Komorný inštrumentálny žáner koláče Miniatúra. Žáner komory - inštrumentálna hudba v práci skladateľov klasiky "

Rozvoj individuálnych žánrov inštrumentálnej hudby pokračoval v 20. rokoch nerovnomerne. Takže len jedna práca bola prezentovaná s koncertnou literatúrou. Ale medzi nimi sú majstrovské diela, ako sú klavírne koncerty Prokofiev, patriace k najväčším úspechom ruskej hudby 20s a na začiatku 30. rokov. Záujem o. Tento žáner sa prejavil Prokofiev v rokoch cvičení v konzervatóriu. Prvé dva koncerty napísané skladateľom v mladých rokoch sú stále zaujaté nestabilnou sviežosťou a nevyčerpateľnou vynálezotou, ktorá je obsiahnutá v mládeži. Tretím koncertom je esej, ktorá bola označená splatnosťou zručností, dôvera vlastníctva expresívnych prostriedkov, ktorá je zvláštna pre skúseného umelca.
Podľa autorského svedectva, plán "veľkých a osobných policajtov" sa vzťahuje na 1911. O dva roky neskôr sa téma potom umiestnila na základe variácií (druhá časť). Koncert zahŕňal aj dve témy z nenaplnenej "bielej" diatonovej kvartety. Začiatok systematickej práce na koncerte je dokončená aj do roku 1917, a to bolo konečne dokončené v roku 1921. Preto je esej, ktorá sa stala jedným z vrcholov prokofievskeho Kreativita, dlhá T bola vykonaná autorom.
V treťom koncerte sa sústreďovali najlepšie vlastnosti hudby prokofiev. Má veľa energetického dynamického výtoku, motility Bravura, v Prokofyevsku, cielených pasáží. Ale virtuózny štart, vyjadrený v koncerte vo všetkých jeho brilanciách, nestane sa samo osebe, potláča zvyšok. Koncert sa vyznačuje vnútorným zmysluplným, najmä v lyrických epizódach, kde prokofiev vyslovoval sám ako ruský umelec. Nakoniec, v tejto eseji, veľa ide z zábavnej divadelnej prezentácie, pozoruhodné tempo komédie dell'art? So svojimi maskovanými znakmi. Táto línia kreativity prokofiev, tak jasne povedala v opernej "Láska pre tri pomaranče," sa prejavilo v treťom koncerte.
Hlavné obrazy koncertu sú už znázornené na začiatku prvej časti: osvietená melódia vstupu s starostlivou motorickou pasážou hlavnej strany je zodpovedná za prokopiev Careli. Tento kontrast sa stane vedúcim pre prvú časť. V rámci svojich limitov sa však dosiahla široká škála odtieňov. Piano klavír je rovno, že získavajú milosť a jemnú ostrosť. V prúde tokednej injekcie sa jednotlivé epizódy kryštalizujú, kde sa vyskytujú konvexné melodické obrazy. Spolu s témou vstupu, naozaj veľká úloha hrá na strane Lyric-Skozny, ktorej výrazná melódia, ktorá je nasýtená neočakávaná, niekedy bizarná ohýbanie proti pozadia akútne naskladaného členského sprievodu.
Jedna z perál prokofievskej tvorivosti sa stala druhou časťou napísanou v variante. Vo svojej téme, intonačne vzdialená od ruskej piesne, je tu mäkká búrka ruských tanečných piesní, hladký pohyb tanca:

Ostré kontrasty sa vyznačujú témou variácií. Hnedé a energické variácie ako hrboľatý maják (Fi) striedavo s jemným, zasnenými (IV). Jemná transparentná prezentácia je nahradená technológiou Brilliant Virtuoso, energetickým pohybom oktáv. Variácie najmä vizuálne potvrdzujú myšlienku B. ASAFYEV
"Textúra tretieho koncertu spočíva na intuitívnom pozadí Melosu - základ hudobnej dynamiky" *.
Prvky ruského tanca prevládajú v konečnom koncerte, ich počiatočná diktálna téma, kde sú k intonácii ľudových tanečných piesní pripojené špeciálne rytmické pažby. Ale tu, veselá preháňanie póru, v ktorom je zmätok pociťovaný excentrickou komédiou, rozširuje širokú spev tému strednej epizódy.
V treťom koncerte prokofiev obohatil piano techniku, pochopila nástroj schopnosti. Zároveň je obavy pevne založené na tradícii svetovej klavírnej literatúry, ktorá kombinuje ruský národný začiatok s vlastnosťami Viedenského klasického štýlu. Spolu s prvým koncertom Tchaikovského, druhým a tretím koncertom Rakhmaninov patrí do najväčších javov tohto žánru v práci ruských skladateľov.
Na začiatku 30s, esej z dvoch ďalších klavírnych koncertov. Štvrtý koncert (1931) bol napísaný požiadavkou Pianista Wittgenstein, ktorý stratil svoju pravú ruku vo vojne. STI-Leiseraly Tento koncert je v blízkosti kompozícií na začiatku 30. rokov, v časti baletu "Bluddy Syn" a štvrtý symfónia. Charakteristické znaky klavírskeho koncertného štýlu prokofiev sú tu prezentované v skromnejšom meradle kvôli výraznému obmedzeniu schopností Virtuoso Artist. Robustný bežec pasáže a tu je nahradený epizódami Carnal-Cross, prenikajúc na stránky textov. Alokované na úžasnú jednoduchosť prezentácie, lyrickej témy, ktorá otvára druhú časť koncertu. Tento koncert však nie je zbavený nejakého fragmentu. V porovnaní s inými koncertmi prokofiev menej ako pár tematického materiálu.
Boles významné sa ukázalo byť piate - posledný klavírny koncert Prokofiev. Tento výrobok by sa radšej nazýva Koncert Suite: má päť žánrov-charakteristických častí nasýtených ostrými kontrastmi tematického materiálu. Veľké miesto v piatom koncerte je obsadené cross-tanečnými obrazmi, úzky rad fragmentov "Romeo n Juliett". Prvok pôvabného baletného tan-cavials dominuje v druhej časti koncertu. Jasné uskutočnenie Humor ProkoFiev.
Vo vyvinutej, majstrovskej písanej klavírnej strane sa nevyčerpateľná vynaliezavosť prokofiev plne prejavila. DOTA pripomínať prechod cez celú klávesnicu z finále (PIU Tranquil 1o). Kde ľavá ruka predbehla právo. "Koncert som nechcel robiť tvrdo a dokonca predpokladať, že mu zavoláte" hudbu pre klavír s orchesterom "... ale ukázalo sa, že vec bola stále
komplexný, fenomén ma smrteľne prenasledoval v mnohých oblastiach tohto obdobia. Aké je vysvetlenie? Hľadal som jednoduchosť, ale väčšina sa bála, bez ohľadu na to, ako táto jednoduchosť nebude obrátiť na davy starých vzorcov, v "starej jednoduchosti", ktorá nie je potrebná v novom skladateľovi. Pri hľadaní jednoduchosti by som bol určite napadnutý pre "novú jednoduchosť", a potom sa ukázalo, že nová jednoduchosť s novými technikami a čo je najdôležitejšie, nové intonácie neboli vôbec vnímané ako také. " Toto kritické vyhlásenie ProkoFiev odhaľuje zameranie jeho quest b b za začiatok 30s, čo ukazuje, aké ťažké boli spôsoby, ako dosiahnuť nový štýl kvality.
Okrem koncertov Prokofievíci neboli sovietski skladatelia v týchto rokoch v tejto oblasti vytvorené takmer čokoľvek dôležité. Uveďte, že si zaslúži koncert pre orgán s orchestrom A. GEDIQ.
Najvýraznejšie javy v komore inštrumentálnej kreativity patrili aj do spisov prokofiev. Prvýkrát počas tohto obdobia odkazuje na žánru komorného inštrumentálneho súboru, predtým priťahoval svoju pozornosť.
Predohra pre židovské témy (1919) Pre klarinet, husle, violy, violončelo a klavír sa líši jednoduchosť štýlu, klasické povrchové úpravy formulára. V roku 1924 bol napísaný päťdielny kvintet, ktorý prokofiev zaradil spolu s druhou symfóniou a piatou sonou na klavír, na "chromatický" z jeho spisov. Tento odhad sa teraz zdá prehnaný; V štýle Quintetu bližšie k neoklasickej línii, aj keď sa v tom čase používa, veľmi radikálne prostriedky. Jasnejšie, klasické trendy ovplyvnili prvý kvartet (1930), napísaný, aby si objednali knižnicu Kongresu vo Washingtone. Konečný Andante je pridelený, v ktorom je podľa skladateľa, najvýznamnejší materiál tohto OPUS je koncentrovaný.
So všetkými záujmami uvedených spisov, stále hovoria o odlišnej línii rozvoja komorného inštrumentálneho súboru žánru v práci Prokofiev je sotva legitímne. Oveľa viac "závažná" pozícia obsadila svoju hudbu pre klavír.
V roku 1917 bol ukončený cyklus mimolov, ktorých názov sa narodil z BALMONT POEM:
V každom prevode vidím svety.
Plná "prchavá, dúha hra.
Dvadsať miniatúr tvoriacich tento cyklus, extrémne stručný, jeden z nich nepresahuje dve, alebo dokonca jednu stránku textu nádrže. V porovnaní s množstvom skorých klavírnych krytov sú tieto hry grafickejšie na prezentácii, bez brilantného koncertného oblečenia, sa líšia jednoduchosť vzorového vzoru textúry. Avšak, vo svojom jazyku, rastú na komplexnej báze, tučné plno-gangmoniálne kombinácie sú aplikované, ľahké polytony a plnohodnotné účinky. Každý z hier má jaňovo individualitu: preniknutie iných lyrických náčrtov striedať s motorovými hodinami, schero alebo tanec miniatúry. Laconické ťahy buď hádzať jasné obrázky, niekedy nie bez jemného "maľby".
Ešte jednoduchšie jazykom "príbehov starej babičky" (1918), nasýtený melódiami ruského skladu, úzke tradície klavírnej tvorivosti borodínu. Neoklasická čiara predstavuje štyri hry. 32 (1918), medzi ktorými sa pridelí jas materiálu a čisto prokofyev "skladacie" formy GAVOT FIS-Moll. Z neskorších kúskov si môžete všimnúť dve "veci v seba" (1928), ako aj dve sonatíny alebo. 54, napísaný v roku 1932.
Najvýznamnejšou piatou sonou sólovou klavírom (1923) bola najvýznamnejšia sólo klavír-piata sonata (1923).

Jasný významný, jednoduchý triezvy, skromná prezentácia sú kombinované s vlastnosťami jedinečnej originality. Kreatívna ručná písanie skladateľa je jasne viditeľná v špeciálnej hladkosti toku melódie, nasýtených ne-Zeridovými otáčkami, jemne znejúce skoky, ako aj v charakteristických posunom, ktoré zavádzajú fázy závodu rovnakého mena .
V ďalšom vývoji nadobudnú účinnosť aj sofistikované techniky. Koncové témy sa postupne zameriavajú, ktoré sa hrajú pomocou harmonickej polytonality. Napätie dosiahnuté do konca vývoja je vypustené v repríze, kde téma nadobúda svoj pôvodný vzhľad.
Stredná časť Sonaty kombinuje vlastnosti lyrického centra a scherzo. Na pozadí rozmerových opakovaní akordov v množstve troch ôsmich krát, melódii, ktoré sú jemné ohyby, ktoré sú podobné hre oslnenia alebo bizarrelye arabesque. Dynamické finále dominujú obrazy zvláštne pre motorovo prepravu hudby PROKOFIEV, s charakteristickou injekciou pre neho generál Climax. Spolu (s treťou časťou Sonta, je charakterizovaná ľahkosť, podľa charakteru pripomínajúcej finále Rondo Viedeň klasický štýl.
V piatom sonáte boli jasne vyjadrené neoklasické tendencie prokofyevovej hudby: grafické ukladanie prezentácie, zrozumiteľnosť malého dikulácie a textúry, eleganciu pasáží. V mnohých ohľadoch zabránila štýlu slávnej Sonaty "Triad", vytvorený na začiatku 40. rokov.
Komora inštrumentálna kreativita 20-tych rokov ako celku je veľmi odlišná a pestrofajú. Karikatúra, takže popredné čiary sú tu veľmi ťažké.
V regióne String Quartet, staršia generácia skladateľov pre-vlastnila klasickú tradíciu ruského komorného inštrumentálneho súboru. Takéto sú dva kvarteto glazunov - šiesty a siedmy (1921 a 1930). Obaja (najmä siedmeho) prístup k žánru softvérového suite: hudba je charakteristická pre väčšiu špecifickú expresiu (sa nazývajú jednotlivé časti). Treba poznamenať, že zrejmá túžba skladateľa na zatlačenie rámu komorného žánru, C.monfómový kvartet. Najmä indikuje v tomto ohľade konečný z siedmeho kvartetu je "ruský sviatok".
Práca veľkej zrelosti je zručnosť, je tretí kvartet R. GLIERA.
A. Aleksandrov, V. NECHAEV, V. Shebalin, v jeho predčasných štvrtiach, sa ukázali s dôstojnými zástupcami Moskvy, vopred prijatej a rozvinutej tradície Taneev. Prvý kvartet. Alexandrova (1921) bolo spracovaním práce vytvorenej v roku 1914. Rovnaká tendencia posilniť komorný žáner, ktorý sme zaznamenali v quarteroch Glazúnov, boli viditeľné. Je to prejavené nielen na stupnici práce, v nasýtení zvuku, ale aj na kontraste porovnávaných obrázkov, ktorého môže byť tretia časť Andante Afsettuoso slúžiť ako svetlý, patetický prvý GG \\ t P je porovnané s tragickým delamačným charakterom druhého, ktorý je na pozadí expresívnych oktách rytmických obrázkov ll<> Ľahké lyrické tóny prevládajú v kvartete. Prvá téma s intonáciou "Snow Maiden" určuje vzhľad celej práce
Quartet V. Nechaeva (nam), ktorý priniesol autor V. Nechayeva, ktorý priniesol slávu nielen vo svojej vlasti, ale aj v zahraničí, úplne definovaná národná chuť tematizmu a podporu NL TP.I DICIN RUČKY Spojené s hľadaním nového v zložení a dráme. Práca je nepravdepodobná a predstavuje druh "kvartetovej báseň", s jasne kontrastnými témami, vyvinutými a niektorými prípadmi pred veľkosťou nezávislej časti v jednoizbovom zložení.
Prvý Quartet V. Shebalina - Následne bol hlavný majster tohto žánru napísaný v roku 1923 (keď bol autor stále študentom z konzervatória v Moskve). Quartet okamžite prilákal pozornosť hudobného prostredia mladým skladateľovi. Hudba kvarteta dýcha s mladistvosťou a zároveň označená dostatočnou splatnosťou a zručnosťou. To už rozlišuje charakteristické znaky nástroja štýlu Schebaliny: tendencia k polyfóniu (fugato a protináktickej zlúčeniny témy finále), do kombinácie častí cyklu tým, že opakovanie tematického materiálu, na použitie Prírodné pozemky (bočná časť finále).
Individuálny rukopis skladateľa sa prejavuje v samotnej téme * Timme - veľmi jasný a plast, ale s neočakávanými "otáčkami", takže hudobné myslenie viac "reťaz" a pamätné, napríklad hlavná téma prvej časti:

Povrchová úprava formy kvarteta, stručnosťou IT (v troch častiach kvarteta, a tretí zdvihá vlastnosti Scherzo a finále) vám umožní zvážiť Schebalina Quartet s jednou z najlepších komorných diel 20s.
Jedným z pocitov komornej hudby 20s bol seebthet Leningrad, Popov (pre flautu, klarinet, fagot, rúry, husle, violončelo a dvojité basy). Esej je zdôraznená experimentálne, na základe porovnania prvkov kontrastícou paradoxnickosti. V ruštine, tému Singement z prvej časti (Moderato Canlabile) je proti ostrom, motorickým motívom druhého, dramatického laku - konštruktívneho, tvrdého finále. Najatraktívnejšou črtou tejto práce je zmysel pre formu, chápaný ako "formový proces", ako rozvoj rytmickej energie, ktorý je obsiahnutý v hudobných témach.
V klavírnej hudbe 20s, existujú mimoriadne odlišné trendy, a to aj naopak, medzi ktorými sú najsilnejší. Prvým je pokračovanie línie Scriabinsky klavír tvorivosti: Konvenčne to nazýva "romantický" trend. Druhý trend je jasne a zdôrazňoval, že anti-grantikista sa začal cítiť v druhej polovici 20. rokov, keď západné "novinky, a najmä diela skladateľov začali preniknúť do koncertného života Moskvy a najmä Leningradu, A v tých rokoch demonštruje proti romantizmu a impresionizmu v hudbe (francúzsky "šesť", hindemite atď.).
Vplyv spoločnosti Scriabin bol celkom rôznymi spôsobmi v práci sovietskych skladateľov. Bolo to veľmi výrazne ovplyvnené v klavírnych sonatoch Meskovského, FAINBERG, A. Alexandrova, pretože hovorí, že najviac interpretácia žánru Soggaga ako klavíra Poke s jednou intenzívnou líniou vývoja (mnohé sonáty tej doby sú jednorazové), charakteristická textúra, sofistikovaný a nervózny rytmus, typické "štrbiny " v harmónii.
Tretia a štvrtá sonatas Medzovského (obaja pred-menšie) sú založené na koncepcii tragédia v blízkosti konceptu jeho šiestej symfónie. Táto blízkosť je obzvlášť jasná v treťom sonáte (jednodielne) - pôsobivé, aspirovanie. Ale impulz nedosiahne cieľ a neustále sa zvyšuje napätie nedostane povolenie; V tomto je veľmi dôležitý jeho rozdiel od symfónie, v ktorom, ako je uvedené vyššie, svetlo, lyrické obrazy. Lyric Image Tretia! Sonatas (bočná zásielka) je len prchavým osvietením.
Štvrtá sonata na stupnici monumentálneho štvordielného cyklu a zemepisná šírka kruhu obrázkov je skutočne symfónia. Sovietsky výskumník správne poukázal na "Bethovechizmus" prvej časti Sonaty, začínajúci takmer citovať z Beethoven Sonata OP. 111. Dramatická prvá časť, prísny a seriózny saraband, typ finále "Perpetuum Mobile" - taký je "klasický" vzhľad tejto sonáty. Ako sa často stáva v symfónoch Mechykskeho, cyklus je viazaný opakovaním jedného z centrálnych obrázkov: bočná časť prvej časti prechádza v finále.
Účinok spoločnosti Scriabin sa najviac výrazne prejavuje, možno v diele Fort-Piath S. FAINBERG. Najkomplexnejšia textúra, fantázia rytmus, častá zmena tempa a povahe pohybu - to všetko dá mu klavír (vrátane sonatamu) vlastnosti improvizácie, fascinujúce v interpretácii autora, ale vytvárajú obrovské ťažkosti iných umelcov. Je charakteristické pre tvorivosť FAINBERG 20S jeho šiestej Sonaty (1923). Začína epigrafovú tému - dvanásť hodín hodiniek. Symbolizmus Toto je jasné: Tu sa odrážalo tému svetových historických cataclysms, ktorá sa obávala o mnoho umelcov v tých rokoch. Ale je to interpretované abstraktne a v pochmúrnom subjektivistickom pláne. Sledujte bitku pri spájaní, rebelistých a nepokojných obrazoch Allegro, posledná epizóda smútku - to všetko spôsobuje strašné tragické asociácie
Rôzny kruh obrázkov je základom štvrtého sonatasu. Alexandrova, v ktorej sa porovnávajú dramatické obrazy a niekedy aj tragické, lyrické a slávnostné. Práca je inherentná "široká dýchanie", slobodný a svetlý vývoj tém. Sonatas Dramaturgia nie je tradičná: Z dramatickej, vášnivej prvej časti, ktorej hlavná téma sa zmení na kód na víťaznú hymnu, cez lyricko-penovaný zákrut tragickej finále (v maloletých rovnakého mena, ktorý predstavuje skôr Zriedkavé prípady). Konečný je dokončený novým a ešte slávnostne drží tému hymny. A v tejto práci je schválené charakteristikou tvorivosti a. Alexandrova tému radosti života. V sonáte znel jasnejšie, odvážne ako v "Alexandrijských piesňach", bez pašovania hedonizmu v nich vlastne.
So všetkým rozdielom medzi Sonatas Meskovsky, FAINBERG a Alexandrova v nich je niečo zjednotenie a typické pre celý smer sovietskej komornej hudby. To je pochopenie samotného žánru sonata ako stresovej dramatickej formy veľkého meradla, expresívnej "improvizácie" hudobného výkazu, ktorý si vyžaduje úplné zlúčenie od umelca a, ako to bolo, "identifikácia" s autorom práca. Kombinuje ich túžbu, aj keď vyjadrené vo veľmi subjektívnej forme, odráža rytmus času "neslýchané zmeny". Je to toto (a nielen niektoré vlastnosti tvaru alebo harmónie) a príbuzní považovali klavírne sonats s tvorivosťou spoločnosti Scriabin a širšie - so všetkou tradíciou romantickej sonaty, ktorá bola prijatá v práci Scriabinu, takže individuálne implementácia.
V inom a dokonca opačnom smere, práca mladých skladateľov, ktorí najprv naplnili inováciami západnej klavírnej hudby, ktorá nás prenikla.
V sovietskej hudbe "Aitromantický" prúd nedával nič umelecky plné. Prejavuje sa rôznymi spôsobmi. Pokusy niektorými skladateľmi, aby sa v skutočnosti odrážali v Piano Music "Priemyselné" obrazy, zvyčajne redukované na jednoduchú odolnosť voči zvuku ("Rails" V. lacné). Neexistovali žiadne kreatívne výsledky teórie "hudobnej hudby" N. Roslaselts, AR, ktorý bol pri hľadaní zámerne NEFORTEPIAN, grafické textúry a tvrdé spolusby.
Tieto funkcie nájdeme niekoľko mladých autorov, ktorí začali svoje aktivity v 20. rokoch (A. Mosolov, L. Polovinkin). V týchto rokoch bola excentrická excentricita charakteristická pre titulky svojich hier v tých rokoch. "Nehody", "Elektrické", "Last Sonata".
Niekedy však pod prázdnymi "mestskými" menami bola skrytá harmonická a prosperujúca hudba. Takými, napríklad klavír hrá polovicu mesta. 9 ("elegy", "elektrici", "neobjavené"). Nekompromisný titulok "ELEKTRIFIKÁCIA" je pripisovaný jednoducho a na muzikál IlcA a ale vykonávať hru v rytme ohňostnej alebo právom.
Cyklus Shostakovich "Aforizmy" (OP. 13) predstavuje najdôležitejšiu vzorku antishinových trendov. Tým, že vaše diela tradičné pre kúsky, "Serenada", "Nocturne", "Elegia", "Fuerry March", Canon, "Legend", "Lullaby Song"), "Legenda", "Lullaby Song"), skladateľ interpretuje ich úmyselne neočakávane, nezvyčajné (také je veľmi hlasné a nie lyrické "nokurne"). Shostakovich sa vzťahuje na "Aforizmy * Bizarné, zlomené melodické pohyby, tvrdé zrážky lineárne vývoj hlasov. V mnohých hrách, aj pocit tonality zmizne, jeho skladateľ interpretuje tak slobodne. Každá hra je v podstate riešením akejkoľvek formálneho úlohy / a záujmu skladateľa, ale zrejme a nie je vypočítaná pre priame vnímanie poslucháča.
Najluší zjavitým príkladom je č Najťažšia úloha bola určená metódou prezentácie: melodická čiara každého hlasu je uhlová, roztrhaná pauzami (bez toho, čo by prudké kombinácie hlasov znieť ešte dôkladnejšie). Celkovo prehrávanie predstavuje vzorku toho, čo je obvyklé, aby sa volala "hudba pre oči". A len v jednej epizóde cyklu - "Lullaby" - skladateľ hovorí jednoduchým a jasným jazykom.
Väčšina klavírnych diel 20 rokov neprežila v koncertnej praxi, napriek tomu, že niektorí z nich (tretí a štvrtý sonát Mesah, štvrtý Sonata Alexandřov) následne prepracovali autori. Hudobné vedomie hmoty poslucháčov nezostalo nie je ovplyvnené subjektívne natretými tragédiam patosom "romantického" smeru, ani racionalistické štruktúry "antizomancie". Bolo potrebné nájsť iný spôsob a iné prostriedky expresivity. Najväčším obtiažnosťou bolo problémom tematizmu, rovnako ťažké pre obidva smery. "Zvyčajne" expresivita tematizmu bola často nahradená výraznosťou aggohics; Vo vyššie uvedených konštruktivistických experimentoch, pokušené až do extrémy suché a nexichent.
Diela 20s, nie-mediocrely súvisiacich s ľudovými piesňami, s domácimi žánrami alebo s ich implementáciou v klasickej hudbe boli oveľa zvyšovanejšie. Znamená to, napríklad cykly klavírnych miniatúrs Medzovského "Faddy", "Zlžené stránky", "spomienky". Druhý z týchto cyklov bol obzvlášť pevne stanovený pri výkone a pedagogickej praxi.
Autor volal tieto hry "neverieky," a oni, efekt, sú veľmi jednoduché pre výkon a vnímanie. Neexistujú však jednoduché myšlienky. V "Zlžených stránkach" sa potápame množstvo tém, veľmi podobné obrazom symfónie Meshkovského 20s, ale vyjadrené s touto "objektivitou", ktoré bol skladateľ taký napätý v jeho práci. Tu nájdeme a charakteristické pre meatpal tému, ktoré znejú ako pretrvávajúci, zúfalý hovor, zostáva nezodpovedaný (č. G), a témy deklamačného skladu (priemerná časť VK "1, hlavná téma Ki 2), a melodicky dôraz kladie témy, v blízkosti lyrického obrazu a šiestej symfónie (hlavná téma číslo 1, stredná časť a kód číslo 6).
V týchto klavíroch hrá, následný vzťah Medzovského s prácou svojich učiteľov je jasne pociťovaný, najmä Lyadov. Napríklad, napríklad prísny epický charakter siedmej hry z "žložných stránok" priamo pripomína balada Lyadova "O Starin" a piata hra je veľmi blízko k "ukolébaju" "ôsmich piesní pre orchester" . Táto hra môže slúžiť ako príklad veľmi individuálnej implementácie princípov národnej piesne. Je to jednoznačne hmatateľné s ľudovými uspokojivými a zároveň nebudeme nájsť presne takéto intonácie v žiadnom z možných náčrtov. Charakteristika reproduktorov ukoliebie, ako to bolo, "šírenie" sú rozšírené, čo dáva melódiu viac transparentnejšie a charakteristickejšie zvuk nástrojov.
Je dôležité poznamenať, že tento druh obrázkov nie je len priľahlý k obrazu individuálnejšej povahy, ale ovplyvňujú ich aj ich, čo im hovoria väčšiu objektivitu výrazu.
Zrozumiteľnosť a úplnosť formulára, úľavy a expresivity temómov vám umožňujú pripísať cyklus krištáľového cyklu na najlepšie písanie klavír 20s.

Digital Casio SA-46 syntetizátor, napriek malej veľkosti a len 32 kľúčov, nie je to len hračka, ale plnohodnotný hudobný nástroj pre začiatočníkov. Po prvé, má solídny 8-tonový polyfón a nádherný zvuk všetkých 100 vstavaných teplôt a 50 štýlov. A po druhé, mini klávesnica tohto modelu je ideálna pre detské prsty.

4690 trieť

Notebook D / Music 16L. Rytmus JAZZ / A4 (205 * 280 mm), jeden blok, ofset 65 g, plná TARTV. Kryt, ofsetový papier 120 g. Zapínanie - dlhé bočné tlieskanie /

27 trieť

Digital Casio SA-47 syntetizátor, napriek malej veľkosti a len 32 kľúčov, nie je to len hračka, ale plnohodnotný hudobný nástroj pre začiatočníkov. Po prvé, má solídny 8-tonový polyfón a nádherný zvuk všetkých 100 vstavaných teplôt a 50 štýlov. A po druhé, mini klávesnica tohto modelu je ideálna pre detské prsty.

Váš obľúbený zvuk jedným kliknutím: Tlačidlo prepínania klavíra / orgánov vám umožňuje rýchlo vybrať zvuk. Ak chcete prepnúť, kliknite na tlačidlo.

Rozsiahly repertoár 100 Tibres ponúka vynikajúcu kvalitu.

Melodies pre každú chuť: 100 melódie pre učenie umožňujú zvládnuť rôzne štýly.

Visuálne a pohodlné: LCD displej poskytuje rýchly prístup ku všetkým funkciám nástroja.

Vyberte si ten správny rytmus. Zatiahnuté podložky sú nádherné úvod do sveta digitálnych nárazov. Päť tlačidiel, pre samostatný bubon alebo perkusie uľahčovať hru rytmu a umožniť, aby sa s jedným dotykom.

Schopnosť vypnúť melódiu je účinným spôsobom, ako ovládať pravú ruku. Na učenie sa navrhlo 10 kompozícií.

4690 trieť

Digitálny syntetizátor CASIO SA-76 so 44 klávesmi ponúka všetkým unikátnym hudobným schopnostiam. 100 TIMBRES, 50 štýlov, vstavaných kompozícií pre učenie, najnovší zvukový procesor s vážnymi syntetizátormi 8 tankového polyfónia, ako aj LCD displej, ktorý pomáha z prvých krokov na zistenie 2-dimenzionálnych poznámok - všetko robí nástroj s vynikajúcim pomocníkom pre nováčik hudobníka.

Váš obľúbený zvuk jedným kliknutím: Tlačidlo prepínania klavíra / orgánov vám umožňuje rýchlo vybrať zvuk. Ak chcete prepnúť, kliknite na tlačidlo.

Rozsiahly repertoár 100 Tibres ponúka vynikajúcu kvalitu.

Melodies pre každú chuť: 100 melódie pre učenie umožňujú zvládnuť rôzne štýly.

Visuálne a pohodlné: LCD displej poskytuje rýchly prístup ku všetkým funkciám nástroja.

Vyberte si ten správny rytmus. Zatiahnuté podložky sú nádherné úvod do sveta digitálnych nárazov. Päť tlačidiel, pre samostatný bubon alebo perkusie uľahčovať hru rytmu a umožniť, aby sa s jedným dotykom.

Schopnosť vypnúť melódiu je účinným spôsobom, ako ovládať pravú ruku. Na učenie sa navrhlo 10 kompozícií.

Reproduktory: 2 x 0,8 W

Napájací adaptér nie je zahrnutý.

5890 trieť

Kit Ernie Ball Hybrid Slinky je ideálnou kombináciou super slinky a pravidelného slinky reťazec. Tieto reťazce môžu byť tiež použité na elektro-akustických gitary. Lopty Ernie sa vyrábajú na najvyššej úrovni kvality av súlade s technológiou výrobného procesu, čo je zárukou ich sily, spoľahlivosti a trvanlivosti.

Ernie Ball Hybrid Slinky je oceľové hexové jadro s nikel-plátno navíjanie. Struny sú vyrobené zo špeciálne vytvrdenej ocele s vysokou uhľovodíkovou oceľou, ktorá poskytuje dobre vyvážený príjem zvuku a plne odhaľuje možnosti vášho nástroja.

Jadro: oceľ

499 trieť

Ernie Ball Zosilnená hladina (RPS) série - posilnené slinkové štandardné reťazce. Tri prvé reťazce majú špeciálne bronzové vinutie, upevnenie upevnenia loptičiek - to zabraňuje ich odvíjaniu, ktoré sa bohužiaľ nachádzajú pomerne často. Posledné tri reťazce v ich vlastnostiach sú podobné struny z série niklových rany. Hybridné Slinky RPS Nikel rany Strutings sú vyrobené zo špeciálne navrhnutých materiálov, vďaka čomu sú dostatočne silné a odolné voči prestávke, ktoré je zase zárukou ich trvanlivosti. A to všetko nie je na úkor firemného svetlé a bohatý zvuk strunov Ernie Ball, ktorý pomáha hudobníkom na celom svete vytvoriť svoj jedinečný kreatívny priestor.

Kalizačné struny: 9-11-16-26-36-46
Navice: Nikelová oceľ
Jadro: oceľ

602 trieť

Natívne nástroje Komplete Audio 6 obsahuje všetko, čo potrebujete na písanie, prehrávanie a vykonanie hudby. V relatívne malom prípade tuhých kovov existujú štyri analógové vstupy / výstupy, digitálny vstup / výstup. Dva vstupy mikrofónu

V komore a inštrumentálnej hudbe, Rakhmaninov dominuje romantickým začiatkom. Akýkoľvek obraz, pocit, emócie má ooetizované, zvýšené nad obyčajným svetom. Romantické patos, romantické drevené, romantické poryvy - to je to, čo vždy odlišuje jeho inšpirované umenie. Romantizmus sa prejavuje v Rachmaninove av subjektívnej povahe jeho kreativity, v ktorom všetko, čo by bolo zmeškané prostredníctvom hranolu osobného postoja k realite, prostredníctvom hranoly svojej silnej, silnej osobnosti. Áno, a dramatický samotný hudobník je vnímaný hlavne ako dráma osoby vo vírivke životných konfliktov. Preto monologizmus jeho štýlu. Zároveň sa diela RACHMANINOV rozlišujú výnimočnú obrazovú konkrétnu betónu tematizmu, malosti, textúr navrhnutých s najvyššou hodnotou na vyjadrenie obsahu hudby a táto konkrétna osoba má povahu takejto typizácie, ktorá vám umožní povedať vlastnosti realizmu.

V dedičstve komory Rachmaninov je niekoľko inštrumentálnych súborov. V neúplnom kvartete 1889 sú len dve časti romantika a Scherzo. Quartet je pomerne študent, svedčí o usilovnom kopírovaní Tchaikovského. Avšak, krása lyrického romantického melódia priťahuje pozornosť. Výrazne viac zvláštne prvé elegic tria. Túžba romantika jeho hlavnej témy vás pamätá na operu "Aleko". Druhý Elegy Trio D-Moll bol široko sláva, venovaný "pamiatku veľkého umelca" - P.I. Tchaikovsky). Štruktúrne, to úplne opakuje slávny Tchaikovsky trio, napísaný na smrť N. Rubinstein. Podobne, v ňom, dramatický Sonataya Allegro, predchádza Mourning Elegy, je podobné variantom tvaru centrálnej sekcie a podobne ako Tchaikovsky, - na konci smútku apotheózy na hlavnej téme prvej časti.

V Trio, oveľa foreshadows zrelé rachmaninov, napríklad vlastnosti monologizmu. Témou eleggy, vystaveného v sérii bunkom a husle, je monológ, v ktorom je tendencia dlhodobého pobytu typický pre skladateľa v jednom stave. Samotná výška sa stáva "v Rakhmaninovskom" osobnosti, okrem toho nie je zatvorené, nie skryté a dôverne naliaty. Umelecký význam obrazu vytvoreného témou je psychologická dráma, ktorá nedostane výstup, povolenia. RACHMANINOVSKAYA ENERGY VAROVANIE A V ALLYGRO, ovplyvňujúce silné riziká, dramatizmus stĺpikov.

Komora Inštrumentálne súbory Rachmaninov si buď zachovávajú klasickú schému (Cello Sonata), alebo ju podriadiť básne a romantické princípy formácie (TRIO). Ich dramatik je konflikt, tento konflikt je zistený len v procese emocionálneho vyhlásenia. Dynamicky akumulovaná sila emócií rozšírených v vášnivom melódiách je samotná podstata jeho drámy. Dve nedokončené reťazecové kvartety (1889, druhé v skcháte, 1910-1911). Prvý elegický trio G-Moll (1892), druhý Elegy Trio D-Moll (1893), Sonata pre Cello a Piano (1901). Tam je tendencia až do koncového vývoja, uzavretie hlasov súboru, ich patetických monológov, "duets" alebo porovnanie. Veľa sa určuje oboma tvarovacími faktormi, napríklad, tkanivový zväzok na melodickej vodnej nádrži a podpore. Ten je zvyčajne veľmi aktívny v dramatickom pláne, zvýšenej vzrušenou dynamikou emocionálne napätie melódie. Funkcia štýlu je a s výnimkou jednému typu textúry pre celé časti formulára.

Skutočné prvky rakhmaninovského kreativity bola klavírna hudba. V ňom, s najväčším záchvatom vyjadril svoje umelecké ideály, a nie toľko v žánri Sonatas (hoci obaja jeho klavírni majú inherentný skladateľ s jasnou emocionálnou a drámou), ako v žánroch predohra a etude . Môžeme povedať, že Rakhmaninov vytvoril nový typ týchto žánrov - "Rakhmaninovskaya" Prelude a "Rakhmaninovský" etude obrázok.

Obe žánre majú jasne vyslovovaný lyrický dramatický aspekt. "Rakhmaninovskoye" v nich - v syntéze expresívneho romanticky vznešeného emocionálneho systému s realistickou konkrétnosťou vizuálnych obrazov. Zároveň je emotický tlak taký veľký, že to vzlyky snímky malých foriem, čo im dáva monumentálnosť, ktorá tiež prispieva k inštruktizmu, Solven v úniku piesní melódov, objímanie v silnom vrchole, všetky registre klávesnice, zvonček -Zhľadávanie v akorde. Veľa v štýle predpredajov a etudes je vysvetlené zvláštnosťou harmonického myslenia skladateľa. S všeobecným diatonálnym skladom je Rakhmaninovová harmónia obohatená o zmeny a chromatizmom, ale zároveň existuje tendencia k oneskoreniu v určitých úrovniach Lady. Dlhé ložisko jednej harmonickej funkcie informuje svoju hudobnú priestornosť, druhú dráhu nasadenia jeho obdobia.

Zmenil sa charakter predohry Rachmaninov v procese jeho tvorivej evolúcie. Skoré hry sú "spoločenské", texty; Sú viditeľné podpory pre žánru momenty a melódium piesne. Avšak v nich pred nami umelec 20. storočia. Už tu nie je len texty, ale aj žľazanosť je dramatizovaná, získavajú vlastnosti psychologizmu, prechádzajú cez vnútorný svet umelca a začnú slúžiť ako prostriedok vyjadriť svoju duchovnú náladu. Vezmime najslávnejší Prelude Cis-Moll: "Nabota" začiatok je niekedy interpretovaný ako Zdravie. Aj keď s tým súhlasíte, potom je zvon zvláštny. Nemá nič spoločné s Mussorgsskym Bell (alebo, navyše, GLINKA). Oznáme psychologickú drámu, ktorá potvrdzuje miešaný agitato lyrica, ktorý odhaľuje jeho skutočný (subjektívny) význam. "Boots" hlbokej oktávy začali začiatok predohry naozaj zdravé "násilie", ale nie z hľadiska nabiathy zvonov. Skôr, ich zvončeka v celkovom kontexte práce získa charakter určitého značkového symbolu extatického, "násilné" duchovné emócie.

Prítomnosť symbolov v hudbe RACHMANINOV by nemala zamietnuť. Často často, jedna alebo iná zložka kompozície, ktorá hrá svoju úlohu akéhokoľvek generálneho "znamenia", privedené na úroveň symbolu. Jedna z týchto zovšeobecňujúcich kategórií zahŕňa rukoväte, sa prejavuje v rôznych žánroch. V "zvončekoch" tento symbol duchovnosti spojený s náboženskými motívmi extrapolovanými na etickú guľu, v citovanom predohre - symbolom mentálneho postoja, v tretej časti prvého sady pre dva klavíry (s epigrafom z básne Tyutchev "Slzy človeka, o ľudských slzách") DUCHO Zdravá basa v druhej klavírnej strane je jasne spojená s zvončekovými hodinami. Bellity ako impozantný Nabat a ako requiem symbol sa koná ako jeden z dominantného leitte v prelome všetkých období, prenikajúcich a v žánri etudes-maľby.

Symbolický význam má tému jari na RACHMANINOV. Tento obraz v kompozíciách skladateľa je sám osebe multifunkčný asociatívny komplex, v ktorom je skutočný obraz o prebudení prírody pripojený v vedomí poslucháča s obrazmi aktualizácie pružiny v najširšej Algoricky filozofickej hodnote. Môžete hovoriť o iných symboloch v RACHMANINOV'S HUDBLE, Napríklad boj a prekonanie ("búrka" prelomes C-Moll a es-Moll z Or. 23), Tragické úmrtia smrti (nie náhodou, Prelude D-Moll z Or. 23 spôsobených y. Keldysh združenie z "tanca smrti"), atď. Tvorba estetického vedomia skladateľa sa konala v ére začiatku symboliky, a hoci estetika tohto smeru zostal cudzinec, ale v povahe umeleckých zovšeobecností boli jeho zásady zvláštne. Jeho symboly sa vyznačujú vizuálnou realitou zvukotu, že sú ako znak (ak používate modernú terminológiu), čo znamená niečo naozaj špecifické - "singel", ale spôsobuje bohaté združenia. Keldysh je absolútne správne, keď píše, že v srdci Prelude Rachmaninov "leží takmer vždy nejaký moment, jeden postupne zverejnený duševný stav", ale tento "jeden" je takmer vždy vnímaný ako mnohostranný, ako zovšeobecňujúci "viac" informuje ho charakter symbolu. Navyše, Rakhmaninovské symboly odrážali najviac "horúcimi" ambíciami ruskej inteligencie času - jeho práca bola aktívne pozvaná.

Obsah kusov Rakhmaninov dostal svoju konkretizáciu prostredníctvom romantiky. V počiatočnom období sú to tradičné žánre elegancie, lyrické v duchu Tchaikovského romance; Rad hier sa nazýva melódie, ktoré v podstate znamená rovnakú romantiku. Existujú obe žánre, ktoré prišli k ruskej hudbe zo západoeurópskeho romantického umenia - Nocturne, Barcarol, Seread a ďalšie. Všetky tieto žánre sú prezentované v Fantasies, OP. 3 (1892) a Salon hrá, OP. 10 894). V prvom apartmáne pre dva klavír, OP. 5 (1893), Rachmaninov tiež používa epigrafy (z Lermontova, Bayron, Tyutchev básne). V zrelom období odmieta takéto verbálne definície - predohra, op. 23, nemajú kvôli generalizovanejšiemu charakteru obrázkov. Vnútorná podpora pre žánru zostáva: FIS-Moll Prelude je vlastne Elegy, Prelude G-Moll - Marec (toto je označené v tempe Určenie Allia Marcia); Prelude D-Moll má poznámku "Tempo di Meneetto", ktorý priťahuje pozornosť sám, pretože odvolanie na starého žánru sa zriedka nachádza v dielach Rakhmaninov. Špecifickosť ponuky je zjavne počuteľná v rytme predúdu, hoci nie gallant tanec je v ňom reprodukovaný, ale skôr určitý heroed sprievod - obraz je moderný, a v žiadnom prípade nie je archaický, štylizovaný.

S každým novým obdobím sa expresia preludov stáva čoraz ťažším, dramatickým a zároveň odvážnym objemom. V Preludes, OP. 32, väčšina z nich nosí emócie-dramatický alebo smútil elegic odtieň, a tým, že sú v blízkosti nového žánru kreativity - akumulátorov. Ako vysvetliť názov žánru, pretože obsah etudes je najmenej na obrázku v odbore? Zdá sa, že názov je navrhnutý obrazom obrazu samotných obrázkov. Okrem toho každý etude nie je obraz, ale akcia-dráma, ktorá dostala takmer divadelné prevedenie a zároveň zachovať generalizovaný charakter: tragický, dramatický, epos, atď.

V obraze ETUDAH, štýl písmen mení trochu: vonkajšie piesne sami sú horšie ako komprimované inštrumentálne vzorce alebo pohyby s koncentrovanou intonadical aktivitu. V súlade s tým sa zvyšuje úloha harmonických a časových faktorov. Piano v nich znie orchestrelly a hustota, masívnosť jeho textúry dáva hudbu odtieň špeciálneho významu.

Pokračovanie tradícií P.I. Tchaikovsky v pohovke-symfonickom cykle, S.V. RACHMANINOV prenesie svoj význam a komornú hudbu, v súvislosti s ktorou je legitímne hovoriť o cykle videnej komory. Je v práci Tchaikovsky, že proces vytvárania nového cyklu dochádza, ktorý zahŕňa princípy vzorkovacej formy klasiky v kombinácii s tzv. Rachmaninov sumarizuje a vyvíja rôzne techniky pri dosahovaní integrity pohľadu cyklu.

Vzory štruktúry komory inštrumentálnych cyklov RACHMANINOV môžu byť znázornené nasledovne: I časť je hasičská forma; II, III DIELY - TRAKNÝ FORMULÁR; IV časť - Forma sonataya. Sonate Form IV Časť sa môže komplikovať funkciami Rondo, variácie, epizódy. Jednota celku je zabezpečená týmto komplexom finančných prostriedkov:

intonation-tematické väzby medzi časťami;

spoločenstvo hlavných a vedľajších strán I časti a finále;

použitie rovnakých štruktúr;

textúrovaná jednota jednotlivých sekcií;

prítomnosť hlavného finále v hlavnej alebo diagnóze toho istého mena;

prostredníctvom tonálneho vývoja, palogharmonického očakávania.

Umelecký princíp pohybu "z temnoty k svetlu", charakteristické pre všetky cykly sonate-komory RACHMANINOV, prináša ich bližšie k estetike klasicizmu, najmä v tonálnej harmonickej sfére - hlavný koniec cyklických diel.

Tematická jednota je jedným z najdôležitejších faktorov pre integritu sonate-komory cyklov Rakhmaninov. Je "vyjadrená v spojení jednotlivých častí medzi sebou opätovným vedením identických tém" (2, str.158). I. Bobykin poznamenáva niekoľko zásad tematickej jednoty v Symfonickom dielach Rakhmaninov:

• 1. Lietematický komplex, ktorý sa stáva intonačným základným témami;
• 2. Upevnenie intonácií súvisiacich s tematikom, ktoré vyrastali z Leittema;
• 3. Opakované vedenie individuálnych tematických prvkov okrem Leitemost.

V štruktúre cyklu Sonata je tiež dôležité poradie častí, ktoré do značnej miery definuje spoločný emocionálny obsah celého produktu. Predloženie Scherzo (II časť) a pomalá časť (III) poskytuje príležitosť na jednej strane, na jednej strane rozlíšiť lyrickú časť cyklu, ktorá ju posunula na "zlatú časť" bod a na iné - zvýšiť kontrast na koniec práce.

Stručne zamerajte na charakteristiky jednotlivých prác. Pre jasnosť zvážime týchto 24 esejí pre kompozície, ktoré sa v nich používajú. Ako už bolo uvedené, klavír sa zúčastňuje šestnástich. Ale najprv - o kontrole.
Celkovo sa ich sedem - tri kvartety, dvaja kvintet, dva sekty tieto rôzne kompozície na ich farebné príležitosti priťahujú skladateľa v rôznych obdobiach kreativity: v rokoch 1859-1865, sekty boli napísané v roku 1873-1875 - kvartoch 1882-1890 - Quintety. Obsah začiatkom a neskorších esejí - Sextety a kvintety je jednoduchšie, bližšie k starým odrodám XVIII storočia alebo orchestrálne Senadas Bramsa sám, zatiaľ čo hudba kvartetov je viac hĺbka a subjektívna.
Sextes (pre dve husle, dve alt, dve celulózy) B-DUR, Or. 18 A G-DUR, OP. 36 Melodic, čisté a ľahko kompozície. Jedná sa o skoré vzorky Brahmskej hudby populárneho skladu (pozri okrem Serenad, Valsa. 39, Maďarský tanec a iné). Prvá práca ovplyvnila štúdiu Viedenskej klasiky - Gaidna, Beethovena, Schubert; Druhá je trochu vážená protiprávnou prácou. Ale obaja argumentujú svetlé, radostné prijatie života.
Ostatné strany sa odrážajú v reťazci.
Brahms priznal nejako v rozhovore, že pred začiatkom 70. rokov napísal o dvadsiatich prácach pre reťazec kvarteta, ale nezverejnil ich, rukopis zničený. Z konzervovaného dva - C-Moll a A-Moll - boli recyklované pod OP. 51 v roku 1873; O tri roky neskôr, tretí kvartet B-DUR, alebo bol vydaný z tlače. 67.
Myšlienka prvej z týchto prác je stále v polovici 50. rokov, obdobím nestability štátu, búrlivé skúsenosti Brahms. Patetický, valcovacia náladová náladová prenáša všetky časti kvarteta - extrémne zmontované, stručne uvedené; Dominujú tu zvukové farby. Táto hudba je relatívne symfónia G-Moll Mozart. Pamätám si tiež na obraz Gothev Vel-Terra so svojimi dramami zlomenými snami. Melancholická chuť jej charakteristického a druhého kvarteta, ale tón jeho zapaľovača; Vo finále, a pred epizódami iných častí, radostné pocity prelomiť. Tretí kvartet v umení je slabší ako pred predchádzajúcim, ale obsahuje množstvo expresívnych epizód, najmä v stredných častiach.
Dvaja Queints - F-DUR, OR. 88 a g-dur, op. 111- Napísal na homogénne zloženie - dve husle, dve alto a myobežné. Väčšina šťavnaté altovo-strom-Povew1 prispieva k vyjadreniu teplých, výdatných pocitov a jasnosti a stručnosti prezentácie - ich zdieľanie. Ostatné, odvážny charakter, ktorý je obsiahnutý v prvom kvintete; Radostná ľahkosť v duchu I. Straussa - druhý. Svetlé svetlo vyžaruje hudbu svojej prvej časti a trio v tretej časti, zatiaľ čo v druhom čase sú chvíle vášnivej sťažnosti. S najväčším bezpodolezením, dažďovou zábavou z posledných kvetov, najmä tam, kde intonácia a rytmy zvuku maďarského chardasu.
Druhý kvintet patrí k číslu najlepšej komornej práce Brahms.
Sonatas dostanú rôzne obsahu - dva pre celulón (1865 a 1886) a tri pre husle s klavírom (1879, 1886 a 1888).
Od vášnivej elegy prvej časti na smutnú, Viedeň vo svojich otáčkach menueta druhej časti a finále finále s jeho asertívnou energiou je taký kruh obrazu prvej Cello Sonata E-Moll, Or. 38. Duch rebelistickej romantiky sheaven druhej sonaty F-DUR, Or. 99; Všetko je preniknuté akútnym konfliktom, rozrušeným duchovným impulzom. A ak je táto práca horšia ako predchádzajúca celá, potom ho stále prekonajú do hlbín pocitov a drámy.
Živý dôkaz o nevyčerpateľnej kreatívnej fantázii Brahms môže slúžiť ako nagrinárne sonatas - každý z nich je jedinečný individuálny.
Prvá Sonata G-Dur, Or. 78 priťahuje poéziu, široký, tekutý a hladký pohyb; Má v ňom krajinné chvíle. Ako jarné slnko, to robí cestu cez pochmúrne dažďové mraky. Druhá sonata a-dur, Or. 100, pieseň, veselá, je stručne a zostavená. Náhle sa v druhej časti deteguje vplyv Migry. Všeobecne platí, že niektorí "Sona-Tinnost" - nedostatok veľkého rozvoja, dráma - prideľuje ho okrem inej komornej práce Brahms. Zvlášť veľké rozdiely od tretej Sonatas D-Moll, Or. 108. Toto je jeden z najdramatickejších, konfliktných produktov skladateľa, v ktorom sa vyvinuli povstalecké romantické obrazy druhého sonaty valónami s veľkou dokonalosťou.
Prvá časť je v tomto ohľade orientačná. Napriek kontrastu obsahu, jej hlavné a v boametle party je blízko seba; Druhá téma dáva odvolanie hlavných motívov prvého, ale v iných pomeroch trvania.

Obe témy sú nervózne, čo ďalej vedie k nejednoznačnému rozvoju, najmä v epizóde dlhodobo-rezistentného orgánového bodu na dominantných (46 hodín). Napätie je zvýšené falošnou repríziou (odchýlka v FIS-Molle, potom D-DUR). Až po rýchlej explózii pocitov vzniká počiatočný vzhľad hlavnej strany. Expresívny čiarový kód v kódexe - osvietenie vo veľkej miere po konečnom odseku orgánov na tonic (22 hodín).
Ak sa hudba druhej časti, kde je najznámyselnej veľkorysosti doplnená iným, viac vášnivom, plným tepla a ľudskosti, nasledujúca časť prevláda obrazy strašidelných vízií. Ako neregishatívna myšlienka, ako pripomienka niektorých nočných méry, hlavný krátky motív zvuky.
Vo finále s rovnakou silou je rozbitý rýchlo protestujúci štart. Na rytmickom pohybe Tarantellah, existujú obrazy hrdého schválenia, potom náhodný pokles je ako účinná atmosféra zápasu. Tento konečný môže byť zaradený ako najlepšie hrdinské-dramatické stránky Brahms (St. s treťou symfóniou).
Menej presne obsah troch klavírnych trio.
Prvé trio H-DUR, OP. 8 patrí do Peru 20-ročného autora. To dobyje mladistvosť podľa vynálezu, romantické emócie. Ale ako sa konalo v ranom štádiu tvorivosti Brahms, tvarované porovnania nie sú vždy primerané. Skladač neposkytol úplne odstrániť túto nevýhodu av neskoršom vydaní (1890), keď bola vystavená zníženiu o tretinu hudby. Druhý Trio C-Dur, OP. 87 (1880-1882) nemá takáto emocionálna bezprostrednosť, hoci vo forme je viac. Ale tretí trio c-mll, op. 101 (1886) stojí na úrovni najlepších komorných esejí Brahms. Zanecháva nezmazateľný dojem odvážnym silou, šťavnatosťou a plnou krvnou hudbou tohto trio. Prvá časť je naplnená epickou silou, kde sa stabilný tok tém hlavnej strany dopĺňa inšpiratívny anthemnic melódie.
Počiatočné zrno ich intonácie sa zhodujú. Tento obrat prenikne ďalší rozvoj. Scherzo obrazy, všetky jeho fantázie skladové kontrast s treťou časťou, kde dominuje jednoduchý vzrušujúci spletenie v ľudovom duchu. Konečné adekváty cyklus, oslavuje kreatívnu vôľu človeka, jeho sponu.
V inej, neplodnosť Brahms cítila radosť zo života v T R a O es-Dur, Or. 40 Používanie neobvyklého zloženia - prírodný Francúz (môže byť nahradený celomerom), husle a klavírom. Vytvorené v polovici 60. rokov, je však práca fascinuje mladé a čerstvé, emocionálne otvorené vnímanie života. Hudba sa vyvíja rýchlo a ľahko. Počuje sa v melancholickom tuku a vášnivým vyčerpaním povahou; Tam sú tiež vtipné obrazy lovu lesov. Možno ani jedna iná edícia úplne netvorila čistú, nadšenú dušu Brahms-Romance!.
Ešte skoršie obdobie zahŕňa tri klavírne kvartety, koncipované na prelome 50s a 1960. Prvé dva - G-Moll, OP. 25 A A-DUR, OP. 26 - Potom boli dokončené. V týchto prácach sú uvedené dve rôzne vzorky. Prvý kvartet, ako aj prvé trio, sa vyznačuje štedrým množstvom tém-tyizmu, romantickú zmenu obrázkov, široké pokrytie rôznych odtieňov psychických stavov: patetika, nezbavená tragédie, pocity nejasnej úzkosti alebo pokojná radosť - pomocou maďarských a cigánskych motívov. Druhý kvartet, ktorý vydáva silný vplyv Viedenskej klasiky, menej kontrastu v obsahu - jemne vládne ľahko, veselá chuť. V jednom pláne tretí kvartet C-Moll, Or. 60 (koncipované v rovnakom čase, dokončené len v roku 1874), ale jeho druhý sklad, v blízkosti prvého reťazca kvarteta. Opäť, ako tam, pamätám si obraz tragicky nešťastnej, ktorý sa kedy urobil na smrť verte. Ale poryvy zúfalstva sú prevedené do ešte väčšej vášne.
Perfektné vyjadrenie obdobia "Storm a Natiska" v kreatívnom biografii Brahms dáva klavír Quintet F-Moll, Or. 34. Táto práca je najlepšia nielen v tomto období, ale snáď vo všetkých komorných inštrumentálnych dedičstve skladateľa. V. Stasov pomerne nazval Quintet "Skutočne Genius" *, ktorý si všimol "tragickú a nervóznu silu" prvej časti a "neporovnateľnú silu", "kolosality" Scherzo.
Brahms sa obrátil na esej v roku 1861, myslel na to pre reťazec. Ale moc a kontrast snímok zablokovali možnosti reťazcov. Potom boli redaktori napísané pre dva klavír, ale nespĺňala skladateľa. Iba v roku 1864 sa zistilo, že požadovaná forma bola nájdená, kde String Quartet podporil klavír
Hudba Quentte dosiahne skutočnú tragédiu. Každá časť je nasýtená obrazmi účinku, rušivé poryvy a vášnivej úzkosti, mužskosti a animant. Vzrušná duchovná dráma s veľkou silou sa prenáša v prvej časti, ktorej rôzne témy sú kombinované s tenkou protiprávnou a variačnou prácou, flexibilné motívne spojenia, ktoré pripravujú prechody z jedného štátu do druhého (cm, príklady 39a - e),

Pre druhú časť, kruh týchto obrázkov, ktoré vyjadrujú typické pre Brahms pocity poplačenej duchovnej bolesti, plachý nádej. Schiming rytmus ukolébavy je kombinovaný s prvkami letenky. Načrtnuté momenty žánrov zovšeobecnenia sú posilnené do Scherzo, v Bethovenski zhoršujúce konflikty. TRIO zdôrazní charakter marca, ktorý získava epický zvuk, - myšlienka ľudových maríc (St s konečným prvkom symfónie) sa narodí. Štvrtá časť prekladá akciu na novú konfliktnú situáciu, ale nevykazuje jeho výsledok. Tematické rolky vznikajú a s prvou časťou a s "triedou" témou Scherzo. Finále Quentte hovorí o nekonečnom boji o šťastie, kompletné drámy a ostré rozpory.
Do tej istej témy, zakaždým, keď ho vyrieši inak, Brahms sa vrátil do konca svojho života v treťom husle sonáte av treťom klavíri Trio. Ale v posledných štyroch komorných zlúčenín (1891 -1894) sú obsiahnuté ďalšie témy a obrázky.

Tieto práce sú spojené s klarinetom!. Nielen známy s nádherným umelcom na tomto nástroji (Mülfeld z Maiangen Orchestra), ale aj samotný čas klarinet - jeho plast, Solven a zároveň úprimná intonácia - prilákala Brahms.
Menej úspešným je trio pre klarinet, husle a klavír A-Moll, Or. 114. Napriek individuálnym expresívnym stránkam sa v ňom prevláda všetka racionálnosť zloženia nad inšpiráciou. V ideálnom pomere sú tieto dva faktory v nasledovnej práci - Quintet pre klarinet a reťazec kvartet H-Moll, Or. 115 Téma je rozlúčka s životom, ale zároveň radosť z existencie, obmedzená duchovnou bolesťou. Podobné témy sa obávali o Brahms av prvom reťazci a v treťom klavírnych štvrtiach. Ale ich povolenie nadobudlo nervóznym, kondenzovaným dramatickým tieňom; Tu vo všetkých častiach cyklu, zjednotení v nálade, je tu hladké smutné svetlo, ako keby emitoval jemným slnkom slnkom. Jednota nálady je tiež podporovaná neustálym návratom modifikovaného hlavného motívu práce, vo všeobecnosti, jeho hudba je zarážajúcou múdre jednoduchosť: Zdá sa, že skladateľ je zmeškaný prostriedok expresivity.
Dve sonatops pre klarinet s klavírom - F-Moll a es-Dur - Or. 120 Brahms sa rozlúčilo s komorom inštrumentálnym žánrom; Prvým je dramatický, s vlastnosťami epickej zemepisnej šírky, druhá je viac lyrica, v charaktere vášnivého elegantného elegantného. O dva roky neskôr, na konci týchto sonat, v roku 1896, Brahms vytvorili ďalšie dve, posledné diela, ale v iných žánroch: "Štyri prísne ihriská" pre basy s klavírom a "11 zborových prelukov pre orgán" (publikované posmrtne) .

Komorná hudba Brahms - takmer najbohatšie a najrozmanitejšie oblasti v dedičstve skladateľa. Uzatvorila všetky hlavné myšlienky svojej tvorivosti, počnúc predčasným štádiom a koncom neskorého, plne a dôsledne odráža vývoj štýlu. Tu sú zastúpené v rôznych prejavoch, všetky koncepcie brahms cyklov: dramatické a e-maily, lyrický žáner a pastoračný. "Koncepcia samotných cyklov je," označuje L. kokorev, "hlboká intelektualizmus hudby sa javí ako dopravcovia najkrajšie vlastnosti rakúsko-nemeckej kultúry."

Záujem o komorný inštrumentálny žáner viedol k tendencii charakteristické pre Brahms na jemnú dekoráciu detailov umenia. Okrem toho, podľa M. Druuskin, produktivita skladateľa sa zvýšila vo veku vekov, keď Brahms pociťovali potrebu ďalšieho rozvoja a zlepšenie jeho tvorivých princípov. Je možné načrtnúť tri obdobia pri vytváraní komorného inštrumentálneho štýlu Brahms, čo vo všeobecnosti zodpovedá hlavným obdobiam jeho kreativity, hoci čiastočne a nedajú sa s nimi zhodovať.

Na desaťročie, 1854-1865 predstavuje najväčší počet diel. Počas týchto rokov boli vytvorené deväť rôznych komorných súborov: Piano Trio, dva reťazec Sekty, tri klavírové kvartet Tretí klavír Quartet je oveľa neskôr, ale koncipovaný v roku 1855., Cello Sonata, French Trio, klavír Quintet; Okrem toho, mnohé iné spisy zničené náročným autorom. To všetko naznačuje obrovskú tvorivú činnosť mladého skladateľa, o jeho neúnavnom, pretrvávajúcich hľadaniach pri hľadaní a konsolidácii ich umeleckej individuality. "Experimentálne pole" v tomto ohľade bola komorná hudba - pre klavír a najmä pre inštrumentálne súbory, hoci v tých istých rokoch Brahms veľa v oblasti hlasových žánrov veľa pracovali. Toto obdobie je dokončené "nemecké requiem". Toto je prvý rozsiahly zámer a uskutočnenie práce skladateľa. Vstúpi do pásu zrelého zručnosti.

Na desaťročie, 1873-1882 predstavuje menej komôr - len šesť: tri reťazec kvartety, prvé husle sonata, druhý klavírny trio, prvý strunový kvintet (a v dvoch - v štvrťrokoch - hudba napísaná v predchádzajúcom období) je použité. Ďalšie umelecké úlohy sa obávali o roky Brahms: Otočil sa na hlavné symfonické nápady. Skladateľ dosiahol najvyšší bod svojho kreatívneho vývoja.

V roku 1885, Brahms skončil štvrtý symfónia. Cítil obrovský príliv tvorivých síl, ale zároveň boli plánované krízové \u200b\u200bchvíle. Toto je jeden z dôležitých bodov obratu v jeho životopise. Prichádza plodné obdobie "kreatívnej jeseň". V tomto období sa zvyšuje počet komorných esejí a ich hmotnosť sa zvyšuje. Iba v lete 1886, Brahms napísal štyri nádherné diela: druhý a tretí (dokončený o dva roky neskôr) husle sonatas, druhá celulárna sonata, tretieho klavírneho trio; V nasledujúcich rokoch - druhý reťazec Quintet, CLARINET TRIO, CLARINET QUINTET a dva klarinet Sonsasa.

Tri rôzne obdobia určujú rozdiely v obrazovej emocionálnej sfére av štýlovej komorných súborov Brahms. Táto skutočnosť je indikovaná mnohými výskumníkmi. Najmä, najmä M. Druskin považuje najrozmanitejšiu skupinu prvých deviatich diel. Počas tohto obdobia bol skladateľ v stave tvorivej fermentácie, hudobník píše, "On je poryv a nestabilný, snaží sa ocitnúť v širokej škále smerov; To, že bez myslenia, že sa zrútila lavínu svojich subjektívnych skúseností pre poslucháča, hľadal spôsoby, ako vytvoriť zrozumiteľnejší a objektívny, "bežný čas". Juniorská oblasť čerstvých, rušiteľných romantických pocitov s veľkorysou krásou je zverejnená v týchto dielach, medzi ktorými je brilantná klavírová kvinteta zvýšená. "

Druhá skupina sa javí ako menej pevná. Brahms sa niekedy vracia k témam a obrazom, ktoré ho znepokojujú v predchádzajúcich rokoch, ale prenáša ich v trochu schematickej forme. Podľa M. Druskek je tu určený "Prevaha racionálneho štartu v týchto prácach oproti emocionálnemu".

Tretia skupina opakuje vrchol komory inštrumentálnej tvorivosti Brahms. Plnosť a rozmanitosť obrazového emocionálneho obsahu je kombinovaná tu so zreteľnou zručnosťou. Pozornosť je nasadená k posilneniu, na jednej strane, hrdinský-epickou líniou a na druhej - ešte viac osobnej, subjektívnej. Takýto rozpor je indikátorom krízových rokov v poslednom období života Brahms.

Stručne zamerajte na charakteristiky jednotlivých prác.

Brahms - autor siedmich reťazcových súborov - tri kvarty, dva quitety a dve sekty v Quintete alebo. 115 CLARINET PARTY, podľa pokynov autora, môže byť nahradený Alt. Tak, táto práca môže byť považovaná za písomnú pre kontrolný súbor. Tieto rôzne kompozície v ich farebných príležitostiach priťahovali skladateľa v rôznych obdobiach kreativity: v rokoch 1859-1865, sú písomné, v roku 1873-1875 - kvartety, v roku 1882 -1890 -Kvints. Obsah začiatkom a neskorších esejí - Sextety a kvintety je jednoduchšie, bližšie k starým odrodám XVIII storočia alebo orchestrálne Senadas Bramsa sám, zatiaľ čo hudba kvartetov je viac hĺbka a subjektívna.

Ostatné strany sa odrážajú v reťazci. Brahms pripustil nejako v rozhovore, že pred začiatkom 1870s napísal o dvadsať práce pre reťazec kvarteta, ale nezverejnil ich, rukopis zničený. Z konzervovaného dva - C-Moll a A-Moll - boli recyklované pod OP. 51 v roku 1873; O tri roky neskôr bol vydaný tretí kvartet B-DUR, Or. 67.

V čase vytvorenia troch reťazcov kvartetov (1873-1875), Brahms nahromadili bohaté skúsenosti v oblasti komornej kreativity a vstúpili do pásu jeho najjasnejšej rozkvapov. Tri reťazecové kvartety napísané jeden po druhom na začiatku 1870s sú poznačené vlastnosťami úplnej zrelosti, vysokých umeleckých zručností, virtuózne vybavenie držby kremného skóre. Toto sú majstrovské diela komornej hudby Brahms. Hlboké a zložité psychologické procesy sú opísané v nich v štýle dynamického stresu s obmedzovacou koncentráciou a laconizmom. Význam plánu a intenzity vývoja nám umožňujú hovoriť o skutočnej symfónii týchto diel, zdediť tradíciu Beethoven, indikuje L. Kokoreva: "Hlboké domáce spojenia s klasickou hudbou - Beethoven Heroic a dramatické nápady, filozofické Texty - sú refruktované individuálne, v čisto brahms cyklotrane. Romantická chulivá a vášnivosť sú horšie ako prísne obmedzenie výrazu. "

String Quartettes, ako aj klavír, tvoria tri z obsahu diel, ktoré stelesňovali tri najdôležitejšie koncepcie Brahms: dramatické, lyrické a pastorálne žánru. Napísané v predvečer symfónie, kvartety boli dôležitým míľnikom na ceste k nim: to bolo v rámci Snímacie súbory, že symfonický štýl skladateľa bol nahnevaný. Odtiaľ sa vnútorný vzťah dvoch žánrov, vzájomne prepojení, ako aj interpenetrovanie dvoch štartov - fotoaparát a simfonizmus nalial do kvality brahmskej hudby. Symfónia komora je položená v psychologickej zložitosti, jemnosti odstupňovania v prenose rôznych odtieňov emocionálneho obsahu, kvarteto je v plnom zmysle syffonizovaného.

Špeciálna intimita sa prejavuje medzi kvartetom C-Moll OP. 51 a symfónia v tej istej tonality, ktorých prvé časti sú napísané v jednej emocionálnej žily. Predpokladá sa, že budúci symfonický cyklus a potom píše L. kokorev, že namiesto Scherzo, ktorý je stále prevládajúci v súboroch, tu sa javí ako druh intermezzo na tempom Allegretto, ktorý pripojil kvartet jedinečne individuálneho vzhľadu. C-Moll Quartet pokračoval riadok dramatizácie finále, ktorý sa neskôr stane charakteristickým znakom zrelého symfonického štýlu. Ale aj medzi najviac zrelých šéfov Brahms, C-Moll Quartet je zvýraznený vzácnym laconizmom, koncentráciou myšlienky, jednoty cyklu, ktorých jednotlivé časti sú prepojené rozvojom jednej myšlienky, špeciálnou cenou v rámci každého časť.

Druhý kvartet a-moll op. 51 V triáde šnúrskych kvartetov funguje funkcia lyrického centra a je charakterizovaná mäkkým vnútorným tónom, singovou, transparentnou textúrou. Po dynamických kontrastoch C-Moll Quartet, jeho impulzívnom a intenzívnom vyvrcholení, rýchly vývoj, hladkosť reliéfu sa tu cíti, mäkká plasticita melodických kontúr, pokojne hudby. Štart Schuberent v ňom je proti Beethovensku, prevládajúcim v prvom kvartete. Avšak, to platí len pre tri prvé časti, v ktorých bohatý a zvláštny svet Brahms texty neustále odhaľuje. Konečnina je plná neprekonateľnej energie, dramatickej pevnosti a je bočný výsledok, ku ktorému je celý vývoj nasmerovaný.

Tretí kvartet v Dur Or. 67, vytvorený skladateľom v roku 1875, dva roky po prvých dvoch, je proti ich radostným, ľahkým tónom. Lesné prírodné maľby, vtipné živé rytmy, pieseň melódia prepustiť túto esej, kde je kontrast celého radostného svetového mlyna, stelesnený v troch častiach, je Agitato Allegretto non Troppo (tretia časť) D-Moll.

Dvaja Queints - F-DUR, OR. 88 a G-Dur, Or. 111 - Napísal na homogénne zloženie - dve husle, dve alto a myobežné. Ostatné, odvážny charakter, ktorý je obsiahnutý v prvom kvintete; Radostná ľahkosť v duchu I. Straussa - druhý. Druhý kvintet patrí k číslu najlepšej komornej práce Brahms.

Sonatas dostanú rôzne obsahu - dva pre celulón (1865 a 1886) a tri pre husle s klavírom (1879, 1886 a 1888).

Z vášho vášnivej elektrárne prvej časti na smutnú, Viedeň vo svojich otáčkach menueta druhej časti a finále s jeho asertívnou energiou je taký kruh obrazu prvej Cello Sonata E-Moll, OP. 38. Duch Rebelous Romance Sheaven druhú Sonata F-Dur, OP. 99; Všetko je preniknuté akútnym konfliktom.

Živý dôkaz o nevyčerpateľnej kreatívnej fantázii Brahms môže slúžiť ako nagrinárne sonatas - každý z nich je jedinečný individuálny. Prvá Sonata G-Dur, OP. 78 priťahuje poéziu, široký, tekutý a hladký pohyb; Má krajinné chvíle. Druhá sonata A-DUR, OP. 100, pieseň, veselá, je stručne a zostavená. Náhle sa v druhej časti deteguje vplyv Migry. Všeobecne platí, že nedostatok veľkého rozvoja a drámy - prideľuje ho okrem iných komorných esejí Brahms. Zvlášť veľké rozdiely od tretej Sonatata D-Moll, OP. 108. To je jeden z najdramatickejších, konfliktných diel skladateľa, v ktorom sa spurné a romantické obrazy vyvíjajú s veľkou dokonalosťou druhého sonata.

Perfektné vyjadrenie obdobia "Storm a Natiska" v kreatívnom biografii Brahms dáva Piano Quintet F-Moll, OP. 34. Podľa M. Druskekin je táto práca najlepšia nielen v tomto období, ale možno vo všetkých komorných inštrumentálnych dedičstve skladateľa: "Hudba Quintetu dosiahne skutočnú tragédiu. Každá časť je nasýtená obrazmi účinku, rušivé poryvy a vášnivou úzkosťou, mužskosťou a adamant. " Brahms sa obrátil na esej v roku 1861, myslel na to pre reťazec. Ale moc a kontrast snímok zablokovali možnosti reťazcov. Potom boli redaktori napísané pre dva klavír, ale nespĺňala skladateľa. Iba v roku 1864 sa ukázalo, že sa zistilo, že požadovaný formulár, kde klavír podložil strunový kvartet.

Do tej istej témy, zakaždým, keď ho vyrieši inak, Brahms sa vrátil do konca svojho života v treťom husle sonáte av treťom klavíri Trio. Ale v posledných štyroch komorných zlúčeninách (1891-1894) sú iné témy a obrázky stelesnené.

V súvislosti s komorou inštrumentálnou kreativitou Brahms si jeho klavír TRIO zasluhuje osobitnú pozornosť.

Prvé trio pre klavír, husle a mydlo H-DUR, OP. 8 patrí do Peru 20-ročného autora. To dobyje mladistvosť podľa vynálezu, romantické emócie.

Malo by sa uviesť, že v koncertných sálach a vzdelávacích inštitúciách tento TRIO zaznie v druhom vydaní vytvorenom skladateľom v roku 1890. Moven jeho priateľom, známy rakúskym hudobníkom E. Hanslik, Brahms sa obrátil na jeho skoro Opus a vystalil ho kardinálnej zmene. V novom vydaní sa zachovala zásada častí a ich hlavné témy z počiatočnej možnosti; Druhá časť zostala takmer nezmenená. Úspora v druhom vydaní, poradové číslo opus, autor tak zdôraznil svoju túžbu len zlepšiť prácu napísanú v mladých rokoch. Avšak, on zlepšil z hľadiska zrelého pána, mimoriadne náročného a prísneho pre seba, a v podstate pozostával takmer tri štvrtiny Trio. Hlavné rozdiely medzi týmito dvoma možnosťami sa týkajú pojmov koncepcie, princípov dramaturgického rozvoja a tvorby, spôsobov prezentácie materiálu.

Trio es-dur op. Pre klavír, husle a francúzsky roh bol napísaný v roku 1865 a prvýkrát uverejnený v roku 1866 vydavateľstvom Breitkopf & Hartel. Hudobná literatúra hovorí niekedy aj názor, že trio (alebo jednotlivé časti) bolo vytvorené v roku 1850 a patrí do skorého obdobia tvorivosti skladateľa. Tento predpoklad však nie je rozumný presvedčivý, A. Bonriensky, bezpochyby je napísaný rukou zrelého pána: "Neexistujú žiadne stopy nadmernej správy formulára s hudobným materiálom, s tým, čo sa stretávame na začiatku Spisy Brahms, najmä v prvej verzii Trio H-Dur OP. 8. Naopak, ES-DUR TRIO priťahuje presne korešpondenciu a formulár, túžbou po Lakonis a jednoduchosť vyhlásenia, ktoré sú obsiahnuté v neskorších OPRES skladateľa, napríklad TRIO. 87 a Or. 101 "A. Bonrussky uvádza ďalšie - koncepčné drámu - argument v prospech toho, čo bol TRIO vytvorený v roku 1865. Tento rok v živote Brahms je spojený s jedným z najviac tragických udalostí - smrť jeho matky horúceho milovaného. Priama reakcia skladateľa na túto akciu bola jeho "nemecká requiem" alebo. 45, napísané v tom istom roku. Ale v Trio es-Dur, túžba po vývoji smútok snímok nájde - od e-mailu epizód v prvej časti na skutočnú tragédiu v Adagio Mesto .. Podľa M. Druskek nie je ani e-priateľská esej Plne otvoriť čistú, nadšenú dušu Brahms-Romance.

Trio pre klavír, husle a cello c-dur op. 87 (1880-1882) patrí do nasledujúceho obdobia kreatívneho biografie J. Bramsa. Od konca 1870s je skladateľ v Zenith slávy. V roku 1876 mu University of Cambridge mu prideľuje čestný titul lekára hudby, rok neskôr, London Filharmónia (filharmónia) je poctený zlatými medailou. Od roku 1880 je čestným lekárom univerzity v Breslau. Brahms Koncerty ako klavirista a dirigent sa konajú s veľkým úspechom v Rakúsku, Nemecku, Švajčiarsku, Holandsku, Maďarsku, Poľsku. Znamenie jeho zásluhy ako skladateľa a hudobné postavy boli pozvánky na post hudobného riaditeľa v Düsseldorfe (ktoré sa o dve desaťročia predtým uskutočnili R. Schuman) a na pozíciu Cantor kostola sv. Foma v Lipsko.

Eva 1878 bola poznačená premiéru druhej symfónie, ktorá znelo vo Viedni pod kontrolou Hansa Richter. Výkon rovnakej symfónie v septembri 1878 v rodnom meste Brahms - Hamburg - na oslavu päťdesiateho výročia založenia Filharmónie bol skutočný triumf skladateľa. Na páde Brahms a slávnyho huslu Joachim, ktorý zviazal úzke priateľské dlhopisy, choďte na veľký koncertný výlet po Maďarsku a vo februári 1880 - do Poľska. Brahms takmer zároveň začnú pracovať na Trio pre klavír, husle a cello c-dur op. 87. Blízka kreatívna a priateľská komunikácia s Joachima počas tohto obdobia, as A. Bonrussky verí, ovplyvnil úmysel Trio.

Dokončená v júni 1882, Tradícia Bethoven-Schubert v tejto komornej hudobnom žánri pokračuje v júni 1882. Výskumníci si všimli všeobecnosť princípov výstavby cyklu ako celku, jej jednotlivých častí, používanie bramov techník na prezentáciu hudobného materiálu vyrobeného svojimi veľkými predchodcami a dokonca aj intonačný vzťah niektorých z nich. Zároveň zostávajúci priľnavý klasický tradície v oblasti formy, Brahms vyhovuje obsahu so špeciálnymi, inherentnými romantickými ...

Trio pre klavír, husle a cello c-moll, op. 101 (1886) stojí na úrovni najlepších komorných esejí Brahms. To detekuje nielen svieti, bohatstvo skladateľa fantázie, ale aj výnimočné kompozičné zručnosti. V menšej trio sa dosiahne úplný súlad a formulár; Hudobné myšlienky sú mimoriadne významné, prezentácia je mimoriadne stručná. Obdivuje rôzne vykonávacie techniky, ktoré skladateľ používa. Každý z účastníkov súboru je možnosť prejavovania svojich sólových zručností a zároveň kompozície zloženia si vyžadujú koncentráciu vôle všetkých troch pri dosahovaní spoločného cieľa.

C-Moll TRIO najprv znelo v Budapešti 20. októbra 1886 pri vykonávaní autora, E. Hubay a D. Popper a okamžite dostal uznanie. V nadšených odpovediach Brahms súčasníkov, rozsah dizajnu a stručnosti prezentácie, obrazové bohatstvo a úžasné koncentrácie formy boli označené.

Trio pre klavír, klarinet v A a Cello A-Moll alebo. 114 Môže byť správne nazývaný "Swan Song" skladateľa v žánom Piano Trio. A nielen preto, že po ňom Brahms už nie je odvolaní na trio, ale aj preto, že v tejto práci sa našiel svetlý výraz všetko najlepšie ako trio nemeckého umelca, - romantické nahromadenie obrázkov, vášnivý prvok maďarčiny Folklór, pokojný pokoj nemeckého lidedra. Tu našli uskutočnenie konečných metód na konštrukciu esejskej formy, túžby po symfónii komorného žánru.

Ako už bolo spomenuté, jeho vzhľad je povinný CLARnetist Richard Mühlfeld, sólista mininghen orchester. Jeho umenie zachytil skladateľa. Vďaka mäkkosti zvuku nástroja si nemožno citlivosť tónu Mülimfeld zaslúži prezývku "Fraulein-Clainette" "CLARINET-GIRL" (IT.). Jeho brahms "udelené". Bolo to mimoriadne hudobné a umelecké výhody klarnetistov slúžil ako dôvod na vytvorenie skladateľa štyroch krytov pre tento nástroj. Okrem TRIO OR. 114 - Toto je kvinteta alebo. 115 pre reťazec kvartet a klarinet a dva alebo sonatas. 120 pre klarinet a klavír.

V Clarinetových súboroch, J. Brahms dosiahne novú kvalitu obrázkov a drámy, zatiaľ čo v rovnakom čase sumarizuje všetku svoju tvorivosť. Celková atmosféra týchto prác - textov, celkovej intonácie prírody - misie, dĺžka, dĺžka liniek: "Konečná úloha piesne-lyracieho princípu v práci skladateľa je schválená v posledných spisoch," označuje E. Tsareva. Špecifiká klarinetu dokonale zodpovedajú tejto kvalite. Residentsmingship súboru je tu dokonalosť. Každý nástroj sa používa v súlade s jeho špecifickosťou. Na zverejnenie emocionálnej zvláštnosti diel bola trieda klarinet obzvlášť expresívna. Tento mosadzný nástroj je obvinený z lyrickej piesne melódie a intenzívne dramatické deklamovanie a Virtuoso prechádza v rôznych registroch a farebné postavy, TRILL, Tremolo, sprevádzané. Matte, v nízkej registrácii hluchoty, v priemere - neuveriteľne pripomínajúci ľudský hlas, rozprávanie alebo sťažovanie, gradm klarinet je veľmi vhodný pre elegickú farbu, ktorá prevláda v lyrickom neskorých brahms. Clarinet je zlúčený s reťazcom, čo im dáva zvuk s určitým oddelením, potom ich obklopuje vo svetle pohybujúcej sa Arpeggios, so servíruje v melódii-improvizácii.

Názvy Brahms sa rozlúčili s komorom inštrumentálnym žánrom. O dva roky neskôr, na konci týchto sonat, v roku 1896, Brahms vytvorili ďalšie dve, posledné diela, ale v iných žánroch: "Štyri prísne ihriská" pre basy s klavírom a "a zborovými predlohy pre orgán" (posmrtne publikovaný) .

Žiadny zo súčasných Brahms hovoril v oblasti komory a inštrumentálnej kreativity tak prirodzene, s takou úplnosťou a umeleckou dokonalosťou, ako Brahms urobil. Následne, pod vplyvom najsilnejšieho pulzu, ktorý vychádzal z jeho práce, komorná hudba v tvorivosti kyslej smotany a nechutí, Frank a Grieg úspešne vyvíja. Zvláštna paralena v ruskej hudbe na prelome storočia predstavuje prácu Taneyev.

Môžete tiež povedať, že tento riadok umenia Brahms, tak opatrne a dôsledne vyvinul ho v druhej polovici XIX storočia, dáva bohaté sadenice v modernej hudbe. Brahms, ako to bolo, most z viedenskej klasiky do nového klasicizmu 20. storočia so špecialiou pre fotoaparát. Priamy sledovač Bramsa na začiatku nášho storočia vykonáva M. Reger. Po tom, čo je vynikajúci master komorného súboru P. Hindemit, ktorý bol zdedený rozsiahlou komornou literatúrou, vrátane kvartetov, duety sú sotva pre všetky reťazce a veterné nástroje. Špeciálna technika komorných súborov Brahms s jeho polyfóniu, tematickým saturáciou tkaniny a textúrnych detailov, a čo je najdôležitejšie - takéto vzájomne prepojené prvky, ktoré umožňujú všetkému vývoju vykonávať jedno zrno, má veľký vplyv na kompozičné princípy myslenia Schonberg a Jeho škola a našla priamu pokračovanie v ranom komore Schönbergových súboroch, Berg a Weberna.