Zachodnia europejska kultura muzyczna renesansu. Raport: Muzyka renesansu

Wyślij dobrą pracę w bazie wiedzy jest proste. Użyj poniższego formularza

Studenci, studiach studentów, młodych naukowców, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich badaniach i pracach, będą ci bardzo wdzięczni.

Wysłany na stronie http://www.allbest.ru/

Wprowadzenie

1.2 Francja.

1.3 Włochy

1.3.2 Szkoła Wenecka

1.4 Anglia.

1.5 Niemcy.

1.6 Hiszpania

2. Estetyka muzyczna.

2.4 Mesetzinger i ich sztuka

Wniosek

Bibliografia

Wprowadzenie

Renesans lub renesans (ks. Renaissance), - punkt zwrotny w historii kultury narodów europejskich. Określenie światopoglądu renesansowego, w przeciwieństwie do średniowiecznego theokentristu (koncepcja filozoficzna, która opiera się na zrozumieniu Boga, jako absolutna, doskonała, najwyższa istota, źródła życia i wszelkich dobrych) i ascealiza, stał się humanizmem ( Od Lat. Humanus - "Human", "Humano"). Poszczególna wartość osoby ludzkiej została nominowana na pierwszy, zainteresowanie świadomością otaczającego światu i realistyczne odzwierciedlenie rzeczywistości. Ideał harmonijnych humanistów ludzi poszukuje starożytności, a starożytna sztuka grecka i rzymska służyła jako model kreatywności artystycznej. Pragnienie "ożywić" starożytnej kultury i wyraziło imię tej epoki, okres między średniowiecznym a nowym czasem (od połowy XVII wieku do obecnego dnia).

Pierwsza połowa XV wieku charakteryzuje się początkiem odrodzenia w muzyce. W tym czasie powstają renesansowy ideał harmonii i piękna, normy tzw. Styl ścisłego stylu. W przeciwieństwie do innych rodzajów sztuki, główne ideały i kryteria muzyki odrodzonej nie były ideałami starożytności, jako muzyczne zapisy starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu XIII-XVI wieku. nie zostały jeszcze w pełni rozszyfrowane i analizowane. Dlatego najczęściej podstawy utworów muzycznych tej epoki były poetyckie, literackie dzieła starożytności. Tak więc na przykład do końca XVI wieku. Opera działa zawarły kanony starożytności. W muzyce, jak w innych rodzajach sztuki, trend w kierunku wizerunku różnorodności świata rośnie, a idea różnorodności łączy się z pragnieniem harmonii i proporcjonalności wszystkich elementów całości. Istnieje przemyślenie statusu społecznego muzyki - pojawia się demokratyczna publiczność, amatorska muzyka jest szeroko stosowana - wykonanie sztuk jest nie tylko znanych kompozytorów, ale także osobisty esej. W ten sposób było w epoce odrodzenia, że \u200b\u200bwarunki wstępne dla hodowli domowej i zawodowej świeckiej kreatywności muzycznej, która nosiła naturę afirmacji życia, radości życia, humanizmu i jasnych obrazów.

Jednocześnie istniały zmiany w liście muzycznym: Włoski mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny metal mobilny miał zamiar wymienić ciężkie drewniane bloki drukowane. Opublikowane prace muzyczne szybko kupiło, coraz więcej osób zaczęło dołączyć do muzyki.

Prace muzyczne tego okresu wyróżniały się dużą częścią, piosenką, która była nieodłączna w muzyce ludowej; Pisaną pewną liczbę piosenek zostało napisane w rodzimym, a nie w języku łacińskim.

Głównymi cechami muzyki były melodowanie i pewny rytm, który różnił się większą elastycznością, wyrażeniem, a nie w ery średniowiecza. Pojawienie się polifonii wyjaśniono przede wszystkim faktem, że muzyk, kompozytor, wykonawca, piosenkarz miał muzyczny swobodę działania, wyraził swoją duszę w piosenkach, emocjonalnej postawie, prawo do interpretowania, wymyślił ich odmiany zgodnie z uczuciami i stan wewnętrzny.

Ważne w tej epoce miało przydział i zatwierdzenie głównej Lady (lżejsze, radosne, zwane w porównaniu do drobnych, smutnych, smutnych, smutnych), zwłaszcza w XV-XVI stuleci.

Specjalny rozwój otrzymał piosenkę pod akompaniamentem Lutni lub wykonywalnego wielopoziomowego.

W epoce renesansu opracowano rozwój muzyki instrumentalnej. Często łączyły różne narzędzia w jednym temacie. W tym samym czasie, formy taneczne i melodie zostały zachowane i poprawione, które były zjednoczone w apartamencie. Pierwsze prace instrumentalne, które zawierają niezależny charakter, odmiany, Preludes, pojawiły się fantazje.

Jak również architektura, rzeźba, malarstwo, sztuka muzyczna renesansu wyróżniała się świeckim charakterem, a do XIV-XVI wieku. Odnosi się do tworzenia krajowych szkół muzycznych.

1. Kultura muzyczna renesansu

Renaissance Art Culture jest osobistym początkiem ze wsparciem dla nauki. Niezwykle złożona umiejętność polifonistów XV-XVI, ich technika wirtuozowa dostała się wraz z jasną sztuką tańców gospodarstw domowych, wyrafinowanie świeckich gatunków. Zwiększenie ekspresji w pracach uzyskuje się przez dramat liryczny. Ponadto są jaśniejsze niż osobowość autora, kreatywna indywidualność artysty (jest to charakterystyczne nie tylko dla sztuki muzycznej), co pozwala nam mówić o humanizacji jako wiodącej zasady sztuki renesansowej. W tym samym czasie, muzyka kościelna, reprezentowana przez takie duże gatunki, jako masę i motet, nadal jest "gotyckim" linią w dziedzinie odrodzenia, skierowane przede wszystkim, aby odtworzyć już istniejący kanon i przez niego gloryfikacja boski.

Przez XV wieku, tzw. Polifonię "ścisłą literę", zasady (normy głosowania, formacji, etc.) odnotowano w traktach teoretycznych w tym czasie i były niezmiennym prawem tworzenia muzyki kościelnej. Kompozytorzy skomponowali swoje stanowiska za pomocą pożyczonych melodii jako głównego tematu (Gregorian Chóror i inne źródła kanoniczne, a także muzykę domową ludzi) - tzw. Cantus Firmus, przy jednoczesnym podaniu ogromnej wagi do techniki liter polifonicznych, złożonych, czasami wyrafinowany kontrapunkt. Jednocześnie istniał ciągły proces aktualizacji i przezwyciężenia ustalonych norm, w związku z którym gatunki świeckie są stopniowo ważniejsze.

Tak więc, jak widać, że okres renesansu jest trudny okres w historii rozwoju sztuki muzycznej, dlatego wydaje się rozsądne, aby wziąć pod uwagę go bardziej szczegółowo, płacąc z należytej uwagi na poszczególne osoby i kraje.

1,1 Holandia Szkoła Polifonowa

Holandia - region historyczny w północno-zachodniej Europie (ich terytorium obejmował obecną północno-wschodniej Francji, południowo-zachodnie Holandia, Belgia, Luksemburg). Do XV wieku Holandia osiągnęła wysoki poziom gospodarczy i kulturowy i przekształcił się w prosperujący kraj europejski z szerszymi więzami handlowymi. Intensywność rozwoju gospodarczego kraju była spowodowana rozkwitem nauki, kultury, sztuki w Holandii. Wraz ze wspaniałymi osiągnięciami malarstwa muzyka osiągnęła ogromny sukces. Profesjonalna kreatywność kompozytora w Holandii opracowana w ścisłym połączeniu z folklorem, który miał długoletnią, bogate tradycje. Było tutaj, że powstała Holandia Szkoła Polifonowa - jedna z największych zjawisk muzyki odrodzonej. Początki polifonii Holenderskiej można znaleźć w waszych angielskich, francuskich, niemieckich i włoskich. Jednocześnie Holandia podsumowała doświadczenie wielu szkół narodowych i stworzył oryginalny styl polifoniczny wokal-chóralny, który stał się ważnym etapem rozwoju ścisłego listu. Wymyślono również imitację - powtórzenie melodii w niektórych głosach bezpośrednio po innym głosie. (Później, w czasie Bacha imitacja będzie podstawą podstawy najwyższej formy polifonii.) Niderlandy same mistrzownie wykorzystał naśladowanie na kanonach o 15-16 stuleciach. W sztuce stworzenia takich kanonów Holenders Virtuosos pokazał wiele pomysłowości i fikcji technicznej. Kompozytor wpisany w Uwagi: "Kriki bez zaprzestania". Oznaczało to, że granie można wykonać, pomijając wszystkie przerwy. "Włącz noc noc" - Wykonawcy powinni odgadnąć, że czarne notatki można odczytać jako biały i odwrotnie. Gra będzie brzmiała równie dobrze w normalnym rekordzie iw przekształconym. Kompozytor Okhem skomponowany 36-głosowy kanon - muzyczny wieżowiec z czterech dziewięciobronowych kanonów.

Wybitny przedstawiciel i jeden z rodezchalterów w szkole Holandii - GUIDE DUFAY (1400-1474) (DUFAY) (około 1400 - 11/27/1474), Franco Flamandzki kompozytor. To był ten, który położył fundamenty tradycji polifonicznej w muzyce Holenderskiej (około 1400 - 1474). Guillaume Dufai urodził się w mieście Cambra w Flandrii (prowincja na południu Holandii) i już śpiewała w chórze kościelnym z małych lat. Równolegle przyszły muzyk wziął prywatne lekcje składu. W młodym wieku Dufai poszedł do Włoch, gdzie napisał pierwsze eseje - ballady i motory. W 1428-1437. Służył jako piosenkarz w papieskiej kaplicy w Rzymie; Jednocześnie podróżowali we Włoszech i Francji. W 1437 r. Kompozytor zaakceptował Duchowy San. Na dziedzińcu księcia Savoy (1437-1439) skomponował muzykę do uroczystych ceremonii i wakacji. Dufai cieszył się wielkim szacunkiem dla osób szlachetnych - wśród jego wielbicieli było na przykład Cheta Medici (władca włoskiego miasta Florencji). Od 1445 Kanonik i szefem muzycznej aktywności katedry w Cambry. Mistrz duchowych (masy 3-, 4-głosowe, motory), a także świeckie

(3-, 4-głosowy francuski Chanson, włoskie piosenki, Ballads, Rondo) Gatunki związane z popularną polifonią i humanistyczną kulturą ożywienia. Sztuka Dufai, która wchłaniała osiągnięcia europejskiej sztuki muzycznej, miała wielki wpływ na dalszy rozwój europejskiej muzyki polifonicznej. Było też reformator listu muzycznego (Dufai przypisywane wprowadzeniem notatek z białymi głowami). Kompletne zebrane dzieła Dufai opublikowane w Rzymie (6 tt., 1951-66). Dufai najpierw wśród kompozytorów zaczęła komponować mszy jako całą kompozycję muzyczną. Aby utworzyć muzykę kościelną, niezbędny talent jest wymagany: umiejętność z specyficznym, materiałem oznacza wyrażenie rozproszonych, niematerialnych pojęć. Trudnością jest to, że taki esej, z jednej strony, nie pozostawił obojętnych słuchaczy, az drugiej strony nie odwrócił uwagi od kultu, pomogły skupić się na modlitwie. Wiele masy duzy jest inspirowane, pełne życia wewnętrznego; Wydaje się, że pomagają MIG otworzyć welon boskiego objawienia.

Często tworząc masę, Dufai wziął dobrze znaną melodię, do której dodał własną. Takie pożyczki są charakterystyczne dla renesansu. Bardzo ważne uznano, że masa opierała się na znanej melodii, która może być łatwo rozpoznawana nawet w pracy polifonicznej. Często używały fragmentu gregoriańskiego intonowania; Prace świeckie nie zostały wykluczone. Oprócz muzyki kościelnej, Dufai skomponowane motory do świeckich tekstów. W nich zastosował również złożoną technikę polifoniczną.

Przedstawiciel Holandii Szkoły Polifonowej drugiej połowy XV wieku. Nastąpiła goskowana rosa (około 1440-1521 lub 1524), która miała wielki wpływ na pracę kompozytorów nowej generacji. W młodości służył śpiewakom kościelnym w Cambray, wziął lekcje muzyczne z Okemem. W wieku dwudziestu lat młodzi muzyk przybył do Włoch, śpiewał w Mediolanie na książkach Sforza i w papieskiej kaplicy w Rzymie. We Włoszech depe, prawdopodobnie zaczęła komponować muzykę. Na samym początku XVI wieku. Przeniósł się do Paryża. W tym czasie Delera był już znany i został zaproszony na stanowisko muzyka sądowego Król Francuski Louis XII. Od 1503 roku Delena ponownie osiedliła się we Włoszech, w mieście Ferrara, z Sądem Duke

d "Este Gatunek włoskiej piosenki ludowej - Frottol (it. Frottola, z frotta - "tłum"), dla którego scharakteryzuje się rytm tańca i szybki schematy. W muzyce kościelnej rosa przywiozła cechy dzieł świeckich: świeżych, żywych intonacji naruszonych ścisłych rozszerzenie i spowodowało uczucie radości i kompletności bycia. Jednak poczucie miary Kompozytor nigdy się nie zmienił. Technika polifoniczna głębokość nie wyróżnia się wyrafinowaniem. Jego prace są elegancko proste, ale czują potężny intelekt autora. jest tajemnicą popularności jego kreacji.

Junior Contemporaries Gioma Dufai były Johannes (Jean) wyszedł (około 1425-1497) i Jacob Obrecht. Jak Dufai, poszedł od Flandrii. Całe jego życie pracowało pilnie; Oprócz pisania muzyki, wykonywane obowiązki głowy kaplicy. Kompozytor stworzył piętnaście brud, trzynaście motzów, ponad dwadzieścia Chanson. W przypadku dzieł Okemem charakteryzujemy się rygorem, koncentracją, długotrwałym wdrażaniem gładkich linii melodycznych. Płacił dużą uwagę na technikę polifoniczną, szukał wszystkich części masy postrzeganej jako całość. Kreatywne pisanie kompozytora jest odgadnięte w jego piosenkach - są prawie pozbawione świeckiej lekkości, bardziej jak motory, a czasem fragmenty Messe. Johannes Okhevyz użył honorowych zarówno w swojej ojczyźnie, jak i za granicą (został mianowany doradcą króla Francji). Jacob Orecht śpiewał w katedrach różnych miast Holandii, nadzorowanych kaplicach; Kilka lat serwowane w Sądu Duke D "Este w Ferréré (Włochy). Jest autorem dwadzieścia pięciu Mez, dwadzieścia motet, trzydziestu Chansona. Korzystając z osiągnięć poprzedników, Obrecht zrobił wiele nowych w tradycji polifonicznej . Jego muzyka jest pełna kontrastów, odważnych, nawet gdy kompozytor przyciąga do tradycyjnych gatunków kościelnych.

Wielofunkcyjna i głębokość kreatywności Orlando Lasso. Wypełnia historię Holandii Renaissance Orlando Lasso (prawdziwe imię i nazwisko Roland de Lasso, około 1532-1594), zwane współczesnym "Belgian Oreit" i "Prince of Music". Lasso urodził się w mieście Mons (Flandria). Od ornamentu śpiewał w chórze kościoła, uderzając w parafian, wspaniały głos. Gonzaga, księcia włoskiego miasta Mantua, przypadkowo słysząc młodego piosenkarza, zaprosiła go do własnej kaplicy. Po tym, jak Mantua Lasso pracował przez krótki czas w Neapolu, a następnie przeniósł się do Rzymu - tam otrzymał miejsce głowy kaplicy jednego z katedr. Do dwudziestu pięciu lat Lasso był już znany jako kompozytor, a jego pisma były pożądane na notoizders. W 1555 roku pojawiły się pierwsza kolekcja prac zawierających motory, Madrigals i Chanson. Lasso studiował wszystkiego najlepszego, który został stworzony przez jego poprzedników (holenderscy, francuskich, niemieckich i włoskich kompozytorów) i wykorzystali swoje doświadczenie w swojej pracy. Bycie niezwykłą osobowością, Lasso starał się przezwyciężyć rozproszony charakter muzyki kościelnej, daj jej indywidualność. W tym celu kompozytor czasami stosował motywy gatunkowe (motywy piosenek ludowych, tańców), dlatego przybliżony kościół i świeckie tradycje. Złożoność technik polifonicznych była połączona z lasso z wielką emocjonalnością. Szczególnie był w stanie Madrigalls, w tekstach, z których stan psychiczny osób działających, na przykład łzy św. Piotra "(1593) na wierszy włoskiej poety Luigi Transillo. Kompozytor często napisał na duży Liczba głosów (pięć do siedmiu), więc jego prace są trudne do wykonania. Od 1556 r. Orlando Lasso mieszkał w Monachium (Niemcy), gdzie kierował kaplicą. Pod koniec jego życia, jego autorytet w kółkach muzycznych i artystycznych Bardzo wysoka, a chwała rozprzestrzeniła się w całej Europie.

Szkoła Polyfoniczna Holenderska miała ogromny wpływ na rozwój muzycznej kultury Europy. Zasady polifonii opracowanych przez holenderskich kompozytorów stały się uniwersalne, a wiele technik artystycznych stosowanych kompozytorów w ich pracach już XX wieku.

1.2 Francja.

W Francji XV-XVI wieku stała się erą ważnych zmian: stulecie wojny (1337-1453) z Anglią, do końca XV wieku. Unia państwowa została zakończona; W XVI wieku kraj przetrwał wojny religijne między katolikami a protestantami. W silnym stanie z bezwzględną monarchią rola obchodów sądowych i festiwale ludowe wzrosły. Przyczyniło się to do rozwoju sztuki, w szczególności muzyki, wraz z takimi działaniami. Liczba zespołów wokalnych i instrumentalnych (kaplica i konsorcjs), składała się ze znacznej liczby wykonawców. Podczas wycieczek wojskowych do Włoch Francuzi zapoznał się z osiągnięciami kultury włoskiej. Głęboko odczuwali i postrzegali idee włoskiego ożywienia - humanizmu, pragnienie harmonii ze światem, aby cieszyć się życiem.

Jeśli we Włoszech renesans muzyczny był związany głównie z Mesią, a następnie francuskich kompozytorów, wraz z muzyką kościelną, zwróciła szczególną uwagę na świecką piosenkę polifoniczną - Chanson. Zainteresowanie ją we Francji pojawiły się w pierwszej połowie XVI wieku, kiedy zbiór zbiór muzycznych miejsc Clerder Zaequen (około 1485-1558). To jest ten kompozytor, który jest uważany za jednego z twórców gatunku.

Jako dziecko, Zainen śpiewał w chórze kościoła w mieście czatowo (Central France). W przyszłości, według historyków muzyki, studiował w Mistrzu Holandii Zoshen Rosa lub od kompozytora ze swojego otoczenia. Po otrzymaniu księdza San, Zainen pracował jako Regent (szef chór) i organista; Potem został zaproszony do księcia Giz. W 1555 r. Muzyk stał się piosenkarzem Kaplicy Królewskiej, aw 1556-1557. - Kompozytor sądu królewskiego.

Clemen Zanecen stworzył dwieście osiemdziesiąt Chanson (opublikowany między 1530 a 1572); Napisał muzykę kościelną - masę, motetyczki, psalmy. Jego piosenki były często graficznym charakterem. Przed przemyślanym spojrzeniem słuchacza, obrazy bitwy ("Battle of Marignano", "Bitwa o Marignano"), sceny polowania ("polowanie"), obrazy natury ("Bird Singing", "Nightingale"), sceny domowe ("Piłki damskie"). Uderzająco jasny kompozytor zdołał przekazać atmosferę codziennego życia Paryża w Chanson "Creek Paris": Wykonał tekst sprzedawców sprzedających. Jednoznaczny prawie nie wykorzystał długich i gładkich tematów do indywidualnych głosów i skomplikowanych technik polifonicznych, dając preferencje do rolowania połączeń, powtarzania, rozdzielczości dźwiękowej.

Innym kierunkiem muzyki francuskiej wiąże się z ogólnoeuropejskim ruchem reformacji. W służbach kościelnych francuskich protestantów (Hugenotes) odmówił łacińskiej i polifonii. Muzyka duchowa nabyła bardziej otwarta, demokratyczna postać. Jednym z jasnych przedstawicieli tej muzycznej tradycji był Claude Gudmel (między 1514 a 1520-1572) - autor psalmów na tekstach biblijnych i protestanckich choromach.

Jednym z głównych gatunków muzyki francuskiej renesans jest Chanson (fr. Chanson - "Song"). Początki tego - w sztuce ludowej (rymowane wiersze epickich opowieści przesuniętych na muzykę), w dziedzinie średniowiecznych pipelistów i rur. W związku z treścią i nastrojem, Chanson może być najbardziej zróżnicowany - były piosenki miłosne, gospodarstwo domowe, gorące, satyryczne itp. Jako teksty, kompozytorzy wziął wiersze ludowe, nowoczesna poezja.

1.3 Włochy

W przypadku wystąpienia renesansu we Włoszech należy rozłożyć musiązowanie gospodarstw domowych na różnych narzędziach; Były kubki miłośników muzyki. Nowe formy życia muzycznego i publicznego pojawiają się - akademie muzyczne i profesjonalne instytucje edukacyjne muzyki nowego typu - konserwatorium. W regionie zawodowym powstały dwie najsilniejsze szkoły: rzymski i wenecki.

W XVI wieku Notophet został wystawiony po raz pierwszy, w 1501 r., Weneckie szafka Ottaviano Petrucci Opublikowano Harmonice Muses OdheCaton - pierwsza główna kolekcja muzyki świeckiej. Była to rewolucja w rozpowszechnianiu muzyki, a także przyczyniła się do faktu, że styl franco-flamandzki stał się dominującym językiem muzycznym w Europie w następnym stuleciu, ponieważ przez włoski petruchci w swojej kolekcji, obejmował głównie muzykę Franco Flamandzkiego kompozytorzy. Następnie opublikował wiele prac i włoskich kompozytorów, zarówno świeckich, jak i duchowych.

Rola świeckich gatunków wzrosła w renesansowej epoku. W XIV wieku W muzyce włoskiej pojawiła się Madrygal (od lat Matrycale - "piosenka w jego ojczystym języku"). Opracowano na podstawie piosenek ludowych (ShepHent). Madrigal były piosenkami dla dwóch-trzech głosów, często bez wsparcia instrumentalnego. Madrigal dotarł do szczytu swojego rozwoju i stał się najpopularniejszym gatunkiem muzycznym Era. W przeciwieństwie do wcześniejszych i prostych Madrigalls, Tryteno, Renaissance Madrigals napisano na kilka (4-6) głosów, często byli cudzoziemcy, którzy służyli w sądowych rodzin Północnych. Madrigalistów starali się stworzyć wysokie sztuki, często stosując recyklingową poezję wielkich włoskich poetów pod koniec średniowiecza: Francesco Petrorski, Giovanni Boccaccio i innych. Brak ścisłych kanonów strukturalnych było charakterystyczne dla Madrygali, podstawową zasadą był wolny wyraz myśli i uczuć.

Kompozytorzy, takich jak przedstawiciel Szkoły Wenecji Cypriana De Rore oraz przedstawiciela Franco Flamian School Roland de Lassus (Orlando di Lasso) - podczas jego włoskiego kreatywnego życia, eksperymentowały ze wzrastającym chromatyzmu, harmonii, rytmu, tekstury i innych środków Ekspresyjność muzyczna. Ich doświadczenie będzie kontynuowane i doprowadzi do kulminacji w czasie częstku Mężczyzny Carlo Jesaldo. W XV wieku kompozytorzy prawie odwołali się do tego gatunku; Zainteresowanie go było ożywione tylko w XVI wieku. Charakterystyczną cechą Madrygali XVI wieku jest ścisłe połączenie muzyki i poezji. Muzyka elastycznie podążyła za tekst, odzwierciedlała zdarzenia opisane w źródle poetyckie. Z czasem były pewne symbole melodyczne, które oznaczały łagodne wzdycha, łzy itp. W dziełach niektórych kompozytorów symbolizmu były filozoficzne, na przykład, w Madryganu Jeserdo di Venoza "umieram, niefortunne" (1611). The Heyday z gatunku kont na odwróceniu XVI-XVII wieku. Czasami jednocześnie z wykonywaniem piosenki była rozgrywana przez jej działkę. Madrigal stał się podstawą komedii Madrigal (skład chóralny na tekście gry komedii), która przygotowała pojawienie się opery.

1.3.1 Szkoła rzymska polifoniczna

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Szefem szkoły rzymskiej była Giovanni Piertuliji da Palestrina - jeden z największych kompozytorów renesansu. Urodził się we włoskim mieście Palestrina, nazywając nazwisko. Od dzieciństwa, Palestrina śpiewała w chórze kościelnym, a przy osiągnięciu dojrzałego wieku został zaproszony na stanowisko Kapelmeister (szef chór) w katedrze św. Piotra w Rzymie; Później służył w kaplicy Sykstyńskich (Kaplica sądowa Papieża Romana).

Rzym, centrum katolickiego, przyciągnęło wielu wiodących muzyków. W różnych momentach Holandia mistrzowie polifonistów prowadzi tu Dufai i Zoshen Dre. Ich rozwinięty sprzęt kompozytorowy jest czasami zakłócany tekstem kultu: został zgubiony za wyrafinowanym splotem głosów i słów, w rzeczywistości nie słyszano. W związku z tym władze kościelne traktowały ostrożność takich prac i opowiadały się z powrotem z sateliny opartej na chantach Grigorii. Kwestia dopuszczalności polifonii w muzyce kościelnej została omówiona nawet na próbnej katolickiej katedrze Kościoła katolickiego (1545-1563). Podszedł do Papieża Romana, Palestrina przekonała figurki kościoła w możliwości tworzenia prac, gdzie sprzęt kompozytora nie uniemożliwiłby tekstu tekstu. W dowodzie, skomponował "Mass Papież Marcello" (1555), w którym złożona polifonia łączy się z jasnym i wyrazistym dźwiękiem każdego słowa. W ten sposób muzyk "Zapisał" profesjonalna muzyka polifoniczna z prześladowań władz kościelnych. W 1577 r. Kompozytor został zaproszony do omówienia reformy stopniowej - montażu świętych śpiewów Kościoła katolickiego. W latach 80. Palestrina zaakceptował Spiritual San, aw 1584 r. Wszedł do Towarzystwa Master Masters - Stowarzyszenie Muzyków, złożonych bezpośrednio do Papieża Romana.

Twórczość Palestriny jest nasycona lekkim globalizmem. Prace stworzone przez nich zostały trafione współczesne jako najwyższe umiejętności i ilość (ponad sto messen, trzysta motetek, sto madrigals). Złożoność muzyki nigdy nie podała przeszkody na jej postrzeganie. Kompozytor wiedział, jak znaleźć złotą pośredność między wyrafinowaniem kompozycji i dostępności ich dla słuchacza. Główne twórcze zadanie Palestriny widział w rozwijaniu całej wielkiej pracy. Każdy głos w swoich śpiewach rozwija się niezależnie, ale jednocześnie tworzy pojedynczą całość z resztą, a często głosy są w uderzającej kombinacji akordów. Często melodia górnego głosu, jakby padacej się nad resztą, przedstawiającą polifonię "kopuły"; Wszystkie głosy charakteryzują się gładkością i rozwojem.

Sztuka Giovanni da Palestrina Następna generacja muzycy uważali za przykładową, klasyczną. Wielu wybitnych kompozytorów XVIIXVIII wieku studiował na jego pismach.

1.3.2 Szkoła Wenecka

Innym kierunkiem muzyki renesansowej wiąże się z dziełem kompozytorów szkoły weneckiej, założyciela, którego Adrian Viller stał się (około 1485-1562). Jego studentami byli Organii i kompozytor Andrea Gabriel (między 1500 a 1520 r. - Po 1586 r.) Cyprian de papieża kompozytora (1515 lub 1516-1565) i innych muzyków. Jeśli prace Palestrina charakteryzują się jasnością i surową ograniczeniem, Vullartem i jego zwolennikami opracowali bujny styl chóralny. Aby osiągnąć dźwięk objętościowy, gra barwy, użyto w kompozycjach kilku chórów znajdujących się w różnych miejscach świątyni. Wykorzystanie rolek między chóru umożliwiło wypełnienie przestrzeni kościelnej z bezprecedensowymi efektami. Takie podejście odzwierciedlało humanistyczne ideały epoki jako całości - z jego radością, wolnością i rzeczywistą wenecką tradycją artystyczną - z jej pragnieniem całego jasnego i niezwykłego. W dziedzinie mistrzów weneckich język muzyczny był skomplikowany: był wypełniony śmiałymi kombinacjami akordów, nieoczekiwanych harmonii.

Jasną postacią Renaissance było Carlo Jeserdo di Venosa (około 1560-1613), Książę miasta Venose, jest jednym z największych mistrzów świeckich Madrigali. Nabył sławę jako patrona, wykonawca na małym, kompozytorze. Prince Jesaldo zaprzyjaźnili się z włoskim poeta Torquato Tasso; Najciekawsze litery pozostały, w których obaj artyści omawiają kwestie literatury, muzyki, sztuki wizualnej. Wiele wierszy Tasso Jeserdo di Venosa przesunęło się do muzyki - więc pojawiła się wiele wysoce artystycznych madrigałów. Jako przedstawiciel późnego renesansu kompozytor opracował nowy rodzaj Madrygali, gdzie poczucia były na pierwszym miejscu - gwałtowne i nieprzewidywalne. Dlatego charakteryzuje się objętościami objętości, intonacji, podobnych do westchnienia, a nawet szlochów, ostrych akordów na dźwięku, kontrastujące zmiany tempo. Techniki te dawały muzykę z ekspresyjnego, nieco fantazyjnej postaci, była zdumiona, a jednocześnie przyciągnęła współczesność. Dziedzictwo Jeserdo di Venoza jest siedem kolekcji wielopoziomowych Madrigal; Wśród esejów duchowych - "święte śpiewy". Jego muzyka i dziś nie pozostawia obojętnego słuchacza.

1.4 Anglia.

Życie kulturalne Anglii w renesansowej epoce było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku protestantyzm rozprzestrzenił się w kraju. Kościół katolicki stracił dominującą pozycję, Kościół Anglikański, który odmówił rozpoznania niektórych dogmatów (głównych przepisów) katolicyzmu; Większość klasztorów zatrzymała ich istnienie. Wydarzenia te wpłynęły na kulturę angielską, w tym muzykę.

Angielska sztuka muzyczna renesansowa ma doskonale stwierdziła sama w pierwszej połowie XV wieku, wpłaciła wyjątkową twórczą tożsamość Johna Dunstaybla, która wykonała najsilniejsze wrażenie na kontynencie. Praca Dunstallu jest ważnym powiązaniem między muzyką średniowiecza a renesansowym polifonem epoki. Generalnie przyjęta rola historyczna jego dzieł na rozwój polifonii w Europie Zachodniej była również z góry określona przez znaczną tradycję polifonii (założoną w średniowiecznej Anglii), odziedziczył i rozwinięty Dunstaibl. Oprócz niego, w XV wieku nazwy wielu angielskich kompozytorów, którzy stworzyli moty, części brudesa, czasami Chansons i Balladowie były znane. Niektórzy z nich pracowali na kontynencie, niektórzy z nich wszedł do Kapella księcia Burgundii. Ich Lionel Power jest własnością jednego z pierwszych w Anglii Messe - wraz z Mesa Dunstybla. Współcześnia były J. Bedingham, Las, J. Benet, R. Morton. W drugiej połowie XV wieku J. Banaster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. Większość z nich była śpiewaków w kaplicach i pisała dużo muzyki kościelnej. Zarówno w wyborze gatunków głównych, jak iw spójnym rozwoju umiejętności polifonicznych, były one w dużej mierze zamknięte w szkole Holandii, co z kolei było znaczne, jeśli stylistyczny przykład Dustybla jest we własnym powstaniu.

W XVI wieku sztuka muzyczna Anglii osiąga znaczący rozdzielacz. Wraz z tradycyjnymi formami muzyki katolickiej i silników duchowych na tekstach łacińskich z połowy wieku, stworzono już uniwersłe psalmy w języku angielskim - charakterystyczne zjawisko reformacji. Jest ciekawy, że ten sam John Merbek (około 1510-1585), który stworzył biskup masy Winchester Mass and Latin w służbie, wydany w 1549 r. Pierwsza kolekcja psalmów na angielskie teksty. Wraz z nim, w pierwszej połowie wieku, angielscy polifoniści działali, autorzy głównych form Johna Taverner, John Redford, Nicolae Lyudford; Kreatywne życie Christopher Thaya, Thomas Talisa, Robert White trwała trochę dłużej.

Jednocześnie humanistyczne podstawy nowej epoki prowadziły w Anglii XVI wieku do pierwszego wysokiego kwitnienia świeckiej sztuki muzycznej zarówno w wokalu, jak iw postaciach instrumentalnych. Nowe pokolenia angielskich kompozytorów, którzy mówił w ostatnim kwartale XVI wieku i którzy zajęli pierwsze dziesięciolecia XVII, stworzyli szkołę angielskiego Madrigalistów. Oznaczali również początek nowej dzielnicy muzyki instrumentalnej - sztuki dla Vyrinel (Rod of Clavsin), które były szeroko rozpowszechniane w XVII wieku.

Angielscy autorzy Madrigalls William Berd (1543 lub 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638), a inni początkowo polegli na nowoczesnych włoskich próbkach (Madrigal, jak wiesz, powstał we Włoszech), zwłaszcza dla MarreiSiO, ale następnie odkrył oryginalność - jeśli nie w interpretacji gatunku, w naturze polifonii. Przybycie do późniejszego etapu rozwoju polifonii, na samym złamaniu do nowego stylu XVII wieku, angielski Madrigal jest prostszy w wielu wiązkich teksturach niż włoski, bardziej homofon, nie jest nawet pozbawiony nawet rytmicznych cech tańca . W przeciwieństwie do czasu Danstybla, angielskiej szkoły polifonicznej do końca XVI wieku stanowi korzyść interesu narodowego (jego tradycje są przekazywane w XVII wieku i dotrzeć do Peressela), ale przenosząc się, ale przenosząc się Zauważalny wpływ na sztukę muzyki Europy Zachodniej.

Konieczne jest również zauważenie znaczącej roli muzyki w angielskim teatrze renesansu. Ta rola jest specyficzna w swoim czasie: w Anglii, nie było żadnych warunków wstępnych do pojawienia się opery przez długi czas i nic jeszcze nie przygotowało. Muzyka brzmiała w dramatycznym teatrze na korzyść jako zjawisko życia (ale nie jako wewnętrznie dramaturalny składnik), aw gatunku "Maski" uczestniczył w bujnych występach na Sądu Królewskim, przystąpił do spektakularnych efektów, sceny baletowe, wokal i Fragmenty instrumentalne, tekst poetycki.

W kawałkach Szekspira, często w trakcie działania nazywane są popularnymi melodiami na określonych słowach lub znanych tańce, takich jak Galliard. Muzyka stała się tłem akcji, niektóre "średnie", dokonały pewnych odcieni psychologicznych, dlaczego Szekspir nie potrzebował więcej niż gatunki domowe.

Jednocześnie działy muzyczne otwarte w uniwersytetach Oxford i Cambridge.

1.5 Niemcy.

Przez XVI wieku. W Niemczech był już bogaty folklor, przede wszystkim wokal. Muzyka brzmiała wszędzie: na uroczystościach, w kościele, na świeckich wydarzeniach iw obozie wojskowym. Wojna chłopska i reformacja spowodowała nowy wzrost sztuki ludowej piosenki. Istnieje wiele ekspresyjnych hymnów Luteranu, którego autorstwo jest nieznane. Śpiew chóralny stał się integralną formą służby kultu luterańskiego. Chóror protestancki wpłynął na późny rozwój całej muzyki europejskiej. Ale przede wszystkim, na temat muzyki samych Niemców, którzy dzisiaj wykształcenie muzyczne są uważane za mniej ważne niż nauki przyrodnicze - i inaczej, jak uczestniczyć w wielu łańcuchu?

Kolektor formy muzycznych w Niemczech XVI wieku. Zdecytowane: Balki, Opery na karnawale. Nie można nazwać takich nazw jak K. Puman, P. Hofheimer. Są to kompozytorzy, którzy napisali muzykę świecącej i kościelnej, przede wszystkim dla organu. Sąsione z wyjątkowym kompozytorem flamandzkiego Franco, przedstawiciela szkoły Holandii O. Lasso. Pracował w wielu krajach europejskich. Uogólnił i innowacyjny opracował osiągnięcia różnych europejskich szkół muzycznych renesansu. Magister kultowej i świeckiej muzyki chóralnej (ponad 2000 pism.).

Ale Henry Schütz (1585-1672), kompozytor, Cappermaster, organista, nauczyciel, są odwrócone w niemieckiej muzyce. Założyciel Narodowej Szkoły Kompozytorskiej, największego poprzednika I.S. Baha. Pierwsza niemiecka opera "Daphne" (1627), Opera Ballet "Orpheus i Eurydick" (1638); Madrigals, duchowe kantologiczne pisma oratoriczne ("Pasje", koncerty, moty, psalmy itp.).

Założyciel reformacji Martina Lutra (1483-1546) uważa się, że konieczna była reforma muzyki kościelnej. Muzyka, po pierwsze, powinna przyczynić się do bardziej aktywnego udziału parafian w uwielbieniu (w wynikach kompozycji polifonicznych było niemożliwe), a po drugie, aby rodzić empatię zdarzeń biblijnych (które zraniły służbę w łacinie). Zatem przedstawiono następujące wymagania śpiewu: prostotę i przejrzystość melodii, nawet rytm, wyraźna forma śpiewów. Na tej podstawie powstała chóralna protestanta - główny gatunek muzyki kościelnej niemieckiej renesansu. W 1522 r. Luter przetłumaczył nowy Testament na Niemiec, teraz możliwe było uczynienie kultu w swoim języku ojczystym.

W wyborze dzwonków do Chalalova, sam Luther był aktywnie zaangażowany, a także jego przyjaciel, niemiecka teorysta muzyki Johann Waltera (1490-1570). Głównymi źródłami takich melodii były folk duchowe i świeckie piosenki - dobrze znane i łatwe do percepcji. Melodie dla niektórych Khoralov Luter skomponował siebie. Jeden z nich, "Lord - Outlook, stał się symbolem reformacji w okresie wojny religijnej XVI.

1.6 Hiszpania

Przez długi czas muzyka Hiszpanii była pod wpływem Kościoła, w której skrócił się reakcja feudal-katolicka. Niezależnie od tego, jak Noring był atakiem przeciwdziałania przetwarzaniu na muzykę, nadal nie powiodło się poprzednich pozycji. Instalacja Burgeois Relacje podyktowane nowe zamówienia.

W Hiszpanii objawy ożywiania były dość wyraźnie objawiane w XVI wieku, a wstępnie wydają się wydawać się nawet wcześniej. Wiadomo, że już w XV wieku były długie i silne więzi muzyczne między Hiszpanią a Włochami, między kaplicach hiszpańskich i części z nich śpiewakami kompozytorów - i papieska kaplica w Rzymie, a także księcia księcia Burgundii i Duke Sforza w Mediolanie, nie wspominając o innych europejskich ośrodków muzycznych. Od końca XV wieku Hiszpania, jak jest dobrze znana, ze względu na całość warunków historycznych (koniec rekoncentrycznych, otwarcie Ameryki, nowych krawatów dynastycznych w Europie), znalazł bardzo większą siłę w Europie Zachodniej, Pozostały jednocześnie konserwatywne państwo katolickie i okazuje znaczną agresywność w zdobywaniu terytoriów innych ludzi (co w pełni doświadczyło na nim Włochy). Najwięksi hiszpańscy muzycy XVI wieku, jak wcześniej, byli w służbie Kościoła. Nie mogli wtedy nie doświadczyć wpływu Holandii Szkoły Polifonowej z obowiązującymi tradycjami. Mówiło się już, że wybitni przedstawiciele tej szkoły byli więcej niż raz w Hiszpanii. Z drugiej strony, hiszpańscy mistrzowie, na kilka wyjątków, stale spotykane ze kompozytorami włoskimi i holenderskimi, po lewej stronie Hiszpanii i pracował w Rzymie.

Prawie wszyscy główni hiszpańscy muzycy prędzej czy później wpadli w papieską kaplicę i uczestniczyli w swojej działalności, wciąż mocniej opanowali główną tradycję ścisłego stylu polifonii w jej ortodoksyjnym wyrażeniu. Największy hiszpański kompozytor Cristobal de Morales (1500 lub 1512-1553), uwielbiony poza jego kraj, w 1535-1545 był częścią kaplicy papieskiej w Rzymie, po czym kierował metryką w Toledo, a następnie kaplicy katedrą w Maladze.

Morales był dużym polifoniście, autorem Messe, Mottttes, Hymns i inne wokalne, co najważniejsze prace chóralne. Kierunek jego kreatywności opierał się na syntezie rodzimych tradycji hiszpańskich i umiejętności polifonicznych Holandii i Włochów czasu. Od wielu lat (1565-1594) był najlepszy przedstawiciel następnej generacji hiszpańskich mistrzów Thomas Luis de Victoria (ok. 1548-1611) (ok. 1548-1611), co nie jest bardzo dokładne dla szkoły Palestrinov. Kompozytor, piosenkarka, organista, Dropmester, Victoria stworzył masę, motetyczki, psalmy i inne duchowe pisma w ścisłym stylu polifonicznego cappella, bliżej się do Palestrere niż Holandia, ale nadal nie zbiegły się z Palestrinsky - Hiszpański Mistrz miał mniej ścisłego ograniczenia i Więcej wyrażenia. W późnych dziełach Victoria Victoria pojawia się i pragnienie zakłócenia tradycji Palestrinovian na rzecz polihoreizmu, kontraźności, kontraście barwa i innych innowacji prowadzących ich pochodzenie, a raczej ze szkoły weneckiej.

Innym hiszpańskim kompozytorzy, którzy pracowali głównie w dziedzinie muzyki duchowej, została również przywieźli do piosenkarzy papieskiej kaplicy w Rzymie. W 1513-1523 A. De Ribera była częścią Capella, od 1536 r. Był piosenkarka B. Escobedo, w 1507-1539 - X. Escribano, nieco później - M. Robbledo. Wszyscy napisali polifoniczną muzykę duchową w ścisłym stylu. Tylko Francisco Gouserro (1528-1599) zawsze mieszkał i pracował w Hiszpanii. Niemniej jednak jego łaski, moty, piosenki były udane i poza krajami, często przyciągającą uwagę motywów i Viulis jako materiał do zabiegów instrumentalnych.

Najczęściej od świeckich gatunków wokalnych. Był to Wiliansiko-genus piosenki polifonicznej w Hiszpanii, a potem nieco bardziej polifoniczny, a następnie częściej z homofonem, pochodzącym z życia, ale obok rozwoju zawodowego. Należy jednak powiedzieć, że istota tego gatunku, bez rozerwania go od muzyki instrumentalnej. Wiliansiko XVI wiek - najczęściej piosenka pod Viuelą lub pod Lutno, stworzeniem dużego artysty i kompozytora do wybranego przez nich instrumentu.

I w niezliczonych Wiliansikos, w ogóle Hiszpania w muzyce gospodarczej jest niezwykle bogaty i charakteryzuje się krajowym melodyzmem - rodzaju, zachowując ich różnice od włoskiego, francuskiego i wszystkiego bardziej niemieckiego, melodycy. Hiszpańska melodia nosiła tę charakterystykę przez wiek, przyciągając uwagę na nie tylko obywatel, ale także zagranicznych kompozytorów do naszego czasu. Nie tylko jego system intonacji jest specyficzny, ale głęboko przyciężny rytm, oryginalny ornamentalizm i improwizacyjny sposób, bardzo silne połączenia, z ruchami tanecznymi. W wyżej wymienionych szerokiej pracach Francisco de Salinas "Siedem książek muzycznych" (1577), wielu melodii kastylijskich jest podawanych, którzy przyciągnęła uwagę naukowca muzyka przede wszystkim z ich rytmicznej strony. Te krótkie fragmenty melodyczne, które czasami obejmują tylko zakres polityki, są zaskakująco interesujące w ich rytmach: częste syncopy w różnych kontekstach, ostre przerwy rytmiczne, całkowita nieobecność podstawowego ruchu, ogólnie stała aktywność rytmicznego uczucia, bez bezwładności! Te same cechy były postrzegane z tradycji ludowej z świeckimi gatunkami wokalnymi, większość wszystkich Wiliansiko i innych odmian piosenki w pobliżu Viuela.

Gatunki instrumentalne w Hiszpanii jest szeroko i niezależnie reprezentowane przez prace organistycznych kompozytorów prowadzonych przez największe Antonio de Cabestoons (1510-1566), a także całego genialistów Plejadowców z rozsądną liczbą ich dzieł, częściowo związanych z wokalem Melon o różnych pochodzenie (z piosenek ludowych i tańca do pism duchowych). W szczególności wrócimy do nich w rozdziale na temat muzyki instrumentalnej renesansu Era w celu ustalenia ich miejsca w rozwoju ogólnym.

W XVI wieku, wczesne etapy w historii Teatru Muzycznego hiszpańskiego pochodzące również z wyniku poprzedniego wieku z inicjatywy poety i kompozytora Juan del Essin i istniała przez długi czas jako dramatyczny teatr z dużym udziałem muzyka w szczególnych miejscach działania.

Wreszcie, działalność naukową z hiszpańskich muzyków, z których zostały już docenione przez Ramis Di Pareh, za stopniową wydajność widoków teoretycznych i francisco Salinas dla wyjątkowego rozważenia hiszpańskiego folkloru dla wyjątkowego czasu na ten czas. Wspomniamy również o kilku hiszpańskich teoretykach, którzy poświęcili swoją pracę nad kwestiami występów na różnych narzędziach. Kompozytor, wykonawca (na Volone - Basovoy Videoa da Gamba), Diego Ortis, Diego Ortis opublikował swój "traktat na temat połysku" 1553 w Rzymie), w którym zasady uzasadnione improwizowane w zespole (Volone i Clavasin). Organizator i kompozytor Thomas De Sante Maria opublikowany w Valladolid A Traktat "Art Play Fantasy" (1565) - próba metodycznie podsumowania doświadczenia improwizacji na organizmie: Juan Bermaudo, który wydał swoją "deklarację instrumentów muzycznych" w Grenadzie (1555), przykryty Oprócz informacji o instrumentach i grze, kilka pytań liter muzycznych (sprzeciwiły się w szczególności, w stosunku do przeciążenia polifonii).

W ten sposób hiszpańska sztuka muzyczna jako całość (wraz z teorią), bez wątpienia przetrwała jego renesans w XVI wieku, odkrywanie i pewne artykuły z innymi krajami na tym etapie oraz znaczne różnice spowodowane przez tradycje historyczne i społeczne współczesne Sama Hiszpania.

2. Estetyka muzyczna.

2.1 Rozwój gatunków i form muzyki instrumentalnej

renaissance Muzyka Mason Musseterger

Jesteśmy zobowiązani do utworzenia muzyki instrumentalnej jako niezależnego rodzaju sztuki. W tym czasie pojawiają się szereg instrumentalnych sztuk, wariacji, preludów, fantazji, Rondo, TOCCAT. Skrzypce, Clausius, organ stopniowo zamienił się w narzędzia solowe. Muzyka napisana dla nich umożliwiła pokazanie talentu nie tylko kompozytorowi, ale także przez wykonawcę. Przede wszystkim wirtuozerność jest ceniona (zdolność do radzenia sobie z trudnościami technicznymi), które stopniowo stały się wielu muzykami w sobie i wartości artystycznej. Kompozytorzy XVII-XVIII wieków zazwyczaj nie tylko komponują muzykę, ale także grali narzędzia, zaangażowane w działania pedagogiczne. Dobrobyt artysty w dużej mierze zależał od konkretnego klienta. Z reguły każdy poważny muzyk starał się mieć miejsce na dziedzińcu monarchy lub bogatego arystokracji (wielu przedstawicieli mieli własne orkiestry lub teatry opera) lub w świątyni. Ponadto większość kompozytorów łatwo łączyła masowanie kościelne z usługą świeckim patrona.

Charakter wielu dzieł wokalnych wieków XIV-XV w kompozytorach włoskich i francuskich jest raczej instrumentalny niż wokal (w zakresie, charakter głosowania, stosunek z tekstem słownym lub brakiem podpisanych słów). Jest to w pełni zastosowane do włoskiego zasobu Ars Nova, do wielu pismów "przejściowego" okresu we Francji (początek XV wieku). Nie ma bezpośrednich instrukcji do korzystania z niektórych narzędzi w rekordzie nutowej. Najwyraźniej dostarczono woli wykonawców w zależności od możliwości, zwłaszcza, że \u200b\u200bsam autor był zwykle wśród nich.

Zasadniczo każda praca wokalna jest częścią masy, moteta, Chanson, FOTTOL, MADRIGAL (z wyjątkiem MESZ, przeznaczony do kaplicy Sykstyńskiej, gdzie instrumenty nie były dozwolone) - w praktyce można go przeprowadzić albo z podwojeniem wokalu Narzędzia imprez lub częściowo (jeden lub dwa głosy) tylko narzędzia lub całkowicie na organach lub grupie instrumentów. Zasadniczo był to stały rodzaj wydajności, a mianowicie proces wprowadzania narzędzi do wokalu na pochodzeniu polifonii. Tak powstał na przykład "masa organowa" - zjawisko pośrednie, przejściowe. W tych pismach, w których górny głos wyróżnia się w ich znaczeniu (jak często w Dufai lub Benshua), stosowanie narzędzi było najprawdopodobniej związane z "towarzyszącą" melodią z głosami lub z harmonicznym basem. Ale z "dostosowaniem" stron w szczególnie rozwiniętym Multi-Champion School Holandia można założyć (na przykład w Chanson) dowolny stosunek sił wokalnych i instrumentalnych do spełnienia całego produktu grupy narzędziowej . Należy pamiętać i kilka bardziej prywatnych funkcji, które nie są nagrane w rekordzie nutowej. Wiadomo, że na ciele, na przykład, już w XV wieku, doświadczonych wykonawców podczas przetwarzania piosenki "Kolory" (dostarczane z dekoracjami) jego melodii. Być może instrumentalista, z innym udziałem w wykonywaniu muzyki wokalnej, może również zrobić również improwizowane dekoracje na swojej stronie, co było szczególnie naturalne, jeśli sam autor usiadł do ciała. Po tym wszystkim nie dziwi to, że w XVI wieku, gdy gatunki instrumentalne zostały już złożone, a istnieją nadal polifoniczne dzieła z oznaczeniem "na Cantare o Cantare o Sonare" ("dla śpiewania lub gry"). To wreszcie całkowite uznanie istniejącej praktyki!

W muzyce domowej, zwłaszcza w tańcu, jeśli nie poszli pod piosenką (w Hiszpanii, podłączenie utworu i tańca), pozostały narzędzia, więc mówić, są wolne od próbek wokalnych, ale są połączone przez bazę gatunkową każdego tańca, rytmu, typu ruchu. Synkretalizm tego rodzaju sztuki nadal obowiązuje.

Z tej całkowitej masy nieobecnych zjawisk, z praktyki, która nie jest odzwierciedlona w rekordzie muzyki, z długoterspodującego procesu asymilacji wokalu i rozpoczętych instrumentalnych rozpoczęło się w czasie, rozpoczęło się rozwój rzeczywistych gatunków instrumentalnych. Ledwo przedstawiono tylko w XV wieku, stało się namacalne w całym XVI, na drodze do niezależności, nadal było niewielkie, a tylko w niektórych formach (improwizacji), zaobserwowano rzeczywisty instrumentalizm litery muzycznej. Przy pierwszych etapach ścieżki muzyki instrumentalnej do samostanowienia wyznaczono dwa obszary gatunków jego charakterystycznych trendów. Jeden z nich jest zaletą korzyści z polifonicznego, "akademickiej" tradycji z dużymi formami. Drugi opiera się na tradycji muzyki domowej, piosenek i tańca. Pierwszy reprezentowany jest głównie przez kompozycje narządu, drugi - przede wszystkim repertuar lutni. Między nimi nie ma nieprzerwanej twarzy. Może tylko mieć wpływ na pewne tradycje, ale w oczywistych punktach kontaktu. W związku z tym techniki polifoniczne nie są wykluczone w pracach do Lutni, a odmiany utworów pojawią się wkrótce w muzyce narządów. A na innym instrumencie rozpoczyna się rozwój formularzy improwizacji, w których jest to specyfika tego narzędzia z najbardziej wyraźnie - z prawie całkowitą wolnością od próbek wokalnych. Te skromne, wydawało się, że sukces instrumentalizmu został osiągnięty po długotrwałym przygotowaniu, który poszedł do ery renesansu i został zakorzeniony w najbardziej muzycznej praktyce tego czasu.

2.2 Narzędzia muzyczne renesansu

W epoce odrodzenia kompozycja instrumentów muzycznych znacznie rozszerzyła się, nowe odmiany dodane do już istniejącego ciągu i wiatru. Wśród nich szczególne miejsce jest zajęte przez Viona - Rodzina łańcuchów potoku, wpływając na piękno i szlachetność dźwięku. W kształcie przypominają narzędzia nowoczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, alt, wiolonczeli) i są nawet uważane za ich najbliższych poprzedników (współistniejących w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak różnica i znacząca, ale są. Skrzypy mają system łańcuchów rezonansowych; Z reguły istnieje jak najwięcej z nich (sześć do siedmiu). Fluktuacje łańcuchów rezonansowych sprawiają, że dźwięk altówki miękkiej, aksamitnej, ale narzędzie jest trudne do użycia w orkiestrze, ponieważ z powodu dużej liczby ciągów jest szybko zdenerwowany. Przez długi czas dźwięk altówki został rozważany w muzyce z próbką wyrafinowania. W rodzinie Viola wyróżnia się trzy główne typy. Viola da Gamba to duże narzędzie, które wykonawca umieszcza pionowo i zaciśnięty nogami (włoski słowo Gamba oznacza "kolano"). Dwie inne odmiany - Viola da Bracacho (z niego Viola Tak Gamba w zakresie dźwięków znajduje się w pobliżu wiolonczeli, Viola da Bracacho - na skrzypce i naśladowców d "Amur - do Alto. Wśród narzędzi pinezowych renesansowych główne miejsce zajmuje lutnię (polski. Lutnia, z Arab. "Aloud" - "Tree"). W Europie pochodziła z Bliskiego Wschodu pod koniec XIV wieku, a na początku XVI wieku, na to narzędzie, był ogromny repertuar; przede wszystkim , Suchni wykonywany na akompaniamencie. W krótkim przypadku lutni; górna część jest płaska, a dno przypomina półkuli. Do szerokiej szyi przyłączyło się do szyi oddzielonej dziwakami, a głowica narzędzia jest wynajmowana prawie pod kątem prostym . Jeśli chcesz, widać podobieństwo z miski w pojawieniu się lutni. Dwunaste struny są pogrupowane przez pary, a dźwięk jest usuwany zarówno palcami, jak i specjalnym rekordem - mediator. W XV XVI stuleci Mają różne typy klawiatury. Głównymi typami takich narzędzi to klawesichin, kluczowa, Chamblock, Vyrhzhyel - aktywnie stosowane w muzyce ożywienia, ale ich prawdziwe kwitnące przyszło później.

2.3 Opera urodzenia (kamera florenckie)

Koniec ery ovival charakteryzował się najważniejszym wydarzeniem w historii muzycznej - narodziny opery.

W Florencji zgromadzono grupę humanistów, muzyków, poetów pod patronatem ich przywódcy wykresu Jovani de Bardi (1534 - 1612). Grupa została nazwana "kamerą", jego głównymi członkami byli Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilee (ojciec Astronom Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii i Ottavio Rhinucchini w młodości.

Pierwszy udokumentowany montaż grupy miało miejsce w 1573 r., A najbardziej aktywne lata pracy "Florentine Camerats" wynosiły 1577-1582.

Podobne dokumenty

Charakterystyczne cechy kultury muzycznej renesansu: pojawienie się form piosenek (Madrigal, Wiliansiko, Frottol) i muzyki instrumentalnej, narodziny nowych gatunków (piosenki solowe, kantata, oratoria, oper). Koncepcja i główne typy tekstury muzycznej.

abstrakcyjny, dodany 01/18/2012


Muzyka instrumentalna wokalna, instrumentalna i wokalna. Główne gatunki i muzyczne kierunki muzyki instrumentalnej wokalnej. Popularność instrumentalnego rodzaju muzyki podczas ery renesansu. Pojawienie się pierwszych wykonawców wirtuozji.

prezentacja, dodano 04.04.2014


Cechy rosyjskiej muzyki XVIII wieku. Barokowy - era, gdy pomysły na temat tego, co muzyka powinna znaleźć ich kształt, te formy muzyczne nie straciły znaczenia i dzisiaj. Wielcy przedstawiciele i dzieła muzyczne epoki barokowej.

abstract, dodał 01/14/2010


cheat Arkusz, dodano 11/13/2009


Renesansowa era (renesansowa) jako kątodziej wszystkich rodzajów sztuk i cyrkulacji ich postaci do antycznych tradycji i form. Prawa harmonii związane z muzyczną kulturą ożywienia. Wiodąca pozycja muzyki duchowej: masa, motory, hymny i psalmy.

egzamin dodany 05/28/2010


Nagrywanie muzyki Triabre. Główny zakres zawodowych śpiewaków i chórów w Egipcie Ery Starożytnego Królestwa. Zastosowanie alfabetu fenicjusza w starożytnej Grecji. Chóralna sztuka Medieval Era, Indie i Chiny. Zaproszone nagranie.

prezentacja, dodano 06.10.2015


Muzyka zajmowała jedno z najważniejszych miejsc w systemie sztuki starożytnych Indii. Jego początki wracają do obrzędów ludowych i religijnych. Kosmologiczne reprezentacje starożytnych Indii dotknął kulek muzyki wokalnej i instrumentalnej. Indyjskie instrumenty muzyczne.

badanie dodane 15.02.2010


Gatunek muzyczny jako historycznie ustalony rodzaj produktu w jedności jego kształtu i treści. Główne gatunki w nowoczesnej muzyce. Istota muzyki elektronicznej, gatunku pop, muzyka rocka, rap. Nowe gatunki XXI wieku. Najbardziej niezwykłe instrumenty muzyczne.

praca kursu, dodano 12/20/2017


Początki muzyki rockowej, centra jego występowania, elementów muzycznych i ideologicznych. Muzyka rocka z lat 60-tych, pojawienie się sztywnej muzyki i kwitnących rock garażowych. Alternatywna kultura muzyczna. Muzyka rockowa 2000 roku i Outsiders przez cały czas.

abstract, dodał 01/09/2010


Baner śpiew - historia rozwoju. Poetyka muzyczna i gimnografię. Muzyka pisania starożytnej Rosji. Muzyka chóralna i kreatywność D. Bortnyansky. Historia opery rosyjskiej, cechy rosyjskiego teatru narodowego. Kreatywne portrety kompozytorów.

Estetyka ożywienia wiąże się z wielką rewolucją, która jest wykonywana w tej epoce we wszystkich dziedzinach życia publicznego: w ekonomii, ideologii, kulturze, nauce i filozofii. Do tej pory obejmują kwitnące kultury miejskiej, świetnych odkryć geograficznych, niezwykle rozszerzonych horyzontów człowieka, przejście od rzemiosła do manufaktury.

Rewolucyjny rozwój sił produkcyjnych, rozkładzie komórek feudalnych i stosunków warsztatowych, które zostały wykazane produkcji, prowadzą do wyzwolenia jednostki, tworzą warunki swobodnego i uniwersalnego rozwoju. Nie ma wątpliwości, że wszystko to nie mogło wpływać na charakter światopoglądu. W epoce ovival proces pęknięcia korzeniowego średniowiecznego systemu poglądów na świecie i tworzeniem nowej, humanistycznej, ideologii. Proces ten znajduje odzwierciedlenie w estetyce muzycznej. Już XIV w sobie objawy przebudzenia nowego estetycznego światopoglądu. Ars Nova Art and Estetyka, Trakty Johna de Grorho i Marketeto Paduansky stopniowo rozluźniły tradycyjny system średniowiecznej teorii muzycznej. Widok teologiczny muzyki został podważony tutaj, oparty na rozpoznawaniu nierównych uczuć niebieskiej muzyki. Jednak wielowiekowa tradycja średniowiecznej teorii muzycznej nie została całkowicie zniszczona. Zajęło kolejne stulecie, aby estetyka muzyczna była ostatecznie uciekła z ram tradycyjnych programów.

Estetyka muzyczna renesansu w interpretacji kwestii powołania muzyki opiera się na prawdziwej praktyce charakteryzującej się nadzwyczajnym rozwojem muzyki w życiu publicznym. W tym czasie w miastach Włoch we Włoszech powstają setki okręgów muzycznych, w których są zaangażowane w skład lub grę na różnych instrumentach muzycznych. Jego muzyka i wiedza staje się niezbędnymi elementami kultury świeckiej i kształcenia świeckiego. Słynny włoski pisarz Baldasar Castiglion w jego traktacie "na boisku" (1518) pisze, że osoba nie może być uprzejma ", jeśli nie jest muzykiem, nie wie, jak czytać muzykę z arkusza i nic nie zna o różnych narzędziach . " Na niezwykłą częstotliwość muzyki w życiu cywilnym XVI wieku obraz tego czasu jest świadczy. W licznych zdjęciach przedstawiających prywatność szlachty, stale spotykamy setki osób zajmujących się muzyką: śpiew, grając, tańcząc, improwizując itp.

Wcześniej kultura odrodzenia powstała i rozwinęła się we Włoszech. Wiek renesansu jest tutaj zaznaczony przez potężny rozwój poezji ludowej i muzyki oraz najbogatszych tradycjach utrzymania utworu w takich gatunkach, takich jak Laud, FOTTOL, VILALL, są zajmowane przez główną rolę. Nie mniej popularny gatunek w gospodarstwie domowym MIRMING MUSICATION był Kachchia, zazwyczaj pokazując soczystą sceną gatunkową przy użyciu w tekście i muzyce istniejących intonacji - do remonów szponerów i sprzedających. Kachchia często towarzyszyła tańca tańca kołowego. Włoska ballada jest także wspólnym gatunkiem tekstów tańca piosenek związanych z wydajnością solo-chór (we Francji, podobne funkcje miały gatunek Vella). Inntonacja ludzi i piosenek, pewna waga zasady melodycznej, pomysłowość faktury - te cechy świeckiej muzyki domowej przenikają także do muzyki duchowej, aż do polifonicznego bałaganu.

Melodyjna natura muzyki była związana z faktem, że we Włoszech tradycje musiazowania solo i zespołu na ciągach narzędzi Brook został szybko opracowany. Ogólnie rzecz biorąc, duża dystrybucja muzyki instrumentalnej przyczyniła się do utworzenia homofonu harmonii i funkcjonalnej harmonii.

Wcześniej w kręgach muzycznych o Włoszech pojawił skrzypce (w ostatnim kwartale XVI wieku) i produkcję skrzypcami kremowych mistrzów Amati, Stradivari, Gwarnienie itp., Było szczególnie popularne wraz z marnym (najbardziej znanym kompozytorem Masło - Francesco Milano), Viola, Gitara Hiszpańska, Theorer (Bass Lute duże rozmiary).

Umiejętność skrzypiec jest wcześniej utworzona w dziełach B. Donati, L.viadan, J.GiComellly (słynął z umiejętności długoterminowej konserwacji łuku i techniki Legato). Nowy krok w rozwoju działań na skrzypcach jest związany z dziełem K.Montverdi, która rozwija technikę przejścia, stosuje Tremolo, Pizzicato, wzbogaca dynamika PP i FF Polar Kontastów.

Duża odzyskiwanie obserwowano w dziedzinie uruchamiania narządów i klasialnych. Z lat 40. XVI wiek zwiększa ostro liczbę kolekcji organicznych ostro, całej Pleiadów wybitnych organistów - Willaert, pojawia się Andrea i Giovanni Gabrieli, Claudio Merul, Cavazoni. Te mistrzowie leżały fundamenty władzy włoskiej i tworzyć gatunki muzyki instrumentalnej - Racherkar, Chancomd, Toccata.

Klasyczne wykonania szeroko stosuje tańce domowe, przetwarzanie popularnych świeckich piosenek. Znakomity kompozytor-improwizator na narządzie i kluczem był Girolamo Frescalki, w których pracach pojawiły się całe kolekcje muzyki bałaganu - cykle tańca.

Skład Włoch Szkoły Kompozytorskiej jest również reprezentowany przez działalność zawodowych kompozytorów-polifoniści - Adriana Vallatert i jego studentów Chiprian de Roor, Andrea i Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluiga da Palestrina. Ich kreatywne dziedzictwo jest zróżnicowane, a głównie składa się z dzieł polifonicznych wokalnych - wiele tuzinów, duchowych i świeckich madrigałów, madżetów, które zostały wykonywane głównie przez Capella.

Potężny rozwój polifonii w Holandii wynika z bogactwa popularnego polifonii i obecności specjalnych szkół wieloosobowych śpiewaków (metryk) w katedrach bogatych w holenderskich miast.

Kilka pokoleń kompozytorów należało do Holandii Szkoły Polifonowej. Ich działalność przystąpiła nie tylko w Holandii, objętych terytorium nowoczesnej Belgii, Luksemburgu, południowo-zachodniej części Holandii i na północ od Francji (stąd - druga nazwa szkoły jest Franco Floadskaya). Duże przedstawiciele szkoły Holandii owocnie pracowali w Rzymie (Dufai, Obrecht, Joskin) i inne miasta (Villanoers, Rail - w Wenecji, Izaak - w Austrii i Niemczech, Bensua - w Dijon na dziedzińcu Burgundii).

Szkoła Niderlandzka podsumowała stuleń rozwój polifonii we wszystkich krajach Europy. Chociaż w pracy tych mistrzów, oczywiście okupowany muzyka kościelna, wiodące miejsce, niewłaściwe

mniej, wraz z pracami duchowymi Kompozytorzy napisali wiele świeckich piosenek polifonicznych, w których odzwierciedlono bogaty świat idei i uczucia, charakterystyczny dla renesansu.

Najbardziej monumentalnym gatunkiem kreatywności polifoniści Holandii była Mesia, w której wystąpiła kwintesencja zasad polifonii ścisłego stylu. Jednak działania każdego mistrza odkrywa innowacyjne cechy związane z wyszukaniem wyjścia z ustalonych kanków ekspresyjnych. Wsparcie dla szerokiej ilości materiału piosenki i tańca, wzajemny wpływ duchowych i świeckich gatunków prowadzi do stopniowego przydziału w polifonii głosu melodycznego, do tworzenia serii pionowych i funkcjonalnych.

Korona Holandii Poliphony XVI wieku była dziełem Orlando Lasso. Było w swojej pracy, że najszersze zainteresowania renesansu skoncentrowanego: dał hołd prawie wszystkie formy wokalne swojego czasu - Madrigan, Messe, Motetu, Francuski Chanson, a nawet niemieckiej piosenki polifonicznej. Prace kompozytora są nasycone istotnym prawdziwym obrazem, mają jasną melodię, zróżnicowany rytm, konsekwentnie opracowany przez plan harmoniczny, który zapewnił ich niezwykłą popularność (były wielokrotnie używane przez innych kompozytorów do leczenia lutni i organicznych).

Rozwój tendencji renesansowych i tworzenie się francuskiej kultury narodowej zostało już zaplanowane w XIV wieku. Wybitni przedstawiciele sztuki wczesnego odrodzenia w muzyce francuskiej były Philip De Vitrate i Gille de Masza, którzy zostawili duże dziedzictwo w gatunkach Virlael, Le, Rondo Ballad.

Głęboko ważne i realistyczne były najbardziej charakterystyczne dla francuskiej sztuki muzycznej Gatunek Gatunku Chansona, który jest wielostronnym kształtem piosenki z tekstem świeckim i zwykle melodią domową. W tym gatunku było nowe funkcje renesansowe pojawiły się jaśniejsze w zawartości, performic, cechy środków ekspresyjnych.

Francuski Chanson stuleci XV-XVI jest rodzajem "encyklopedii" francuskiego życia tego czasu. Jego zawartość jest zróżnicowana i może być narracja, liryczna, intymna, smutna, komiczna, opisowa, galanta. Charakteryzowano i różnorodność ich skali - od kilku zegarów do 42 stron.

Prostota i bezpośredniość środków ekspresyjnych, struktura okresowa z pewnymi zakończeniami D i T, odbiór kanałów, który jest następnie odebrany przez cały zespół - typowe cechy gatunku, którego muzyka czasami przypomina taniec ludowy, liryk-epicka Splątanie lub perky Street City Song - modista przyszłej Waterville. Dla muzyki Chanson charakteryzuje się podkreśloną podstawą rytmiczną, czasami charakteryzuje się zakupionym magazynem lub okrągłym rondo-ludzkości, instrumenty ludowe mogą być używane do eskortowania.

Najbardziej wyjątkowym kompozytorem francuskiego renesansu był Klemens Zhenken, w których pracy znalazła się odzwierciedlenie i subtelne teksty love (w piosenkach na tekstach poety Ronsar) oraz wyrażanie nastrojów smutek i żalu oraz pełne życie i ruchy Scena popularnej zabawy. W swoim dziedzictwie przyciągają oprogramowanie Big-Choir Song-Fantasy, pełne pomysłowości i dowcipnych znalezisk w dziedzinie liter chóralnych. W nich Zaineen był barwnie wyświetlany życie i życie jego czasu. Najbardziej znana "bitwa", "polowanie", "śpiewanie ptaków", "okrzyki uliczne w Paryżu".

Oprócz więcej niż 200 piosenek, napisał i motory i masy. Ale w dziedzinie muzyki dla kultu katolickiego, śmiało wykorzystuje melodie ludowe, intonuje tekstów duchowych dla obrotów fanfary muzyki wojskowej, wprowadza rytmy taneczne.

W dużej mierze taki odwołanie się do materiału piosenek i tańca Ludowego był charakterystyczny dla wielu kompozytorów renesansowych, który zjednoczył się w interesie pracy w gatunkach duchowych i świeckich, które doprowadziły do \u200b\u200bostatecznej alokacji muzyki świeckiej do obszaru Niezależność artystyczna i profesjonalizm.

Włoskie słowo Renesans w oryginalnych dźwiękach takich jak Rinascita, jest wymyślony przez George'a Vazari. Po raz pierwszy termin był używany przez niego w pracy "W trakcie życia" w znaczeniu "kwitnienia sztuki", aby wskazać okres, w którym artystów w ich pracy zostali uwolnieni od Greco-Byzantine i Roman-Latin formy kanoniczne.

Aby określić ruch kulturowy w Europie z XIV do XVII wieku, termin "odrodzenie" lub "renesans" (z włoskiego czasownika "Rinasere" "ożywił") wykorzystywany w XIX wieku w pracy "History of France" Francuski historyk Jules Mishal.

Trochę o ery ożywień w ogóle

Era ożywienia charakteryzuje się rekultywacją klasycznego (co oznacza klasyzm Greco-rzymskiego) kultury. Wielu badaczy uważa, że \u200b\u200bpomysły renesansowe mają swoje pochodzenie pod koniec XIII wieku we Florencji w literaturze i sztukach wizualnych oraz są w szczególności związane z dziełami Dante Aligiery, Francesco Petrarchi i freski Jotto Di Bondon.

Pomimo faktu, że poeci, artystów, filozofowie odrodzenia epoki byli i nie mniej religijni niż ich poprzedniki

Zdecydowali się pogodzić praktyki teologiczne z nowymi badaniami duchowymi (filozofia zwana humanizmem, przenika całą epokę). To był czas, aby aktywować nauki, osiągnięcia naukowe, wspaniałe odkrycia geograficzne. W muzyce stanie się integralną częścią życia religijnego, cywilnego i sądowego, kardynały zmiany zostały oznaczone, począwszy od XV wieku.

Uczeń i ewolucja muzyki ożywiania

Większość historyków muzycznych uważa, że \u200b\u200bewolucja muzyki renesansowej obejmuje okres od 200 lat. Tradycyjnie jest podzielony na:

• muzyka wczesnego okresu renesansu, od 1400 do 1467 lat;
• muzyka średniego okresu renesansu, od 146 rano do 1534 roku;
• muzyka późnej (lub wysokiej) renesansu, od 1534 do 1600 roku.

Tura z kolei związana jest z kwitnącym i dominacją różnych szkół kompozytorskich w Europie Zachodniej. Charakterystyka stylistyczne, które określają muzykę renesansowej, jest polifoniczna faktura, która słucha prawa kontrapunktowego i regulowane odziedziczonym od średniowiecza przez modalny system Gregoriańskiej Khoralii.

Muzyczna kultura ożywienia jest czasami ustawiona jako "złoty wiek muzyki chóralnej". W rzeczywistości horyzonty muzyki zostały znacznie rozszerzone.

Jeśli w średniowieczu, kompozytorzy i muzycy pracowali głównie do Kościoła, a następnie z powodu religijnego i świeckiego podziału, które miały miejsce w Europie Zachodniej w renesansowej epoku, muzyka znalazła kilka klientów: kościoły katolickie i protestanckie, jardów królewskich, bogatych Arystokraci, nowa klasa burżuazyjna. Wszystkie z nich stały się źródłami dochodów dla kompozytorów, w tym, oczywiście, a melnotype: Renesansowa kultura muzyczna jest ściśle związana z nowymi technologiami (wynalazek typografii ruchomych linii Johann Guttenberg).

Estetyczne cechy ożywienia muzyki

Podobnie jak inne sztuki, muzyka była w dużej mierze pod wpływem wydarzeń określających erę ożywiania jako całości: wzrost myśli humanistycznej, przywrócenie dziedzictwa klasycznego Greco-rzymskiego, innowacyjne odkrycia. Starożytne teksty zostały zmienione, ponownie mówiąc jako przedmiot do badania i zostały edytowane, ale tylko zgodnie z rozwijającymi się naukami.

Podczas gdy wszystkie sztuki i nauki zostały rozważone ze sobą ze sobą ze starożytnej kultury greckiej, humaniści renesansowej epoki zostały podzielone, podkreślając i studiując swoje indywidualne cechy. Muzyka, w szczególności została uznana za sztukę ekspresyjną zdolną do wpływu na emocje i uczucia, co było niespotykane przez średniowieczny czas.

Wysiłki w celu zorganizowania wiedzy w muzyce obejmowały zamawianie zewnętrznej osoby, aby mogło ustanowić związek między nutami a ludzkimi emocjami.

Ważne jest również, aby muzyczna kultura ożywiania charakteryzuje się koncepcją humanizmu. W wyniku czego nastąpiło przemieszczenie akcentów intelektualnych - od powszechnej dominacji zastanówce religijnej do możliwości i osiągnięć osoby świeckiej. Indywidualny kreatywny geniusz człowieka był w znacznie wyższej pozycji. Oznaczało to, że rozpoznano wielu kompozytorów.

Jednak głównie muzyka renesansowa była jednak duchowa, jak w średniowiecznym czasie, ale "humanistyczne" zmiany wpłynęły na poszukiwanie jaśniejszej ekspresji - w celu osiągnięcia doskonałości.

Główną muzyką wczesnego okresu odrodzenia, napisany dla ważnych kościołów i kaplic królewskich, są masy polifoniczne i śpiewy (motes) w łacinie. Ale w świetle reformacjach religijnych pojawiły się ponadto nowe rodzaje muzyki duchowej, takie wspaniałe wstrząsy na scenie kościelnej doprowadziły do \u200b\u200bfaktu, że świecka muzyka zyskuje prawdziwą moc i mogła już konkurować z jego "świętym" kolega.

Szkoły kompozytowe renesansu

Na początku XV wieku, angielska szkoła polifoniści prowadzona przez Johna Dunstaibl. Nowy styl angielski na podstawie stosowania trzeźwych, podyktowanych rytmem muzycznym (z każdą linią wokalną poruszającą się w stylu "pionowym" znacznie wpłynął na szkołę kompozytora Burgundii.

Najważniejsze wśród kompozytorów Szkoły Burgundskiej był Guillaume Dufai, którego muzyczna kreatywność obejmowała śpiewy, masa, świeckie prace charakteryzujące się liryzmem melodycznym.

Ruch oznaczony jako szkoła flamandzka franco charakteryzuje się silnym rozwojem polifonicznej kompozycji muzycznej wokalnej, która położyła podstawę współczesnej harmonii. Najbardziej znani przedstawiciele - "Kompozytor trzech królów francuskich": Johannes Okhem i Jacob Obrecht.

Kultura muzyczna ożywienia pierwszej połowy XVI wieku charakteryzuje się faktem, że Franco Flamandzcy Kompozytorzy nadal dominują, wśród których najsłynniejszy był Goskien Dere, którego styl skopiował wielu kompozytorów. W muzyce polifonicznej można wykorzystać kanony, które wcześniej istniały struktury składowe, ale płynnie połączone z melodii, które podkreślają linie poetyckie, a nie maskowania ich.

Dla tej epoki było całkiem powszechne, że wiodący kompozytorzy podróżowali dużo, pracował na różnych klientach we Włoszech, Hiszpanii, Niemczech, Francji. Wymiana pomysłów muzycznych utworzyła, jeśli możesz policzyć, pierwszy styl międzynarodowy, ponieważ czasy Grigorii Chóralnej w IX wieku.

Od drugiej połowy XVI wieku niezrównanego mistrzostwa w sztuce muzyki, szukają włoskich kompozytorów. Wśród postaci ikon - Giovanni Pierluja da Palestrina.

Renaissance Music Gates.

Duchowe gatunki wokalne to mesia i motet. Gatunki świeckie - Madrigal (we Włoszech i Anglii), Chanson (we Francji), LEED (w Niemczech).

Pomimo faktu, że muzyka nad erą zależy od wokalu, narzędzia są coraz częściej stosowane. Wykonawcy na narzędziach czasami towarzyszy im śpiewacy, od czasu do czasu zastąpili głosy, gdyby nie było śpiewaków.

Narzędzia wahały się od dużych, takich jak ciało i klawesichine, Viola de Gamba, do małej harfy (późniejszej lutni), rejestratora (Blockball). Stopniowo kompozytorzy zaczynają pisać tylko prace tylko dla narzędzi bez wokalistów.

Muzyka znacznie wpłynęła na tańce sądowe, wprowadzając szeroką gamę narzędzi do ich konserwacji. Narzędzia były używane w kościele, podczas imprezach świątecznych i publicznych, w produkcjach teatralnych, w domach prywatnych.

XV wiek okazał się decydujący na rozwój muzyki zarówno w sensie artystycznym, jak iw ewolucji techniki egzekucji. Konflikt kulturowy powstający między kościołem chrześcijańskim a światowym światem ustalonym późniejszym szybkim rozwojem kierunków muzycznych, które nie są związane z obrzędami i usługami kościelnymi.
Towarzystwo tego czasu jest nieco "zmęczony" od tego samego typu, choć matematycznie poprawiają średniowieczne kanony i potrzebne tworzenie łatwiejsze, światowej muzyki. Kreatywne wyszukiwanie kilku pokoleń muzyków i kompozytorów doprowadziło do rozwoju wielu nowych gatunków muzycznych, tańca i teatru.
Pierwsze idee reformacji polifonii powstały na początku XV wieku i należał do Burgundii, angielskiego, Flanderskiego, a także włoskich szkół muzycznych. John Dunstabeble, przedstawiciel szkoły angielskiej, przedstawił fundamenty techniki Foburdon (dosłownie, fałszywy bas). W pracach wielopoziomowych odnotowano tylko średni głos, a podczas wykonywania dodano górne i dolne głosy.
Dalszy rozwój tej techniki odzyskano odzwierciedlenie w pismach Guillaume Dufai (1400-1474), które nie tylko systematyzowane masy cykliczne, ale także dodane elementy muzyki świeckiej. Nastąpił Joan Okhem i Jacob Obech, a najsłynniejszym muzykiem był Zoshen Depe (1440-1521).
Mistrzowie Włoskiej Szkoły, w tym Giovanni Palestrina (1525-1594), Tomazo de Victoria (1548-1611), również opracowali na przyłączeniu polifony lżejszego i wysokiego stylu, a nowe teksty wydawały się wyrównać muzykę i słowo W włoskiej sztuce muzycznej.

Renesans. Madrigal.

Jednym z najczęstszych gatunków świeckich muzyki renesansu była Madrigal, dosłownie oznaczająca piosenkę w języku rodzimym (matczynym). Podstawą nowego gatunku muzycznego były piosenki pasterza włoskiego.
Początkowo, w XIV wieku, Madrigals składali się do dwóch lub trzech głosów pod towarzyszeniem instrumentu muzycznego, który powtórzył wieżę górnego głosu. Madrigals często brzmiały na świeckich wakacjach, weselach. W środku XVI, Madrigals są już wykonywane przez pięć głosów, związek między stronami wzrasta, muzyka gatunku staje się bardziej wyrazisty.
Wraz z "lekkością", Wesołym, Madrigal pochłonął wieki tradycje muzyki chrześcijańskiej. Ta kombinacja była wykorzystywana przez wybitnych Madrigalistów tego czasu Sipriano de Roor i Giuseppe Palestrina. Pod koniec XVI wieku Madrigal jest coraz bardziej pod wpływem afetti: przyjemność miłości, notatki melancholii i składania do losu.
Najwięksi mistrzowie gatunku stali Luca Marreinsio (1553-1599), jesualdo da Venose (1561-1613) i. Stworzone przez nich liczne kolekcje Madrigalls, niesamowity melodium, różnorodne formy rytmiczne i liczne innowacyjne rozwiązania muzyczne odegrały kluczową rolę w rozwoju muzyki renesansu.

Intermedia. Opera narodzin

Dalszy rozwój sztuki muzycznej określono ustanowienie pośredniego. Kwitnąca tego gatunku spadła na pierwszą połowę XVI wieku, kiedy kilka interwencjonowanych Bartolomeo Thombonecho brzmiał na weselu Alfonso d'Est i Lukrecji Borgii, przedstawiciele Wielkiego włoskiego klanu.
Następnie intermedia zaczęła dźwiękować z największymi arystokratycznymi jardami europejskimi. Muzyka z Internezydiusza jest praktycznie nie zachowana, ale zebrane dowody mówią nam o niezwykłym zakresie poprzednika operowy: niektóre orkiestry mówią na wesela dużych szlachciców, istnieje ponad dwadzieścia strun, wiatrowych i szokujących instrumentów muzycznych. Plotka współczesnych z Internezydia była zadowolona z Violi Da Gamba, Lutni, Flety Piccolo, wiruje, Lira, oboe i podwójny bas.
Innowacyjne pomysły kompozytorów renesansu, a także pojawienie się nowych instrumentów muzycznych doprowadziło do fundamentalnej zmiany sztuki muzycznej - pojawienie się opery. Pierwsze kroki w tym kierunku były przeprowadzane przez filozofów, muzyków i poetów, zjednoczonych w rodzaju Akademii Kulturalnej - kamera florenckiego.
Count Giovanni del Vernio (1534-1612), autor kilku traktatów o historii i teorii muzyki, kompozytorów Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilee (1520-1591), ojciec słynnego astronoma, a także Julio Kachchini, Luca Marreinsio i Claudio Monteverdi.
Pierwsze prace stworzone na podstawie muzycznych koncepcji kamerów florenckich, stały się operem "Daphne" i "Evridika" kompozytorów Peri i Kachchini, a najbardziej jasnymi zasadami kameratów zostały wykonane w operacjach Opera Montoverdi, Neva Powrót i "Koronacyjne Poppie".

Renesans. Słowa kluczowe:

Wynalazek w drugiej połowie systemu XV Century specjalnych znaków do narzędzi klawiaturowych i lutni (Tabulatures), pojawienie się zbiorów na organ i lutnię służył jako fundament na rzecz rozwoju muzyki narzędziowej epoki renesansu.
Najstarszym fragmentem kompozycji na organ znaleziony przez historyków jest datowany z 1425 r. (Nieznany autor z śląskiego klasztoru Sagan). W 1448 r. Pojawiły się pierwsze eseje dla ciała, w którym stosowano pedał (pięć preaminii Preamins of Adam Ilborgo). Najbardziej znanym wykonawcą muzyki narządów XV wieku jest niemiecki muzyk konrada poifan (1410-1473). Jego Peru należy do kolekcji "Buxheimer Orgelbuch", który ma 250 prac dla organu własnego eseju i innych ustaleń muzycznych.
Hiszpański muzycy i kompozytorzy stanowiły również znaczącą część dziedzictwa muzycznego Renaissance Epoch. Opublikowano w 1557 roku przez Louis Endrose "Nowa wielkość muzyczna do klawiatury, botów i harfy", obejmowała wiele piosenek, fantazji, tańca i hymns słynnych hiszpańskich kompozytorów. Praca w Antonio de Kabestov, jeden z najsłynniejszych muzyków w Europie, jest również wyraźnie wyróżniający się. Jego prace zebrane w "Pismach do klawiatur, skrzypiec i harfy" (1578), stały się znane daleko poza Hiszpanii.

Renesans. Muzyka do Lutni i Viola

Sztuka muzyczna XVI wieku charakteryzuje się szeroką dystrybucją w europejskiej muzyce nowych instrumentów muzycznych - Lutni i Violi. Narzędzia te były idealne zarówno dla akompaniamencji, jak i podłączenia w niektórych momentach dzieł muzycznych. Pierwsza kompilacja zawierająca nie tylko prace polifoniczne, ale także wczesne próbki muzyki lutowej, stały się pracą włoskiego wydawcy Ottaviano Petruchci "Intabulatura de Lauto", z 1507 roku.
Luty ma kilka ustawień i zakładek. Wielu kompozytorów i teoretyków muzycznych, w tym Hans Görle, Juan Bermudy, Vincenzo Galilee, rozeszł się w opiniach dotyczących optymalnej liczby chłopców. Ale, pomimo nieporozumienia, wszyscy eksperci zajął się główną rzeczą: lutni, jak klawiatury, umożliwiły wykonywanie prac wielokrotnych bez użycia innych narzędzi.
Lutni był największym spreadem we Włoszech, Francji, Niemczech, a następnie w Anglii. Wśród słynnych kompozytorów, że pomarszczone tysiące muzyki nie powinny odnotować vikezo Kapirla, Petrucci, Mattais Weiselle, Matias Reimana, John Dowland i Thomas Morney.
Wśród hiszpańskich muzyków, lutnia nie zyskała wielkiej popularności. Wykonawcy preferowali botki, które były jak małe, ale miał osobliwy, podobny do nowoczesnej gitary, kadłuba. Znane są dwa rodzaje botka Da Gamba: "Ręczne Viola" i "Foot Viola". Louis de Milan, Alonso Midarra, wzbogaci de Valderrabano stał się najsłynniejszymi mistrzami, którzy zostali napisani na "Ręczne Viola", Alrikes de Valderrabano, a Thomas de Santa Mary.

Renesans. Rewolucja uszczelnienia muzycznego

Wynalazek Jana Gutenberga nowej technologii drukarskiej, która odbyła się w XV wieku, znalazła odzwierciedlenie we wszystkich sferach życia kulturalnego Europy. Nie pozostawiono na bok i sztuki muzycznej. Już w drugiej połowie XX wieku pierwsze drukarnia specjalizujące się w publikacjach muzycznych pojawiają się w Holandii i Niemczech. Proces tworzenia książek poświęconych muzyce był dość pracochłonny. Każda strona została wydrukowana trzy razy: pierwsza uszczelka - dla nowego młyna, druga uszczelka - i trzeci - dla numerów tekstu i stron.
Collectorium Super Magnificat, stworzony przez Herssona z Esslinna w 1473 roku, a Missale Romanum, drukowane w 1476 r. W warsztacie rzymskim Ulrich Khan, uważa się za pierwszą kompilację muzyki muzyki.
Początkowo ośrodki publikacji muzycznych stały się kulturowo rozwinął się włoskimi miastami w Wenecji, Mediolanie, Florencji i Neapolu, gdzie lokalni bogate arystokraci pod każdym względem popierali wydawców. Najbardziej znanym włoskim drukarkami były Ottaviano Petrucci, Andrea Antiko, a później Antonio Gardano.
Najbardziej znany Renaissance Paris Primer - Pierre Atthannat (1494-1551), muzyk, który poświęcił życie do publikacji piosenek, Messe Kościoła i śpiewy. Najpopularniejszym Edycją Othannata jest kolekcja Chansons Nouvelles, opublikowana w 1527 roku. Szybki rozwój prasy o publikacjach muzycznych było możliwe dzięki działalnościom i innym świetnym drukarkom: Jacques Mozhell (Lyon), Tilman Sustato (Amberres), Thomas Talisa i Villaas Bird (Londyn).

Ministerstwo Edukacji Federacji Rosyjskiej

Moskwa Uniwersytet Pedagogiczny

im. M.a.sholokhova.

Katedra Edukacji Estetycznej

PRACA PISEMNA

"Muzyka renesansu"

Uczniowie 5 (liczba)

Pełny etat - Przedział absentee

Sleepy Love Pavlovna.

Nauczyciel:

Zsepina Maria Borisovna.

Moskwa 2005.

Odrodzenie - ERA Kątej Kultury Europy Zachodniej i Środkowej podczas przejścia od średniowiecza do nowego czasu (XV-XVII wieku). Kultura ożywienia nie zwęża się i często odzwierciedla nastrój szerokich mas, w kulturze muzycznej przedstawia kilka nowych wpływowych szkół kreatywnych. Głównym prętem ideologicznym całej kultury tego okresu był humanizm - nowy, bezprecedensowy pomysł na osobę jako bezpłatny i kompleksowo rozwinięty stworzenie zdolne do nieograniczonego postępu. Człowiek jest głównym przedmiotem sztuki i literatury, twórczych największych przedstawicieli kultury renesansowej - F. Petrarki i D. Boccacio, Leonardo da Vinci i Michelangelo, Raphael i Titysta. Większość postaci kulturowych tej ery samych była uwolnionymi ludźmi. Tak więc Leonardo Da Vinci był nie tylko wybitnym artystą, ale także rzeźbiarzem, naukiem, pisarzem, architektem, kompozytorem; Michelangelo jest znany nie tylko jako rzeźbiarz, ale także jako malarz, poeta, muzyk.

Rozwój światopoglądu i całej kultury tego okresu narzucił odcisk palca po starożytnych próbkach. W muzyce, wraz z nową treścią rozwijają się również nowe formy i gatunki (piosenki, Madrigals, Ballads, Opery, Cantata, Oratorium).

Ze wszystkimi integralnością i wykończeniami kultury renesansowej w pierwszej rzeczy charakteryzują się cechami sprzecznych związanych z osłabieniem elementów nowej kultury ze starym. Religijne tematy w tej dziedzinie tego okresu nadal istnieją nie tylko istnieją, ale także do rozwoju. Jednocześnie jest tak przekształcony, że praca oparta na nim jest postrzegana jako sceny gatunkowe z życia szlachetnych i zwykłych ludzi.

Włoska kultura renesansu miała miejsce pewne etapy rozwoju: pojawił się pod koniec XIV wieku, dotarł do jego hodeda w środku XV wczesnego XVI wieku. W drugiej połowie XVI wieku. Istnieje długa reakcja feudalna z powodu spadku gospodarczego i politycznego kraju. Humanizm doświadcza kryzysu. Jednak spadek sztuki nie jest oznaczony niezwykle: kolejne dziesięcioleci są włoskimi artystami i poetami, rzeźbiarzy i architekci stworzyli prace o najwyższym znaczeniu artystycznym, rozwój powiązań między różnymi kreatywnymi szkołami, wymianę doświadczeń między muzykami, przemieszczającą się Kraj do kraju pracował w różnych kaplicach, staje się znakiem i pozwala nam mówić o trendach wspólnych do całej ery.

Renesans - jedna z genialnych stron historii europejskiej kultury muzycznej. Konstelacja wielkich nazwiska Goskene, Ombrecht, Palestrina, O.Lomo, Jesaldo, który otworzył nowe horyzonty do muzycznej kreatywności w środkach ekspresywności, bogactwa polifonii, skali form; kwitnąca i wysokiej jakości aktualizacja tradycyjnych gatunków - Mott, Mass; Zatwierdzenie nowych wzorów, nowe intonacje w sferze multi-głosowych kompozycji, szybki rozwój muzyki instrumentalnej, opublikowanej na czołówce po prawie pięciokrotnym stanie podrzędnym: inne formy zmiażdżenia, wzrostu profesjonalizmu we wszystkich obszarach kreatywności muzycznej : Zmiana poglądów na temat roli i szans na sztukę muzyczną, tworzenie nowych kryteriów kosmetycznych: Humanizm jako naprawdę manifestowany trend we wszystkich dziedzinach artystycznych - wszystko to jest spowodowane naszymi pomysłami na temat renesansu. Renaissance Art Culture jest osobistym początkiem ze wsparciem dla nauki. Niezwykle złożona umiejętność polifonistów XV - XVI, ich technika wirtuozowa dostała się wraz z jasną sztuką tańców domowych, wyrafinowanie świeckich gatunków. Zwiększenie ekspresji w pracach uzyskuje się przez dramat liryczny. Ponadto osobowość danej osoby, kreatywna indywidualność artysty pojawia się w jaśniejszym (jest to charakterystyczne nie tylko dla sztuki muzycznej), co pozwala nam mówić o gummanizacji jako głównej zasady sztuki renesansowej. W tym samym czasie, muzyka kościelna, reprezentowana przez takie duże gatunki, jako masę i motet, nadal jest "gotyckim" linią w dziedzinie odrodzenia, skierowane przede wszystkim, aby odtworzyć już istniejący kanon i przez niego gloryfikacja boski.

Prace prawie wszystkich głównych gatunków zarówno świeckich, jak i duchowych, są zbudowane na podstawie dowolnego znanego materiału muzycznego. Może to być źródło samowłosy w mottach i różnych gatunkach świeckich, obróbce instrumentalnej; Mogą to być dwa głosy pożyczone z trójfulowej kompozycji i zawarte w nowym produkcie tego samego lub innego gatunku i wreszcie, pełne trzy- lub czterokrotniejszych (motet, Madrigal, działających na wstępnym "modelu" pracy większej formy (Massa).

Głównym źródłem działa równie i popularne, znane splątanie (utwór chóralny lub świecki) oraz jakiś rodzaj eseju praw autorskich (lub głosów z niego), przetworzonych przez innych kompozytorów, a zatem obdarzony innymi cechami dźwięku, innej idei artystycznej .

Na przykład w gatunku motty nie ma prawie żadnych dzieł, które nie mają oryginału źródła. Większość kompozytorów masowych XV-XVI stuleci ma również pierwsze źródła: więc paleeteris całkowitej liczby ponad stu bścisków, które znajdziemy tylko sześć napisane oparte na pożyczceniu opartym na podstawie. O. Lasso nie napisał żadnej masy (z 58) na materiale autora.

Można zauważyć, że jest dość wyraźnie wskazany przez krąg źródeł podstawowych, które są oparte na autorach. Dufai, I. Okhem, Ya. Oberecht, Palestrina, O. Lasso i inni. Jakby konkurują ze sobą, ponownie i ponownie odnoszą się do jednego melodii, rysując od nich za każdym razem, nowe impulsy artystyczne dla ich dzieł, w nowym sposób zrozumienia melodii jako początkowe intonational pierwotne formy polifoniczne.

W wykonaniu pracy przyjęcie zostało użyte - polifonię. Polifonia jest polifonią, w której wszystkie głosy są równe. Wszystkie głosy powtarzają jedną melodię, ale w różnych czasach, jak echo. Ta technika nazywana jest imitacją polifoniczną.

Przez XV wieku, tzw. Polifonię "ścisłą literę", zasady (normy głosowania, formacji, etc.) odnotowano w traktach teoretycznych w tym czasie i były niezmiennym prawem tworzenia muzyki kościelnej.

Kolejne połączenie, gdy wykonanie wypowiadane w tym samym czasie różne melodie i różne teksty nazywane są kontrastowe polifonię. Ogólnie rzecz biorąc, "ścisły" styl koniecznie oznacza polifonię jednego z dwóch typów: symulacji lub kontrastującego. Jest to symulacja i kontrastowa polifonia, która umożliwiła komponowanie motorów wielopoziomowych i MASES dla usług kościelnych.

Motet jest małą piosenką chóralną, która zwykle składała się na każdej popularnej melodii, najczęściej na jednym ze starych melodii kościelnych ("Grigorian Chorals" i inne źródła kanoniczne, a także muzykę wysokiej klasy).

Od początku wieku XV wieku, w kulturze muzycznej wielu krajów europejskich, pojawiają się cechy związane z epoką renesansu. Widoczne wśród wczesnych polifoniści Renaissance Holandii, Guillae Dufa (Dufai) urodził się we Flandrii około 1400 roku. Jego prace, w istocie, są ponad pół wieku sceny w historii Holandii School of Music, która założyła w drugim kwartale XV wieku.

Dufai doprowadziły kilka kaplic, w tym Pakaya w Rzymie, pracował we Florencji i Bolonii, a ostatnie lata życia spędzone w jego rodzimej kamerze. Dziedzictwo Dufai jest bogate i obfite: obejmuje około 80 utworów (gatunki kameralne - Vioss, Ballads, Rondo), około 30 moteli (zarówno zawartości duchowej, jak i świeckiej, "piosenki"), 9 pełnych brudu i ich poszczególnych części.

Doskonała melodia, która osiągnęła liryczne ciepło i wyraz małej narty, rzadko w erze ścisłego stylu, chętnie odwołał się do popularnych melodii, wystawiając je do przetwarzania błyszczącego. Dufai wprowadza wiele nowych rzeczy w masie: szerszy obraca kompozycję całej kompozycji, swobodnie korzysta z kontrastów chóralnych dźwięku. Jedną z najlepszych prac jest masa "blada człowiek", "uzbrojony człowiek", w którym używane są pożyczone melodie pochodzenia piosenek. Piosenki te w różnych wersjach stanowią intonarą-tematyczną rozszerzoną bazę, która zapinająca jedność dużych cykli chóralnych. W polifonicznym rozwoju wspaniałego kredytu, ujawniają niszczycielskie w ich głębokościach, nieznanych pięknach i ekspresyjnych możliwościach. Melodia Dufai Harmonijnie łączy świeżość tarta z holenderskich piosenek z zmiękczającą włoską piosenkarką i francuską łaską. Polifonia symulacyjna jest pozbawiona sztuczności i dysz. Czasami tkanie staje się nadmierna, wystąpi pustka. Wpływa na nie tylko młodzież sztuki, która nie znalazła jeszcze idealnej równowagi struktury, ale także charakterystyczna dla Mistrza Cambria, pragnienie osiągnięcia artystycznego i wyrazistego wyniku z najbardziej skromnych środków.

Prace młodszych współczesnych Dufai - Iohannes Okhemema i Jacob Oberacha są już skierowane już do tzw. Drugiej szkoły Holandii. Oba kompozytorzy są największymi postaciami ich czasu, który określił rozwój polifonii Holenderskiej w drugiej połowie XV wieku.

Johannes Okhem (1425 - 1497) Większość życia pracowała w kaplicy królów francuskich. W obliczu Okhemema przed Europą zafascynowany miękką, piosenkarza Dufai, naiwnego-moce i archaicznie jaskrawy przegląda jego Mesa i Motetov, był zupełnie innym artystą - "Rationalist z niepokojącym okiem" i wyrafinowanym piórem technicznym, Czasami unikając liraranizmu i wkrótce mieszano szybko wychwytywanie muzyki, niezwykle ogólne wzorce obiektywnej egzystencji. Odkrył niesamowity mistrzostwo rozwoju linii melodycznych w zespołach polifonicznych. Jego muzyka jest nieodłączna w niektórych gotyckich cechach: zdjęcia, out-in-wózgowa natura ekspresywności itp. Stworzył 11 pełny bałagan (i kilka ich części), w tym tematu "uzbrojony człowiek", 13 motes i 22 piosenek. Jest to duże gatunki polifoniczne, które stoją w pierwszej kolejności. Niektóre piosenki zyskały popularność współczesnych i wielokrotnie służyły pierwotne za leczenia polifoniczne w większych formach.

Kreatywny przykład Okhemema jako największego mistrza i czystej polifonicy był o dużym znaczeniu dla współczesnych i zwolenników: Jego bezkompromisowe koncentracja na specjalnych problemach inspirowany polifonii, jeśli nie kult, dała początek legendy i otoczyć jego imię do aureola.

Wśród tych, którzy związali XV wieku z poniższym chronologicznym, ale także zasadniczo kreatywnym rozwojem, pierwsze miejsce, bez wątpienia należy do Jacob OBRECH. Urodził się w 1450 r. W Bergen-Op-Zoom. Obracht pracował w kaplicach Antwerpii, Cambre, Brunet itp., Służył we Włoszech.

W kreatywnym dziedzictwie Obrecht - 25 mes, około 20 moteli, 30 piosenek polifonicznych. Od poprzedników i starszych współczesnych odziedziczył wysoko rozwiniętych, a nawet wirtuozowych technik polifonicznych, imitacji i technik kanonicznych polifonii. W muzyce Oracle, w pełni polifoniczny, słyszymy czasami specjalną fortecę przynajmniej niejawnych emocji, odwagi kontrastów w dużych i niskich granicach, dość "Ziemi", prawie gospodarstw domowych w charakterze dźwięku i partii formacji . Jego światopogląd przestaje być gotyckim. Porusza się do Goskien Dew - prawdziwy przedstawiciel renesansu w sztuce muzycznej.

Charakteryzuje się indywidualnymi cechami, w tym odpadami z nieobecności gotyckiej, powodując opozycję, moc emocji, komunikacja z gatunkami domowymi.

Pierwsza trzecia część XVI wieku we Włoszech jest okresem wysokiego badania, czas twórczej podnoszenia i bezprecedensowej doskonałości, która została wykonana w wielkich dziełach Leonardo da Vinci, Rafaela, Michałańska. Rozwijana jest pewna warstwa publiczna, których postacie teatralne są zorganizowane, wakacje muzyczne. Działania różnych akademii rozwoju sztuki.

Nieco później wysoki rozkwit występuje w sztuce muzycznej, nie tylko Włoch, ale także Niemcy, Francja, inne kraje. Imprinting jest konieczności rozprzestrzeniania prac muzycznych.

Tradycje szkoły polifonicznej pozostają nadal silne (w szczególności, istnieje taka sama wartość wsparcia dla próbki), ale stosunek do wyboru tematów zmienia się, nasycenie prac w kształcie emocjonalnym wzrasta, osobiste, prawa autorskie wzrasta. Wszystkie te funkcje pojawiają się już w pracy włoskiego kompozytora Zosken Rosa, który urodził się około 1450 r. W Burgundii i byłym jednym z największych kompozytorów School of Holandia końca XV - wczesnego XVI wieku. Poddłużone doskonałym głosem i słuchem, służył jako niebo w chórach kościelnych w ojczyźnie iw innych krajach. Jest wczesny i bliski kontakt z wysoką sztuką chóralną, aktywnie praktyczne uczenie się wielkich artystycznych skarbów muzyki kultowej w dużej mierze określało kierunek, w którym poszedł indywidualność przyszłości genialnego mistrza, jego styl i zainteresowania gatunków.

W młodej latach rosa dowiedziała się sztuki kompozycji w I. Okhemema, którego zaspokoił również zadowolony w grze na różnych instrumentach muzycznych.

W przyszłości, Zoskień rosa próbował swoich sił we wszystkich tych, którzy istniały w czasie gatunków muzycznych, tworząc psalmy, motory, masę, muzykę na pasji Pana, eseje na cześć św. Maryi i świeckich piosenek.

Pierwszą rzeczą, która spływa w oczy w kompozycjach depere, jest uderzającą techniką kontekstową, która pozwala autorze być uważany za prawdziwy odpowiednik-wirtuoz. Jednak pomimo pełnego posiadania materiału, Dew napisał bardzo powoli, bardzo krytyczne bada jego prace. Podczas badanej realizacji pismów przyniósł w nich wiele zmian, starając się osiągnąć nienaganną ścinanie, które nigdy nie wprowadziły do \u200b\u200bofiary do przeciwpożarowych splotów.

Używając tylko form polifonicznych, kompozytor w niektórych przypadkach daje górny głos niezwykle pięknie wylewania melodii, dzięki czemu jego praca różni się nie tylko z kolawiącym, ale także melodyjną.

Nie chcąc wykraczać poza rygorystyczne wymuszenie, rosa, aby złagodzić dysonanse, w jaki sposób przygotowałaby je za pomocą notatki dyszy w poprzedniej konsoniance jako ochronę. Bardzo fortuna jako środek do wzmocnienia muzycznego wyrażenia usuwania usuwania dysonansów.

Konieczne jest przejadanie się, że J. Delera z pełnym prawem można uznać za nie tylko utalentowany kontekstistę i wrażliwym muzykiem, ale także wspaniałym artystą, który może przekazać w swoich pracach najcieńszych odcieni uczuć i różnych nastrojów.

Zoskien był technicznie i estetycznie silniejszy niż włoscy i francuskich polifoniści XV wieku. Dlatego w dziedzinie czystego musical, znacząco wpłynął, a nie doświadczyć ich wpływów. Przed śmiercią, Dele został prowadzony przez najlepsze kaplice w Rzymie, Florencji, Paryżu. Zawsze był równie poświęcony swojej pracy, przyczyniając się do rozprzestrzeniania się i uznania muzyki. Pozostał Holandia, "Mistrz z Conde". I bez względu na to, że zróżnicowanie i wyróżnienia były genialne, podczas gdy Pan muzyki "był niezbędny (tzw. Jego współczesne), posłuszecem niewiele" wezwania ziemi ", już na zboczu jego lat wrócił do Shores of Shelda i skromnie ukończył swoją ścieżkę życia z kanonem.

We Włoszech, w epoce o wysokiej renesance, obserwuje się kwitnących gatunków świeckich. Gatunki głosowe rozwijają się w dwóch głównych obszarach - jeden z nich jest blisko utworu domowego i tańca (fotols, Villanoers itp.), Drugi związany jest z tradycją polifoniczną (Madrigal).

Madrigal jako specjalna forma muzyczna i poetycka dała niezwykłą możliwością manifestacji osobowości kompozytora. Główna zawartość jego tekstów, scen gatunków. W szkole weneckiej gatunki muzyki scenicznej kwitnąły (próba ożywienia starożytnej tragedii). Uzyskane formularze instrumentalne Niepodległości (odtwarza się do Lutni, Viuela, narządów i innych narzędzi).

Bibliografia:

Efremova t.f. Nowy słownik języka rosyjskiego. Tolkovo - formatywny obraz. - M.: Rus. Yaz .., 2000. 1: A - O - 1209 p.

Krótki słownik na estetykę. M., Polizdat, 1964. 543 p.

Popularna historia muzyki.

Tikhonova A. I. Odrodzenie i barok: książka do czytania - m.: LLC "Wydawnictwo" Rosman - prasa ", 2003. - 109 p.