Farba v obraze impresionistov. Najlepšie obrázky impresionistov s menami a fotografiami

Pre mňa je impresionizmus predovšetkým niečo vzduch, efemérne, nekonzistentne unikajúce. To je ohromujúci moment, ktorý má oko sotva čas na opravu a ktorá neskôr zostane v pamäti MIG najvyššej harmónie. Majster impresionizmu bol známy schopnosť ľahko preniesť tento moment na plátno, ktoré ho obdalo s hmatateľnými pocitmi a jemnými vibráciami, ktoré vznikajú so všetkou realitou pri interakcii s obrázkom. Keď sa pozriete na prácu vynikajúcich umelcov tohto štýlu vždy zostáva určitá doplnková technika nálady.

Impresionizmus (Od dojčania - dojem) je smerom v umení pochádzajúcich vo Francúzsku koncom roku 1860. Jeho zástupcovia hľadali najprirodzenejšie a zbytočné zachytiť reálny svet v jeho mobilite a variabilite, preniesli svoje mumlátové dojmy. Osobitná pozornosť bola venovaná prevodu farieb a svetla.

Slovo "impresionizmus" pochádza z mena dojmu Mone. Sunrise prezentoval na výstave 1874. Malý zoznam novinárov Louis Lerua v jeho časopise zosúladil s umelcami "impressionistov", aby vyjadrili svoje ignorovanie. Názov však prevzal a stratil pôvodný negatívny význam.

Prvá dôležitá výstava impresnírov sa uskutočnila od 15. apríla do 15. mája 1874 v dielni fotografa Nadar. Tam bolo 30 umelcov, len 165 diel. Mladí umelci vyčítali v "neúplnosti" a "hrdzavé maľby", absencia chuti a významu vo svojich prácach, "pokus o skutočné umenie", povstalecké nálady a dokonca nemorálnosť.

Popredné zástupcovia impresionizmu -, Alfred Sisley a Frederick Bazalka. Spolu s nimi položte svoje obrázky Edward Mana a. Impresionisti tiež klasifikujú Johd John ,.

Krajina a scény z mestského života - snáď najviac charakteristické žánre impresionistickej maľby - napísal "na pleniacich", t.j. priamo z prírody, a nie na základe náčrtkov a prípravných náčrtov. Impresionisti stručne pozreli do prírody, všimol si farby a odtiene, zvyčajne neviditeľné, ako je modrá v tieni.

Ich umelecká metóda bola v rozkladom komplexných tónov na ich čisté farebné spektrum. Farebné tiene a čisté štiepenie trepidácie. Impresionsisti uložili farby so samostatnými ťahmi, niekedy používajú kontrastové tóny na jednej časti obrázku. Hlavným rysom impresionistických malieb je účinok živých blikaní farieb.

Aby ste mohli preniesť farbu objektu, impresionisti začali uprednostňovať farby, vzájomne sa navzájom posilňujú: červená a zelená, žltá a fialová, oranžová a modrá. Rovnaké farby vytvárajú konzistentný kontrastný efekt. Napríklad, ak sa na chvíľu pozeráme na červenú farbu, a potom budeme preniesť pohľad na bielu, to sa zdajú byť nazelenalými.

Impresizmus nezvýšil filozofické problémy a ani sa nepokúšal preniknúť na farebný povrch obmedzenia. Namiesto toho umelci sa zameriavajú na povrch, hybnosť momentov, nálady, osvetlenia alebo vizuálne uhlie. Ich obrazy boli reprezentované len pozitívnymi stranami života bez toho, aby ovplyvnili akútne sociálne problémy.

Umelci často maľovali ľudí v pohybe počas zábavy alebo odpočinku. Flirtové pozemky boli prijaté, tancovať, pobyt v kaviarni a divadle, loď prechádzky, na plážach av záhradách. Ak posudzujete obrázky impresionistov, potom život je solídny sériu malých sviatkov, párty, príjemné zábavy mimo mesta alebo v priateľskom prostredí.

Impresizmus zanechal bohaté dedičstvo pri maľovaní. Po prvé, to je záujem o farebné problémy a neštandardné techniky. Impresionizmus vyjadril túžbu aktualizovať umelecký jazyk a prerušenie tradície, ako protest proti bolestnej technike majstrov klasickej školy. No, môžeme teraz obdivovať tieto nádherné diela vynikajúcich umelcov.

Teraz majstrovské diela impresionistických umelcov vnímajú v kontexte svetového umenia: Pre nás sa dlho stanú klasikou. Napriek tomu to nebolo vždy. Stalo sa, že ich plátno nenechali ujsť oficiálne výstavy, kritizované v tlači, nechceli si kúpiť ani pre symbolický poplatok. Boli roky zúfalstva, potrieb a deprivácie. A boj o príležitosť maľovať svet, ako sú jeho viery. Trvalo mnoho desaťročí, takže väčšina by mohla pochopiť a vnímať, vidieť sa s ich očami. Aký bol on, svet, v ktorom impresionizmus napadol na začiatku 1860s, ako keby ostražitý vietor, transformácia?

Verejné otrasy neskorého XVIII storočia, revolúcia vo Francúzsku a Amerike, transformovala podstatu samotného západnej kultúry, ktorá nemohla ovplyvniť úlohu umenia v rýchlo sa meniacej spoločnosti. Zvyčajný na sociálny poriadok od dynastie vláky alebo kostolu, umelci zrazu zistili, že zostali bez svojich zákazníkov. Šľachta a duchovenstvo, Základní zákazníci umenia, zažili vážne ťažkosti. Tam bol nový čas, éra kapitalizmu, plne transformné pravidlá a priority.

Postupne, v zriadených republikách a demokraticky usporiadaných právomocí, bohatská stredná trieda rástla, v dôsledku čoho sa nový trh umenia začal rozvíjať. Bohužiaľ, podnikatelia a obchodníci, spravidla nemali dostatok dedičnej kultúry a výchovy, bez ktorého nebolo možné správne posúdiť rozmanitosť pozemkov alebo zručností, ktoré tvorili aristokraciu.

Nevydaja aristokratické vzdelávanie a vzdelávanie, zástupcovia strednej triedy, vyrobené spotrebiteľmi umenia, boli povinní navigovať pôvodne na úvahy novinových kritikov a oficiálnych expertov. Stará akadémia umenia, ktoré sú správcami klasických mužov, sa stali centrálnymi rozhodcami v umeleckých otázkach. Nie je paradoxne, že niektorí mladí a hľadajú maliarov, ktorí nesú konformizmus, vzburali proti formálnej ambasácii akademického umenia.

Jednou zo základných optiky akadémie týchto časov bola spárovacím orgánom výstavy súčasného umenia. Takéto výstavy boli nazývané salóny - podľa tradície, kontaktovanie názvu haly v Louvre, kde sa umelci prejavili svoje plátno.

Účasť v salóne bola jediná šanca plížiť sa do svojich diel záujmu tlače a zákazníkov. Auguste Renoir v jednom z listov Durane-Rueel hovorí o zavedených ustanoveniach vecí: "Vo všetkých Parížach je to sotva pätnásť obdivovateľov, ktorí môžu uznať umelca bez pomoci salónu a tisíce osemdesiat ľudí, ktorí nebudú Dokonca dostanete štvorcový centimeter plátno, ak je umelec akceptovaný do salónu. "

Mladí maliari neboli nič iné, okrem toho, ako zistiť v salónoch: mohli počuť neškvrnených slov nielen členov poroty, ale aj hlboko rešpektovaných maliarov, ako je Eugene Delacroix, Gustave Kourba, Eduard Mana , bývalé domáce zvieratá, čím sa dostávajú tlačiť na následnú kreativitu. Okrem toho bol salón jedinečnou príležitosťou na nákup zákazníka, zaznamenanie, usporiadať kariéru v umení. Udelenie salónu označené pre umelca, kľúč k profesijnému uznaniu. A naopak, ak porota zamietla prezentovanú prácu, to bolo ekvivalentné estetickému odstráneniu.

Obraz, ktorý sa často navrhuje, aby sa zvážila obvyklé Canons, pre ktoré bola porota Salona zamietnutá: V umeleckom prostredí sa táto epizóda zvýšila škandál a pocit.

Jeden z umelcov, ktorých zapojenie do kabíny vždy vytvorili škandál a spôsobili akademických osôb veľa obáv, Eduard Mana bol. Veľký škandál bol sprevádzaný demonštráciami jeho plátna "Raňajky na tráve" (1863) a "Olympia" (1865), vytvorené nezvyčajne ostrým spôsobom, ktorý obsahuje cudzinec na estetiku. A na obrázku "Incident na Corrida", prezentovaný v salóne z roku 1864, umelecká vášeň pre kreativitu goya. V popredí, maľba maľoval otvorenú postavu bullighter. Pozadie obrazu slúžil ako vyjednávací náklad a riadky odradenia, onmóznych divákov. Takéto akútne a spôsobujúce zloženie vyvolalo hmotnosť sarkastickej spätnej väzby a novín karikatúry. Crazy kritika, Mana roztrhol svoj obraz na dve časti.

Treba poznamenať, že kritici a cartoonisti sa nehanbili vo výbere slov a spôsobov, ako rýchlo uraziť umelca, tlačiť ho na niektoré opatrenia reakcie. "Umelec, odmietol salónom" a neskôr "impresionist", sa stal obľúbenými cieľmi novinárov, ktorí zarobili vo verejných škandáloch. Nekľudné ochorenie kabíny s maliarmi iných konceptov a zaťaženia, ktoré sú unavení z prísnych hraniciach zastaraného akaroza, zmysluplne vyznačené vážnym poklesom, ktorý je v tomto čase opustený v odbore 2. polovice XIX storočia. Konzervatívny salon porota z roku 1863 zamietol toľko tkanín, ktoré cisár Napoleon III zistil, že je potrebné osobne podporiť inú, paralelnú výstavu, aby divák mohol porovnať akceptované práce s odmietnutou. Táto výstava, ktorá získala názov "Landscaping Salon" sa stala mimoriadne módnym miestom obálky - išiel sem smiať a zdôrazniť.

Aby ste mohli byť zvyknutí na akademickú porotu, zobrazovacie maliari by mohli zriadiť nezávislé jednotlivé výstavy. Myšlienka výstavy jedného umelca najprv oznámila umelec-realistickú Gustinu Kourbu. Podal sériu svojich diel na výstavu Parížskej svetovej výstavy z roku 1855. Kultifikačný výbor schválil svoju krajinu, ale odmietla tematické programy. Potom Kourba, naopak, postavený v blízkosti svetovej výstavy Osobný pavilón. Hoci široký malebný spôsob škôlky bol ohromený staršími delacroe, publikum v jeho pavilóne bol trochu. Počas svetovej výstavy v roku 1867, Kursbe obnovil túto skúsenosť s veľkým triumfom - tentoraz vyhral všetky svoje diela v samostatnej miestnosti. Eduard Mana užívanie príkladu z Kourby, otvoril svoju vlastnú galériu počas tej istej výstavy pre retrospektívnu demonštráciu jeho plátiek.

Vytvorenie osobných galérií a súkromné \u200b\u200bvydávanie katalógov predpokladali hmatateľné náklady na zdroje - neporovnateľne veľké ako tí, ktorí často vlastnili umelcom. Puzdrá s Kourba a Mana však tlačili mladých maliarov na pláne skupiny výstavy umelcov nových trendov, ktoré neprijali oficiálny salón.

Okrem sociálnych zmien v odbore XIX storočia, vedecký výskum bol v spletení. V roku 1839 Louis Dagrr v Paríži a Henry Fox Talbot v Londýne preukázali fotografické zariadenia, ktoré ich vytvorili nezávisle od seba. Krátko po tomto podujatí sa fotografia zbavila umelcov a plánov z cla len zachovávania ľudí, miest a incidentov. Objekt oslobodený od dlhu, mnoho maliarov sa ponáhľali do sféry prevodu, subjektívneho, výrazu na emócie plátno.

Fotografia viedla k ďalším názorom v európskom umení. Šošovka, s iným uhlom pohľadu, skôr ako oči osoby, tvorili čiastočné znázornenie kompozície. Zmena uhla natáčania tlačil umelci na nové kompozičné vízie, ktoré sa stali základom estetiky impresionizmu. Jedným z hlavných princípov tohto prúdu bola spontánnosť.

V tom istom roku 1839, keď bol vytvorený kamera, chemik z laboratória parížskej manufaktúry tapisérie Michel Eugene Shevreyl najprv vydal logickú interpretáciu farieb vnímania ľudským okom. Vytváranie farbív pre tkaniny, uistil sa, že v existencii troch hlavných farieb - červená, žltá a modrá, pri zmiešaní všetkých ostatných farieb. S pomocou farebného kruhu, Chevreyl dokázal, ako sa zrodia odtiene, než nie je len pozoruhodne ilustrovaná ťažká vedecká myšlienka, ale tiež prezentovaná umelcom pracovnej koncepte zmesi farieb. Americký fyzik oddenka RUD a nemecký vedec Hermann Background Helmgoli pre jeho časť dopĺňa tento vynález vývojom v oblasti optiky.

V roku 1841 patentoval americký vedec a maliar John Rand patentovali cínové trubice vytvorené ho na farby skaze. Pred umelcom, opustením písania na písanie na písanie, bol nútený byť prvýkrát zmiešaný v dielni farieb, ktoré potrebovali, a po tom, čo ich vyliečila do sklenených kontajnerov, ktoré boli často bojované, alebo v bublinách zo zvieraťa interne, ktoré boli rýchlo dané tok. S príchodom Randovského trubice, ľudia umenia dostali výhodu, že sa s nimi prinášajú všetky rôzne farby a odtiene. Tento objav bol vo veľkej miere ovplyvnil množstvo farebnej schémy umelcov, a okrem toho presvedčili, že idú z svojich workshopov v prírode. V krátkom čase, ako si poznamenal sám, vo vidieckom prostredí krajinných hráčov sa stal viac ako roľníkmi.

Pionári maľby v Prosím, boli umelci z barizonskej školy, ktorí získali svoju prezývku z obce Barbizon v blízkosti Fontaineblo Forest, kde bolo vytvorených väčšina krajín.

Ak starší maliari Barbizon School (T. Rousseau, J. Dupre) v ich práci boli stále založené na dedičstve hrdinskej krajiny, potom zástupcovia mladšej generácie (S. KOTOVI, K. CORO) dostali tento žánru realizmu. Na ich plátna zobrazené krajiny, cudzinecká akademická idealizácia.

Vo svojich maľbách sa Barbizonsonsia pokúsil obnoviť rozmanitosť štátov prírody. Preto maľovali od prírody, snažili sa zachytiť bezprostrednosť ich vnímania. Použitie solárnych akademických metód a finančných prostriedkov v maľbe im však nepomohlo dosiahnuť to, čo bolo neskôr riadené impresionistami. Na rozdiel od toho je príspevok umelcov Barbizzonskaya School do tvorby žánru ireverzibilný: Ponechanie workshopov v záujme bývania, navrhli krajinnú maľbu nových spôsobov rozvoja.

Jeden z priaznivcov maľby na prírodu, Eugene Budy, poučil svojho mladého žiaka Claude Monet, ktorý je potrebný na vytvorenie na pleniaci - medzi svetlom a vzduchu, aby ste maľovali, čo uvažuje. Toto pravidlo sa stalo základom plenárneho maľby. Monetová krátkosť prezentovaná svojim priateľom, Auguste Renuar, Alfred Sisley a Frederick Basile, nová teória: maľovať len to, čo sledujeme na určitej vzdialenosti a so špecifickým osvetlením. Vo večerných hodinách boli mladí maliari v parížskych kaviarňach šťastne zdieľané úvahami a rozoznal svoje nové objavy s horlivosťou.

Zdá sa, že impresionizmus - revolučný smer v odbore poslednej tretiny XIX - skoré xx storočia. Maliari, ktorí sa stiahli na cestu impresionizmu, sa snažili viac a pravdivo zachytiť okolitý svet v ich dielach a každodennej realite v ich nekonečnej mobilite a inkonstancy, vyjadriť svoje prchavé pocity.

Impresizmus sa stal reakciou na stagnáciu v odbore akademicizmu v tých rokoch, túžba zdala si maľbu z tejto beznádejnej pozície, v ktorej bola spokojná s chybou umelcov salónu. Skutočnosť, že moderné umenie je v úpadku, mnohí progresívní ľudia povedali: Eugene Delacroix, Gustav Kourbe, Charles Bodler. Impresionizmus sa objavil pre "utrpenie tela" druhu šokovej terapie.

S príchodom mladých umelcov-genózy dôstojníkov Edward Man, Auguste Renuara, Edgar Dega Winter zmení do francúzskej maľby, čo dáva impedition kontemplácie života, kŕmenie náhodného, \u200b\u200bako keby neočakávané situácie a pohyby, iluzórne záhadnosti a nepravdepodobnosť Formuláre, schopnosť kompozície, nepredvídateľné body pohľadu a perspektívy.

Vo večerných hodinách, keď umelci už nemali možnosť napísať svoje plátno kvôli sotva objasniť, opustili svoje dielne a usilovali sa za stravovacími spormi v parížskych kaviarňach. Takže Cafe Arboua sa stala jedným z nemenných miest, kde sa stretol s hrsťou umelcov, ktorí zjednotili okolo Edward Muž. Vo štvrtok konali pravidelné stretnutia, a v iných dňoch bola skupina živých rozprávania alebo oblúkových umelcov. Claude Moneta opísal stretnutia v Cafe Gerbua: "Nemohlo to byť nič viac vzrušujúce ako tieto stretnutia a nekonečné stretnutie s názormi. Vychutnávali našu myseľ, povzbudzovali naše ušľachtilé a srdcové ambície, dali nám poplatok nad nadšením, posilnili nás mnoho týždňov až do splnenia myšlienky. Opustili sme tieto stretnutia v zdvihnutej nálade, s posilnenou vôľou, s omrvinkou viac dozadu a jasné. "

V predvečer 180. rokov bol založený impresionizmus a vo francúzskej krajine: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Scoestele prvý vyvinul konzistentný systém zajatia. Napísali svoje plátno bez náčrtov a náčrtov v otvorenom vzduchu okamžite na plátno, stelesňovali šumivé slnečné svetlo v ich obrazoch, skvelejšie množstvo prírody prírody, rozpustenie objektov reprezentovaných v médiu, vibráciách svetla a vzduchu, nepokoje reflexov. Na dosiahnutie tohto cieľa bol farebný systém študovaný vo všetkých častiach predstieraný, v ktorom prirodzená farba farby slnečného spektra. Ak chcete vytvoriť nezvyčajne svetlé, jemné farebné textúry, umelci dali na plátne s oddelenými škvrnami čistú farbu, zatiaľ čo optické miešanie v oku osoby sa očakávalo. Táto technika, neskoršia transformovaná a teoreticky argumentovaná, sa stala centrálnou inou výnimočnou umeleckou aspiráciou - interestizmus, pomenovaný "divízie" (z Franz. "Diviser" - rozdeliť).

Zvýšený záujem o impresionistov ukázali na odkazy objektu a životného prostredia. Predmetom ich kontrastnej tvorivej analýzy bola konverzia farby a povahy objektu v meniacom prostredí. Na dosiahnutie tejto myšlienky bola rovnaká položka opakovane zobrazená. S pridaním čistej farby v tieni a reflexoch, čierna farba takmer opustila paletu.

Kritické Jules Lafort tak reagoval o fenoméne impresionizmu: "Impresionista vidí a prenesie prírodu, ako je, to znamená, že jediné očarujúce vibrácie. Obrázok, svetlo, objem, perspektíva, svetlo - toto všetko odchádza na bezplatnú klasifikáciu. Ukazuje sa, že všetko je určené farebnými vibráciami a mali by byť utesnené na farbe vibrácií.

Vďaka otvorenému vzduchu a stretnutiach v kaviarni 27. decembra 1873, anonymné, sochárky, rytveri, atď. - Takže najprv sa hrali impresionisti. Prvá výstava spoločnosti sa konala na jar o rok neskôr v obchodnej galérii Nadar, fotografa-experimentálne, ktorý cestoval okrem výtvorov moderného umenia.

Debut prišiel 15. apríla 1874. Výstava bola naplánovaná na strávenie mesiaca, čas návštev - od desiatich do šiestich a vo večerných hodinách sa stali inováciou, osem až desiatich. Vstupný lístok mal hodnotu jedného franky, katalógy by mohli byť zakúpené za päťdesiat centier. Zdá sa, že výstava sa zdala byť naplnená návštevníkmi, ale dav tam len vyskočil. Niekto žartoval, že úloha týchto umelcov je možné dosiahnuť, ak je pištoľ účtovaná rôznymi farebnými trubicami, potom strieľať na plátne a absolvent z podpísaného podnikania.

Názory boli rozdelené: buď výstava nebola braná vážne, alebo kritizovala v chlpatí a prachu. Všeobecné vnímanie môže byť vyjadrené v nasledujúcom článku sarkastickej aspirácie "Výstava impresionistov" s podpisom Louis Lerew, publikovaná vo forme FAKETONA. Dialóg autora je opísaný tu s akademickým krajinným systémom, ocenených medailí, spolu prechádzajú cez výstavné haly:

"... Ovládajúci umelec prišiel tam, ktorý nenaznačil nič zlé, očakáva sa, že tam uvidí plátno, ktoré sa nachádzajú všade, exponenciálne a Nidigital, viac ako akékoľvek jednoznačné, ale nie sú vzdialené na niektoré umelecké normy, kultúru formy a rešpektovať starý matrah.

Bohužiaľ, forma! Bohužiaľ, starí majstri! Už ich nebudeme čítať, môjho chudobného priateľa! Všetci sme sa zmenili! "

Výstava tiež položil krajinu Claude Moneet, ktorý bol ráno svitaním v zahriatenej hmlovej zálive - maliar ho zavolal "dojem. Sunrise "(dojem). Tu je komentár jedným z postáv satirického článku Louis LEUA pre toto plátno, ktorí dali meno na najnáročnejších a známych kurzom v odbore XIX storočia:

"...- Čo je tu nakreslené? Zdieľať v katalógu. - "dojem. Svitanie". - dojem - tak som predpokladal. Len som sa v sebe odôvodnil, že keď som ohromený, mal by sa dostať nejaký dojem v ňom ... a aký druh oddanosti, čo je hladkosť výkonu! Tapeta v počiatočnom stupni spracovania je dokonalejšia ako táto prímorská prímorská ... ".

Osobne, Monet nebola proti takémuto názvu umeleckého recepcie, ktorý v praxi aplikoval. Hlavnou podstatou jeho práce je práve súd a zachytávanie pošmyknutia momentov života, na to, čo pracoval, vytvoril svoju nespočetnú sériu handričiek: "stohy", "topoľ", "Cathedral Cathedral", "Station Saint-Lazar", "Rybník v Zeves", "Londýn. Budovanie parlamentu "a iné. Ďalší prípad Edgar Dega, ktorý miloval, aby sa "nezávislý", pretože sa nezúčastnil v kabíne. Jeho ostrý, groteskný štýl Písma, ktorý slúžil ako príklad pre mnohých priaznivcov (medzi ktorými bol obzvlášť výnimočný Toulouse-Lotrek), bola nečistota pre akademickú porotu. Obaja z týchto maliarov sa stali najviac iniciatívnych organizátorov následných výstav impresionistov, a to tak vo Francúzsku iv zahraničí - v Anglicku, Nemecku, Spojených štátoch.

Auguste Renoir, naopak, objavujúci sa na prvých výstavách impresionistov, nestratila nádej na dobytie salónu, pričom každoročne poslal dve maľby na jeho výstave. Charakteristická dualita jeho činov sa šíri v korešpondencii svojej súdnej súpravy a patrónom Durane-Rueley: "... Nepodporujem bolestivé názory, že práca je hodná alebo nehodná v závislosti na mieste, kde je preukázaná. Stručne povedané, nechcem zabiť čas márne a byť nahnevaný na salón. Ani nechcem predstierať, že sa hnevám. Len si myslím, že musíte čerpať hneď, ako je to lepšie, to je všetko. WAH, že by som bol vymyslený, že som bol v mojom umení alebo z smiešnych ambícií, ktoré obnovujú z mojich názorov, urobil by som takéto obvinenia. Ale pretože nič, ako to nie je blízko, potom potrebujem ROUCK ME. "

Nezriežili sa sám oficiálne zapojený do smeru impressionárov, Eduard Mana si prečítal maliar-realista. Avšak, netrpezlivý blízky vzťah s impressionistami, ktorí navštevujú svoje výstavy, nepostrehnuteľne transformoval štýl maliara, pričom ho priniesol do impresionistickej. V rokoch smrti svojho života, farby v jeho obrazoch sú rozjasní, rozmazanie kyvadla, zloženie - fragmentárne. Rovnako ako Renoir, Mana čakala na umiestnenie oficiálnych expertov v oblasti umenia a ponáhľa sa zúčastniť na výstavách salónu. Ale napriek svojej túžbe sa stal modlom parížskej avant-gardeistov, ich unfore kráľa. Na rozdiel od všetkého, tvrdohlavo zaútočil na jeho bielizeň salón. Tesne pred smrťou mal šťastie, že získal oficiálnu polohu kabíny. Našiel ho a Augusta Renoir.

Popis kľúčových osôb Impresionizmus by bolo škaredé, aby si nepamätáte aspoň čiastočne o osobe, s pomocou ktorej opakovane zrútil umelecký smer sa stal významným umeleckým akvizíciou XIX storočia, dobyl celý svet. Názov tejto osoby je Paul Duran-Ruel, zberateľ, obchodník s umením, opakovane vykreslený na pokraji bankrotu, ale neodmietol zaviesť impresionizmus ako nové umenie, ktoré dosiahne jeho apogee. Zaoberal sa organizáciou výstav impresionistov v Paríži av Londýne, organizované osobné výstavy maliarov v jej galérii, organizovaných aukciách, jednoducho propagovali umelcov finančne: Tam boli časy, keď mnohí z nich nemali farbu a plátno. Dôkaz o zhodnotení plameňa a rešpektovanie umelcov - ich listy Durane-Rueley, ktoré zostáva ohodnotení. Osobnosť Durane-Rueel je vzorkou inteligentného kolektora a dobrodinca.

"Impresizmus" je koncepcia príbuzného. Všetci maliari, ktoré považujeme za tento tok prešiel akademickým výcvikom, ktorý prevzal dôkladnú prácu z častí a plochým, lesklým malebným povrchom. Čoskoro si však vybrali obvyklé témy a pozemky predpísané interiérom, maľbami v realistickom smere, čo odráža skutočnú realitu, každý deň. Následne každý z nich napísal určitý čas v štýle impresionizmu, snaží sa objektívne prenášať objekty v jeho obrazoch s rôznym osvetlením. Po takomto impresikovom štádiu sa väčšina z týchto anti-záhradných umelcov presťahovala do nezávislého výskumu, ktorý získal zberný názov "postedníctvo"; Neskôr ich tvorivosť prispela k tvorbe abstrakcie XX storočia.

V 70. rokoch XIX storočia bola Európa závislá na japonské umenie. Edmond de Gonkur vo svojich záznamoch správa: "... Pánske japonské umenie ... Urobil som všetko od maľby na módu. Spočiatku to bola mánia takýchto výhier, ako je môj brat a ja, .. Následne sa pripojil k umelcom-impresionistom. " V skutočnosti, v obrazoch impresionistov tej doby, atribúty japonskej kultúry boli často zachytené: voda, KIMONO, SHIRM. Naučili sa tiež štylistické metódy a plastové riešenia z japonských gravítní. Mnohí impresionisti boli nadšení kolektormi japonských gravdingov. Napríklad Eduard Mana, Claude Monet, Edgar Degas.

Všeobecne platí, že tzv. Impresionists od roku 1874 do 1886 vymenili 8 výstav s nerovnaké intervaly; Polovica 55 maliarov patrila do anonymnej spoločnosti, za rôzne okolnosti, sa objavilo len v 1. mieste. Exkluzívny účastník všetkých 8 výstav bol Camille Pissarro, vydaný pokojnou mierovou náladou.

V roku 1886 sa uskutočnila konečná výstava impresnítorov, ale ako umelecká metóda, pokračoval v existovaní. Farby neopustili tvrdú prácu. Hoci bývalé partnerstvo, jednota, už tam nebol. Všetci hodili svoju cestu. Historické konfrontácie skončili, skončili triumfom nových pohľadov a nie je potrebné zjednotiť silu. Adestrators umelcov-impresionistov rozdelili, a nemohli, ale rozdelené: Boli bolestivé, boli všetci, nielen na temperamente, ale aj na názory, na umelecké presvedčenie.

Impresionizmus, ako smer, podľa jeho času, neopustil hranice Francúzska. Takéto otázky boli požiadaní maliari av iných krajinách (James Whistler v Anglicku a USA, Max Lieberman a Corint Ryby v Nemecku, Konstantin Korovin a Igor Grabar v Rusku). Puzlivosť impresionizmu okamžitého pohybu, tvar tekutiny bol prijatý a sochárky (Auguste Roden vo Francúzsku, Paolo Trubetskoy a Anna Golubank v Rusku).

Po dokončení prevrat v názoroch súčasníkov, rozšírenie jeho svetonázoru, impresionistov tak pripravil pôdu pre následnú tvorbu umenia a vzniku nových estetických ašpirácií a myšlienok, nových foriem, ktoré neboli dlho čakať. Príchod z impresionizmu, neo-Simpresicals, postedníctva, perfeionizmu, následne stimuloval tvorbu a tvorbu nových estetických trendov a orientácií.

Impresionizmus je kurz funkcie, ktorý sa objavil v 70. rokoch. XIX storočia vo francúzskom maľbe a potom sa prejavili v hudbe, literatúre, divadle.

Impresionizmus v maľbe sa začal vyvíjať dlho pred známym výstavom 1874. Prvoradý nosič impresionistov sa tradične považuje za edward mana. Bol veľmi inšpirovaný klasickými dielami Titian, Rembrandt, Rubens, Velasqueza. Jeho vízia obrazu Mana vyjadrená na jeho plátna, pridaním "vibračných" ťahov, ktoré vytvorili účinok neúplnosti. V roku 1863 vytvorila spoločnosť Manne Olympia, ktorá spôsobila veľký škandál v kultúrnej spoločnosti.

Na prvý pohľad bol obrázok vyrobený v súlade s tradičnými kanonmi, ale zároveň bola už nesená a inovatívna trendy. Asi 87 recenzií bolo napísaných v rôznych Parížskych edíciách o Olympii. Na ňu bola zozbieraná hmotnosť negatívnej kritiky - umelec bol obvinený z vulgárnosti. A len niekoľko článkov by sa mohlo nazývať benevolent.

Mana vo svojej práci používal spotrebiče prekrytia jednej vrstvovej farby, ktorá vytvorila účinok miest. Následne tento spôsob nanášania farieb nesený umelci-impresionistom ako základ pre obrázky na malebných plátna.

Charakteristickým znakom impresionizmu bolo najkvalitnejšie upevnenie mumlátových dojmov, špeciálnym spôsobom hraním svetelného média s pomocou komplexnej mozaiky čistých farieb, útekových dekoratívnych ťahov.

Je zvedavý, že na začiatku svojich vyhľadávacích umelcov používali cyanometer - nástroj na určenie modrej oblohy. Čierna farba bola vylúčená z palety, bola nahradená inými farebnými odtieňmi, ktoré umožnili, aby nedošlo k pokaziť slnečnú náladu obrazov.

Impresionisti sa zamerali na najnovšie vedecké objavy svojho času. Teória farby Tempel a Helmholtz sa znižuje na nasledovné: Sunbeam je rozdelený do komponentov farieb, a teda tieto dve nátery, ktoré sú na plátne zvýšiť obrazový účinok, a keď je farba zmiešaná, intenzita stráca intenzitu.

Estetika impresionizmu sa vyvíjal, čiastočne, ako snaha o rozhodne oslobodiť sa od dohovoru klasicizmu v umení, ako aj z pretrvávajúcej symboliky a hĺbky neskorého vnútorného maľby, ktoré každému ponúkli, aby videli šifrované zámery, ktoré potrebujú starostlivo interpretácia. Impresionizmus nielen krása každodennej reality, ale fixácie farebnej atmosféry, nie podrobne a nehasenie, zobrazovanie sveta ako večne meniace optický fenomén.

Umelci-impressionisti vyvinuli hotový systém zajatia. Predchodcovia tejto štylistickej rysu boli umelci farieb, prisťahovalci z Barbizon School, ktorého hlavným zástupcom boli Camille Coro a John Constable.

Práca v otvorenom priestore poskytli viac príležitostí na zachytenie najmenších zmien farieb v rôznych časoch dňa.

Claude Monet boli vytvorené niekoľko sérií obrazov na tom istom pozemku, napríklad, vlejená katedrála (séria 50 malieb), "stohy" (séria 15 obrazov), "rybník s vodnými ľaliami", atď Hlavným ukazovateľom týchto Séria došlo k zmene svetlo a farebnej schémy v obraze toho istého objektu napísaného v rôznych časoch dňa.

Ďalším úspechom impresionizmu je vývoj pôvodného malebného systému, kde sú zložité tóny rozložené na čistých farbách prenášaných jednotlivými ťahmi. Umelci nemiešali farby na palete, ale uprednostňovali sa ukladať ťahy priamo na plátno. Takýto prístroj pripojený k maľbe špeciálnu úctu, variabilitu a úľavu. Diela umelcov boli naplnené farbou a svetlom.

Výstava 15. apríla 1874 v Paríži bola výsledkom obdobia formácie a predloženia širokej verejnosti o novom kurze. Expozícia bola nasadená v štúdiu Felix Nadar na Boulevard Kapuchin.

Názov "impresionizmus" vznikol po výstave, na ktorom bol vystavený obraz Monet "dojem. Svitanie". Kritik L. LERUA vo svojom preskúmaní v publikácii "Charivari" dal žartistickú charakteristiku výstavy 1874, čo viedlo k príkladu Monet. Ďalším kritikom, Maurice Denis, Vyrobiť impresionistov v neprítomnosti individuality, pocitov, poézie.

Pri prvej výstave, asi 30 umelcov preukázalo svoje diela. Bolo to najväčšie, v porovnaní s následnými výstavami až do roku 1886.

Nie je možné nehovoriť o pozitívnej spätnej väzbe z Ruskej spoločnosti. Ruskí umelci a kritici-demokrati, vždy živo zaujímavým umeleckým životom Francúzska - I. V. Kramskaya, I. E. Repin a V. V. Stasov - vysoko hodnotil úspechy impresionistov z prvej výstavy.

Nová etapa dejín umenia, ktorá začala výstava 1874, nebola náhlym výbuchom revolučných trendov - bol vyvrcholením pomalého a konzistentného rozvoja.

So všetkými, že všetci veľkí majstri minulosti spôsobili svoj príspevok k rozvoju princípov impresionizmu, okamžité korene toku môžu byť najľahšie zistené v dvadsiatych rokoch predchádzajúcich historickej výstave.

V paralelných výstavách v kabíne získali svoj obrat výstav impresionistov. Nové trendy v maľbe boli preukázané vo svojich prácach. Bolo to vyčítanie kultúry a výstavných tradícií. V ďalších umelci-impressionistov sa podarilo prilákať obdivovateľov nových trendov v umení.

Teoretické poznatky a znenie impresionizmu sa začali rozvíjať dosť neskoro. Umelci uprednostňujú viac praktík a vlastných experimentov na svetlo a farbe. V impresionizme, najprv z malebného, \u200b\u200bsledoval dedičstvo realizmu, anti-akademický, antisaalonický orientácia a inštalácia obrazu okolitej reality tej doby sú v ňom vyslovené. Niektorí výskumníci si všimli, že impresionizmus sa stal špeciálnou pobočkou realizmu.

Nepochybne, v impresionistickom umení, ako v každom umeleckom toku, ktoré vznikajú počas obdobia zlomeniny a krízy starých tradícií, boli tkané, so všetkou jeho vonkajšou integritou, rôzne a dokonca protichodné trendy.

Hlavné prvky boli v predmete diel umelcov, v prostriedkoch umeleckej expresivity. Kniha Irina Vladimirova na impresionists zahŕňa niekoľko kapitol: "Krajina, príroda, dojmy", "mesto, miesta stretnutia a rozlúčku", "Hobby, ako životný štýl", "ľudia a postavy", "portréty a self-portréty" , "Stále život". Popisuje tiež históriu tvorby a umiestnenia každej práce.

Počas rozkvetu, umelci impresionizmus našiel harmonickú rovnováhu medzi objektívnou realitou a jeho vnímaním. Umelci sa snažili zachytiť každý lúč svetla, pohyb vánku, variabilitu prírody. Ak chcete zachovať sviežosť obrazov, impresionistov vytvorili originálny malebný systém, ktorý bol následne veľmi dôležitý pre rozvoj umenia v budúcnosti. Napriek všeobecným trendom v smeroch maľovania, každý umelec našiel svoju tvorivú cestu a hlavné žánre v maľbe.

Klasický impresionizmus predstavuje umelci ako Eduard Mana, Claude Moneet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega.

Zvážte príspevok niektorých umelcov na vytvorenie impresionizmu.

Eduard Mana (1832-1883)

Prvé lekcie maľby manéru prijaté od T. Couture, vďaka tomu, budúci umelec získal veľa potrebných odborných zručností. Kvôli nedostatku náležitého pozornosti učiteľa, húb opustí majstra Majstra a zaoberá sa samozrejmosťou. Navštívi výstavy v múzeách, starí majstri mali veľký vplyv na jeho tvorivú formáciu, najmä španielsky.

V roku 1860, Manae píše dve diela, v ktorých sú vnímané základné princípy jeho umeleckého podčiarknutia. "Lola z Valencia" (1862) a "Fletorist" (1866) ukazujú húb ako umelec, ktorý odhaľuje povahu modelu prostredníctvom farebného prenosu.

Jeho nápady na techniku \u200b\u200baplikovania rozmazania a postoj k farbe boli akceptované inými umelcami-impresionistami. V roku 1870s sa Manae dostane bližšie k svojim nasledovníkom a pracuje na pleniaci bez čiernej na palete. Príchod k impresionizmu bol výsledkom kreatívneho evolúcie sám. Väčšina impresionistických obrázkov Mana sú považované za "na lodi" (1874) a "Claude Moneet na lodi" (1874).

Mana tiež napísal veľa portrétov rôznych sekulárnych dámy, herečiek, simulátorov, krásnych žien. V každom portréte bola prevedená jedinečnosť a individualita modelu.

Krátko pred jeho smrťou, Mana píše jeden z jeho majstrovských diel - "Bar Feli-Berger" (1881-1882). Na tomto obrázku sa naraz kombinuje niekoľko žánrov: portrét, zátišie, domácnosť.

N. N. Kalitina píše: "Magic Magic Magic je, že dievča je proti okolitému prostrediu, tak jasne odhaľuje jej náladu, a zároveň je súčasťou celého chrbta plánu, nejasne hádať, neurčitý, znepokojujúci, tiež vyriešený v modrom čiernej farbe , modrasté-biele, žlté tóny. "

Claude Monet (1840-1926)

Claude Moneet bol nepochybným vodcom a zakladateľom klasického impresionizmu. Hlavným žánrom jeho maľby bol krajinou.

Vo svojej mladosti, Mone mal rád karikatúru a karikatúru. Prvé modely pre ich diela boli jeho učiteľom, kamarátmi. Pre vzorku, použil karikatúry v novinách a časopisoch. Kopíroval kresby v "Golua" E. Karzha, básnikov a karikaturistu, priateľa Gustava Kouri.

Na vysokej škole, maľba Monet učil Jacques-Francois Oshar. Ale správne si všimne vplyv na Monte Budene, ktorý podporil umelec, dal mu poradenstvo, motivovalo pokračovať v kreativite.

V novembri 1862 v Paríži Monet pokračoval v štúdiu v Paríži v Gleire. Vďaka tejto Monet sa s ním stretol v dielni s bazálnou, Renoir, Sisty. Mladí umelci sa pripravovali na prijatie do školy pôvabného umenia, pri rešpektovaní svojho učiteľa, ktorý si vzal málo lekcií pre svoje lekcie av mäkkej forme poskytli radu.

Monet vytvoril svoje obrazy nie ako príbeh, nie ako ilustrácie myšlienky alebo témy. Jeho maľba, ako život, nemala jasné ciele. Videl svet, so zameraním na detaily, o niektorých princípoch, kráčal do "krajinnej vízie" (termín historika umenia A. A. Fedorova-Davydova). Monet sa snažil inkubáciu, zlúčenie žánrov na plátne. Prostriedky inkarnácie jeho inovácií boli etudes, ktoré mali byť dokončené maľby. Všetky náčrtky boli vyvodené z prírody.

Napísal lúku, a kopce, kvety a skaly, a záhrady a rustikálne ulice a more, pláže a oveľa viac, oslovil obraz prírody v rôznych časoch dňa. Často napísal rovnaké miesto v rôznych časoch, čím sa vytvorili celé cykly z ich diel. Princípom jeho práce nebol obraz objektov na obrázku, ale presný prenos svetla.

Uveďte niekoľko príkladov práce umelca - "pole Makova z Argentei" (1873), "podlaha" (1869), "rybník s vodou lily" (1899), "pšeničné komíny" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir označuje vynikajúcich majstrov sekulárneho portrétu, okrem toho pôsobil v žánroch krajiny, scéne pre domácnosť, zátišie.

Funkcia jeho práce je záujem o osobnosť osoby, zverejnenia jeho charakteru a duše. Vo svojich plátnach sa Renoir snaží zdôrazniť pocit úplnosti bytia. Umelec prilákať zábavu a sviatky, píše loptičky, chodí s ich pohybom a rôznymi postavami, tancami.

Najznámejšie diela umelca - "Portrét herečky Zhanna Samari", "Dáždniky", "kúpanie na Seine" a ďalšie.

Zaujímavé, že Renoir bol vyznačený muzikálnosťou a spievali v zboru Cirkvi pod vedením vynikajúceho skladateľa a učiteľského Karlačného Guna v Paríži v katedrále Saint-Est. Sh. Gunno silne odporučil chlapca, aby sa zapojil do hudby. Renoir však objavil umelecký talent - od 13 rokov sa už naučil maľovať porcelánové jedlá.

Hudobné triedy ovplyvnili tvorbu osobnosti umelca. Mnohé jeho diela sú spojené s hudobnými témami. Našli ich odrazovú hru na klavíri, gitare, mandolíne. To sú maľby "gitarová gitara", "mladá španielska žena s gitarou", "mladá dáma pre klavír", "žena hrá na gitaru", "lesk na klavír" a ďalšie.

Jean Frederick Basil (1841-1870)

Podľa priateľov jeho umelcov bol bazil najsľubnejší a vynikajúci impresionista.

Jeho diela sa vyznačujú jasnou farebnou schémou a ručne vlasmi. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley a Claude Moneet boli výrazne ovplyvnené jeho kreatívnou cestou. Jean Frederica Apartmán pre začiatočníkov maliarov bol druh štúdia a bývania.

Basil prednostne napísal na pleniach. Hlavnou myšlienkou jeho kreativity bola obrazom muža proti pozadí prírody. Prvými hrdinami v obrazoch boli jeho priatelia-umelci; Mnohí impresionisti milovali sa navzájom kresliť vo svojich prácach.

Frederick Basil v veľmi tvorivosti identifikoval priebeh realistického impresionizmu. Najznámejším obrazom jeho obrazu je "Rodinné stretnutie" (1867) - autobiografické. Umelec zobrazuje členov jeho rodiny. Táto práca bola prezentovaná v salóne a dostala schvaľovanie posúdenia verejnosti.

V roku 1870, umelec zomrel v pruskej-francúzskej vojne. Už po smrti umelca, jeho priatelia-umelci organizovali tretiu výstavu impresionistov, kde boli vystavené jeho plátno.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro je jedným z najväčších predstaviteľov farieb umelcov po K. Monet. Jeho diela boli neustále vystavené expozíciám impresionistov. Vo svojich prácach Pissarro uprednostňoval polia, roľnícka životnosť a prácu. Jeho obrazy boli charakterizované štruktúrou foriem a jasnosťou kompozície.

Neskôr umelec začal písať maľby na mestské témy. N. N. KALITINA V JEHO KNIHA POZNÁMKA: "Pozerá sa na mestské ulice z okien horných poschodí alebo z balkónov, bez toho, aby ich zaviedli v zložení."

Pod vplyvom Georges Pierre Syra, umelec narazil poentilizmus. Táto technika vyplýva uloženie každého rozmazania samostatne, akoby stanovením bodu. Ale kreatívne vyhliadky v tejto oblasti neboli realizované a Pissarro sa vrátil do impresionizmu.

Najznámejšie maľby Pissarro sa stali "Montmartre Boulevard. Popoludní, Sunny, "Opera Pass In Paris", "námestie francúzskeho divadla v Paríži", "záhrada v Pontoise", "Havita", "Senokos" a ďalšie.

Alfred Sisley (1839-1899)

Hlavný žáner maľby Alfred Sisley bol krajinou. Vo svojich skorých prácach možno vidieť najmä ovplyvnené hlavne K. CORO. Postupne, v procese spolupráce s K. Monte, J. F. Bazilom, P. O. Renoitom, svetelné tóny začínajú objavovať vo svojich dielach.

Umelec priťahuje kontrolu svetla, mení stav atmosféry. Na tú istú krajinu Sisley niekoľkokrát navštívila, zachytiť ju v rôznych časoch dňa. Prioritou vo svojich diel umelec dal obraz vody a oblohe, ktorá sa každú sekundu zmenila. Umelec sa podarilo dosiahnuť dokonalosť pomocou farby, každý tieň v jeho práci nesie druh symbolizmu.

Jeho najznámejšie diela: "Rural Alley" (1864), "Frost v Luveseyne" (1873), "Montmartre typ s kvetinovým ostrovom" (1869), "skorý sneh v Luvurezenne" (1872), "Bridge v Argente" ( 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas je umelec, ktorý začal svoj kreatívnym spôsobom s učením v škole pôvabného umenia. Bol inšpirovaný umelcami talianskej renesancie, ktorá mala vplyv na jeho prácu ako celok. Na začiatku DEGAP napísal historické maľby, napríklad "Spartan Girls sú spôsobené Spartan Boys. (1860). Hlavný žáner jeho maľby je portrét. Vo svojich prácach sa umelec spolieha na klasické tradície. Vytvorí diela označené ostrým pocitom svojho času.

Na rozdiel od svojich kolegov, dega nezdieľa radostný, vonkajší pohľad na život a veci, ktoré sú súčasťou impresionizmu. Umelec je bližšie k kritickej tradícii umenia: súcit osudu jednoduchej osoby, schopnosť vidieť duše ľudí, ich vnútorný svet, nekonzistentnosť, tragédia.

Pre veľkú úlohu pri vytváraní portrétu, objektov a interiéru, okolitého muža. Dávame niekoľko práce ako príklad: "Disrime Dio s orchestra" (1868-1869), "Dámsky portrét" (1868), "Chet Morbilli" (1867) a ďalšie.

Princíp portrétu v dielach degi sa vysleduje počas svojej tvorivej cesty. V roku 1870s, umelec v úplnej sláve zobrazuje spoločnosť Francúzska, najmä Paríž v jeho dielach. V záujme umelca - mestský život v pohybe. "Hnutie bolo jedným z najdôležitejších prejavov života a jeho schopnosť sprostredkovať je najdôležitejším dobytím modernej maľby," n.n. píše Kalitín.

Počas tohto časového obdobia sú takéto obrázky vytvorené ako "Star" (1878), "Miss Lola v Circus Fernando", "pretekanie v epsome" a ďalšie.

Nový kreativita degi sa stáva svojím záujmom o balet. Ukazuje životnosť backstage balerínu, rozpráva o ich ťažkej práci a tvrdohlavé cvičenia. Ale napriek tomu sa umelec podarí nájsť vzduchotesnosť a jednoduchosť vysielania svojich obrázkov.

V baletom sérii degi obrázkov sú viditeľné úspechy v rámci prenosu umelých svetelných rampov, hovoria o farebnom udelení umelca. Najznámejšie obrazy "Modré tanečníci" (1897), "tanečná trieda" (1874), "tanečník s kyticou" (1877), "tanečníci v ružovej" (1885) a ďalšie.

Na konci života, kvôli poškodeniu nepríjemnosti, sa snaží svoju silu v sochárstve. Jeho objekty sú rovnaké baleríny, ženy, kone. V soche degi sa snaží prejsť pohybom a aby vyhodnotili sochu, musíte to zvážiť z rôznych strán.

"Nový svet sa narodil, keď to impresionisti napísali"

Henri Canvederov

XIX storočia. Francúzsko. V maľbe sa to stalo bezprecedentným. Skupina mladých umelcov sa rozhodla pretrepať 500-ročnú tradíciu. Namiesto jasného výkresu používali široký "neopatrný" škvrny.

A z obvyklých obrázkov a opustených, zobrazovanie všetkých v rade. A dámy správania pľúc a páni pochybnej povesti.

Verejnosť nebola pripravená na maľovanie impresionistov. Boli zosmiešňované, zaškrtnuté. A čo je najdôležitejšie, nekupovali nič.

Ale odpor bol zlomený. A niektorí impresníci žili na ich triumf. Je pravda, že už boli v 40. Rovnako ako Claude Moneet alebo Auguste Renuar. Iní čakali na uznanie len na konci života ako Camille Pissarro. Niekto pred ním nežije ako Alfred Sisley.

Čo je to revolucionárom každého z nich? Prečo ich verejnosť nepodarilo tak dlho? Tu sú 7 najznámejších francúzskych impresionistov, ktorí poznajú celý svet.

1. Eduard Mana (1832-1883)

Eduard Mana. Self-portrét s paletou. 1878 Súkromná zbierka

Mana bola staršia ako väčšina impresionistov. Bol ich hlavným inšpektorom.

Mana sám za úlohu vodcu revolucionárov sa neplatil. Bol sekulárnym mužom. Snívajú o oficiálnych oceneniach.

Ale čakal na uznanie na veľmi dlhú dobu. Verejnosť chcela vidieť grécke bohyne alebo zátišie na najhoršom konci, krásne sa pozrel do jedálne. Manae chcel napísať moderný život. Napríklad závesy.

V dôsledku toho sa objavili "raňajky na tráve". Dva dandiaci odpočinok v spoločnosti dámskeho správania. Jeden z nich ako nič sedí vedľa oblečených mužov.

Eduard Mana. Raňajky na tráve. 1863, Paríž

Porovnajte svoje "raňajky na tráve" s prácou Tom Couture "Rimania počas poklesu." Maľba couture vytvorila furoru. Umelec sa okamžite stal slávnym.

"Raňajky na tráve" boli obvinení z vulgárnosti. Tehotná bola absolútne vážne neodporúča sledovať ju.

Tom Kutur. Rimanom času úpadku. 1847 Múzeum D'Ors, Paríž. Artchive.ru.

Na obrázku couture vidíme všetky atribúty akademicko (tradičné maľovanie storočia XVI-XIX). Stĺpce a sochy. Ľudia Apollo vzhľad. Tradičné tlmené farby. Spôsoby a gestá. Pozemok z vzdialenej životnosti úplne odlišných ľudí.

"Raňajky na tráve" Mana je ďalší formát. Pred ním nikto nezobrazený takto závesy. Vedľa slušných občanov. Hoci mnohí muži času strávili svoj voľný čas. Bol to skutočný život skutočných ľudí.

Akonáhle som zobrazoval jednu slušnú dámu. Škaredé. Nemohol ju brúsiť štetcom. Pani bola sklamaná. Odišiel z neho v slzách.

Eduard Mana. Angelina. 1860 Múzeum D'Ors, Paríž. Wikimedia.commons.org.

Preto pokračoval v experimente. Napríklad s farbou. Nepokúšal sa zobraziť takzvanú prirodzenú chuť. Ak sa zdá, že šedo-hnedá voda mu jasne modrá, tiež vykreslil jej jasnú modrú.

Toto, samozrejme, naštvané verejnosti. "Koniec koncov, aj Stredozemné more sa nemôže pochváliť takú modrú ako vodný muž." - Yazvili.

Eduard Mana. Arzhante. 1874 Múzeum výtvarného umenia, Tour, Belgicko. Wikipedia.org.

Faktom však zostáva faktom. Mana v panstve zmenil účel maľby. Obrázok sa stal stelesnením individuality umelca, ktorý píše, keď poteší. Zabudnutie šablón a tradícií.

Nomaturácia mu už dlhú dobu neodpustil. Uznanie čakali len na konci života. Ale už to nebolo potrebné. Bolestne vybledol z nevyliečiteľného ochorenia.

2. CLAUDE MONET (1840-1926)

Claude Moneet. Self portrét. 1886 Súkromná zbierka

Claude Monet môže byť nazývaný učebnicový impresionist. Vzhľadom k tomu, že bol verný tejto oblasti celý život.

Napísal nie je objekty a ľudí, ale jeden farebný dizajn oslnenia a spotov. Oddelené ťahy. Vzduch.

Claude Monet. Detský bazén. 1869 Metropolitné múzeum, New York. Metmuseum.org.

Monet napísal nielen prírody. Spravoval a mestské krajiny. Jeden z najznámejších -.

Na tomto obrázku je veľa z fotografie. Pohyb sa napríklad prenáša pomocou rozmazaného obrazu.

Upozornenie: Stromy a čísla s dlhým rozsahom sú, ako keby boli v dyme.

Claude Moneet. Kapuchin Boulevard v Paríži. 1873 (Galéria umenia Európy a Ameriky 19-20 VZ.), Moskva

Predtým je zastavený moment rýchleho života Paríža. Žiadna agilita. Nikto nepredstavuje. Ľudia sú znázornené ako úplnosť rozmazania. Takáto imunita a účinok "stop rámu" je hlavným rysom impresionizmu.

V polovici osemdesiatych rokov boli umelci sklamaní v impresionizme. Estetika je, samozrejme, dobre. Ale nekonzistentnosť mnohých utláčaných.

Pretrvávanie, hypertroffing impresionizmus pokračoval len monet. Obrátil sa na sériu obrazov.

Rovnaká krajina, ktorú zobrazoval desiatky časov. V rôznych časoch dňa. V rôznych časoch roka. Ukázať, koľko teploty a svetla môže zmeniť rovnaký vzhľad nad rámec uznania.

Takže tam bolo nespočetné seno stohov.

Obrázky Claude Moneet v múzeu výtvarných umení v Bostone. Vľavo: Hay Stacks pri západe slnka v Zhiiverny, 1891 vpravo: stoh seno (snehový efekt), 1891

Upozorňujeme, že tiene v týchto obrázkoch sú farebné. A nie sivá alebo čierna, as bola obvyklá na impresionists. Toto je ďalší vynález.

Monet sa podarilo vychutnať úspech a materiálny blahobyt. Po 40, už zabudol na chudobu. Dostal dom a krásnu záhradu. A na dlhý čas strávený mnoho rokov.

O väčšine značkových maľovacích majstrovho čítania v článku

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportrét. 1875 Ústav umenia Sterling a Francin Clark, Massachusetts, USA. Pinterest.ru.

Impresionizmus je najpozitívnejšia maľba. A najpozitívnejší medzi impresionistami bol Renoir.

Vo svojich maľbách nenájdete drámy. Dokonca aj čierna farba, ktorú nepoužil. Len radosťou bytia. Dokonca aj najčastejšie renoire vyzerá krásne.

Na rozdiel od Monet, Renoir napísal ľudí častejšie. Krajina pre neho boli menej významné. Obrázky odpočívajú a užívajú si život svojich priateľov a známych.

Pierre-Auguste Renoir. Raňajky veslárov. 1880-1881 Zbierka Phillips, Washington, USA. Wikimedia.commons.org.

Nemôžete nájsť Renoara a hĺbkosť. Bol veľmi rád, že sa pripojil k impresnerom, ktorí boli znečistené pozemkami.

Ako on sám povedal, konečne má možnosť písať kvety a zavolať im len "kvety". A nevymýšľajú o nich žiadne príbehy.

Pierre-Auguste Renoir. Žena s dáždnikom v záhrade. 1875 Múzeum tkanín-Burnis, Madrid. arteuam.com.

Najlepšie renoir sa cítil v spoločnosti žien. Spýtal sa svojej slúžky spievať a vtip. Čím viac hlúpe a pieseň bola viac naivná, tým lepšie pre neho. A pánske chovateľské bolo unavené. Nie je prekvapujúce, že Renoir je známy pre nahé utierky.

Model na obrázku "nahý na slnečnom svetle", ako keby sa prejavilo na farebné abstraktné pozadie. Pretože pre Renuaru nie je nič menšie. Oko modelu alebo zadnej časti pozadia je ekvivalentná.

Pierre-Auguste Renoir. Nahý na slnečnom svetle. 1876 \u200b\u200bMúzeum D'Orsov, Paríž. wikimedia.commons.org.

Renoir žil dlhý život. A nikdy neodložte kefu a paletu. Aj keď jeho ruky úplne kŕmené reumatizmus, zviazal kefu na ruku s lanom. A maľované.

Ako Monte, čakal na uznanie po 40 rokoch. A videl svoje obrazy v Louvre, vedľa diel slávnych majstrov.

O jednej z najkrajších portrétov Renuara čítal v článku

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Autoportrét. 1863 Múzeum Galstového Galstva Gulbenkyan, Lisabon, Portugalsko. Kultivované.com.

Degi nebol klasický impresionista. Nechcel pracovať na zajatí (vonku). Nebude nájsť úmyselnú paletu.

Naopak, miloval jasnú čiaru. Má čiernu farbu. A pracoval výlučne v štúdiu.

Ale stále je to vždy v rade s ďalšími veľkými impresionistami. Pretože bol impresionistickým gestom.

Neočakávané perspektívy. Asymetria v mieste objektov. Popraskané prekvapenie znakov. Tu sú hlavné atribúty jeho obrazov.

Zastavil momenty života bez toho, aby sa postavy prišli k jeho zmyslom. Pozrite sa aspoň na jeho "Opera orchester".

Edgar Degas. Opera orchester. 1870 Múzeum D'Ors, Paríž. Commons.wikimedia.org.

V popredí, zadnej strane stoličky. Musician pre nás späť. A na zadnom pozadí, Ballerina na javisku sa nezapadla do "rámu". Ich hlavy sú nemilosrdne "obrezané" okraj obrazov.

Takže tanečníci ich milujú, nie sú vždy znázornené v krásnych pózach. Niekedy len urobia úsek.

Ale táto improvizácia je zhoršená. Samozrejme, že dega premyslene myslel z kompozície. Toto je len účinok zastavenia rámu, a nie skutočný nožný rám.

Edgar Degas. Dva baletné tanečníci. 1879 Múzeum Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Deglas miloval písať ženy. Ale choroba alebo vlastnosti tela mu nedovolili mať s nimi fyzický kontakt. Nikdy nebol ženatý. Nikto ho nevidel s dámou.

Nedostatok skutočných pozemkov v jeho osobnom živote pridal k jeho obrazom tenkú a intenzívnu erotitu.

Edgar Degas. Baletná hviezda. 1876-1878 Múzeum D'Ors, Paríž. wikimedia.comons.org.

Upozorňujeme, že v obraze "Balet Star" je nakreslená iba samotná balerína. Jej kolegovia za scén sotva rozlíšiteľné. Je to niekoľko nôh.

To neznamená, že dega nedokončil obraz. Toto je recepcia. Nechajte sa zamerať len na najdôležitejšiu vec. Zvyšok, aby zmizol, nečitateľný.

O iných maľbách magisterského štúdia v článku

5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)

Eduard Mana. Portrét kotliny Morizo. 1873 Múzeum Maroton Monet, Paríž.

Bert Morizo \u200b\u200bzriedka vložil do prvého radu skvelých impresionistov. Som si istý, že je nezaslúžený. Práve máte všetky hlavné funkcie a techniky impresionizmu. A ak sa vám páči tento štýl, milujete jej prácu so všetkou dušou.

Morizo \u200b\u200bpracoval rýchlo a tlačil, posunul jeho dojem na plátne. Čísla, ako keby sa chystali rozpustiť vo vesmíre.

Bert Morizo. Leto. 1880 Múzeum Famon, Montpellier, Francúzsko.

Rovnako ako degi, často neučila niektoré detaily. A dokonca aj časti tela modelu. Nemôžeme rozlíšiť medzi dievčatami v obraze "Leto".

Cesta pre sebavyjadrenie v Morizo \u200b\u200bbola zložitá. Nielenže bola zapojená do "neopatrnej" maľby. Bola stále žena. V tých dňoch mala dáma snívať o manželstve. Potom bol zabudnutý akýkoľvek hobby.

Preto Berta má dlhé odmietnutie manželstva. Kým som nenašiel muža, ktorý si zaslúži lekciu. Eugene Mana bol jeho rodným bratom umelca Eduard Man. Poťahlly nosil stojan a farby.

Bert Morizo. Eugene hriva s dcérou v Buhvale. 1881 Múzeum Monet Monet, Paríž.

Ale aj tento prípad bol v XIX storočí. Nie, Morizo \u200b\u200bnohavice nenosili. Ale nemohla si dovoliť úplnú slobodu pohybu.

Nemohla ísť do parku, aby pracoval sám, bez sprievodu niekto z blízkych. Nemohol sedieť samostatne v kaviarni. Preto sú jeho obrazy ľudia z rodinného kruhu. Manžel, dcéra, príbuzní, opatrovateľka.

Bert Morizo. Žena s dieťaťom v záhrade v sklade. 1881 Národné múzeum z Walesu, Cardiff.

Uznanie Morizo \u200b\u200bnečakalo. Zomrela v 54 rokoch od zápalu pľúc, takmer žiadna práca v živote. V jej svedectve smrti v stĺpci "Triedy tyče" stáli priekopy. Bolo to nemysliteľné pre ženu zavolanú umelcovi. Aj keby bola naozaj.

O maľovaní magisterského štúdia čítaného v článku

6. CAMILLE PISSARRO (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportrét. 1873 Múzeum D'Ors, Paríž. Wikipedia.org.

Camille Pissarro. Nekonflikty, rozumné. Mnohí ľudia vnímaní ako učitelia. Dokonca aj tie najznámejšie kolegovia o Pissarro nehovorili zle.

Bol verný nasledovníkom impresionizmu. Silne potrebujú, mať manželku a päť detí, stále tvrdo pracoval v jeho milovanom štýle. A nikdy sa nevrátil na maľbu salónov, aby ste sa stali obľúbenejšími. Nie je známe, kde si vzal moc veriť v seba.

Aby som nezomriel vôbec s hladom, Pissrrro maľoval fanúšik, ktorý by bol šťastný. A toto rozpoznávanie prišlo po 60 rokoch! Potom nakoniec dokázal zabudnúť na potrebu.

Camille Pissarro. Starostlivosti v Luvezienne. 1869 Múzeum d'alebos, Paríž

Air in maľby pissarro hustá a hustá. Nezvyčajná zliatina farby a objemu.

Umelec sa nebojí napísať najmenšie javy prírody, ktoré sú na chvíľu znázornené a zmizne. Prvý sneh, Frosty Sun, dlhé tiene.

Camille Pissarro. Mráz. 1873 Múzeum D'Orsov, Paríž

Jeho najznámejšie diela sú druhy Paríža. So širokými bulvardmi, Bay Motley dav. V noci, popoludní, v inom počasí. Niečo, čo echo o sérii obrázkov Claude Monet.

Impresionizmus (FR. impressionnisme, OT. dojem - dojem) - smer v odbore poslednej tretiny XIX - začiatok 20. storočia vznikol vo Francúzsku a potom sa rozšíril po celom svete, ktorých zástupcovia sa snažili vyvinúť metódy a adoptoly, ktoré umožnili najprirodzenejšie a živé zachytiť Skutočný svet vo svojej mobilite a variabilite, prenesie ich mimple. Zvyčajne pod pojmom "impresionizmus" znamená smer maľby (ale to je, v prvom prípade, skupina metód), hoci jeho myšlienky tiež zistili svoje uskutočnenie v literatúre a hudbe, kde impreslík sa uskutočnil aj v určitom množine metód a Techniky na vytváranie literárnych a hudobných diel, v ktorých autori sa snažili prenášať život v zmyslovom, priamej forme ako odrazom ich dojmov

Úlohou umelca v tom čase bol najviac hodnovernejším obrazom reality, ktorý nevykazoval subjektívne pocity umelca. Ak bol objednaný portrét Parade - potom bolo potrebné ukázať zákazníkovi v priaznivom svetle: bez deformácií, hlúpy výraz tváre atď. Ak náboženský pozemok - potom bolo potrebné spôsobiť pocit úcty a úžasu. Ak je krajina ukázať krásu prírody. Avšak, ak umelec opovrhoval bohatý, ktorý nariadil portrét, alebo nebol neveriaci, neexistoval žiadny výber a zostal len na výrobu svojej jedinečnej techniky a nádej pre šťastie. Avšak v druhej polovici devätnásteho storočia sa táto fotografia začala aktívne rozvíjať a realistická maľba začala postupne odísť, pretože aj potom bolo mimoriadne ťažké vyjadriť realitu, takže venuli ako na fotografii.

V mnohých ohľadoch, s príchodom impresionistov, to bolo jasné, že umenie by mohlo predstavovať hodnotu ako subjektívne zastúpenie autora. Koniec koncov, každá osoba vníma realitu rôznymi spôsobmi a reaguje na to aj svojou vlastnou cestou. Zaujímavejší vzhľad, rovnako ako v očiach rôznych ľudí, realita sa odráža a aké emócie zažívajú.

Umelec má neuveriteľný počet príležitostí pre sebavyjadrenie. Okrem toho, samo o sebe, sebavyjadrenie sa stalo oveľa freerom: užívajte neštandardný pozemok, tému povedať niečo iné ako náboženské alebo historické témy, používajte svoju jedinečnú techniku \u200b\u200batď. Napríklad, impresionisti chceli vyjadriť mumlátový dojem, prvá emócia. Preto sú ich diela vágne a ako keby chýbali. Bolo to vykonané, aby sa ukázali množiteľné dojem, keď neboli viditeľné žiadne predmety. Viditeľné nie sú žiadne predmety. Sortory Ľudia mi rozumejú) Predstavte si, že ste nevybrali predmet celej veci, pozri to z diaľky alebo jednoducho nie sú peer, ale už tvoria nejaký dojem o tom. Ak sa pokúsite zobrazovať, potom je pravdepodobné, že dostanete niečo podobné obrázky impresionistov. Niečo ako obrys. Preto sa ukázalo, že to bolo dôležitejšie pre impresionistov, ktoré bolo preukázané, ale ako.

Hlavnými zástupcami tohto žánru v maľbe boli: Monet, Mana, Sislai, Degas, Renoir, Cezanne. Samostatne je potrebné poznamenať, že Umlama Turner ako ich predchodca.

Hovoriť o pozemku:

Ich obrazy boli reprezentované iba pozitívnymi stranami života, bez toho, aby ovplyvnili sociálne problémy, vrátane ako hlad, choroba, smrť. To viedlo neskôr na rozdelenie medzi samotnými impresionistami.

Farebné schémy

Impresionisti venujú veľkú pozornosť farbe, zásadne odmietla ponurým odtieňom, najmä z čiernej. Takáto pozornosť na farbu jeho diel bola vyložená farba sama o sebe na veľmi dôležitom mieste na obrázku a starostlivo posunula ďalšie generácie umelcov a dizajnérov, aby sa ako taká vytlačila ďalšie generácie umelcov a dizajnérov.

Zloženie

Zloženie impresionsov pripomenula japonským maľbou, boli použité komplexné kompozitné schémy, iné kánony (nie zlatá časť alebo stred). Všeobecne platí, že štruktúra obrazu sa stala bežnejšou asymetrickou, zložitejšou a zaujímavejšou z tohto hľadiska.

Zloženie impresionsov začala mať nezávislý význam, stal sa jedným z položiek maľby, na rozdiel od klasického, kde sa nesená častejšie (ale nie vždy) úlohu systému, na ktorú bola postavená práca. Koncom 19. storočia sa stalo jasným, že to bol slepý koniec, a samotná kompozícia by mohla niesť určité emócie a udržiavať graf obrazov.

Predné

El GRECO - pretože som použil podobné techniky v farbe a farbu získala symbolickú hodnotu. On sa tiež vyznačoval veľmi pôvodným spôsobom, individualizovanosti, ktorá tiež hľadala impresionistov.

Japonský gravírovanie - pretože to získalo veľkú popularitu v Európe za tie roky a ukázal, že obraz môže byť postavený na všetkých ostatných pravidlách ako klasické kanóny európskeho umenia. Týka sa to zloženie, používanie farby, detailu atď. Aj v japončine a vo všeobecnosti boli východné výkresy a rytiny oveľa častejšie zobrazené scén domácností, ktoré boli takmer nikdy v európskom umení.

Hodnota

Impresionisti zanechali jasnú stopu vo svetovom umení, pričom vyvinuli jedinečné techniky listov a majú obrovský vplyv na všetky nasledujúce generácie umelcov s ich jasnou a nezabudnuteľnou prácou, protestom vo vzťahu k klasickej škole a jedinečnú prácu s farbou. Stále až maximálne Bezprostrednosť a presnosť pri prevode viskózneho sveta začali písať hlavne vonku a zvýšili význam etude z prírody, takmer tradičného typu obrazu, starostlivo a pomaly vytvorené v dielni.

Dôsledne osvieti jeho paletu, impresionists oslobodzuje maľovanie zemitých a hnedých lakov a farieb. Podmienené, "múzeum" čierne vo svojich plátách je horšie ako nekonečne rozmanitá hra reflexov a farebných tieňov. Oni nesmierne rozšírili možnosti vizuálneho umenia, otvárajú nielen svet slnka, svetla a vzduchu, ale aj krásu londýnskych hmlov, nepokojnú atmosféru života veľkého mesta, rozptylu jeho nočných svetiel a rytmu nepretržitého pohybu.

Na základe spôsobu práce v Plenuera, krajina, vrátane mestskej krajiny, vzala veľmi dôležitým miestom v odbore impresionistov. Nemalo by to však veriť, že ich maľba bola charakterizovaná len "upravenou" vnímaním reality, čo boli často vyčítané. Tematická a scéna ich kreativity bola pomerne široká. Záujem osobne, a najmä modernému životu Francúzska, v širšom zmysle existoval niekoľko zástupcov tohto smeru. Jeho život-potvrdzujúci, demokratická myšlienka Paphos jasne proti Bourgeois World Order.

Zároveň, impresionizmus a, ako uvidíme, postedníctvo je dve strany, alebo skôr dve po sebe idúce dočasné fázy tejto koreňovej zlomeniny, ktorá položila hranice medzi umením nového a najnovšieho času. V tomto zmysle, impresionizmus, na jednej strane dokončiť rozvoj všetkého po renesančnom umení, ktorej vedúca zásada bola odrazom okolitého sveta vizuálne spoľahlivých foriem samotnej reality a na druhej - to je začiatok najväčšieho prevratu v histórii výtvarného umenia, ktorý položil základ kvalitatívne nového štádia -

umenie dvadsiateho storočia.