Malowanie pierwszej połowy XIX wieku. Malowanie pierwszej połowy XIX wieku

Lyagin Yana.

Ta praca wprowadza nas do sztuki XIX wieku. Sztuka dowolnego czasu, jak gąbka, pochłania główne problemy, pomysły i widoki ich czasu. W przypadku sztuki rosyjskiej ta okoliczność jest najważniejsza, ponieważ zawsze nie była w stanie upolityczniona, w żadnym wypadku, jest ściśle związana z ideologią rządzącej części społeczeństwa, reakcji jego kręgów lub rodników rewolucyjnych.

Ściągnij:

Zapowiedź:

Konkurs Miejski Uczniowie Uczniowie

Instytucja społeczna państwowa państwowa

szkoła średnia z. Slwać.

Pełny adres: Region Saratowie, powiat Ekaterinovsky, s. Ślad.

ul. Praca d. 1

Abstrakcyjna praca:

"Rosyjska sztuka w XIX wieku"

Ocena 10.

Głowa : Sazonova Julia Andreevna,

nauczyciel sztuki.

2013-2014 rok akademicki

Wprowadzenie ................................................. .......................... ... ......... 3

1. Kultura Rosji XIX wieku: ogólna charakterystyka ............................... 4

2. Sztuka w XIX wieku .......................................... ................ 6.

2.1 Rosyjska sztuka w pierwszej połowie XIX wieku - "złoty wiek kultury" ............................... .................................................. ................ 6.

2.2 Sztuka rosyjska w drugiej połowie XIX wieku ........................... .... 11

Wniosek ................................................. ............................................... 15.

Lista używanych literatury .............................................. .. ....... 16.

Wprowadzenie

Sztuka dowolnego czasu, jak gąbka, pochłania główne problemy, pomysły i widoki ich czasu. W przypadku sztuki rosyjskiej ta okoliczność jest najważniejsza, ponieważ zawsze nie była w stanie upolityczniona, w żadnym wypadku, jest ściśle związana z ideologią rządzącej części społeczeństwa, reakcji jego kręgów lub rodników rewolucyjnych.

Cel pracy - przeanalizuj rosyjską sztukę XIX wieku.

Zadania:

1. Całkowita charakterystyczna dla tej epoki;

2. Krótko opisać sztuki rosyjskiej XIX wieku w swoich poglądów.

1. Kultura Rosji XIX wieku: Charakterystyka ogólna

Historia rosyjskiej sztuki XIX wieku jest zwyczajowa, aby dzielić się etapami.

Pierwsza połowa nazywa się złotym wiekiem kultury rosyjskiej. Zaczął zbiegać się z epoką klasycyzmu w literaturze rosyjskiej i sztuce. Po klęsce dekabrystów rozpoczął nową windę ruchu społecznego. To zaszczepiło nadzieję, że Rosja stopniowo radzi sobie ze swoimi trudnościami. Kraj osiągnął najbardziej imponujący sukces w tych latach w dziedzinie nauki, a zwłaszcza kultury. Pierwsza połowa stulecia dała Rosji i świat Puszkina i Lermontova, Griboedova i Gogola, Belinsky'ego i Herzeren, Glinki i DargomyZhsky, Bryullova, Ivanova i Fedotova.

Sztuka piękna pierwszej połowy XIX wieku ma wspólnotę wewnętrzną i jedność, wyjątkowy urok jasnych i humanitarnych ideałów. Klasycyzm jest wzbogacony o nowe funkcje, jego mocne są wyraźniej manifestowane w architekturze, obraz historyczny, częściowo w rzeźbie. Postrzeganie kultury starożytnego świata stało się bardziej historyczne niż w XVIII wieku i bardziej demokratyczne. Wraz z klasyzmem romantyczny kierunek jest intensywny rozwój, a nowa realistyczna metoda zaczyna formować.

Romantyczny kierunek rosyjskiej sztuki pierwszej trzeciej XIX wieku przygotował rozwój realizmu w następnych dziesięcioleciach, ponieważ do pewnego stopnia sprowadziło wspólnie romantyczni artystów z rzeczywistością, z prostym życiem. Była wewnętrzna istota złożonego ruchu artystycznego całej pierwszej połowy XIX wieku. Ogólnie rzecz biorąc, sztuka nazwanego etapu jest architektura, malarstwo, grafika, rzeźba, stosowana i ludowa kreatywność - wyjątkowe, pełne zjawisko specyficzne w historii rosyjskiej kultury artystycznej. Rozwijanie progresywnych tradycji poprzedniej wieku, stworzył wiele doskonałych dzieł dużej wartości estetycznej i społecznej, przyczyniając się do światowego dziedzictwa.

Druga połowa jest czasem ostatecznego zatwierdzenia i konsolidacji form i tradycji krajowych w art. W środku XIX wieku Rosja przetrwała silne wstrząsy: wojna krymska 1853-1856 zakończyła się porażką. Emperor Mikołaj, który zginęłam, który wspiął się na tron, Aleksander II, przeprowadził długo oczekiwany zniesienie serfdom i innych reform. Popularne w sztuce stało się rosyjskimi tematem. Kultura rosyjska nie została zamknięta w ramach krajowych, nie została oddzielona od kultury reszty świata.

1. Sztuka rosyjska w XIX wieku

Początek XIX wieku jest czas liftingu kulturowego i duchowego w Rosji. Rozwój kultury rosyjskiej w XIX wieku polegał na konwersji poprzedzającej. Przenikanie elementów kapitalistycznych stosunków do gospodarki wzmocnił potrzebę właściwych i wykształconych ludzi.Publiczne bibilights i muzea odegrały pozytywną rolę w życiu kultury w kraju (pierwsza biblioteka publiczna została otwarta w Petersburgu w 1814 r.). Rosja opracowała na tle rosnącej tożsamości narodowej ludności rosyjskich i w związku z tym wyraźny charakter narodowy.

2.1 Rosyjska sztuka w pierwszej połowie XIX wieku - "złoty wiek kultury

Pierwsza trzecia stuleci XIX nazywana jest "złotym wiekiem" kultury rosyjskiej. Zainteresowanie historią krajową była powodem pojawienia się licznych powieści, historii, ballad, prowadzących na różnych tematach historycznych. Najbardziej znane powieści stalowe M.n. Zagoskin. (1789-1852) "Yuri Miloslavsky lub Rosjanie w 1612", "Roslavlev lub Rosjanie w 1812", "Kuzma Roshchin",I.I. LAZHECHNIKOVA. (1792-669) "Ice House", "Ostatni nowy rok", "Bassurman". Nawet w imionach jasne jest, że te i inne dzieła prozy historycznej uznano za okresy kryzysowe historii rosyjskiej: cywilna walka rosyjskich książąt, rosyjscy wojny wyzwolenia, intrygami politycznymi i wydarzeniami, które mają, od punktu widzenia ich autorów, niezbędne znaczenie. Jednocześnie uzależnienia polityczne autorów sprzeciwiały się przedniemu. Na przykład MN Zagoskin był oczywistym zwolennikiem monarchii, a te poglądy nie są objawiane w deklaracjach politycznych autora, ale w swoich bohaterach, w opisach elementów życia, w zależności od osobistego relacji postaci z wyniku Wiele wydarzeń historycznych. A jednak, w centrum wszystkich Narchów, jeden wspólny pomysł został zawarty, który w większości wydał po wojnie 1812 roku i krótko wymawiany II ALAZHENNIKOV w przedmowie do powieści "ostatni nowy rok": "Uczucie, które dominuje w mojej powieści , jest miłość do gruzu ".

Historia w skrajnych momentach jest treść i pomysłowy "Taras of Bulba" Gogol, "córki kapitana" i "Arape Peter Wielki" Puszkin, jego dramat "Boris Godunov", wiersze "POLTAVA" i tak wiele działa, że \u200b\u200boni są niemożliwe i przeniesione.TAK JAK. Puszkin. Stał się symbolem jego epoki, gdy szybki odbywa się w rozwoju kulturalnym Rosji. Puszkin jest twórcą rosyjskiego języka literackiego. Stało się obrzydliwą wartością w rozwoju tylko rosyjskiej, ale także kultury świata. Był piosenkarką wolności i przekonany Patriota. Poeta zapisywany do potomków: "Nie tylko można dumny z dumnych z moich przodków, ale powinno to ... szacunek dla ostatniego - oto cecha, która wyróżnia tworzenie się dzikości ..."

Humanistyczne ideały rosyjskiego społeczeństwa znalazły odzwierciedlenie w wysokich, ogólnych próbkach architektury tego czasu i monumentalnej rzeźby, w syntezie, z którym dekoracyjne malarstwo i sztukę stosowaną, która często okazuje się w rękach architektów sami. W architekturze XIX wieku. Zdominował klasycyzm. Budynki zbudowane w tym stylu wyróżniają się wyraźnym i spokojnym rytmem, poprawność proporcji. Znaczące różnice były dostępne w architekturze Petersburga i Moskwy. Z powrotem w środku XVIII wieku. Petersburg był miastem arcydzieł architektonicznych, utonął w zieleni osiedli i był na wiele sposobów podobnych do Moskwy. Następnie regularny rozwój miasta rozpoczął się wzdłuż cięć swoich prospektów, promieni z admiralicji. Petersburg klasycyzm to architektura nie pojedynczych budynków, ale całe zespoły wpływające na ich jedność i harmonię. . Ważną rolą w formacji wyglądu architektonicznego Petersburga jest rozgrywany przez budynek Admiralicji, wzniesiony przez projektA.d. Zaharov (1761-1811). Fasada admiralicji.został rozciągnięty przy 406 m. W centrum znajduje się łuk triumfalny z wysoką pozłacaną iglicą, która stała się jednym z symboli miasta.

Największy architekt tego czasuAndrei Nikiforovich Voronikhin. (1759-1814). Głównym stworzeniem Voronikhina jest katedra Kazańska, Majestatyczna kolumnada, której w centrum Nevsky Prospekt, obracając katedrę i środowisko w najważniejszym węzła miasteczkowego centrum miasta Sankt Petersburga. W 1813 r. W katedrze, MI Kutuzov został pochowany, a katedra stała się rodzajem pomnikiem zwycięstw rosyjskiej broni w wojnie 1812 r. Później na placu przed katedrą, posągi Kutuzowa i Barclay de Tolly, wykonywane przez rzeźbiarzaB.I. OORLOVSKY. Rosyjska rzeźba 30-40-tych XIX wieku. Staje się coraz bardziej demokratyczny. W połowie stulecia rzeźba główna - dwa kierunki: jeden, pochodzący z klasyki, ale który przyszedł do suchego naukowania; Inny wykrywa pragnienie bardziej bezpośredniego i wielostronnego wyświetlania rzeczywistości, rozprzestrzeniają się w drugiej połowie wieku, ale niewątpliwie również fakt, że obaj kierunki monumentalnego stylu są stopniowo utracone.

Rzeźbiarz, który w latach upadku monumentalnych form udało się osiągnąć znaczący sukces w tej dziedzinie, a także w "małych formach"Peter Karlovich Klodt. (1805-1867), autor koni dla Bramek Triumphant Narva w Petersburgu (Arch. V. Stasov), "Tweeders of Konya" na most Anichkova (1833-1850), pomnik Mikołaja I na placu Isaac (1850-1859 ), Ia. Kryona w letnim ogrodzie (1848-1855), a także duża liczba rzeźby zwierząt. Wiodący kierunek architektury i rzeźby pierwszej trzeciej XIX wieku był klasycyzm. W malarstwie został opracowany głównie przez artystów akademickich w historycznym gatunku (a.e Camilla, Siostry Horace ", 1824, Timing;" Miedź Fri ", 1826-1841, Timing). Ale prawdziwe sukcesy malarstwa leżały jednak w innym rzędzie - romantyzm. Najlepsze aspiracje duszy ludzkiej, UPS i parafii Ducha wyraziły romantyczny obraz tego czasu, a przede wszystkim portret. W gatunku portretowy wiodący powinien być przypisany do Cyprinena Oresa (1782-1836). Częścią badaną Cyprosk Creativity jest portretami graficznymi, wykonane w głównie miękkim włoskim ołówek z oszczędnym pastelą, akwarelą, kolorowymi kredkami. Przedstawia generała E.I. Chaplica (GTG), a.r. Tomilova (czas), p.a. Olena (GTG). Pojawienie się szybkich portretów - szkicowanie w sobie jest znaczącym, charakterystycznym dla nowego czasu: każda zmiana mimowania twarzy jest łatwa w nich ustalana, każdy ruch psychiczny. Ale pewna ewolucja występuje także na wykresie Kiprensky: nie ma bezpośredniej pracy i ciepła w późniejszej pracy, ale są one wirtuozyjnikiem i wykwintną według egzekucji (portret S..S. Shcherbatova, to. Samochód., GTG).

Sekwencyjny romans można nazwać słupemA.o. Orlovsky. (1777-1832), szybko zasymilował się w rosyjskiej ziemi, która jest szczególnie widoczna w portretach graficznych. W nich przez wszystkie zewnętrzne atrybuty europejskiego romantyzmu z buntem i napięciem jest z widokiem na coś głęboko osobistego, ukryte, intymnego (autoportret, 1809, GTG). Oryolsky należy do pewnej roli w "wyzwalaniu" sposobów na uświadomienie sobie ze względu na szkice gatunkowe, rysunki i litografie przedstawiające sceny uliczne Petersburskie i typy, które spowodowały słynne kwalifikacje PA, Vyazemsky:

Rosja jest pierwsza, usuwająca

Zdejszasz potomstwo,

Chwyciłeś ją żywcem

Pod ołówkiem ludowym.

Pierwsza połowa XIX wieku. naznaczony rozkwitu muzyki rosyjskiej związane, przede wszystkim, o nazwieMichaił Ivanovich Glinka.(1804-1857), który weszła do historii jako pierwszego rosyjskiego kompozytora na świecie. M. I. Glinka jest uważany za założyciela rosyjskiej muzyki klasycznej. Jego Opery "Życie dla króla" i "Ruslan i Lyudmila" w dużej mierze ustalił dalszy rozwój rosyjskiej muzyki opery przez wiele dziesięcioleci. Charakterystyczną cechą kreatywnego podejścia kompozytora było korzystanie z motywów rosyjskiej folkloru, muzyki ludowej. Napisał błysk i romans. Znaczący wkład w rozwój kultury muzycznej w rosyjskiej wykonane współczesnych GlinkaA.a.alabyev, a.e.vlamamov, a.l.gurlev, Znanym dzisiaj, głównie autorów Romance.

A.a. Alyabyev. A.L.Gurlev A.E.Vlamov

2,2 rosyjska sztuka w drugiej połowie XIX wieku

Warunki dla rozwoju kultury w drugiej połowie 19 wieku.

Druga połowa XIX wieku. - czas ostatecznego zatwierdzenia i konsolidacji form krajowych i tradycji w rosyjskiej sztuce. W środku XIX wieku. Rosja doświadczyła silnych wstrząsów: porażka zakończyła się wojna krymska 1853-1856, Emperor Nicholas, który zginęłam, który wspiął się na tron \u200b\u200bAleksander II prowadził długo oczekiwany anulowanie serfdom i innych reform. Popularne w sztuce stało się rosyjskimi tematem. Kultura rosyjska nie została zamknięta w ramach krajowych, nie została oddzielona od kultury reszty świata. Osiągnięcia sztuk obcych znalazły odpowiedź w Rosji. Z kolei kultura rosyjska otrzymała uznanie na całym świecie. Kultura rosyjska zajmowała honorowe miejsce w rodzinie kultur europejskich.

Sztuka drobna nie mogła pozostać na boku z procesów, które miały miejsce w świadomości publicznej. Galeria Państwowa Tretyakow w Moskwie jest jednym z największych posiedzeń rosyjskich sztuk wizualnych, słynnego Narodowego Centrum Kultury. Muzeum jest nazwą założyciela - Moscow Merchant P.M.Tretyakova (1832-1898), który przedstawił swoją galerię zdjęć w 1892 roku, a także małą kolekcję brata i domu, który w 1881 r. Otwarto dla odwiedzających.

W tym czasie rosyjscy artyści osiągnęły taki poziom umiejętności, który umieścił swoje prace w jednym rzędzie z najlepszymi przykładami sztuki europejskiej. Prąd opiera się na pomysłach krytycznego realizmu. Jednym z pierwszych mistrzów tego obszaru był Wasily Grigorievich Perov (1833-1882). Jego gatunek działa ("Wiejski podróż w Wielkanoc" z 1861 r., "Przewody martwego" z 1865 r., Troika 1868) są smutnymi historiami życia prostych ludzi określonych w języku malarstwa.

Bezprecedensowy heyday dotarł do krajobrazu. Malarstwo krajobrazowe zamieniło się w jedną z zaawansowanych obszarów kreatywności artystycznej, ten gatunek został podniesiony na nową wysokość. Ekspresyjne fundusze zostały poprawione, opracowana technika. Krajobraz II pół XIX nie jest już tylko obrazem "gatunków krajobrazów" i malarstwa, przez obrazy natury, przekazując najlepsze ruchy duszy ludzkiej. Najwięksi mistrzowie krajobrazu w Rosji byli A.k. Savrasov ("Gracchi przeleciał" z 1871 r.), I. Chishkin ("Sosnovy Bor" 1873, "żyto" 1878 r. 1873, A.I.KouNezhi ("Birch Grove" 1879, "Moonlight na Dnieprze "1880), VD Polenov (Moskwa Dvorik, 1878), II Lemitan (" Wieczór "1892," Wiosna. Duża woda "1897), K.a. Korovin (" Zima "1894" Paryż. Kapucyn Boulevard "1906).

Wierzchołki są realistyczną sztuką II połowę XIX wieku. osiągnięty w kreatywnościI.E. PEPINA I V.I. SURIKOVA. Malarstwo historyczne znalazło najwyższą ekspresję w dziedzinie wasiliwnie Ivanovich Surikova (1848-1916). W historii artysty ludzie były najbardziej zainteresowani: masą ludzi i silnymi jasnymi osobami.

Pierwsza praca, która przyniosła V.I. Surikov do chwały, "rano Strelssky wykonanie" (1881). Kompozycja jest zbudowana na kontrastu: żal, nienawiść, cierpienie zawarte na figurach strzelców idących na śmierć i ich bliskich, są przeciwne do ściskania na koniu, kamień zamrożony w oddali.

Oprócz V.I. obrazy Surikova na tematy historyczne napisały V.M.vasnetsov. Wizerunek historii w jego pracach ma namacalny epicki, fantastyczny odcień: "Po udaniu się do Igor Svyatoslavich z Polovtsy" (1880), "Alenuska" (1881), zwłaszcza jasny związek epicki i historii objawił się w wielkiej płótnie "Bogatyry" (1898 G).

W 1898 r. Założono nowe stowarzyszenie artystyczne w Petersburgu, nazwanym"Świat artystyczny" . Artysta artysty wstał na głowie kręguA.N. Benua i Messenat S.P. Dyagilev. Głównym rdzeniem StowarzyszeniaL. S. Bakst, E.E.Lesser, K.A. Osov. "Świat artystyczny" zorganizował wystawę i opublikował magazyn pod tym samym nazwiskiem. Unia obejmowała bardzo wielu artystów:M.A.Vrubel, V.A.Serov, Î.I. Lewitan, M.V.nesterov A. P. Ryabushkin, N.K. Ryrich, B.M. Kustodiev Z. Serbryakova K. S.Petrov-Vodkin. Miriskussniks broniła wolności indywidualnej kreatywności. Głównym źródłem inspiracji został uznany za piękno. Współczesny świat ich zdaniem jest pozbawiony urody i dlatego zamiast uwagi. W poszukiwaniu pięknych artystów "pokoju świata" w swoich dziełach często zwracają się do zabytków przeszłości.

Również druga połowa XIX wieku. - Jest to okres wybitnych osiągnięć nauki i technologii. Chemia, fizyka, geografia, biologia rozwijają ...

Rozwój nauk przyrodniczych, szerokie połączenia rosyjskich naukowców z Zachodnim świadczył wystarczającą lokalizację w Rosji w społeczności świata.

Wniosek.

rosyjskie saszetki twoja architektura malarstwa

Sztuka XIX wieku można porównać z mozaiką multicolor, gdzie każdy kamień bierze swoje miejsce, ma swoje znaczenie. Niemożliwe jest, aby usunięcie żadnego, nawet najmniejszego, bez naruszania harmonii całości. Jednak w tej mozaiki znajdują się kamienie najbardziej wartościowe, emitując szczególnie silne światło.

Przez całoroczną historię rosyjska sztuka doświadczała znaczących, czasem rdzennych zmian: została wzbogacona, skomplikowana, poprawiona, ale zawsze pozostała oryginalna.

Rosyjska architektura, wizualne, ludowe i stosowane sztuki świadczą o nieocenionym wkładie, które wprowadziły nasze osoby do Skarbu Państwa Kultury Artystycznej Krajowej I Światowej.

XIX wiek, być może najtrudniejszy i ciekawy okres w historii sztuki rosyjskiej. Era ta wywołała genialną kreatywność A.S. Pushkin, Folk and All-Life, pełne marzenie o wolności. Jest to okres rozkwitu kultury duchowej: literatury, filozofii, muzyki, teatru i sztuki wizualnej.

Bibliografia.

1.ilina t.v. Historia sztuki: sztuka domowa. TUTORIAL / TV. - M.: Wyższa szkoła, 2007. - 407 p.

2. Pełna książka referencyjna uczennica 5-11 klasy (2 objętość). E.V. SIMONOVA.

Zainteresowanie dziełami sztuki obejmowały coraz bardziej szerokie sekcje społeczeństwa, które zostało wyrażone w tworzeniu różnych towarzystw artystycznych, uprawiając popularność wystaw w Akademii Sztuki, podstawy czasopism artystycznych, tworząc muzea artystyczne.

Portret pozostał wiodącym gatunkiem w malarstwie, jego rozwój był związany z pracą O.a. Cyproshensky i V.a. Tropinine. W dziełach tych artystów pragnienie złapania wyjątkowości duchowego i emocjonalnego świata współczesnych, romantyzm jest spleciony z cechami realizmu. Krajobraz opracowany wraz z portretem związanym z nazwą S.F. SHCHEDRIN, dla którego charakterystyczna jest poetycka postrzeganie naturalnego wyglądu natury. Gatunek gospodarstwa domowego jest reprezentowany przez kreatywność A.G. Venetianova, który celowo wybrał go jako niezależny i pełny rodzaj malarstwa, a p.a. Fedotova. Przedmiotem ich obrazu jest krajowy i demokratyczny. Malarstwo historyczne rozwinęło się pod wpływem wojny 1812 r., Wzrost patriotyzmu i samoświadomości narodowej. Ten kierunek był reprezentowany przez A.a. Ivanov, który napisał słynny obraz fenomenu Chrystusa do ludzi, a.e. Egorov itp. Niektórzy artyści pracował równomiernie w różnych genresach. Tak było F. Bruni, K.P. Bryullov, największy artysta swojego czasu, w których dramatu pracy, ludzkości, wyjątkowe umiejętności, została wykonana.

Prawie cały rozwój malowania w tym czasie odbył się w ramach klasycyzmu, w obrazie nabycia akademicdy. Academaism koncentrował się na najwyższej techniki wizualnej, mitologicznych i biblijnych działkach, dekoracyjności kompozycji. Ogólnie rzecz biorąc, do malowania XIH. Charakteryzuje się rozszerzeniem gatunków, działek, poprawy technik technicznych i aspektów artystycznych. W przypadku rosyjskich sztuk wizualnych scharakteryzowano romantyzm i realizm. Jednak klasyzm został oficjalnie uznany metodę.

Klasycyzm w architekturze na początku XIX wieku. Osiągnął najwyższy poziom rozwoju, tworząc żyzną glebę, aby wyrazić cywilną patos. Charakterystyczna funkcja - tworzenie dużych zespołów. Rosyjska architektura wyróżnia wysoki profesjonalizm, szukając nowych ścieżek.

Wśród architektów tego czasu powinien zostać przydzielony. Beauva, który prowadził pracę nad przywróceniem Moskwy po ogniu 1812 r. Pod jego przywództwem Utworzono unikalne zespoły miejskie: teatr, zmartwychwstanie, plac czerwony; Aleksander Garden; Budynki teatru Bolszoj, Maneja - struktury, konwersją wygląd miasta. W Petersburgu klasyzm zachował swój oficjalny charakter i odzwierciedlał wartość miasta jako stolicy Imperium. Kazańska Katedra (1801-1811) Architekt A.N. Należy do liczby znakomitego wybitnego zabytków. Voronikhina; Budynek wymiany (1804-1811) architekta Tom de Tonon; Urban Ensembles K.i. Rossi, który zamienił miasto w dzieło sztuki. Według szkicu. Zakharow został wzniesiony przez budynek Admiralicji. Promienie Perersburga Prospekty zostały oddzielone od niego. Według projektu A.a. Monferran został stworzony przez katedrę św. Izaaka - najwyższy budynek Rosji w tym czasie.

Aby zmienić klasycyzm, który wyczerpał swoje możliwości, które przyniosły sprzeczność ze zmienionymi potrzebami estetycznymi epoki w latach 30. Hih w. Eklektyczny przyszedł. Jego główną zasadą jest stosowanie elementów różnych stylów architektonicznych przeszłości w wolnej formie. Architekt K.a. Ton jest jednym z najbardziej uderzających przedstawicieli tego obszaru. Przez jego projekt został zbudowany przez Kościół Chrystusa Zbawiciela (1839-1883) na cześć zwycięstwa w wojnie patriotycznej 1812 roku

Najważniejsze sukcesy zostały osiągnięte w tym czasie w dziedzinie monumentalnej rzeźby. Podobnie jak w innych kierunkach kultury artystycznej, było dużo wpływu wojny patriotycznej 1812, tematy heroizmu, patriotyzmu itp. Były popularne. Rzeźba opracowana w ramach stylu klasycyzmu, ale dość silny wpływ nabywa realistyczne cechy. Charakterystyczną cechą rozwoju rosyjskiej rzeźby pierwszej połowy wieku była synteza rzeźby i architektury, która była szczególnie wyraźna w tworzeniu zespołów miejskich, rozwiązywania innych zadań planowania urbanistycznego.

Wśród wybitnych rzeźbiarzy - monumentalizatorów, specjalne miejsce jest zajmowane przez V.I. Demum - Malinovsky i S.S. Pimenov. Wraz z architektem, Voronichin, stworzyli wyjątkowy wystrój katedry Kazańskiej, a następnie płaskorzeźby dla Instytutu górniczego. Kilka posągów ambitowych wyrzeźbiło się z kamienia do budynku admiralicji. Rzeźbiarze pracowali również we współpracy z architekta Rossi, szczytu ich kreatywności jest rzeźba łuku personelu ogólnego.

Wśród wybitnych zabytków ery obejmują minin i pomnik Pozharski na placu czerwonym, stworzonym przez rzeźbiarza I.P. Martos. W obrazach bohaterów XVII wieku. Wykonano cechy patriotyzmu, duma narodowa. O dużym znaczeniu była praca B.I. Orlovsky, autor postaci anioła, tworząc kolumnę Alexander, zabytki marszałka polowego M.I. Kutuzov i General Barklay de Tollya przed katedrą Kazan w Petersburgu. Kolumna Alexandrovskaya - Mengir, jeden z najsłynniejszych zabytków Petersburga. Wytłoczony w stylu Ampir w 1834 r. W centrum Pałacu Placu Architekt Auguste Monferran przez dekret młodszego brata Cesarz Aleksandra I Nicholas I w pamięci zwycięstwa nad Napoleonem. Kolumna jest monolitycznym obeliskiem, który stoi na zdobionym piedestale płaskorzeźbowym z napisem poświęconym "Alexander I Dziękujemy Rosję". Kolumny na piętrze - rzeźba aniołów Borysa Orłowskiego. Twarz anioła ma cechy Aleksandra I. W lewej ręce anioł posiada czteropinowy krzyż łaciński i właściwy stosunek do nieba. Głowa anioła jest przechylona, \u200b\u200bjego spojrzenie jest naprawione na ziemi. Kolumna skierowana jest do fasady do pałacu zimowego. To nie tylko wybitny pomnik architektury, ale także duże osiągnięcie jego epoki. W pierwszej połowie XIX wieku. Pojawiła się niezależna rosyjska sztuka muzyczna, choć wpływ włoskich, niemieckich szkół francuskich wciąż bardzo się czuł. Rosyjska krajowa kultura muzyczna została stworzona na podstawie kreatywności ludowej, o czym świadczy twórczość A.a. Ayabyeva, twórca Rosyjskiej Opery Narodowej M.I. Glinka. Istotny wkład w rozwój domowej sztuki muzycznej, innowacyjnej opery A.S. DargomyZhsky. Połączenie motywów ludowych z romantyzmem doprowadziło do pojawienia się specjalnego gatunku - rosyjskiego romansu (A.a. Ayabyev, A.e. Varlamov, Al. Gurilev). W tym czasie rola teatru dramatycznego w życiu kulturalnym Rosji poważnie wzrosła. W Moskwie centrum tego rodzaju sztuki było małym teatrem, gdzie trendy demokratyczne były bardzo silne; W Petersburgu - Alexandrinsky, który zachował wartość urzędnika. Sztuka teatralna tego czasu rozwinęła się w ramach stylu romantyzmu (zwłaszcza w pracy PS Mochalov, który grał w sztuce Schillera, Szekspira; specjalny sukces miał swoją rolę Hamlet). Stopniowo kierunek realistyczny został zatwierdzony na rosyjskiej scenie z powodu Dramaturgii A.S. Griboedova, N.V. Gogol, a.n. Ostrovsky. Wśród aktorów, którzy stworzyli sławę rosyjskiej sceny, powinna być przydzielona przez M. S. Shchepkin, P.S. Moochalova, E.S. Semenova, et al. Były różne typy teatrów. Twierdza teatry należały do \u200b\u200brosyjskich arystokratycznych nazwisk (Sheremetev, apraksin, Yusupov itp.) Były nadal szeroko rozpowszechnione. Tezy państwowe były trochę (Alexandrian i Mariinsky w Petersburgu, duże i małe w Moskwie). Specjalne miejsce w życiu kulturalnym Rosji zajmowało sztukę teatralną baletową. Opracowano w bliskim połączeniu i pod wpływem literatury krajowej. Pozostawiając przeszłe baletów "Najczystszy klasycyzm". Przybyli do zmiany sentymentalnych melodramów i romantycznych produkcji. Balki pojawiły się w repertuarze, którego działka została zasugerowana przez literaturę krajową.

Wyświetleń: 27 748

Pierwsze dziesięciolecia XIX wieku. W Rosji odbyli się w sytuacji ogólnokrajowej windy związanej z wojną patriotyczną z 1812 r. Ideałami tego czasu znaleziono w poezji młodego Puszkina. Wojna z 1812 r. I powstanie decembrystów w dużej mierze określały charakter kultury rosyjskiej pierwszego trzeciego wieku.

Szczególnie ostra sprzeczność czasu oznaczono w latach 40-tych. To było wtedy A.I. Rozpoczęła się działalność rewolucyjna Herzen, z genianymi krytycznych artykułów V. G. Belinsky, namiętne spory prowadziły westerny i slawofilki.

Romantyczne motywy pojawiają się w literaturze i sztuce, która jest naturalna dla Rosji, już więcej niż wiek zaangażowanych w ogólnoeuropejski proces kulturowy. Ścieżka z klasycyzmu do krytycznego realizmu poprzez romantyzm ustalił warunkową oddzielenie historii rosyjskiej sztuki pierwszej połowy XIX wieku. Jakby przez dwa etapy, z których zjeżdżalnia była 30s.

Wiele zmieniło się w porównaniu z XVIII wieku. W wizualnych sztukach plastikowych. Publiczna rola artysty, znaczenie jego osobowości, jego prawo do swobody kreatywności, w której pojawiają się problemy społeczne i moralne coraz częściej wzrosły.

Wzrost zainteresowania rosyjskim życiem Rosji zostało wyrażone w budynku niektórych spisanych społeczeństw oraz publikację specjalnych czasopism: "Darmowe Towarzystwo literatury Literatory, Nauki i Arts" (1801), "Journal of Fine Arts" pierwszej w Moskwie (1807), a następnie w Petersburgu (1823 i 1825), "Towarzystwo promocji artystów" (1820), "Muzeum Rosyjskie ..." P. Swistina (1810) i "Rosyjska Galeria" w Hermitage (1825), prowincjonalne szkoły sztuki, jak szkoła av Stupina w Arzamach lub A.G. Venetianova w Petersburgu i wiosce Safonkovo.

Humanistyczne ideały rosyjskiego społeczeństwa znalazły odzwierciedlenie w wysokich, ogólnych próbkach architektury tego czasu i monumentalnej rzeźby, w syntezie, z którym dekoracyjne malarstwo i sztukę stosowaną, która często okazuje się w rękach architektów sami. Mistrzowski styl tego czasu jest dojrzały lub wysoki klasyzm, w literaturze naukowej, zwłaszcza początek XX wieku, często określany jako rosyjski ampir.

Architektura

Architektura pierwszej trzeciej wieku jest przede wszystkim rozwiązaniem dużych zadań planowania urbanistycznego. W Petersburgu, układ głównych kwadratów stolicy jest zakończony: pałac i senat. Najlepsze zespoły miasta są tworzone. Szczególnie intensywnie po ogniu 1812 r. Zbudowany jest Moskwa. Idealny staje się starożytnością w swojej greckiej (a nawet archaicznej wersji); Cenning Heroi o starożytności inspiruje rosyjskich architektów. Wykorzystuje się nakaz Doric (lub Tuscan), który przyciąga jej nasilenie i lakoniczność. Niektóre elementy zamówienia są powiększone, zazwyczaj dotyczy kolumnady i łuków, podkreślono moc gładkich ścian. Obraz architektoniczny jest uderzający lupa i monumentalność. Ogromna rola w ogólnym wyglądzie budynku jest rozgrywana przez rzeźbę, która ma pewną wartość semantyczną. Dużo rozwiązuje kolor, zwykle architektura wysokiego klasycyzmu dwukolorowego: kolumny i statuetki sztukaterii - białe, tło - żółty lub szary. Wśród budynków są głównym miejscem zajmowane przez struktury publiczne: teatry, departamenty, instytucje edukacyjne, pałace i świątynie są znacznie mniej prawdopodobne (z wyjątkiem defferred katedry pod kodeksami).

Największy architekt tego czasu Andrei Nikiforvich Voronikhin (1759-1814) rozpoczął swoją niezależną ścieżkę w latach 90. z restrukturyzacją po F.i. Demetsov. wnętrza pałacu Stroganova F.-b. Rastrelli w Petersburgu. (1793, szafka mineralna, galeria zdjęć, rogu). Klasyczna prostota jest charakterystyczna dla domku Stroganovsky na czarnej rzece (1795-1796, nie została zachowana. Dla masło krajobrazu "Domek Stroganova na czarnej rzece" , 1797, MRM, Voronikhin otrzymał tytuł akademika). W 1800 r. Voronikhin pracował w Peterhof, spełnił projekty galerie w Buchet Fontana "Samson" i biorąc udział w ogólnej rekonstrukcji dużych fontann groty, dla których Akademia Artysty została oficjalnie uznana jako architekt. Później Voronikhin często pracował na przedmieściach Petersburga: Zaprojektował szereg fontann drogi Pulkovskaya, oddzielał "latarkę" i egipski lobby w Pavlovsky Palace,

Wiscontal Bridge i Pink Pavilion w Pavlovsk Park. Główna burza mózgów Voronikhina - Kazańska katedra (1801-1811). Semi-curwiczna kolumnada świątyni, którą wzniesiony nie ze strony głównej - zachodniej, a z boku - północna fasada, utworzyła plac w centrum perspektywy Nevsky, zamieniając katedrę i budynek Najważniejsza jednostka urbanistyczna. Armenia, druga jest zakończona kolumnadą, podłącz budynek z otaczającymi uliczkami. Proporcjonalność podróży bocznej i budynków katedry, rysunek Porcica i Cannoned Corinthian kolumny świadczą o doskonałej wiedzy o starożytnych tradycjach i umiejętności ich modyfikacji w języku nowoczesnej architektury. W pozostałym niedokończonym projekcie 1811 r. Założono drugą kolumnadę z południowej fasady i dużego półkolistego obszaru zachodniego. Z tego projektu wykonano tylko wspaniałą aligową kratę przed zachodnią fasady. W 1813 r. M.I. został pochowany w katedrze KUTUZOV, a budynek stał się rodzajem pomnika zwycięstw rosyjskiej broni. Były banery i inne relikty, zestrzelone z wojsk napoleońskich. Później zabytki M.I. zostały dostarczone do katedry. KUTUZOV i M.B. Barclay de Tolly, wykonany przez rzeźbiarza B. I. Orlovsky.

Jeszcze bardziej surowy, przewidywany charakter dał Woronikhinowi Korpus Cadet Mountain (1806-1811, obecnie Instytut Górski), w którym wszystko jest podporządkowane silnym Doric Portico z 12 kolumn stojących przed Nevą. Tak bardzo, że obraz rzeźby dekoruje jego rzeźbę, doskonale połączoną z wygładzającym się ścian bocznych i kolumn doric. TO ZNACZY. Grabar poprawnie zauważył, że jeśli klasyzm Katarzyny Epoch wyszedł z ideału architektury rzymskiej (kwartałów), wtedy "Aleksandrovsky", ponieważ przypominałby najnowocześniejszy styl Pestum.

Voronikhin - Architekt klasycyzmu - dużo siły dał stworzenie zespołu miejskiego, syntezy architektury i rzeźby, organiczne połączenie elementów rzeźbiarskich z członkami architektonicznymi zarówno w dużych budynkach, jak i małych. Korpus Cadet Górski szukają Widoku Wyspy Vasilsvsky z morza. Po drugiej stronie wyspy, na jego strzała, Tom de Tomon w tych latach buduje z przykładową wymiany (1805-1810).

Tom de Tomon. (Ok 1760-1813), Szwajcarski według pochodzenia, przybył do Rosji pod koniec XVIII wieku, już pracujący we Włoszech, Austrii, być może po przejściu kursu w Akademii Paryżu. Nie otrzymał jednak ukończonych edukacji architektonicznej, został powierzony budowie budynek

Wymieniać się I on genialnie poradził sobie z zadaniem (1805-1810). Tomon zmienił cały wygląd strzałów wyspy Vasilyevsky, umieszczając półkolę wybrzeża dwóch łóżek Newy, kładąc wzdłuż krawędzi rostralne kolumny latarni morskiej , tworząc w ten sposób obszar Exchange Square. Sama wymiana ma formę greckiej świątyni - Periptera na wysokiej bazie, przeznaczonych do magazynów handlowych. Wystrój jest prawie nieobecny. Prostota i jasność form i proporcji dają budowę majestatycznego, monumentalnego charakteru, sprawiają, że jest to główna rzecz nie tylko w zespole strzałki, ale także wpływa na postrzeganie obu nasypów jako Uniwersytet i Pałac. Dekoracyjna alegoryczna rzeźba budynku giełdowego i kolumn historycznych podkreśla powołanie struktur. Centrum wymiany z lakonowym doryckim przewidzianym jest zablokowany przez cierpliwy łuk pół-strzybny.

Exemand Ensemble nie była jedyną ochroną Tom De Tomon w Petersburgu. Zbudowany w Royal Podmiejskie rezydencje, używając greckiego rodzaju budowy tutaj. Romantyczny nastrój artysty został w pełni wyrażony w mauzoleum "współmałżonek-dobroczyńca", wzniesiony przez Empress Maria

Fedorovna w pamięci Paul w Pavlovsk Park (1805-1808, rzeźba pamiątkowa jest wykonywana przez Martos). Mauzoleum przypomina archaiczny rodzaj kościelny. Wewnątrz sali jest również zablokowany przez Caissonated Arch. Gładkie ściany są wyłożone sztucznym marmurem.

Nowy wiek był naznaczony stworzeniem głównych zespołów Petersburga. Absolwent Akademii Petersburskiej i studentem Paris Architect J.-F. Shalgrena. Andreyan Dmitrievich Zakharov. (1761-1811), od 1805 "Główny architekt Admirality", rozpoczyna budowę Admiralicja (1806-1823). Restruding starego budynku Korobskoye, zamienił go w główny zespół Petersburga, niezmiennie stojący w wyobraźni, kiedy miasto odnosi się do miasta i dziś. Rozwiązanie złożonego Zakharowa jest niezwykle proste: konfiguracja dwóch woluminów, a jedna objętość jest osadzona w innym, z których zewnętrzny, w kształcie p, oddzielony kanałem z dwóch wewnętrznych fregenu, w kształcie m-w kształcie planu. Wewnętrzna objętość jest warsztaty statków i rysunków, magazyny, agencje zewnętrzne, instytucje administracyjne, muzeum, biblioteka itp Fasada Admiralicji wyciągnął 406 m. Side Fasades-Wings Idź do Newy, centralny kończący się w środku triumfali Łuk podróżujący z Iglicą, która jest zamkiem kompozycji, a dzięki której

prowadzi główne wejście do środka. Zakharow zachował genialny plan Iglicy Korobowskiego, pokazując rytm i szacunek do tradycji i siewu, aby przekształcić w nowym klasycznym obrazie budynku jako całości. Monotonia prawie pół kilometrowej fasady jest złamana przez jednolity usytuowany portyk. W uderzającym jedności z architekturą znajduje się ozdobny budynek z tworzywa sztucznego, posiadające zarówno architektoniczne, jak i semantyczne znaczenie: Admiralicja jest biurem morskim Rosji, potężną mocą morską. Cały system rzeźby został opracowany przez sam Zakharov i doskonale wykonany przez najlepszych rzeźbiarzy początku wieku. Nad parapet górnej platformy pawilonu wieży, zwieńczona kopułą, przedstawiła alegi wiatrów, stoczni, itd. W rogach strychu - wypełnione F. Szczedryną czterech salonów siedzących waty, w oparciu o tarcze, Poniżej -Mominal, do 22 m długości, relief fryzu "instalacja floty w Rosji" I. Terebenew, a następnie w płaskiej relief obraz Neptuna, przekazując Peter Trident jako symbol dominacji nad morzem, a na wysokiej uldze - Winged Glory Z banerami - Zwycięstwa Symvari z rosyjskiej floty, nawet niższe grupy rzeźbiarskie "Nimfa, Globs Globs", jak sam Zakharow nazywał się nimi, wypełniony F. Szczedrynem. Jest to połączenie okrągłej rzeźby o wysokim i niskim terenie, posągowe tworzywa sztuczne z kompozycjami z ozdobnymi reliefem, ten stosunek rzeźby z gładką tablicą ściany był stosowany w innych dziełach rosyjskiego klasycyzmu pierwszej trzeciej XIX wieku.

Zakharow umarł, nie widząc admiralicji w gotowej formie. W drugiej połowie XIX wieku. Stocznia stoczni została zbudowana z zyskami, wiele w dekoracji rzeźbiarskiej została zniszczona, która zniekształciła oryginalny pomysł Wielkiej Arch Republic.

Najlepsze tradycje architektury krajowej były połączone w Zakharowskim Admiralicji (nie jest przypadkiem, że jego ściany i centralna wieża przypominają wielu prostych ścian starego rosyjskiego klasztorów z ich łagodną dzwonnicą) i najbardziej zaawansowanymi zadaniami planowania miasta: Budynek jest ściśle związany z architekturą centrum miasta. Stąd zajmuje miejsce trzeciej drogi: Voznesensky, Groch ul. Nevsky Prospect (ten system promieniowania został pomyślany przez Petera). Igła admiralicji echa wysokich wieżowców Katedry Piotra i Pawła i Zamek Michailovsky.

Wiodący St. Petersburg Architekta pierwszej trzeciej XIX wieku. ("Rosyjskie Ampury") było Karl Ivanovich Rossi. (1777-1849). Początkowe wykształcenie architektoniczne Rossi otrzymało w warsztacie Brenny

pojechał z Włochami, gdzie studiował zabytki antyków. Samodzielne, niezależne jego prace zaczyna się w Moskwie, trwa w Tver. Jedna z pierwszych prac w Petersburgu -Postroika na wyspie Elagin (1818). Możemy powiedzieć o Rossi, że "uważał zespoły". Pałac lub teatr zamieniły się w węzeł planistycznych z kwadratów i nowych ulic. Tak, tworzenie Mikhailovsky Palace. (1819-1825, obecnie Muzeum Rosyjskie), organizuje plac przed pałacem i kładzie ulicę do Nevsky Prospect, w tym przypadku, jednocześnie, z zamiarem z innymi pobliskimi budynkami - Zamek Mikhailovsky i Przestrzeń pól Marsov. Głównym wejściem do budynku umieszczonego w głębi przedniej dziedzińca za kratki żeliwnej wygląda uroczyście, monumentnie, co jest ułatwione przez Corinthian Portico, do którego znajduje się szerokie schody i dwie rampy.

Wiele w dekoracyjnej dekoracji pałacu Rossi znalazł się, a z nienagannym smakiem - rysunek ogrodzenia, wnętrza holu i białej sali, w której białe ze złotem przeważały, charakterystyczne dla ampury, jak malarstwo Griezaile.

W dekoracji Plac Pałacowy (1819-1829), zanim Rossi stał najtrudniejszy zadanie - połączyć barokowy pałac Rastrelli i monotonną klasyczną fasada budynku głównego personelu i ministerstw. Architekt naruszył smutek ostatniego łuku triumfalnego odkrywania wyjścia na dużą ulicę morską do perspektywy Nevsky i dał odpowiednią formę obszaru - jeden z największych wśród obszarów kapitałów europejskich. Łuk triumfalny, ukoronowany przez rydwanę chwały, informuje cały zespół o bardzo ważnym charakterze.

Jeden ze wspaniałych zespołów Rossi został uruchomiony przez niego pod koniec 10 lat i ukończony tylko w latach 30. i obejmował budynek. Aleksandryjski teatr. Zbudowany zgodnie z najnowszą technologią tego czasu i rzadkiej artystycznej doskonałości przylegającej do niego Kwadrat Aleksandryjski, teatralny

ulica za fasada teatru, który otrzymał nazwę swojego architekta, a placu nasypu Fontanka Fontanka. Ponadto zespół wszedł do budowy socolomic biblioteki publicznej, zmodyfikowany Rossi i Pałacu Pałacu, zbudowany przez Rosję w latach 1817-1818.

Ostatnie stworzenie Rossi w St. Petersburg - budynek Senata. I Synod (1829-1834) na słynnym placu Senatu. Chociaż nadal dąży do zwisającego zakresu twórczej myśli o architekta, który łączył łuk triumfalny dwóch budynków, oddzielonych ulicą galerią, nie należy zauważyć, że pojawienie się nowych cech charakterystycznych dla późnej kreatywności architekta i Ostatni okres dwuznaczności jako całości: pewna część form architektonicznych,

przeciążenie z elementami rzeźbiarstwowymi, sztywnością, chłodnością i pompousness.

Ogólnie rzecz biorąc, kreatywność Rossi jest ogólną próbą planowania miejskich. Jak raz Rastreli, sam dokonał systemu wystroju, projektowanie mebli, tworzenie rysunków tapet, a także na czele ogromne zespołu drewna i mistrzów metalowych, malarzy i rzeźbiarzy. Integralność jego pomysłów, ujednolicona pomogła tworzyć nieśmiertelne zespoły. Rossi stale współpracował z rzeźbiarzami S. Pimenal Senior i V.I. Demoust-Malinovsky, autorzy słynnych rytołów na triumfalnym łuku głównej siedziby i rzeźb w teatrze Aleksandrii.

"Najświętszy" wszystkich architektów późnego klasycyzmu był Vasile Petrovich Stasov. (1769–

1848) Niezależnie od tego, czy był to baraki (baraki Pavlovsk na Marsie w St. Petersburgu, 1817-1821), czy stajnie imperialne odbudowywane ("stabilne biuro" na bulwarze mycie w stabilnym obszarze, 1817-1823), czy katedry półki wzniesiono (katedra Izmailovsky, 1828-1835) lub łuki triumfalne (Narva i Moskiewskie bramy) lub wydały wnętrza (na przykład. Pałac Zimowy po ogniu 1837 r. Lub Ekaterininsky Tsarskoselsky po ogniu 1820 r.). Wszędzie Stasov podkreśla masę, jego plastikowe nasilenie: jego katedry, ich ładunek kopuły i statyczne, kolumny, zwykle wydobywane rozkazy, są tak imponujące i ciężkie, ogólny wygląd jest pozbawiony łaski. Jeśli ośrodki Stasov do wystroju, najczęściej jest najczęściej ciężkimi ozdobnymi fryzurami.

Voronikhin, Zakharov, Toma De Tonon, Rossi i Stasov - Architekci Petersburg. W Moskwie w tym czasie nie pracowali nie mniej wspaniałych architektów. W wojnie 1812 r. Ponad 70% całego Miasta Fundacji Mieszkaniowej została zniszczona - tysiące domów i ponad sto kościołów. Natychmiast po wydaleniu francuskiego, intensywna renowacja i budowa nowych budynków rozpoczęła się. Odzwierciedlał wszystkie innowacje epoki, ale pozostały żywą i owocną tradycją narodową. Była to oryginalność szkoły budowlanej Moskwy.

Po pierwsze, czerwony kwadrat został wyczyszczony i na nim O.I. Bąkać (1784-1834) zostały przebudowane, a w rzeczywistości ponownie wznoszą serię handlową, kopuła w centralnej części znajdowała się naprzeciwko Kopuły Kazakovsky Senatu na Kremlu. Na tej osi pomnik minina i pozhassky był nieco później.

Beauvais zajmuje się również rekonstrukcją terytorium w sąsiedztwie Kremla, w tym duży ogród na jego ścianach z bramą z ulicy Mokhovaya, grota u stóp ściany Kremla i Rampus w Wieży Trójcy. Bovy tworzy ensemble Square (1816-1825), budując duży teatr i wiązanie nowej architektury ze starożytną ścianą Kurtkoe. W przeciwieństwie do placów Petersburg, jest zamknięty. Osip Ivanovich należy również do budynków pierwszego szpitala (1828-1833) i Drzwi triumfalne Przy wejściu do Moskwy ze strony Petersburga (1827-1834, teraz na Avenue Cutuzov), Kościół całej żmudnej radości w Wielkiej Ordyance w

Zamoskvorechye, który BEVEA dołączony do wzniesionej na końcu XVIII wieku. Bazhenovy Bell Tower i refectory. Jest to Kościół-Rotunda, której kopuła wspiera kolumnadę w katedrze. Mistrz odpowiednio kontynuował przypadek swojego nauczyciela Kazakowa.

Prawie zawsze razem owocnie Domenico (Demente Ivanovich) libolddi (1788-1845) i Athanasius Grigorievich Grigoriev. (1782-1868). Liberadi przebudowany spalony podczas wojny Cossack Moscow University (1817-1819). W wyniku przegrupowania kopuła i Portico stają się bardziej monumentalne, z jonika zwróciła się do Doric. Wiele i z powodzeniem liberadi i grigoriev pracowali w architekturze dworskiej ( manor usacheva. Na Jauze, 1829-1831, z doskonałą scenerią; Osiedle Golitsyny "Kuzminki", 20s, ze słynnym podwórzem jeździeckiej).

Szczególny urok rosyjskiego wzmacniacza został nam przekazany przez Moskwa budynków mieszkalnych pierwszej trzeciej XIX wieku: uroczyste alegoryczne postacie na elewacji spokojnie przylegają sami - z motywem balkonów i Barisades w duchu prowincjonalnych USSERS. Fasada końcowa budynku jest zwykle hodowana na czerwonej linii, podczas gdy sam dom jest ukryty w głębi jarda lub ogrodu. Skład kompleksowego malarstwa i dynamiki, w przeciwieństwie do równowagi i uporządkowania Petersburgu (Dom Lunin, w Bramie Nikitsky, zbudowany przez D. Livilladi, 1818-1823); Dom Khrushchev, 1815-1817, teraz muzeum A.S. Puszkin, zbudowany przez A. Grigoriev; Jego dom Stanitskaya, 1817-1822, teraz Muzeum L.N. Tołstoja, zarówno na Prechistence.

Liberadi i Grigoriev na wiele sposobów przyczynił się do rozprzestrzeniania się moskiewskiej ambigue, głównie drewnianych, w całej Rosji, z Vologdy do Taganrog.

Przez lata 40. XIX wieku. Klasycyzm stracił jej harmonię, bezważna, skomplikowana, widzimy to na przykładzie

Katedra św. Izaaka w Petersburgu zbudowany Auguste Monferran. Czterdzieści lat (1818-1858), jeden z ostatnich wybitnych zabytków kultowej architektury w Europie XIX wieku, które zjednoczyły najlepsze siły architektów, rzeźbiarzy, malarzy, murarzy i założycieli.

Sposoby rozwoju rzeźby pierwszej połowy wieku są nierozłączne ze ścieżkami rozwoju architektury. W rzeźbie takie mistrzowie nadal pracują jako I.P. Martos. (1752-1835), w latach 80-90 XVI wieku XVIII. Happressed przez jego nagrobki zauważone przez wielkość i milczenie, mądrą przyjęcie śmierci "jak starożytne" ("Smutek moje światło ..."). Przez XIX wieku. Jego pismo odręczne wiele zmienia. Marmur zastępuje się brązowym, lirycznym startem - heroicznym, wrażliwym (nagrobkiem E.I. Gagarina, 1803, HMG). Grecki starożytność staje się bezpośrednią próbą naśladowania.

W 1804-1818. Martos pracuje nad pomnik minina i ognia Fundusze, na których korzystały na subskrypcję publiczną. Tworzenie pomnika i jego instalacja odbyła się podczas najwyższego podnoszenia publicznego i odzwierciedlało nastrój w tych latach. Pomysły o najwyższym długu cywilnym i wyczyny w nazwie Martos Motherland zawarte w obrazach zwykłych i jasnych, w zwężonej formie artystycznej. Ręka Mininy jest prosta dla Kremla - największa sanktuarium ludowe. Jego ubrania to rosyjska koszula, a nie antyczna toga. W księciu w Pozbassy, \u200b\u200bstarożytnej zbroi rosyjskiej, kasku Isochih i tarczy z obrazem ratunkowym. Pomnik jest ujawniany inaczej z różnych punktów przeglądu: Jeśli spojrzysz na prawo, wydaje się, że opierając się na tarczy, Pozharsky stoi w kierunku minin; Z pierwszej pozycji, z Kremla, wydaje się, że minin przekonał Pozharsky, aby wziąć wysoką misję obrony ojczyzny, a książę jest już zajęty po mieczu. Miecz staje się linkiem

cała kompozycja.

Wraz z F. Shchedrian Martos pracuje również na rzeźbach dla katedry Kazańskiej. Są wykonywane ulgi "Wypływ wody Mojżesz" Na strychach wschodnim skrzydła kolumnady. Wyraźne członkostwo w figurach na gładkim tle ściany, ściśle klasyczny rytm i harmonii charakterystyki tej pracy (fryze attica Western "Copper Zmiy", jak wspomniano powyżej, został wykonany przez Prokofiev).

W pierwszych dziesięcioleciach wieku powstało najlepsze stworzenie F. shchedrin. - Rzeźby Admiralicji, jak wspomniano powyżej.

Następna generacja rzeźbiarzy jest reprezentowana przez nazwy Stepan Stepanovich Pimenova. (1784-1833) i Wasily Ivanovich Demoust-Malinovsky (1779-1846). One, jak nikt inny w XIX wieku, dotarli do pracy organicznej syntezy rzeźby z architekturą - w grupach rzeźbi

kamień Poodosty dla Woronikhinsky Mining Institute (1809-1811, Demust-Malinovsky - "Uprowadzenie Proserpina Pluto" , Pimenov - "Bitwa Hercules z Antehem"), którego charakter figurami towarowych spiskowała Doric Portico lub wykonywana z blachy miedzi rydwana chwałę i rydwanę Apollo dla Republiki Narodowej Stworzenia Dvorts Triumfalny łuk i Aleksandria.

Rydwany łuk triumfalny chwały (Lub, jak go także nazywane, skład "zwycięstwo") jest przeznaczony do postrzegania sylwetki, wyraźnie rysowane na tle nieba. Jeśli spojrzysz na nich bezpośrednio, wydaje się, że potężne sześć koni, gdzie najbardziej wyjątkowo usunięte pod Coziers, prezentowane w spokojnym i ścisłym rytmie, panuje na całym obszarze. Po stronie kompozycji staje się bardziej dynamiczny i kompaktowy.

Jednym z ostatnich przykładów syntezy rzeźby i architektury można uznać za rzeźby Barclay de Tolly i Kutuzowa (1829-1836, dostarczone w 1837 r.) W Kazańskiej Katedrze w pracy B.i. Orlovsky. (1793-1837), który nie mieszkał kilka dni przed otwarciem tych zabytków. Chociaż oba posągi zostały wykonane w dwóch dekadach po budowie katedry, doskonale pasują do fragmentów kolumnady, który dał im piękne kadrowanie architektoniczne. Idea zabytków Orlovsky zwięźle i jasno wyrażona Puszkina: "Oto kolce Barclay, a tutaj wykonawca Kutuzowa", tj. Dane, które persifikują początek i koniec wojny patriotycznej 1812 r. Stąd odporność , Napięcie wewnętrzne w figurze Barclay - symbole oporu heroicznego i przed gestem. Ręce Kutuzova, banery napoleońskich i orły pod nogami.

Rzeźba

Rosyjski klasyzm znalazł wyrażenie w rzeźbie maszynowej, w rzeźbie małych form, w sztuce medalowej, na przykład w słynnych ulgach medalion Fedor Tołstoj (1783-1873), poświęcony wojnie 1812 r., Ekspert starożytności, zwłaszcza homerycznych Grecji, najlepszych tworzyw sztucznych, obszernych

rysownik. Tołstoj udało się połączyć heroi, wysublimowany z intymną, głęboko osobistym i lirycznym, czasem malowałem nawet romantyczny nastrój, który jest tak charakterystyczny dla rosyjskiego klasycyzmu. Ulgi Tołstoja wykonywano w wosku, a następnie "Old Manir", jak starszy denspeer zrobił w Petrovsky, zostali rzuceni przez samego Mistrza, a liczne opcje gipsowe zostały zachowane lub przetłumaczone na Chiny lub wypełnione w Mastyczny (" Milicja ludzi "," Battle Borodino "," Bitwa pod Lipsk "," Mir of Europe "itp.).

Niemożliwe jest nie wspominając o ilustracji F. Tołstoja do wiersza "DRAIN" I.F.

Tołstoja F. P. Ilustracja do "spustu". 1820-1833.

Bogdanovich, wystąpiła w tuszy i pióro i bezed przez frez - doskonała próbka rosyjskiej wroga grafiki na działce ovidievsky "Metamorfosis" o miłości Amur i Psychii, gdzie artysta wyraził zrozumienie harmonii starożytnego świata .

Rosyjska rzeźba 30-40-tych XIX wieku. Staje się coraz bardziej demokratyczny. Nie jest przypadkiem, że te lata pojawiają się takie dzieła jako "facet gra w babci" N.S. Pimenova (Pimenova młodsza, 1836), "facet bawiący się na szczupaku" A.v. Loganovsky, gorąco spotykany przez Puszkina, który napisał słynne wiersze o ich ekspozycji.

Ciekawe rzeźbiarz kreatywności. I.P. Vitaly. (1794-1855), który wykonał rzeźbę między innymi pracami

dla bram triumfalnych w pamięci wojny patriotycznej 1812 w Twer Ocpain w Moskwie (łuk. O.i. Bow, teraz na Ave. Kutuzov); Popiersie Puszkin, wkrótce po śmierci poety (marmur, 1837, WMD); Kolosalny figury aniołów na lampach w rogach katedry św. Isaac - możliwe, najlepsze i najbardziej wyraziste elementy z całej rzeźbiarskiej konstrukcji tej gigantycznej struktury architektonicznej. Jeśli chodzi o portrety Vitaliy (wyjątek jest popiersek Pushkin), a zwłaszcza portrety rzeźbiarza S.I. Galberg, a następnie noszą funkcje stylizacji bezpośredniej dla starożytnego hem, słabo opiekuńczych, w zależności od uczciwej uwagi naukowców, z niemal naturalistycznymi.

Genre Jet jest wyraźnie śledzony w dziełach wcześnie zmarłych studentów S.I. Galberg - P.a. Stavasser ("rybak", 1839, marmur, czas) i Anton Ivanova ("wzory Lomonosowa na morzu",

1845, marmur, czas).

W połowie stulecia rzeźba główna - dwa kierunki: jeden, pochodzący z klasyki, ale który przyszedł do suchego naukowania; Inny wykrywa pragnienie bardziej bezpośredniego i wielostronnego wyświetlania rzeczywistości, rozprzestrzeniają się w drugiej połowie wieku, ale niewątpliwie również fakt, że obaj kierunki monumentalnego stylu są stopniowo utracone.

Rzeźbiarz, który w latach upadku monumentalnych form udało się osiągnąć znaczący sukces w tej dziedzinie, a także w "małych formach" Peter Karlovich Klodt. (1805-1867), autor koni dla Bramek Triumphant Narva w Petersburgu (Arch. V. Stasov), "Tweeders of Konya" na most Anichkova (1833-1850), pomnik Mikołaja I na placu Isaac (1850-1859 ), Ia. Kryona w letnim ogrodzie (1848-1855), a także duży

liczba rzeźb zwierząt.

Sztuka dekoracyjna i stosowana, tak mocno wyraziła się w ogólnym pojedynczym strumieniu dekoracyjnej konstrukcji wnętrz wnętrz "rosyjskiej ampury" pierwszej trzeciej trzeciej XIX wieku, - sztuki mebli, porcelany, tkaniny, - także przez środek wieku traci integralność i czystość stylu.

Obraz

Wiodący kierunek architektury i rzeźby pierwszej trzeciej XIX wieku był klasycyzm. W malarstwie został opracowany głównie przez artystów akademickich w historycznym gatunku (a.e Camilla, Siostry Horace ", 1824, Timing;" Miedź Fri ", 1826-1841, Timing). Ale prawdziwe sukcesy malarstwa leżały jednak w innym rzędzie - romantyzm. Najlepsze aspiracje duszy ludzkiej, UPS i parafii Ducha wyraziły romantyczny obraz tego czasu, a przede wszystkim portret. W gatunku portretowy wiodący miejsce musi zostać przypisane KIPRENSKY ORESA. (1782–1836).

Cyprinsky urodził się w prowincji Petersburga i był synem gruntu A.S. Dyakonov i serf. Od 1788 do 1803 studiował, począwszy od szkoły edukacyjnej, w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie pracował w klasie historycznego obrazu od profesora G.I. Uggiumov i francuski malarz G.-F. Duyien, w 1805 roku otrzymał duży złoty medal na zdjęcie "Dmitry Donskaya do wygranej zwycięstwa nad mamą" (MRM) i prawo do podróży emerytowej za granicą, który został przeprowadzony dopiero w 1816 r. W latach 1809-1811. Cyprinsky mieszkała w Moskwie, gdzie pomógł Martosowi pracować nad pomnikiem minin i ognia, a następnie w Tver, aw 1812 roku wrócił do Petersburga. Lata po zakończeniu Akademii i przed wyjazdem za granicą, otrzymane przez romantyczne uczucia, najwyższe kwitnące twórczości Cyprossky. W tym okresie obrócił się w medium wolnej siostry rosyjskiej inteligencji Noble. Wiedziałem K. Batyushkova i P. Vyazemsky, pateded V.a. Zhukovsky, aw późniejszych latach - Puszkin. Jego zainteresowania intelektualne były również szerokie, nic dziwnego, że Kiprensky przedstawił w swoich dojrzałych latach, zauważył go nie tylko jako utalentowany artysta, ale także jako interesująca osoba. Kompleks, przemyślany, zmienny w nastroju - pozwól nam pojawić się przed nami przedstawiony przez Kiprensky o E.P. Rostopina (1809, GTG), D.N. Ogon (1814, GTG), Chelishchev Boy (ok. 1809, GTG). W bezpłatnej postawie, patrząc na bok, patrząc niedbale na kamiennej płycie, stoi pułkownik LaBigicapo E.B. Davydov (1809, czas). Ten portret jest postrzegany jako zbiorowy obraz bohatera wojennego 1812, chociaż jest dość konkretny. Romantyczny nastrój jest wzmocniony obrazem krajobrazu piorunowego, na tle, którego przedstawiono rysunek. Smak jest zbudowany na dźwięku, podjęte w pełnej sile kolorów czerwieni ze złotem i białym z srebrnymi w ubraniach huzara - i na kontrast tych kolorów z ciemnymi tonami krajobrazu. Otwierając inną twarz ludzkiej postaci i duchowego świata człowieka, Cyprosensky wykorzystał różne możliwości malowania za każdym razem. Każdy portret tych lat jest oznaczony malowniczą Maestre. Malarstwo jest bezpłatne, zbudowane jak w portrecie ogona, na najcieńszych przejściach jednego tonu do drugiego, na różnych światłach kolorów, a następnie w zakresie harmonii kontrastujących czystych dużych plam, jak na obrazie chłopca Chelischev. Artysta wykorzystuje pogrubione efekty kolorów wpływające na modelowanie form; Pastomian obraz będzie szybka wyrażenie energetyczne, wzmacnia emocjonalność obrazu. Według targów D.V. Sarabenova, rosyjski romantyzm nigdy nie był tak potężnym ruchem artystycznym, co we Francji lub Niemczech. Nie ma ekstremalnego podniecenia ani tragicznej beznadziejności. W romantyzmie Cyprinsky jest jeszcze wiele z harmonii klasycyzmu, z subtelnej analizy "skręcania" duszy ludzkiej, tak charakterystycznej dla sentymentalizmu. "Wiek obecności i wieku przeszłości", w obliczu pracy wczesnej Cyprozen, który odbył się jako osoba kreatywna w najlepszych latach wojskowych zwycięstw i tęczy nadziei na rosyjskie społeczeństwo, a wyniosły oryginalność i niewyrażalny Urok jego wczesnych romantycznych portretów.

W późnym, włoskim, okres na mocy wielu okoliczności jego osobistego przeznaczenia, artysta rzadko udało się stworzyć coś równego wczesnych dzieł. Ale tutaj możesz zadzwonić do takich arcydzieł jako jeden z najlepszych portretów życia Puszkina (1827, GTG), napisane przez artystę w ostatnim okresie jego pobytu w ojczyźnie lub portret Avduliny (ok. 1822, czas), pełen radiennego smutku.

Nieoceniona część kreproskiego kreatywności - portrety graficzne wykonane w głównie miękkim włoskim ołówkiem z pastelą owoców morza, akwarela, kolorowe kredki. Przedstawia generała E.I. Chaplica (GTG), a.r. Tomilova (czas), p.a. Olena (GTG). Pojawienie się szybkich portretów - szkicowanie w sobie jest znaczącym, charakterystycznym dla nowego czasu: każda zmiana mimowania twarzy jest łatwa w nich ustalana, każdy ruch psychiczny. Ale pewna ewolucja występuje także na wykresie Kiprensky: nie ma bezpośredniej pracy i ciepła w późniejszej pracy, ale są one wirtuozyjnikiem i wykwintną według egzekucji (portret S..S. Shcherbatova, to. Samochód., GTG).

Sekwencyjny romans można nazwać słupem A.o. Orlovsky. (1777-1832), 30 lat od tych, którzy mieszkali w Rosji i przynoszą temat do kultury rosyjskiej, charakterystyczne dla zachodnich romantyków (bivuaki, jeźdźców, statek ". Weź szybki ołówek, rysować, orlovsky, miecz i Sich" Pushkin napisał ). Szybko zasymilował się w rosyjskiej ziemi, która jest szczególnie zauważalna w portretach graficznych. W nich przez wszystkie zewnętrzne atrybuty europejskiego romantyzmu z buntem i napięciem jest z widokiem na coś głęboko osobistego, ukryte, intymnego (autoportret, 1809, GTG). Oryolsky należy do pewnej roli w "wyzwalaniu" sposobów na uświadomienie sobie ze względu na szkice gatunkowe, rysunki i litografie przedstawiające sceny uliczne Petersburskie i typy, które spowodowały słynne kwalifikacje PA, Vyazemsky:

Rosja jest pierwsza, usuwająca

Zdejszasz potomstwo,

Chwyciłeś ją żywcem

Pod ołówkiem ludowym.

Wreszcie romantyzm znajduje wyrażenie i krajobraz. Sylvester Shchedrin (1791-1830) rozpoczął twórczą ścieżkę studentem jego wujka nasion hojnej z klasycznymi kompozycjami: wyraźny podział trzech planu (trzeci plan jest zawsze architektura), po bokach scen. Ale we Włoszech, gdzie opuścił Akademię Petersburską, cechy te nie zostały odkupane, nie zmieniły się w schemat. Było we Włoszech, gdzie Shchedrin mieszkał od ponad 10 lat i zmarł w uprzejmym talencie, objawił się jako romantyczny artysta, stał się jednym z najlepszych malarzy w Europie wraz z kontrabą i Coro. Najpierw odkrył malarstwo dla Rosji. Prawda, podobnie jak barbiżony, Shchedrin napisał w otwartym powietrzu, i ukończyli obraz ("zdobione", według jego definicji) w warsztacie. Jednak sam motyw zmienia akcenty. Tak więc Rzym w jego płótnach nie jest majestatycznymi ruinami czasów starożytnych, ale żywy nowoczesny miasto prostych ludzi -ENbakov, kupców, żeglarzy. Ale to codzienne życie pod genererryką szczotkową zyskało podwyższony dźwięk. Harbour Sorrento, Neapol Nasycenia, Tyber na Zamku św. Anioł, ludzie, którzy łapią ryby, po prostu rozmawiając na tarasie lub na wakacjach w cieniu drzew, - wszystko jest przekazywane w złożonej interakcji środowiska lekkiego powietrza, w pysznym połączeniu srebrnych tonów, zjednoczonych zwykle przez cios Red - w odzieży i nakryciu głowy, w zardzewiałych liściach drzew, gdzie zagubiła się jedna czerwona gałąź. W ostatnich dziełach SHChedrin, zainteresowanie efektami czarno-białych, zapowiadając falę nowego romantyzmu Maxim Vorobyova i jego uczniów (na przykład "widok Neapolu na nocniowej nocy"). Podobnie jak portretista Cyprinsky i Battalista Orlovsky, oficer krajobrazowy generin często pisze sceny gatunkowe.

Pewne załamanie gatunku gospodarstwa domowego znalezionego, dziwnie brzmiało, w portrecie, a przede wszystkim w portrecie św. Andreevich Tropinin (1776 - 1857), artysty, tylko o 45 lat uwolnienia zależności. Tropinin przeżył długą żywotność, a on był przeznaczony do nauki prawdziwego rozpoznawania, nawet chwały, aby uzyskać tytuł akademika i stać się najsłynniejszym artystą Szkoły Portretowej Moskwy 20s i 30s. Począwszy od sentymentalizmu, prawdy, bardziej dydaktycznie wrażliwej niż sentymentalizm Borovikovsky, Tropinin nabywa własny styl obrazu. W modelach nie ma romantycznego podmuchu Cyprianii, ale prostota, bezczynność, szczerość wyrażenia, prawdziwości znaków, dokładność szczegółów gospodarstwa domowego są w nich brer. Najlepsze portrety Tropinine, takie jak portret syna (ok. 1818, GTG), portret Bulakhowa (1823, GTG), oznaczony wysoką doskonałością artystyczną. Jest to szczególnie widoczne w portrecie Syna Arsenia, niezwykle szczery wizerunek, ożywienia i natychmiastowości podkreślają umiejętne oświetlenie: prawa strona figury, włosy są przeniknięte, wypełnione światłem słonecznym, umiejętnie przesyłany mistrzem . Kolory Gamma z Golden-Ochloous na Pink-Brown są niezwykle bogate, szerokie wykorzystanie leku wciąż przypomina malownicze tradycje XVIII wieku.

Tropinin w jego pracy idzie ścieżką nadającym naturalności, jasności, równowagi z prostymi kompozycjami obrazu portretu zbożowego. Z reguły obraz jest podany na neutralnym tle z minimalnym akcesoriami. W ten sposób przedstawiono Tropinin A.S. Puszkin (1827) - Siedząc przy stole w wolnej pozie, ubrana w strój domowy, który podkreśla naturalność wyglądu.

Tropinin jest twórcą specjalnego rodzaju malarstwa portretowego, który jest, portret, w którym przyniesione są cechy gatunku. "Laneby", "Ręka", "Gitarzysta", "złote lato" -typed obrazy z pewną fabułką, która nie straciła jednak betonowego cholery.

Artysta przyczynił się do swojej pracy, aby wzmocnić realizm w języku rosyjskim i miał wielki wpływ na szkołę Moskwy - z definicji D.V. Sarabaunova, rodzaj "Moskwy bidermier".

Tropinin właśnie wszedł do elementu gatunkowego w portrecie. Alexey Gavrilovich Venetianov (1780-1847) był prawdziwą postawą gatunku domowego (1780-1847). Amermer na edukację Venecianow opuścił usługę na rzecz malarstwa, przeniósł się z Moskwy do Petersburga i stał się studentem Borovikovsky. Pierwsze kroki w "sztuce" zrobił w gatunku portretowy, tworząc pastelę, ołówek, masło niesamowicie poetyckie, liryczne, czasami otrzymywane przez romantyczny nastrój obrazów (portret B.C. Putatatia, GTG). Wkrótce, że artysta pozostawi portret ze względu na karykaturę, a dla o jedną umysłową karykaturę "spalenia" pierwsza liczba "magazynu kreskówek na 1808 w twarzach" została zamknięta. Trawienie Venecianova było w rzeczywistości ilustracja dla Oda Derzhavin i przedstawiła zatłoczona w recepcjonistce, podczas gdy w lustrze była widoczna dla Wenela, który jest w bronie piękna, zakłada się, że jest to karykatura na wykresie Krafamodko ).

Na przełomie 10-20s Venetsijczyk został z Petersburga do prowincji Twer, gdzie kupił małą posiadłość. Tutaj zdobył główny temat, poświęcając sobie wizerunku życia chłopskiego. Na zdjęciu "Khumno" (1821-1822, MRM), pokazał scenę pracy we wnętrzu. W celu dokładnego odtworzenia nie tylko pozuje pracy, ale także oświetlenia, a nawet zamówił, aby wyciąć jedną ścianę gumy. Życie takim jest - to właśnie chciał przedstawić, rysowanie chłopów do czyszczenia buraków; Właściciel ziemski, który podaje zadanie dziedzińca; Pasterz do spania; Dziewczyna z brunchem w ręku; podziwiając motyl chłopskich dzieci; Sceny zbiorów, Senokos itp. Oczywiście, Venecians nie otwierali najbardziej ostrych kolizji życia rosyjskiego chłopa, nie podniosły "chorobom chorego" nowoczesności. Jest to patriarchalne, idylliczne życie. Ale artysta nie zrobił poezji z zewnątrz, nie przyszedł z nią, a jej krzyk jej najbardziej przedstawiony z taką miłością życia ludzi. Nie ma dramatycznych strun w obrazach Venetsian, dynamicznej fabuły, oni, przeciwnie, są statyczne, "Nic się w nich dzieje". Ale osoba jest zawsze w jedności z naturą, w wiecznej pracy i sprawia, że \u200b\u200bobrazy VeneCianowa są naprawdę monumentalne. Czy on jest realistyczny? W zrozumieniu tego słowa artystów drugiej połowy XIX wieku - trudno. W swojej koncepcji jest wiele i z klasycznych pomysłów (warto pamiętać o swojej "wiosny. Na ziemi ornej", GTG), a zwłaszcza od Sentymentalist ("w żniwach. Lato", GTG), i zrozumienie ich przestrzeń - z romantycznego. Niemniej jednak praca VENECIANOV jest pewnym etapem w drodze dodania rosyjskiego krytycznego realizmu XIX wieku, a także w tym także zniesionym znaczeniu jego obrazu. Określa to miejsce w rosyjskiej sztuce jako całości.

Venetcianov był doskonałym nauczycielem. Szkoła Venetianova, Venetianovents są całą Pleiadami artystów z lat 20. i XIX, który pracował z nim zarówno w Petersburgu, jak iw Safonkovo \u200b\u200bSafonkovo. To jest A.V. Tyranov, E.F. Krendowski, K.a. Zelentov, A.a. Alekseev, S.K. Zarynko, l.k. Plakhov, N.S. Skrzydła i wiele innych. Wśród uczniów Venetsian jest wielu ludzi od chłopów. Pod pędzlem Venetianians urodziły się nie tylko sceny życia chłopskiego, ale także miejskie: ulice Petersburskie, typy ludowe, krajobrazy. A.v. Tyranov napisał sceny we wnętrzu, a portrety i krajobrazy i wciąż trwania. Venetianovtsy "Rodzinne portrety we wnętrzu" były szczególnie kochane - łączyły specyficzność obrazów o szczegółach narracji, przekazując atmosferę środowiska (na przykład, obraz Tyranchov "Warsztat pracowników Brothers Chernetovsky", 1828, w który portret i gatunek i martwa natura są łączone).

Najbardziej utalentowany student Venetsian jest niewątpliwie Grigory Soroka (1813-1864), artysta tragicznego losu. (Soroka została uwolniona od Serfadom tylko przez reformy 1861, ale w wyniku sporu z byłym właścicielem ziemskim, został skazany na kary ciała, nie pomyślał o tym i popełnił samobójstwo.) Pod pędzlem, Soroki i krajobrazem Jego rodzimych jeziora Moldino i wszystkie obiekty w biurze nieruchomości na wyspach, a figury zamrożone nad udarami rybaków jeziora są przekształcane, wypełnione najwyższą poezją, życzliwą ciszą, ale także z opartym smutkiem. To jest świat rzeczywistych przedmiotów, ale także idealny świat wyimaginowany przez artystę.

Rosyjski obraz historyczny 30-40 opracowanych pod znakiem romantyzmu. "Geniusz kompromisu" między ideałami klasycyzmu i innowacji romantyzmu zwany jednym badaczem (M.m. Allenov) Karl Pavlovich Bullov (1799-1852). Chwała Bhorlylov wróciła do Akademii: Już zwykli Etiudes zmieniły się w Bulllov w gotowych obrazach, jak na przykład, z jego "Daffissism" (1819, MRM). Po ukończeniu kursu ze złotym medalem artysta poszedł do Włoch. W dziełach dworczyków Bullow odwołuje się do działek biblijnych ("pojawienie się trzech aniołów trzech aniołów Mamvrian", 1821, czasy) i starożytnych ("OEDIP i Antigone", 1821, Muzeum Regionalnego Tyumen Muzeum Lokalnej Lore) , zaangażowany w litografię, rzeźbę, pisze krajobrazy teatralne, rysuje kostiumy do produkcji. Zdjęcia "Włoski rano" (1823, nieznany lokalizacja) i "włoskie popołudnie" (1827, MRM), zwłaszcza pierwsze, pokaż, jak blisko malarz podszedł do problemów z Plenger. Sam Bulllov tak określił jego zadanie: "Zakryłem model na słońcu, sugerując oświetlenie od tyłu, tak że twarz i klatka piersiowa w cieniu i odbijają się z fontanny oświetlone przez słońce, co sprawia, że \u200b\u200bwszystkie cienie są znacznie przyjemniejsze Porównanie z prostym oświetleniem z okna. "

Zadania malarstwa plenarnego w ten sposób zainteresowane bullovą, ale ścieżka artysty leżała w innym kierunku. Od 1828 r. Po podróży do Pompeje, Bryullov pracuje nad jego równą pracą - "Ostatni dzień Pompeje" (1830-1833). Prawdziwym wydarzeniem starożytnej historii jest śmierć miasta z erupcją Wezuwiusza w 79 N. mi. - Umożliwiło to pokazać artystę, aby pokazać wielkość i godność osoby w obliczu śmierci. Fire Lava przychodzi do miasta, budynki i posągi są rozpadają się, ale dzieci zostawiają rodziców; Matka zakrywa dziecko, młody człowiek oszczędza ukochaną; Artysta (w którym Bryullov przedstawił się), bierze farby, ale pozostawiając miasto, wygląda szeroko otwarte oczy, próbując uchwycić straszny widok. Nawet w śmierci osoby pozostaje piękna, jako pięknie odrzucona z rydwanem, kobietą w środku kompozycji. W obrazie Bryullova, jedna z podstawowych cech jego malarstwa była wyraźnie pokazana: połączenie klasycznej stylizacji swoich dzieł z cechami romantyzmu, z którymi Bhorlylovsky Classism jednoczy wiarę w szlachtę i piękno ludzkiej natury. Stąd niesamowitą "przetrwanie" zachowując przejrzystość kształtu tworzywa sztucznego, rysunek najwyższego profesjonalizmu panujący nad innymi środkami ekspresyjnymi, z romantycznymi skutkami oświetlenia obrazowego. Tak, a sam temat nieuniknionej śmierci, nieubłagana skała jest tak charakterystyczna właśnie do romantyzmu.

Jako pewny standardowy, założony schemat artystyczny, klasyzm w dużej mierze ograniczony artysta romantyczny. Konwencja języka akademickiego, język szkoły, jak akademia wezwała w Europie, została w pełni objawiona w Pompei: Posturety teatralne, gesty, wyrażenia twarzy, efekty oświetleniowe. Ale musisz przyznać, że Bullla starali się grać w historycznej prawdzie, próbując odtworzyć specyficzne zabytki, otwarty archeolodzy jak najbliżej, jak to możliwe, a cały świat, wypełnić sceny opisane przez grosza młodszego w liście do zapalenia milczenia. Odkryto pierwszy w Mediolanie, wtedy w Paryżu, zdjęcie zostało wprowadzone do Rosji w 1834 roku i miał głośny sukces. Gogol ponownie rozważył go entuzjastycznie. Wartość utworów Bryullova do malowania rosyjskiego zależy od znanych słów poety: "A" Ostatni dzień Pompeje "był pierwszym dniem rosyjskiego pędzla."

W 1835 roku Bullv wrócił do Rosji, gdzie został spełniony jako triumf. Ale sama gatunek historyczny nie był już gotowy, dla "Osada Pskova, polskiego króla Stefana w 1581 roku" nie został zakończony. Jego zainteresowania były w innym kierunku - portret, do którego się odwrócił, pozostawiając obraz historyczny, jak jego wielkie współczesne Cyprosenskie, i w którym pokazał wszystkie swoje twórczych temperament i połysk umiejętności. Możesz śledzić pewną ewolucję Bullowa w tym gatunku: z przodu portretu 30s, której próbka może być nawet portretem, jak bardzo ogólny obraz, na przykład, genialny dekoracyjny płótno "jeźdźcem" (1832, GTG), gdzie uczeń hrabiny Yu jest przedstawiony P. Samoyallova Jovanina Pachchini, nie przypadkowo ma uogólnioną nazwę; lub portret Yu.p. SAMOILOVA z inną uczniami - Amacylią (około 1839 r., TRM), do portretów 40-tych - więcej komory, i subtelne, wielofunkcyjne charakterystyki psychologiczne (portret. Strigovshchikov, 1840, GRM; autoportret, 1848, GTG). W obliczu literatury Strigovsk napięcie życia wewnętrznego jest odczytywane. Zmęczenie i rozczarowanie goryczy wieje przed pojawieniem się artysty na autoportret. Smutna cienka twarz z astonwatibonymi oczami, to był bezsilnie zawieszony w górę arystokratycznie cienkich szczotek. W tych obrazach wiele z języka romantycznego, podczas gdy w jednej z najnowszych dzieł - głęboką i serdeczną portret archeologa Lunch Michelangelo (1851), widzimy, że Bullles nie są obce do realistycznej koncepcji w interpretacji wizerunek.

Po śmierci Bulllova, jego uczniowie często używali dokładnie opracowali formalne, czysto akademickie zasady listu, a imię Bryullova było znosić wiele houls od krytyków demokratycznej, realistycznej szkoły drugiej połowy XIX wiek, przede wszystkim vv Stasova.

Centralna postać na malarstwie w połowie stulecia była niewątpliwie Aleksandra Andreevich Ivanova (1806-1858). Ivanov ukończył Akademię Petersburga z dwoma medalami. Otrzymał mały złoty medal na obraz "atam, poprosić o Achillesa Ciała Hectora" (1824, GTG), w związku z tym, jaką krytyki odnotowała uważny czytanie przez artystę Homera i duży złoty medal - za pracę " Józef, interpretowanie marzeń z nim w Dungeon Vinolrypia i Khlebodar "(1827, TRM), pełne wyrażenie, wyrażone jednak po prostu jasne. W 1830 r. Ivanov opuszcza Drezno i \u200b\u200bWiedeń do Włoch, w 1831 r. Wchodzi do Rzymu i tylko półtora miesiąca przed śmiercią (zmarł z Cholery) wraca do swojej ojczyzny.

Ścieżka A. Ivanov nigdy nie była łatwa, nie latał skrzydlaty chwały, jak na "Wielki Carl". Podczas życia jego talent był cenił Gogol, Herzen, Sechenov, ale wśród nich nie było malarzy. Życie Ivanova we Włoszech zostało wypełnione pracą i odbiciami na malarstwie. Ani bogactwo, ani świecka rozrywka szukała, spędzając dni w ścianach warsztatów i Etudah. Worldview Ivanovy miał pewnego wpływu na filozofię niemiecką, przede wszystkim harmonogram z pomysłem na prorocze przeznaczenie artysty na tym świecie, potem filozofią historyka religii D. Strausa. Fascynacja historii religii doprowadziła do niemal naukowego badania świętych tekstów, konsekwencji, z których pojawiło się tworzenie słynnych szkiców biblijnych i odwołania do wizerunku Mesjasza. Naukowcy kreatywności Ivanova (D.V. Sarabianov) są dość nazywani "zasadą romantyzmu etycznego", czyli romantyzm, w którym główny nacisk został przełożony od estetycznego rozpoczęcia moralności. Namiętna wiara artysty w moralnej transformacji ludzi, w poprawie osoby szukają wolności i prawdy, prowadził Ivanova do głównego tematu jego kreatywności - na zdjęcie poświęcone 20 lat (1837 - 1857) ", zjawisko Chrystusa Do ludzi "(GTG, wersja autora - czas).

Ivanov poszedł przez długi czas na tę pracę. Studiował obraz Jotto, Venersińczyków, zwłaszcza Titysta, Veronese i Tintoretto, napisał dwugoksowy kompozycję "Zjawisko Chrystusa Maryjskiej Magdaliny po zmartwychwstaniu" (1835, GRM), dla których Dał mu Akademię St. Petersburg Tytuł akademika i przedłużony okres emerytury we Włoszech przez trzy lata.

Pierwsze szkice "Fenomenę Mesjasza" odnoszą się do 1833 r., W 1837 r. Kompozycja została przeniesiona na duże płótno. Ponadto, praca poszła, która może być oceniana przez liczne pozostałe szkice, szkice, rysunki, wzdłuż specyfikacji znaków i krajobrazu, wyszukiwania całkowitego tonu obrazu.

Do 1845 r. Zasadniczo było "zjawisko Chrystusa ludzi". Kompozycja tego monumentalnego, oprogramowania działa oparta na klasycznym podstawie (symetria, umieszczenie ekspresyjnej głównej figury pierwszego planu - John The Baptist - w centrum, płaskorzeźba całej grupy jako całości), ale Tradycyjny schemat jest przemyto artystą. Malarz starał się przenieść dynamikę budowy, głębokość przestrzeni. Ivanov szuka tej decyzji przez długi czas i osiągnął go z powodu faktu, że pojawia się figura Chrystusa i zbliża się do ludzi, którzy biorą chrzest Jana w wodach Jordanii, od głębokości. Ale główną rzeczą, która uderza w obrazek, jest niezwykłą prawdziwość różnych postaci, ich charakterystyki psychologicznej, które informują niesamowitą niezawodność całej sceny. Stąd przekonanie duchowego odrodzenia bohaterów.

Ewolucja Iwanowa w pracy na "zjawisku ..." można zdefiniować jako ścieżka z określonej realistycznej sceny do monumentalnej epickiej sieci.

Zmiany Worldview Ivanov-Myśliciel, który miał miejsce przez wiele lat pracy na zdjęciu, doprowadziło do tego, że artysta nie skończył swojej głównej pracy. Ale zrobił to najważniejsze, ponieważ Kramskaya powiedziała: "Obudził wewnętrzną pracę w umysłach rosyjskich artystów". W tym sensie naukowcy mają rację, mówiąc, że obraz Ivanova był "Foresight of Hidden Processes", który miał miejsce w sztuce. Znaleziska Ivanova były tak nowe, że przeglądarka po prostu nie była w stanie ich ocenić. Nic dziwnego N.G. Chernyshevsky o nazwie Alexander Ivanova jeden z tych geniuszów ", którzy zdecydowanie stają się ludźą z przyszłości, ofiarą ... Prawda i, zbliża się do niej już w dojrzałych latach, nie boją się rozpocząć swojej działalności ponownie z poświęceniem młodzieży" ( Chernyshevsky N.G. Uwagi dotyczące poprzedniego artykułu // współczesnego. 1858. T. XXI. Listopad. P. 178). Do tej pory obraz pozostaje prawdziwą akademią dla pokoleń mistrzów, jako "szkoła w Atenach" Rafaela lub Sequestinian Plafon Michelangelo.

Ivanov powiedział Jego słowo w rozwoju zasad koleń. W krajobrazach napisanych na zewnątrz, udało mu się pokazać całą moc, piękno i intensywność natury natury. I główną rzeczą nie jest zmiażdżenie obrazu w dążeniu do chwilowego wrażenia, w pragnieniu dokładności szczegółów i zachowania jej syntetyczności, taka charakterystyczna sztuka klasyczna. Od każdego z jego krajobrazu występuje jasność harmoniczna, niezależnie od tego, czy przedstawia samotne picie, oddzielną gałęzi, spłacenie morskie lub bagna pontyczne. Jest to majestatyczny świat przekazany, jednak we wszystkich prawdziwych bogactwie medium lekkiego powietrza, jak gdybyś czuł zapach trawy, wahanie gorącego powietrza. W tej samej złożonej interakcji z środą przedstawia ludzką postać w jego słynnych szpilkach nagich chłopców.

W ostatniej dekadzie Ivanov ma pomysł na tworzenie cyklu obrazów biblijno-ewangelii dla każdego budynku publicznego, aby przedstawić działki Pisma Świętego w starożytnym kolorze smaku, ale nie prosto etnograficznie, ale wyniosły uogólnione. Szkice biblijne (GTG) wykonywane przez akwareli szkiców biblijnych (GTG) zajmują specjalne miejsce w dziedzinie Iwanowa i jednocześnie organizowane przez organicznie. Szkice te zapewniają nam nowe możliwości tej techniki, jego rytm z tworzywa sztucznego i liniowego, plamy akwarela, nie wspominając o niezwykłą swobodę twórczej w interpretacji samych działek pokazujących całą głębokość Ivanov-filozofa i o jego największym darze Monumentalist ("Zechariasz przed Angelem", "Sen of Joseph", "Pelting o łuku" itp.). Cykl Ivanova jest fakt, że pomysłowość i szkice mogą być nowym słowem w sztuce. "W XIX wieku, wiek pogłębiających analitycznych rozszczepiania dawnej integralności do poszczególnych gatunków i indywidualnych problemów scenicznych - Ivanov jest wielkim geniuszem syntezy, popełnionej przez ideę uniwersalnej sztuki, interpretowane jako rodzaj Encyklopedii misji duchowej, kolizji i wzrostu historycznej samowiedzy człowieka i ludzkości. (Allenov M.m. Sztuka pierwszej połowy XIX wiek // Allenov M.m., Evangulova OS, Lifshits L.I. Rosyjska sztuka X - na początku XX wieku. M., 1989. P. 335). Monumentalista dzwoniąc, Ivanov żył jednak w momencie, gdy monumentalna sztuka szybko spadła. Realizm formularzy Ivanovo jest niewielki zgodny z twierdzeniem sztuki krytycznej natury.

Kierunek społeczno-krytyczny, który stał się głównym w dziedzinie drugiej połowy XIX wieku, w 40-50. zadeklarowało się na wykresie. Niewątpiała rola zagrała tutaj "szkoła naturalna" w literaturze, związana (bardzo konwencjonalnie) z nazwą N.v. Gogol.

Ogromny sukces miał album kreskówek litograficznych "Yelash" N.m. Nevakhovich, który, jak wenecki "Magazyn karykatury", poświęcono satyrze moralności. Na jednej stronie dużego formatu można umieścić kilka działek, często twarze były portretowe, dość rozpoznawalne. "Elash" został zamknięty w 16. problemie.

W latach 40. edycja V.f. była wielkim zapotrzebowaniem. Timma, Illustrator i Litografia. "Nasze, odpisane od Ntaryi Rosjan" (1841-1842) - obraz typów ulicy Petersburskiej z Flankers-France do Janitorarów, Cabers itp. Timm również zilustrowali "zdjęcia rosyjskich moralności" (1842-1843) i wykonane rysunki do wiersza II. Matlev o paniach Kurdyukova, prowincjonalny widridge, z nudy podróżujących w Europie.

Książka tego czasu staje się bardziej przystępna i niedrogie: ilustracje zaczęły drukować z drewnianą deską z dużymi obiegami, czasami przy pomocy polityki - odlewów metalowych. Pierwsze ilustracje dla dzieł Gogol - "sto rysunków z wiersza N.m. Gogol "Dead Souls" A.a. Azgin, wygrawerowany e.e. Vernadsky; 50-tych były naznaczone działalnością T. G. Shevchenko jako drocess ("Przypowiedzi na temat syna marnotrawnego", implansujące okrutne moralność w armii). Karykatury i ilustracje dla książek i czasopism Timma i jego współpracownicy Agina i Shevchenko przyczyniły się do rozwoju rosyjskiego malowania gatunku drugiej połowy XIX wieku.

Jednak głównym źródłem malowania gatunku Druga połowa wieku była praca Pavel Andreevich Fedotova (1815-1852). W ciągu zaledwie kilku lat poświęcił swoje malowanie swoim krótkim tragicznym życiem, ale udało mu się wyrazić ducha Rosji dla lat 40-tych. Syn żołnierza Suvorova, przyjęty w Korpusu Moskwy Cadet dla Meritus Ojca, Fedotov przez 10 lat serwowane w pułku Fińskiej Strażnicy. Po zrezygnowaniu, jest zaangażowany w klasę bitwy A.I. Cheeperweed. Fedotov rozpoczął się od rysunków domowych i karykatów, z serią SEPII z życia Fitelki, psa Barynina, który był w bose i zapakowanej gospodyni, z serii, w której oświadczył jako sens satyryczny - rosyjski Domy jego "Caricatyuran" (oprócz miecza - Sepia "Moda sklep", 1844-1846, GTG; "Artysta, który ożenił się bez posagu w nadziei na jego talent", 1844, GTG itp.). Studiował na grawerowaniach Hogarth, a holenderski, ale przede wszystkim - w najbardziej rosyjskim życiu, otwarta figura utalentowanego artysty we wszystkich jego dysharmonii i sprzeczności.

Najważniejszą rzeczą w jego pracy jest malarstwo domowe. Nawet gdy pisze portrety, łatwo jest wykrywać elementy gatunkowe (na przykład w akwarela "graczy", GTG). Jego ewolucja w malarstwie gatunku - z wizerunku karykatury do tragicznego, z przeciążenia szczegółowo, jak w "Fresh Cavalier" (1846, GTG), gdzie wszystko jest "ssące": gitara, butelki, kpiny z pokojówki, Nawet Papillos na czele nieosionego bohatera, - do lakonizmu, jak w "Widowie" (1851, Ivanovo Regionalne Muzeum Sztuki, opcji - GTG, TRM), do tragicznego uczucia bezsensowności istnienia, jak w swoim ostatnim obraz "kotwica, wciąż ancor!" (około 1851, GTG). Ta sama ewolucja i zrozumienie koloru: z koloru, brzmienie czołgane, przez czyste, jasne, intensywne, nasycone farby, jak w "głównym zegarku" (1848, GTG, wersji-Timing) lub "Śniadanie Arystokraty" (1849- 1851, GTG), zanim wykwintne kolory "wdowców", które zdradzają przedmiot, jakby rozpuszczali się w rozproszonym świetle dnia, a integralność pojedynczego tonu ostatniego płótna ("Ankor ...") . Było to sposób od prostego podejmowania życia do wdrożenia w jasnym, powściągliwym obrazom najważniejszych problemów życia rosyjskiego, ponieważ na przykład, na przykład "Oglądanie major", jak nie obwiniać jednego z faktów społecznych życia jego czasowo-robaków zubożałego szlachcicy z kupcami "Torby pieniężne"? I "podnosząc pannę młodą, napisaną na działce pożyczonej z I.a. Krylova (bardzo, przy okazji, docenianego przez artystę), jak nie ma małżeństwa w obliczeniach? Lub lub przekazanie nieważności świeckiej pośpiechu, pyłu w proszku w oku, - w "Śniadaniu arystokratyczne"?

Moc malarstwa Fedova jest nie tylko w głębi problemów, w istnienia wykresu, ale także w niesamowitej umiejętności egzekucji. Wystarczy zapamiętać pełną komorę urokową "Portret z N.P. Zhdanovich dla Claviersin "(1849, TRM). Fedotov kocha prawdziwy świat merytoryczny, z radości zniechęca każdą rzecz, poetycka. Ale ta zachwyt przed światem nie obserwuje się goryczy tego, co się dzieje: beznadziejność stanowiska "wdów", kłamstwem transakcji małżeńskiej, tęsknota służby oficera w "Bear Corner". Jeśli Fedotova przerwuje przez Fedotova, to jest to ten sam gogol "śmiech przez niewidoczną do świata łez." Fedotov ukończył życie w "Solution House" na fatalnym 37 roku życia.

Sztuka Fedotova kończy rozwój malowania pierwszej połowy XIX wieku, a jednocześnie całkowicie organicznie - ze względu na jego spółkę społeczną - kierunek Fedotovsky "otwiera początek nowego sceny - sztukę krytycznej, Albo, ale częściej mówią demokratyczne, realizm.

W przypadku rosyjskich sztuk wizualnych scharakteryzowano romantyzm i realizm. Jednak klasyzm został oficjalnie uznany metodę. Akademia Sztuki stała się konserwatywną i skośną instytucją, która uniemożliwiła wszelkie próby swobody kreatywności. Zażądała ściśle podążać za kanonami klasycyzmu, zachęcał do pisania obrazów na działkach biblijnych i mitologicznych. Młodzi utalentowani rosyjscy artyści nie spełnili ramy ACADEMIZ-MA. Dlatego częściej odwrócili się do gatunku portretu.
W malarstwie romantyczne ideały ery krajowej windy zostały wykonane. Odrzucił surowy, nie pozwalający odchylenia zasad klasycyzmu, artystów odkryli różnorodność i wyjątkowość świata. To nie tylko odzwierciedlało się w zwykłych już gatunkach - portret i krajobrazie - ale także dał impuls na narodziny malarstwa domowego, który był celem uwagi mistrzów drugiej połowy wieku. W międzyczasie mistrzostwo pozostały za historycznym gatunkiem. Był jednak ostatnim schronieniem klasycyzmu, a tutaj na formalnie klasycystycznej "elewacji" hid romantycznych pomysłów i tematów.
Romantyzm - (Franz. Romantisme), kierunek ideologiczny i artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kultury duchowej końca 18 - 1 piętro. 19 stuleci. Odzwierciedlając rozczarowanie w wynikach francuskiej rewolucji końca XVIII wieku, w ideologii oświecenia i postępu publicznego. Romantyzm skontrastował utylitarianizmu i wyrównywanie osobowości jako ograniczenia do nieograniczonej wolności i "niekończące się", pragnienie doskonałości i odnowienia, patos osobistych i obywatelskich niezależności. Bolesne zaburzenie idealnej i rzeczywistości społecznej jest podstawą romantycznego światopoglądu i sztuki. Zatwierdzenie wewnętrznej żywotności duchowej i twórczej osoby, wizerunku silnych pasji, wizerunku silnych pasji, duchowo-uzdrawiającą naturę, w wielu romantach - bohaterowie protestu lub walki są przylegające do motywów "Świata żalu "," World Evil "," Night "Soul Side, biorąc formularze ironii, groteskową poetykę dogmiryny. Zainteresowanie przeszłością narodową (często - jego idealizacja), tradycje folkloru i kultury własnych i innych ludów, pragnienie stworzenia uniwersalnego obrazu świata (przede wszystkim historię i literaturę), idea Synteza sztuk znalazła wyrażenie w ideologii i praktyce romantyzmu.
W sztuce wizualnej romantyzm był najbardziej jasno objawiony w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (na przykład false gotycki). Większość krajowych szkół romantycznych w sztukach wizualnych rozwinęła się w walce z oficjalnym klasyzmem akademickim.
W głębi kultury oficjalnej, sprzęgła kultury "Elite" obsługującej klasy dominującej (arystokracja i sąd królewski) jest zauważalna i posiadająca szczególną podatność na innowacje zagraniczne. Wystarczy przypomnieć romantyczne filmy z O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullova, A. Ivanova i innych dużych artystów XIX wieku.
Cyprosa Orest Adamovich, rosyjski artysta. Znakomity mistrz rosyjskiej sztuki wizualnej romantyzmu, znanego jako wspaniały portret. W obrazie "Dmitry Donskaya w polu Kulikow" (1805 r. Muzeum Rosyjskie) wykazało pewną wiedzę na temat kanonów akademickiego obrazu historycznego. Ale wczesny region, gdzie jego talent objawia się w najbardziej naturalnym i swobodnym, portret staje się. Jego pierwszy malowniczy portret ("A. K. Schwalbe", 1804, a tam), napisany w sposób Rembrandt, wyróżnia się jego wyraziste i dramatyczne czarno-białe światło. Przez lata, jego umiejętności, - Pro-wygląd w możliwość tworzenia głównych unikalnych podejść indywidualnie-charakterystycznych, wybierając specjalne narzędzia z tworzyw sztucznych, aby odrzucić tę charakter, rośnie. Imponująca witalność jest pełna: Portret chłopca A. A. Chelischev (około 1810-11), sparowanych obrazów małżonków F. V. i E. P. Rostopchinny (1809) i V. S. i D. N. Podvovkov (1814, wszystkie Galeria TryTEKOV). Artysta coraz częściej bije możliwości kolorów i czarnych i czarnych kontrastów, tło krajobrazu, szczegóły symboliczne ("E. S. Aveedul", około 1822 r. Nawet duże frontowe portrety, artysta wie, jak robić lirycznie, niemal dokładnie zrelaksowany ("Portret LIFE-Gusar pułkownika Evigraph Davydova", 1809, Muzeum Rosyjskie). Jego portret młodej, shefied poetyckiej chwały A.S. Puszkin jest jednym z najlepszych w tworzeniu romantycznego obrazu. Cyprose Puszkin wygląda uroczyste i romantyczne, w halo poetyckiej sławy. "Szalisz mnie, Orest" Pushkin westchnął, patrząc na gotowe płótno. Cyprosensky był także drawrididem wirtuozowym, stworzony (głównie we włoskim ołówkiem i pastelowym technikom) próbki umiejętności graficznych, często lepszych od otwartych, ekscytujących portretów emocjonalnych. Są to typy domowe ("Blind Musician", 1809, Muzeum Rosyjskie; Kalmychka BayAl, 1813, Galeria Tretyakowska i słynna seria portretów ołówkowych uczestników w wojnie patriotycznej 1812 r. (Rysunki z obrazem E. I. Chaplica, A. R. Tomilov, PA OLENINA, ten sam rysunek z poeta Batyushkov i in.; 1813-15, Galeria TryTEKOV i inne spotkania); Heroiczny początek tutaj nabywa szczery cień. Duża liczba szkiców i certyfikatów tekstowych pokazuje, że artysta jest cały jego dojrzały okres na tworzenie dużej (według własnych słów z litery A Oleneina z 1834 r.), "Spektakularne lub, w języku rosyjskim, aby powiedzieć, strajk i Magiczny obraz ", gdzie w przypadku alegorycznej formy zostały przedstawione wyniki historii europejskiej, a także cel Rosji. "Czytelnicy gazet w Neapolu" (1831, Galeria Tretyakowska) - wyjście tylko portret grupowy - w rzeczywistości istnieje ukryta odpowiedź symboliczna na rewolucyjne wydarzenia w Europie.
Jednak najbardziej ambitne malownicze alegi Kiprensky pozostało niespełnione lub zniknęły (jak "grobowiec Anacreonic" ukończony w 1821 r.). Te romantyczne wyszukiwania mają jednak na dużą skalę w pracy K. P. Bryullova i A. A. Ivanova.
Realistyczne manery odbite prace V.a. Tropinine. Wczesne portrety Tropinin, napisane w powstrzymywanym kolorowym zakresie (rodzinne portrety zliczników marchwi 1813 i 1815, zarówno - w galerii Tretyakowskiej), nadal należą do tradycji stulecia oświecenia: Model jest w nich bezwarunkowy i stabilne centrum obrazu. Później obraz malarstwa Tropinin staje się bardziej intensywny, woluminy są zazwyczaj wyraźniej i rzeźbiennie, ale najważniejsza rzecz - czysto romantyczne uczucie ruchomych elementów życia, tylko część, której fragment wydaje się być bohaterem portretowym (Bułakhov , 1823; "KG RAVICH", 1823; autoportret, około 1824 r.; Wszystkie trzy są w tym samym miejscu). Takov i jako Puszkin na słynnym Portret 1827 r. (Muzeum Wszystkie rosyjskie jako Pushkin, Pushkin): Poeta, wprowadzenie ręki na stosie papieru, bez względu na to, jak "Musey waha się", słuchaj kreatywnego snu, środowisko jest niewidoczne Halo. Napisał także portret A.S. Puszkin. Zanim widz wydaje się doświadczenie życiowe, a nie bardzo szczęśliwa osoba. Na portret tropinin poeta przytulnie uroczy. Jakiś rodzaj specjalnego ciepła Staromoshkovsky i pociechy pieniężne z dzieł Tropinin. Do 47 lat był w strzępieniu fortecy. Dlatego jest to prawdopodobnie tak świeże, tak uduchowione na płótnach twarzy zwykłych ludzi. I nieskończona młodzież i urok jego "koronki". Najczęściej V.a. Tropinin zastosowany do wizerunku ludzi od ludzi ("koronki", "portret syna" itp.).
Poszukiwanie artystyczne i ideologiczne rosyjskiej myśli publicznej, czekając na zmiany wpłynęło na zdjęcia z K.P. Bryullova "Ostatni dzień Pompeje" i A.a. Ivanova "Zjawisko narodu Nar-Stow".
Wielkim stworzeniem sztuki jest obraz "Ostatni dzień Pompeje" Karl Pavlovich Bryullova (1799-1852). W 1830 r. Rosyjski Hu-Devin Karla Pavlovicha Bullowa odwiedził na wykopach starożytnego miasta Pompeje. Szedł wzdłuż starożytnego mostu, podziwiał freski, aw wyobraźni, Thor tragicznej nocy sierpnia 79 g. E. Kiedy miasto zostało pokryte rutynowymi popiołami i pembasant obudzonym przez Vesuvia. Trzy lata później obraz "Ostatni dzień Pompei" wykonał triumfalną podróż z Włoch do Rosji. Artysta znalazł niesamowite farby na wizerunek tragedii starożytnego miasta, umierając pod koły i popiołu wybuchywanego Wezuwiusza. Obraz jest nasycony wysokimi ideałami humanistycznymi. Pokazuje odwagę ludzi, ich poświęcenie, pokazane podczas strasznej katastrofy. Bryullov był we Włoszech w podróży służbowej Akademii Sztuk. W tej instytucji edukacyjnej technika treningowego malarstwa i rysowania była dobrze dostarczona. Jednak Akademia jednoznaczna koncentruje się na zabytkowym dziedzictwie i heroiczne tematy. Dla malarstwa akademickiego scharakteryzowano dekoracyjnym krajobrazem, teatralność ogólnej kompozycji. Sceny z nowoczesnego życia, zwykły rosyjski krajobraz był uważany za niegodny pędzli artysty. Klasycyzm w malarstwie otrzymał tytuł akademii. Bryullov był związany z Akademią całej swojej pracy.
Posiadał potężną wyobraźnię, z rosnącym okiem i wierną ręką - a jego kreacje na żywo zgodził się z kanonami akademicdy. Naprawdę z Puszkin Grace, wiedział, jak uchwycić na płótnie i piękno nagiego ludzkiego ciała, a potrząśnięcie wiązką słońca na zielonym liściu. Nieużywane arcydzieła rosyjskiego malarstwa będzie na zawsze opuścił swoje płótnie "Jeździec", "Wiruavia", "włoski poranek", "Włoski południowy", liczne frontowe i intymne portrety. Jednak artysta zawsze ma znacznie duże tematy historyczne, do wizerunku istotnych wydarzeń ludzkiej historii. Wiele jego pomysłów w tym zakresie nie zostało wdrożone. Nigdy nie opuściłem pomysłu bulwalu, aby stworzyć epickie tkaniny na działce z historii rosyjskiej. Zaczyna obraz "oblężenia Pskova przez wojska króla Stephena Batory". Przedstawia moment kulminacji oblężenia 1581 r., Kiedy wojownicy Pskov i. Obywatele Ki są oddani atakowi na Polaków, którzy włamali się do miasta i wyrzucić je do ścian. Ale obraz pozostał niedokończony, a zadanie stworzenia prawdziwie krajowych obrazów historycznych nie był wykonywany przez Bullylov, ale następne pokolenie rosyjskich artystów. Puszkin rok, Bryullov przetrwał go przez 15 lat. Ostatnie lata był chory. Od autoportystycznego napisanego w tym czasie czerwonawy mężczyzna ogląda nas subtelnymi cechami twarzy i spokojnego, przemyślanego spojrzenia.
W pierwszej połowie XIX wieku. Mieszkał i pracował przez artystę Alexander Andreevich Ivanova (1806-1858). Poświęcił wszystkie swoje kreatywne życie na ideę duchowego przebudzenia ludzi, ucieleśniając ją w obrazie "zjawisko Chrystusa do ludzi". Od ponad 20 lat pracował na zdjęciu "Zjawisko Chrystusa do ludzi", w którym umieścił całą moc i jasność swojego talentu. Na pierwszym planie jego wielkiej szmatki, odważna postać Jana Chrzciciela, wskazując na ludzi na zbliżającym się Chrystusie, jest rzucony do oczu. Jego postać jest podawana w odległości. Nie przyszedł jeszcze, on idzie, na pewno przyjdzie, artysta mówi. I rozjaśnić, twarze i dusze są wyczyszczone z tych, którzy oczekują Zbawiciela. Na tym zdjęciu pokazał, jak I. E. Repin powiedział później: "Uciskani ludzie, chętny do wolności".
W pierwszej połowie XIX wieku. W rosyjskim obrazie wchodzi na działkę gospodarstwa domowej.
Jeden z pierwszych do niego adresował Alexei Gavrilovich Venetianov (1780-1847). Był świętą jego kreatywność na wizerunek życia chłopów. Pokazuje to życie w wyidealizowanej, upiększonej formie, dając hołd modownej niższej sentymentalizmu. Jednak zdjęcia Venetianova "Khumno", "na zbiorach. Lato "," na gruntach ornych. Wiosna "," chłopska kobieta z cornflowers "," Zakharka "," Rano Namir "wyświetla piękno i szlachetność zwykłych rosyjskich ludzi, służył jako oświadczenie o godności osoby, niezależnie od jego statusu społecznego.
Jego tradycja kontynuowała Paul Andreevich Fedotov (1815-1852). Jego płótno jest realistyczne, wypełnione treścią satyryczną, ujawniając moralność handlową, życie i moralność szczytu społeczeństwa ("major" major "," świeży kawaler "itp.). Rozpoczął swoją ścieżkę artysty-satyryt, będąc oficerem-Guardsmanem. Potem zrobił wesoły, niegrzeczne dawra życia wojskowego. W 1848 roku jego obraz "Fresh Cavalier" został zaprezentowany na wystawie akademickiej. Był to pogrubiony ośmieszenie nie tylko nad głupim, zadowolonym urzędnikiem, ale także na tradycje akademickie. Brudna szata, w której unikano głównego charakteru obrazu, bardzo przypomniał za antyczne wieżę. Bullles stał przez długi czas przed szmatką, a następnie powiedział autor pół suszenia suchego: "Gratuluję ci, wygrałeś mnie". Komedia-satyryczna postać i inne zdjęcia Fedotov ("Śniadanie arystokraty", "major"). Ostatnie zdjęcia są bardzo smutne ("kotwica, kotwica!", "Wdowa"). Współcześni dość porównywane P.A. Fedotov w malarstwie z N.V. Gogol w literaturze. Nudnieniem owrzodzeń serfs Rosji jest głównym tematem pracy Pavel Andreevich Fedotov.

Rosyjski obraz drugiej połowy XIX wieku

Druga połowa XIX wieku. oznaczone rozkwitem rosyjskiej sztuki wizualnej. Stało się to prawdziwie wielką sztuką, była nasycona Pafos walki wyzwolenia ludzi, odpowiedział na prośby o życie i aktywnie najeżdżają życie. W sztuce wizualnej realizm został ostatecznie ustalony - prawdziwy i wyczerpujący odzwierciedlenie życia ludzi, pragnienie odbudowania tego życia na podstawie równości i sprawiedliwości.
Świadomy przełom nowego rosyjskiego malarstwa do demokratycznego realizmu, narodowość, nowoczesność została oznaczona pod koniec lat 50-tych, wraz z rewolucyjną sytuacją w kraju, z publiczną odpornością wyładowczą inteligencji, z rewolucyjnym oświeceniem Chernyshevsky, Dobroliubov, Saltykov-Shchedrin, z uporczywą poezją Nekrasową. W "eseje w okresie Gogolu" (w 1856 r.), Chernyshevsky napisał: "Jeśli obraz jest obecnie ogólnie w dość żałosnych pozycji, to powód powodemu wyobcowania tej sztuki z nowoczesnych aspiracji". Ta sama myśl została wprowadzona w wielu artykułach współczesnego magazynu.
Głównym tematem sztuki był ludzie, nie tylko uciskany i cierpienie, ale także ludzie - twórcy historii, ludu, wojownika, twórcy wszystkiego najlepszego, który jest w życiu.
Zatwierdzenie realizmu w sztuce odbyło się w uporczywej walce z urzędnikiem na pokładzie, którego przedstawiciel był kierownictwem Akademii Sztuki. Współpraca Akademii została zainspirowana swoimi pomysłami uczniów, że sztuka powyżej życia została przedstawiona tylko przez biblijne i mitologiczne tematy dla kreatywności artystów.
Ale malarstwo już zaczęło dołączyć do nowoczesnych aspiracji - przed wszystkimi w Moskwie. Moskiewska szkoła i dziesiąta stawka nie wykorzystała przywilejów Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, ale była mniej zależała od jego zakorzenionego dogmatu, atmosfera była w nim bardziej żywa. Chociaż nauczyciele w szkole są głównie akademikistami, ale akademici są niewielkimi i wahani, nie stłumiały ich autorytet jak w Akademii F. Bruni, filaru Starej Szkoły, w swoim czasie rywalizującym z obrazem Bruhlovy'ego "Miedzi Zmiy" .
B1862 Rada Sankt Petersburg Akademia Sztuki postanowiła wyrównać wszystkie gatunki, anulowanie prymatu obrazu historycznego. Złoty medal został teraz przyznany niezależnie od tematu obrazu, biorąc pod uwagę tylko jej zalety. Jednak "wolność" w ścianach Akademii od dawna.
W 1863 r. Młodzi artyści - uczestnicy konkursu akademickiego złożyli petycję "na pozwoleniu na swobodnie wybierają działek tych, którzy będą życzyć, oprócz tematu docelowego". Rada Akademii odpowiedziała do odmowy. Co się stało w historii rosyjskiej sztuki nazywa się "Bunt czternaście". Czternastu studentów klasy historycznej nie chcieli pisać obrazów na proponowanym temacie z mitologii skandynawskiej - "Pier w Valgaale" i demonstracji złożył petycję - o opuszczeniu Akademii. Raz bez warsztatów i bez pieniędzy, Buntari zjednoczył się w rodzaju gminy - w zależności od rodzaju gmin opisanych przez Chernyshevsky w powieści "Co robić?", "Artyści, których malarz Ivan Nikolayevich Kramskaya na czele. Arteels przyjęli rozkazy, aby spełnić różne dzieła, żył w tym samym domu, zostały zebrane w wspólnej hali do rozmów, omawiając zdjęcia, czytanie książek.
Po siedmiu latach Artel zepsuł się. W tym czasie, w latach 70., z inicjatywy artysty Grigory Grigorievich Myasedov, związek powstał - "Partnerstwo artystycznych wkładek mobilnych", profesjonalne i handlowe stowarzyszenie artystów, którzy stały się w bliskich stanowiskach ideologicznych.
Partnerstwa filmowe nie są przykładem wielu późniejszych stowarzyszeń kosztów bez żadnych deklaracji i manifestów. Powiedziała tylko, że członkowie partnerstw powinni same prowadzić swoje sprawy, nie zależał od tego, że nikogo, a także organizować wystawę i eksportować ich do różnych miast ("ruch" w Rosji), aby oznaczać kraj z rosyjskim sztuka. Oba te przedmioty były niezbędne, argumentując niezależność sztuki z władz i woli artystów do szerokiej komunikacji z ludźmi nie tylko w metropolii. Główną rolą w tworzeniu partnerstwa i rozwój jego statutu był własnością Kramskiego Myasoyedova, GE - z Petersburgerów, a z Muscovites - Perov, Sanidishnik, Savrasov.
"Mobile" zjednoczyli się w odrzuceniu "naukowcy" przez jego mitologię, dekoracyjne krajobrazy i pompatyczną teatralność. Chcieli przedstawić życie. Wiodące miejsce w ich pracy było zajęte przez sceny gatunku (gospodarstwa domowego). Cheespatry był używany przez specjalną sympatię "Mobile". Pokazali jego potrzebę, cierpienie, uciskane stanowisko. W tym czasie - w latach 60-70. XIX V.- ideologiczna strona sztuki została wyceniona wyższa niż estetyka. Tylko w czasie artystów przypomniali ożylność malarstwa.
Być może największa triwiasta pomysłów dała wasily Grigorievich Perov (1834-1882). Wystarczy zapamiętać te zdjęcia jak "przybycie stania się konsekwencją", "Picie herbaty w Mytishchi". Niektóre dzieła Perowa są przenikane z prawdziwą tragedią ("Troika", "starzy mężczyźni na grobie syna"). Szczotki do farb należy do wielu portretów jego słynnych współczesnych (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).
Niektóre ściereczki "Mobile", napisane z natury lub pod wrażeniem prawdziwych scen, wzbogacali nasze pomysły na życie chłopskie. W obrazie S. A. Korovina "na pokoju" pokazując potrząśnięcie na wiejskiej podejściu między bogatymi a biednymi. V. M. Maksimov schwytany wściekłość, łzy i góry partycji rodzinnej. Uroczysta święta pracy chłopskiej znajduje odzwierciedlenie na zdjęciu G. G. Myasoyedov "Kosov".
W pracy Kramsky, malarstwo portret zajęło główne miejsce. Napisał Goncharova, Saltykov-Shchedrin, Nekrasowa. Należy do jednego z najlepszych portretów Lion Tołstoj. Spojrzenie pisarza nie pozostawia widza, z czymkolwiek punktem spojrzał na płótno. Jeden z najsilniejszych dzieł Kramsky - obraz "Chrystus na pustyni".
Pierwsza wystawa "Mobile" otwarta w 1871 r. Przekonwalniej wykazała istnienie nowego kierunku, który złożony przez 60-tych. Było to tylko 46 eksponatów (w przeciwieństwie do niewygodnych wystaw Akademii), ale starannie dobrane, a chociaż wystawa nie była celowo zaprogramowana, ogólny niepisany program był dość wyraźnie oceniany. Wszystkie gatunki zostały zaprezentowane - Historyczne, domowe, portret krajobrazu, - a publiczność mogła ocenić to, co byli nowościami "Mobile" w nich. Nie tylko rzeźba (była jedna, a potem trochę niezwykła rzeźba F. Kamensky), ale tego rodzaju sztuki "nie miała szczęścia" przez długi czas, w rzeczywistości drugą połowę wieku.
Na początku lat 90., wśród młodych artystów szkoły Moskwy, to prawda, ci, którzy zasłużyli i poważnie kontynuowali tradycję ruchu cywilnego: S. Ivanov z jego cyklem obrazów o imigrantach, S. Korovin - autor obrazu " Na świecie ", gdzie jest interesujący i starannie objawiony dramatyczne (naprawdę dramatyczne!) Cullions of the Dorforform Village. Ale nie zadawali tonu: wyjście do postępu "World of Art" zbliżył się, równie i od ruchu i z Akademii. Co spojrzał na tam Akademię? Jej artystyczne dawne postawy rygorystyczne były wyblakłe, nie nalegała już na surowe wymagania neoklasycyzmu, na znanej hierarchii gatunków, gatunek krajowy był dość tolerancyjny, tylko wolał, że był "piękny", a nie "Menitsky" (przykład "(przykład" (przykład "Pięknych" prac niałakademicznych - sceny z starożytnego życia popularnego wtedy S. Bakolovich). W masie swoich nie-akademickich produktów, jak w innych krajach było burżuazyjne salon, jej "piękno" - wulgarność. Ale nie można powiedzieć, że nie przedstawiła talentów: bardzo utalentowany był wyżej wymienionym G. Semiradsky, wczesnym V. Smirnovem (który miał czas na stworzenie imponującego obrazu "śmierć Nero"); Niemożliwe jest zaprzeczenie pewnych artystycznych zalet malarstwa A. Svyutsky i V. Kotarbinsky. O tych artystach, biorąc pod uwagę ich przewoźnikami "Ducha Ellińskim" aprobująco odpowiedziały na jego późne lata repin, pod wrażeniem Vrubel, a także Aivazowskiego - także "artysty akademickiego". Z drugiej strony, nikt inny nie taki jak Semiradsky, podczas reorganizacji Akademii, zdecydowanie mówił na korzyść gatunku gospodarstwa domowego, wskazując zarówno na pozytywny przykład na Perov, repin i V. Mayakovsky. Wystarczyły więc punkty zgromadzenia między "Mobile" a Akademią, a to zrozumiało, a następnie wiceprezesa Akademii I.I. Tołstoj, z inicjatywy i został wezwany do nauczania wiodących "ruchów".
Ale główną rzeczą, która nie pozwala nie dyskontować roli Akademii Sztuki, zwłaszcza jako instytucja edukacyjna, w drugiej połowie stulecia, jest prostą okolicznością, że wielu wybitnych artystów wyszedł ze swoich murów. Jest to repin i Surikov, i Polenov, i Vasna-Tsov, a później - Serow i Vrubel. Co więcej, nie powtórzyli "Bunt of Fourteen" i najwyraźniej, skorzystał z ich praktyki.
Szacunek do rysowania, konstruktywnej formie zbudowanej w rosyjskiej sztuce. Generalna koncentracja kultury rosyjskiej realizmu była powodem popularności metody Chistyakowa, "w taki czy inny sposób, rosyjskich malarzy do Serowa, Nesterova i Vrubel włącznie," niezachwiane wieczne prawa formularza "i nosili" rozwody "lub Podpoorganizacja kolorowego elementu amorficznego, bez względu na kolor ukochany kolor.
Wśród Mobile Mobile zaproszeni do Akademii, były dwóch graczy krajobrazowych - Shishkin i Queenji. Właśnie w tym czasie rozpoczął się w dziedzinie hegemonii krajobrazu i jako niezależny gatunek, w którym levitan panował, a jako równy element gospodarstwa domowego, historycznego, częściowo i portu malarstwa. Wbrew prognozowaniu Stasowa, co uważa, że \u200b\u200brola krajobrazu spadnie, wzrosła w latach 90., więcej niż kiedykolwiek. Przeważał liryczny "krajobraz nastroju", prowadząc rodowód z Savrasova i Polenova.
"Mobile" wykonane autentyczne odkrycie w malarstwie krajobrazowym. Alexey Kondratuievich Savrasov (1830-1897) udało się pokazać piękno i szczupły libanizm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz "Graci Flew" (1871) zmusił wielu współczesnych w nowy sposób, aby spojrzeć na natury natury.
Fiodor Aleksandrovich Vasilyev (1850-1873) przeżył krótkie życie. Jego kreatywność, zepsuła się na samym początku, wzbogacał obraz domowy w pobliżu dynamicznych, ekscytujących krajobrazów. Artysta był szczególnie udany w naturze: od słońca do deszczu, od sprzęgła do otworu.
Piosenkarka Rosyjskiego lasu Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) stała się epicką szerokością rosyjskiej natury. Archka Ivanovich Kinkii (1841-1910) przyciągnęła malowniczą grę na światło i powietrze. Tajemniczym światłem księżyca w rzadkich chmurach, czerwony świt choppers na białych ścianach ukraińskiej chaty, ukośne promienie poranne, wykonane przez mgłę i grając w basenie na Raskie Road, są te i wiele innych malowniczych odkryć jego płótna.
Rosyjski obraz krajobrazu XIX wieku dotarł do studenta Savrasova Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan - Mistrz spokojnych, spokojnych krajobrazów, który mężczyzna jest bardzo nieśmiały, nieśmiały i ranny, wiedział, jak odpocząć samotnie z naturą, przenikającą nastrój kochanej scenerii.
Pewnego dnia przybył na Volga napisanie słońca, powietrza i rzeki. Ale słońce nie było, niekończące się chmury były czołgane po niebie, a nudne deszcze zatrzymały się. Artysta był zdenerwowany, dopóki nie został wciągnięty do tej pogody i nie znalazł specjalnego uroku bzu farb rosyjskiej złej pogody. Od tego czasu górna Wołga ma mocno spędził miasto Ples. W tych regionach stworzył swoją "deszczową" pracę: "Po deszczu", "ponurym dniem", "nad wiecznym regionem". Były też napisane spokojne wieczorne krajobrazy: "Wieczór na Volga", "Wieczór. Golden Ples "," Wieczorne dzwonienie "," cicha siedziba ".
W ostatnich latach Levitan zwrócił uwagę na pracę francuskich impresjonistycznych artystów (E. Manne, K. Monte, K. Pistarro). Zdał sobie sprawę, że miał wiele ze sobą wspólnego, że ich kreatywne wyszukiwania były w tym samym kierunku. Jak oni wolał pracować nie w warsztacie, ale w powietrzu (na pleniach, jak mówią artystów). Tak jak on, trwał palety, jazdy ciemną, ziemistą farbą. Podobnie jak oni, starał się uchwycić flotę bycia, przekazując ruch światła i powietrza. W tym poszli dalej niż on, ale prawie rozpuszcza się w formach wolumetrycznych lekkich powietrza (w domu, drzewach). Uciekł go.
"Obrazy Levitana wymagają powolnego oglądanego, - napisał duży koneser swojej kreatywności K. G. Powhovsky, - nie ogłudzają oka. Są skromne i dokładne, podobnie jak historie Czechowa, ale im dłuższy wzroty w nich, cisza poselów prowincjonalnych, znanych rzek i osadników staje się milą.
Na drugiej połowie XIX wieku. Istnieje kreatywne kwitnące I. E. Repin, V. I. Surikova i V. A. Serowa.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) urodził się w mieście Chuguev, w rodzinie osadnika wojskowego. Udało mu się zapisać się do Akademii Sztuki, gdzie jego nauczyciel stał się P. P. Chistaakov, który podniósł całą pleiadę słynnych artystów (V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M.a. Drub-La, V.a. Serov). Dużo nauczył się repin, a także Kramsky. W 1870 r. Młody artysta współ-szczyt nad Volga. Liczne etiudy przyniósł z podróży, użył do malowania "Burlaci na Volga" (1872). Wykonała silne wrażenie na społeczeństwie. Autor natychmiast nominowany do szeregów najbardziej znanych mistrzów.
Repin był bardzo wszechstronnym artystą. Jego szczotki należy do serii monumentalnych gatunków. Być może nie mniej wrażenia niż "Burlaci" produkuje "procesję prowincji Kurska". Jasne błękitne niebo, jazdy chmury pyłu, złoty blask krzyży i chmur, policji, prostych ludzi i kryps - wszystko zamontowane w tej sieci: wielkość, moc, lekceważenie i ból Rosji.
W wielu obrazach Repein został poruszony przez temat rewolucyjny ("odmowa spowiedzi", "nie spodziewał się", "aresztowanie propagandyjnej"). Rewolucjonury w jego obrazach są po prostu trzymane i naturalnie, obce teatralne pozasy i gesty. Na zdjęciu "Odmawianie od spowiedzi" skazany na śmierć, jakby celowo ukrył ręce w rękawie. Artysta wyraźnie sympatyzował się z bohaterami jego obrazów.
Wiele ściereczek przypominających są napisane w tematy historycznych ("Ivan The Straszny i jego syn Ivan", "Kozaków, które skomponują list do tureckiego sułtana" i innych). Repin stworzył całą galerię portretową. Napisał portrety - naukowcy (Pirogov i Sechenov), - pisarze Tołstoja, Turgenewa i Garshin, - kompozytorów Glinka i Musorgsky, - artystów Kramsky i Surikowa. Na początku XX wieku. Otrzymał zamówienie na zdjęcie "Uroczyste spotkanie Rady Państwowej". Artysta zdołał nie tylko komponować na płótnie tak dużą liczbę obecnych, ale także dać charakterystykę psychologiczną wielu z nich. Wśród nich były takie znane postacie jak S.yu. Witte, K.P. Zwycięski, str. Semenov Tian-Shansky. Malozameten na zdjęciu, ale Nicholas II był bardzo subtelny.
Wasily Ivanovich Surikov (1848-1916) urodził się w Krasnojarska, w rodzinie Kozaku. Kwitnących jego kreatywności spada na lata 80., kiedy stworzył trzy najsłynniejsze obrazy historyczne: "Rano Strelleskaya Execution", "Menshikov w Berezovie" i "Boar Morozov".
Surikov wiedział dobrze i moralność przeszłych epok, wiedział, jak dać jasne cechy psychologiczne. Ponadto był wspaniałym kolorem (mistrz kolorowy). Wystarczy zapamiętać olśniewające świeże, musujące śnieg w obrazie "boar Morozova". Jeśli podróżujesz na płótno, śnieg jest "rozproszony" na niebiesko, niebieskie, różowe uderzenia. To malownicze powitanie, gdy dwie trzy różne rozmazy scalają i dają odpowiedni kolor, francuskich impresjonistów są szeroko stosowane.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), syn kompozytora, napisał krajobrazy, płótno na tematy historyczne, pracował jako artysta teatralny. Ale chwała przyniosła mu, przede wszystkim portrety.
W 1887 roku 22-letni Serov spoczywał w Abramtekwie, region Moskwy w miejscowości Metsnate S. I. Montova. Wśród jego licznych dzieci młodych artysta był jego człowiekiem, uczestnikiem ich hałaśliwych gier. Pewnego dnia po kolacji w jadalni, dwa - Serow i 12-letnie usunięto Ukochane przez 12-letnią. Siedzieli przy stole, na którym pozostały brzoskwinie, a umiłowany za zauważono za rozmowę, jak artyści zaczął rzucać portret. Praca została rozciągnięta przez miesiąc, a ukochany był zły, że Anton (tak przytulnie nazywa Serowa) sprawia, że \u200b\u200bsiedzi w jadalni na wiele godzin.
Na początku września zakończono "dziewczyna z brzoskwiniami". Pomimo krótkiego czasu obraz napisany w różowym złotym kolorach wydawał się bardzo "przestronny". Miał dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która usiadła przy stole, ponieważ była na minutę i która zatrzymała wzrok na audytorze, został zablokowany jasnością i duchowością. Tak, a wszystkie płótno były postrzeganie odkulitych dzieci w codziennym życiu, kiedy szczęście nie jest świadome siebie, a przyszłość jest całym życiem.
Mieszkańcy domu Abramtsevsky, oczywiście zrozumieli, że cud dzieje się w ich oczach. Ale tylko czas daje ostateczne szacunki. Umieścił "Dziewczyna z brzoskwiniami" w wielu najlepszych pracach portretowych w malarstwie rosyjskim i światowym.
W przyszłym roku Serov zdołał prawie powtarzać jego magię. Napisał portret swojej siostry Maryi Simonowicz ("Dziewczyna oświetlona przez słońce"). Nazwa została naprawiona nie, niewiele niedokładna: Dziewczyna siedzi w cieniu, a promienie porannego słońca oświetlały polanie na drugim planie. Ale na zdjęciu wszystko jest tak wylewone, więc jeden - rano, słońce, lato, młodzież i piękno, - że najlepsze imię jest trudne do pojawienia się.
Serov stał się modnym portretem. Słynni pisarze, artystów, artystów, przedsiębiorcy, arystokraci, nawet królowie pozowali go przed nim. Najwyraźniej, nie do nikogo, kto napisał, miał duszę. Niektóre wspaniałe portrety, z techniką egzekucji filigranowej, okazały się zimne.
Od kilku lat Serov nauczał w Moskwie Malarstwa, rzeźby i architektury. Był wymagającym nauczycielem. Przeciwnik zamarzniętej formy malarstwa, Serowa, w tym samym czasie, wierzył, że kreatywne wyszukiwania powinny opierać się na stałym posiadaniu sprzętu rysunku i malowniczej litery. Wielu wybitnych mistrzów uważało się za studentów Serowa. To jest M.S. Sarian, K.f. Jun, p.v. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Wiele obrazów repin, surikova, Levitan, Serowa, "Mobile" wpadł na spotkanie Tretyakowa. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), przedstawiciel starożytnego rodzaju Moskiewskiego Zakupnika, był niezwykłą osobą. Cienki i wysoki, z lotnym brodą i cichym głosem, spojrzał bardziej na święty niż na sprzedawcy. Zbierz zdjęcia rosyjskich artystów rozpoczęło się od 1856 r. Hobby wzrosło w główny przypadek życia. Na początku lat 90-tych. Spotkanie dotarło do poziomu muzeum, absorbując prawie cały stan kolekcjonera. Później przeszedł do własności Moskwy. Galeria TryTEKOV stała się słynnym muzeum malarstwa rosyjskiego, grafiki i rzeźb.
W 1898 roku w Petersburgu, Muzeum Rosyjskie zostało otwarte w Petersburgu, w pałacu Michailovsk (stworzenie K Rossi). Został wykonany przez dzieła rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuki i Niektóre Pałace Cesarskie. Odkrycie tych dwóch muzeów zostało ukoronowane osiągnięciami rosyjskim malarstwa XIX wieku.

W epoce zarządu Aleksandra 1 rosyjska sztuka osiągnęła wysoki poziom sztuki, rosyjska architektura osiągnęła szczyt. W tym czasie w St. Petersburgu zbudowano znaczącą część wybitnych struktur architektonicznych, co było zabytkami rosyjskiej architektury klasycyzmu. Jest to katedra Kazańska, budynek Instytutu Górnictwa (Arh.a.voronichin), Pałac Mikhailovsky, Texandrinsky Theatre (Arch. K. Rosja), budynek wymiany (łuk. JF Tom de Tonon), admiralicji ( Arch. Andrei Zakharov), Katedra Trójcy, Katedra Preobrazhensky (Arch. V. Stasov).

Po zwycięstwie Rosji w wojnie 1712 rozwija się w Rosji styl Ampire., Opracowany na podstawie "Klasycyzm Aleksandrovsky". Dekoracyjne elementy ambicji St. Petersburg składały się z elementów starożytnego rzymskiego sprzętu wojskowego (według tradycji z francuskim ampirą). Były to legionnaires z orłów, wiązki kopii, osi, wzmacniaczy strzałek, obrazy tarczy, elementy sztuki egipskiej były również używane: Egipski ornament, obrazy sfinksowe. Dla rosyjskiej ampury, bladożółty kolor budynków i biały kolor kolumn, frontones, pilastry i inne są szczegółami wystroju architektonicznego (kolor amp napoleońskim - czerwony, niebieski biały ze złotem). Wiodący architekt, wyrażający idee rosyjskiej Ampury Karl Rossi.Zbudował 12 ulic i 13 kwadratów w centrum Petersburga. Stworzenie K. Rossi: Pałac Pałac, Michailovsky Palace z rozległym parkiem i usługami, Texandrinsky Theatre. Rossi mistrzownie łączył formy architektoniczne z rzeźbiarską i malowniczą dekoracją na zewnątrz i wewnątrz. Zaprojektował miejsce i charakter ulgi, obrazów, posągów, draperii, mebli. Wystrój we wnętrzu był posłuszny taką samą zasadę jak projekt na świeżym powietrzu. Jedną z najlepszych próbek wnętrza cesarskiego jest Biała sala pałacu Mikhailovsky. Spokojna biała ścian i kolumn jest zacieniona przez złocenie okapy i stolic Korynckimi. Nad drzwiami - płaskorzeźby z funkcjami wczasowiczów Vakhanok, wieńców, girlandów i innych atrybutów zidłujących. Obraz sufitu i górnej części ścian łączy wielokolorowe malarstwo, złote wzory i Griezail (Monofonic Malarstwo). Złoty ton parkiet i drzwi harmonizuje z niebieską tapicerką pozłacanych mebli. Wnętrze uzupełniają wysokie naczynia w postaci kolumn, żyrandoli, kandelabrów, świeczników wykonanych z brązu, kamienia i kryształu. Z całą różnorodnością wykończenie wnętrza charakteryzuje się poczuciem środka, ogólnie, charakterystyczne dla ampryntu.

W pierwszych latach panowania cesarza Nicholasa 1. działalność K. Rosji, V. Stasova kontynuowała. "Nikolaev Ampir" Stał się ostatnią fazą rozwoju klasycyzmu w architekturze rosyjskiej. Wizualne zrozumienie architektury tego okresu daje budynki placu św. Izaaka w Petersburgu. Katedra Saint Isaac Wzniesiony przez projekt architekta Augusta Montferana. Ogromny, prostokątny budynek, po czterech stronach, jest ozdobiony tym samym multiscount portykiem z ciężkimi frontonami ozdobionymi palnikami. Nad katedrą na wysokości 101 m. Złacona kopuła zawiesza się, bęben jest otoczony kolumnadą, koronowaną balustradą z posągami. W wnętrzu katedry, rzeźby, mozaiki, malarstwa (wykonane przez malarzy akademickiego klasycyzmu K. Bryrylov, F. Buni, P. Basin) odgrywać główną rolę.

Obraz Pierwsza połowa XIX wieku Przedstawiony przez różne kierunki: powstał klasycyzm, romantyzm.

Rosyjski romantyzm nie był tak potężnym ruchem artystycznym, co we Francji i Niemczech. Nie ma ekstremalnego podniecenia, nie ma tragicznej beznadziejności.

W gatunku portretu romantyzm przejawił się w pracach Keese Cymensky, Wasilia Tropinin.

O. Kiprensky ukończył Petersburg Akademii Malowania w klasie historycznego obrazu. Młode lata obraca się w kręgu wolnej skarbowej inteligencji. Wiedział, że poeci-romanticov Batyushkova, Vyazemsky, stawił V. Yukovsky, a później A. Puszkin. W portRuight Cyprossky starał się otworzyć różne skraj ludzkiej postaci i duchowego świata człowieka. W tym celu używa za każdym razem różne malownicze techniki. Od klasycyzmu Cyprinsky podejmuje idealizację obrazu, ale ma na celu pokazanie romantycznego lotu duszy. Najbardziej znaczącą pracą należy do szeregu portretów uczestników wojskowych 1812. (E. Davodova, I. i A.LANKY, etc.). Malarstwo Cyprijskie wyróżnia się swobodą artystyczną. W bezpłatnej postawie, patrząc na bok, patrząc niedbale na kamiennej płycie, stoi pułkownik LaBigicapo E.B. Davydov (1809, czas). Ten portret jest postrzegany jako zbiorowy obraz bohatera wojennego 1812, chociaż jest dość konkretny. Romantyczny nastrój jest wzmocniony obrazem krajobrazu piorunowego, na tle, którego przedstawiono rysunek. Kolorystyka jest zbudowana na karpie, wykonana w kolorach pełnej wytrzymałości - czerwony ze złotem i białym ze srebrem w ubraniach Gusar - i na kontraście tych kolorów z ciemnymi tonami krajobrazu. Arcydzieło KIPRENSKY jest "Portret Puszkina" (1827). Prawdziwy wygląd poety i oświetlony inspiracją. Poeta napisał o tym: "Widzę siebie jak w lustrze, ale to lustro mnie flatters". W portrecie Cyprinsky stworzył zbiorowy obraz. Cyprosan stał się założycielem rosyjskiego portretu ołówka.

Romantyczni artyści obejmują wasilię tropinin (o 45 lat, uwolnione od serfdom). Mieszkał długimi owocnymi życiem, otrzymał całe życie, tytuł akademika stał się najbardziej znanym artystą Szkoły Portretowej Moskwy 20s i 30s. W portretach pędzla Tropinin nie ma romantycznego podmuchu Cyprosenskiego. Najlepsze portrety Tropinin są oznaczone wysoką doskonałością artystyczną. Jest to szczególnie widoczne w portrecie Syna Arsenia, niezwykle szczery wizerunek, ożywienia i natychmiastowości podkreślają umiejętne oświetlenie: prawa strona figury, włosy są przeniknięte, wypełnione światłem słonecznym, umiejętnie przesyłany mistrzem . Kolory Gamma z Golden-Ochloous na Pink-Brown są niezwykle bogate, szerokie wykorzystanie leku wciąż przypomina malownicze tradycje XVIII wieku.

Z reguły obraz tropininy podaje się na neutralnym tle z minimalnym akcesoriami. W ten sposób przedstawiono Tropinin A.S. Puszkin (1827) - Siedząc przy stole w wolnej pozie, ubrana w strój domowy, który podkreśla naturalność wyglądu. W obrazach tropikalnych, szczerość wyrażenia, prostoty, bezczynności, prawdziwości znaków, dokładność szczegółów gospodarstwa domowego. Tropinin stał się twórcą malarstwa portretowego, czyli portret, w którym przynoszono cechy gatunku. "Licker", "Ręka", "Gitarzysta", "Gold School" są typowani obrazami z określoną działką. Artysta przekazuje wewnętrzny świat swoich bohaterów.

Romantyczny krajobraz został przedstawiony na hojnej scenerii Sylvester. Mieszkał za granicę po Akademii Sztuk, napisał port w SertroTo, Naberezhnye G.napol, różne rodzaje Rzymu. Wszyscy artysta przesyła w złożonej interakcji medium lekkiego, wykorzystuje srebrno-szare odcienie z ciosami czerwieni (w zardzewiałych liściach jesieni, w ubraniach itp.) Jego obrazy: "Shore in Sorrento z widokiem na . Capri "," widok na Neapol na noc księżycowej ".

Romantyzm w malarstwie krajobrazowym jest jaśniejszy z dziełem Alexey Venetianova (student Borovikovsky). W jego obrazach przedstawiono spokojne życie chłopskie: "na Pashne. Wiosna "," na zbiorze. Lato "," Rano krajowni "," Kosk ". Venetcianow minęło poezję życia ludzi, jest to romantyczny urok jego obrazów. Venetianov nie ujawnił najbardziej ostrych sprzeczności współczesnego życia rosyjskiego chłopa, nie podniosła "chorobowości" nowoczesności. Jest to patriarchalne życie idylliczne. Zdjęcia "Nic się nie dzieje", bohaterowie są statyczne, ale osoba jest zawsze w jedności z naturą, w wiecznej pracy, i sprawia, że \u200b\u200bobrazy Venetsian są prawdziwie monumentalne.

Rosyjski obraz historyczny z lat 30. i XIX wieku opracował również pod znakiem romantyzmu. Karl Bulllov był artystą, który znalazł kompromis między ideałami klasycyzmu i innowacji romantyzmu. Po Akademii Sztuki mieszkałem we Włoszech, po podróży w Pompei, działa na swojej głównej pracy "Ostatni dzień Pompeje" (1830-1833). Pokazał prawdziwe wydarzenie starożytnej historii - śmierci miasta podczas erupcji wulkanu Wezuwiusza w 79g. OGŁOSZENIE (Tematy w klasycyzmie są zawsze historyczne). Temat śmierci jest charakterystyczny dla romantyzmu, nawet w śmierci, osoba pozostaje piękna: Młody człowiek ratuje jego umiłowany, matka obejmuje dziecko, artysta bierze farby, ale pozostawiając zniszczone miasto, próbując uchwycić straszny widok. Artysta pokazał wielkość i godność osoby w obliczu śmierci. Malownicze oświetlenie wykonane z romantycznymi efektami.

Aleksander Ivanov był centralną postacią na obrazie połowy wieku. Po Akademii Sztuki mieszkałem we Włoszech, 1,5 miesiąca przed śmiercią wraca do ojczyzny. Głównym zdjęciem jest "fenomen Chrystusa do ludzi". Ivanov poszedł przez długi czas na tę pracę. Wierzył w ideę proroczej celu artysty na tym świecie, wierzył w poprawę osoby szukającej wolności i prawdy. Pokazał duchowe wrażenie ludzi, którzy widzieli Jezusa, tak wyraziła pomysł moralnej uprawy ludzkości. Przynależność tego zdjęcia do romantyzmu jest kwestionowana: nie ma dramatycznej fabuły, dynamiki działania, nie ma skutków biegów, skutków kolorów i lekkich. Jednocześnie idea i wspólny pomysł jest niewątpliwie romantyczny: wezwanie Jana Chrzciciela i głoszenie I. Chhrist powinien obudzić się z "stuletni ciszę" ludu Judei.

Rzeźba.

W 1838 r. P.K. Klodt otrzymał tytuł akademicy i wyznaczonej rzeźby profesora Akademii Sztuki.

Peter Klodt jest wybitnym rzeźbiarzem, tworząc rzeźbiarską grupę koni. Dekorują most Anichkov z Petersburgiem, dużym teatrem (Quadriga z Apollo na Frontonone Teatr). Uroczyste otwarcie mostu z rzeźbą Klodt odbyło się 20 listopada 1841 r. Z dużym propeloncją podziwiania publiczności.

Na pierwszym z tych dzieł, koń wstał na duszach, był podekscytowany, nozdrza zostały nadęte, próbuje uciec, ale młody człowiek wspiął go i zakrył jego popier. Po drugie, koń wciąż pozostaje podekscytowany, ale był posłuszny przez osobę, młody człowiek prowadzi go obok niego - energiczne, sanki i zakryte przez Poporn. P.K. Kołodt uczestniczył w dekoracji wnętrz katedry św. Izaaka (wąwóz Chrystusa Glava). Jest autorem pomnika I.A. Krylov w letnim ogrodzie w Petersburgu, posągi Vladimir Saint w Kijowie. Ostatnim z jego wielkich prac jest pomnik jego patrona, cesarza Nicholasa I, Petersburga.