Złoty wiek malarstwa holenderskiego i flamandzkiego. Holenderskie artyści i ich historia
W międzyczasie jest to wyjątkowy, godny bardziej szczegółowego badania kultury europejskiej, co odzwierciedla charakterystyczny życie ludzi Holandii w tych czasach.
Historia wyglądu
Jasni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy cultratolodzy dali im imię wspólną - "Mały holenderski", który nie jest związany ze skalą talentów i oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, przeciwieństwem do "dużego" stylu z dużymi płótnach na historie historyczne lub mitologiczne. Historia pojawienia się holenderskiego malarstwa została szczegółowo opisana w XIX wieku, a autorzy jej prac użyli również tego terminu. "Mały holenderski" wyróżnił się świeckim realizmem, odniósł się do świata i ludzi, używał malowania bogatych w odcienie.
Główne etapy rozwoju
Historia pojawienia się malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał około 1620 do 1630 r., Kiedy narodowa sztuka została zatwierdzona przez realizm. Drugi okres malarstwa holenderskiego doświadczonego w 1640-1660. Tym razem, co stanowi prawdziwe kwitnące w lokalnej szkole sztuki. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło wchodzić w upadek - od 1670 do początku XVIII wieku.
Warto zauważyć, że centra kultury zmieniły się w tym czasie. W pierwszym okresie wiodący artyści pracował w Kharlem, a szef przedstawiciela był Hals. Następnie centrum przesunęło się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze prace przeprowadzono przez Rembrandta i Vermeera.
Sceny codziennego życia
Wymienie najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, konieczne jest rozpoczęcie się od krajowego - najbardziej jasnego i oryginalnego w historii. Byli flamans, którzy otworzyli świat scen z życia domowego zwykłych ludzi, chłopów i obywateli lub mieszczanami. Pierwszymi pionierami byli lewicą i jego zwolennicy Audenrogtwa, Bega i Duswarty. W wczesnych płótnach ludzie grają w karty, kłótnia, a nawet walczyć w restauracji. Każde zdjęcie wyróżnia się dynamiczną, w czymś brutalnym. Holenderski obraz tych czasów mówi o pokojowych scenach: w niektórych pracach chłopi mówią za tubą i kubkiem piwa, spędzać czas na targach lub koła rodzinnym. Wpływ Rembrandty doprowadził do wspólnego użytku miękkiego niebieskiego zielonego światła. Sceny miasta inspirowane artystami jak Hals, Leister, Moliara i Codda. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawili lekarzy, naukowcy w procesie pracy, ich własne warsztaty, bawełniane domy lub każda działka powinny być zabawne, czasami do groteskiej dydaktyki. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetizacji dni tygodnia, na przykład Terboro przedstawił scenę muzyki lub flirtu. Metasy używane jasne kolory, obracając życie codzienne na wakacjach, a deh Heh zainspirował prostotę życia rodzinnego, wypełnionego rozproszonym światłem dziennym. Późniowi przedstawiciele gatunku, które obejmują takich holenderskich mistrzów malarstwa, takich jak Van Der Verf i Van Der Norma, w ich poszukiwaniu eleganckim wizerunku często stworzyli kilka pretensjonalnych działek.
Natura i krajobrazy
Ponadto, holenderski obraz jest szeroko reprezentowany w gatunku krajobrazu. Po raz pierwszy powstał w pracy takich Mistrzów Harlem, jak Wang Goyen, De Mole i Van Reydal. To oni zaczęli przedstawić rogi wiejskie w pewnym srebrnym świetle. Materiał jedność natury wszedł do pracy na pierwszy rzut oka. Oddzielnie warto wspomnieć o krajobrazach morskich. Marinistki byli takimi XVI wieku, co Portsellis, De Vlieger i Wang De Chapel. Nie starali się przekazać pewne sceny morskie, ponieważ próbowali przedstawić samą wodę, grę światła na niej i na niebie.
Na drugą połowę XVII wieku pojawiło się więcej prac emocjonalnych z pomysłami filozoficznymi w gatunku. Piękno holenderskiego krajobrazu objawił jak najwięcej Jan Van Reydal, przedstawiając go we wszystkich dramatyzmie, dynamikach i monumentacji. Następca jego tradycji stał się Hobbe, który preferował krajobrazy słoneczne. Kindk przedstawiony panoramy, a Van Der Rish był zaangażowany w tworzenie nocnych krajobrazów i transferu światła księżyca, wschód słońca i zachód słońca. Dla wielu artystów charakteryzuje się również wizerunkiem w krajobrazach zwierząt, takich jak wypasowe krowy i konie, a także polowanie i sceny z kawalerryrami. Później artyści zaczęli być realizowane i obce przyrodę - Bot, Van Lar, Venix, Berchera i Hakkerta przedstawili Włochy, kąpiel w promieniach południowego słońca. Drzemka gatunku była Sanurma, z których najlepsi zwolennicy można nazwać braci Berkheide i Jan Van Der Hayden.
Obraz wnętrza
Oddzielny gatunek, który został wyróżniony holenderskim obrazem w ciągu dnia, można nazwać scenami z kościołem, pałacem i domowymi pokojami. Wnętrza pojawiły się w płótnach drugiej połowy XVII wieku na mistrzach Delft - Hawgesta, Van Der Vlita i De Witte, który stał się głównym przedstawicielem kierunku. Korzystając z technik Vermiera, artystów przedstawionych sceny, wypełnione światłem słonecznym, pełnymi emocjami i objętościami.
Malownicze dania i dania
Wreszcie inny charakterystyczny gatunek malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza obraz śniadania. Po raz pierwszy byli zaangażowani w Harlemakers Clas i Hedd, którzy malowali pokryte stoły z luksusowymi potrawami. Malowniczy bałagan i specjalny przeniesienie przytulnego wnętrza są wypełnione srebrno-szarą charakterystyką naczyń srebrnych i cynowych. Utrecht Artyści malowali bujny kwiat wciąż życia, aw Hadze Mistrzowie, wizerunek ryb i gadów morskich były szczególnie możliwe. W Leiden powstał filozoficzny kierunek gatunku, w którym symbole zmysłowej przyjemności lub ziemskiej chwały sąsiadują do czaszek i klepsydry, zaprojektowanych, aby przypomnieć o czasie. Demokratyczna kuchnia wciąż życie stały się charakterystyczną cechą Szkoły Sztuki Rotterdamowej.
W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jednym z wiodących w Europie. Było tutaj, po raz pierwszy w historii sztuki świata, obiekty otaczającej rzeczywistości były źródłem kreatywnej inspiracji i planu artystycznego. W holenderskiej sztuce tego czasu tworzenie całego systemu gatunków, które rozpoczęły się w epoce odrodzenia, zostało zakończone. W portretach, obrazy domowe, krajobrazy i wciąż trwania, artystów z rzadką umiejętnością i ciepłem przeszły wrażenia o otaczającym naturze i niefortunne życie. Znaleźli odzwierciedlenie zbiorowego wyglądu Holandii - Young Republic, ustalonej niezależności w wojnie z Hiszpanią.
"Rano młode panie". 1660 Francja Miris Senior. Drzewo, olej. Stan Ermitaż
Zdjęcia artystów na temat tematów domowych (lub obrazów gatunków) przedstawili ludzi w zwykłej, codziennej sytuacji, odzwierciedlone ustalone formy życia, oczekujące i przekazywania ludzi należących do różnych wspólnych słów społeczeństwa holenderskiego. Zaprojektowany dla ukraińskich wnętrz kupców, rzemieślników lub bogatych chłopów, obrazy holenderskich artystów były niewielkie. Artyści zdobyli sprzedaż obrazów, które zostały napisane z możliwością szczegółowego przeglądania z bliskiej odległości. To z kolei spowodowało szczególnie dokładny, subtelny list listu.
"Społeczeństwo na tarasie". 1620 Esais Wang De Veld. Drzewo, olej. Stan Ermitaż
W XVII wieku malarstwo gatunkowe Holandii przeszedł znaczącą ewolucję. Podczas tworzenia, na początku stulecia, działki na tematy rekreacji, rozdzielono rozrywki młodego holenderskiego holenderskiego lub sceny z życia oficerów. Takie zdjęcia otrzymały nazwy "bankietów", "społeczeństw", "koncertów". Ich obraz wyróżnił się różnorodnym kolorem, bardzo radosnym tonem. Obraz "Society na tarasie" Esayas Wang De Velda należy do opisu tego rodzaju.
Na początku lat 30. holenderski malarstwo gatunkowe zostało zakończone. Wiele "społeczeństw" ustąpiły sposób na kompozycje o niskim profilu. Wizerunek środowiska otaczającego środowisko stało się dużą rolą. Nastąpiło oddzielenie malarstwa gatunkowego na charakterystyce społecznej: działki na tematy z życia burżuazji i sceny z życia chłopów i miejskich ubogich. A te i inne obrazy miały na celu udekorowanie wnętrza.
"Walka". 1637 Adrian Wang Odete. Drzewo, olej. Stan Hermitage.
Jeden z najbardziej znanych artystów, którzy pracowali jako "gatunek chłopski" był Adrian Wang Odete. W wczesnym okresie twórczego wizerunek chłopów w jego obrazach wyróżniał się podkreśloną społecznością, czasami docierając do karykatury. Tak więc, w obrazie "Frak", oświetlone przez ostre światło, walki wydają się nie żyją ludźmi, a marionetki, których twarze są jak maski zniekształcone przez grymasy gniewu. Opozycja zimnych i ciepłych kolorów, ostre kontrasty światła i cienia jeszcze bardziej wzmacniające wrażenie sceny groteskowej.
"Rustykci muzycy". 1635 Adrian van de Odzest 1635. Drzewo, olej. Stan Hermitage.
W latach 1650, na obrazie Adrian, zmieniono Odzest. Artysta odwołał się do bardziej spo-monetek, przedstawiających osobę podczas zajęć naukowych, najczęściej w momentach odpoczynku. Taki jest przykład, obraz wnętrza "rustykali muzycy". Ostej umiejętnie przekazuje koncentrację "muzyków" ożywionych jego zawodem, z ledwo zauważalnym humorem przedstawiającym dzieci oglądającymi ich. Różnorodność i miękkość czarnej i białej gry, zielonkawo brązowej gamma CO-LORIC łączy ludzi i ich otoczenie do jednego całkowitego.
"Zima wygląd". 1640. Isaac van Odete. Drzewo, olej. Stan Hermitage.
W "Gatunek chłopski" pracował wcześnie zmarłym bratem Adriana - Icaap Wan Odete. Przedstawił życie Holandii Wiejskiej, w naturze, który człowiek czuł się jak w domu. W obrazie "Widok zimy", typowy holenderski krajobraz z szarym jest przedstawiony, mocno zawieszony nad ziemią z nieba, zamarznięta rzeka, na brzegu, którego znajduje się wioska.
"Pacjent i lekarz". 1660 ścian Jan. Drzewo, olej. Stan Hermitage.
Gatunek motywu sztuki braci Ostshe kontynuował ściany Yang, utalentowany mistrz, z poczuciem humoru, charakterystycznych szczegółów życia i relacji osób działających w swoich obrazach. W obrazie "Spacery" na widza, artysta sam siedzi obok żony, śpi po zabawnej uczcie, obserwuje widza. W obrazie "pacjenta i lekarza" przez twarz i gesty postaci, ściany Yang umiejętnie ujawniają działkę wyimaginowanej choroby.
"Pokój w holenderskim domu". Peter Yanence. Płótno, olej. Stan Ermitaż
W latach pięćdziesiątych - lata sześćdziesiątych XVII wieku, tematy malowidła gatunków są stopniowo zwęża się. Zmienia wzory obrazu. Staje się spokojniejsze, Chaler, pojawiają się bardziej liryczne kontemplację, cichą troskliwość. Ten etap jest reprezentowany przez dzieło takich artystów jak: Peter De Heh, Herard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yanence. Poetycki i nieco wyidealizowany wizerunek codziennego życia holenderskiej burżuazji, która kiedyś walczyła za ich prawa i niezależność, została zawarta w swojej pracy, a teraz osiągnęła zrównoważony dobro. Więc w wewnętrznym obrazie "Pokój w Holenderskim Domu" Peter Jansence jest przedstawiony przez światło przytulne z grą na podłodze, a na ścianach słonecznych królików, w malarstwie "Stara kobieta w pobliżu kominka" Jacob Vroel - zanurzony w Miękki pokój zmierzchu z kominkiem. Wybór kompozycji w pracach obu artystów podkreśla jedność człowieka i otaczającego środowiska.
"Szklanka lemoniady". 1664 Gerard Terrbor. Gospodarz (tłumaczenie z drewna), olej. Stan Hermitage.
W tych latach holenderskich genranistów najpierw próbowali odzwierciedlić głębokość wewnętrznego życia osoby. W sytuacjach życiowych występujących codzienne sytuacje, znaleźli możliwość odzwierciedlenia zróżnicowanego świata najlepszych doświadczeń. Ale możliwe jest, aby zobaczyć tylko z uprzednie i dokładnie przeglądając obraz. Tak więc na zdjęciu Herbar Terborch "Szkło Lemonady" jako chwytliwy język gestów, rysowane ręcznie, spotkania, ujawnia całą gamę zmysłów i relacji znaków.
"Śniadanie". 1660 Gabriel Metsu. Drzewo, olej. Stan Hermitage.
W świecie tematu zaczyna odgrywać dużą rolę w tym okresie tego okresu. To nie charakteryzuje się tylko materiałem i emocjonalnym środowisku życia ludzkiego, ale wyraża również różnorodność ludzkich relacji z otaczającym światem. Zestaw obiektów, ich lokalizację, złożony system symboli, a także gesty znaków - wszystko odgrywa rolę w tworzeniu figuratywnego obrazu obrazu.
"Pieszy". 1660 ścian Jan. Drzewo, olej. Stan Ermitaż
Malarstwo holenderskiego gatunku nie różniły się w wielu różnych scenach. Artyści są ograniczeni do obrazu tylko pewnego zakresu znaków i ich zajęć. Ale z ich pomocą, malarstwo gatunku holenderskiego był w stanie przekazać wiarygodny obraz moralności, zwyczajów i pomysłów na temat życia osoby XVII wieku.
Przygotowując publikację, zastosowano materiały z otwartych źródeł.
Zwycięstwo rewolucji burżuazyjnej w północnych Holandii doprowadziło do powstania niezależnego stanu Republiki Siedmiu Stanów Zjednoczonych Holandii (przez nazwę najważniejszego z tych prowincji); Po raz pierwszy w jednym z krajów Europy siedziono system burżuazjowo-republikański. Siły napędowe z rewolucji były chłopi i najbiedniejsze warstwy ludności miejskiej, ale burżuazja, która przyszła do władzy, skorzystała z podboju. Jednak w pierwszych dziesięcioleciach, demokratyczne tradycje rewolucyjnego porów żyły po ustanowieniu Republiki. Szerokość ruchu Wyzwolenia Narodowego, powstanie samoświadomości ludzi, radość wyzwolenia z zagranicznego jarzma zjednoczyła najróżniejsze warstwy ludności. Kraj rozwinęło warunki rozwoju nauk i sztuki. W tym czasie stwierdzono schronienie zaawansowanych myślicieli w tym czasie, francuski filozofer Cancartes, został utworzony system spinoszy materialisty. Najwyższe osiągnięcia osiągnęły artystów Holandii. Byli pierwsi w Europie; Wydany z surowego wpływu kręgów sądowych i Kościoła katolickiego oraz stworzył Art Demokratyczne i realistyczne bezpośrednio odzwierciedlające rzeczywistość społeczną.
Charakterystyczną cechą rozwoju holenderskiej sztuki była znaczącą przewagą wśród wszystkich jego gatunków malarstwa. Obrazy zostały urządzone w domu nie tylko przez przedstawicieli rządzącego szczytu społeczeństwa, ale także z ubogich mieszczanów, rzemieślników, chłopów; Zostały sprzedane na aukcjach i targach; Czasami artystów używali ich jako sposób na płacenie rachunków. Zawód artysty nie był rzadkim, malarzy byli dużo, a oni były poważnie konkurujące między sobą. Szybki rozwój malarstwa wyjaśniono nie tylko przez popyt na obrazy tych, którzy chcieli ozdobić swój dom, ale także wygląd ich jako produkt, jako środek zysku, źródło spekulacji. Po pozbycie się bezpośredniego klienta Kościoła katolickiego lub wpływowych patronów feudalnych, artysta był całkowicie uzależniony od żądań rynku. Smaki społeczeństwa burżuazyjnego określone sposoby rozwoju holenderskiej sztuki i artystów, którzy je bronili, którzy bronili ich niezależność w sprawach kreatywności, okazały się izolowane, zginął przedwczesną potrzebą i samotnością. I były zwykle najbardziej utalentowani mistrzami. Wystarczy wymienić nazwiska Hals i Rembrandt.
Głównym obiektem obrazu dla holenderskich artystów była otaczająca rzeczywistość, nigdy wcześniej nie znalazła takiego pełnego wystawowego w dziedzinach malarzy innych szkół narodowych. Odwołanie się do najbardziej różnych stron życia doprowadziły do \u200b\u200bwzmocnienia realistycznych trendów w malarstwie, wiodącym miejscem, w którym odbyły się gatunek domowy i portret, krajobraz i martwa natura. Prawdziwy, artyści otwierają się do nich głębiej z prawdziwym światem, tym bardziej istotne były ich prace. Francja Hals Maslenic.
W każdym gatunku były ich gałęzie. Na przykład wśród graczy krajobrazu byli marinistki (zdjęcia morza), malarzy, którzy preferowali typów zwykłych miejsc lub gęstych lasów były mistrzami specjalizującymi się w krajobrazach zimowych i krajobrazach z Lunar Light: Artists, którzy przedstawiali chłopów, mieszczanami, sceny Pirushki i domowej roboty życie, sceny polowania i rynków; Były mistrzowie wnętrz kościelnych i różnorodnych rodzajów życia "śniadania", "Desery", "sklepy" itp. Wpłynęły na cechy ograniczania holenderskiego malarstwa, biorąc pod uwagę liczbę zadań rozwiązanych dla swoich twórców. Ale jednocześnie koncentracja każdego artysty na pewnym gatunku przyczynił się do depozytu mistrzowskiego malarza. Tylko największy holenderskich artystów pracował w różnych gatunkach. Francja Chals Grupa dzieci
Założycielem holenderskiego realistycznego portretu było Frans Hals (OK :), którego artystyczna dziedzictwo świeżych ostrych i mocy, zasięg wewnętrznego świata człowieka idzie daleko poza krajową holenderską kulturę. Artysta szerokiego Worldview, śmiałych innowator, zniszczył kanony z posiadłości (szlachetny) portret 16 V. Nie był zainteresowany nie osobą przedstawioną zgodnie z jego sytuacją publiczną w majestatycznej uroczystej pozie i garniturze parady, ale osobę w całej jego naturalnej istoty, cechach, z jego uczuciami, intelektami, emocjami.
Spotkanie oficerów Spółki św. Adriana w Harlem Silnych, Energetycznych, którzy aktywnie uczestniczą w walce wyzwoleniowej przeciwko hiszpańskim zdobywcom, są prezentowane podczas uczty. Wesoły, z cieniem humoru, nastrój łączy różnych funkcjonariuszy z postaci i manier. Nie ma tu głównego bohatera. Wszyscy obecni równi uczestnicy wakacji.
Hals przedstawili swoich bohaterów bez upadku, z nieuzasadnionym Nravami, potężnym życiem. Rozszerzył ramy portret przez wprowadzenie elementów sceny, wychwytując przedstawione w akcji, w określonej sytuacji życiowej, podkreślając wyrażenia twarzy, gest, pozę, natychmiast i dokładnie zajęty. Artysta szukał siły emocjonalnej i witalność cech przedstawionych, przekazywania ich nienawiściowej energii. Nie tylko reformował pojedyncze portrety indywidualne i grupowe, ale był twórcą portretu, graniczący z gatunkiem domowym. Potter Musian.
Portrety Hals są zróżnicowane na tematy i obrazy. Ale przedstawia się z ogólnymi cechami: całość natury i witalności. Hals Malarza śmiech, wesoły powodujący uśmiech. Artysta przedstawicieli prostości, odwiedzających cukinii, chłopców ulicy ożywia błyszczącą zabawę. Jego postacie nie są w sobie zamknięte, wykazują wygląd i gesty do widza. Companion Boon.
Wolno-kochający powiew Owyeyanu wizerunek "Cygańskiego" (OK, Paryż, Luwr). Hals podziwia dumne sadzenie głowy w halo puszystych włosów, uwodzicielski uśmiech, dziarski brokat oczu, wyraz niezależności. Wibracyjne kontury sylwetki, promienie ślizgowe światła, biegnące chmury, na tle, z którego przedstawiono Cyganie, wypełnij obraz dreszczyny życia.
Portret Mallet Babbe (Nach, Berlin, Dalem, Galeria zdjęć), autoryzowana tawerna "Harlem Witch", rozwija się na małą scenę gatunkową. Brzydka stara kobieta z płonącym wyglądem Hitrea, ostro odwracając się i rozpowszechniona, jakby odpowiadać komuś przed zwykłymi zucchini. Z ponurą sylwetką, sowa sowa ocenia się na ramieniu. Niesamowite nasilenie wizji artysty, siłę ponurą i witalność obrazu stworzonego przez niego. Asymetria składu, dynamika, soczystość rozmazu kątowego zwiększa niepokój sceny.
Późne portrety stoiska Halsa obok najwspanialszych kreacji malarstwa portretowego: są blisko ich psychologii do portretu największego holenderskich malarzy Rembrandt, którzy, jak i Hals, przeżyli swoją żywotną chwałę, zwiększając konflikt z odrodzoną burżuazyjną wierzchołkiem holenderskiego społeczeństwa. Wynajem dla Annes.
Najpopularniejsze w języku holenderskim był gatunek gospodarstwa domowego, pod wieloma względami identyfikując specyficzne sposoby na jego rozwój w porównaniu ze sztuką innych krajów. Odwołaj się do najbardziej różnych stron codziennego życia, jego poezja doprowadziła do tworzenia różnych rodzajów obrazów gatunków. Malowniczy mistrzostwo ich twórców, optymistyczny charakter, miękki liryzm informuje ich, że urok, który uzasadnia wizerunek najbardziej drobnych motywów. Peter de heh na szafce salonowej
Holenderski mistrz baroku Peter De Heoche (HOO) był jednym z wiodących przedstawicieli Szkoły Delft XVII wieku. Prace malarza poświęcone są zwykłym, niewiele wybitnych wydarzeń spokojnego spokojnego życia rodziny hamburgerów. Wnętrze serwuje zgrabne dziedzińce lub czysto pieczone pokoje. Dla zdjęć Hoha, wyrafinowany dokładny rysunek charakteryzuje się spokojnym kolorem i dyskretnymi akcentami kwiatów. Mistrz miał niesamowitą zdolność uchwycenia "momentu bycia" - na chwilę przestaną rozmowę, jakiś działał. Ta umiejętność sprawia, że \u200b\u200bzdjęcia Hoha atrakcyjne, tworząc poczucie tajemniczości, chociaż na obrazie wydaje się, że nie ma nic niezwykłego. Takie postrzeganie malarstwa HOHA przyczynia się do jego wirtuozowego opanowania realisty, zdolnego do obracania życia codziennego w ciekawym spektaklu.
Głębokie poetyckie uczucie, nienaganny smak, najlepszy kolorystyka określa pracę najbardziej wyjątkowej od mistrzów malarstwa gatunkowego, trzeciego po Halsach i Rembrandt, wielki holenderski malarz Jan Vermeer Delftsky (). Posiadając uderzające oko, technika filigranowa, szukała poezji, integralności i piękna decyzji symbolicznej, duża uwaga jest wypłacana do transmisji środowiska lekkiego powietrza. Artystyczny dziedzictwo Verser jest stosunkowo mały, ponieważ pracował powoli i z niezwykłą dokładnością. W celu zarabiania Vermeer został zmuszony do zaangażowania się w obrót obrazkami.
Człowiek dla Vermeera jest nierozłączny ze świata poetyckiego, który podziwia artystę i który znajduje taki rodzaj refrakcji w jego kreacjach, na swój sposób ucieleśniający ideę piękna, o mierzonym spokojnym przebiegu życia, o szczęściu człowiek. Szczególnie harmonijne i jasne na konstrukcji kompozycji "dziewczyny z literą" (koniec 1650 roku., Drezno, Galeria Sztuki), obraz nasycony powietrzem i światłem, wyblakły w brązowo-zielony, czerwonawe, złote kolory, wśród nich Żółte i błękitne blaski farby panujące na przedprzedzonym planie.
Jest spokojny pewny siebie w ruchach, uroczych i naturalnie kobiety od ludzi w malarstwie "Maulus z dzbankiem mleka", przeniknął światłem optymizmem i odtworzenie specjalnej, ooetyzowanej atmosfery codziennego życia. Wygląd młodej kobiety oddycha zdrową siłą, czystością moralną; Obiekty, otoczenie, są napisane z niesamowitym niezawodnością życia, wydaje się, że wymierna miękkość świeżego chleba, gładkiej powierzchni dzbanka, gęstość płynnego mleka. Tutaj, podobnie jak w wielu innych dziełach Versa, jego uderzający prezent objawia się drobno odczuwać i przenieść życie rzeczy, bogactwa i różnych form rzeczywistych przedmiotów, wibracji światła i powietrza wokół nich.
Niesamowita umiejętność Vermeera znajduje się w dwóch krajobrazach napisanych przez niego należących do wspaniałych próbek tego malowania gatunku nie tylko w języku holenderskim, ale także w dziedzinie sztuki świata. Niezwykle prosty motyw "odwrót" lub raczej jej mała część, z fasady z cegły domowej przedstawionej w szarym, pochmurnym dniu. Zdadza materiałową namacalność każdego przedmiotu, duchowość każdej części.
Zupełnie inną postacią jest "widok na miasto Delft" Artysta patrzy na jego rodzinny dzień w letni dzień po deszczu. Promienie słońca zaczynają przełamać przez mokre srebrzyste chmury, a cały obraz błyszczy i błyszczy wiele kolorowych odcieni i światła, a jednocześnie widzi całość i poetyckie piękno.
Zasady holenderskiego realistycznego krajobrazu były w pierwszej trzeciej XVII wieku. Zamiast konwencjonalnych kanonów i wyidealizowanej, wymyślonej natury w obrazach kierunków włoskiego, twórcy realistycznego krajobrazu zwróciły się do wizerunku prawdziwej natury Holandii z wydmami i kanałami, domami i wioskami. Nie tylko schwytali charakter terenu ze wszystkimi znakami, tworząc typowe motywy krajobrazu krajowego, ale starali się przekazać atmosferę sezonu, mokrego powietrza i przestrzeni. Przyczyniło się to do rozwoju malarstwa tonalnego, podłoża wszystkich elementów obrazu pojedynczego tonu.
Wybitym krajobrazem Hollandii był Jacob Van Reydal (1628/291682), uduchali jego krajobrazy dużymi osobistymi uczuciami i doświadczeniami. Podobnie jak inni główni artyści Holandii, nie poszedł na koncesje na gustach burżuazyjnych klientów, zawsze pozostają sam. Reydal nie był ograniczony do niektórych motywów obrazu. Koło motywów jego krajobrazu jest bardzo szeroki, te rodzaje wiosek, równin i wydm, bagażników lasów i morze przedstawione w najbardziej zmiennej pogodzie i różnych porach roku. Zimowa scena
Kreatywna dojrzałość artysty spada w środku XVII wieku. W tym czasie stwarza prace wykonywane przez głębokiego dramatu, przekazując wewnętrzne życie natury: "Widok na wioskę Egmond", "Forest Boloto", "Cmentarz żydowski", który ich powściągliwy, mroczny smak, monumentalizację form i konstrukcji odpowiedział na doświadczenia artysty. Szuga największej siły emocjonalnej i głębokości filozoficznego znaczenia na obrazie cmentarza żydowskiego z wybielnymi nagrobkami i ruinami, z płynem spieniającym, wysuszono przez gałęzie korzeni drzewa, oświetlone przez błyskawicę flash, która oświetla świeże zielenie Młoda kiełkować. Więc wygrywa w tej ponurej medytacji pomysł na zawsze aktualizujące życie, które porusza się przez wszystkie burze i siły destrukcyjne.
Wraz z malarstwem krajobrazowym nastąpił znaczącą dystrybucję w Holandii martwej natury, która była intymnym charakterem. Holenderscy artystów wybrali szeroką gamę przedmiotów dla ich wciąż trwania, wiedzieli, jak doskonale spełnić, zidentyfikować cechy każdego tematu i jego wewnętrznego życia, nierozerwalnie związanego z ludzkim życiem. Peter Clas (OK) i Hed (/ 82) Willem (/ 82) napisał liczne opcje "śniadania", przedstawiającego stół szynki, rumiane bułeczki, kulebiak na czarno, kruche szklane okulary, półpełne wino, z Niesamowity kolorystyczny kolor, objętość, tekstura każdego przedmiotu. Peter Clas.nature-Life ze złotym łóżkiem.
W Holandii XVII wieku. Gatunek martwego życia był bardzo rozpowszechniony. Estetyczne zasady martwego życia były raczej konserwatywne: poziomy format tkaniny, dolna krawędź stołu z po prostu równoległym ramą. Fałdy na obrusie jadalni, z reguły, poszedł przez linie równoległe, wbrew prawu perspektyw, w głębokości płótna; Przedmioty zostały uwzględnione z wysokiego punktu widzenia (tak, że łatwiej było je pokryć wszystkie wygląd), znajdowały się w kolejce lub w okręgu i praktycznie nie dotykał śniadania z klasą HED z kraba
Hedi Villem Clas wciąż życie ze złotym kubkiem Heba, a także wpływ Petera Clas najbardziej znaczących przedstawicieli tego rodzaju życia w Holandii. Te dwa mistrzowie często porównują. Obaj stworzyli skromne "śniadania" z prostym zestawem nieskomplikowanych przedmiotów. Przyskowce i klasę rodinę zielardawo-szary lub brązowo odcienie, ale dzieła głowy mają, z reguły, bardziej starannie urządzone, a smak jest bardziej arystokratyczny, który objawił się wybór obiektów przedstawionych: srebrny, a nie cyny Naczynia, ostrygi, a nie śledzi, itd. P.
Wprowadzenie
1. Mały holenderski
Holenderska szkoła malarska
Malarstwo rodzajowe
4. Symbolika. Martwa natura
Rembrandt van Rhine.
Vermeer Delftan Jan.
Wniosek
Wprowadzenie
Celem pracy testowej jest:
· W rozwoju potencjału twórczego;
· Tworzenie zainteresowania w sztuce;
· Zapięcie i uzupełnianie wiedzy.
W XVII wieku powstała holenderska sztuka. Ta sztuka jest uważana za niezależny i niezależny, ma pewne formularze i funkcje.
Do XVII wieku Holland nie miał znaczących artystów w sztuce, ponieważ Wszedł w stan Flandrii. Jednak kilka artystów obchodziło się w danym okresie czasu. To jest artysta i grawer Luca Leiden (1494-1533), malarz Dirk Boauts (1415-1475), Artysta kolejowy (1495-1562).
Stopniowo mieszane różne szkoły i mistrzowie straciły charakterystyczne cechy swoich szkół, a pozostali artyści Holandii przestają mieć ducha kreatywności narodowej. Pojawia się wiele różnych i nowych stylów. Artyści próbują pisać obrazy we wszystkich gatunkach, szukając indywidualnego stylu. Metody gatunków zostały usunięte: historyczność nie jest tak obowiązkowa jak wcześniej. Utworzony jest nowy gatunek - portery grupowe.
Na początku XVII wieku, kiedy los Holandii został rozwiązany - Philip II brzmiało o rozejmieniu między Hiszpanią a Holandią. Potrzebujesz sytuacji rewolucyjnej, politycznej lub wojskowej. Walka o niepodległość United ludzi. Wojna wzmocniła ducha narodowego. Podpisane umowy z Hiszpanią, dały wolność Holland. Zepchnął się do stworzenia własnej i specjalnej sztuki, wyraził istotę holenderskiego.
Cechaą holenderskich artystów była stworzenie prawdziwego obrazu do najmniejszych szczegółów - manifestacja uczuć i myśli. Jest podstawą szkoły holenderskiej. Staje się realistyczną sztuką, a przez środek XVII wieku osiąga wierzchołki we wszystkich obszarach.
W Holandii zazwyczaj separacja nie tylko dla gatunków, ale także na licznych podgatunkach. Niektórzy mistrzowie piszą sceny z życia mieszczan i oficerów - Peter De Hookh (1495-1562), Gerard Terborh (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), drugi - z życia chłopskiego - Adrian Wang Ostay (1610- 1685), trzecie - sceny z życia naukowców i lekarzy - Gerrit Dow (1613-1675); Kierowcy krajobrazu - Jan Portsellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), rogi Leśne - Hobbampem (1638-1609), Master of Interior - Peter Yansense (1623-1682). Okresowo pewny gatunek staje się tradycyjny w szkołach sztuki. Na przykład, Malarze Harlem wciąż życie do tak zwanych "śniadania" - Peter Clas (1598-1661), Willle Hed (1594-1680).
Artyści pokazują moralność i zwyczaje, etyczne i moralne normy ludzkiego zachowania. Często przedstawiające wydarzenia rodzinne. Gracze krajobrazu i mistrzowie martwa natura światła na świeżym powietrzu, w zamkniętych pomieszczeniach, mistrzalnie przedstawiają teksturę obiektów. Malarstwo domowe znajduje się na górze, dzięki Jana ścianie (1626-1679), Gerhard Terborh (1617-1681), Peter de Hehu (1629-1624).
1. Mały holenderski
Mały holenderski są grupą artystów XVII wieku, w których malarze malowników krajobrazu i gatunków domowych są zjednoczeni przez malarzy (stąd nazwa). Takie zdjęcia były przeznaczone do skromnego wnętrza budynków mieszkalnych. Zostały nabyte przez mieszczan i chłopów. Dla takich zdjęć, poczucie komfortu charakteryzuje się obrazem, subtelności szczegółów, bliskość osoby i wnętrza.
P. de Heh, Ya. Van Goyen (1596-1656), Ya. I S. VAN Ryutsdal (1628-1682) i (1602 - 1670), E. De Witte (1617-1692), P. Clas, V. Hedi, V. Kalph (1619-1693), Tereborh, Metsu, A. Van Odete, Ya. Ściany (1626-1679), A. Kyjusa (1620-1691), itp. Wszyscy wyspecjalizowani, z reguły, w jednym z gatunek. "Mały holenderski" kontynuował tradycje Holandii Mistrzów Renaissance, którzy twierdzili, że sztuka nie tylko przynosi przyjemność, ale także przypominać o wartościach.
Kreatywność artystów można podzielić na 3 grupy:
1630s. - zatwierdzenie realizmu w obrazie krajowym (wiodący ośrodek artystyczny był Harlem, ważnym czynnikiem był wpływ F. Hals);
1640-160s. - kwitnąca szkoła sztuki (centrum sztuki porusza się do Amsterdamu, przyciągając artystów z innych miast, efekt Rembrandta staje się istotne<#"justify">2. Holenderska szkoła malarstwa
Trzy czwarte stulecia kontynuowało wzrost sztuki na północy Holandii w Republice Zjednoczonych Województwa, zwane Holandią. W 1609 r. Republika otrzymała status państwa. Tutaj był stan burżuazyjny.
Włoski artysta Caravaggio (1571-1610) była istotną rolą do malowania ery renesansu (1571-1610). Napisał swoje obrazy bardzo realistyczne, a przedmioty i liczby miały wysoką lekką technikę.
Artyści byli dużo i mieszkali w małych miastach: Kharlem, Delphte, Leiden. Każdy z tych miast opracował własną szkołę z motywem gatunku w tym związku, ale Amsterdam odegrał najważniejszą rolę w rozwoju holenderskiej sztuki.
3. Malowanie gatunkowe.
W Holandii, wraz z sławą gatunku krajobrazu, pojawiają się nowe: Marina - krajobraz morski, krajobraz miasta - ołów, obraz zwierząt jest malowanie zwierząt. Znaczący wpływ na krajobraz zapewniony przez Peter Bruegel (1525-1529). Holenderski napisał swoje, szczególne piękno natury natywnej krawędzi. W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jednym z wiodących w Europie. Otaczające przedmioty ludzi stały się źródłem inspiracji dla artystów. W tej dziedzinie zakończono tworzenie systemu gatunków, które rozpoczęły się w ery ożywienia. W portretach, obrazy domowe, krajobrazy i wciąż trwania, artystów przenosili swoje wrażenia z natury i życia. Nowy pomysł zaczął mieć gatunek malarstwa domowego - malarstwa gatunkowego. Gatunek gospodarstwa domowego utworzono w dwóch gatunkach - Gatunek chłopski i mieszczający (miejski). W obrazach przedstawiono osobę prywatną: Pirushki Gulik, działalność gospodarcza, musityzacja. Artyści zwrócili uwagę na zewnątrz, pozuje, kostiumy. Przedmioty stały się częścią przytulności: stół mahoń, szafę, krzesło, pokryte skórę, karafka ciemnego szkła i szklanki, owoce. Taki gatunek odzwierciedlał zachowanie i komunikacja osób należących do różnych nieruchomości.
Praca Garard Dow cieszyła się bardzo popularnością. Zapisze skromne sceny z życia z małą burżuazją. Często przedstawia starsze kobiety siedzące za bitwą lub czytaniem. Oczywista tendencja dou - powierzchnie obiektów na ich małych zdjęciach - wzory tkanin, zmarszczki starszych twarzy, ryb itp. (Zastosowanie; FIGA.
Ale malarstwo gatunkowe doznało ewolucji. W okresie stania się nimi, historie na tematy rekreacji, rozrywki, sceny z życia oficerów zostały rozdzielone. Takie zdjęcia nazywano "śniadaniami", "bankiety", "społeczeństw", "koncerty". Ten obraz wyróżniał się różnymi kolorami i radosnymi odcieniami. Oryginał był gatunek - "śniadania". Jest to wygląd wciąż życia, w którym poprzez wizerunek naczyń, różnorodne dania minęło charakter ich właścicieli.
Gatunek gospodarstwa domowego jest najbardziej charakterystycznym i charakterystycznym zjawiskiem szkoły holenderskiej, która odkryła dla codziennego życia sztuki świata osoby prywatnej.
W gatunku sztuki napisał i ściany Yang. Z poczuciem humoru oznaczał szczegóły życia i związku ludzi. W obrazie "Spacery" na widza, artysta sam siedzi obok żony, śpi po zabawnej uczcie, obserwuje widza. A na zdjęciu przez wyrażenia twarzy i gesty znaków, Yang Wall umiejętnie ujawnia fabułę wyimaginowanej choroby.
Na początku lat 30. holenderski malarstwo gatunkowe zostało zakończone. Delikatesy malarstwo na charakterystykę społeczną: działki na tematy z życia burżuazji i sceny z życia chłopów i ubogich miejskich.
Jeden ze znanych artystów, pisania w "Chłopskim gatunku", był Adrian Wang Osta. W okresie kreatywności obraz chłopów wyróżniał się przez komisjonizę. Tak więc na zdjęciu oświetlone ostrym światłem, walki, wydają się nie żyją ludźmi, a marionetki. Kontrastujące zimne i ciepłe kolory, ostre kontrasty światła tworzą maski ze złymi emocjami na ich twarzach.
Później artysta pisze zdjęcia z bardziej zrelaksowanymi działkami, przedstawiającą osobę podczas zwykłych zawodów, najczęściej w momentach odpoczynku. Na przykład obraz wnętrza "rustykali muzycy". Tolida przekazuje koncentrację "muzyków", z ledwo zauważalnym humorem przedstawiającym tych, którzy obserwują je w oknie dzieci. W "Gatunek chłopski" pracował wcześnie zmarłym bratem Adriana - Icaap Wan Odete. Portretował życie w Holandii wiejskiej. W obrazku "Widok zimy", typowy krajobraz z szarym, wiszącym nad ziemią, zamarzniętą rzeką, na brzegu, którego znajduje się wioska.
W latach 50-60 lat XVII wieku tematy obrazów gatunków zawężają, ich zmiany systemu. Stają się spokojniejsze, liryczne, przemyślane. Ten etap jest reprezentowany przez dzieło takich artystów jak: Peter De Heh, Herard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yanence. Ich praca charakteryzuje się wyidealizowanym sposobem życia holenderskiej burżuazji. Tak więc, w wewnętrznym zdjęciu "pokój w holenderskim domu" Peter Jansence jest przedstawiony przez przytulny pokój świetlny z grą na podłodze i na ścianach słonecznych króliczek. Wybór kompozycji podkreśla jedność człowieka i otaczającego medium.
Gatunek holenderski próbował odzwierciedlić wewnętrzny świat człowieka w pracach. W regularnych sytuacjach udało im się pokazać świat doświadczeń. Tak więc Gerard Terborh w obrazie "Szkło lemoniady" przedstawiało ledwo złapanego języka gestów, dotykających rąk, spotkań z widokami ujawnia całą gamę zmysłów i relacji znaków.
Subtelność, prawdomówność w rekreacji rzeczywistości łączy się z holenderskimi mistrzami z niepozornym i codziennym pięknem. Ta funkcja objawiła się wizualnie w martwym życiu. Holendrzy nazywano "Stilleven". W tym zrozumieniu mistrzów widzieli w obiektach nieożywionych, ukryte życie związane z życiem osoby z jego życiem, nawykami, smakami. Holenderscy malarze stworzyli wrażenie naturalnego "zaburzenia" w lokalizacji rzeczy: pokazali cięte ciasto, obrane cytrynę ze skórką spiralną, złą szklanką wina, płonącej świecy, ujawniła książkę - zawsze wydaje się, że ktoś dotyczyło tych przedmiotów, tylko że użyli ich czują niewidzialną obecność osoby.
Wiodący mistrzowie holenderskiego martwego życia pierwszej połowy XVII wieku byli Peter Clas 1 I głowa Willema. Ulubionym tematem ich martwego życia jest tak zwane "śniadania". W "Śniadanie z Omar" V. Heda (Załącznik; Rys. 16) Przedmioty różnych kształtów i materiałów - garnek kawy, szkło, cytryna, srebrna płyta. Obiekty są ułożone, aby zobaczyć atrakcyjność i funkcję wszystkich. Różne techniki Heby przekraczają materiał i specyfikę ich faktury; Tak więc światło świetlne jest odtwarzane inaczej na powierzchni szkła i metalu. Wszystkie elementy kompozycji łączą się ze światłem i kolorami. W "martwym życiu ze świecą" P. Klasa nie tylko nie tylko dokładność reprodukcji materiałowych cech obiektów - kompozycja i oświetlenie dają im większą ekspresję emocjonalną. Martwa natura klasa i żywopłoty są podobne do siebie - jest to nastrój intymności i komfortu, spokój umysłu w życiu domów hamburgerów, gdzie jest bogactwo. Martwa natura może być postrzegana jako jeden z ważnych tematów Holenderskiej Sztuki - przedmiotem życia osoby prywatnej. Otrzymała swoją główną decyzję na obrazie gatunku.
Symbolizm. Martwa natura
Wszystkie przedmioty w języku niderlandzkim martwym życiem są symboliczne. Kolekcje, które zostały opublikowane w XVIII<#"justify">o. jedwabiste płatki w pobliżu wazonu - znaki frachty;
o. wyblakony kwiat jest nutą zniknięcia uczucia;
o. irysy - znak dziewicy;
o. czerwone kwiaty - symbol reprezentującej ofiary Chrystusa;
o. biała lilia nie tylko piękny kwiat, ale także symbol manipulatora Maryi Panny;
o. goździk - symbol rozlanej krwi Chrystusa;
o. biały tulipan - fałszywa miłość.
o. granat - symbol zmartwychwstania, chastity charakter;
o. jabłka, brzoskwinie, pomarańcze przypominały o upadku;
o. wino w szklance lub dzbanku osobistym Posiadał ofiarną krew Chrystusa;
o. oliwka - symbol świata;
o. zgniłe owoce - symbol starzenia się;
o. ucho pszenicy, bluszcz - symbol ożywienia i cyklu życia.
o. szkło - symbol kruchości;
o. porcelanowa - czystość;
o. butelka jest symbolem grzechu i pijaństwa;
o. złamane naczynia - symbol śmierci;
o. odwrócony lub pusty szkło wyznacza pustkę;
o. nóż - symbol zdrady;
o. srebrne naczynia - personifikacja bogactwa.
o. klepsydra - przypomnienie częstotliwości życia;
o. czaszka - Przypomnienie nieuchronności śmierci;
o. uszy pszenicy - symbole ożywienia i cyklu życia;
o. chleb - symbol ciała Pana;
o. broń i zbroja - symbol mocy i mocy, oznaczenie tego, czego nie można zabierać z nim do grobu;
o. klucze - symbolizuj moc;
o. rura do palenia - symbol ulotnego i nieuchwych przyjemności ziemskich;
o. maska karnawałowa - jest oznaką braku człowieka; nieodpowiedzialna przyjemność;
o. lustra, szklane kulki - symbole próżności, znak odbicia, irrealids.
Podstawy holenderskiego krajobrazu realistycznego powstały w pierwszym XVII wieku. Artyści przedstawili swoją naturę wydmami i kanałami, domami i wioskami. Próbowali przedstawić narodowość krajobrazu, atmosfery powietrza i charakteru roku. Mistrzowie coraz częściej podporządkowali wszystkie składniki obrazu pojedynczego tonu. Zdolno czuli kolory, umiejętnie posiadały przejście od światła do cienia, od tonu do tonu.
Największym przedstawicielem holenderskiego realistycznego krajobrazu był Jan Wang Goyen (1596-1656). Pracował w Leiden i Hadze. Artysta uwielbiał przedstawić doliny i powierzchnię wody rzek na małym płótnie. Wiele miejsc Goyen opuścił niebo chmurami. Takie jest obraz "Widok na rzekę Vaal Nimegen", w wieku w cienkiej brązowo-szarym zakresie farb.
Później charakterystyczny podmiot zmian krajobrazu. Staje się trochę szerszy, bardziej emocjonalny. Specyfika pozostaje taka sama, ale dźwięk nabywa głębokość.
Wszystkie nowe cechy stylu krajobrazu ucieleśnił w jego obrazach Jacob Van Reydal (1629-1682). Przedstawienie drzew i krzewów objętościowych, ustanowiono uczucie, że zostały one przedstawieni na przednim i stają się potężniejsze. Wspaniale posiadający poczucie perspektywy, umiejętnie przeszedł szerokie równiny i okolice Holandii. Wybór tonu i oświetlenia skupiają się. Reydal kochany i ruiny jako dekoracyjne szczegóły, mówiąc o zniszczeniu, spęczenie ziemskiego istnienia. "Cmentarz żydowski" reprezentuje uruchomiony obszar. Reydal nie wykorzystał sukcesu jednocześnie. Realizm jego obrazów nie odpowiadało smakom społeczeństwa. Artysta słusznie cieszył się światową chwałą, zmarł przez biednego mężczyzny w Laddle Harlem.
Malowanie portretowe. Francja Hals.
Jednym z wielkich holenderskich artystów było Frans Hals (około 1580-1666). Urodził się w XVII wieku w Antwerpii. W Harlemie uderzył bardzo młody artysta, gdzie dorastał i uformował w sposób szkolny Karel Van Mandera. Harlem był dumny ze swojego artysty i poprowadził go do warsztatu słynnych gości - Rubens i Wang Dequee.
Hals był prawie wyłącznie portret, ale jego sztuka znaczy wiele nie tylko dla malowania portretowego Holandii, ale także do tworzenia innych gatunków. W dzielnicy Hals można wyróżnić trzy rodzaje kompozycji portretowych: portret grupy, dostosowany indywidualny portret i specjalny rodzaj obrazu portretu, w pobliżu charakteru malarstwa gatunkowego.
W 1616 roku Hals pisze obraz bankietowi oficerów pułku karabinu St. George'a ", w którym całkowicie goli z tradycyjnym schematem portu grupowego. Tworzenie bardzo żywej pracy, łącząc znaki w grupie i dając im różne postawy, jak to było, urzekane razem portret z malarstwem gatunkowym. Praca zakończyła się sukcesem, a artysta był zaśmiecony z rozkazami.
Jego znaki trzymają się portret naturalnie i swobodnie, ich pozę, gesty wydają się niestabilne, a na twarzach wyrażenie należy zmienić. Najbardziej niezwykłą cechą kreatywnego sposobu Hals jest możliwość przekazywania charakteru poprzez indywidualne wyrażenia twarzy i gest, jakby złapany na muchę - "Wesoły towarzysz", "Mulat", "Uśmiechający się oficer". Artysta kochał stany emocjonalne, pełne głośniki. Ale w tej chwili, że uchwycił Hals, zawsze uchwycił najważniejsze, rdzeń obrazu "Cygańskiego", "Malli Baby".
Jednak w obrazach Hals z późnych latach 30 i 40-tych, troskliwości i smutku, obcego jego postacie, portret Willem Haythheysen, a czasami poślizgnął światło ironię przeciwko im artysta. Od sztuki Hals stopniowo wychodzą na jurysdykcję życia i mężczyzny.
Krytyczne chwile przyszły w Halsal. W portretach Hals, napisanych w latach 50. i 60., dogłębnej charakterystyki umiejętności łączy się z nowym znaczeniem wewnętrznym. Jednym z najsilniejszych dzieł późnych Hals jest męski portret Muzeum Metropolitan w Nowym Jorku (1650-1652). Kompozycja portretowa jest obrazem generowania figury, jego ustawienie w czystym FAS, spojrzenie skierowane bezpośrednio do widza, znaczenie jest odczuwalne. W pozycji Mężczyzn czytają zimne władze i arogancka pogarda dla wszystkich. Poczucie poczucia własnej wartości jest w niej związane z niezmierzoną ambicją. W tym samym czasie, w jego oczach, odcień rozczarowania niespodziewanie przechwytuje, jakby w tej osobie, żałować o przeszłości - o swojej młodości i młodości jego pokolenia, których ideały są zapomniane, a zachęty życiowe były wyblakłe.
Portrety Hals 50-60 z wiele ujawniają się w holenderskiej rzeczywistości tych lat. Artysta żył długie życie, a on był świadkiem, by być świadkiem odrodzenia holenderskiego społeczeństwa, zniknięciem jego Demokratycznego Ducha. Nie dzieje się przez szansę od mody Sztuki Hals. Spóźnione dzieła Hals wyraźnie odzwierciedlają ducha czasu, taki mistrz obcych, ale słychać jest jego własne rozczarowanie w okolicy rzeczywistości. W niektórych dziełach tych lat przeciwieństwo osobistych uczuć starego artysty, który stracił dawną chwałę i który już widział koniec swojej ścieżki życia.
Dwa lata przed śmiercią, w 1664 r. Hals zostały napisane przez portrety Regentów i rekomenda (Powierników) Harlemiańskiego schronienia dla osób starszych.
W "Portret Regent" wszyscy łączą poczucie rozczarowania i zagłady. W Regent nie ma witalności, jak w wczesnych portretach Hals. Każdy samodzielnie, wszyscy istnieją sam. Czarne odcienie z czerwonawymi różowymi plamami tworzy tragiczną atmosferę.
W innym kluczu emocjonalnym został rozwiązany "Portret Regenth". W prawie niepełnosprawnych błędach magazynów, władze mistrzowskie są odczuwane, a jednocześnie, we wszystkich z nich żyje głęboką depresję, uczucie impotencji i rozpaczy w obliczu zbliżającej się śmierci.
Do końca dni Hals utrzymywali nieomylność swoich umiejętności, a sztuka osiemdziesięcioletnim malarza otrzymała penetrację i siłę.
6. Rembrandt Wang Rhine
Rembrand (1606-1669) jest największym przedstawicielem złotego wieku malarstwa holenderskiego. Urodzony w Leiden w 1606 roku. W przypadku edukacji artystycznej artysta porusza się do Amsterdamu i wchodzi do warsztatu Petera Lastmana, a następnie wraca do Leidena, gdzie w 1625 r. Rozpoczyna niezależne życie kreatywne. W 1631 r. Rembrandt w końcu przeniósł się do Amsterdamu, a reszta życia magistra jest związana z tym mieście.
Kreatywność Rembrandta, nasycona z filozoficznym zrozumieniem życia i wewnętrznego świata człowieka. Jest to szczyt rozwoju holenderskiej sztuki XVII wieku. Artystyczny dziedzictwo Rembrandt wyróżnia się różnorodnością gatunków. Napisał portrety, wciąż życie, krajobrazy, sceny gatunkowe, obrazy na temat historycznych, biblijnych, mitologicznych tematów. Ale największa głębokość artysty osiąga się w ostatnich latach swojego życia. Uffus ma trzy dzieła Wielkiego Mistrza. Ten autoportret w młodości, autoportret w starym wieku, portret starego człowieka (rabina) w wielu późniejszych dzieło artystę zanurza całą powierzchnię płótna w zmierzchu, skupiając uwagę widza na twarzy .
Został to przedstawiony przez Rembrandta w wieku 23 lat.
Okres przeprowadzki do Amsterdamu został oznaczony w kreatywnej biografii Rembrandta, tworząc wiele eterów mężczyzn i kobiet
W 1653 r. Doświadczający trudności materialne, artysta przeniósł prawie całą swoją własność syna Titusa, po czym stwierdził w 1656 r. W sprawie bankructwa. Po sprzedaży domu i mienia artysta przeniósł się na obrzeżach Amsterdamu, w dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę swojego życia. Najbliżej niego w tych latach, najwyraźniej Titus, ponieważ Jego obrazy są najliczniejsze. Śmierć Titusa w 1668 r. Stała się jedną z ostatnich ciosów losów; On sam nie był rok później. "Matthew i Angel" (1661). Być może model anioła był titusem.
Dwie ostatnie dziesięciolecia życia Rembrandta były szczytem jego umiejętności jako portrelista. Modele są towarzyszami artysty (Nicholas Breing
7. Vermeer Delftan Yang
malarstwo Holenderska Martwa natura
Vermeer Delftsky Yang (1632-1675) - holenderski malarz, największy mistrz holenderskiego gatunku i malarstwa krajobrazu. Pracował z Vermeer w Delft. Jako artysta wpłynęła tragicznie zmarła w wybuchu magazynu proszku Karela Fabrichusa.
Zdjęcia wczesnego Vermeera mają elewację obrazów ( Chrystus w Matern i Mary ). Praca Mistrza Malowania Gatunku Peter De Hoch była silnym wpływem na pracę Vermeera. Styl tego malarza w przyszłości znajduje rozwój na zdjęciach Vermeera.
Od drugiej połowy lat 50. Vermeer napisał małe obrazy z jedną lub większą liczbą figur w srebrnym świetle domu domu ( Dziewczyna z listem Kamerka do mleka ). Pod koniec lat 50. Vermeer stworzył dwa arcydzieła malarstwa krajobrazu: Heartfelt Picture Rozciągać z błyszczącym, świeżym, czystym, farbami i malowaniem Widok na miasto Delfta . W latach 60. praca Vermeera staje się bardziej wyrafinowana, a malarstwo jest zimne. ( Dziewczyna z perłą kolczyką.
Pod koniec lat 60. artysta często przedstawiał bogato urządzone pokoje, gdzie panie i posiadacze są musitusujące i prowadzą granatowe rozmowy.
W ostatnich latach życia Vermeera jego sytuacja finansowa znacznie się pogorszyła. Zapotrzebowanie na obrazy ostro upadło, malarz został zmuszony do zabierania pożyczek do karmienia jedenastu dzieci i innych członków rodziny. Prawdopodobnie przyspieszył podejście śmierci. Nie wiadomo, co się stało - ostra choroba lub depresja z powodu finansowania, ale pochowany Vermeer w 1675 r. W rodzinie krypt w Delft.
Poszczególna sztuka Vermeera po śmierci nie została oceniona przez współczesnych. Zainteresowanie go było ożywione tylko w XIX wieku, dzięki działalności artystycznej krytyki i historyka sztuki Etienne Theophila gore, który "otworzył" Vermeer dla ogółu społeczeństwa.
Wniosek
Odwołanie do rzeczywistości pomogła rozszerzyć artystyczne możliwości sztuki Holandii, wzbogacił swój temat gatunku. Jeśli przed XVII wieku, biblijne i mitologiczne tematy miały ogromne znaczenie w europejskich sztukach wizualnych, a inne gatunki zostały słabo rozwinięte, wtedy w języku holenderskim, stosunek między gatunkami zmienia się ostro. Występuje wraz ze wzrostem takich gatunków, jak: Gatunek gospodarstwa domowego, portret, krajobraz, martwa natura. Biblijne i mitologiczne działki w holenderskiej sztuce w dużej mierze tracą dawne formy wcielenia i są teraz traktowane jako obrazy domowe.
Ze wszystkimi osiągnięciami, Holenderska sztuka noszona zarówno niektóre konkretne cechy ograniczeń - wąski koło działek i motywów. Kolejny minus: tylko niektórzy mistrzowie starali się znaleźć w fenomeny ich głęboką bazę.
Ale w wielu obrazach kompozytowych portrety obrazów są najgłębszej postaci, a krajobrazy pokazują prawdziwy i prawdziwy charakter. Stał się charakterystyczną cechą holenderskiej sztuki. W ten sposób malarze zrobili wielki przełom w sztuce, opanowując trudną i trudną zdolność do pisania obrazów wewnętrznego świata człowieka i doświadczeń.
Egzamin dał mi możliwość przetestowania swoich zdolności twórczych, uzupełnić zapas wiedzy teoretycznej, dowiedz się głęboko o holenderskich artystów i ich dziełach.
Korepetycjonowanie
Potrzebujesz pomocy, aby studiować, jakie motywy językowe?
Nasi specjaliści doradzą lub mają korepetycje na przedmiot zainteresowania.
Wyślij zapytanie Właśnie z tematem, aby dowiedzieć się o możliwości otrzymania konsultacji.
Z obchodami burżuazyjnych budynków i kalwityzmu złodzieja sztuki monumentalno-dekoracyjnej i kościoła w Holandii. Zadania na obraz pałaców i zamków, które umieszczają barokowe artyści w monarchiach, prawie nie miały miejsc w Holandii. Szlachta była zbyt słaba, aby zapewnić istnienie dużej sztuki dekoracyjnej. Z drugiej strony Kalwinizm był przeciwko obrazom w jego świątyniach.
Zapotrzebowanie na prace malarskie było jednak niezwykle świetne. Szedł zaletą osób, a ponadto w dużej mierze od kręgów, które nie miały poważnej dostawy materiałowej. Rozwija się i staje się dominującym typem małych obrazów maszynowych przeznaczonych do powiedzenia w skromnych przestrzeni. Wraz z rozkazami obrazy były jeszcze częściej wykonywane na rynku sztuki, a handel był powszechny. Wielki zapotrzebowanie na obrazy doprowadziły ogromne produkty, a ze względu na ich nadprodukcję, wielu artystów musiało być widzianych z wyjątkiem bezpośredniego zawodu, innych źródeł istnienia. Wybitni malarze często okazują się ogrodnikami, potem dealerami dealerów, potem pracownikami (Goyen, ściany, gobba itp.).
W odniesieniu do tematu i technik wizualnych w holenderskim obrazie XVII wieku, początek realizmu jest całkowicie zdominowany. Artysta był wymagany przede wszystkim przez prawdziwy transmisję zewnętrznych form otaczających w całej różnorodności jego zjawisk.
Znaczenie osobowości w nowym społeczeństwie burżuazyjnym miało konsekwencję niezwykle dystrybucję portretu. Długi okres walki, gdzie zwycięzca poczuł swoją siłę, przyczynił się do tego procesu. Główną rolą odgrywanie różnych organizacji i przede wszystkim stowarzyszenia karabinu, spowodowały specjalny rodzaj grupy publicznej grupy, która uzyska powszechny rozwój i staje się jednym z konkretnych zjawisk malarstwa holenderskiego. Po licznych portretach strzelców są podobny charakter grupy przedstawicieli niektórych warsztatów handlowych, korporacji lekarzy (tzw. "Anatomia"), menedżerowie są ostre.
Naprężenie oporowe Ingoing najeźdźcy nasilają się poczucie narodowego. Od tej dziedziny rozpoczął nie tylko prawdziwość - powinna być przedstawiona, ludowi ludzie i sytuacja dzisiejszego dnia, nieuważni zdjęcia ich rodzimej natury, cała świadomość dumna i co było używane do zobaczenia oka: statki, piękne bydło, Obfitość psa, kwiaty. Gatunek, krajobraz, obrazy zwierząt i martwa natura stały się dominującymi typami tematów. Obraz religijny odrzucony przez kościół protestancki nie został wyłączony, ale nie odgrywał żadnej głównej roli i nabyło zupełnie inną postać niż w krajach własności katolicyzmu. Mistyczny początek został w nich superowany z realistyczną interpretacją działek, a obrazy tego kręgu cieszyły się korzyścią z formy malarstwa domowego. Sceny z historii starożytnej znajdują się wyjątek i są wykorzystywane do wskazówek na bieżących wydarzeniach politycznych. Jako wszystkie alegorię odnoszą sukcesy w wąskich kołach zaangażowanych w interesy literackie i humanitarne.
Typowa cecha holenderskiej szkoły tego czasu jest wąska specjalizacja na niektórych typach przedmiotów. Specjalizacja ta prowadzi do zróżnicowania gatunków: Niektórzy artyści rozwijają prawie wyłącznie sceny domowe z życia średniej i wyższej warstwy burżuazji, cała uwaga innych jest skierowana do życia chłopskiego; Wśród graczy krajobrazu wiele z trudem może znaleźć coś innego niż równiny, kanały, wioski i pastwiska; Inni zażywiają motywy lasu, inne specjalizują się w obrazie morza. Holenderskie artyści nie tylko zadanie dokładnego przeniesienia przedstawionych obiektów i zjawisk, ale starają się dać wrażenie przestrzeni, a także wpływ na formy otaczające ich atmosferę i światło. Problem transmisji światła i powietrza jest wspólnym i głównym malowniczym zadaniem dla XVII wieku holenderskiej szkoły. Zatem malowanie mimowolnie nabywa początek emocjonalności, powodując pewne nastroje od publiczności.
Pierwszy kwartał XVII wieku jest na obraz Holandii w okresie przejściowym, gdy tylko zaznaczone funkcje nie otrzymały jeszcze pełnego rozwoju. Od strony tematycznej główne typy malarstwa holenderskiego - krajobraz i życie - podczas stosunkowo niewielu zróżnicowanych. Oraz elementy gatunku i krajobrazu w obrazach tego czasu są często równoważne. W obrazach czysto gatunków istnieje wiele konwencji zarówno w ogólnej konstrukcji krajobrazu i smaku.
Wraz z kontynuowanymi lokalnymi tradycjami realistycznymi, Włochy są silnie pod wpływem Włoch, w szczególności zarówno jego manierane przepływy, jak i realistyczna sztuka karawaggio. Typowym przedstawicielem ostatniego kierunku był Honthorst (1590-1656). Wpływ na holenderczyk pracował na początku XVII wieku przez niemieckiego artysty Adama Elsheimera (1578-1610) jest również bardzo zauważalne. Romantyzm interpretacji tych wybranych z Biblii lub ze starożytnej literatury, a także znanego orientalizmu (atrakcją na wschód), który został wyrażony w wyborze typów, szatach i innych częściach, są łączone w swojej pracy ze zwiększonym pragnieniem efektów dekoracyjnych. Jako największy artysta tej grupy, Peter Londman nominowany (1583-1633).
Francja Hals. Po raz pierwszy przez artystę, wraz z pracą, której szkoła holenderska wchodzi w okres kompletny, jest frans Hals (ok. 1580-1666). Jego aktywność odbyła się prawie całkowicie w Harlemie. Tutaj na około 1616 roku jest przedstawiony jako zaawansowany największy portret i zachowuje swoją rolę w tej dziedzinie do końca życia. Wraz z pojawieniem się Hals ściśle realistyczny i bardzo indywidualny portret holenderski osiąga dojrzałość. Wszystkie nieśmiały, małe, naturalistyczne, wyróżniające swoje poprzedniki są przezwyciężone.
Początkowa faza sztuki Hals nie jest wyjaśniona. Natychmiast widzimy mistrz zdizywania problemu z portretem macierzystego. Pisze jeden po kolejnym obrazie przedstawiający strzał korporacji św. Adriana i św. George (Garlem, Museum of France Hals), gdzie zatłoczony pomnożone montaż i jasność każdego z tych obecnych jest również przekazywana z niepowtarzalną łatwością. Malownicze umiejętności i zaradność kompozycji grup wchodzą w te portrety w parze z niezwykłą ostrością. Hals nie jest psychologiem: jego modele zwykle mijają do niego. I pisze w większości ludzi, których całe życie wpływa w warunkach intensywnych, aktywnych działań, ale nie zbyt pogłębiania porządku psychicznego. Ale Hals, jak nikt, łapie wygląd tych ludzi, wie, jak chwycić najbardziej przelotne, ale jednocześnie najbardziej charakterystyczne dla wyrazu twarzy, w pozie, w gestach. Wesoły w naturze, stara się uchwycić każdy wizerunek w chwili odrodzenia, radości i nikt z taką subtelnością i różnorodnością, jak on, nie przechodzi śmiech. Portret oficera (1624, Londyn, Kolekcja Wallace), kołysząc się na krześle "Getygeisen" (koniec 1630, Bruksela, Galeria Sztuki), "Cygan" (koniec 1620, Louvre), lub tak zwany "Harlem Czarownica "- Mallet Bobbe (Berlin) może być nazywany jako charakterystyczne przykłady jego ostrej i często faul. Mężczyźni, kobiety, dzieci są przedstawieni przez niego z tym samym uczuciem ożywionego obrazu ("Portret młodego mężczyzny z rękawicą", ok. 1650, Hermitage). Sama technika Hals przyczynia się do wrażenia żywotności, niezwykle wolny i rosnących przez lata na szerokości. Ozdobna kolorowość wczesnej pracy jest następnie zmarła, smak staje się srebrem, wolność posiadania odcieni czarno-białych mówi o umiejętnościach, które mogą pozwolić sobie na zdrogą doniesienia sceniczne. W niektórych pracach zaplanowano techniki impresjoniczne. Hals pisze niezliczone poszczególne portrety do ostatnich lat życia, ale znów spłukiwane przez portrety grupowe. Uogólnione przez kolor, odkrywając starszą słabość dłoni na rysunku, jednak pozostają niezwykle ekspresyjne. Ich postacie reprezentują grupy Laddle Elders (1664, Harlem, Museum of France Hals), gdzie osiemdziesiątoletni artysta znalazł sobie ostatnie schronienie. Jego sztuka była zbyt zaawansowana w swoim czasie, aby zapewnić materialne sukces w środowisku wówczas społeczeństwa burżuazyjnego.
Rembrandt. Wytwarzanie jest późniejsze niż Hals, na tle zatwierdzonego holenderskiego realizmu rośnie przez gigantyczną figurę Rembrandt (1606-1669). Jego kreatywność jest największą dumą Holandii, ale znaczenie tego mistrza nie ogranicza się do ram jednej narodowości. Rembrandt jest reprezentowany przez jednego z największych artystów realistycznych wszechczasów, a jednocześnie jednym z największych mistrzów malarstwa.
Rembrandt Harmens Wang Rhine urodził się w 1606 r. W Leiden i był synem dostatni właściciela młyn mąki. Wcześnie odkrył atrakcję do malowania i po krótkim pobycie w Leiden University został całkowicie oddany sztuce. Po zakończeniu zwykłego trzyletniego okresu szkolenia Rembrandt udał się poprawić w Amsterdamie, który stał się studentem Londmana. Po uzyskaniu wielu technik tego ostatniego, postrzegał i wpływ realistycznego kierunku Karavagist.
Wracając do Leidena, Rembrandt rozpoczął pracę jako niezależny mistrz, miał wielki sukces, a ten sukces skłonił go do przeniesienia do Amsterdamu, gdzie osiedlił się od 1631 roku. Tutaj Rembrandt bardzo szybko stał się modnym artystą, wypełnioną rozkazami i otoczony przez wielu uczniów. Jednocześnie ujawniono i najjaśniejszy czas w swoim życiu osobistym.
W 1634 roku poślubił młodą, milovoid Girl Sasquia Wang-Ulena Borg, należącego do widocznego burżuazyjnego nazwiska Amsterdamu i przyniósł go do stanu Dowry Major. Zwiększył już rosnący bogactwo prosperującego mistrza, dostarczył mu niezależności materialnej, a jednocześnie zezwolił pasję do zbierania dzieł sztuki i różnego rodzaju zabytkowych rzeczy.
Już podczas pobytu Rembrandta w Leiden, a zwłaszcza po przeniesieniu w Amsterdamie główne cechy jego sztuki wpływają na całą pewność. Okrąg jego obrazów obejmuje historie religijne, historię, mitologię, portret, gatunek, świat zwierząt, krajobraz, martwa natura. Ostrość Rembrandt nadal ma osobę, psychologicznie poprawną transmisję znaków i ruchów psychicznych. Zainteresowanie problemami psychologicznymi objawiają się w niezliczonych portretach, a także w ulubionych tematach biblijnych REMBrandt, dając mu pożądany powód obrazu relacji ludzkich i znaków. Wspaniały niesamowity prezent narracji pozwala na przenoszenie publiczności nie tylko ekspresywność obrazów, ale także hamowania zgłoszenia wybranej działki.
Obrazy Rembrandt wykrywają głęboko realistyczne zrozumienie zadań sztuki. Ciągle studiuje naturę i energicznie wpatrując się w wszystkie formy otaczającej rzeczywistości. Jego uwaga jest przyciągana do wszystkiego, co jest wyraźna charakterystyczność: wyraz ludzi, gestów, ruchów, kostiumów. Naprawia swoje obserwacje na rysunkach, a potem w malowniczych eterach. Te ostatnie są głównie wczesnym okresie. Nabyta wiedza o formie i jej wyrazistości staje się integralną częścią wszystkich kompozytowych dzieł REMBRANDT i informuje o niezwykłą prawdziwość.
Równolegle ze zwracaniem uwagi na istotę zjawisk, Rembrandt jest całkowicie wchłaniany w czysto malownicze problemy, a głównie problem oświetlenia. Wyjątkowość i umiejętności jej decyzji przyniosły mu chwałę największego malarza. Wyrafinowanie światła Rembrandt w połączeniu z skutkami kolorystycznymi jest wysoką wartością artystyczną w obrazach Mistrzów. Ale to nie tylko samowystarczalna wartość dekoracyjna. Interpretacja efektów oświetlenia Rembrandty jest jednocześnie jeden z głównych środków identyfikacji natury obrazów. Jego kompozycja opiera się na stosunku planów oświetlonych i cieniowych. Ich dystrybucja przypisuje niektóre formy, a nachylenie innych przyciąga uwagę widza do tego, co jest szczególnie niezbędne do narracji lub cech, a tym samym zwiększa ekspresję. Strona malownicza jest organicznie związana z treścią.
Aktywność artystyczna Rembrandta od początku do końca jest nasycona jednością wewnętrzną. Ale jego ścieżka twórcza pozwala odróżnić liczbę wyraźnych wyraźnych etapów charakteryzujących się pewnymi konkretnymi funkcjami.
Po latach praktyk zawodowych i pierwszych niezależnych kroków, taki nowy etap to 1630. W tym okresie Rembrandt jest silny, z jednej strony, romantyczne elementy i fantazję, z drugiej strony - formalne cechy sztuki barokowej. Wrażenie fikcji jest spowodowane głównie wpływem oświetlenia, daleko od zawsze uzależnionego od pewnego źródła, ale generowane przez zdolność promieniowania samych przedmiotów. Dla barokowych trendów Rembrandt Sztuki tego okresu inicjatywa języka artystycznego, dynamiki i patosów kompozycji, w części, ostrość smaku. Na tym etapie Rembrandt jest stale tendencją do teatralizacji obrazów, skłoniając mistrzów do napisania siebie i jego bliski w bujnych płaszczach płaszczach, kaskach, turbansach, belach lub przedstawia Saskoviah w postaci biblijnych bohaterów, potem starożytnej bogini.
Na zewnątrz, oczywiście jest odpowiedni. Charakterystyka wyróżniają ich żywotność, umiejętność formowania form, poszukiwania elegność, a jednocześnie słynna rygor uzasadnia jego chwałę jako portreta. Portret grupy znany jako "anatomia lekarza tulipanu" (1632, Haga, Mauritzheis), gdzie zdolność do zjednoczenia zwróciła uwagę na wykład na wykładzie, czytana przez tulelita w stole anatomicznym, została połączona przez funkcje, był pierwszym Szczególnie głośny sukces Rembrandt.
Z skrajną obfitością prac portretowych spadających na rozważany dziesięć lat, Rembrandt znalazł czas na fascynujące figura, obraz narracyjny. "Anioł pozostawiający rodzinę Tovia" (1637, Louvre) może służyć jako przykład oznaczonych barokowych cech tego okresu. Fabuła wypożyczona z Biblii, gdzie w tym momencie jest złożony, gdy anioł, który pomógł synowi Tovia uzdrowić swojego ojca, pozostawia rodzinę rodzinną, jest nasycony elementami gatunku. Inny zdecydowanie podejście genomu do tematu jest przechwytywane w obrazie Hermitage "Pareable o winapeters" (1637). W tym przypadku przypowieść ewangeliczna zamienia się w czysto realistyczną scenę obliczania bogatego właściciela pracownikami. Lojalność gestów i wyrażeń osób nie jest mniej charakterystyczna dla Rembrandta niż malownicza problem transmisji światła, płynąca do małych okien i służy w głębokości wysokiej pomieszczenia samoprzylepnego.
Malownicze umiejętności i charakterystyczne dla Rembrandta w 1630 r. Zagielisko-złoty manifestuje się z całą pełnią w jednym z najsłynniejszych zdjęć - Hermitage "Dana" (1636). Na uczucie życia w przeniesieniu ciała, w geście, w wyrażaniu twarzy, jest to niezwykle jasno ujawnione przez realizację artystycznej koncepcji Mistrza w tym czasie jego kreatywnego rozwoju.
Od początku 1640 roku kreatywność Rembrandta łączy nową fazę, trwając do środka następnej dekady. Niezależność zrozumienia mistrza zadań sztuki, jego pragnienie głębokiej prawdy życia, zainteresowanie problemami psychologicznymi, przez lata miałem coraz bardziej, ujawnione w Rembrandet największej osobowości kreatywnej, daleko kultury Towarzystwo burżuazyjne otaczające go. Głęboka zawartość sztuki Rembrandt była tajemna niedostępna. Chciał sztuki realistycznej, ale bardziej powierzchownej. Oryginalność malowniczych technik Rembrandta z kolei poszła nie tak z ogólnie przyjętym ostrożnym, nieco schudnym sposobie listu. Ponieważ czasy krajowej walki heroicznej o niezależność została przeniesiona do przeszłości, w gustach dominującego środowiska, trendy holowniane do elegity i znanej idealizacji obrazu. Zmiana poglądów Rembrandta, wspierany przez jego materialną niezależność, poprowadził go do całkowitej rozbieżności ze społeczeństwem. Ta przerwa z burżuazyjnym medium dotkniętym całą pewnością ze względu na porządek mistrza dużej grupy portret gildii strzelców w Amsterdamie. Obraz (1642, Amsterdam), wykonany w wyniku tego zamówienia, nie zadowalał klientów i pozostał niezrozumiałe nawet kręgów artystycznych. Zamiast mniej lub bardziej zwykłej grupy portretowej Rembrandt dał obrazek przemówień zbrojnego składu, jazda na dźwiękach bębna za swoich przywódców. Portret charakterystyka przedstawiona wycofał się na tle przed dynamiczną sceny. Szeroko poczęty obraz kontrastu oświetlenia zgłosiło zdjęcie romantycznego charakteru, toru i jego warunkowej nazwy - "Nocny zegarek".
Konflikt z dominującym medium i ostry ze względu na ten spadek zamówień nie wpłynął na kreatywną energię Mistrza. Nie wpłynął również na zmianę warunków rodzinnych Rembrandt, który stracił swoją ulubioną żonę, która miała trwałą inspirującą jego żeńskie obrazy, nie znalazł się na nim. Kilka lat później jej miejsce zajmuje inne. Pojawiając się najpierw w skromnej roli Servant, Gendrick Stoffels staje się wierną dziewczyną życia mistrza i zapewnia mu pokój i ciszę komfortu rodzinnego.
Nadchodzący okres był korzystny dla rozwoju sztuki Rembrandta. Młodzież Zador znika z pracy. Staje się skoncentrowany, zrównoważony, a nawet głębszy. Złożoność kompozycji i patosów zastępuje się prostotą. Szczerość uczuć nie jest naruszana przez wyszukiwanie efektów zewnętrznych. Problem oświetlenia nadal jest właścicielem mistrzów. Kolorystyka staje się gorąca. Dominują złote żółte i czerwone dźwięki. Religijny w naturze tematu, ale czysto gatunkowy na interpretację działki, obraz Hermitage "Święta Rodzina" (1645) jest niezwykle charakterystyczna tego czasu.
Wraz z biblijnymi kompozycjami gatunków, ten okres jest pełen nowego wizerunku obrazu rzeczywistości - krajobrazy dla Rembrandty. Po wystawieniu w niektórych przypadkach do hołdu ich romantyczni przedsiębiorcy, tworzy wraz z nim ekscytującą surowy realizm podejścia przywiązania do nieprzerwanej holenderskiej wioski. Mały "Widok zimy" (1646, Kassel), w świetle wyraźnego mroźnego dnia, chłopskiego dziedziniec i kilku postaci na stroce zamrożonego kanału, zgodnie z subtelnościami uczuć i prawdziwości percepcji wizualnej, służy jako Jedna z najbardziej doskonałych próbek realistycznego krajobrazu holenderskiego.
W portRuight Rembrandt jest teraz wolny przy wyborze modeli i pisze korzyść osoby o wyraźnej indywidualności. Jest to głównie starsze kobiety i orzeł - Żydzi. Ale z taką samą ostrości okazuje się być w stanie przenieść urok młodej osoby lub uroku młodzieńczego wyglądu. Cały drobny jest gorszy w tych portretach uogólniony, ale jednocześnie nadzwyczajne ostre złożenie obrazu. To w dużej mierze przyczynia się do rosnącej szerokości geograficznej realizacji technicznego.
Pomimo szerokości i wartości artystycznej Rembrandt utworzonej w tym okresie sytuacja finansowa Rembrandta była niezwykle trudna dla połowy 1650 roku. Ze względu na spadek liczby zamówień, trudnej sprzedaży obrazów, aw szczególności niedbalstwo mistrza w prowadzeniu ich spraw Rembrandt doświadczył dużych trudności z materiałami. Dług związany z nabyciem w okresie życia Saskiya jest drogi w domu, zagrożony pełną ruiną. Próby wyjść z długu mogłyby tylko zatrzymać katastrofę, ale wciąż się wybuchła. Latem 1656 r. Rembrandt został ogłoszony niewypłacalny, a całe jego nieruchomość została sprzedana z aukcji. Podwyższone znane łóżko, został zmuszony do ruszyć ze swoją rodziną do biednej dzielnicy kapitału obrotu, a tutaj w ostro poczuł brak jego ostatnich dni.
Te straty, a także kompleksowy Rembrandt, a następnie nieszczęście - śmierć Gendrika, śmierć jedynego syna Tytusa, była bezsilna, aby powstrzymać dalszy wzrost jego geniuszu. Koniec lat 1650 i 1660 jest najbardziej ambitną fazą kreatywności Rembrandta. Reprezentuje syntezę wszystkich poprzednich psychologicznych i malowniczych zadań. Wyjątkowa siła obrazów, prostota konstrukcji, intensywność gorącego smaku i zakresu malowniczej tekstury stanowią główne cechy tego okresu. Te cechy są równie przejawiające zarówno na portretach, jak iw kompozycjach biblijnych. Utworzono w tym czasie portret grupy "Sindics" (starsi w pochmurnym sklepie, 1662, Amsterdamie) słusznie uważane za jednego z wierzchołków kreatywności Rembrandta). Ostra charakterystyka psychologiczna, prostota konstrukcji, która jest nieskomplikowana przez rytm linii i mas, a także skromna pod względem liczby kolorów, ale intensywny kolor podsumowano całą poprzednią ścieżkę Rembrandt-portraity. W dziedzinie obrazu biblijnego ta sama rola należy do "powrotu syna marnotrawstwa", zlokalizowaną w pustelni. Scena pojednania wyrzekła się w jego niepłodności syna i przyjaznego ojca na prostotę, dramat i subtelność transferu doświadczeń ludzkich pozostaje niezrównana w świecie świata. Trudno jej znaleźć coś równego nasycenia tonu i szerokości piórowej litery.
"Syn prodigal" jest jednym z najnowszych obrazów przez Mistrza i, najwyraźniej sięga 1669 - rok śmierci Rembrandta. Ta śmierć minęła całkowicie niezauważony, a tylko wiele lat później, w XVIII wieku, rozumiejąc sztukę tego wielkiego artysty zaczął rosnąć.
Wartość Rembrandta wynika z malowania mistrza jego ogromnego dziedzictwa jako grafiki. Wszystkie powyższe właściwości robót Rembrandta wpłynęły na grafikę nie są mniej jasno jasne niż w malarstwie, a ponadto zarówno na oryginalnych rysunkach, jak iw dziedzinie drukowanych grafiki, ryctwach. Niedawno Rembrandt jest największym mistrzem Etch.
Dla jego cech, trawienia nie mają mniej znaczenia niż obrazy. Wyróżniona głębokość analizy psychologicznej, ekspresyjny realizm obrazów i doskonałość własności technika sztuki wpłynęła na długi rząd wspaniałych arkuszy, tematycznie bardziej zróżnicowanych niż obraz Mistrza. Szczególnie sławny należy do "Chrystusa, leczenia pacjentów" (tzw. "Arkusz w stu florinach", ok. 1649), "Trzy krzyże" (1653), portrety Lutma (1656), Harling (1655), sześć ( 1647), a także krajobrazy znane jako "trzy prawdziwe (1643) i" Złoty Dwór Waighera "(1651).
Nie ma mniej istotnego miejsca w graficznym dziedzictwie Rembrandta robienie zdjęć. Ostrość i osobliwość percepcji Rembrandta otaczającego świata wpłynęła na te liczne i zróżnicowane arkusze ze specjalną siłą. Sposób rysowania, jako malowniczy sposób Rembrandta, ewoluuje wyraźnie w całym kreatywnym rozwoju kreatora. Jeśli wczesne rysunki REMBRANDT są przepracowane w szczegółach i są dość złożone w składzie, potem w bardziej dojrzałym okresie wykonał je szerokim malowniczym sposobem, niezwykle zwięzły i prosty. Rembrandt zwykle malowany z gęsią lub trzcinowej pióra i był w stanie osiągnąć z najprostszymi technikami wyjątkowej ekspresyjności. Jego rysunki, nawet gdy są to drobne szkice jakiegoś zwykłego motywu, są kompletnym całkowitym, dość przekazującą całą różnorodność natury.
Sztuka Rembrandta jako całość pozostała niezrozumiałymi współczesnymi. Podczas sukcesu uczniów, z których bólu Ferdinanda (1616-168-1680), Herbrandan Van Den Den, nabył największą sławę (1621-1674) i Art De Helder (1645-1727). Po dowiedzieniu tematu, technik kompozytowych i typów nauczycieli, nie pójdą tak samo w swoim obrazie malarstwa na zewnętrznej naśladowaniu przyjęć Rembrandta. Żywy wpływ mistrza, przeciwieństwem, że zdecydowanie wpłynęło na licznych graczy krajobrazowych przylegających do niego - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) i innych. Niezależnie od tego, że jego rozwój problemu światła stał się kamieniem węgielnym dla rozwoju całego kolejnego malarstwa holenderskiego.
Pełne rozpoznawanie kreatywności Rembrandta jest jednak tylko w XIX wieku. I od teraz, nie przestaje być jedną z najwyższych próbek realistycznych, a jednocześnie malowniczej ucieleśnienia obrazów.