Talianska maľba. Najväčší taliansky umelci Taliansko maľba

Hlava "Umenie Talianska. Maľovanie ". Sekcia "Art 17. storočia". Univerzálna história umenia. Tom IV. Umenie 17-18 storočia. Zaslal: v.n. Hranice; Podľa všeobecného vydania Yu.D. Kolpinsky a E.I. Rotenberg (Moskva, Štátny vydavateľstvo "Art", 1963)

Maliarsky malízmus bol jedným z prejavov krízy renesančného humanizmu, výrobku jeho rozpadu pod náporom feudol-katolíckej reakcie, ktorý bol však bezmocný vrátiť Taliansko do stredoveku. Tradície oživenia si zachovali svoje živé hodnoty pre materialistickú vedu a na umenie. Rozhodnutie, bez uspokojenia dekadentného umenia s marovnosťou, sa snažil využiť renesančné tradície na svoje účely. Na druhej strane, dedičom oživenia sú širšie demokratické kruhy, opozíciu s nadvládou šľachty a Cirkvi. Tak do konca 16. storočia. Určujú sa dva spôsoby, ako prekonať hrozba a riešenie nových umeleckých úloh: akademická z bratov CARRENCI a realizmu Caravaggio.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) patrí k počtu významných majstrov európskeho realizmu. Najprv boli identifikované princípy nového realistického umenia zo 17. storočia. V tomto ohľade bol Caravaggio v mnohých ohľadoch pravého dedičstva oživenia, napriek ostrosti, s ktorým opustil klasické tradície. Vo svojom povstaleckom umení, nepriateľský postoj plebianskej masy do kostola-aristokratickej kultúry našiel svoj nepriamy úvah.

Malé informácie o živote Caravaggio maľuje s mužom búrlivého temperamentu, hrubého, odvážny a nezávislého. Všetok jeho krátky život prešiel v balení a deprivácii. Rodák z malého Lombardského mesta Caravaggio, syn miestneho architekta, je stále chlapec (1584-1588) bol vyškolený v dielni Minor Milan Manarist Simon Petersano. Po pohybe okolo 1590 g. V Ríme (existuje predpoklad, že už tam bol skôr), Caravaggio pôvodne hodil lavičku existenciu remeselníka maliara, čo pomáha ostatným majstrom. Iba záštitu kardinála del Monte a ďalších milovníkov s názvom pomohla umelcovi predať svoje prvé obrazy, a potom dostať nejaké veľké objednávky, ktoré ho rýchlo priviedli, ale škandalózna sláva.

Revolučná odvaha, s ktorou interpretoval náboženské obrazy, spôsobili ostré útoky zástupcov duchovenstva a oficiálneho umenia. Rýchle temperované, neodvzdušnené nálady umelca, jeho bezohľadný český život slúžil aj ako dôvod na trvalé strety s okolím, ktorý často skončil s bojom, duelom alebo vplyvom meča. Na to bolo opakovane podrobené trestným stíhaním a odňatím slobody. V roku 1606, Caravaggio v hádke, ktorý vypukol počas hry lopty, zabil svojho súpera g utiekol z Ríma. Aktualizované v Neapole, sa presťahoval do Malty z hľadania práce, kde po 3 rokoch (1607-1608) bol prijatý členom objednávky vďaka patronácii babičky, ktorého portrét napísal. Avšak, pre hrubý urážka jedného z vodcov rád Karavaggio bol vyhodený do väzenia, utiekol z neho a nejaký čas pracoval v mestách Sicílie a opäť v Neapole (1608-1609). V nádeji na odpustenie pápeža, išiel pri mori v Ríme. Erobchod zatknuté španielskymi pohraničnými strážcami okradli dopravcovia, umelec chorý malária a zomrie v Porto Ercole v roku 1610, tridsaťšesť rokov.

Sloboda-milujúca nezávislosť v živote pomohla Karavaggio stať sa mimoriadne výrazným v umení. Neexistuje žiadne bremeno tradícií nad ním; Odvážny odvážil svoje vlastné obrázky. Zároveň pripojenie Caravaggio s majstrami Brescianskej školy (Savaldo, Morttto, Moroni), Benátky (Lotto, Ya. Bassano) a Lombardsko (Campi Brothers), s dielami, ktorý sa stretol vo svojej mladosti, pred príchodom do Ríma. Je to tieto severné pôvody, ktoré pomáhajú vysvetliť pôvod mnohých umeleckých prvkov Caravaggio.

Podstatou umeleckej reformy Caravaggio bola predovšetkým v realistickom odvolanie na prírodu, ktorá na rozdiel od idealistických zariadení manirazizmu a vznikajúceho akademického akademického hľadiska je uznaný jediným zdrojom tvorivosti. Caravaggio chápe "Príroda" ako objekt priameho zobrazenia v umení. Je to dôležitý krok smerom k rozvoju realistickej metódy. Vo svojej maľbe, domácnosti a zátišie sa objavujú ako nezávislé žánre a tradičné náboženské alebo mytologické grafy sa niekedy interpretujú v čisto žánrovom pláne.

Z toho všetkého to však nesleduje, že Caravaggio slepo kopírovaný charakter. Obvinenie z Caravaggio v prírodovediu, vždy vychádzajúci z tábora oponentov realistického umenia, hlboko nepravdivé. Dokonca aj v najbližších prácach vedel, ako prúdiť do zovšeobecných, monumentálnych foriem. Je to najneskôr veľký význam, stáva sa kontrastným svetlom ("Tremoso"), čo nie je len pre prideľovanie objemov, ale aj na emocionálne posilnenie obrazu a dosiahnuť prirodzenú jednotu kompozície. Problém osvetlenia v Caravaggio je neoddeliteľne spojený s jeho ďalším vyhľadávaním farebnej a tónovej asociácie všetkých častí obrazu. Koreniteľnosť v kompozitnej konštrukcii obrazu, vedome proti kultiu krásnych "spisov" v epigiách renesančného umenia, majú väčšiu umeleckú činnosť.

Už včasná práca, prvá polovica 1590s, svedčia o akútnom záujme mladého pána na skutočnú osobu, do sveta neživých vecí (tzv. "Pacient wakm" a "chlapec s ovocným košom" v Borghese Gallery, Rím; "Boy, Burt na jaštericu" v zbierke R. Long v Florencii a Vacope v Uffizi). Jednoduché a naivné, sú zarážajúce silou, s ktorou Caravaggio tvrdí, že predmet existencie jeho obrázkov. Tento podčiarknutý predmet, stále životnosť vo väčšine svojich skorých obrazov. Niet divu, že bol tvorcom jednej z prvých statických životov v európskom maľbe ("ovocný kôš", 1596; Miláno, Ambrzian). Malebný spôsob raného Caravaggio sa vyznačuje tvrdosťou kontúr, objemovou objemov, ostrým porovnaním rôznych farieb, tmavých a ľahkých škvŕn. Jeho malé plátna napísané s láskou starostlivosťou a takmer hmatateľnou presnosťou detailov, naplní len jedno semi-predstavte (neskôr - tri-tri), vzdorne ho posunuli na diváka a núti ju, aby sa na ňu pozerala na neho a pokojne.

Z prvých krokov svojej práce sa Caravaggio vzťahuje na obraz domácich scén. S dôverou vyhlasuje svoje právo na obraz života, keď to vidí. Pozval raz, aby videl starobylé sochy, zostal ľahostajný a svedčil veľa ľudí okolo, povedal, že príroda slúži ako lepší učiteľ. A s cieľom dokázať jeho slová, pozval cigánsky do dielne a zobrazoval jej prediktívne osud jednému mladému mužovi. Tak povie životopiscom (Bellory) o písanom Caravaggio "Dayttalk" (cca. 1595; Louvre).

Obrázky pre maľby Umelec nájde na ulici, v podozrivých taverns ("Hráči", 1594-1595; z kolekcie Sumarra v Ríme), v stredu, veselý Čechýn, najmä obrázky hudobníkov. Jeho "motýľ" (cca. 1595; Hermitage) považoval za to najlepšie z maľby, ktoré napísal ho. V blízkosti IT "Hudba" (cca. 1595; New York, Metropolitan-Museum) nájdete majstrovské diela majstra. Tenká spiritualita obrázkov, dokonalosť obrazového výkonu opäť vyvracia fikciu o bezduchom naturalistickom karavaggio.

Realistické recepcie domácnosti maľovanie karavaggio čoskoro (v druhej polovici 1590s) toleruje do náboženských pozemkov. Jedná sa o "Darling Magdalen" (Rím, Doria-Pamphili Gallery) a "Neválue Thomas" (Potsdam), známy len v kópiách, ako aj "užívajúci Kristov zadržanie" (prípadne, pôvodný majster; Odessa, Múzeum) A "Kristus v Emmaus" (Londýn, Národná galéria). Interpretované ako niečo mimoriadne životne dôležité a zhruba skutočné, nie sú niekedy dramatickejšie expresivity.

Staršie obdobie Kreativity Caravaggio je poznačené hľadaním monumentálneho štýlu kvôli realizácii dvoch cyklov obrazov pre rímske kostoly San Luigi dei Francise (1598-1601) a Santa Maria del Popolo (1601). Posvätné podujatia, ktoré zobrazuje jednoducho, pravdivo, a čo je najdôležitejšie, je to zdôraznené každý deň, ako niečo vidieť v každodennom živote, čo spôsobilo ostrú nespokojnosť zákazníkov.

Jeden z obrazov, "apoštol Matthew s anjelom" (Berlín; zomrel v roku 1945), bol vôbec zamietnutý, pretože podľa Bellory, "toto číslo nemalo žiadnu slušnosť, ani vzhľad svätého, znázorneného Fead noha s nohami, zhruba vystavený. Caravaggio musel nahradiť jeho obrázok viac "slušné" z hľadiska cirkvi. Ale v iných obrazoch týchto cyklov malá náboženská zbožnosť.

"Povolanie apoštolu Matthew" (San Luigi dei Francesi), jeden z najlepších diel Caravaggio, koncipovaných ako žánrovú scénu. Tam je skupina ľudí okolo tabuľky okolo tabuľky; K jednému z nich, Matthew, oslovil zadaný Krista. Matthew, zrejme, nie je celkom pochopiť, čo od neho chcú, dvaja mladí muži v bundy a klobúky s prekvapením a zvedavosťou sa pozerajú na cudzincov, dvaja iní ani nevzdávali hlavy zapojené do výpočtu peňazí (podľa legendy, Matthew bol Zberač filtrov). Dvere klesá na nečakaných cudzincov, dvere klesá svetlo, malebné zatiahnutie v súmraku tváre ľudí. Všetka táto scéna je plná skutočnej vitality, ktorá neopúšťa miesto na mystický pocit.

V "Matthew" Caravaggio prekonáva bývalú nadmernú tuhosť a tuhosť obrázkov, jeho realistický jazyk dosahuje veľkú slobodu a expresivitá. Čísla sú nažive vo vesmíre, ich pózy, gestá sa vyznačujú bohatou odrodou, jemné odtiene emócií. Svetlo prispieva k dramatickej jednotke celej scény. Prvýkrát sa interiér chápe ako priestor nasýtený svetlom a vzduchom, ako určité emocionálne prostredie obklopujúce osobu.

Úlohou monumentálnej expresivity obrazu rieši Caravaggio v dvoch obrázkoch zo života apoštolov Petra a Pavla v kostole Santa Maria del Popolo. Vo svojom "ukrižovaní Petra" nie je nič hrdinské. Apoštol - odvážny starý muž s Plebenian Fyziognomy. Zamieril do kríža dole hlavou, bolestne sa snaží stúpať, zatiaľ čo tri plnenie s úsilím zmení kríž s ich obeťou. Obrovské čísla vypĺňajú celé plátno. Apoštolová noha držanie v popredí spočíva na okraji plátna; Bays na zvýšenie, musí presahovať rámec. Táto technika Caravaggio poznamenáva dramatický stres scény. Ďalšie nezvyčajné zloženie "odvolanie Pavla". Celý priestor obrazu je obsadený obrazom koňa, pod ktorého kopytá, osvetlené jasným svetlom, postava padlého Pavla bola rozšírená.

Vrchol umenia Caravaggio bolo dve monumentálne maľby: "Pozícia v rakve" (1602; Vatikán Pinakotek) a "Mary je predpoklad" (1605-1606; Louvre). Ten, určený pre rímskej cirkvi Santa Maria Della Rock, neboli prijaté zákazníkmi kvôli realizmu, s ktorým umelca zobrazoval smrť matky Lady.

Tragická téma "Pozícia v rakve" bola vyriešená majstrom s množstvom energie a ušľachtilého obmedzenia. Zloženie obrazu je založené na následnom nasadení rytmov naklonených obrázkov. Iba patestické gesto varených rúk Magdaleínov porušuje smutné ticho skupiny. Obrazy sú plné obrovského vnútorného stresu prenášaného pomalým pohybom vážneho zníženého tela Krista, v zvuku nasýtených farieb. Vo forme mŕtveho Krista sa Caravaggio snažil stelesniť myšlienku hrdinskej smrti. Zvlášť výrazne prechádzajúci pohyb bez života visiacich Krista, opakoval neskôr Dávid v jeho "Marat". Mať takmer sochárske monolítium, celá skupina je umiestnená na hrobovej doske posunutá dopredu. Toto Caravaggio dáva diváka v tesnej blízkosti, čo sa deje, ako keby na okraji sporáku pod kachle hrobu.

"Mary je predpoklad" je daná ako pravda dráma. Na rozdiel od tradičnej ikonografie, tlmočenie tejto témy ako mystického vzostupu Márie na oblohe, Caravaggio znázornené smrť jednoduchej ženy smútku v blízkych. Bearded starý muži apoštoli jednoducho vyjadrujú svoj smútok: niektoré zamrznuté v tichom smútku, iní vzlyk. V hlbokej zamyslenosti je hlava Maria mladý John. Ale skutočná personifikácia smútku je postava Magdalénu, smutne ohnutá, nudná tvár v dlani svojej tváre, - toľko v jej bezprostrednom pocite a zároveň tragickej veľkosti. Takže väzenské obrazy Caravaggio hovorili k vznešenému jazyku veľkých ľudských pocitov a skúseností. A ak už skôr majstň vo svojom prístupe k prírode som videl prostriedky na to, aby som mu dal ideály oficiálneho umenia, teraz našiel svoj vlastný ideál vysokého humanizmu v tejto vitalite. Oficiálne umenie Cirkvi Caravaggio chce proti svojmu Plebeian, ale úprimný pocit. A potom spolu s "Mary's Assumption", "Madonna Pilgrimov" vznikne (OK 1605; Rím, Kostol Sancostino), "Madonna s Rosys" (1605; Viedeň, umelecké a historické múzeum) a neskôr, krátko pred smrťou - dotýkať sa "uctievania pastierov" (1609; Messina, Národné múzeum).

Ideologická osamelosť, konštantné strety s klientmi cirkvi, každodenná adverzita ostro posilnia tragické intonácie v oneskorenej práci Caravaggio. Prelomujú to, že v úmyselnom krutosti "Bacheng Krista" (1607; Neapol, Cirkev San Domenico Maggiore), potom v prehnanej chaotickosti zloženia "Sedemok milosrdenstva" (1607; Neapol, Cirkev Pio Monte della Miserikordia ), kde pohyby čísel, ako napríklad Marty Martyw Martyry "od San Luigi dei Francisei, rýchlo zamierili z centra vo všetkých smeroch za obrazom.

V týchto bolestivých hľadaniach nových foriem dramatického výrazu, ktorý zdanlivo pripravený na otvorenie cesty barokovej maľby, CARAVAGGIO opäť prichádza do umenie neviditeľnej vitality. Jeho najnovšie diela napísané rýchlo, počas nepostrádateľného putovania južne od Talianska, zle zachované. Ale dokonca sčernalé a maľované, stratené v ich farebných výhod, vyrábajú veľmi silný dojem. V "poradcovi hlavy Jána Krstiteľa" (1608; Malta, La Valletta, Katedrála), v "Pohrebnom sv. LUCHI "(1608; Syrakúzy, Kostol Santa Lucia), v" LAZARUS Vzkriesenie "(1609; Messina, Národné múzeum) Umelec odmietne žiadny produktívny konštruktér. Čísla sú voľne umiestnené v rozsiahlom priestore, ktorých hranice sotva hádajú v Twilight. Jasné svetlo nerovnomerne vytrhávajú oddelené časti obrázkov, osôb, objektov. A v tomto boji svetla a temnoty sa narodí pocit takejto intenzívnej tragidity, ktorá sa nenachádza vo všetkých predchádzajúcich dielach majstra. Obmedzený a naivný v jeho prvej práci, realizmus Caravaggio získava nádhernú umeleckú a duchovnú zrelosť v jej najnovších plátno.

Kreativita Caravago má obrovský historický význam pre celé európske umenie 17. storočia. Jeho umelecká metóda napriek jeho vlastnostiam niektorých obmedzení pripravila cestu na ďalší rozvoj realistického umenia.

Súčasní Caravaggio, prívrženci "vysokého" umenia, jednomyseľne rozhorčene proti jeho realizmu. Uvažovali o svojich prácach s hrubým, zbavený zvýšenej myšlienky, milosti a sám umelca sa nazýval "ničiteľom umenia". Avšak, veľa maliarov, ktorí tvorili celý smer nazývaný karavagizmus, a jeho vplyv bol pridaný do Karavagu, a jeho vplyv sa aplikoval aj na zástupcov nepriateľských karavanzizmových skupín. Početné školy Caravaggio v Taliansku sa vyznačuje najmä imitáciou externej úlohy, štýlom a štýlom sprievodcu. Jeho kontrastný bojak bol špeciálne úspešný. Umelci sú sofistikovaní v Písme obrazov s ostrými účinkami nočného osvetlenia; Jeden z holandských Karavaggerov, ktorí žili v Taliansku, Gerard Honthorst, dostal aj prezývku Gerardo Delle Notti ("Gerardo Night").

Väčšina talianskych karavanov sú umelci, ktorí žili sláve veľkého majstra. Niektoré z nich si však zaslúžia osobitnú pozornosť. Manenets Bartolomeo Manfredi (cca 1580-1620/21), ktorý pracoval v Ríme v druhom desaťročí 17. storočia, sa snažil priamo napodobniť skorý spôsob Caravaggio. Má podobné žánrové pozemky a postavy, zaobchádzanie s náboženskými témami v zdôraznenom pláne domácností. Manthreda bola v blízkosti Valenténu, odchádzajúceho z Francúzska, hoci taliansky pôvod a Dirk Van Banyur z Utrechtu, ktorí boli v Ríme v Ríme. Dvaja ďalší utrecht Masters - Hendarc Terbrujgen (v Ríme z roku 1604 až 1614) a už spomínaný HONTHORST (v Ríme zo 1610 do 1621) zaznamenali veľmi silný vplyv rímskych diel karavanaggio. Tuscances Orazio Gezheliski (1565-1639) tiež pokračoval z skorého karavaggio, thyroidity, však k idylickejšiemu prenosu obrázkov a chladnejšej, chuti. Vo svojich najlepších veciach sa zahreje teplým lyristikou ("butcherist", Viedeň, Galéria Lichtenštajnska; "Zvyšok na ceste do Egypta", OK. 1626, Louvre), gentellyca čerpá veľmi nepoškodený majster. Ale často vo svojich maľbách, najmä tie, ktoré napísali po presťahovaní do Anglicka (1626), silné trendy smerom k idealizácii obrazu. SICILIAN ORAZIO BURJANNI (približne 1578-1616) Navštívili mládež v Španielsku a stvorené práce naplnené horúcim náboženským pocitom; Bol celkom nezávislým majstrom a len čiastočne sa dotkol umeleckých princípov karavagizizmu, fondu svetla, malebnejšie ako ostatní rímski umelci. Benátska Carlo Carlo (cca 1580-1620), pôvodne držaná pod silným vplyvom ADAM ELSTHEIMER, z ktorej zdedil svoj list písmom s malými ťahmi, lásky malých formátov a zručnosti živých rozprávok, sa ukázali ako originál Tlmočník myšlienok rímskeho karavanagizizmu v regióne krajinný maľba ("Drop in Ikara" a "Ikara Demaralom" pohreb v Múzeu v Neapole Capodimont).

Ale najzaujímavejším majstrom medzi rímskymi kamiónmi bol Giovanni Serrodine (1600-1630). Práve z Severného Talianska, spadá do Ríma do pätnásťročný chlapec, kde, keď prešiel vonkajšou vášňou pre karavagizmus, rýchlo vytvára svoj vlastný štýl. Udržiavanie plebej sily a jednoduchosti karavaggio obrázkov, ich skutočnú demokratickosť ("Distribúcia Všemohúceho sv. Lawrence", 1625; Sermonte, kláštor), urobí krok vpred pri riešení čisto farebných úloh. Serolodina píše silné pastoračné ťahy, ktorého rýchly pohyb dodáva obrazy dramatických napätí; Svetlo a farba formulár organická malebná jednotka ("Portrét Otca", 1628; Lugano, Múzeum). V tomto ohľade je Serrodine pred všetkými jeho rímskymi spoločníkmi, blížiaci sa k fetty a strozi.

Vplyv Caravaggio, najmä jeho neskoro, "tmavé" spôsoby, na majstrov neapolskej školy v prvej polovici 17. storočia. - Giovanni Battista Karacholllo, prezývané Battystello (cca 1570-1637), \\ t

Stanica Massimo (1586-1656) a Bernardo Kavadlinino (1616-1656); Kreativita vynikajúceho španielskeho maliara Huspé rúrkami bola spojená s Neapolitan Karavagisti.

Do roku 1620, karavagizmus a Rím a Neapol už vyčerpali svoje schopnosti a začali rýchlo rozpúšťať v akademicko-barokových smeroch, hoci ozveny karavany môžu byť sledované v práci mnohých talianskych maliarov až do konca 17. storočia.

Napriek tomu, že karavagzizmus nechranil svoju pozíciu a relatívne čoskoro sa na pozadí umeleckého života Talianska, záujem o "Low-album" žánru, dokonca aj v Ríme, kde je umenie 1630 rokov od roku 1630 Zdá sa, že umenie by bolo nezlepšené barokové. Tam, v stredu návštevníkov holandských umelcov, celého priebehu žánrovej maľby vznikol, ktorých zástupcovia boli nazývaní "Bamblenti" menom Harlem umelca Petra Van Lara, ktorý pracoval v Ríme (od roku 1625 do 1639), NEZMERENÝ V Taliansku Bambouche. Títo kúzelníci, medzi ktorými väčšina z nich boli holandskí, ale Taliani (Michelangelo Cherkvozzi, 1602-1660; Viviano Kodatii, 1611-1672) boli znázornené v ich malých maľbách, mestské a dediny boli zobrazené. Jedna z kritikov tej doby ich zavolala umelcami otvoreného okna. Tradície tohto skromného kurzu, ktorý používa pokračujúci úspech, pripravili pôdu pre nový výťah žánru domácností už v čisto talianskych formách v prvej polovici 18. storočia. Nie bez vplyvu holandského sa vyvíja v Neapole av severnom Taliansku, maľbe zátišie, prvé príklad, ktorý dal Karavago.

Hlboká reakcia Inovatívne umenie Caravaggio našiel mimo Taliansko. Spočiatku bol jeho vplyv rovnaký externe určený charakter, ako v Taliansku. Mladý flámsky, holandský, francúzsky a španielsky umelci, ktorí žili v Taliansku dlhú dobu, boli radi Caravaggio maľby a snažili sa ho nasledovať. Ale nie títo imitrátori identifikovali osud európskeho karavazov. Nový trend bol široko zachytený mnohými maliarmi, často sa nikdy nestalo v Taliansku. Je charakteristické, že všetci najväčší umelci sú 17. Do určitej miery si vzdali karavanagizizmu. Stopy tohto hobby sa stretávame v skorom diele Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velasquez, Rifery a LENEN BROTHERS.

Dôvodom takejto výnimočnej popularity myšlienok karavagizizmu spočíva v tom, že historické trendy v realizme, ktoré existovali v rôznych národných školách v ich boji proti smulovaniu a jeho odrodám - romány - boli schopní spoliehať sa na štíhly, hoci obmedzený Realistický systém vyvinutý CARAVAGGIO. V mnohých krajinách sa karavagizmus veľmi čoskoro získal úplne definovaný národný odtlačok. Preto je vhodnejšie zvážiť európsky karavagism nie je toľko v dôsledku priameho vplyvu umenia Caravaggio, koľko ako legitárneho štádia, ako včasná forma v celkovom rozvoji európskeho realistického maľovania 17. storočia .

Vedľa realistického umenia Caravaggio na prelome 16-17 storočí. Iné je veľký umelecký fenomén - Bologna Academars. Jeho vznik úzko súvisí so spoločnými kultúrnymi zmenami, ktoré určili vytvorenie nového barokového umeleckého štýlu v architektúre, sochárstve a maľbe.

Úlohou osviežujúcej maľby prevzala Bologna umelci Lovojik Karratic (1555-1619) a jeho bratranci Agostino (1557-1602) a Annibal (1560-1609) Carrenci. Vo svojom boji s manažrtom sa bratia Carragechi snažili využiť renesančné dedičstvo, ktoré vnímali ako ideál ako najvyšší limit pre rozvoj umenia. Pochopil som neplodnosť manažérskeho epigalizmu, chceli vytvoriť kreatívnejší a životný systém. Uznávajúc potrebnú imitáciu klasických vzoriek, venovali veľkú pozornosť štúdiu prírody. Avšak, Carragechi a ich nasledovníci úmyselne trávia ostrú líniu medzi umeleckou ideálnou a reálnou realitou. Vo ich zastúpení "Príroda" je príliš hrubá a vyžaduje povinné spracovanie a rafináciu v súlade s kanonickými koncepciami ideálnej krásy a milosti. Carragechi veril, že "dobrá" maľba (alebo, ako povedali: "veľký štýl") by mal byť založený na pôžičkách najlepších vlastností medzi vynikajúcimi majstrami renesancie. To nevyhnutne ukladá odtlačok nadmernej racionality a povrchného eklekticizmu na ich umenie.

Pre širokú propagandu svojich myšlienok bola Carrenci založená v Bologni v roku 1585. Takzvaná "akadémia zameraná na skutočnú cestu" ("Academia degli Innograti"), ktorá bola prototypom neskorších umeleckých akadémií. V skutočnosti, Carraccheci akadémia bratov bola veľmi ďaleko od toho, čo sme si vzali na pochopenie podľa tohto slova. Bol to len súkromný workshop, kde sa uskutočnilo školenie a zlepšovanie maliarov na osobitnom programe. Akadémia zjednotená veľmi malý počet umelcov a neexistoval dlho. Takáto umelecká organizácia nebola novinka. A k Karratic a po mnohých akadémie boli vytvorené, ako napríklad Florentine Academy of Fight, ktorá sa objavila v roku 1563 na iniciatíve Vazari, alebo Rímska akadémie SV. Luke, vytvorený v roku 1593 slávnym manažérom Federigo Zuccary. Avšak, predchodcovia a súčasníci Carragechi boli zvyčajne obmedzené na vydanie deklaratívnych programov a diskutovať o rozptýlených teoretických otázkach, ktoré boli početné zaobchádzanie s druhou polovicou 16. storočia.

Historický význam Akadémie Brothers Carrachchi je, že boli prvým praktizovaním umeleckej školy s rozvinutým vzdelávacím programom. Žiaci sa vyučovali perspektívu, architektúru, anatómiu, históriu, mytológiu, kreslenie z antických kastíktov a od prírody a nakoniec, prax maľby. Vedenie Akadémie bratov bolo rozdelené podľa osobných sklonov: Senior Lodoviico smeruje všetkými prípadmi, teoretické prednášky boli čítané, anibálne LED praktické triedy pri kreslení a maľovaní. Metodika umeleckého vzdelávania Carrachchi sa prehrabilo s remeselným empiricizmom bývalého vzdelávania v workshopoch. Zjednotili teóriu a prax maľby, vytvorili štíhly estetický a pedagogický systém, ktorým sa stanovujú základ pre celú následnú akademickú doktrínu západoeurópskej maľby 17. a 8. storočia.

Z troch bratov bol najviac talentovaný. Pracoval vášnivo, pracoval rýchlo a s koníčkom, akútne polovične alarmovaným protivníkmi, hádaní s bratmi, zosúvaním Aristokratické spures Agostino a Pedantizmus Lodoviko. Všetkým najlepším, čo bolo v ňom, bolonský akademizmus je povinný annibal, ktorý sa skutočne objavil vedúcou postavou nového toku.

Úsilie bratov Carrenci bolo zameraných na vytvorenie slávnostného monumentálneho umenia, ktoré našiel najkomplexnejší výraz v dekoratívnych obrazoch palácov a kostolov a vo veľkých oltárnych obrazoch. V 1580-1590s. Spoločne zdobia fresky množstvo bolonských palácov. Zároveň existuje nový typ oltárskeho maľby vo svojom umení, z ktorých najlepšie patrí k annibalu ("Ascension Márie", 1587, Drážďany; "Madonna s St. Luka", 1592, Louvre). V týchto impozantných kompozíciách, potom úplný vzrušený pohyb, je to prísne symetrické a studené, veľa nudnej rétoriky, podmienená theatricality. Ťažké čísla sa nachádzajú v krásnych skupinách, každý pohyb a gesto, skladacie záhyby sú prísne vypočítané, sú zarovnané s kanonmi "klasickej" krásy.

Špeciálna skupina predstavuje obrazy Annibal Carragechi na mytologických témach, v ktorých je jeho vášeň pre Venetiánov silne postihuje. V týchto obrazoch, oslavuje radosť lásky, krásy nahého ženského tela, Annibal sa objavuje dobrý farebný, nažive a poetický umelec (Venus a Adonis; Viedeň, umelecké múzeum).

V roku 1595, Annibal Karratiche sa presťahoval do Ríma, kde, na pozvanie kardinála, Odoardo Farnes začali pracovať na výzdobe predných interiérov svojho paláca. V roku 1597-1604 Annibál, s účasťou Brother Agostino a študenti maľovali veľkú galériu Palazzo Farnes. Tieto fresky mu priniesli svetovú slávu a slúžili ako príklad mnohých dekoratívnych súborov z 17-18 storočí.

Maľovanie galérie na témach bohov bohov (podľa "metamorfózy" OVID) predstavuje freskový cyklus pokrývajúci box oblúk a časť stien. Natieranie oblúka pozostáva z troch veľkých nafúkových obrazov, ktorých pozemky, ktoré personifikujú triumf lásky. Spodná časť oblúka je zdobená frieze, v ktorej sú obdĺžnikové panely prerušené s mečom písanými guľatými medailónmi oddelenými od seba na obrázkoch Atlanta a na sedenie nahých chlapcov, explicitne inšpirovaných obrazmi Michelangelo.

Vo svojom súbore Carrachchi pokračoval z princípov, ktoré uplatňoval Michelangelo na plafóne SISTINE Chapel a Raphael vo svojich lodživách. Avšak, to do značnej miery ustúpi z recepcií renesančných majstrov, uvádzanie nových princípov, ktoré určili povahu monumentálneho dekoratívneho maľby baroka. Dekoratívny systém crossorency je v jednom centre, čo je kompozícia "VAKHA a ARADNA TRIPH" Zloženie a ich vnímanie je postavené na kontraste iluzórneho priestoru iných malebných kompozícií a zarámovaných imitáciou sochárstva. Nakoniec, hlavná vec je, že rozlišuje fresky carragechi z renesančnej monumentálnej maľby, je prevaha čisto dekoratívneho efektu cez hĺbku obrázkov, strata významného ideologického obsahu.

K najlepším dielam Annibal Karracti patria do svojej krajinnej práce. Manželstvo takmer úplne zradilo tento žánru. Caravaggio, on tiež vypadol z dohľadu. Carragechi a jeho študenti vytvárajú 16 v tradíciách benátskej krajiny. Typ tzv. Classic alebo Heroic, Landscape.

Krajina ako hotový umelecký obraz prírody kombinuje priame dojmy a rozptyľovanú idealizáciu, primeranú konštrukciu. Už v ich kučebových kompozíciách, Annibal Carrachchi venuje veľkú pozornosť krajine ako druh emocionálneho sprievodu. Okolo roku 1603, spolu so študentmi, splnil niekoľko obrazov, v ktorých krajina plne dominuje čísla ("let do Egypta" a ďalšie; Rím, Doria Pamphili Gallery). V krajine CARRAGECHI s ich takmer architektonickou logikou kompozície vyvážené, uzavreté pozdĺž okrajov scén, s tromi priestorovými plánmi, príroda získava nadčasový, hrdinský charakter; Skutočný životný pohyb, je to stále večné.

Je pozoruhodné, že Annibal Carragechi, tak dôsledne konajúci ako tvorca nového, "vznešeného" štýlu, je tiež známy ako autor žánrových kompozícií napísaných jednoducho a s veľkou malebnou ľahkosťou. Jeho "portrét hudobníka" (Dresden, Art Gallery) Slovne prenikanie obrazu je silne pridelený na pozadí všetkých oficiálnych diel Majstra. Tieto realistické túžby, spontánne prelomiť akademickej doktríny, ale nie je schopný zničiť, obzvlášť dôrazne ovplyvnené výkresy prebytočnosti. Vynikajúci spravodajca, cítil sa v obraze Freer z podmienených uzemňovacích kánonov vytvorených Ním: Niet divu, že s jeho menom, obnovenie (po Leonardo da Vinci) je pripojený (po Leonardo da Vinci) takéhoto žánru ako karikatúry. Pri výkresoch z prírody dosiahne nádhernú prirodzenosť a presnú spoľahlivosť, ktorá sa však v procese následnej idealizácie snímok stratí v jeho dokončených obrazových kompozíciách. Toto je rozpor medzi realizmom ETUDE a Dohovorom dokončeného obrazu generovaného celú esenciu tvorivej metódy Carrachchiho, odteraz existuje charakteristický znak akéhokoľvek akademického umenia.

Kreatívne a pedagogické aktivity bratov Carrenci priťahovali k nim rad mladých umelcov v Bologni a Ríme, priamo pokračovali nové myšlienky Carragechi v oblasti monumentálneho dekoratívneho, stojacu a krajinného obrazu. Medzi ich študentmi a zamestnancami, GVIDO RIRI a DOMENICINO, ktoré sa objavili v Ríme krátko po roku 1600, v ich práci, princípy Bologna akademicko dosiahne konečnú kanonizáciu. To je zdravé a život, ktorý bol v umení Karchi, rozpúšťa sa spôsobom, ktorý je krásna a konvenčná situácia snímok dogmatického akadelizmu.

Guido Reni (1575-1642) je známy ako autor početných náboženských a mytologických obrazov, šikovne vykonaná, ale neznesiteľná nudná a sentimentálna (najmä mnoho takýchto obrázkov vyšla z jeho dielne v neskorých rokoch). Názov tohto nadaného, \u200b\u200bhoci niekoľko pomalých umelcov neskôr sa stal synonymom so všetkými bezsožnými, falošnými, dobre-willingmi, čo bolo v akademickej maľbe.

Do roku 1610, Guido Reni je vedúcou postavou akademických smerov v Ríme. V roku 1614 sa vrátil do Bologne, kde po smrti svojho učiteľa, Lodoviico Carrachchi z roku 1619 viedol Bologna akadémia. Centrálna práca reni je povodňová freska "Aurora" (1613) v kasíne Rospillosi v Ríme. Táto krásna kompozícia, plná ľahkej milosti a pohybu, napísaná v chladnom rozsahu strieborno-sivých, modrých a zlatých tónov, je dobre charakterizovaná rafinovaným a podmienečným štýlom reni, veľmi odlišný od ťažkých plastov a bolestivých zmyselných obrázkov carragechi v galérii pre Farnessee. Miestna chuť, Byt Bas-Reliéf a jasná rovnováha z kompozície Aurora hovoriť o pôvode prvkov klasicizmu v rade akademických smerov. Neskôr sú tieto trendy vylepšené. Medzi vyspelými dielami pána jeho "Atadata a Hippecomen" (cca 1625; Neapol, Múzeum Capodimont) pokrútil studenú krásu nahých telies, vynikajúce čiary a rytmy.

Funkcie klasicizmu v plnej miere ovplyvňujú prácu iného zástupcu Bologna akademicko - Domenico Covers, prezývané Domenicino (1581-1641); Niet divu, že bol učiteľom a obľúbeným majstrom pousin. Študent Annibal Carragechi, ktorý mu pomohol s maľbou galérie Farnes, Domenicino si užila široko slávu so svojimi freskami v Ríme av Neapole, kde pracoval ako posledné desaťročie svojho života. Väčšina jeho diel nie je zvýraznená na celkovom pozadí diel iných akademických umelcov. Iba tie obrázky, v ktorých je veľké miesto, ktoré je daná krajine, nie sú bez poetickej sviežosti a originality, napríklad "Hunt Diana" (1618; Rím, Borghese Gallery) alebo "Posledné spoločenstvo sv. Jerome "(1614; Vatikán Pinakootek) s dokonale napísaným večerným krajinám. S jeho krajinou (napríklad "krajina s prechodom"; Rím, Doria-Pamfili Gallery) Domenicino pripravuje pôdu pre klasickú krajinu poussin a Claude Lorren.

Hrdinický vzhľad prírody, zvláštnym krajinám prebytočnosti a Domenicino, získava jemný lyrický tieň v mytologickej scenérii tretieho študenta bratov Carrachchi - Francesco Albani (1578-1660).

Zástupcovia Bologna akademicu neunikli vplyvu ich ideologického a umeleckého súpera CARAVAGGIO. Niektoré prvky realizmu, vnímané z Caravaggio, bez významných zmien v akademickom systéme, urobili obrazy Bologna viac vitality. V tomto ohľade kreativita Francesco Barbieriho, prezývaného Grumply (1591-1666). Študent

Lodoviko Karrachchi, vyvinul v kruhu Bologni Acadeistov; Takmer celý život strávený v rodnom meste Cento a v Bologni, kde od roku 1642 viedol Akadémiu. Tri roky strávené v Ríme (1621-1623) boli najplodnejšie vo svojich činnostiach. V jeho mládeži, najsilnejší vplyv Caravaggio. Z Caravaggio, výslovne si požičal svoje šťavnaté svetlo a tendenciu k realistickému typu; Pod vplyvom Karavadzhist "Teohrozo", vyvinul svoju chuť s ním na monochromatické strieborné a zlaté hnedé tóny.

Oltárový obraz grumply "pohreb a užívanie oblohy sv. Petronilli "(1621; Rím, Capitol Museum), napriek typickému akademickému rozdeleniu zloženia na" Zem "a" Nebeská "časť je vyrobená z veľkej sily a jednoduchosti. Výkonné tvary škraja, zníženie tela svätca na okraji obrazu, napísané v duchu Caravaggio. Veľmi výrazná chlapci vedie na ľavej strane, čo predstavuje nádherný etude z prírody. Nemal však konzistentný podporovateľ Caravaggio. Pokus o kompromisný akademizmus a karavagismus sa znižuje na jeho následné diela hlavne na externe naturalistickú interpretáciu obrázkov.

FRESCO ROZHODNUTÍ "AURORA" (medzi 1621 a 1623) v Roman Casino Casino, Tesnisi dokončí líniu akademického monumentálneho dekoratívneho maľby, v mnohých ohľadoch, ktoré predvídajú štýl zrelého baroka. Na plochom povrchu stropu haly, umelec zobrazil nekonečný rozsah modrej oblohy, v ktorom priamo nad hlavou, v ostrom uhle od zdola nahor, vozeň Aurora, usporiadaný na výskyt rána . Illunistické prostriedky musia pravdepodobne dosiahnuť mimoriadnu vizuálnu presvedčivosť, účinok klamného "veriaceho", ktorý všetky monumentály 17. storočia boli tak fascinovaní.

ROZHODNUTÝ - jeden z najhiliacom navrhovaní jeho éry. Kultivuje typ voľného náčrtu. Vo svojich kučebových kompozíciách a krajinách vykonaných rýchlymi ťahmi pera s miernym umývaním štetcom, zachytený kaligrafický zdvih je kombinovaný s leteckým maľovaním celkového dojmu. Podobným spôsobom, na rozdiel od dôkladnejších vecí z prírody, bol čoskoro typický pre väčšinu talianskych majstrov zo 17 storočí. A bol obzvlášť obľúbený u umelcov barokového smeru.

Okrem Bologna a Ríma sú akademické zásady široko distribuované vo všetkých talianskych maľovaní 17. storočia. Niekedy sa zmenili s tradíciami neskorého manierstva (ako napríklad vo Florencii), s karavagizmom alebo získavajú vlastnosti patetického baroka.

Po dlhú dobu boli Karracchi mená, Guido Reni a Domenicino zvýšili vedľa mien spoločnosti Leonardo, Raphael a Michelangelo. Potom postoj k nim zmenil a boli považované za žalostnou eklektickou. V skutočnosti, bolonský akadémia so všetkými jeho negatívnymi stranami zdedeným neskorším akademizmom mal jeden pozitívny - zhrnutie umeleckej skúsenosti z minulosti a konsolidovať ho v racionálnom pedagogickom systéme. Odmietnutie akarózy Ako estetická doktrína by nemala zabúdať na svoj význam ako veľkú školu odborných zručností.

Ak v Ríme po Cavaggio, barbarský a akademický smer takmer strašne dominoval, potom v iných centrách Talianska (Mantua, Janov, Benátky, Neapol) v prvej polovici 17. storočia, sú to prúdy, ktorých zástupcovia sa snažia zosúladiť barokový maľba s karavagizmom. Funkcie takéhoto kompromisu jedným alebo druhým spôsobom môžu byť sledované medzi najreobrších malebných škôl a umelcov. Preto je tak ťažké dať jasný štýl charakteristický mnohými talianskymi umelcami tej doby. Pre nich je charakteristické pre zmes nielen domácnosti a náboženských a mytologických žánrov, ale aj rôznych malebných mravov, častého prechodu z jedného spôsobu k druhému. Tento druh tvorivej nestability je jedným z typických prejavov vnútorných rozporov talianskeho umenia zo 17. storočia.

Umelci provinčných škôl majú záujem o skutočnosť, že ich prinášajú bližšie k umeniu baroky, a len ich diela v domácnosti, krajine a iné, "nízko ležiace" z hľadiska žánrov akademicko. Je v tejto oblasti, že sa líšia individuálnou originalitou a jemnou malebnou zručnosťou.

Žáner-realistický quest získal najvýznamnejší výraz v diele Domenico Fetty (1589-1623), ktorý pracoval v Ríme, Mantua (od roku 1613), kde sa zmenil v úlohe súdneho maliara z Rubbovcov a v Benátkach ( Od roku 1622). Fetty vznikol karavagizizmom a barokovým obrazom; Vo svojom umení je možné vidieť stopy vplyvu Benátok Tintoretto a Bassano, Rubens a Elsheimer (v krajine), ktorí prispeli k pridaniu malebného spôsobu. Fetty sám ukázal vynikajúci farebný. Jeho malé plátna sú temperamentne napísané malými vibračnými ťahmi, ľahko a voľne roztavenými postavami ľudí, architektonických zväzkov, bublín stromov. Blue-zelené a hnedasté Gray Gama Farby sú animované v jasnej červenej farbe.

Fetty cudzinec do hrdinskej monumentality "veľkého štýlu". Jeho pokusy v tomto formulári sú menšie. Je v žánrovom lyrickom interpretácii náboženských obrázkov, na obrázky malej, "skrine" formát, ktorý je tak dobre celý štýl maľby.

Najzaujímavejšie z diel Fetty - série obrazov pre grafy príslovcov evanjelia, napísané okolo roku 1622: "Stratil Drachma", "Zlý SLAVE", "Mercy Samaritan", "slepý syn" (všetko v galérii Drážďany " ) "Drahé perla" (Viedeň, umelecké a historické múzeum). Kúzlo týchto kompozícií (mnohé z nich sú známe v autoroch autora) v jemnej poézii znázornených živých scén, pôdorysov s ľahkým a vzduchom, spiritualizovaným okolitou scenériou.

Len a poeticky povedal umelcovi podobenstvu o stratenej drachme. V takmer prázdnej miestnosti, mladá žena siluntovala pri hľadaní mince. Lampa dodávaná do podlahy osvetľuje obrázok a časť miestnosti nižšie, tvoria bizarné kolísavé tieň na podlahe a stenu. V kolízii svetla a tieňa, zlaté, červené a biele tóny maľby sa rozsvieti. Obraz SRGRET je mäkký lyristika, v ktorej existuje nejaký druh nejasného alarmu.

Krajina v Fetty Obrazy (napríklad "Toy, Healing Otca", začiatok 1620 rokov; Hermitage) je dôležitá. Z "hrdinskej" krajiny akademici sa vyznačuje vlastnosťami intimity a poézie, ktorá sa neskôr vyvinula v tzv. Romantickej krajine. Medzi dielami FETTI, krásne portrét herca GABRIELI stojí za kaštieľ (začiatok 1620 rokov; Hermitage). Umelec sa podarilo vytvoriť tenký psychologický obraz s lakomými malebnými prostriedkami. Maska v rukách GABRIELI je nielen atribútom jeho povolania: Je to symbol všetkého, čo pokrýva skutočné ľudské pocity, ktoré možno čítať na inteligentnej tvári unaveného smutného herca.

Podobné miesto v talianskom maľbe 17. storočie. Je obsadený genoese Bernardo Strzazzi (1581-1644), pretože 1630 som sa presťahoval do Benátok. Podobne ako fetty, Strozi zažil priaznivý účinok Caravaggio, Rubens a Benátčanov. Na tejto zdravej pôde bol jeho malebný štýl. Pre jeho obrazy si vyberá spoločný typ, riešenie náboženských tém v čisto žánrovom pláne ("Tovy, liečivý otec", cca. 1635; hermitage). Kreatívna predstavivosť ťahov nie je rozlíšená bohatstvom alebo poetickou jemnosťou. Stavia svoje kompozície z jednej alebo niekoľkých ťažkých postáv, hrubých a dokonca mierne vulgárnych v jeho zdravej zmysle, ale napísané široké a šťavnaté, s nádherným malebným rafinovaným rafinovaným. Z žánrovho diel výstavby, jeho "Cook" (Janov, Palazzo Rosso), v mnohých ohľadoch v blízkosti práce Holandska Artsen a Baker. Umelec obdivuje väzbu Lukavy, pohľad na netopieranie a náčinie. Niekoľko zátišie, zvyčajne ochudobnená obrazy mŕtvice, tu, ako je to nemožné. Ďalším variantom rovnakého mena jednoobržovacej kompozície je Drážďany "Musician".

Strozzi je známy ako dobrý portrét. V PorTraights, Erizztso (Benátky, akadémia) a maltský kavaler (Milan, Brera Gallery), konvexný vzhľad pevne prispôsobených, sebavedomí ľudia. Úspešne zachytil storeshness Starikovskaya Pozdan a CAVALLAR. Mnoho vlákien spojených s genoeskou školou, práca Strozzi vo svojich najlepších úspechoch je organicky zahrnutá do tradície benátskej maľby.

V Benátkach pracovala a Jan Foxes (cca. 1597 - OK. 1630). Native Oldenburg (Severné Nemecko), študoval v Harleme (cca 1616) a okolo roku 1619 sa objavil v Taliansku. Od roku 1621 žil v Benátkach, kde sa stal blízko fetty. Počnúc žánrovými scénmi zo života roľníkov ("hádka hráčov", Norimberg), líška potom pokračuje na mytologické a náboženské témy ("Trestist Marcia"; Moskva, Múzeum výtvarného umenia. A. S. Pushkin). Jeho neskoršia "vízia sv. Jerome "(cca 1628; Benátky, Kostol sv. Mikuláša Toentinsky) - typický príklad barokového oltárneho obrazu. Kreativita Lissa už niekoľko rokov urobil rýchly vývoj z žánru domácnosti do barokovej maľby v jeho najtvrdších formách.

Po fetty a strozi sú realistické trendy v talianskom obraze rýchlo menšie, konečne degenerované z ďalších majstrov. Už v prvej polovici 17. storočia. Proces zlúčenia žánru realistického a barokového obrazu, v dôsledku čoho sa narodí určitý celkový eklektický smer, na ktorý mnohí majstrov patrí, v hojnosti sveta prezentovaného v umeleckých galériách.

O 30. gg. 17 storočie Na základe akademickej maľby je zložený štýl zrelého baroka. V ňom, na jednej strane, podmienená povaha obrázkov, ich rozptýlenie a rétoriku, a na druhej strane, sú zavedené, a na druhej strane, sú zavedené prvky naturalizmu, ktoré majú vplyv na subjekty pri interpretácii ľudských obrázkov . Ďalším charakteristickým znakom barokovej maľby je prehnane emocionálny, dynamický obrazový roztok, jeho čisto externá trpezlivosť. Obrazy barokových umelcov sú naplnené miešaným zmätkom násilne gestikulačných čísel, suchom v ich pohybe niektorými neznámymi silami. Rovnako ako v sochárstve, témy divov, vízií, mučeníctva a apotézy svätých stávajú obľúbenou.

Monumentálne dekoratívne maľby zaberajú vedúce miesto v barokovom obraze. Väčšina všetkých kontinuity bola najviac ovplyvnená myšlienkami Bologna akademizmu a formulárov vyvinutých. Prvým zástupcom zrelého baroka bol Giovanni Lanfranco (1582-1647), rodák z Parma, študenta Agrostino a Anbal Karracchi. Sesedne súvisiace s umením Bologna, Lanfranko vo svojej maľbe "Vzostup Márie" v kupole kostola Sant Andrea Della Ball (1625-1628) poskytuje rozhodnutie iné ako dekoratívneho systému maliarskych akademici. Na základe tradícií svojho Countryman Korredago odmieta členstvo v časti jednotlivých oblastí a snaží sa o ilúziu jediného priestoru, čím zničí myšlienku skutočných hraníc interiéru. Obrázky prezentované v ostrých uhloch, z zdola nahor, sa zdajú stúpať v prielomom kopu. Lanfranco ide všetky ostatné obrazy-dekorácie rímskeho baroka. Vzorka pre barokové snímky oltára slúžilo ako jeho obrázok "VÍZI ST. Margarita CortonSkaya "(Florencia, Pitty Gallery), ktorá priamo očakáva" extázu sv. Teresa "Bernini.

Štýl náboženského a mytologického dekoratívneho maľby vykonáva konečne zavedené v práci maliara a architekta Pietro Berrettini da Corton (1596-1669), ktorý hral v maľovaní o rovnakej úlohe Bernini v sochárstve. Vo všetkých malebných dielach Pietro, DA Corton dominuje prvok nespútaného dekorácie. V kostole stránok, Maria Ying Valleylla v rámci pozláteného štukula, zakrytia steny a klenby, prezentovaných extatických gestikulačných svätých, scény divov, lietajúcich anjelov (1647-1651). S osobitným meradlom sa dekoratívny talent Pietro da Corton prejavil v jeho paláckom maľbe. V fresky "ALLEGORIA z božskej prozreteľnosti" (1633-1639) v Palazzo Barberini, toky ľudských obrázkov sú distribuované vo všetkých smeroch za nosníkom, spájajúcou s ostatnými časťami dekoratívneho maľby haly. Všetok tento veľký chaos slúži ako zámienka pre hlučné a prázdne oslavovanie pápeža Urban VIII.

V Roman Barokovej maľbe obdobia jeho rozkvetového obdobia, zvláštny klasický smer sa vyvíja paralelne, priamo pokračuje v rade akademizmu. S dobre známym štýlovým rozdielom bol rozdiel medzi týmito dvoma konštantami pomerne podmienený. Najväčšími predstaviteľmi akademických pokynov v rímskych barokových obrazoch boli Andrea Sakki (1599-1661) a Carlo Maratta (1625-1713).

Sakki, rovnako ako jeho rival Pietro Áno Corton, napísal hlavne dekoratívne Plaffffes ("božská múdrosť" v Palazzo Barberini, OK. 1629-1633) a oltárnych maľbách ("vízia St. Romualda", OK. 1638; Vatikán Pinakotek) označený tesnením Povinnosť kontemplácie a extrémna abstraktnosť obrázkov. Maratta si užila výnimočnú popularitu so svojimi súčasníkmi ako majster monumentálnych oltárnych obrázkov, v ktorých bol napodobňovaný Karratickou a Korredjo. Avšak, obaja majstri majú záujem predovšetkým ako portréty.

Medzi portréty Sakki, portrét merliniho Clement (OK 1640; Rím, Borghese Gallery) je obzvlášť pridelený. Umelec s veľkou presvedčivosťou odovzdala podmienku cielenej meditácie z čítania prelate s inteligentnou a voličovou tvárou. Tento obraz má veľa prirodzenej šľachty a životnej expresivity.

Žiaka Sakki, Maratta, dokonca aj v predných portrétoch zachováva realistický obsah obrazu. V portréte pápeža Clement IX (1669; Hermitage), umelec zručne nominuje intelektuálny význam a jemná aristokracia zobrazená. Celý obraz je navrhnutý v jedinej niekoľkej vyblednutej tonalite rôznych odtieňov červenej. Táto studená krvavosť farby je úspešne v súlade s vnútorným obmedzením a pokojom samotného obrazu.

Jednoduchosť portrétov Sakki a Maratta ich odlišuje od vonkajšieho patta portrétov umelca Francesco Muffeie (cca 1600-1660), ktorý pracoval v Vicenze. Vo svojich portrétoch, zástupcovia provinčnej šľachty sú obklopené alegorické postavy, všetky druhy "slávy" a "cnosti", nevedomky spôsobujú zloženie barokovými náhrobkami. Zároveň, malebný štýl Muffeie, vychovaný na farebných tradíciách benátskych majstrov zo 16. storočia. (YA. Bassano, Tintoretto, Veronse) a vnímali niečo z rozmarnej arbitrážnosti plánov sériovo (Parmajanino, Bellant), sa výrazne líši od chladného a suchého spôsobu rímskych umelcov. Jeho obrazy, naplnené originálnym malebným leskom otvoreným a ponáhľaným ťahom, slobodne roztrúsenými okolo plátna, pripravili pôdu pre MAYA a Benátčanov z 18. storočia. Diela Muffei, rovnako ako blízko k nemu Florentine Sebastiano Mazponi (1611-1678), ktorí pracovali v Benátkach, najlepšie predstavujú zvláštny smer barokovej maľby, označenej vysokým výrazom farieb, ktorý do polovice 17. storočia . Bolo to v severnom Taliansku, presnejšie - v Benátkach a Janove - a ktorá bola prechodnou etapou z umenia Fetti, Strozi a Lissa do umenia umelcov z 18. storočia.

Do konca 17. storočia. Barokový monumentálny-dekoratívny maľba dosahuje svoje vrcholy v práci Giovanni Battista Gaully, prezývaného Bachicho (1639-1709) a Andrea Pozzo (1642-1709). Centrálna práca Gauli bola dekoratívne súborom interiéru Jezuitského kostolu Jesu (1672-1683) - živým príkladom barokovej syntézy architektúry, sochárstva a maľby.

V maľbe plafónu, venovaná sláveníkom Krista a poradie jezuitov, hlavnou herectívnou silou je svetlo, ktoré sa rozprestierajú vo všetkých smeroch, ako keby posunula letecké čísla, váhajú svätých a anjelov a Rafuge hriešnikov. Prostredníctvom ilúzie prielomu oblúka sa toto svetlo naleje do interiéru kostola. Priestor imaginárne a reálne, malebné a sochárske čísla, fantastické svetlo a skutočné osvetlenie - všetky sa spájajú do jedného dynamického iracionálneho celého čísla. Podľa ich dekoratívnych princípov je Jesu Ensemble blízko neskorých diel Bernini, ktorý, mimochodom, nielen výfuku pre gauality, prijímanie tejto objednávky, ale tiež mu dal pomáhať svojim zamestnancom - sochárom a vrstvám.

ANDREA POZZZZO, NIEKOĽKOSTI SPOLOČNOSTI CHARABLESTNÝCH VEĽKÝCH VEĽKOSTI, Sleduje cestu ďalších ilúznych spúšťačov v oblasti plávajúcej maľby, ktorá sa zaoberá v praxi, čo bolo uvedené v jeho slávnej správe o budúcnosti. S jej plastom, napodobňovanou architektonickou scenériou, pozoze bol zdobený radom Jezuitských kostolov Talianska. Najvýznamnejším z nich bol obrovský plast Rímskej cirkvi Sant Inycio (1691-1694). Motley a suché maľovanie, je postavený na závratných iluzórnych účinkoch: ktorí uskutočnili fantastickú architektúru na maľovanie, pretože naďalej pokračuje v reálnej architektúre interiéru.

Posledný významný zástupca monumentálneho dekoratívneho maľby 17. storočia. Tam bol Neapol Luke Jordano (1632-1705), prezývaný pre mimoriadnu rýchlosť práce "Fa presto" (robí to rýchlo). Sťahovanie z jedného mesta na druhé, z jednej krajiny do druhej, Jordánsko s bezmyšlienkovou ľahkosťou zakryli svoje dekoratívne maľby stovky štvorcových metrov stropov a stien kostolov, kláštorov, palácov. Napríklad jeho strop "triumf yudifi" v Naplatárskom kostole San Martino (1704).

Jordánske kefy patria aj k nespočetným maľbe pre náboženské a mytologické témy. Typické eklektické virtuoso, ľahko spája štýl svojho učiteľa Rifery a Manera Pietro a Corton, Benátskej chuti a "Tvar" Caravaggio, čím sa vytvárajú veľmi temperamentné, ale mimoriadne povrchné práce. V duchu takéhoto "barokového kazetu" sa snažil použiť realistické dedičstvo Caravaggio (1613-1699), iní majster neapolskej školy - MATTIA (1613-1699).

Osobitné miesto v talianskom maľbe stojan zo 17. storočia. Je obsadená žánrom idylickým pastorálnym a romantickým krajinným krajinným krajinám, ktorý tento veľký význam dostal v európskom umení. Najväčším zástupcom talianskej pastoračnej maľby je gidoese giovanni benedetto Castiglion (cca 1600-1665). Origins tohto žánru idú do Benátky Jacopo Bassano. Castiglion je do značnej miery spojený s modernými zvieratami človeka, ktorí pokračovali v tradíciách flámskych majstrov, ktorí žili v Janove. Náboženský pozemok mu slúži len zámienka pre pripojenie obrazového živočíšneho života, pre obraz v jednom obraze všetkých druhov zvierat ("exil z obchodovania z chrámu", Louvre; "Noah, zvoláva zvieratá" v Drážďanoch a Janove ). Milovať bohatstvo živočíšneho sveta, veľkorysá povaha, ktorá je jediným obsahom týchto obrazov, nie je však bez toho, je tenký poetický pocit. V iných obrázkoch, táto poetická nálada získava určujúcu expresiu; Emocionálna úloha krajiny a ľudských postavičiek. Život je k nemu nakreslený vo forme vynikajúcej idyll na lone prírody ("Vakhanalia", Hermitage; "Pastoračná", GMI. A. S. Pushkin; "Hľadanie Kira", Janov). Avšak, vo svojich bukolických kompozíciách, niekedy veľmi sofistikované, vždy trochu zmyselné a fantastické, neexistuje hlboký prienik do starobylého ideálu krásneho, čo sa dosahuje v mačkách Pussen na takýchto témach. Obrazy ich pastoračov Castiglion sa opakovali v mimple-dokončených leptoch, kresbách a monotypoch (bol vynálezcom monotypovej technológie). Okrem Janov Castiglion pracoval dlhú dobu na Mantoan Yard av iných mestách Talianska.

S menom Neapolitan Salvator Rosa (1615-1673), myšlienka takzvanej romantickej krajiny je zvyčajne spojená a všeobecne o zvláštnom "romantickom" smere v maľbe 17. storočia. Vďaka tomu Rosa Salvator si v 19. storočí tešil prehnaný úspech, v čase univerzálneho hobby romantizmu. Popularita Rosa Veľa prispela k jeho nepokojnému strašnému životu a povstaniu, ešte viac zdobené všetkými druhmi legiend a vtipy. Talentovaný self-učený umelec, úspešne zlyhal ako hudobník improvizátor, herec a básnik. Práca v Ríme, nechcel zosúladiť s umeleckou diktatúry Bernini, ktorý sa stlačil vo veršoch a z divadelného štádia, pretože to, čo bolo dokonca nútené opustiť mesto na chvíľu.

Malebná tvorivosť Ruže je veľmi nerovnomerná a protichodná. Pracoval v širokej škále žánrov - portrét, historický, právabný a úpravný, napísal obrazy na náboženské pozemky. Mnohé z jeho diel sú priamo závislé od akademického umenia. Iní, naopak, svedčia o hobby karavagizmu. Taký je obraz "márnotratného syna" (medzi 1639 a 1649; Hermitage), v ktorej je lepší ovčiak zobrazený vedľa kravy a oviec. Špinavé podpätky z márnotratného syna, ktorý sa vydávajú v popredí, žije sa podobá recepcii Caravaggio.

"Romantický" tenký sklon sa prejavil v jeho bitkách, scénach vojenského života a krajiny. Je to obzvlášť charakteristické pre jeho krajiny s číslami vojakov alebo banditov ("Trublihals vojakov", Rím, Doria-Pamfili Gallery; "Vojaci, ktorí hrajú v kosti", GMI. A. S. Pushkin). Romantická krajina Rose Rose založená na akademiku, s ktorým sa spája všeobecné techniky pre kompozitné a farebné maľby (táto blízkosť je obzvlášť viditeľná v mnohých "prístavoch"). Ale, na rozdiel od akademici, Rosa zavádza prvky živého, emocionálneho vnímania prírody do krajiny, ktorý ju prenáša zvyčajne ako ponurý a rozrušený prvok ("krajina s mostom", Florencia, Pitty Gallery; "Rozlúčka s Astarta s pastiermi", Viedeň, umelecké a historické múzeum). Hluční rohy lesa, objemné skaly, tajomné ruiny, obývané lupičom, sú jeho obľúbené témy. Romantická interpretácia krajiny a žánru v práci Rose bola nejaká opozícia voči oficiálnemu barbarskému a akademickému umeniu.

Najjasnejšia a najvýraznejšia expresia "romantického" prúdenia bola akútna subjektívne umenie Alessandro MAYA, prezývaného Lisandrino (1667-1749). Genoa je pôvodom, strávil väčšinu svojho života v Miláne (do roku 1735), len raz po vykonaní dlhej cesty do Florencie (cca 1709-1711).

Bez ohľadu na to, čo málo Vo svojich obrázkoch, dlhý ráfik, cigánsky, túlavých hudobníkov, vojakov, alchymistov, ulice Charlatani sa konajú v jeho obrázkoch. Ale väčšina z mnohých mníchov. Že ide o voľne žijúcich živočíchov v lese alebo na brehu vírenia mora, potom je to kláštorní bratia v recepcii, odpočinku z ohňa alebo zmäkne modliť.

MAYA slúži svojimi obrazmi rýchlymi frakčnými ťahmi, skrúcinou strkať neprimerane predĺžené, rozbité postavy s niekoľkými cikzag kefa blows. Odmieta multicolor maľby a píše monochromatický, zvyčajne v tmavozeňanom-sivej alebo hnedasterivej gama. Veľmi individuálny, farebný sofistikovaný štýl MATEA s jeho systémom zvlnených, hnuteľnými škvrnami je veľmi odlišný od šťavnaté, plnohodnotné barokové maľby, priamo pripraviť v mnohých ohľadoch malebný jazyk 18. storočia.

Vedúce miesto v práci pána berie krajinu - mysticky duchovným prvkom lesa, morských búrky a architektonické zrúcaniny obývané bizarnými postavami mníchov. Ľudia predstavujú len časticu tohto prvku, rozpúšťajú sa v ňom. So všetkou emocionálnou krajinou je krajina MATEA ďaleko od skutočnej prírody. Majú veľa čisto dekoratívnych účinkov, ktoré nie sú zo života, ale z spôsobu umelca. MAYA, na jednej strane, emocionálne subjektívnemu pochopeniu krajiny, a na strane druhej - na obraz scenérie ako dekoratívny panel ("sekulárna spoločnosť v záhrade"; Janov, Palazzo Bianco). Oba tieto trendy sú už vo vyvinutej forme, neskôr sa stretávame s krajinnými hráčmi z 18. storočia.

Zničený pešiak, zaplavený španielskymi, francúzskymi, rakúskymi vojskami, hroznou chudobou ľudových hmôt, priniesla na limit vojen a nemilosrdných porážok, opustených dedín a ciest, predaním trampov, vojakov, mníchov, atmosféru duchovnej depresie - To je to, čo viedlo k beznádejne pesimistickému a grotesknému umeniu MATEA.

Veľkého záujmu je ďalší umelec prelome 17-18 storočí., Bologna Giuseppe Maria Cresmen (1664 - 1747).

Výnimočným malebným temperamentom kríža, jeho realistické ambície vstupujú do nezlučiteľného konfliktu s celým systémom akademického maľby, v tradíciách, z ktorých bol vychovaný. Tento boj prechádza všetkou prácou polmesiaca, čo spôsobuje ostré skoky svojím umeleckým spôsobom, ktorý sa niekedy mení nad rámec uznania. Je pozoruhodné, že skoro rámovo, najmenší akademický pre všetkých akademických majstrov mal veľký vplyv na vytvorenie krížového štýlu. Stopy tohto vplyvu sú primárne ovplyvnené v tmavohnedé-olivovej chuti mnohých pohladzov, v ich hrubom obalení osvetlenia. Prostredníctvom Mscroshino dosiahol prechod ozveny realistického umenia Caravaggio. Vývoj malebných zručností Kresses prispelo k jeho širokom známosti s umelcami zo 16. storočia. a rembrandt.

Čoskoro a neskoré diela pána sú úzko spojené s akademizmom. Píše veľké náboženské kompozície ("Smrť Jozefa", Hermitage, "sv. Rodina", MMI. A. S. Pushkin - obaja. 1712) alebo malé mytologické maľby, niekoľko pripomienok Albány ("Amours, Nerearmované nymfy", GMI. Ako Pushkin). Súbežne, vytvára veľa malých žánrových obrazov, rád väčšinou formálne úlohy sfarbenia a osvetlenia alebo pikantnej pozemnej zábavy. Iba niektoré z práce zrelých rokov súvisiacich s prvou dekádou 18. storočia, predložili kríž v mnohých najväčších talianskych maliarov tejto éry.

Najlepšie diela kríža patrí do svojho "self-portrét" (cca. 1700; Hermitage). Umelec sa líšil ceruzkou v ruke, jeho hlava bola náhodne zviazaná vreckovkou. Portrét je neoddeliteľnou v tajomnej romantickej prírode a príležitostnej umení. V žánri maľovanie "Market v Podzhio-A-Kaiano" (1708 - 1709; UFFA), slávnostné oživenie trhu obce bol prevedený. Všetko poteší oči umelca: a postavy roľníkov v širokoorganizovaných klobúkoch, a načítaný somár, a jednoduché hlinené hrnce, napísané, akoby to boli vzácne riad. Takmer súčasne s "trhom", Kresk píše "bitie detí" (Uffizi), pripomínajúcej nervovej dramatickosti práce MAYA. Porovnanie "trhu v Podzhio-A-Kiano" a "Bitie dojčiat" hovorí o extrémnych osciláciách z realistického žánru na náboženský výraz, ktorý opisuje všetku nekonzistentnosť umeleckého svetonázra Rady.

Obe tieto strany umenia Kresses sa spájajú spolu v slávnej sérii obrázkov na témach sviatostí kresťanského náboženstva (cca. 1712; Drážďany). Myšlienka takejto série vznikla náhodne. Najprv Rady napísali "priznanie", veľkolepú malebnú scénu, kedysi videli v kostole. Preto myšlienka vykresľuje zostávajúce cirkevné obrady, symbolizujúce fázy životnej cesty osoby od narodenia na smrť ("krst", "milnopomazing", "svadba", "spoločenstvo", "oddanosť na Monastic San", "Cobit").

Každá scéna je extrémne stručná: niekoľko tvarov close-up, takmer úplný nedostatok častí domácností, neutrálne pozadie. Osvetľuje Shimmer Strieborné svetlo, pokojné postavy jemne vyčnievajú z okolitých polovičných častíc. Ľahkosť nemá karavagistickú konkrétnu konkrétnu, niekedy sa zdá, že oblečenie a tváre ľudí emitujú svetlo. S výnimkou "priznania" tvoria všetky ostatné obrazy holistický cyklus, ktorej emocionálna jednota je zdôraznená zjavnou monotónnosťou stlmenej hnedasto-zlatej chuti. Pokojné tiché postavy sú naplnené náladou smutnej melanchólie, získavajúca odtieň mystického azcetizmu v scénach smutného mníšskeho života. Ako pochmúrny epilóg, nevyhnutne konečný život osoby s radosťami a smútok, posledný obrad je zobrazený - "korekcia". Hrozné beznádejnosť fúka zo skupiny mníchov, ohýbanie nad umierajúcim kolegom; V presne rovnakom spôsobe sa leskli v tme tonsor jednej z mníchov, oholená hlava umierania a leží na stoolu Skull.

Podľa emocionálnej expresivity a lesku malebného majstrovstva "sviatostí" tvoria česť najsilnejšie po dojme Karavago vo všetkých talianskych maľovaní 17. storočia. Ale čím viac zrejmé obrovský rozdiel medzi zdravým Plebeian Realizmus Caravaggio a bolestivým nevyváženým umením kríža.

Kreativita MAYA a KRESSE Spolu s umením late-board dekorátorov je brilantná, ale naliehavým zhrnutím storočia, ktorý začal sprostredkovateľský z kamión.

Do 13. storočia v Taliansku, byzantská tradícia, nepriateľská k akémukoľvek slobodnému rozvoju alebo individuálnemu pochopeniu dominovali. Len pre 13. storočia bola potiahnutá schéma obrazu oživená v práci niektorých veľkých umelcov, predovšetkým Florencia.

Zobrazí sa nové, realitné vnímanie harmónie farieb a hlbšie vyjadrenie pocitov. Od umelcov 13-14 storočí môžete hlas, ako je Ercole de Roberti, Francesco Frank, Jacopo de Barbari.

Yatlyanskaya Život 15 - 16. storočia

Počas tohto obdobia bol distribuovaný takýto štýl maľovania ako manažmentu. Vyznačuje sa starostlivosťou z jednotu a harmónie osoby s prírodou, všetkými materiálnymi a duchovnými, to je na rozdiel od renesancie.

Veľké centrum maľby - Benátky. Príspevok Torian do značnej miery určil Benátky maľby 16. storočia, a to umelecké úspechy pána a jeho produktivity. Rovnako vlastnil všetky žánre, svietili v náboženských, mytologických a alegorických kompozíciách, vytvorili početné vzrušujúce portréty. Titian nasledoval štylistické smery svojho času a zase ich ovplyvnil.

Veronese a Tintoretto - Na rozdiel od týchto dvoch umelcov, dualita benátskej maľby v polovici 16. storočia, pokojný prejav krásy pozemskej existencie na výsledku renesancie vo verončine, asertívny pohyb a extrémne iné V niektorých prípadoch tiež rafinovaná zvádzanie sekulárneho charakteru v práci Tintoretta. Na obrázkoch Veronese neexistujú žiadne problémy tej doby, píše všetko, akoby to nemohlo byť inak, ako keby bol život krásny, ako to je. Scéna zobrazená v jeho maľbách vedie "skutočnú" existenciu, ktorá neumožňuje žiadne pochybnosti.

V opačnom prípade Tintoretto, všetko, čo píše, naplnený napätým akciou, dramaticky pohybuje. Nič nie je pre neho neotrateľné, veci majú veľa strán a môžu sa prejaviť rôznymi spôsobmi. Opakovaný medzi hlboko náboženskými a sekulárnami-piquant, aspoň elegantnými, maľbami, o ktorých dve výtvory "spása Arsinoe" a "Archanjel Mikhaila so satanom" a "bojujúcim archanjelom Mikhail", sa snažia o originalitu matomatizmu, ktorý nie je Iba pre benátsky tintoretto, ale aj sme oslávili Correggio Parmajanino, ktorý prichádza z tradícií.

Talianska maľba 17. storočia

Toto storočie je pozorované ako čas zosilnenia katolicizmu, konsolidácie cirkvi. Obrázok maľby v Taliansku bol spojený, rovnako ako v predchádzajúcich storočiach, s rozdelením do samostatných miestnych škôl, čo bolo dôsledkom politickej situácie v tejto krajine. Renaissance Taliansko bolo chápané ako počiatočný bod ďalekosiahlych vyhľadávaní. Môžete priradiť umelcov Rímskej a Bolognej školy. Jedná sa o Carlo Storetia z Florencie, tekvica, Nyolon a Pagani z Milána, Alessandro Turks, Pietro Negri a Andrea hrudníka z Benátok, Ruoppolo a Luka Jordano od Neapol. Rímska škola otrasie celú sériu obrazov na podobenstvách Nového zákona Domenico Fettyho, naučil sa na príkladoch Caravaggio a Rubens.

Andrea Sakki, študent Francesco Albani, predstavuje výrazný klasický smer rímskej maľby. Klasicizmus ako pohyb oproti baroke vždy existoval v Taliansku a vo Francúzsku, ale v týchto krajinách mal inú váhu. Tento smer predstavuje Carlo Maratto, Študent Sakkiho. Jedným z hlavných zástupcov klasickej tendencie bol Domenicino, ktorý študoval v Denis Kalvart a Karatchchi v Bologni.

Pierre Francesco Mall pod vplyvom smútku bol oveľa viac barokový, silnejší pri interpretácii svetelného tieňa, pri prenose hnedého teplého tónu. Tiež zažil vplyv Caravaggio.

V 17. storočí, expresne vyvinuté barokové formy s pocitom "prirodzenosti" a na obraze zázrakov a vízií, však, divadelné, umyté, ako keby hranice medzi realitou a ilúziou.

Realizmus a klasicizmus trendy sú charakteristické pre túto éru, bez ohľadu na to, či sú birmované barokovými alebo vnímanými ako súčasti tohto štýlu. Rose Salvator z Neapolu bol krajinným systémom s veľmi významným vplyvom. Jeho diela študovali Alessandro MATERA, Marco Ricci, Francúzsky Claude Joseph má pravdu.

Talianska maľba urobila silný dojem na celej Európe, ale Taliansko, zase nebola slobodná od opačnej expozície majstrom severu. Príkladom nasledujúceho gólu maľby Wauverman, ale s individuálne vyvinutým a ľahko rozpoznateľným rukopisom, je Michelangelo Cherkvoochechi s jeho "Wake-up po bitke". Bol vytvorený ako umelec v Ríme pod vplyvom toho, čo sa deje z Harlema \u200b\u200ba ktorý žil v Ríme Peter Wang Lara.

Ak benátsky maľba 17. storočia poskytuje dojem z intermezzo, sprostredkovateí medzi Veľkou minulosťou 15 a 16. storočia a nadchádzajúci kvet v 18. storočí, potom tvárou v tvár Bernardo Strozzi, Gennoese Maľba má umelec najvyššie Rank, zavedený do maľby barokovej maľby v Taliansku, rozsiahle akcenty.

Talianska maľba 18. storočia

Rovnako ako v predchádzajúcich storočiach mali jednotlivé školy talianskej maľby vlastnú tvár v 18. storočí, hoci sa znížil počet skutočne významných centier. Benátky a Rím boli veľkým zameraním rozvoja umenia z 18. storočia, Bologna a Neapol mali svoje vlastné vynikajúce úspechy. Vďaka majstrom renesančnej Benátky boli v 17. storočí stredná škola pre umelcov z iných miest Talianska a celej Európy vo všeobecnosti, ktorí tu študovali Veronese a Tintoretto, Titian a Georgeon. To je napríklad Johann Fox a Nikola Rainier, Domenico Fetti, Rubens a Bernardo Strozzsi.

18. storočie začína v takýchto umelcov ako Andrea hrudník, Piero Negri, Sebastian Ricci, Giovanni Battista Piaztette. Najviac charakteristické vyjadrenie jeho originality dáva obrázky Giovanni Battista Tapolo, Antonio Channel a Francesco Guard. Nádherný dekoratívny rozsah výrobkov je živo výrazný vo svojich monumentálnych freskách.

Bologna so svojimi vhodnými spojmi s Lombardiou, Benátkami a Florenciou je centrom Emilie, jediným mestom tejto oblasti, ktoré sa v 17. a 18. storočí predložili vynikajúcich majstrov. V roku 1119 bola založená najstaršia univerzita v Európe so slávnou právnickou fakultou, duchovný život mesta výrazne ovplyvnil taliansky maľby z 18. storočia.

Najatraktívnejšie diela sú prácou Giuseppe Maria Cresmen, v prvom rade, ktorá sa uskutočnila v roku 1712. Séria "Sedem sviatostí kostola". Malebná škola Bologna má tvárou v tvár poradenstva umelca európskeho meradla. Jeho život označuje pol až 17, pol až 18. storočia. Ako študent Carlo Kinyani, ktorý zase študoval z Francesco Albánskeho, zvládol akademický umelecký jazyk, ktorý pridelil Bologna maľovanie od Carragechi. Dvakrát kresy navštívili Benátky, učiť sa a inšpirovať ostatných. Zdá sa, že najmä Pianzetta si zapamätala svoju prácu na dlhú dobu.

Bologická maľba začiatkom 18. storočia, okrem Kresses, predstavuje Hambarini. Studená chuť a ručná zrozumiteľnosť, atraktívny anecdotalny obsah svojich obrazov je nútený v porovnaní so silným realizmom Rady, aby ho viac pripisovalo akademickej škole.

Tvárou v tvár Francesco Solimers mal neapolský maľba zástupcu uznaný celú Európu. V Rímskej maľbe 18. storočia sa prejavuje klasický trend. Tento príklad sú umelci ako Francesco Trevizani, Pompeo Dzhirolamo Batoni a Giovanni Antonio BOUTTI. 18. storočie bolo storočím radosti. Aristokratická kultúra vo všetkých oblastiach v prvej polovici 18. storočia sa obávala brilantné prekvitajúce neskoré baroky, ktoré sa prejavili na festivaloch súdu, vynikajúce operácie a v zákonoch K Kroky.

Taliansky umelec Michelangelo Merisi Áno Caravaggio slávne slávne svetlá. Čísla na jeho obrazoch, ako keby vyčnievali z tmy, grilované jasnými lúčmi svetla. Táto metóda po smrti umelca prijala početné nasledovníci.

Vezmite Kristovi do väzby, 1602

Umenie Caravaggio malo obrovský vplyv na kreativitu nielen mnoho taliančín, ale aj popredných majstrov Západovíkovi XVII storočia - Rubens, Yordans, George de Labrand, Surbaran, Velasquez, Rembrandt. Karavadzhisti sa objavil v Španielsku (José Ribera), Francúzsko (Trofium Bigo), Flámsko a Holandsko (Utrecht Caravagists - Gerrit a Villem Wang Honthorsti, Hendrik Terbrujgen, Judis LEISTER) a ďalšie európske krajiny, nehovoriac o samotnom Taliansku (Orazio Jegeniski, jeho dcéra Artemisia Gegenish).

"Pozícia v rakve" (1603)

Michelangelo Merisi Áno Caravaggio / Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. september, 1571, Miláno - 18. júla, 1610, Porto Ercole) - Taliansky umelec, reformátor európskej maľby XVII storočia, zakladateľ realizmu pri maľovaní, jeden z najväčších majstra baroka. Jeden z prvých, ktorý použil písmeno písmenom "Kyarostkuro" - ostrý útlak svetla a tieňa. Neboli nájdené jediné kreslenie alebo náčrt, umelec jeho komplexné kompozície okamžite realizované na plátne.

Milan 1571-1591

Syn Architektovej farmy Merisi a jeho druhá manželka Lucia Arantori, dcéra vlastníka pozemku z mesta Caravaggio, neďaleko Milána. Otec obsluhoval manažér Marquis Francesco Sforza da Caravaggio. V roku 1576, Otec a dedko zomreli počas moru, matka a deti sa presťahovali do Cavaggio.

David a Goliath 1599

Prvé patróny budúceho umelca boli vojvododí a vojvodka stĺpca.V roku 1584, v Miláne, Michelangelo Merisi prichádza na dielňu Petrokano, ktorý bol považovaný za študenta Torian. V tom čase, manierstvo dominoval umeleckému svetu Talianska, ale pozície Lombarda realizmu boli v Miláne silné.

Prvé diela umelca, napísané v Miláne, žánrových scén a portrétoch, nedosiahli tento deň.

Do konca 1580 rokov je život temperovaného za tepla v povahe merania zatienený škandálov, bojov a odňatia slobody, ktorý ho bude sprevádzať celý život.

V roku 1589, umelec prichádza domov, aby predal svoju krajinu, zrejme, potrebuje peniaze. Naposledy navštevuje dom po smrti matky v roku 1590. Na jeseň roku 1591 je nútený utiecť z Milána po hádke za kartou hra, ktorá skončila vražda. Po zastavení najprv do Benátok, ide do Ríma.

"Povolanie apoštolu Matthew" (1600)

Rím 1592-1594

V hlavnom meste, podľa zvykov talianskych umelcov tej doby, dostane prezývku spojenú s miestom narodenia, ako napríklad to bolo s veronským alebo KORREZO. Takže Michelangelo Merisi sa stal Caravaggio.

V roku 1593, Caravaggio vstúpi do workshopu Cesari d'Arpino, ktorá poveruje Caravaggio písať kvety a listy na fresky. V dielni, d'Arpino, on sa stretol s náplasťami a umelcami, najmä Jan Breighel.

Čoskoro diela Caravaggio sú napísané pod vplyvom Leonardo da Vinci (s "Madonnou v skalách" a "posledná večera" sa stretol v Miláne), Georgeon, Titian, Giovanni Bellini, Manteny.Prvý obrázok, ktorý k nám prišiel, je "chlapec, čistenie ovocia" (1593).V dielni, d'Arpino Caravaggio spĺňa Mario Minni, ktorý sa stal jeho študentom a modelom mnohých obrazov, z ktorých prvá je "mladý muž s ovocným košíkom" (1593-1594).

"Chlapec s ovocným košíkom", 1593-94, Borghese Gallery

Po boji, Caravaggio vstupuje do väzenia Mi-di nona, kde sa jeho stretnutie deje s Jordanom Bruno.Čoskoro sa hrdzala z Cesari d'Arpino, bezdomovcov Caravaggio pozval proti sebe na gramatiku.

V roku 1593, rímska horúčka ochorela (jeden z mien malárie), bol v nemocnici šesť mesiacov na pokraji života a smrti. Možno, že pod dojmom ochorenia vytvára obraz "pacienta WAKM" (1593) - prvý self portrét.

"Patient vaks" (fragment) (1593), galéria Borghese

Prvé multifigúrové maľby boli vytvorené v roku 1594 - to je "Schuler" a "Gadalka" (Capitolian Museums). Georges de lat následne napíše svoj "Fortune Teller" s identickým zložením.

"Schuler" (1594)

"Gadalka" (1594)

Na jeseň, 1594 Caravaggio začína pracovať na kardinále Francesco del Monte, presťahuje sa do jeho vily Madama, kde sa stretáva s Galileemom, Campelou, vydala portu, Marino a Miless Baseets.

Rím 1595-1599

Toto obdobie života, ktoré sa konalo v madamickej vilu, bola navyše veľmi plodná pre Caravaggio, okrem toho, maľby vytvorené v tomto čase takmer všetko bolo zachované do súčasnosti.Na obrázku "Musicians" (1595) v centre zobrazoval Mario Minni a vedľa umelca sa poslal s rohom.

"Hudobníci" (1595). Caravaggio sa napísal s rohom medzi dvoma hudobníkmi

Vo forme AMUR s hrozne, niektorí výskumníci vidia erotický náznak vzťahov s Minniti. Minni je tiež znázornený na obrázku "Boy, Burd na jaštericu" (1596, Londýn), predávané podľa Valentino umeleckých predmetov.

"Chlapec, ohutený jašterica"

V roku 1595, napriek odporúčaniam, gymbolárnym údajom, prospere Orsi, Caravaggio bol odmietnutý vstup do Akadémie sv. Lukáša. Hlavným oponentom prijímania Caravaggio do Akadémie bol jej prezidentom - Federico Zuccaro. Veril, že účinky maľby Caravaggio boli dôsledkom extravagantného charakteru a úspech jeho obrazov sú povinné len ich "odtieň novosti", ktoré bohatí patróny ocenili.

V roku 1596 CARAVAGGIO vytvára prvý zátiší život v histórii talianskej maľby - "ovocný košík".

"Ovocie košík" (1596), Pinakotek Ambrosian, Miláno

V "masle" (1596, pustovní), skóre na čítanie bolo jednoduché, to madrigal Jacob Arcaades "Viete, že ťa milujem." Na koho je táto správa adresovaná, nie je známa.

Zapíše takúto plátnu ako:

"Vakh" (1596)

Rovnako ako "Kurtyzanian Willia" (1597), "Portrét Maffeo Barberini" (1598).V roku 1597 kardinál del Monte dostal objednávku na maľovanie stropu svojho bydliska. Takže jediný freska Caravaggio "Jupiter, Neptún a Pluto" sa objavil.

Caravaggio maľby sa stávajú populárnymi.Skutočná sláva Caravaggio priniesla maľby na biblických príbehoch - inovatívna na realizácii je "odpočinok na ceste do Egypta" (1597). "Hlavnou dôstojnosťou maľby je majstrovstvá obnovené ľahké prostredie, vytvárajúcu atmosféru poézie a mieru, doplnená o skromnú krajinu, napísanú pod explicitným dojmom spomienok na pôvodnú lombardsku s jeho trstinou, Rusmi vo vode, strieborné hromadu na pozadí kopcovité hrebeň a večer Sizogy Sky "

"Dovolenka v Egypte" (1597)

Sú tiež napísané "extáza sv. Franciska "(1595)," obetovať Isaac "(1598).

Ecstasis sv. Franciska, 1595

"Saturtifice Isaac"

Prvá žena snímok v práci Caravaggio - "Circling Maria Magdaline" (1597) ukazuje schopnosť umelca hlbokému a poeticky významnému interpretácii obrazu. Obrázok sa predával bankárovi a patrónom umenia Vincenzo Juntignani.

"Chôdza Maria Magdalene"

Nasleduje ju

"Svätá ekaterina Alexandria" (1598)

"Marec a Maria" (1598)

"Judith, Beads of Oloferna" (1598) dokazuje, že Caravaggio v jeho realizme nie je cudzí na úmyselne naturalistické účinky

V "John BAPTIST" (1598) je vplyv Michelangelo viditeľný:

Caravaggio sa stal slávnym. On opustí vilu Madamu a presťahuje sa do domu bankára a kolektora Chiriako Mattei, ktorý kúpil "Fortune Tone". Mario Minni po hádke s Caravaggiom sa oženil a zanechal Sicília.

Rím 1600-1606.

Niekoľko mesiacov Caravaggio schováva na panstve stĺpca. Tam napísal niekoľko obrazov, ale jeho štýl sa stal pochmúrnym: "Saint Francis v myslení" (1606), "večera v Emmaus" (1606). Obrázok Krista sa podobá fresku Leonardo "Poslednú večeru".

Caravaggio sa pohybuje do Neapolu, kde boli napísané viac ako desať obrazov, hoci nie všetky boli zachované:

Ecstase Magdalén (1606)

"Kristus na stĺpci" (1607)

"Salome s hlavou Jána BAPTIST" (1607)

Uznesením Cirkvi, Pio Monte della Miserikhondi napísal s obrovskou malebnou energiou "Sedem milosrdenských záležitostí" (1607), ktorý je stále v tejto cirkvi.

Zrazu, v júli 1607, Caravaggio ide do Malty - v La Valletta.

"St. Jerome "(1608)

N. anathean ich pre katedrálu San Giovanni Dei Kalieriho, sa mi páčilo Grand Master of the Maltský poriadok Aoffe de Vinyakur. CARAVAGGIO píše portréty: Alofa de Vignyakura, neskôr vysoko ocenený Delaracra a Majster majster Antonio Martelli.

14. júla 1608 sa Caravaggio stáva kavalírom maltskej objednávky bez práva na nosenie maltského kríža, pretože nebol šľachtickým.

Maľovanie Taliansko

V Taliansku, kde v XVII storočia konečne vyskúšal katolícku reakciu, je veľmi skoro, kvitne a stáva sa dominantným smerom umenia barokového.

Na maľovanie tohto času boli charakterizované veľkolepé dekoratívne kompozície, prehliadky portrétov zobrazujúcich s názvom šľachticou a dámy s vopred určenou pozíciou, utopí sa v luxusných rúchoch a šperkách.

Namiesto linky sa uprednostňovalo malebné miesto, hmotnostné, čiernobiele kontrasty s pomocou formulára. Barokový porušil zásady deliaceho priestoru na plánoch, princípy priameho lineárnej perspektívy na zvýšenie hĺbky, ilúzie starostlivosti o nekonečno.

Narodenie maľby Barochko v Taliansku je spojené s dielami Brothers Carrachchi, zakladateľmi jednej z prvých umeleckých škôl Talianska - "Akadémia správnej cesty" (1585), tzv. Bologna Academy - workshop, v ktorom Nováčik majstri boli vyškolení v špeciálnom programe.

Annibal Carrachci (1560-1609)bol to najtalentovanejší z troch bratov Carragechi. Vo svojej práci, princípy Bologna akadémie, ktorá urobila svoju hlavnú úlohu, oživenie monumentálneho umenia a tradícií renesancie obdobia jeho rozkvetového umelca, ktoré súčasníci Carrenci boli uctievaní ako vzorka zlepšenej dokonalosti a a určité umelecké "absolútne". Preto Carragechi vníma majstrovské diela svojich veľkých predchodcov skôr ako zdroj, odkiaľ môžete čerpať titánov z oživenia estetických riešení, a nie ako východiskový bod pre vaše vlastné kreatívne hľadanie. Platicky krásne, perfektné nie je "najvyšším stupňom" skutočným pre neho, ale len povinná umelecká norma, umenie, teda proti nehnuteľnosti, v ktorej majster nenájde nový zásadný ideál. Preto podmienenosť a rozptýlenie svojich obrázkov a malebných riešení.

Zároveň ukázalo, že umenie bratov Carragechi a Bologna Academars sa ukázalo byť vhodnejšie na to, aby boli založené na oficiálnej ideológii, niet divu, že v najvyšších (štátnych a katolíckych) sférach, ich práca rýchlo dostala uznanie.

Najväčšia práca bankových carragechi v oblasti monumentálnej maľby - maľby galérie Palazzo Farneza v Rím Freses, hovorí o živote bohov - na pozemkoch "metamorfózy" starovekého Roman Ovidi básnika (1597-1604, bol vykonaný spoločne so svojím bratom a asistentmi).

Maľba pozostáva zo samostatných panelov, ktoré sú v centrálnom veľkom zložení znázorňujúce "Vakha a Ariadne Triumph", ktorý robí reproduktorový prvok v malebnom súbore. Nahé pánske postavy umiestnené medzi týmito panelmi napodobňujú sochu, sú zároveň pôsobiť bolesťami. Výsledkom bol impozantný rozsiahly produkt, veľkolepý smerom von, ale nie zjednotený žiadnym významným myšlienkou, bez ktorého monumentálne obrodzové súbory boli nemysliteľné. V budúcnosti sú tieto stelesnené Karratic princípy túžbou po dynamike zloženia, ilúzie a samo-dekoratívne dekoratívnosti - bude charakteristická pre celú monumentálnu maľbu XVII storočia.

Motívy prijaté v umení renesancie, Annibal Karratchi chce naplniť nažive, moderný obsah. Povzbudzuje k štúdiu prírody, v skorom období kreativity, dokonca osloví žánrovú maľbu. Ale z hľadiska majstra, samotná príroda je príliš nosená a nedokonalá, takže by sa mal zobraziť na plátne už konvertibilné, rafinované v súlade s normami klasického umenia. Preto by sa v zložení mohli existovať špecifické životné motívy len na právach samostatného fragmentu, navrhnuté na oživenie scény. Napríklad na obrázku "narušení fazule" (1580), ironickým postojom umelca na to, čo sa deje, je, že zdôrazňuje duchovnú primitivitulivosť roľníkov, chamtivo jesť fazuľa; Obrazy obrázkov a položiek sú zámerne zjednodušené. V tom istom duchu, ďalšie žánrové maľby mladého maliara sú odohraní: "mäsiarsky obchod", "Self-portrét s otcom", "lov" (všetkých - 1580) - adj., Obr. jeden.

Mnoho malieb Annibal Carrenci majú náboženské témy. Ale studená dokonalosť formulárov ich opúšťa malom prejave pocitov. Iba v zriedkavých prípadoch umelec vytvára diela iného plánu. Toto "smútok Krista" (cca. 1605). V Biblii rozpráva, pretože svätí obdivovateľskí Krista sa zdali uctievať svojmu hrobu, ale zistili, že ho prázdne. Od anjela sediaci na okraji sarkofágu sa dozvedeli o jeho nádhernom vzkriesení a boli šťastní a šokovaní týmto zázrakom. Image a emócie starobylého textu však nenájdu špeciálnu reakciu z prebytočnosti; Mohol by len proti pľúc, fluttering anjela masívy a staticitu žien. Príchuť obrazy je tiež pekná kapusta, ale zároveň je charakterizovaná silou a intenzitou.

Špeciálna skupina pozostáva z jeho diel na mytologických témach, v ktorej jeho vášeň pre majstrov benátskej školy. V týchto obrazov, oslavuje radosť lásky, krásu nahej ženského tela, Annibal sa prejavuje ako nádherný farebný, žijúci a poetický umelec.

Medzi najlepšie diela, Annibal Carrachchi - jeho krajinná práca. Carragechi a jeho študenti vytvorili na základe tradícií benátskej krajiny XVI storočia typ takzvanej klasickej alebo hrdinskej krajiny. V prírode sa umelec tiež transformoval na umelo zvýšený duch, ale bez vonkajšieho patosu. Jeho práca bola položená na jednom z najživších smerov v rozvoji krajiny maľby tejto éry ("Egypt do Egypta", cca. 1603), ktorý potom našiel svoje pokračovanie a rozvoj v práci majstrov následných generácií, v najmä v pousin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610).Najvýznamnejším talianskym maliarom tohto obdobia bol Michelangelo Caravaggio, ktorý možno nájsť najväčším majstrom XVII storočia.

Názov umelca pochádza z titulu mesta v severnom Taliansku, v ktorom sa narodil. Z jedenástich, on už pracoval ako učeň jedného z Milánoch maliarov a v roku 1590 išiel do Ríma, ktorý do konca 18. storočia sa stal umeleckým centrom celej Európy. Je to tu, že Caravaggio dosiahol najvýznamnejší úspech a slávu.

Na rozdiel od väčšiny svojich súčasníkov, ktorí vnímali len viac či menej známy súbor estetických hodnôt, Caravaggio sa podarilo opustiť tradície minulosti a vytvoriť si vlastný, hlboko individuálny štýl. Zároveň sa stala výsledkom svojej negatívnej reakcie na umelecké pečiatky času.

Nikdy nepatria do určitej umeleckej školy, už v počiatočných prácach proti jednotlivej expresivite modelu, bežné motívy domácností idealizácie obrazu a alegorickou interpretáciou pozemku, ktorý je obsiahnutý v umení svornosti a akademizmu ("malý pacient vakh" , "Mládež s ovocným košíkom", ako 1593).

Hoci sa na prvý pohľad môže zdať, že sa presťahoval od umeleckých kanons renesancie, navyše ich opustili, v skutočnosti, že patos jeho realistického umenia sa objavili svojim vnútorným pokračovaním, ktoré položili základy realizmu XVII storočia. To je vysvetlené vlastnými vyhláseniami so všetkou istotou. "Každý obraz, čokoľvek, čo bola zobrazená, a niekto bol napísaný, - tvrdil Karavaggio, - nie je vhodný kdekoľvek, ak všetky jej časti nie sú splnené z prírody; Tento mentor nemôže uprednostniť nič. " V tomto vyhlásení Caravaggio s jeho vlastnou priamou a kategorickou je celý program jeho umenia stelesnený.

Umelec bol veľký prínos k vytvoreniu žánru pre domácnosť ("Schullers", 1596; "Chlapec, ohodnotený jašterica", 1594). Hrdinovia väčšiny Caravaggio diela sú ľudia z ľudí. Našiel ich v Motley Street Crowd, v lacnom Zucchini av hlupných mestách mestách viedli k jeho dielne ako simulárne, uprednostňovali túto metódu práce na štúdium starovekých sôch - to dokazuje prvý životopis typu Umelec D. Bellory. Jeho obľúbené postavy sú vojaci, hráči v kartách, Fortune-Tales, Hudobníci ("Gadaltack", "Butteristic" (obaja - 1596), "hudobníci", 1593) - adj., Obr. 2. Je to "obývajú" žánrové maľby Caravaggio, v ktorom schvaľuje, nie je len právo existovať, ale aj umelecký význam súkromného motívu domácností. Ak v počiatočných dielach Karavago maľba so všetkou jeho plasticitou a presvedčením, bola stále trochu hrubá, potom v budúcnosti sa zbaví tejto nevýhody. Zrelé diela umelca sú monumentálne plátna s výnimočnou dramatickou silou ("povolania apoštolu Matthew" a "mučeníctvo apoštolu Matthew" (obaja - 1599-1600); "pozícia v rakve", "Maryova smrť" (Oba - OK. 1605-1606)). Tieto práce, hoci blízko štýlu jej skorých žánrových scén, ale sú už naplnené špeciálnou vnútornou drámou.

Malebný spôsob Caravaggio počas tohto obdobia je založený na výkonných kontrastoch svetla a tieňa, expresívnu jednoduchosť gest, energetického modelovania objemov, saturácia farieb - recepcie, ktoré vytvárajú emocionálne stres, ktorý zdôrazňuje akútny vplyv pocitov. Obvykle umelec zobrazuje niekoľko tvarov zhotovených close-up, v blízkosti diváka a napísané so všetkou plasticitou, významnosťou a viditeľnou presnosťou. Veľká úloha vo svojich prácach začína hrať životné prostredie, interiér domácnosti a zátišie. To je, ako napríklad na obrázku "Matthew's Porgution", majster ukazuje fenomén nadmorskej výšky-duchovnej vo svete "Low" obyčajný.

Pozemok diel je založený na príbehu evanjelia o tom, ako Kristus zavolal zberateľ Matúš, opovrhoval všetkým, aby sa stal jeho študentom a nasledovníkom. Herci sú zobrazené sedením pri stole v nepríjemnej, prázdnej miestnosti a znaky sú prezentované v plnej veľkosti, oblečená v moderných kostýmoch. Kristus a apoštola Peter, ktorý prišiel do miestnosti, a apoštol Peter sú spôsobené zhromaždenou rôznorodou reakciou - od úžasu na opatrnosť. Tok svetla, ktorý je súčasťou temnej miestnosti, rytmicky organizuje to, čo sa deje, zvýrazňuje a viazanie jeho hlavné prvky (Matthew's Face, Ruka a profil Krista). Starostlivosť z temnoty a ostro smerujúce svetlé svetlo a hlboké tieň, maliar dáva pocit vnútorného napätia a dramatických emócií. Scéna dominuje prvok pocitov, ľudských vášní. Ak chcete vytvoriť emocionálnu atmosféru, Caravaggio majstrovne používa a nasýtenej farby. Bohužiaľ, prísny realizmus Caravaggio nebolo zrejmé mnohými z jeho súčasníkov, prívržencov "HIGHT ART." Koniec koncov, dokonca aj vytváranie diel na mytologických a náboženských témach (najslávnejší z nich - "odpočinok na ceste do Egypta", 1597), vždy zostal verný realistickým princípom svojej domácnosti, takže aj tie najtradičnejšie biblické pozemky dostal úplne iný intímny psychologický tlmočenie iné ako tradičné. A odvolanie na prírodu, ktorú dosiahol priamy predmet obrazu svojich diel, a pravdivosť jej výkladu spôsobila mnohé útoky na umelcovi zo strany duchovenstva a úradníkov.

Napriek tomu, že medzi umelcami XVII storočia to nebolo, snáď, nie jediný zmysluplný, ktorý jedným alebo iný by zaznamenal mocný účinok umenia CARAVAGGIO. Je pravda, že väčšina nasledovníkov Majstra, ktorý sa nazýval Karavagisti, len jeho externé techniky boli usilovne kopírované, a predovšetkým - jeho slávne kontrastné svetlo, intenzita a významnosť maľby.

Pyter Paul Rubens, Diego Velasquez, Husepore de Ribera, Rembrandt Wang Rhine, Rembrandt Van Rhine, Georges de lat a mnoho ďalších slávnych umelcov sa držali prostredníctvom krokov. Nie je možné si predstaviť ďalší rozvoj realizmu XVII storočia bez prevratu, ktorý bol vyrobený v európskej maľbe Michelangelo Caravaggio.

Alessandro MATERA (1667-1749).Jeho kreativita je spojená s romantickým smerom v talianskom umení XVII storočia.

Narodil sa budúci umelec v Janove. Najprv študoval na svojho otca, potom po jeho smrti, v Miláne od jedného z miestnych majstrov, ktorí ho vyškolení s technickými technikami benátskej maľby a učil umenie portrétu. V budúcnosti, MATERA pracovala mnoho rokov v Miláne, Janove, Florencii, a to len na svahu rokov, v roku 1735 sa konečne vrátil do svojho rodného mesta.

Tento talentovaný, ale extrémne protichodný umelec bol obdarený mimoriadne jasnou osobnosťou. Kreativita MATERA nie je prístupná žiadnej klasifikácii: Je to hlboko náboženské, potom rúhanie, v jeho dielach sa ukázal s obyčajným dekorátorom, potom maliar s triasnou dušou. Jeho umenie je naplnené zvýšenou emocionálnosťou, ktorá stojí na pokraji mystiky a prejavu.

Povaha skorých diel umelca, ktorý sa vykonáva počas svojho pobytu v Miláne, určil tradície jazerenej školy maľby, ktorá sa konala na pastoráciu. Ale už také práce, ako pár "vakhanals", "Banditov" (celého - 1710.) - znázorňujúce valcovanie ľudských čísel na pozadí majestátneho starožitných zrúcaniny - nesú úplne odlišný emocionálny náboj, skôr než pokojné pastorácie svojich predchodcov. Sú vyrobené v tmavej farebnej schéme, rušiteľné dynamické škvrny, svedčia o vnímaní mieru v dramatickom aspekte (adj. Obr. 3).

Upozornenie umelca priťahuje všetky nezvyčajné scény tribunálov inkvizície, mučenia, ktoré mohol pozorovať v Miláne pod pravidlom Španielska ("FACE MUSKOURE"), KABÓNOM VO POTREBUJÚCE 1720-e), Nomadic Life Cigán ("Mesto Gypsy") a ďalšie.

Obľúbené pozemky MATEA - Rôzne epizódy z kláštora Life ("Monk's Funeral", "Mesto Mountains", ako - 1720s), CELI DRTERS A ALCHEMOVSKO, ZRYMOVANIE BUDOVY A NOCE KRAJINY S RUSY FIGUMENTOVECI Znaky jeho diel sú gangsters, rybári, pľuzgieriky, cigáni, komiks, vojaci, bary ("krajina s krajinami", 1720) - pôsobia v fantastickom prostredí. Sú znázornené na pozadí ponurých zrúcaniny, zúriaceho mora, divokého lesa, drsných roklín. MATERA ťahajú svoje postavy prehnane predĺžené, ako keby sa postavili av konštantnom kontinuálnom pohybe; Ich predĺžené zakrivené siluety sú podriadené nervu rytmu rozmazania. Obrázky sa permitujú tragickým pocitom nepokojov muža tvárou v tvár slepým silám prírody a závažnosti sociálnej reality.

Rovnaká alarmujúca dynamika rozlišuje jeho krajinné náčrty, s ich podčiarknutou subjektivitou a emocionalita, sa pohybujú do pozadia prenosu skutočných obrazov prírody ("Seascape", 1730s; "Horská krajina", 1720s). V niektorých neskorších prácach Majstra, vplyv krajiny Talianska Salvatore Rose, francúzsky umelec-Manterista Jacques Callo. Táto tvrdo unavená tvár reality a bizarného sveta, ktorý vytvoril umelecká fantasy, ktorá aktívne cítila všetky tragické a radostné udalosti, ktoré sa vyskytujú okolo neho, bude vždy prítomný vo svojich dielach, čo im dáva charakter podobenstva, potom domácnosť scény.

Expresívny malebný spôsob MAYA v niečom očakávali kreatívne hľadanie umelcov XVIII storočia. Píše zúrdene, rýchle ťahy, s použitím valcovacieho svetla, nudné nepokojné účinky osvetlenia, ktoré dávajú jeho obrazy zámerný náčrt, a niekedy dokonca dekoratívnosť. Zároveň je príchuť jeho diel zbavená farebného viacfarebného, \u200b\u200bzvyčajne majster je obmedzený na kurvári-hnedý alebo nazelenalý gamut, avšak vo svojej vlastnej ceste pomerne sofistikovaný a nádherný. Uznávaný v živote a zabudnutí potomkov, tento zvláštny umelec opäť získal popularitu len na začiatku 20. storočia, keď som videl preakote o impresionizmus a dokonca aj expresionizmus.

Giuseppe Maria Kressee (1665-1747), Bologna Rodeň, začal svoju malebnú kariéru s usilovným kopírovaním obrazov a fresky slávnych majstrov, vrátane svojich krajakov Brothers Carracchechi. Neskôr cestoval cez Severné Taliansko, oboznámili sa s dielami vysokých optirskych majstrov, hlavne benátskym (Titian a Veronese).

Začiatkom XVIII storočia. Božnice sú už celkom známe, najmä s ich oltármi. Hlavnou prácou raného obdobia jeho práce je monumentálna maľba Palazzo Count Peplia (1691-1692) v Bologni, ktorých mytologické znaky (bohovia, hrdinovia, nymfy) vo svojich interpretáciách vyzerajú ako rarita Zem, živá a Presvedčenie, na rozdiel od tradičných narušených barokových snímok.

Crescents pracoval v rôznych žánroch. Napísal obrázky na mytologických, náboženských a domácich pozemkoch, vytvorili portréty a stále Lifes a v každom z týchto tradičných žánrov priniesli novú a úprimnú víziu moderného sveta. Záväzok umelca k prírode, presne zobrazujúci okolitú realitu, vstúpila do nezlučiteľného rozpor s kanalizami, sa zmenila na brzdnú tvorbu umenia z tradícií bolonského akademického stavu. Preto cez všetku svoju kreativitu, červená vlákna prechádza konečným bojom proti konvenciám akademického maľby na oslavu realistického umenia.

Na začiatku 1700s. Crescenti sa pohybujú z mytologických scén na obraz pozemkov z roľníckej životnosti, najprv ich zaobchádza najprv v duchu pastoračnej, a potom im dáva čoraz presvedčivejšie povahu maľby domácností. Jeden z prvých medzi umelcami XVIII storočia, začal vykresliť život obyčajných ľudí - Laundoral, umývačku riadu, variť, rovnako ako epizódy z roľníckeho života.

Túžba dať svoje obrazy veľkú spoľahlivosť robí to, že sa vzťahuje na príjem "pivnice" svetla Cavaggio - ostré osvetlenie časti temného priestoru interiéru, takže obrázky získavajú plastovú jasnosť. Jednoduchosť a úprimnosť rozprávania dopĺňajú interiérový obraz položky ľudí v interiéri, ktoré sú vždy vypúšťané v kríži s veľkou malebnou zručnosť ("scéna v pivnici"; "roľnícka rodina").

Najvyšší úspech domácej maľby tej doby bol jeho tkanina "veľtrh v Podzhio-A-Kaiyan" (približne 1708) a "FAIR" (cca. 1709) zobrazujúci preplnené ľudové scény.

Ukázali záujem umelca na graf Jacques Callo, ako aj jeho úzke zoznámenie s prácou holandských majstrov žánru maľby XVII storočia. Ale obrazy roľníkov v Kresdevách sú zbavení irónie Callo, a on nie je tak majstrovstvom schopný charakterizovať stredu, ako holandský žáner. Čísla a objekty prvého plánu sú podrobnejšie napísané podrobnejšie ako zvyšok - pripomína spoločnosť Maña MATEA. Avšak, výtvory gennoézy maliara, uskutočňované v bravura, vždy obsahujú prvok fikcie. Kreses hľadal dôkladný a presný príbeh o farebnej a zábavnej scéne. Jasne distribuuje svetlo a tieň, dáva jeho čísla so životnou konkrétnou konkrétnosťou, postupne prekonávajú tradície pastoračného žánru.

Najvýznamnejšou prácou zrelého pána bola séria siedmich "sedem sviatostí" (1710) - najvyšší úspech barokového maľby začiatku XVIII storočia (adj., Obr. 4). Je to úplne nové v duchu práce, v ktorom odchýlka od tradičného abstraktného výkladu náboženských scén.

Všetky maľby ("priznanie", "krst", "manželstvo", "spoločenstvo", "kňazstvo", "miropomazing", "korešpondencia") napísané v Rembrandt Teplé červenohnedé tonality. Prijatie ostrého svetla predstavuje určitú emocionálnu poznámku pri rozprávaní sviatostí. Farebná paleta umelca je skôr monochromatická, ale zároveň prekvapivo bohatá na rôzne odtiene a prečerpanie kvetov v kombinácii s mäkkým, niekedy svetelným svetlom. To dáva všetkým zobrazeným epizódami tieňa tajomnej intimity toho, čo sa deje a zároveň zdôrazňuje súťaž, s cieľom povedať najvýznamnejšie pre každú osobu v čase oddielu, ktoré sú prezentované vo forme scén z reálnej reality, získavanie charakteru typu podobného. Okrem toho sa tento príbeh nerozlišuje nie doodaktické, zvláštne barokové a sekulárnej edity.

Takmer všetko, čo napísal Master potom, predstavuje obraz postupného vyblednutia jeho talentu. Čoraz viac využíva vo svojich maľbách pribružené pečiatky, kompozitné schémy, akademické pozície, ktoré sa predtým vyhli. Nie je prekvapujúce, že krátko po jeho smrti bola kreativita cesty rýchlo zabudla.

Ako svetlý a výrazný majster bol otvorený len v dvadsiatom storočí. Ale pokiaľ ide o jeho láskavosť, hĺbku a emocionálnu saturáciu, obraz Kresses, záverečné umenie XVII storočia, je horší v ich najlepších prejavách, možno len Caravaggio, ktorého tvorivosť je tak brilantne a inovatívni začali talianske umenie tejto éry .