preto názov tanca (Stella - z Lat. Hviezda). Ľudia tancovali v jednom impulzoch, šokoval veľkoleposťou a čistou Božej matky.
Karol Bolo to populárne v 12V. Karol - Otvorený kruh. Počas realizácie Karolu tanca Sang, držanie rúk. Pred tancom. Chorus vykonal všetkých účastníkov. Rytmus tanca bol hladký a pomalý, potom sa zmenšil a prepnutý na beh.
Tancovať smrť V období neskorého stredoveku v európskej kultúre sa téma smrti stala pomerne populárnym. Morská epidémia, ktorá nesie obrovské množstvo životov ovplyvnilo postoj k smrti. Ak skôr to bolo doručené z pozemského utrpenia, potom v XIII storočia. Bola vnímaná hororom. Smrť bola zobrazená na výkresoch a rytinách vo forme desivých obrázkov, diskutovaných v textoch piesní. Dance sa vykonáva v kruhu. Tanec sa začína pohybovať, akoby ich neznáma sila. Postupne, ovládajú hudbu, že smrť smrti hrá, začínajú tancovať a vypadnúť na konci.
Základňa Promenade tanec pochody. Nosili slávnostnú postavu a boli technicky nekomplikované. Po zhromaždení na spevák v ich najlepšom oblečení pred majiteľom, ako keby sa demonštrovali seba a ich kostým - to bol význam tanca. Tanečné sprievody sú pevne uzavreté životnému životu, bez nich nebol festival.
ESTAMPI. (Ethampidi) párované tance, sprevádzané inštrumentálnou hudbou. Niekedy bol "ETHEMBI" ukončený tri: Jeden muž viedol dve ženy. Hudba zohrala veľkú úlohu. Skladá sa z niekoľkých častí a spôsobilo povahu pohybov a počtu hodín na každej časti.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292

Guiraut Riquier - Provensal Básnik, ktorý sa často nazýva "Posledné potrubie". Popredný a zručný master (48 jeho melódových konzervovaných), ale nie cudzinec na duchovnú tému a výrazne zložil svoj hlasový list, odstrániť z piesne. Po mnoho rokov bol na súde v Barcelone. Zúčastnili sa na krížovej kampani. Záujmom je aj jej pozícia vo vzťahu k umeniu. Jeho korešpondencia so slávnym patrónom umenia z Alphonse Wise, King Castile a Leon. V ňom sa sťažoval, že nečestní ľudia, "ponižujúci titul Juggler", často zmiešaný s informovanými troubadrasmi. Je to "hanebne a škodlivé" pre zástupcov "HIGHT URTUÁCIE POETRY A HUDBY, KTORÉ MÔŽU COMPOROVAŤ POMYM A POTREBUJÚCICH A POTREBUJÚCE A POTREBUJÚCE PRÁCE." Pod zámienkou odpovede, kráľ Ricier navrhol svoju systematizáciu: 1) "Lekári poetického umenia" - to najlepšie z Trubadurova, "pokrývajúca cestu do spoločnosti", autori "príkladných veršov a canson, pôvabné nové a didaktické práce "V hovorenom jazyku; 2) Trubadréry, ktoré im tvoria piesne a hudbu, vytvárajú tanečné melódiá, balady, alba a sirventy; 3) Jugglers stravovanie ochutnať ušľachtilý: hrajú rôzne nástroje, rozprávajú príbeh a rozprávky, majú básne a cansony iných ľudí; 4) Buffons (Jesters) "Jeho nízke umenie na uliciach a štvorcoch ukazuje a správajú sa nehodnocovať." Odstraňujú vyškolení opice, psy a kozy, demonštrujú bábky, napodobňujú peny vtákov. Buffon hrá pre malé handoffy na nástroje alebo v whines pred bohatstvom ... Cestovanie z dvora na súd, bez hanby, trpezlivo prenesie všetky druhy poníženie a pohŕda príjemné a ušľachtivé triedy.

Rikiera, ako mnoho troubadurov, narušil otázku rytierskych cností. Najvyššiu výhodu považoval. "V žiadnom prípade nehovorím, som zlý o valnom a mysli, ale štedrosť je prevýšená."

Pocity horkosti a obťažovania sú ostro posilnené do konca XIII storočia, keď sa kolaps križiacich výhrad zmenil na inessanickú realitu, s ktorou nebolo nemožné, aby sa zvážili, nad ktorými nebolo možné nemyslieť. "Je čas, aby som skončil!" - v týchto veršoch (už majú 1292) vyjadrili svoje sklamanie sklamaním Crusading Enterprises Giraut Ricier:
"Prišla k nám hodinu - zničiť zrúcaninu - opustiť svätú krajinu!" Báseň "Je čas pre mňa s piesňami druhu" (1292) sa považuje za poslednú pieseň Troubadur.

Skladatelia, hudobníci

Guillaume de Masho OK. 1300 - 1377.

Machaut je francúzsky básnik, hudobník a skladateľ. Slúžil na Súdnom dvore českého kráľa, s 1337 bol Canononom Cathedrals. Jeden z najvýznamnejších hudobníkov neskorého stredoveku, najväčšiu postavu Francúzov Ars Nova. Známy ako viacúčelový skladateľ: dosiahol svoje hrobky, balady, viros, le, Rondo, Canons a ďalšie piesne (Song-Dance) formy. Jeho hudba sa vyznačuje sofistikovanou expresivitou, rafinovanou zmyslom. Okrem toho, Masha vytvoril prvú v histórii autora auto (pre korunováciu kráľa Charles v Reims v roku 1364g .. ona je prvým v histórii hudby autorom MESCA - jednodielny a dokončená práca slávny skladateľ. Vo svojej umenie, ako to bolo, dôležité línie, ktoré prechádzajú, s jednou stranou, z hudobnej a poetickej kultúry potrubí a potrubia v jeho dlhodobejšom, základom, na strane druhej, z francúzskych škôl a Polyfónia 12-13 storočia.

Leonin (Stredné XII storočia)

Leonin je vynikajúci skladateľ, spolu s perotom patriacim do školy Notre-Lady. Príbeh nám držal názov tohto slávneho tvorcu "veľkej knihy orgánov", určená pre ročný kruh spievania cirkvi. Leonin Organum nahradil zborový spev na jednotné soloistov s dvojzvolnými sólmi. Jeho dvaja hlasové orgány sa vyznačujú tak dôkladným rozvojom, harmonickým "súdržnosťou" zvuku, ktorý bol nemožný bez predchádzajúceho myslenia a nahrávania: v odbore Leonin to nebol spevácky-improvizátor, ale skladateľ. Hlavnou inováciou Leoninu bola rytmický záznam, ktorý umožnil vytvoriť jasný rytmus hlavne pohybovým horným hlasom. Veľmi povaha špičkových hlasov sa rozlišuje melodickou veľkorysosťou.

Peroten.

Perotin, peroTinus - francúzsky skladateľ konca 12 - 1. tretinu 13 storočí. V moderných pojednaní, "majster Peroth Great" (ktorý bol určený, určite neznámy, pretože tam bolo niekoľko hudobníkov, na ktorých možno toto meno pripísať). Peroths vyvinuli rodu multi-hlasového spevu, ktorý založil v práci svojho predchodcu Leonin, patril aj tzv. Parížišovi, alebo Notre Dame, škole. Peroths vytvorili vysoké vzorky melmamatického organizmu. Napísal nielen 2 hlasy (ako Leonin), ale aj 3, 4-eyed eseje a zdanlivo komplikované a obohatené multifucké rytmicky a textúrou. Jeho 4 hlasové orgány ešte neposlušili existujúce zákony Polyfónia (imitácie, Canon, atď.). V práci Perothsum bola tradícia multi-hlasových chovov katolíckej cirkvi.

Zokene de OK. 1440-1524

Franco Flámsky skladateľ. Z spevu mladého veku. Slúžil v rôznych mestách Talianska (v 1486-99 spevák pápežských kaplnkách v Ríme) a Francúzsku (Cambone, Paríž). Bol súdnym hudobníkom Louis XII; Dostal uznanie ako majstra nielen kultovej hudby, ale aj sekulárnych piesní, predvídaním francúzskeho chansonu. Posledné roky života je opát katedrály v Kondé-sur-ESCO. Zoskien rose - jeden z najväčších skladateľov renesancie, ktorý mal všestranný vplyv na následný rozvoj západoeurópskeho umenia. Kreatívne sumarizuje úspech Holandskej školy, vytvoril inovatívne eseje o duchovných a sekulárnych žánrov (hmotnosť, motetky, žalmy, frottoly), podriadenú vysokú polyfonickú techniku \u200b\u200bs novými umeleckými, úlohami. Melódia jeho diel spojených so žánrovými zdrojmi je bohatšia a mnohostranná ako skoršie Holandsko Masters. "Zúčtovanie" polyfónneho štýlu Zoshen rosy, bez protstunkčnej komplikácie, bol zlomený bod v histórii chorál.

Vokálne žánre

Pre celú éru, všeobecne, zrejmá prevaha vokálnych žánrov a konkrétnym hlasom polyfónie. Neobvykle komplexná zručnosť striktného štýlu polyfónia, skutočné štipendium, virtuoso technika bola priľahlá k svetlému a čerstvému \u200b\u200bumeniu domácej distribúcie. Inštrumentálna hudba získava nejakú nezávislosť, ale jeho bezprostrednú závislosť na hlasových formách az domácich zdrojoch (tanec, piesňa) sa prekonajú len o niečo neskôr. Veľké hudobné žánre zostávajú spojené s verbálnym textom. Podstatou renesančného humanizmu sa prejavila v zložení zborových piesní v štýle Fottolu a Vilall.
Tanečné žánre

V ére oživenia domáceho tanca získava veľký význam. V Taliansku, Francúzsku, Anglicku, Španielsku Existuje mnoho nových tanečných foriem. Rôzne vrstvy spoločnosti majú svoje tance, vyrábať ich vykonávanie, pravidlá pre správanie počas loptičiek, večerov, slávností. Tanec renesancie je zložitejší ako nepárové svietidlá neskorého stredoveku. Dance (duet) tance, postavené na komplexných pohyboch a číslach prichádza nahradiť tanec s tanečnou a lineárnou zloženie.
Volta - Pair tanec talianskeho pôvodu. Jeho názov pochádza z talianskeho voliteľného slova, čo znamená "rotate". Veľkosť je tri tónovaná, tempo mierne rýchlo. Hlavným výkresom tanca je, že Cavalier je okamžite a ostro otočí dámu vo vzduchu. Tento vzostup sa zvyčajne vykonáva veľmi vysoký. Vyžaduje si veľkú silu a dextercy z Cavaliera, pretože napriek ostrosti a určitej nečistotám pohybov sa musí vzostup vykonávať jasne a krásne.
Gallarda - Staroveký tanec talianskeho pôvodu, spoločný v Taliansku, Anglicku, Francúzsku, Španielsku, Nemecku. Tempo čoskoro Gallurgard mierne rýchlo, veľkosť tri tonol. Galjard bol často vykonávaný po kolegu, s ktorým to bolo niekedy tematicky. GALLAD 16 V. Udržiava sa v melódii-harmonickej textúry s melódou v hornom základe. Gallard Melodies boli populárne v širokých vrstvách francúzskej spoločnosti. Počas vykonávania, Seread Orleans študenti hrajú Shard melodies na lusti a gitary. Rovnako ako zvončekové, Galharda nosila charakter tanečného dialógu. Kavaler sa pohyboval okolo haly s pani. Keď muž povedal sólo, pani zostala na mieste. Muž sólo pozostával z rôznych zložitých pohybov. Potom sa opäť oslovil pani a pokračoval v tanci.
Pavučina - uzavrieť tanec 16-17 storočí. Tempo je mierne pomalé, veľkosť 4/4 alebo 2/4. V rôznych zdrojoch neexistuje konsenzus o svojom pôvode (Taliansko, Španielsko, Francúzsko). Najobľúbenejšou verziou je španielsky tanec, ktorý imitruje pohyby poverenia páv s krásnym spláchnutým chvostom. Bol blízko Babdança. Rôzne slávnostné marky sa uskutočnili na hudbu Pavany: vchody úradov v meste, viditeľné nevesty v Cirkvi. Vo Francúzsku a Taliansku je Pavan schválený ako súdny tanec. Slávnostná charakter Pavana umožnila súdni spoločnosti svietiť milosť a milosť jeho spôsobu a pohyby. Ľudia a buržoázia Tento tanec nevykonal. Pavana, podobne ako Senuet, bola prísne v radoch. Tanec kráľa a kráľovná začala, potom sa do nej zaviedol, že do nej spozantný dáma, potom kniežatá, atď. Kavalíri vykonávali parochne v meči a pelere. Dámy boli v predných šatách s ťažkými dlhými TPS, ktoré museli byť zručne vlastné počas pohybu, bez toho, aby ich zvýšili z podlahy. Pohyb výkopu urobil pohyby krásne, čo dáva Pawanom Pomp a slávnosť. Pre kráľovnú približných dámy prepravuje slučku. Pred začiatkom tanca sa predpokladalo, že obísť halu. Na konci tanca sa pál s luky a obrátenia opäť okolo haly. Ale pred uvedením klobúka, Cavalier mal dať pravú ruku späť na rameno dámy, ľavej (drží sa klobúk) - na jej pás a pobozkať ju na tvár. Počas tanca bola dáma spustená; Len z času na čas sa pozrela na jej kavaler. Najviac dlhý Pavan bol zachovaný v Anglicku, kde to bolo veľmi populárne.
Allemanda - Pomalý tanec nemeckého pôvodu v 4-dolárovej veľkosti. Patrí k masívnemu "nízkemu", Nepraďlovému tancu. Vedorci sa navzájom stali pármi. Počet pary nie je obmedzený. Kavaler držal pani jeho rukami. Stĺpec sa pohyboval okolo haly, a keď sa dosiahol koniec, účastníci sa zapol na mieste (neoddeľovali ruky) a pokračovali v tanci v opačnom smere.
Kuranda - Súdny tanec talianskeho pôvodu. Quarant bol jednoduchý a komplikovaný. Prvý pozostával z jednoduchých, leteckych krokov, ktoré vykonávali hlavne pred nami. Komplexné zvončeky bol pantomimický charakter: tri kavalíči boli pozvaní na tri dámy, aby sa zúčastnili tanca. Dámy boli priradené do opačného rohu haly a požiadali o tanec. Dámy odmietli. Kavalíri, ktorí dostali odmietnutie, išli, ale potom sa znovu vrátili a stali sa pred dámami na kolenách. Až po tom, čo scéna Pantomimen začala tanec. Kimes talianskych a francúzskych typov sa líšia. Taliansky carant - oživený tanec 3/4 alebo 3/8 s jednoduchým rytmom v melódii harmonickej textúry. Francúzsky - slávnostný tanec ("tanec v sprách"), hladký prevažný proces. Veľkosť 3/2, mierne tempo, pomerne vyvinutá polyfónová textúra.
Sarabanda - Obľúbený tanec 16 - 17 storočí. Sa stalo zo španielskeho ženského tanca s Kastagnetsom. Pôvodne sprevádzaný spevom. Slávny baletmaster a učiteľ Karlo Blazis v jednom z ich diel dáva stručný opis Sarabandy: "V tomto tanci, každý si vyberie dámu, ku ktorej nie je ľahostajný. Hudba dáva signál a dvaja milenci vykonávajú tanec, ušľachtilý, meraný , Avšak, dôležitosť tohto tanca, že neinterferuje s radosťou a skromnosť mu dáva ešte viac pôvabnosť; názory každého sú radi, že nasleduje tanec, ktorý vykonáva rôzne postavy, vyjadrujú všetky fázy lásky s ich pohybom. " Spočiatku bolo tempo Sarabandy mierne rýchlo, neskôr (zo 17. storočia) tam bol pomalý francúzsky Saraband s charakteristickým rytmickým vzorom: ...... V jeho vlasti sa Sarabanda dostala do kategórie obscénnych tancov av roku 1630. Bola zakázaná kastilskou radou.
Zhiga - Tanec anglického pôvodu, najrýchlejšie, trojhviezdičkové, premení sa na triolity. Medzi najprv bol album pár tanec, medzi námorníkmi šíri ako sólo veľmi rýchly tanec komickej prírody. Neskôr je v inštrumentálnej hudbe ako posledná časť starobylého tanečného balíka.

Vokálne žánre

Najzreteľnejšie barokové funkcie sa prejavili v tých žánroch, kde sa hudba preplávala iným umením. Tieto boli predovšetkým opery, oratóriá a také žánre duchovnej hudby, ako napríklad Passonse a Cantata. Hudba v spojení so slovom, a v opere - s kostýmami a dekoráciami, to znamená, že s prvkami maľby, aplikovaného umenia a architektúry, boli vyzvaní, aby vyjadrili komplexný duchovný svet človeka, ktorý zažili komplexné a rôznorodé udalosti . Susedstva hrdinov, bohov, skutočných a idrimalačných akcií, všetky druhy mágie boli prirodzené na barokovú chuť, boli najvyššou expresnou variabilitou, dynamikou, transformáciou, zázrakov neboli vonkajšie, čisto dekoratívne prvky, ale boli nevyhnutnou súčasťou umeleckého systém.

Opera.

Opera žáner dostal najväčšiu popularitu v Taliansku. Bol otvorený veľký počet operných divadiel, čo bolo úžasné, jedinečný fenomén. Nespočetné, zahalené ťažkými zamatovými chatami, oplotený s bariérovým hrotom (kde v tom čase stál, a nie sedel) sa zhromaždili počas 3-operných sezón takmer všetky obyvateľstvo mesta. Chaty boli zakúpené za celú sezónu Patrician Posledné mená, jednoduchý človek bol preplnený v pariteľa, niekedy viskovaný zdarma - ale všetci sa cítili v pohode, v atmosfére kontinuálneho festivalu. Tam boli bufety, pohovky, osamelé stoly na hranie "faraóna"; Každý z nich spojený so špeciálnymi priestormi, kde sa jedlo pripravilo. Diváci išla na susedné chaty ako návšteva; Zoznamka, láska intrigy začali tu, najnovšie správy boli vymenené, kartová hra bola vymenená za veľké peniaze, atď. A na pódiu, luxusné, extraimary podívané bolo nasadené, navrhnuté tak, aby ovplyvnilo myseľ a pocity publika zrak a sluch. Odvaha a valou hrdinov staroveku, báječné dobrodružstvo mytologických znakov sa objavili pred obdivovaním poslucháčov vo všetkých veľkoleposti hudobného a dekoratívneho dizajnu, dosiahli takmer protiúčito existenciu operného divadla.

Príchod na výsledok 16. storočia vo Florencii, v kruhu ("Camera") humanistov, básnikov a skladateľov, Opera sa čoskoro stane popredným hudobným žánrom Talianska. Zvlášť dôležitú úlohu pri rozvoji opery, ktorú hral K. Monteverdi, ktorý pracoval v Mantu a Benátkach. Dvaja jeho najznámejšie štádium funguje, "Orpheus" a "Koronácia Poppai" sú označené výraznou dokonalosťou hudobnej dramaturgie. V živote Monteverdi v Benátkach bola nová operačná škola vedená F. Kawalli a M. Ctihodna. S otvorením v roku 1637 v Benátkach prvého verejného divadla San Cassiana, tam bola príležitosť sa dostať do opery každý, kto kúpil lístok. Postupne, význam veľkolepých, externe veľkolepých momentov sa zvyšuje na úkor starožitných ideálov jednoduchosti a prirodzenosti, inšpirovaných otvorenými retardérmi opera žánru. Obrovský rozvoj dostáva techniku \u200b\u200bvýrobcu, ktorá umožňuje najviac fantastickým dobrodružstvom hrdinov na scéne až po stroskotania, lety vzduchom atď. Veľmi, farebné scenérie, vytvorenie ilúzie perspektívy (scéna v talianskych divadlách bola oválna forma), Previedol diváka na báječné paláce a na námorné rozlohy, v tajomných dungeonoch a magických záhradách.

V rovnakej dobe, v hudobnej operii, rastúci dôraz sa zdôraznil na sólovom vokálnom počiatku, predložil si zostávajúce prvky expresivity; Toto v budúcnosti nevyhnutne viedli k nadšeniam sebestačnej vinárstva a zníženie dramatických účinkov, ktoré sa často stali len dôvodom na demonštráciu fenomenálnych hlasových dát spevákov. V súlade s vlastnými, spevákmi-Castrates vykonávané ako Solts, ktorí vykonávali a mužov a dámske strany. Ich realizácia kombinovala silu a trblietka mužských hlasov s ľahkosťou a mobilitou žien. Toto použitie vysokých hlasov v zmluvných strán odvážneho heroického skladu bolo tradičné a neboli vnímané ako neprirodzené; Je rozšírený nielen v pápežskom Ríme, kde ženy oficiálne zakázali vykonávať v opery, ale aj v iných mestách Talianska.

Z druhej polovice 17. storočia Vedúca úloha v histórii talianskeho hudobného divadla pokračuje na neapolskú operu. Zásady vyvinuté spoločnosťou Neapolitským skladateľom sú zásady operných nedostatkov, stávajú sa univerzálnymi a neapolovskou operou je identifikovaná na celoštátnom druhu talianskej opery Seria. Obrovská úloha pri rozvoji neapolskej operačnej školy hrala konzervatórium, rástla z prístreškov na siroty na špeciálne hudobné vzdelávacie inštitúcie. Osobitnú pozornosť venovala triedam so spevákmi, ktoré zahŕňali výcvik vo vzduchu, na vode, v hlučných preplnených miestach a kde echo, ako to bolo, kontrolovalo spevák. Dlhý pás brilantných virtuózových spevákov - Zvieratá z konzervatória - šíriť slávu talianskej hudby a "vynikajúce spevu" na celý svet (Bel Canto). Pre neapolskú operu, konzervatórium predstavoval neustálu rezervu profesionálneho personálu, bol kľúčom k jeho tvorivej aktualizácii. Medzi mnohými talianskymi opernými skladateľmi barokovej éry, najvýznamnejším javom bol Claudio Monteverdi. Vo svojich neskorších prácach, základné princípy prevádzkovej hry a rôzne formy opery sólového spevu, ktoré by mali nasledovať väčšinu talianskych skladateľov zo 17. storočia.

Dánsky Pörswell bol originálny a jediný tvorcom Národnej britskej opery. Išiel veľký počet divadelných diel, vrátane jedinej opery - Didona a Eney. "Didona a Eney" - takmer jediná anglická operná bez hovorených vložiek a dialógov, v ktorých sa na hudbu dostanú dramatické akcie od začiatku do konca. Všetky ostatné hudobné a divadelné produkcie Peresella obsahujú konverzačné dialógy (v našom čase, že takéto diela sa nazývajú "muzikál").

"Opera - jej nádherná poloha je krajina transformácií; v mrknutí oka sa ľudia stávajú bohmi, a bohovia sa stávajú ľuďmi. Neexistuje spôsob, ako cestovať po krajinách, pre krajinu cestujú pred ním , Nudíš sa v hroznej púšti? Okamžite zomobnú píšťalu tolerujete v záhrade Idylli, druhý z vás z pekla v obydlí bohov vedie: iná iná - a vy ste v obci Fay, víly opery sú fascinované Ako tváre našich rozprávok, ale ich umenie je viac prirodzené ... "(dufrena).

"Opera - Výkon je ako zvláštne, ako nádherne, kde oči a uši sú spokojnejší ako myseľ; kde prežitie hudby je zábavná absurdita, kde, keď je mesto zničené, arias spieva, a okolo hrobu tanca Tam, kde je možné vidieť pluton a slnečné paláce, ako aj bohovia, démoni, čarodejníci, mandáty, čarodejníctvo, paláce sú vybudované a zničené v mrknutí oka. Tieto zvláštnosti trpia a dokonca obdivujú, pre operu - Country Fay " (Voltaire, 1712).

Oratorio

OCAKER, vrátane duchovných, súčasníkov, boli často vnímané ako opera bez kostýmov a scenérie. Kult orranti a pasiona však zneli v chrámoch, kde samotný chrám a verzie kňazov slúžili a scenérie a oblek.

Oratoria a bol primárne duchovný žáner. Samotné slovo oratoria (IT. Oratorio) pochádza z latelatinského oratorium - "mellery" a latinsko-wow - "Hovorím, modlite sa." Oratorion sa narodil v rovnakom čase ako Opera a Canta, ale v chráme. Jej predchodcom bola liturgická dráma. Rozvoj tejto cirkevnej akcie šiel v dvoch smeroch. Na jednej strane je čoraz viac nadobúdateľom samozrejmosťou, postupne sa zmenila na komické znázornenie. Na druhej strane, túžba zachovať závažnosť modlitby komunikácie s Bohom po celú dobu, ktorá sa posunula na statičnosť výkonu, dokonca aj s najrozvinutejším a dramatickejším grafom. To v konečnom dôsledku viedlo k vzniku Oratorio ako nezávislého, najprv čisto chrámu a potom koncertný žáner.

Hudobná kultúra staroveku, stredoveku, renesancia

Starožitnosť

Hudobná kultúra starovekého Grécka tvorí prvú historickú etapu rozvoju hudobnej kultúry Európy. Zároveň je najvyšším vyjadrením kultúry starovekého sveta a objavuje nepochybné vzťahy s starých kultúr Blízkeho východu - Egypta, Sýria, Palestíny. Vo všetkých historických väzbách tohto druhu, hudobná kultúra starovekého Grécka neopakuje spôsoby, ktoré prešli ostatnými krajinami: má svoj vlastný jedinečný vzhľad, s ich nespornými úspechmi, ktoré som čiastočne Európsky stredovek a potom Väčší stupeň revivalovej éry.

Na rozdiel od iných druhov umenia, hudba starovekého sveta nenechala v príbehu žiadne ekvivalentné kreatívne dedičstvo. V rozsiahlej historickej pasci v ôsmich storočiach - z v tomto storočí Bc. za 111 storočia n. E.-Rozptýlené iba jedenásť vzoriek starovekej gréckej hudby, ktoré sa zachovali v notácii tej doby. Je pravda, že je to prvý, kto zaznamenáva melódie v Európe, ktoré nás dosiahli.

Najdôležitejšia vlastnosť kultúry starovekého Grécka, nad ktorou takmer nebudú vnímať súčasníkov, a preto nebudeme schopní pochopiť, je existencia hudby v synktnej únii s inými umeniami - v skorých krokoch alebo syntéze s nimi - v ére rozkvapu. Hudba v neoddeliteľnej pripojenie poézie (odtiaľto - textov), \u200b\u200bhudby ako nepostrádateľného účastníka tragédie, hudby a tanca - taká, charakteristické javy starovekého gréckeho umeleckého života. Platón, napríklad, pomerne kriticky reagoval na inštrumentálnu hudbu, nezávislú od tanca a spevu, argumentovať, že je vhodný len pre ambulanciu, bez chôdze prechádzky a na obraz zvieraťa výkrik:

"Aplikácia samostatného hrania na flaute a Kifare obsahuje niečo vo vysokom stupni bez chuti a hodný len kúzelníkov." Počiatky gréckej tragédie, vysokého a sofistikovaného umenia, odchádzajú z mytológie, od magických činov, z presvedčení ľudí. Medzi najstaršie časy sú aj počiatky starovekých gréckych mýtov o veľkých hudobníkov - Orfee, 0limpe, Marci.

Dôležité informácie o včasnej hudobnej kultúre v Grécku nám dáva Homerovsky EPOS, seba-spojený s hudobným výkonom: "Iliada", Odyssey.

Spolu s sólovým plnením epických prác v storočiach U11-VI sú tiež známe špeciálne korálkové žánre. Piesne na ostrove Kréta v kombinácii s plastovými pohybmi, z tanca (Gorphanham); Zborové žánre z VII storočia boli široko kultivované v Sparta. Je známe, že Spartans dali hudbu veľkému štátu, vzdelávací význam. Tréning s hudobným umenie sa nezaujíma o ich profesionálny charakter, ale jednoducho vstúpil do systému všeobecného vzdelávania mládeže. Teda teória étos, odôvodnená gréckymi mysliteľmi, sa pestuje.

Nový smer v hudobnom a poetickom umení starovekého Grécka, ktorý vymenoval skutočne lyrické témy a obrázky, je ohromený názvami Iónskeho archite (VII Century) a najväčších "zástupcov lesbickej školy alkey a SAFO (Svetlá I a VI CENTRUDY). Môžete si myslieť, že s posilnením skutočne lyrického štartu a úlohou melódie v ich dieloch je slovo "texty" sám vedie svoj pôvod z Lyra.

Lyrinálna poézia VI storočia je reprezentovaná niekoľkými žánrovými odrodami: elegám, hymny, svadobné piesne.

Klasický vek tragédie bol v storočí Bc. EH: Kreativita najväčšieho tragického z Eschila (cca 525-456), Sofokla (cca 480-406). Bol to čas najvyššieho prosperujúcej gréckej umeleckej kultúry, centĺk Policlet, Takéto pamiatky klasickej architektúry, ako Parfenon v Aténach, najlepšie storočia v odbore celého starovekého sveta. Nastavenie tragédie sa považovali za verejné festivaly a nosili v rámci hraniciach spoločnosti Slave-vlastnil spoločnosť, relatívne široká demokratická povaha: \\ t Divadlo sa zúčastnili všetci občania, ktorí pre to dokonca dostali štátnu dávku. Zbor - spoločná morálka Expressanta - zastupovala ľudí na tragickej scéne a hovorili o jeho mene.

Playwright bol básnik a hudobník; Urobil všetko sám. Eschil napríklad, on sám sa zúčastnil na výkone jeho hier. Neskôr bol funkcia básnika, hudobník, herca riaditeľa boli čoraz viac rozdelené. Herci boli tiež speváci. Spievajúci zbor spojený s plastovými pohybmi.

V hellenistickej epoche, umenie nerastie z umeleckých aktivít občanov: je to úplne profesionálne.

Všetko, čo bolo napísané v starovekom Grécku o hudobnom umení a to, čo možno posudzovať mnohými konzervovanými materiálmi o mnohých konzervovaných materiáloch, bol založený na myšlienkach o melódii (výhodou poetického slova súvisiace). To je zrejmé nielen z obsahu špeciálnych teoretických prác, ale aj z všeobecnejších etických a estetických výrokov najväčších gréckych mysliteľov. Princíp jedného sallínu je teda plne potvrdený, úplne charakteristický pre staroveké grécke hudobné umenie.

Takzvaná doktrína Etos, rozšírená PLATO, vyvinutým a hĺbkovým Aristotelom, je najväčším záujmom zo starovekých rozsudkov o hudobnom umení. Kombinácia politiky a hudobných problémov antickej tradície sa spája s menom Domon Atén, učiteľka Socrates a priateľom Pericla. Od neho, ako keby Platón vzal myšlienku vplyvu hudby dobrodinca na vzdelávanie dôstojných občanov, ktoré vyvinuli v knihách "State" a "zákony". Plato berie do svojho ideálneho stavu prvý (okrem iného umenia) úlohu hudby vo vzdelávaní od mladých mužov od odvážnej, múdry, cnostne a vyváženej osoby, to znamená ideálny občan. Zároveň Plato, na jednej strane spája vplyv hudby s dopadom gymnastiky ("Krásna televízia") a na druhej strane tvrdí, že melódia a rytmus sú najviac nadšení duša a povzbudzujú ľudí Ak chcete napodobniť vzorky krásne, čo mu dáva hudobné umenie.

"Prezeranie potom, čo je dokonalé v piesni, Plato zistí, že je potrebné posúdiť to, slovami, Lada a rytmus. V súlade s prezentáciami jeho času bude označiť všetky šialence, ktoré majú žalostnú a relaxačnú prírodu, A vyzýva len dorian a frigské unikátne slušné vysoké ciele vojenského vzdelávania mladého muža. Podobne filozof rozpozná medzi hudobnými nástrojmi len Kifaru a Lira, odmieta etické vlastnosti všetkých ostatných. Týmto nosičom etosu, z hľadiska Platón, nie je dielom umenia, nie jeho snímky a nie ani systém. Expresívne nástroje, ale len spôsob, akým spôsobom alebo časom prístroja, po ktorom nasleduje určitá etická kvalita.

Aristotle posudzuje vymenovanie hudby oveľa viac širšie, argumentuje, že by to malo slúžiť nie jeden, ale na niekoľko cieľov a prínosov: i) v záujme vzdelávania, 2) kvôli čisteniu, 3) v záujme intelektuálnej zábavy, To znamená, že v záujme upokojujúceho a odpočinku z napätej aktivít ... Odtiaľ je jasné - pokračuje Aristotes, - ktorý hoci môžete použiť všetky pražky, ale nemali by sa aplikovať rovnakým spôsobom "0 povaha Vplyv hudby na psychiku ho posudzuje takým spôsobom:

"Rytmus a melódia obsahujú bližšie k najviac blížiacemu sa skutočnej platnosti mapovania hnevu a pokornosti, odvahy a teploty a všetkých opačných vlastností, ako aj iných morálnych vlastností. To je jasné zo skúseností: keď vnímame s naším nádherným rytmom a melódou, zmeníme sa a mentálna nálada. Zvykne testovanie smutnej alebo radostnej nálady, keď vníma, čo napodobňuje realitu, vedie k tomu, že začneme zažiť rovnaké pocity a v kolízii s [Letyani] TRUE "3. A konečne, Aristotel. Prichádza do nasledujúceho záveru: "... hudba je schopná poskytnúť dobre známy vplyv na etickú stranu duše; A akonáhle hudba má takéto vlastnosti, je to samozrejme, musí byť zahrnuté do počtu položiek na zdvíhanie itezhu. "

Za filozofom a matematikmi Pythagorasis (vi Century BC) na dlhú dobu, význam prvých gréckych mysliteľov, ktorí napísali o hudbe, sú stanovené. On pripisuje počiatočnému vývoju učenia na hudobných intervaloch (zhody a disonances) na základe čistej hmoty schematických vzťahov získaných rozdelením reťazca. Všeobecne platí, že čísla a pomery pythagoreans - podľa vzorky starovekých východných kultúr (väčšina všetkých Egypt) - dali magické významy, odvodené z nich, najmä, magické a liečebné vlastnosti hudby. Nakoniec, abstraktné špekulatívnymi konštrukciami, pythagoreans prišiel k myšlienke tzv "Nebeská harmónia".

Pokiaľ ide o učenie na Ethos, potom v budúcich neoplatonistov, najmä priehrady (III storočia), prehodnotil ho v náboženskom a mystickom duchu, zbavili civilného patta, ktorý bol obsiahnutý v Grécku. Odtiaľ sú rovné vlákna nakreslené na estetický výhľad na stredovek. Pokles starovekej kultúry v epoche rozkladu budovy majiteľa otroka prispeje len k úspešnému rozvoju kresťanského umenia, v mnohých ohľadoch proti estetike a hudobnej praxi Ríma predchádzajúcich storočí. Nie je možné odmietnuť niektoré väzby medzi dedičstvom staroveku a rozvoj estetickej myšlienky o následnom čase na prelome dvoch ERAS.

Hudobná kultúra stredoveku

Vo vývoji hudobnej kultúry západnej Európy je ťažké zvážiť dlhý a široký historický pás stredného veku, ktorý je ťažké zvážiť ako jedno obdobie, dokonca aj ako veľká éra so spoločným chronologickým rámcom. Prvá, pôvodná línia stredného veku - po páde západnej rímskej ríše v roku 476 - je to obvyklé, že označuje vi. Medzitým jediná oblasť hudobného umenia, ktorá zanechala písanie pamiatok, bola až do XII storočia, len hudba kresťanskej cirkvi. Celý zvláštny súbor relevantných javov sa vyvinula na základe dlhodobého historického vzdelávania, počnúc II storočia a zahŕňala vzdialený pôvod, ktorý presahuje západnú Európu na východe na Palestínu, Sýriu, Alexandriu. Okrem kostola hudobnej kultúry stredoveku, jeden alebo druhý neprešiel dedičstvo starovekého Grécka a starovekého Ríma, hoci "otcovia Cirkvi", a v budúcich teoretici, ktorí napísali o hudbe, do značnej miery Umenie kresťanskej cirkvi do pohanského umeleckého sveta staroveku.

Druhá najdôležitejšia línia, podpísanie prechodu od stredoveku na oživenie, nie je zároveň v západnej Európe: v Taliansku - v XV storočí, vo Francúzsku - v XVI; V iných krajinách sa bojuje s bojom stredovekých a renesančných trendov v rôznych časoch. Do éry renesancie sa približujú k rôznym dedičstvom stredoveku, s načrtli svoje vlastné závery z obrovskej historickej skúsenosti. Vo veľkej miere bola významná zlomenina vo vývoji umeleckej kultúry stredoveku, ku ktorej došlo v storočiach XI-XII a v dôsledku nových sociálno-historických procesov (rast miest, križiacky, nominácia nových sociálnych vrstiev, Prvé silné ohnisko svetskej kultúry atď.).

Avšak, so všetkou relativitou alebo mobilite chronologických tvárí, s nevyhnutnými genetickými väzbami s minulosťou a nerovnomerným prechodom do budúcnosti, pre hudobnú kultúru západoeurópskych stredoveku, zmysluplných javov a procesov, ktoré sú zvláštne len na to a nepredstaviteľné V iných podmienkach sa charakterizujú. Toto, prvé, pohyb a existencia v západnej Európe Mnoho kmeňov a národov sa nachádzajú v rôznych štádiách historického vývoja, množstva štýlov a rôznych politických budov a so všetkým, pretrvávajúcou túžbou katolíckej cirkvi k zjednoteniu celého obrovského , turbulentný, dlhotrvajúci svet nie je len všeobecná ideologická doktrína, ale aj všeobecné zásady hudobnej kultúry. To, po druhé, je nevyhnutná dualita hudobnej kultúry v stredoveku: Cirkevné umenie vždy proti svojim kanonom s rôznorodosťou ľudovej hudby všade v Európe. V stároch I-XIII už boli pôvodné nové formy sekulárnej hudobnej a poetickej tvorivosti, a cirkevná hudba bola transformovaná. Ale tieto nové procesy sa vyskytli v podmienkach rozvinutého feudalizmu.

Ako je dobre známe, špeciálny charakter stredovekej kultúry, stredovekého vzdelávania, stredovekého umenia je vo veľkej miere určené závislosťou od kresťanskej cirkvi.

Hudba kresťanskej cirkvi bola evidentná v pôvodných formách v historických podmienkach vysokej sily rímskej ríše. Viera v posmrtný život, na najvyššiu odmenu za všetko, čo je ideálne na Zemi, ako aj myšlienku spätného odkúpenia hriechov ľudstva, obeť obzrakovača na Kristov Krista dokázala zaujať masy.

Historická príprava gregoriansskopoyho koráleho ako rituálneho spevu dominantného kresťanského kostola bola dlhá a všestranná.

Na konci IV storočia sa to stalo, ako viete, oddelenie Rímskej ríše na západnom (Ríme) a východnom (Byzancii), ktorého historické osudy sú potom iné. Takže západná a východná cirkev bola nariadená, pretože kresťanské náboženstvo bolo v tom čase stať štátom.

S rozdelením Rímskej ríše a tvorbou dvoch centier kresťanskej cirkvi cesty cirkevného umenia, ktorý bol v procese konečnej formovania, do značnej miery tiež zosúladený na západe a na východe.

Rím spracoval všetko svojím vlastným spôsobom ako Kresťanská cirkev umiestnila a vytvorila na tomto základe Canonizované umenie - Grigorian Choral.

Výsledkom je, že cirkevné melódií, vybrané, kanonizované, distribuované v cirkevnom roku predstavovali Pape Gregory (aspoň na jeho iniciatívu). Oficiálny oblúk - antifoneAry. Prichádzajúce chorobie v nej dostali meno grigorian Chorala A stal sa základom liturgického spevu katolíckej cirkvi. Arch z gregorských dresov je obrovský ..

Oblúk gregoriánskeho spevu zo storočia XI-XII a potom v ére renesancie slúžil ako pôvodný základ pre vytvorenie multi-hlasových esejí, v ktorom náboženské tuláky dostali najrozmanitejší vývoj.

Čím viac rozšírila sféru svojho ovplyvnenia Rímskej cirkvi v Európe, tým viac Gregorian Choral z Rímskeho severu a Západ rozšírené.

Reforma hudobného záznamu vykonala taliansky hudobník, teoretik a učiteľ Guido D "Arezzo v druhom štvrťroku storočia XI.

Reforma Guido bola silná v jej jednoduchosti a biotrádi počiatočnej myšlienky: Strávil štyri riadky a umiestňoval nikdy na ne alebo medzi nimi, dal im všetku presnú významu vysoko nadmorskej výšky. Ďalšia inovácia Guido z Arzzo, v podstate jeho vynález, bol výber určitého šesť-stopového zvuku (Pre-Re-MI-FA-SOL-LA).

Od konca XI storočia, v XII a najmä v XIII stáročia v hudobnom živote a hudobnej práci mnohých západoeurópskych krajín, najprv sú menej viditeľné, potom stále viac a výraznejšie - príznaky nového pohybu . Z počiatočných stredovekých foriem hudobnej kultúry ide o rozvoj umeleckých chutí a tvorivého myslenia na iné, progresívnejšie druhy šťavy, na iné zásady hudobnej tvorivosti.

V xii -XIII stáročia, historické predpoklady sa postupne vyskytli nielen pre pridanie nových tvorivých prúdov, ale aj pre dobre známe rozdelenie v západnej Európe. Stredoveký román alebo príbeh, ktorý existoval na francúzskej pôde v storočiach XII - XIII nezostávali len francúzske javy. Spolu s románom o Tristan a Isolde a príbehom o Okasen a Nicette, "Parsifal" a "Chudák Heinrich" vstúpili do histórie literatúry. Nový, gotický štýl v architektúre, prezentovaný klasickými vzorkami vo Francúzsku (katedrály v Paríži, Chartres, Reims), našiel svoj výraz aj v nemeckých a českých mestách, v Anglicku, atď.

Prvá prosperujúca svetského hudobného a poetického lyristu, ktorý prichádza v provence z XII storočia, potom zachytil Severné Francúzsko, reagoval v Španielsku, našiel expresiu neskôr v nemeckom mintezangu. So všetkou totožnosťou každého z týchto trendov a ukázali novú charakteristiku modelu ERA v širokom rozsahu. Rovnakým spôsobom, pôvod a rozvoj polyfónie vo svojich profesionálnych formách - takmer najdôležitejšia strana hudobného evolúcie - došlo za účasti francúzskej tvorivej školy a viac ako jednej skupiny hudobníkov z katedrály Notre DAME, bez ohľadu na to, aké veľké im zásluhy.

Bohužiaľ, sedem selektívne posudzujeme cesty stredovekej hudby. Ako stav zdrojov je nemožné sledovať špecifické väzby, napríklad vo vývoji polyfónie medzi jeho zdrojmi na Britských ostrovoch a jej formulároch na kontinente, najmä v počiatočných štádiách.

Stredoveké mestá s časom sa stali dôležitými centrami kultúry. Univerzity (Bologna, Paríž) boli založené v Európe. Mestská výstavba bola rozšírená, bohaté katedrály boli postavené, a v nich, s veľkým veľkolepým, uctievania bolo spáchané za účasti najlepších zborových spevákov (pripravovali sa na špeciálnych školách - metriky - s veľkými cirkvami). Štipendium (a hudobné štipendium, najmä charakteristické pre stredovek, najmä), už nebol zameraný len na kláštory. Nové formuláre, nový štýl kostola hudby je nepochybne spojený s kultúrou stredovekého mesta. Ak boli čiastočne pripravené predchádzajúcimi aktivitami vedcov Mníchovských hudobníkov (napr Všetky rovnaké konzistentné rozvoj nových foriem polyfónia začína v Paríži XII - XIII stáročia.

Ostatné, tiež veľmi základná rezervoár stredovekej hudobnej kultúry je pripojená k najprv s činnosťami, kruhom záujmov a zvláštnou ideológiou európskeho rytierov. Krížové výlety na východ, obrovské pohyby na vzdialených vzdialenostiach, bitiek, obliehanie miest, občiansky spor, odvážny, riskantné dobrodružstvo, dobyť pozemky iných ľudí, kontakt s rôznymi národmi východu, ich zvyky, životný štýl, kultúru, úplne nezvyčajné dojmy - To všetko ukladá jej ochrannú známku na nových križiacich crusders. Keď časť rytier mohla existovať v priaznivých mierových podmienkach, skoršia myšlienka rytierskej cti (samozrejme, sociálne obmedzená) súvisel s kultom vynikajúcich dámy a službou Rytiera s ideálom Súdneho dvora Láska a súvisiace normy správania. Potom, hudobné a poetické umenie Trubadurova dostalo svoj skorší vývoj, ktorý priniesol prvú v Európe vzorky napísaných svetských hlasových textov.

Ostatné vrstvy hudobnej kultúry stredoveku naďalej existovali, konjugovali s životom ľudí s činnosťou strašných hudobníkov, s nadchádzajúcimi zmenami v ich životnom prostredí a životnom štýle.

Informácie o strašných ľudových hudobníkov stredoveku sa stávajú z IX do XIV storočia, sa stávajú bohatšie a definované. Tieto žonglérske, minstrels, veže - ako boli nazývané v rôznych časoch av rôznych častiach - dlhú dobu boli jediní zástupcovia svetskej hudobnej kultúry ich času a tým vykonala dôležitú historickú úlohu. , Vo veľkom meradle na základe ich hudobnej praxe boli ich piesne tradície včasné formy svetských textov XIII-XIII storočia. Títo putovaní hudobníci, nezúčastnili sa hudobné nástroje, zatiaľ čo cirkev alebo odmietli svoju účasť, alebo ju vzali s veľkými ťažkosťami. Okrem rôznych okien (rúr, rohy, viery, panvové flutes, bagpipes), časom, hudobný život zahŕňa harfu (od ancients), Clort (keltský nástroj), odrody potokov, predkovia budúcich husle - Rebab, Vila, Fidel (možno z východu).

So všetkými pravdepodobnosť, že títo stredoveké herci, hudobníci, tanečníci, akrobati (často v jednej osobe), nazývaných Jonglers alebo iné podobné mená, mali svoje kultúrne a historické tradície, odchádzajú z vzdialených časov. Môžu byť prijaté - prostredníctvom mnohých generácií - dedičstvo synkretického umenia starovekých rímskych aktérov, ktorých potomkovia, ktoré sa nazýva historici a mimes, putovali na dlhú dobu, bežiac \u200b\u200bna stredovekú Európu. Najstarší šesť-stupeň zástupcov keltského (Barda) a nemeckého eposu by mohli byť tiež nejakým schopným vyjadriť svoje tradície žonglérov, ktoré, hoci neboli schopní ich zachovať lojalitu, ale napriek tomu sa z nich naučili . V každom prípade, do IX storočia, keď sa bývalý uvádza o historických a mimes už nahradených správami o žongléroch, tieto sú známe pre tých, ktorí sú a ako epickí umelci. Zapnutie miesta na miesto, žonglérs vykonávajú na oslavách na nádvorí (kde sa hrnú na určité dátumy), v hradoch, v obciach, a dokonca im umožní kostol. V básní, románov a piesní stredoveku viac ako raz spomenul o účasti Jugglera v slávnostnej zábave, v zariadení všetkých druhov okuliarov vonku. Pokiaľ tieto myšlienky, vhodné na veľké sviatky v chrámoch alebo cintorínoch, boli vykonané len latinskými, študentmi kláštorných škôl a mladých klerikov by sa mohli zúčastniť výkonov. Ale podľa XIII storočia, latinčina bola nahradená miestnymi ľudovými jazykmi - a potom strašne hudobníci žiadali o plnenie komiksových rolí a epizód v duchovných myšlienkach, sa podarilo nejako dostať do počtu hercov, a potom dobyť úspech s ich vtipmi v publiku a poslucháčov. Takže to bolo napríklad v katedráloch Štrasburgu, Rouen, Reims, Cambre. Medzi "príbehy", ktoré boli prezentované na dovolenke, tam boli Vianoce a Veľká noc "Denits", "plač Márii", "História o zariadeniach rozumných a dĺžkami z neprimeraného", atď takmer všade na myšlienkach, v prospech ich Návštevníci vložili tie alebo iné komické epizódy spojené s účasťou zlých síl alebo dobrodružstva a repliky sluhov. Tu a otvorený priestor pre herecké hudobné schopnosti jugglera s tradičnou služobníkom.

V osobitnej úlohe boli mnohé z Minstrels proti tomu, keď začali spolupracovať s Troubadrasom, ktoré sprevádzajú svoje kazety-rytieri všade, ktorí sa zúčastňujú na výkone svojich piesní, ktoré komunikujú na nové umelecké formuláre.

V dôsledku toho médium "túlavých ľudí", žonglérov, veží, minstra, zažívajúcich významné transformácie s časom, nezostal zjednotený vo svojom zložení. Tam bol tiež príliv nových síl - kompetentný, ale stratil stabilnú pozíciu v spoločnosti, to znamená, že v podstate deklyoval porazení z malých duchovných, podivných štiólov, útekových mníchov. Zdá sa, že v hodnostiach túlavých hercov a hudobníkov v XI - XII stáročia vo Francúzsku (a potom v iných krajinách) dostali mená Vagatantov a Goliadov. S nimi vo vrstvách Jongs, nové životné nápady a návyky, gramotnosť, niekedy dokonca slávna erudícia.

Od konca XIII storočia sa v rôznych európskych centrách - s cieľom chrániť svoje práva, určiť miesto v spoločnosti, zachovanie profesionálnych tradícií a prevod svojich študentov. V roku 1288, TU vo Viedni založil "bratstvo svätého Nicholas ", United podľa hudobníkov, v roku 1321" Brotherhood of St. Julien "v Paríži bol organizácia workshopu miestnych penziónov. Následne Kráľovský mensters cech sa vytvoril v Anglicku. Tento prechod na workshopu bude v podstate ukončený históriu stredovekej žonglérky. Ale stray hudobníci sú ďaleko od toho, že snívajú o ich bratstve, cechu, obchodoch. Ich putovanie pokračovali v XIV, XV, XVI stáročiach, ktoré pokrývali obrovské územie a vytvárali v dôsledku nových hudobných a domácich spojení medzi vzdialenými regiónmi.

Trubudras, Trumpety, Minnezinger

Umenie Trubadurova, vznikol v Provence of the XII storočia, bol v podstate len začiatkom osobitného kreatívneho hnutia, charakteristické pre jeho čas a takmer úplne súvisiace s rozvojom nových, sekulárnych foriem umeleckej tvorivosti. Veľmi uprednostňoval potom v provence čoskoro prekvitajúce svetskej umeleckej kultúry: relatívne menšia zrúcanina a katastrofa v minulosti, počas presídľovania národov, staré remeselné tradície a zachované dlhodobé obchodné väzby. V takýchto historických podmienkach sa vyvinula rytierska kultúra.

Zvláštny proces rozvoja skorého sekulárneho umenia, ktorý vzniká prostredníctvom umeleckej iniciatívy provencal bydží, je do značnej miery poháňaná melodickými zdrojmi populačných piesní a je distribuovaný v širšom rozsahu občanov, resp., Ktorým sa vyvíja v zmysle predmetu obrazový obsah.

Umenie Troubadurova sa vyvíja v medziach krátkych dvoch storočí z konca XI storočia. V druhej polovici tímu XII storočia sú známe mená rúrok ako básnikov hudobníkov na severe Francúzska, v šampanskom, v Arras. Vo XIII storočí sa prevádzka rúrok stáva intenzívnejším, zatiaľ čo umenie provencal troubadur dokončí svoju históriu.

Trúbky do určitej miery boli zdedené kreatívnou tradíciou Troubadurova, ale zároveň ich diela boli jasne spojené s rytierskym, ale s mestskou kultúrou svojho času. Existujú však zástupcov rôznych verejných kruhov v prostredí Troubadur. Prvé Troubadras boli tak: Guillaume VII, počet poitiers, Duke Akvitan (1071 - 1127) - a Gasconian-Choro Markabryun.

Provencal Troubadours, ako viete, zvyčajne spolupracovali s žonglérmi, ktorí s nimi putovali, vykonali svoje piesne alebo sprevádzali ich spevu, ako keby sa spojili súčasne zodpovednosti zamestnancov a asistentov. Trubadur vykonáva ako kazeta, autor hudobnej práce a Jonggler - umelec.

V hudobnom a poetickom umení Trubadurova sa rozlíšilo niekoľko charakteristických žánrových odrôd piesní básne: Alba (pieseň z úsvitu), pasterel, sirvent, piesne križiacich kôrovcov, dialógových piesní, plaču, tanečných piesní. Tento zoznam nie je prísnou klasifikáciou. Love Lyrics je stelesnený v Albach, av Pasteriáni, av tanečných piesňach.

Sirvent - Označenie nie je príliš jasné. V každom prípade to nie je lyrická pieseň. Znie z tváre rytiera, bojovníka, odvážny troubadour, môže to byť satirický, obvinený, zameraný na odrody, na určitých súčasných alebo udalostiach. Neskôr vznikajú žánre baladov a Rondo.

Ako možno posudzovať na základe materiálu osobitného výskumu, umenie TROUBUADUROVU NAJVYŠŠIE NIE JE IZPEČENSTVO Z TRADÍCIE MINULOSTI, ani z iných moderných foriem hudobnej a poetickej tvorivosti.

Umenie Trubadurova slúžil ako dôležitý spojovací odkaz medzi prvou v západnej Európe formy hudobných a poetických textov, medzi hudobnou a domácnosťou tradíciou a vysoko profesionálnymi smermi hudobnej tvorivosti v XIII -. XIV storočia. Neskorší predstavitelia tohto umenia sa už pre hudobnú profesionalizáciu, zvládli základy nových hudobných zručností.

Taká Adam de la al (1237-1238 - 1287), jeden z posledných vodcov, natívne Arras, francúzsky básnik, skladateľ, dramatiku druhej polovice XIII storočia. Od roku 1271 sa skladal zo služby na súde počtu Roberta D "Artoi, spolu s ktorými v roku 1282 išiel do Karla Anzhuy, kráľa Sicílie, v Neapole. Počas svojho pobytu v Neapole," hra o Robin a Marion " bola vytvorená a významná a významná práca skladateľa básnika.

Takéto diela sú prehliadok narodenia francúzskej hudobnej komédie HU111 v. a operetta x1x v.

Trubadur Art Vzorky patria do XII-XIII City do Nemecka, zaoberajúca sa pozornosť na seba; Texty sú preložené do nemčiny, dokonca aj melódie sú niekedy schopné nových slov. Vývoj z druhej polovice XII storočia (až do samého začiatku XV) nemeckého Minnenzangu ako umeleckej inkarnácie miestnej rytierskej kultúry robí tento záujem o hudobné a poetické umenie francúzskeho troubadur - najmä v ranom zasadnutí.

Umenie minnesingsov vyvinul takmer storočie neskôr ako umenie Troubadurova, v trochu odlišnom historickom prostredí, v krajine, kde nebol najprv existoval ešte také silné základy pre pridanie nového, čisto sekulárneho svetonázoru.

Najväčšími predstaviteľmi Minnezangu boli Walter von der Fogelweed, básnik, autor parsifhala Wolfram von Eschenbach. Teda legenda založená na WAGNER "TUGOGER" je založená na historických faktoch.

Služba a vystúpenia na nádvorí sa však výrazne neobmedzili na činnosti nemeckých minnesingsov: to bolo najvýznamnejšie z nich, ktoré boli vykonané významnou súčasťou života vo vzdialených pruhoch.

Umenie Minnezang nie je tak nezrozumiteľné: Rôzne trendy sa v ňom kombinujú a melodická strana ako celok je progresívnejšia ako poetická. Žáner Rôzne piesní z Minnesinger je v mnohých smeroch podobných tým, ktorí boli kultivovaní provenzínovými rúrami: piesne križiacich kôrovcov, milujúci-lyrickými piesňami rôznych druhov, tanečných dresov.

Duchovná hudba neskorého stredoveku pokračuje v rozvoji. Dostal široký rozvoj multi-hlasového hudobného výkazu.

Vývoj multi-hlasového písania, charakteristika najprv pre cirkevné umenie viedol k pridaniu nových hudobných žánrov ako duchovného a sekulárneho obsahu. Najbežnejší genóm polyfónie sa stáva mOTET.

Motet, ktorý mal veľmi veľkú budúcnosť, vyvinula veľmi intenzívne v XIII storočia. Jeho nesprávny storočia je stále v predchádzajúcom storočí, keď vznikol v súvislosti s tvorivou činnosťou školy Notre Dame a najprv mal liturgické stretnutie.

MOTET XIII COESSE MOTET je multi-vyjadrená (častejšie troj-hlas) práce malej alebo strednej veľkosti. Žáner vlastnosť Mott bola počiatočná podpora na hotovom melodickom vzore (z dresov z kostola, zo svetských piesní), na ktorých ostatné hlasy rôznych vrstiev charakteru a dokonca aj rôzneho pôvodu. Ukázalo sa, že kombinácia rôznych melódie s rôznymi textami.

Nástroje (Villai, žalobca, orgán) by sa mohli zúčastniť určitých motelov. Nakoniec, v XIII storočia, zvláštna forma domáceho polyfónia, ktorá získala mená Rondel, ROTA, RU (koleso), získal popularitu. Toto je komiks Canon, ktorý bol známy a stredoveký spiels.

Do konca XIII storočia, hudobné umenie Francúzska do značnej miery nastaviť tón v západnej Európe. Hudobná a poetická kultúra pipelistov a prejdičov, ako aj dôležité etapy v rozvoji polyfónie, čiastočne ovplyvnili hudobné umenie iných krajín. V histórii hudby XIII storočia (približne z 1230s) bola hodnotená označenie "AGS Antiqua" ("staré umenie").

Ars Nova vo Francúzsku. Guyom Masha

Na približne 1320 bola v Paríži vytvorená Philip de Viterse s názvom "AGS NOVA". Tieto slová - "Nové umenie" - ukázalo sa, že sú pokryté: boli definíciou "éry AGS NOVA", ktorá je akceptovaná francúzskou hudbou XIV storočia. Výrazy "Nové umenie", "Nová škola", "nových spevákov" sa často stretli počas Times of Philip De Vitrate nielen v teoretickej práci. Či teoretické látky podporili nové prúdy alebo ich kričali, či ich pápež ich odsúdil, "Tam bol ja, že nové vo vývoji hudobného umenia, ktoré nebolo pred vznikom rozvinutých foriem multi-lúča.

Najväčší zástupca AGS NOVA vo Francúzsku bol Guillaume de MashoZhoršený básnik a skladateľ svojho času, ktorého kreatívne dedičstvo sa tiež skúma v histórii literatúry.

Bez ohľadu na to, ako komplikované v XIV storočí, ďalší rozvoj multi-hlasových foriem, línie hudobného a poetického umenia, prichádzajúceho z potrubí a potrubia, nebol úplne stratený v atmosfére Francúzov Ars Nova. Ak bol Philippe De Vitrate primárne vedecký hudobník a Guillaume de Masho sa stal matka francúzskych básnikovJediné, obaja boli básnici-hudobníci, to znamená, že v tomto zmysle, ako to boli, tradície potrubí XIII storočia pokračovali. Nakoniec nie je taký dlhý čas oddelene oddelene oddeľuje tvorivú aktivitu Philippe de Vitrate, ktorá začala skladať hudbu okolo 1313-1314, a dokonca aj aktivity Masha (od 1320-1330) - z posledných rokov kreatívneho \\ t Život Adam de la Al (myseľ, v roku 1286 alebo 1287).

Historická úloha Guillaume DS Masha je oveľa výraznejšia. Bez neho by vo Francúzsku nebolo ARS NOVA. Je to jeho hudobná a poetická kreativita, hojná, originálna, multilaterálna, a zameraná sama sám o sebe najdôležitejšie vlastnosti tejto éry. Vo svojom umení, ako to bolo, línie, ktoré prechádzali, na jednej strane, z hudobnej a poetickej kultúry pipelistov a potrubia v jeho dlhoročnej piesni, na strane druhej a z francúzskych škôl Mlashony X11111 storočia.

O životnej ceste Mashu až do roku 1323 sme, bohužiaľ, nie je nič známe. Je známe, že sa narodil okolo 1300 v Mashe. Bol veľmi vzdelaným básnikom širokej erudície a skutočný majster svojho prípadu ako skladateľ. S nepochybne vysokou nadaním by mal, samozrejme, aby sa dostal dôkladnú prípravu na literárne a hudobné aktivity prvý dátum, s ktorým je pripojený skutočnosť biografie Masha, - 1322 - 1323, keď jeho služba začala na nádvorí Kráľ. Hymanie Yana Luxembourg (prvý v pozícii Clerk, potom kráľovský tajomník). Už viac ako dvadsať rokov, Masha bol na nádvorí kráľa Čechách, potom v Prahe, potom neustále sa zúčastnil na jeho kampaniach, cestách, slávnostiach, lovu atď. V speese Yana Luxembourg mal možnosť navštíviť hlavné centrá v Nemecko v Poľsku. Vo všetkých pravdepodobnostiach to všetko dal Guillaume de Masho mnohých dojmov a plne obohatené jeho životné skúsenosti. Po smrti kráľa Čechách v roku 1346 bol v službe Francúzsky kráľom Johna Good a Karl V, a tiež dostal Canonikat v katedrále Notre Dame v Reims. To prispelo k jeho sláve ako básniku. Masha bol vysoko cenený počas svojho života a po smrti v roku 1377 oslávených súčasníkmi v bujnej epitafy. Masha mal významný vplyv na francúzsku poéziu, vytvoril celú školu, pre ktorú boli charakterizované poetické texty vyvinuté.

Rozsah hudobnej a poetickej tvorivosti Masha s multilaterálnym rozvojom žánrov, nezávislosť jeho pozície, ktorá mala najsilnejší vplyv na francúzske básnici, vysoké majstrovstvo hudobníka - všetko z neho robí prvú taká veľkú osobu História hudobného umenia.

Kreatívne dedičstvo Masha je značne a rôznorodé. Vytvorili hrobky, balady, Rondo, Canons, atď.

Po Mashe, keď jeho meno bolo veľmi poctené básnikmi a hudobníkmi, a vplyv by mohol nejakým spôsobom cítil ako iní, nemal žiadne skutočne veľkých nástupcov medzi francúzskymi skladateľmi. Naučili sa veľa na jeho skúsenosti s polyfonistom, zvládol svoju techniku, pokračovala v kultivácii rovnakých žánrov ako on, ale trochu rozdrvený, existoval detaily, ich umenie.

Renesančný

Uvedená hodnota renesančnej éry pre kultúru a umenie západnej Európy už dlho realizovala historikov a stal sa dobre známym. Hudba renesancie je reprezentovaná mnohými novými a vplyvnými tvorivými školami, slávnymi menami Francesco Landini vo Florencii XIV storočia, Guillaume Dufai a Johannes Okhemema v XV storočí, Joskene Dere na začiatku XVI storočia a Pleiadrian klasika prísneho štýlu na konci renesancie - Parestrina, Orlando Lasso.

V Taliansku, začiatok novej éry prišiel na hudobné umenie v XIV storočí. Holandská škola sa objavila a dosiahla prvé vrcholy na XV, po ktorom bol jeho vývoj spustený, a vplyv jednosmerného spôsobu alebo iného tiež zadržala majstrov iných národných škôl. Známky oživenia sa jasne prejavujú vo Francúzsku v XVI storočí, hoci jej kreatívne úspechy boli v predchádzajúcich stároch veľké a nesporné. Podľa XVI storočia, vzostup umenia v Nemecku, Anglicku a niektorých ďalších krajinách patriacich k renesančnej dráhe.

Takže v hudobnom umení západoeurópskych krajín sú zrejmé vlastnosti oživenia, hoci s určitou nerovnosťou, v rámci XIV XVI storočia. Umelecká kultúra renesancie, najmä hudobná kultúra, bezpochyby sa odvrátili od najlepších kreatívnych úspechov neskorého stredoveku. Historická komplexnosť renesancie vystúpila, bola zakorenená v tom, že feudálna mŕtvica stále zostala takmer všade v Európe, a podstatné zmeny sa konali vo vývoji spoločnosti, všestranný pripravil ofenzívu novej éry. To bolo vyjadrené v sociálnej a propagačnej sfére, politickom živote, pri rozširovaní obzorov súčasníkov - geografické, vedecké, umelecké, umelecké, v prekonávaní duchovnej diktatúry Cirkvi, v raste humanizmu, rast seba-vedomia významného osoba. S osobitným jasom, známkami nového sveta sveta a založil sa v umeleckej práci, v translačnom pohybe rôznych umení, pre ktoré bola "revolúcia mysle" mimoriadne dôležitá, čo spôsobilo renesanciu.

Niet pochýb o tom, že humanizmus vo svojom "oživení" porozumenia vylial obrovské čerstvé sily v umení svojho času, inšpirovaných umelcov pri hľadaní nových tém, z veľkej časti určil povahu obrázkov a obsah ich diel. Pre hudobné umenie humanizmus znamenalo predovšetkým prehĺbenie v zmysle človeka, rozpoznal ich novou estetickou hodnotou. To prispelo k identifikácii a implementácii najsilnejších vlastností hudobnej špecifickosti.

Pre celú éru, vo všeobecnosti, zrejmá prevaha vokálnych žánrov, najmä vokálnej polyfónie. Len veľmi pomaly, postupne inštrumentálna hudba získava nejakú nezávislosť, priama závislosť vokálnych foriem a z domácich zdrojov (tanec, piesňa) sa prekonajú len o niečo neskôr. Veľké hudobné žánre zostávajú spojené s verbálnym textom.

Veľká cesta hudobného umenia, cestovala z XIV do konca XVI storočia, bola v žiadnom prípade jednoduché a jednoduché, ako aj všetka duchovná kultúra oživenia sa nevyskytla len a len na vzostupnú priamku. V hudobnom umení, ako v susedných oblastiach, tam bola ich "gotická čiara" a ich, udržateľný a reťazec, dedičstvo stredoveku.

Hudobné umenie západoeurópskych krajín, hudobného umenia západoeurópskych krajín, sa priblížilo k rôznorodému talianskemu, Holandsku, francúzštine, nemeckej, španielčine, angličtine a ďalších kreatívnych školách a zároveň jasne vyslovili všeobecné trendy. Klasický prísny štýl bol už vytvorený, druh "harmonizácie" polyfónie bola a pohyb na písanie homofónu sa zvýšilo, zvýšila úlohu tvorivej individuality umelca, hodnoty hudby života a jej vplyv na Profesionálne umenie vysokej úrovne, obrazne obohatených a individualizovaných sekulárnych hudobných žánrov (najmä taliansky madrigal), mladá inštrumentálna hudba sa priblížila k prahovej hodnote nezávislosti. Všetky tieto XVII storočia priamo vnímané z XVI - ako dedičstvo renesancie.

Ars Nova v Taliansku. Francesco Landini

Talianska hudobná umenie XIV storočia (Kreteno) produkuje vo všeobecnosti úžasný dojem čerstvosti, ako keby ste nominovali nový, len nový štýl. Hudba ARS NOVA v Taliansku je len atraktívna a silná v jej čisto talianskej prírode a jej rozdiely z francúzskeho umenia v rovnakom čase. ARS NOVA v Taliansku - už Zarya Renesancia, jej významná prognóza. Centrum tvorivých aktivít talianskych zástupcov Ars Nova nebola náhodou, že Florencia bola, ktorej význam bol ovplyvnený primárnymi a pre novú literatúru humanistického smeru, a - do veľkej miery - pre vizuálne umenie.

Obdobie ARS NOVA pokrýva XIV storočia od asi 20 do 80. rokov a označil s pružným originálom Grounding Skulárnej hudobnej kreativity v Taliansku. Pre talianske Ars Nova, je charakteristická nesporná prevaha svetských esejí o duchovnej. Vo väčšine prípadov, to sú vzorky hudobných textov alebo gázov.

V strede pohybu Ars Nova, postava Francesco Landini, bohato a všestranný nadaný umelec, ktorý dosiahol najsilnejší dojem na pokročilých súčasných súčasných.

Landini sa narodil vo Fyzole, v blízkosti Florencie, v rodine maliara. Po Psrenine v detstve je OSEPLEN navždy. Podľa Villanami sa čoskoro začal robiť hudbu (prvý spievať, a potom hrať struny a orgán). Jeho hudobný vývoj išiel s nádhernou rýchlosťou a ohromil ostatných. Prekročil návrh mnohých nástrojov, vylepšil a vymyslel nové vzorky. V priebehu rokov Francesco Landini prekonal všetkých moderných talianskych hudobníkov.

Zvlášť oslavoval svoju hru na orgán, pre ktorú bol v prítomnosti Petrarcha korunovaný vavrívmi v Benátkach v roku 1364. Moderní výskumníci zahŕňajú jeho skoré diela do roku 1365-1370. V roku 1380, Glory Landini ako skladateľa už zatištila úspechy všetkých svojich talianskych súčasníkov. Landini zomrel vo Florencii a pochoval sa v kostole San Lorenzo; Na jeho náhrobnom kachle označil dátum: 2. septembra 1397

V súčasnosti je známa 154 kompozícií Landini. Ballads prevládajú medzi nimi.

Kreativita Landini, v podstate dokončí obdobie Ars Nova Taliansko. Niet pochýb o tom, že celková úroveň umeleckého umenia a kvality Landini neumožňuje, aby sa považoval za provinčné, primitívne, čisté hedonistické.

V posledných dvoch desaťročiach, X1U storočia v hudobnom umení Talianska, existujú zmeny, ktoré najprv porušujú integritu pozície Ars Nova a potom vedie ku koncu jeho éry. Umenie HU Century patrí do nového historického obdobia.

Viac ako 1000 rokov vyvinul hudobné umenie stredoveku. Je to stresujúca a kontroverzná etapa vývoja hudobného myslenia - z monoment (one-s) až po najkomplexnejšiu polyfóniu. Mnohé európske hudobné nástroje sa zlepšili v Epoch stredoveku, žánre oboch cirkvi a sekulárnej hudby boli vytvorené, známe hudobné školy Európy boli vytvorené: Holandsko, francúzština, nemčina, taliančina, španielčina atď.

V stredoveku boli dva hlavné smery vo vývoji hudby: duchovná hudba a sekulárne, zábavné. V rovnakej dobe, sekulárna hudba verila k náboženstvu, bola považovaná za "Dialish National".

Hudba bola jedným z nástrojov náboženstva, "subwoiloed" znamená, že slúžil gólom Cirkvi, ako aj jedného z presných vedy. Hudba bola umiestnená spolu s matematikou, rétorickou, logikou, geometriou, astronómiou a gramatikou. Cirkev vyvinula speváci a skladateľské školy so zameraním na numerickú hudobnú estetiku (pre vedcov tejto éry, hudba bola projekciou čísla na zdravej veci). To bol vplyv neskorého Helénistu, myšlienky Pythagora a Platónu. S týmto prístupom hudba nemala nezávislú hodnotu, bola to alegória vyššej, božskej hudby.

Takže hudba bola rozdelená na 3 typy:

• Svetová hudba je hudobné guľôčky, planéty. Podľa hudobnej a numerickej estetiky stredoveku, každá planéta slnečnej sústavy bola obdaná svojím zvukom, tónom a pohyb planét vytvoril nebeskú hudbu. Okrem planét boli ročné obdobia obdačané jeho tónom.
• Ľudská hudba - Každý orgán, časť tela, duša osoby bola obdamenaná svojím zvukom, ktoré boli v harmonickej konzácii.
• Inštrumentálna hudba - umenie hracích nástrojov, hudby pre obálku, nižší typ hierarchie.

Duchovná hudba bola vokálna, zborová a sekulárne - inštrumentálne vokálne. Inštrumentálna hudba bola považovaná za svetlo, frivorózna, a hudobné teoretiky tejto epochu to vnímali vážne. Hoci minstrel remeslo vyžadovalo hudobníkov veľkých schopností.

Prechodné obdobie od stredoveku do éry nového času v Európe, ktorá trvala takmer dve a pol storočia. Počas tohto obdobia došlo k významným zmenám v mnohých oblastiach života; Stormy prosperujúce vedy a umenie. Obdobie oživenia je rozdelené do mnohých zložiek a fázy vývoja. Rôzne povery sú tiež spojené s ním, zakorenené tak pevne, že aj dnes existujú značné úsilie na ich vyvrátenie.

• Prvá a pravdepodobne hlavná mylná predstava sa má zvážiť (ako mnohí z ideológov renesancie) oživenie oživenia, vzkriesenie kultúry a civilizácie, ktorá prišla po dlhom období barbarského "stredného veku" , ponurý čas, obdobie rozdielov vo vývoji kultúry. Táto predsudka je založená na úplnej nevedomosti stredoveku a úzke spojenie medzi ňou a oživením; Ako príklad bude dostatok dvoch úplne odlišných oblastí - Poézia a ekonomický život. Dante žil v XIII storočia, t.j. V Climaxe stredoveku, Petrárka - v XIV. Pokiaľ ide o ekonomický život, jeho autentická renesancia tiež spadá na XIII storočia, čas rýchleho rozvoja obchodu a bankovníctva. Hovorí sa, že sme povinní oživiť starých autorov, ale to je tiež poverená. Je známe, že počas tohto obdobia boli objavené len dva staroveké grécke rukopisy, zvyšok už boli na západe (hlavne vo Francúzsku), pretože návrat k staroveku spojenej so záujmom osobne a prírody, západná Európa prežila v XII a XIII storočia.
• Druhá povera je spojená s miešaním dvoch zložiek oživenia proti sebe navzájom, a to takzvaným humanizmu a novej prírodnej vedy. Humanizmus je nepriateľský k akejkoľvek logike, každý dôvod, akákoľvek prírodná veda, ktorú považuje za "mechanickú" prácu, nehodnotu kultúrneho človeka, ktorý je navrhnutý tak, aby bol spisovateľom, stúpačkou, politikom. Obrázok renesancie, ktorá kombinuje erasmu Rotterdam a Galilee v rovnakom čase, je mýtická a viera v určitom jednom zložení v ére oživenia obrazu sveta - nič iné ako pover.
• Tretí predsudok spočíva v chválení filozofiu renesančného veku ako "veľký" v porovnaní so scholasticou pred ním.

V skutočnosti, s výnimkou Nicholasu Kuzansky (vzdialená od Ducha renesancie) a Galilee (ktorý žil na renesancii, renesančný filozof, podľa spravodlivého súhlasu Kristencher, neboli ani dobré, ani zlé, neboli filozofmi všetko. Mnohí z nich boli vynikajúci spisovatelia, vedci, znalci starovekých textov, boli známe pre posmech a akútnej inteligencii, literárnej zručnosti. Ale nemali takmer žiadny vzťah k filozofii. Preto sú proti mysliteľom v stredoveku - čistá vodná povera.

• • Ďalšou mylnou predstave je zvážiť oživenie búrlivej revolúcie, úplnú medzeru s minulosťou. V skutočnosti, že v tomto období existujú hlboké zmeny, ale všetky sú organicky spojené s minulosťou, av každom prípade ich pôvod možno nájsť v stredoveku. Tieto zmeny majú v minulosti tak hlboké korene, že jeden z najväčších odborníkov na éru renesancie, mal každý dôvod, aby pomenoval túto éru "jesenného stredného veku".

Nakoniec, povery je názor, že ľudia, ktorí žili v ére renesancie, aspoň väčšinu z nich, v duchu svojich protestantov, monistov, ateistov alebo racionalistov. V skutočnosti, prevažná väčšina dobre známych predstaviteľov renesancie a v oblasti filozofie takmer všetko, z Leonardo a Ficino do Galilean a Campenija, boli katolíci, frekvenčne priaznivci a obrancov34 katolícka viera. Takže Martilyo Ficino v 40. roku života vzal kresťanskú vieru a vytvorila katolícku apologetiku nového času.

Hudobný teoretik stredoveku Guido Aretinsky (koniec 15. storočia) poskytuje nasledujúcu definíciu hudby:

"Hudba je pohyb hlasových zvukov."

V tejto definícii stredoveký hudobný teoretik vyjadril postoj k hudbe celej európskej hudobnej kultúry tejto éry.

Hudobné žánre kostola a sekulárnej hudby.

Zdrojom duchovnej hudby stredoveku bol kláštorný prostredie. Správy boli uväznení v speváckych školách na vypočutie a distribuované v cirkevnom prostredí. S ohľadom na vzhľad veľkého rozmanitého, katolícka cirkev sa rozhodla kanonizovať a regulovať spevy odrážajúce jednotu kresťanskej doktríny.

Zdá sa teda, že zborový zbor, ktorý sa stal personifikáciou cirkevnej hudobnej tradície. Je založený na iných žánroch vytvorených špeciálne pre určité prázdniny, uctievanie.

Duchovná hudba stredoveku je reprezentovaná nasledujúcimi žánrami: · Choral, Grigorian Carral - Jednorastý náboženský chorál na latinčine, jasne regulovaný, bol vykonaný zbor, niektoré časti - sólista

• • • Hmotnosť je hlavným uctievaním katolíckej cirkvi, pozostávajúcej z 5 udržateľných častí (Radarden) - I. Kyrie Eleison (Lord, PomeMui), II. Gloria (Glory), III. CREDO (veriť), IV. Sanctus (Svätý), V. Agnus dei (Baránka Boží).
    • Liturgia, liturgická dráma - veľkonočné alebo vianočné uctievanie, kde gregorian Choras sa striedali s nekanonizovaným chodníkom melódiami, liturgie boli vykonané zborom, strana postavy (Mária, evanjelista) - sólisti, niekedy nejaký druh kostýmov
    • Tajomstvo - liturgická dráma s podrobným štádiom akcie, kostýmy
    • Rondel (Rondo, RU) je multi-hlasový žáner zrelého a neskorého stredoveku, spoliehal sa na melódiu autora (na rozdiel od kanonizovanej cholácie), ktorá bola vykonaná v improvizačnom spôsobe sólistov, ktorí sa pripoja k zmene (začiatkom kánonového formulára)
    • Proprum - Časť žánrovej hmoty, ktorá sa líši v závislosti od kalendára cirkev (na rozdiel od konštantnej časti hmotnosti - Radária)
    • Antifone - najstarší žáner hudby zborovej cirkvi založený na striedavých stranách dvoma korálnymi skupinami

Vzorky kostola hudby:

1) Kyrie Eleyson

2) Kometae Pashali

Sekulárna hudba stredoveku bola väčšinou hudbou strašných hudobníkov a rozlišovala sa slobodou, individualizovanou a emocionálnou. Svetská hudba bola tiež súčasťou dvorného, \u200b\u200brytierskej kultúry feudálneho. Vzhľadom k tomu, že kód predpísaný rytier z nádherných mravov, štedrosti, štedrosti, povinností slúžiť ako krásna dáma, tieto strany nemohli nájsť svoju reflexiu v piesňach Troubadur a Minnesinger.

Vykonali sekulárnu hudbu Mimes, Jugglers, Trumphers alebo potrubia, Minstrels (vo Francúzsku), Minnesinger, Splielmen (v nemeckých krajinách), moľnostiach (v Španielsku), omrvinky (v Rusku). Títo umelci museli byť schopní nielen spievať, hrať a tanec, ale aj aby sme mohli ukázať cirkusové predstavenia, triky, divadelné scény a mali by byť inými spôsobmi pobaviť verejnosť.
Vzhľadom k tomu, že hudba bola jedným z vied a vyučovala sa na univerzitách, feudálne a ušľachtilé osoby, ktoré dostali vzdelanie, by mohli aplikovať svoje vedomosti a umenie.
Tak, hudba vyvinutá na súdnom médiu. Na rozdiel od kresťanského ascetizmu, rytierska hudba napadla zmyselnú lásku a ideál vynikajúcej dámy. Medzi šľachticou, ako boli známe hudobníci - Guyom - VII, počet poitiers, Duke Aquitania, Jean Briensky - Kráľ Jeruzalem, Pierre Moklar - Duke z Brittany, Tibo Champagne - King Navarre.

Hlavné vlastnosti a vlastnosti stredoveku:

• • • spolieha na folklór, nie je vykonávaný na latinčine, ale v natívnych jazykoch dialekty,
    • medzi zápisom zatúlaných umelcov sa nepoužíva, hudba je orálna tradícia (neskôr v súdnom prostredí, hudobné písanie sa rozvíja)
    • hlavnou témou je obraz osoby v celom rozmanitom svojom pozemskom živote, idealizovaná zmyselná láska
    • jednosmerné - ako spôsob vyjadrovania jednotlivých pocitov v básňach a forme piesne
    • vokálna a inštrumentálna realizácia, úloha nástrojov nie je veľmi vysoká, inštrumentálne bolo najmä vstup, medziprodukty a kódy
    • melody bola rôznorodá, ale rytmické rytmics v rovnakom čase - kanonizované, "vplyv cirkevnej hudby, rytmových odrôd (rytmických režimov), bol len 6 a každý z nich mal prísne tvarovaný obsah.

Trumpety, Trubudras a Minnesingers, hrajú trubkovú rytiersku hudbu, vytvorili svoje originálne žánre:

• • • "Weavky" a "môžu" piesne
    • Rondo - forma založená na opakujúcom sa opaľovaniu
    • Balada - Textská pieseň
    • VIRLAEL - Starofronzuz básne s trojstrannou Stanza (tretí riadok je skrátený), ten istý rým a s chorusom
    • Heroic EPOS ("Song of Roland", "pieseň Nibelungu")
    • Crusaders Songss (Palestine Songs)
    • Kanzona (v Minnesinger bola volaná - Alba) - Láska, lyritánia

Vďaka rozvoju mestskej kultúry v stároch X - XI. Skulárne umenie sa stalo aktívnejšie. Sledovanie hudobníkov sa čoraz viac zvolia štýl usadzovania, obývaných celých mestských blokov.

Zaujímavé je, že straší hudobníci XII - XIII storočia. Návrat do duchovnej témy. Prechod z latiny do miestnych jazykov a enormná popularita týchto interpretov im umožnila zúčastniť sa duchovných myšlienok v katedráloch Štrasburgu, Rouen, Reims. Cambone. V priebehu času, niektoré z putujúcich hudobníkov dostali právo organizovať výkony v hradoch šľachty a na nádvorí Francúzska, Anglicka, Sicília a ďalších krajín.

Podľa XII - XIII storočia, unikli mnísi, putujúcou školám sa objavujú medzi túlavými hudobníkmi a nižšími vrstvami duchovenstva - vagnant a Goliada.

Usporiadaný hudobníci forma v stredovekých mestách Celé hudobné obchody - "Brotherhood of St. Julien" (Paríž, 1321), "Brotherstvo sv. Mikuláša" (Viedeň, 1288). Cieľom týchto združení boli ochrana práv hudobníkov, zachovanie a prenos profesionálnych tradícií.

V XIII - XVI stáročia. Vytvárajú sa nové žánre, ktoré sa ďalej vyvíjajú už v ARS NOVA EPOCH:

• • • Motety (z Franz. - "Word") - Multi-Hlasový žáner, vyznačujúci sa melodickým ošetrovateľstvom hlasov, ktoré intolerovali rôzne texty v rovnakom čase, niekedy aj v rôznych jazykoch, by mohli byť sekulárny obsah a duchovný
    • Madrigal (z Ital. - "Pieseň v rodnom jazyku", t.j. taliansky) - Lyric, Pastoračné piesne,
    • Kachche (z Ital. - "Lovecké") - Vokálna hra na tému lovu.

Sekulárna hudba troubadur a profesionálnych skladateľov.

Ďalšie informácie:

V našom informačnom veku, storočí vysokých technológií, často zabúdame na irreverzívne duchovné hodnoty. Jednou z týchto hodnôt je klasická hudba - duchovné dedičstvo našich predkov. Čo je to klasická hudba, prečo je potrebná moderná osoba? Prečo mnohí veria, že je to veľmi nudné? Pokúsme sa zistiť tieto ťažké otázky. Môžete počuť názor, že klasická hudba je údajne tá, ktorá bola napísaná už dávno. Nie je to tak, pretože tento koncept znamená všetko najlepšie, čo bolo vytvorené vo svete hudby od existencie ľudskej civilizácie. Sonata Beethoven, vytvorený v XVIII storočia a Romance Sviridova, pridané pred 40 rokmi, - všetko je to klasika! Hlavnou vecou je, že táto hudba prešla skúškou času. A v čase Beethovenu a teraz sú delins od umenia, ktoré vytvára základný hudobný produkt. Tento produkt je veľmi rýchlo pokazený a skutočné umenie sa každý deň stáva krajším a krajším.

Vzhľad poznámok

Písanie, veľký vynález ľudstva, umožnil hromadiť a prenášať myšlienky, myšlienky a dojmy na nadchádzajúce generácie. Ďalší vynález, nie menej veľký, hudobný záznam, nechá sa prenášať zvuky na potomkov, hudbu. Na hudbu v európskej hudbe boli použité špeciálne príznaky - NEMA.

Vynálezcom moderného systému nádrže je benediktínsky mních z Guido Aretinsky (GUIDO D'ISSET) (990-1050). Arezzo je malé mesto v Toskánsku, neďaleko Florencie. V miestnom kláštore, GVIDO brat učil spievať realizáciu cirkevných chovateľov. Nebolo to ľahké a dlhé. Všetky vedomosti a zručnosti boli prenášané ústne v priamom komunikácii. Singeing pod vedením učiteľa az jeho hlavy sa dôsledne naučil každú hymnu a každé spievanie katolíckej hmoty. Preto plné "kurz" trvalo asi 10 rokov.

Guido Arettinsky začal označiť zvuky poznámok (z latinského slova nota - označenie). Poznámky, tienené štvorce, boli umiestnené na plechovke, pozostávajúce zo štyroch paralelných línií. Teraz tieto riadky sú päť a poznámky sú zobrazené kruhmi, ale zásada zavedená Guido, zostala nezmenená. Vyššie poznámky sú znázornené na vyššej línii. Poznámky sedem, tvoria oktávu.

Každý zo siedmich poznámok o oktáve Gwido dal meno: UT, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Toto sú prvé slabiky hymnus sv. John. Každý riadok tejto hymny prichádza na tón nad predchádzajúcim.

Notes ďalšej oktávy sa nazývajú to isté, ale prichádzajú do vyššieho alebo dolného hlasu. Pri pohybe z jednej oktávy na inú frekvenciu zvuku, ktorá je indikovaná rovnakou poznámkou, sa zvyšuje alebo znižuje dvakrát. Napríklad hudobné nástroje nastaviť poznámku z prvého oktávu. Táto poznámka zodpovedá frekvencii 440 Hz. Ďalej, druhý, oktáva bude zodpovedať frekvencii 880 Hz.

Názvy všetkých poznámok, okrem najprv skončiť na samohlásky zvuk, je vhodné spievať. Slog UT - zatvorené a mizne to nie je možné. Preto názov prvého zárezu oktávy, UT, v šestnástom storočí nahradil (s najväčšou pravdepodobnosťou, z Latinského slova Dominus - Pán). Posledná poznámka o oktáve, SI je zníženie dvoch slov posledného riadku Hymnu, Sancátu Ioannes. V krajinách anglického jazyka sa názov "Si" nahradil "Ti", aby sa nezamieňali s písmenom C, ktoré sa používa aj v zázname o oznámení.

Intenus poznámky, Guido učil spevákov tohto druhu abecedy, a tiež ich učil spievať na poznámkach. To znamená, že v moderných hudobných školách sa nazýva Solfeggio. Teraz to stačilo napísať celé poznámky Mesa, a speváci mohli ponáhľať požadovanú melódiu. Zmizol potrebu naučiť každú z každej piesne osobne. Guido mal len kontrolovať proces. Tréningový čas Pevichi sa päťkrát znížil. Namiesto desiatich rokov - dva roky.!

Pamätná doska v Arzzo na Ricassolley Street na dom, v ktorom sa narodil Guido. Na to zobrazené štvorcové poznámky.

Musím povedať, že Monk Guido z Arzzo nebol prvý, kto prišiel s písaním hudby s pomocou značiek. Pred ním, v západnej Európe, už tam bol systém nonime (z gréckeho slova "pneumo" - dýchanie), odznaky pripevnené nad textom žalmov, aby určiť nárast alebo zníženie tónu piesne. V Rusku, na ten istý účel, použili svoje vlastné "háčiky" alebo "bannery".

Námestie Poznámky Guido Aretinsky, ktoré sa nachádzajú na štyroch riadkoch MOT, ukázalo sa, že je to najjednoduchší a najpohodlnejší hudobný záznamový systém. Vďaka jej dotykové triedy sa šíri po celom svete. Hudba opustila hranice cirkvi a odišiel na paláce Vladkyk a ušľachtilého, a potom v divadlách, koncertných sálach av mestských štvorcoch, stávajú sa všeobecným dedičstvom.

Aký je spôsob.

Lada je jedným z centrálnych podmienok v teórii hudby. Pochopenie toho, ako sú postavené, a zrušené využívanie ich používania sa otvára neobmedzené príležitosti pred hudobníkom. A často vysvetľuje presne, ako je zaujímavý prechod vytvorený v konkrétnej zložení, je to nemožné - ak osoba nechápe, čo je to spôsob. Existuje však snag: termín "spôsobom" sami hudobníci sami používajú, často, čo to znamená vôbec to isté. Prečo je to? A čo je to všeobecne? Zmätok sa ukázal, pretože toto slovo v rôznych epochoch bol investovaný veľmi odlišný význam.

Neuvedomujeme si, ako je naše vnímanie vychované a zviazané v klasickej hudbe. (Zatiaľ čo koncepcia "modernej hudby" je odchodom z klasických zásad). ERA klasicizmu je veľká historická vrstva v ľudskom vnímaní sveta. Po stredoveku ľudia objavujú starožitné umenie a fascinujú ich. Akýkoľvek produkt klasicizmu je postavený na prísnych kanonoch, čím sa nachádzajú miernosť a logalita samotného vesmíru. Klasicizmus vytvoril štrukturálnu istotu - jasnú hierarchiu najvyššieho a nižšieho, hlavného a sekundárneho, centrálneho a podriadeného. Z tohto dôvodu, počnúc Vienna Classics a romantickou hudbou, myslíme si, že v systéme - "hlavné menšie". Čo je to a ako ovplyvňuje naše vnímanie?

Major a menšie sú tonálne pražce. Tonálny chlapec je špecifický vzťahový systém medzi tónmi. Čo to znamená? Čo je tón? Pokúsme sa zistiť. Predpokladajme, že ste klavír pred vami: Pozrite sa na klávesnicu: Pozrite sa na pre-MI-FA-FA-SOL-LA-SI, 7 bielych kľúčov a medzi nimi sú ďalších 5 čiernych, len 12. Vzdialenosť medzi každým z nich sú poltón. Medzi susednými čiernymi a bielymi - vždy poltón. Medzi susedným bielym tónom (existujú výnimky z MI-FA a SI-up je poltón).

Akýkoľvek súbor tónov a poltón je zdrojom. V ére klasicizmu ho začala stavať s prísnou podriadenosťou všetkých tónov Tonic - hlavného tónu. Je to hlavným alebo ťažbou. Všetka tónová hudba (celá klasika) je založená na vzťahu medzi hlavnými a podriadenými konzervami. Pre povesti sme intuitívne rozlišujeme major a menší, ako sú maľované - "Radostné" alebo "smutné". Variabilný spôsob je, keď sú hlavné a menšie funkcie súčasne v jednej práci. Ale princíp je bežný - tonal.

Tento princíp však nie je jediný možný. Pred ňou klasicizmu, keď sa všetci konečne nariadili v štíhlym systémom tonalít, muzikálne myslenie bolo iné. Iónsky, Dorian, Frigian, Lidy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Toto je oktáves LADA GREKE. A tam boli cirkevné pražky grigorskej hudby. To všetko je modálne Lada. Vytvorili hudbu v staroveku, stredoveku, Modalna Východná hudobná tradícia (napríklad indické handry alebo arabské MacMS). V hudbe Európy prevládala REVIVÁLNA ERA.

Aký je hlavný rozdiel od nášho zvyčajného tonálneho vzhľadu? V tonálnych šialení sa striktne rozlišuje funkcie hlavnej konzonancie a akordy a v modálnej hudbe sú oveľa rozmazaní. Pre modálne LADA je samotný zvukový zvuk dôležitý - ako významy a farby, že to môže priniesť do hudby. Preto sme ľahko na Rumor rozlišovať indickú hudbu zo stredovekých zborov - podľa určitých zhody a hudobných ťahov.

Zdá sa, že do 20. storočia sa skladatelia vyskúšali všetky možnosti zvuku v rámci tonálnej hudby. "Nudím, démon!", "Povedali a hľadali nové farby sa obrátili na starý - modálny obratu a pohyb. Takže tam bola nová modalita. V modernej hudbe sa objavili nové pražce - napríklad Blues. Okrem toho došlo ku špeciálnemu žánru - modálne jazz. Napríklad míle Davis, napríklad nazývaná modálna hudba "odchýlka od normálnej gama zo siedmich poznámok, kde každá poznámka nie je v zameraní." A on povedal, že "ísť v tomto smere, idete do nekonečna." Vlenkovo \u200b\u200bje, že tonálne a modálne princípy sa navzájom nevylučujú. V jednej hre, ich príznaky môžu byť zmiešané. Modalita je ako iná vrstva, ktorá je prekrytá na obvyklých hlavných / menších. A použitie rôznych modálnych guľôčok mení farbu hudby: Napríklad obraty Frigian Bada sú grilované, pretože jeho zvukové koberce tvoria hlavne znížené kroky. Poznať takú zeleninu, môžete dosiahnuť zaujímavý zvuk, ak píšete hudbu.

Farba, nálada, postava - to sú príznaky Lady, ktoré počujeme, ale často si to neuvedomujú. Často sa modálne obraty držia na piesne - pretože sú nezvyčajné. Rumor, vychovaný na klasickej hudbe, vytiahne tento odchod z každodenného života. Všetko a oveľa viac sa otvára, keď rozumiete jazyku hudby.

Hudba epochy stredoveku - rozvojové obdobiehudobná kultúraTam je časový intervalV do reklamy XIV Century. .
V ére stredoveku v Európe Je tu hudobná kultúra nového typu -feudálny Zjednotenie profesionálneho umenia, amatérskeho mutizácie afolklór. Od kostola dominuje vo všetkých oblastiach duchovného života, základom profesionálneho hudobného umenia je činnosť hudobníkov vchrámy a kláštory . Sekulárne profesionálne umenie bolo prezentované na prvých len spevákoch, ktorí vytvárajú a vykonávajú epické legendy na nádvorí, v domoch za to, že medzi bojovníkmi atď. (bards, Scaldy a atď.). Postupom času sa vyvíjajú amatérske a poloprofesionálne formy musitalizácie.knights: vo Francúzsku - umenie Trubadurova a TRIVERS (Adam de la, XIII Century), v Nemecku - Minnesinger ( Volfrám von eschenbach, Walter Background Der Fogelweed, XII - XIII storočia ), ako aj mestskéremeselníkov. Vo feudálnych hradoch a v mestách sa pestuje všetky druhy pôrodu,Žánre a formy piesní (EPIC, "Dawn", Rondo, Le, Vell, Ballads, Recenzie, pozemky atď.).
V životehudobné nástroje, vrátane tých, ktorí prichádzajúVýchod (viola, lute atď.), Enterbles vznikajú (nestabilné kompozície). Folklórne kvet v roľnícke médium. "Profesionáli ľudí" fungujú aj:Športovci , Nosenie syntetických umelcov (juhgles, Mimes, Minstrels, Spiesovia, zvitky ). Hudba opakuje hlavne aplikované a duchovné a praktické funkcie. Kreativita vykonáva v jednotevýkon (zvyčajne v jednej osobe).
A v obsahu hudby a vo svojej forme dominujekolektívnosť ; \\ T Individuálny štart podlieha všeobecnému, bez toho, aby sa postavil z neho (hudobník majster je najlepším zástupcomkomunity ). Vo všetkých vládnucim prísnymtradičný a kanonizmus . Konsolidácia, uchovávanie a distribúciatradície a štandardy.
Postupne, aj keď pomaly, obsah hudby je obohatený, juŽánre, formy , Výrazné prostriedky. VZápadná Európa s vi - VII stáročia . Existuje striktne regulovaný systém.jeden vlasy (monodický ) Cirkevná hudba založená nadiatonické Ladins ( grigorian Singing), zjednotenie recitácie (žalmody) a spevu (hymny ). Na prelome 1. a 2. tisícročia sa narodípolyfónia . Vytvorené novévOCAL (CHORAL ) a hlasový inštrumentálny (zbor aorganové) Žánre: Orgány, Mott, Konduk, potom Mesiaca. Vo Francúzsku v XII storočia Prvý je vytvorenýcomposer (Creative) School Katedrála parížskej Matky Božieho. (Leonin, Peroths). Na prelome renesancie (Ars Nova štýl vo Francúzsku a Taliansku, XIV storočia) v profesionálna hudba Single-Glazier je nahradenýpolyfónia Hudba začína byť zbavená čisto praktických funkcií (údržba kostolaobrad ), zvyšuje hodnotusekulárny Žánre, vrátane piesní (Gille de Masho).

Oživenie.

Hudba v období storočia XV-XVII.
V stredoveku bola hudba výsadou Cirkvi, takže väčšina hudobných diel bola posvätná, boli založené na cirkevných choráoch (Gregorian Choral), ktoré boli súčasťou náboženstva od samého začiatku kresťanstva. Na začiatku XVII storočia, kultové záznamy, s priamou účasťou pápeža Gregora I, boli konečne kanonizované. Gregorian Khoral bol vykonaný profesionálnymi spevákmi. Po vývoja cirkevnej hudby zostal Grigorian Choral tematickému základu polyfonických náboženských prác (neporiadok, Motytov atď.).

Stredovek nasledoval renesanciu, ktorá bola pre hudobníkov ziskov ERA, inovácií a výskumu, éry oživenia všetkých vrstiev kultúrneho a vedeckého prejavu života z hudby a maľby na astronómiu a matematiku.
Hoci väčšinou hudba zostala náboženská, ale oslabenie kontroly cirkvi nad spoločnosťou otvorila skladateľov a interpretov s veľkou slobodou pri prejave ich talentov.
S vynálezom tlačiarne bolo možné tlačiť a distribuovať poznámky, odteraz a začne to, čo nazývame klasickú hudbu.
Počas tohto obdobia sa objavili nové hudobné nástroje. Najobľúbenejšie nástroje, na ktorých boli hrací milenci hudby jednoduché a jednoducho, bez toho, aby si vyžadujú špeciálne zručnosti.
Bolo to v tomto čase, že sa viola objavila - predchodca husle. Vďaka chlapcovi (drevené pruhy cez griff) to bolo jednoduché hrať a jej zvuk bol tichý, jemný a dobre znel v malých sálach.
Brass nástroje boli tiež populárne - bloková flauta, flauta a roh. Najkomplexnejšia hudba bola napísaná pre novovytvorený klaster, stromy (anglický Harpsichin, vyznačujúci sa malými veľkosťami) a orgánom. Zároveň hudobníci nezabudli uľahčiť hudbu, ktorá nevyžadovala vysoké schopnosti. Zároveň boli zmeny v hudobnom liste: Taliansky mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný mobilný telefón lisers prišiel nahradiť ťažké drevené potlačené bloky. Publikované hudobné práce rýchlo si kúpili, viac a viac ľudí sa začalo pripojiť k hudbe.
Koniec éry oživenia bol poznačený najdôležitejšou udalosťou v hudobnej histórii - narodenia opery. Vo Florencii sa zhromaždila skupina humanistov, hudobníkov, básnikov pod záštitou ich vodcu Grafu Jovani de Bardi (1534 - 1612). Skupina sa nazývala "kamera", jej hlavnými členmi boli Julio Kachchini, Pietro Srokzzi, Vincenzo Galilee (otec Astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii a Ottavio Rhinucchini v mladých rokoch.
Prvá dokumentovaná zostava skupiny sa uskutočnila v roku 1573 a najaktívnejšie roky práce "Florentine Camerata "Bolo 1577-1582. Verili, že hudba bola" rozmaznaná "a snažila sa vrátiť do formy a štýlu starovekého Grécka, veriť, že hudobné umenie by sa mohlo zlepšiť a podľa toho by spoločnosť zlepšila. Kamera kritizovala existujúcu hudbu Na nadmerné používanie polyfólia na úkor čreva. Text a strata poetickej zložky práce tiež navrhli vytvoriť nový hudobný štýl, v ktorom bol text v monodickom štýle sprevádzaný inštrumentálnou hudbou. Ich experimenty viedli k vytvoreniu novej vokálnej hudobnej formy - creattee, ktorý používa Emilio de Cavalieri, následne priamo súvisí s rozvojom opery.
Prvý úradne uznanýopera Zodpovedajúce moderným štandardom, "Daphne" opery (Daphne) bol prvýkrát prezentovaný v roku 1598 autormi "Daphne" boli Jacopo Pier a Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhinucchini. Táto opera nie je zachovaná. Prvá prežívajúca opera je "Eurydick" (1600) tých istých autorov - Jacopo na. A Ottavio Rhinucchini. Táto kreatívna únia tiež vytvorila veľa diel, z ktorých väčšina sa stratí.

Hudba skorého baroka (1600-1654)

Podmienečný bod prechodu medzi barokovým a renesančným érom možno považovať za vytvorenie talianskeho skladateľa Claudio Monteverdi (1567-1643) svojho regatívneho štýlu a konzistentného rozvoja talianskej opery. Začiatok výkonov opery v Ríme a najmä v Benátkach znamenalo uznanie a distribúciu nového žánru v krajine. To všetko bolo len súčasťou rozsiahlejšieho procesu, ktorý zachytil všetky umenia, a najmä jasne prejavili v architektúre a písaní obrazov.
Renesančný skladatelia venovali pozornosť vypracovaniu každej časti hudobnej práce, takmer bez toho, aby sa venovala pozornosť porovnaniu týchto častí. Samostatne by každá časť mohla znieť vynikajúca, ale harmonický výsledok pridávania bol skôr v prípade prípadu ako vzory. Vzhľad zisteného basu ukázal významnú zmenu v hudobnom myslení - konkrétne skutočnosť, že harmónia, ktorá je "pridaním častí na jeden celok", rovnako dôležité ako melodické časti (polyfónia) sami. Viac a viac polyfónia a harmónie vyzeral ako dve strany jednej myšlienky zloženia harmonickej hudby: pri písaní, harmonické sekvencie dostali rovnakú pozornosť ako tritony pri vytváraní disonancie. Harmonické myslenie existovalo aj v niektorých skladateľoch predchádzajúcej éry, napríklad Karlo Jesuualdo, ale v barokovej ére sa všeobecne akceptovalo.
Tieto časti prác, kde nie je možné jasne oddeliť modalitu z tonality, označil ako zmiešaný význam, alebo zmiešané menšie (neskôr pre tieto pojmy, predstavil výrazy "Monsal Major" a "Monsal Minor") . Z tabuľky je možné zistiť, ako tonálna harmónia už v ranom období barokom takmer vytesňuje harmóniu predchádzajúcej éry.
Taliansko sa stáva centrom nového štýlu. Pápežovanie, hoci zachytené bojom s reformáciou, ale napriek tomu vlastniť obrovské peňažné zdroje, dopĺňané vojenskými kampaňami Habsburgov, hľadal možnosť šírenia katolíckej viery rozšírením kultúrneho vplyvu. Veľkoleposť, veľkosť a zložitosť architektúry, vizuálneho umenia a hudby, katolicizmu, ako to bolo, argumentovali s asketickým protestantizmom. Bohaté talianske republiky a princípy, tiež vykonali aktívnu konkurenciu v oblasti výtvarného umenia. Jedným z dôležitých centier hudobného umenia bolo Benátky, predtým v čase sekulárneho a za cirkevnej záštitou.
Významná postava včasného barokového obdobia, ktorej pozícia bola na strane katolicizmu, proti rastúcim ideologickým, kultúrnym a verejným vplyvom protestantizmu, bol Giovanni Gabrieli. Jeho práca patrí do štýlu "vysokého znovuzrodenia" (rozkvet na renesanciu). Niektoré z jeho inovácií v oblasti nástrojov (vymenovanie určitého nástroja pre svoje vlastné, konkrétne úlohy) však jasne ukazujú, že to bol jeden zo skladateľov, ktorí ovplyvnili vzhľad nového štýlu.
Jedným z požiadaviek uložených Cirkvou s prácou duchovnej hudby bolo, že texty v dieloch s vokálmi boli vyberané. Požadoval náklad z polyfónia na hudobné techniky, kde slová išli do popredia. Vokály sa stali komplikovanejšími, vitivat v porovnaní s sprievodom. Takže dostal vývoj homofónia.
Monteverd Claudio (1567-1643), taliansky skladateľ. Nič ho nenájdu ako expozícia vnútorného, \u200b\u200bduševného pokoja človeka v jeho dramatických konfliktoch a konfliktoch s vonkajším svetom. Monteverdi je skutočná primunitou konfliktovej drámy tragédia plánu. Je to hurikánový spevák ľudskej sprchy. Stále sa snažil o prirodzenú expresivilitu hudby. "Reč je človek - dáma harmónie a nie je to služobníkom."
"Orpheus" (1607) -Hudba opery sa sústreďuje na zverejnenie vnútorného sveta tragického hrdinu. Jeho strana je nezvyčajne mnohostranná, spája rôzne emocionálne a expresívne prúdy a žánrové línie. Nadšene sa objavuje jeho rodným lesom a pobreží alebo smúti stratu jeho euridky v nepokojných piesňach ľudového skladu.

Hudobná hudba Baroque (1654-1707)

Obdobie centralizácie najvyššej moci v Európe sa často nazýva absolutizmus. Absolutizmus dosiahol svoj apogee s francúzskym kráľom Louisom XIV. Pre celú Európu bola Louis Louis úlohou. Vrátane hudby vykonanej na súde. Zvýšená dostupnosť hudobných nástrojov (najmä súvisí s klávesnicou) poskytla impulz rozvoju komornej hudby.
Zrelé baroky sa líšia od skorého rozsiahleho šírenia nového štýlu a posilneného oddelenia hudobných foriem, najmä v operi. Rovnako ako v literatúre, schopnosť prúdiť tlač hudobných diel viedla k rozšíreniu publika; Na výmenu medzi centrami hudobnej kultúry.
Vynikajúci zástupca súdnych skladateľov dvore Louis XIV bol Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Už na 21 získal titul "Counful Composer of instrumentálnej hudby". Kreatívna práca lully od samého začiatku bola pevne spojená s divadlom. Po organizácii súdnej komornej hudby a písania "Airs de Cour" začal písať baletnú hudbu. Louis XIV sám tancoval v balety, ktoré boli potom obľúbenou zábavou združnej šľachty. LULLY bol vynikajúcim tanečníkom. Bol schopný zúčastniť sa na výrobe, tancovaní spolu s kráľom. Je známy svojou spoluprácou s Moliere, na hier, ktoré napísal hudbu. Ale hlavná vec v dielach LULLY stále písala operu. Prekvapivo vytvoril celý typ francúzskej opery; Takzvaná lyrická tragédia vo Francúzsku (FR. Tragédie Lyrique) a dosiahol nepochybnú tvorivú zrelosť v prvých rokoch svojej práce v Opera House. Ruled často používal kontrast medzi majestátnym zvukom orchestrálneho úseku a jednoduchými príjemcami a ariami. Hudobný jazyk útesu nie je veľmi komplikovaný, ale samozrejme, jasnosť harmónie, rytmickú energiu, jasnosť členstva v tvare, čistota textúry hovorí o víťazstve princípov homofónového myslenia. Jeho úspech bol vo veľkej miere uľahčený jeho schopnosť vybrať hudobníkov na orchester a jeho prácu s nimi (sám sám vykonal skúšky). Integrálnym prvkom jeho práce bola pozornosť na harmóniu a nástroj na riešenie.
V Anglicku bol zrelý baroke označený jasným génom Henry Pessesella (1659-1695). Zomrel mladého, vo veku 36 rokov, napísal veľký počet diel a počas svojho života sa stal široko známym. Purcell bol oboznámený s prácou Corelli a iných talianskych barokových skladateľov. Avšak, jeho patrónii a zákazníci boli ľudia inej odrody ako talianski a francúzsky svetský a cirkev vedieť, takže spisy Pörslla sú veľmi odlišné od talianskej školy. Purcell pracoval v širokom spektre žánrov; Od jednoduchých náboženských hymnus až po pochodovanie hudby, z hlasových esejí veľkého formátu na vytvorenú hudbu. Jeho katalóg má viac ako 800 diel. Purcell sa stal jedným z prvých skladateľov hudobnej klávesnice, ktorého vplyv sa vzťahuje na modernosť.
Na rozdiel od vyššie uvedených skladateľov Dietrich BuxTheHUD (1637-1707) nebola súdom skladateľom. Buxtehude pracoval organista, najprv v Helsingborgu (1657-1658), potom v Elsinor (1660-1668), a potom od roku 1668, v kostole sv. Mária v Lübeck. Získal publikáciu svojich diel, ale ich popravu a záštitu šľachty uprednostňovala esej hudby na cirkevných textoch a realizácii vlastnej organitnej práce. Bohužiaľ, nie všetky práce tohto skladateľa boli zachované. Hudba kefy stanice je do značnej miery postavená na stupnici myšlienok, bohatstva a slobody fantázie, tendenciu patetického, dramatizmu, niekoľkých oratických intonácií. Jeho kreativita mala silný vplyv na takýchto skladateľov ako I. S. Bach a Themen.

Hudba neskoro Baroque (1707-1760)

Presný riadok medzi zrelým a neskorým barokom je predmetom diskusie; Leží niekde medzi rokmi 1680 a 1720. V značnom stupni zložitosti jej odhodlania sa skutočnosť, že v rôznych krajinách štýlov bola nahradená nezrozumiteľnou; Inovácie, ktoré už boli prijaté pravidlom na jednom mieste v druhom mieste, boli čerstvé
Formuláre otvorené predchádzajúcim obdobím dosiahli zrelosť a veľkú variabilitu; Koncert, apartmán, Sonata, Confrato Grosso, Oratoria, Opera a Balet už nemali vyslovované národné funkcie. Univerzálne stanovené všeobecne uznávané schémy diel: opakovaný dvojfarebný (AABB), jednoduchá trojdielna (ABC) a Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Taliansky skladateľ, narodený v Benátkach. V roku 1703 prijal San katolíckyho kňaza. Je to v nich, zatiaľ čo stále vyvíjajú inštrumentálne žánre (barokové sonata a barokový koncert), Vivaldi a významne prispeli. Vivaldi sa skladá viac ako 500 koncertov. On tiež dal názvy programov niektoré z jeho práce, ako sú slávne "ročné obdobia".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Bola to jedna z popredných skladateľov klávesnice a výkonných umelcov svojho času. Ale možno najslávnejší súdny skladateľ sa stal Georg Friedrich Handel (1685-1759).Narodil sa v Nemecku, študoval v Taliansku už tri roky, ale v roku 1711 Londýn opustil, kde začal svoju brilantnú a komerčne úspešnú kariéru nezávislého skladateľa opery, plnenie objednávok pre šľachtu. Mať neúnavnú energiu, handle recykloval materiál iných skladateľov a neustále prepracoval svoje vlastné eseje. Napríklad je známy pre prepracovaný slávnymi reproduktormi "Mesiáš" toľkokrát, že teraz neexistuje žiadna verzia, ktorá môže byť nazývaná "autentická".
Po smrti bol uznaný ako popredný európsky skladateľ a bol študovaný hudobníkmi éry klasicizmu. Handel zmiešané v jeho hudbe bohaté tradície improvizácie a kontrapäde. Umenie hudobných šperkov dosiahlo veľmi vysokú úroveň vývoja vo svojich prácach. Cestoval vo všetkých Európe, aby študoval hudbu iných skladateľov, a preto mal veľmi širokú škálu datovania medzi skladateľmi iných štýlov.
Johann Sebastian Bach Narodil sa 21. marca 1685 v meste Eisenakh, Nemecko. Pre jeho život tvoril viac ako 1000 diel v rôznych žánroch, okrem opery. Ale počas jeho životnosti nedosiahol žiadny zmysluplný úspech. Mnohokrát sa pohybujú, Bach nahradil jednu nie príliš vysokú pozíciu pre ostatné: v Weimar, bol súdnym hudobníkom na Weimar Duke Johanna Ernst, potom sa stal správcom v kostole sv. Bonifacea v Arnstadte, po niekoľkých rokoch zaujala postavenie organizácie v kostole sv. Mussea v Mülhausen, kde pracoval len asi rok, po ktorom sa vrátil do Weimar, kde si vzal miesto súdneho organizácie a organizátora koncertov. V tejto pozícii sa oneskoril deväť rokov. V roku 1717 Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, najal Baha na pozíciu Kapelmeister a Bach začal žiť a pracovať v Koten. V roku 1723 sa Bach presunul do Lipsku, kde zostal až do jeho smrti v roku 1750. V posledných rokoch života, po smrti Bachu, jeho sláva, keď sa skladateľ začal klesať: jeho štýl bol považovaný za staromódny v porovnaní s prosperujúcim klasicizmom. Vedel ho viac a zapamätal si ako umelec, učiteľ a otec Bakhov junior, predovšetkým, v prvom rade Charles Philip Emmanuel, ktorých hudba bola slávna.
Iba realizácia "Matúš Tajsions" od Mendelson, 79 rokov po smrti I. S. Baha, oživil záujem o svoju prácu. Teraz I. S. Bach je jedným z najobľúbenejších skladateľov.
Klasicizmus
Klasicizmus - štýl a smer v odbore XVII - skoré XIX storočia.
Slovo sa to stalo z latinskej Classicus - príklady. Klasicizmus bol založený na odsúdení v inteligencii bytia, v skutočnosti, že ľudská povaha je harmonická. Jeho ideál klasiky bol videný v starožitnom umení, ktorý bol považovaný za najvyššiu formu dokonalosti.
V osemnástom storočí začína nová fáza vývoja sociálneho vedomia - éra osvietenia. Starý verejný poriadok je zničený; Myšlienky rešpektovania ľudskej dôstojnosti, slobody a šťastia majú mimoriadny význam; Osobnosť získava nezávislosť a zrelosť, využíva svoju myseľ a kritické myslenie. Nový životný štýl, na základe prirodzenosti a jednoduchosti, prichádza nahradiť ideály barokovej éry a slávnosti. Čas idealistickej pohľady na Jean-Jacques Rousseau, volanie späť do prírody, na prirodzenú cnosť a slobodu. Spolu s prírodou je starožitnosť idealizovaná, pretože sa verilo, že to bolo v čase staroveku ľuďom podarilo stelesniť všetky ľudské ambície. Starožitné umenie dostane názov klasického, je uznaný príkladným, najpravdivom, dokonalým, harmonickým a na rozdiel od umenia barokovej éry, sa považujú za jednoduché a zrozumiteľné. Centrum pozornosti spolu s ďalšími dôležitými aspektmi existuje vzdelanie, pozícia jednoduchých ľudí v sociálnej štruktúre, génius ako ľudský majetok.

Myseľ vládne v umení. Chcú zdôrazniť vysoké vymenovanie umenia, jeho verejnej a civilnú úlohu, francúzsky filozofický osvetlenie Denis Didro napísal: "Každá práca sochátov alebo maľby by mala vyjadriť akékoľvek veľké pravidlo života, by mal učiť."

Divadlo v rovnakom čase bolo učebnicou života a jeho život sám. Okrem toho, v divadle, akcia je vysoko objednaná, meraná; Je rozdelený na akty a scény, tie, ktoré sú zase, rozrezané na samostatných replikách znakov, vytváraním takejto ideálu umenia, ktorá je tak drahá 18. storočia, kde je všetko na svojom mieste a podlieha logickým zákonom.
Hudba klasicizmu je mimoriadne divadelná, zdá sa, že je skopírovaná umením divadla, imitovať ho.
Oddelenie klasickej sonáty a symfónie na veľkých častiach - časti, z ktorých každá z nich je veľa hudobných "udalostí", ako je rozdelenie výkonu na akciách a scénach.
V hudbe klasického storočia sa pozemok často rozumie, druh akcie, ktorý je nasadený pred poslucháčmi, ako aj akcia herca, ktorý sa rozmiestnil pred divákom.
Poslucháč zostáva len zaradiť predstavivosť a zistiť v "hudobnom oblečení" postáv klasickej komédie alebo tragédie.
Umenie divadla pomáha vysvetliť veľkú zmenu výkonu hudby, ktorá bola dosiahnutá v 18. storočí. Predtým, hlavné miesto, kde zaznula hudba, bola chrám: tam bol muž v ňom nižšie, v obrovskom priestore, kde hudba, akú by mu pomohla pozrieť sa na dole a venovať jeho myšlienky Bohu. Teraz, v 18. storočí, hudobné zvuky v šľachtickom salóne, v balnohrešnej sále ušľachtilého majetku alebo na námestí. Zdá sa, že poslucháč vzdelávania osvietenstva sa obráti s hudbou "na vás" a nezažije viac potešenie a plachosti, že ho inšpirovala, keď znelo v chráme.
Neexistuje silný, slávnostný zvuk orgánu, úloha zboru už bola znížená. Hudba klasického štýlu znie ľahko, v ňom je oveľa menej zvukov, ako keby bola "menej váži" ako náklad, viacvrstvová hudba z minulosti. Zvuk orgánu a zboru zmenil zvuk symfonického orchestra; Zvýšené Arias sa dostali do hudby so svetlom, rytmickým a tancom.
Vďaka nekonečnej viere v možnosti ľudskej mysle a silu vedomostí z 18. storočia začala zavolať stred mysle alebo veku vzdelávania.
Klasicizmus sa vyskytuje v 80. rokoch osemnásteho storočia. V roku 1781, Y. GAIDN vytvára niekoľko inovatívnych diel, medzi ktorými je jeho reťazec kvartet. 33; Premiéra opery v.a. Mozart "Abduction of Seryla"; Dráma F. Schiller "lupiči" a "čistenie odborníkom" I. Kant sú publikované.

Najjasnejšie zástupcovia klasického obdobia sú skladatelia Viedenskej klasickej školy Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig Van Beethoven. Ich umenie ich udivuje dokonalosť skladateľského vybavenia, humanistickej originálu a túžby, najmä hmatateľných v hudbe V. A. Mozarta, aby odrážali perfektné kozmetické nástroje.

Samotná koncepcia Viedenskej klasickej školy sa objavila krátko po smrti L. Beethovena. Klasické umenie sa rozlišuje jemná rovnováha medzi pocitmi a rozumom, tvarom a obsahom. Revivalová hudba odrážala ducha a dych ich éry; V barokovom ére predmet stavu displeja osoby v hudbe; Hudba éry klasicizmu klasicizmu činy a činy osoby, ktorá zažila emócie a pocity, pozornú a holistickú ľudskú myseľ.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
Nemecký skladateľ, ktorý často považuje najväčší tvorca všetkých čias.
Jeho kreativita sa označuje ako klasicizmus a romantizmus.
Na rozdiel od jeho predchodcu Mozartu, Beethoven sa skladá s ťažkosťami. Príručka Knihy Beethoven Show AKO postupne vzniká grandiózny zloženie krok podľa prírastkového náčrtu, označeného presvedčivým logikou stavebnej a vzácnej krásy. Je to logika, že hlavný zdroj bethovenskej veľkosti, jeho neporovnateľnú schopnosť organizovať kontrastné prvky do monolitického celého čísla. Beethoven vymaže tradičné cesuras medzi tvarovými úsekami, vyhýba sa symetrie, spája časti cyklu, vyvíja rozšírenú konštrukciu z tematických a rytmických motívov, na prvý pohľad, ktoré neobsahujú nič zaujímavé. Inými slovami, Beethoven vytvára hudobný priestor sily mysle, jeho vlastnú vôľu. Predpokladal a vytvoril tie smerové smery, ktoré boli rozhodujúce pre hudobné čl. 19 V.

Romantizmus.
pokrývajú sa podmienečne 1800-1910 rokov
Skladatelia-Romance sa snažili s pomocou hudobných prostriedkov vyjadriť hĺbku a bohatstvo vnútorného sveta človeka. Hudba sa stáva embosovanou, individuálnou. Získa sa vývoj žánrov piesní vrátane baladov.
Hlavnými zástupcami romantizmu v hudbe sú: vRakúsko - Franz Schubert. ; \\ T v Nemecku - Ernest Theodore Hoffman, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelson, Robert Schuman, Ludwig Run; v
atď.................