Temat, jaki przedstawił artystę. Zdjęcia i artystów (Topik po angielsku)
Obrazy i malarze.
Sztuka zawsze była sposobem na zrozumienie świata i wyrażanie uczuć i emocji. Istnieje wiele różnych form sztuki i malarstwa to tylko jeden z nich.
Horace powiedział, że "obraz jest wierszem bez słów" i rzeczywiście tak jest. Przez wieki opracowało wiele technik, aby umożliwić artystom przekształcić swoje uczucia w obrazy na płótnie.
Rosyjska Republika Rosyjska Sztuka rosyjska, która znajduje się na wiele sposobów wyjątkowych i zawsze pod wrażeniem ludzi na całym świecie. Pochodzi ze świata znanych malarzy, najbardziej znanych z nich jest Andrey Rubyov.
Wielu rosyjskich malarzy chwalą piękno rosyjskiej natury w swoich pracach. Ivan Shishkin jest szczególnie znany z płótnach reprezentujących rosyjski las (np. "Rano w lesie sosnowym"), podczas gdy Isaac Levitan pochodną inspiracją z rosyjskiej jesieni.
PEREDVIZNIKI obejmowała artystów XIX wieku. Jednym z nich był Ilya Repin, który jest artystą obchodzącą dla swoich dużych płótnach, takich jak "Ivan Straszny i jego syna Ivan" lub "Barka Waulers na Wołdze". Victor Vasnetsov wybrał ludowy rosyjski styl dla swoich "Bogatyrs", a Michaił Vrubel jest notim na oryginalność Thougoht. Jego "demon" jest owoc jego fantastycznej wyobraźni.
Ivan Aivazovsky zyskał światową sławę przez jego romantyczne obrazy reprezentujące morze. "Dziewiąta fala" to arcydzieło ujawniające piękno potężnego morza w burzliwym dniu.
Rosyjska sztuka jest wystawiana w państwie Muzeum Rosyjskiego w Saint-Petersburgu. A w Departamencie English Art w pustelni możesz cieszyć się kilkoma arcydziełami brytyjskich malarzy.
Jednym z najbardziej znanych z nich jest John Constable - Angielski romantyczny malarz, który jest głównie znany z malowidłach krajobrazowych Dedham Vale, obszar w pobliżu jego domu w Suffolk, który jest obecnie znany jako "Constable Country".
William Turner był artystą krajobrazową, której styl można powiedzieć, że położył fundament na impresjonizm.
William Hogarth jest znany nie tylko dla portretów, ale także do serii obrazów z Satiic Details charakteryzującym angielski High Society, w 1740 roku.
Thomas Gainsborough jest jednym z najbardziej znanych malarzy portretowych i krajobrazowych XVIII Century Wielkiej Brytanii. W Galerii Narodowej, Londyn, możesz zobaczyć kolorowy obraz "Pan. i pani. Andrews », który jest kombinacją rodzinnego portretu i krajobrazu, a ciemny portret" Mr i pani William Hal-Lett ", który jest przykłady Gainsborough Dojrzały styl.
William Blake to angielski poeta i malarz. W dużej mierze w dużej mierze nierozpoznany podczas swojego życia, jego prace uważane za znaczącą w historii obu poezji i sztuk wizualnych. Jego obrazy mogą wydawać się bardzo niezwykłe i fantastyczne. Na przykład, przedstawił Izaaka Newtona jako boski geometr.
Zdjęcia i artyści
Sztuka zawsze była sposobem na zrozumienie świata i wyrazić uczucia i emocje. Istnieje wiele form sztuki, a malarstwo jest tylko jednym z nich.
Horace powiedział, że "obraz jest wersetowy, tylko bez słów" i to jest tak. Wraz ze stuleciami opracowano różne techniki, umożliwiając artystów, aby zamieniły swoje uczucia na obrazy na płótnie.
Rosyjscy artyści reprezentują rosyjską sztukę, która jest w dużej mierze wyjątkowa i która zawsze zaskoczył ludzi na całym świecie. Prowadzi swoje pochodzenie ze światowej słynnej ikony malarzy, z których najbardziej znany jest Andrei Rublev.
Wielu rosyjskich artystów intonuje piękno rosyjskiej natury w swoich pracach. Ivan Shishkin jest szczególnie znany ze swoich płótnach z wizerunkiem rosyjskiego lasu, takiego jak "rano w sosnowym lesie", podczas gdy Isaac Levitan krzyczy inspirację w rosyjskiej jesieni.
Film obejmował artystów XIX wieku. Jednym z nich był Ilya Repin - artysta słyną z dużych płótnach, takich jak "Ivan Straszny i Syn Jego Iwana" lub "Burlaki na Wołdze". Victor Vasnetsov wybrał styl rosyjsko-ludowy dla swojego "bohatera". Michail Vrubel jest znany z oryginalności myśli. Jego "demon" jest owocem fantastycznej wyobraźni.
Ivan Aivazovsky otrzymał sławę światową ze względu na romantyczny obraz morza. "Ninth Shaft" to arcydzieło, które otwiera piękno mocy w burzy.
Rosyjska sztuka jest reprezentowana w państwie Muzeum Rosyjskiego w Petersburgu. W działu Ermitage można cieszyć się kilkoma arcydziełami brytyjskich artystów.
Jednym z najbardziej znanych z nich jest John Constable - angielski malarz romantyczny, dobrze znany, głównie z krajobrazami dziadek Valley Vale - obszar w pobliżu jego domu w Suffal-Ke, który jest dzisiaj znany jako ziemia konstrukcji .
William Turner był systemem krajobrazowym, można powiedzieć, że jego styl położył początek impresjonizmu.
William Hogart jest znany nie tylko przez jego portrety, ale także szereg obrazów z satyrycznymi szczegółami charakteryzującymi się angielskim społeczeństwem w latach 1740.
Thomas Gainesboro jest jednym z najbardziej znanych portretów i krajobrazowych graczy w Wielkiej Brytanii XVIII wieku. W Galerii Narodowej w Londynie można zobaczyć kolorowe zdjęcie "Pan i pani Andrews", która jest połączeniem portretu rodzinnego i krajobrazu, a ciemny portret Mistra i pani William Hallett ", który służy jako Przykład bardziej dojrzałego stylu geinsboro.
William Blake - angielski poeta i artysta. Nierozpoznany w życiu, dziś jego praca jest uważana za ważne w historii i poezji oraz sztuk wizualnych. Jego obrazy mogą wydawać się niezwykłe i fantastyczne. Na przykład przedstawiał Isaac Newtona jako boski geometr.
Słownictwo:
płótno - płótno, płótno
Świętowany - sławny
Przedstawić - przedstawiać
Czerpać inspirację - zdobądź inspirację
Boski - boskość
Wywołaj - zadzwoń, obudzony (uczucia)
Wykłada - służyć jako przykład
Folk - ludzie.
Owoce wyobraźni - owoce wyobraźni
Horace - Horace
Krajobraz - krajobraz
Artysta krajobrazu - krajobraz
Połóż podstawę (na) - położyć podstawę, start
Arcydzieło - arcydzieło
Dojrzałe - dojrzałe
Potężny - potężny, potężny
Zauważony - zauważalny, sławny
Pochodzenie - odbierz start
Pochwała - Pochwała
Przeważać - przeważają
Znany - sławny
Ujawnij - otwarty, pasek
Nierozpoznany - nierozpoznany
Sztuka wizualna - sztuki dzieł
Znany na całym świecie - znany na całym świecie
Odpowiedz na pytania
L. Co Horace powiedział o obrazach? Jak rozumiesz swoje słowa?
2. Kto jest Andrey Rublyov? Z czego jest znany?
3. Co rosyjscy artyści chwalili piękno przyrody?
4. Jakie artyści nazywają się Peredvizniki?
5. Jakie obrazy Ilya repin wiesz?
6. Czym jest znany Ivan Aivazovsky?
7. W jakich muzeach widzisz obrazy rosyjskiego artystki?
8. W jakich muzeach widzisz obrazy brytyjskich artystów?
9. Co to jest "krajowy kraj"? Dlaczego tak się nazywa?
10. Czyj styl położył fundament na impresjonizm?
11. Który malarz znawca był również znany ze satyrichalskiego przedstawienia wysokiego społeczeństwa?
12. Z czego słynie Thomas Gainsborough?
13. Co wiesz o William Blake? 13. Wat Czy wiesz o William Blake
14. Jakie są twoi ulubieni artyści i dlaczego?
Dziś prezentujemy dwadzieścia obrazów, które są godne uwagi i uznawania. Obrazy te napisały znanych artystów, a nie tylko osoba, która pracuje jako sztuka powinna być znana, ale także łatwo śmiertelni ludzie, jak kołnierze sztuki nasze życie, estetyka pogłębia nasz widok na świat. Daj swojemu miejscu w swojej sztuce życia ...
1. "Ostatnia kolacja". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498
Monumentalny obraz Leonardo da Vinci, przedstawiający scenę ostatniej maniuremy Chrystusa ze swoimi uczniami. Utworzono w 1495-1498 w Monasterze Dominikanów Santa Maria Delle Grazie w Mediolanie.
Malarstwo zostało zamówione przez Leonardo jego patrona, księcia Lodovico Sforza i jego żony Beatrice D'Est. Herb malowane linii Sforza na obrazie, utworzonym przez sufit z trzema łukami. Obraz został uruchomiony w 1495 r. I został ukończony w 1498 r.; Praca poszła z przerwami. Początek pracy nie jest dokładny, ponieważ "Archiwum klasztoru zostały zniszczone, a nieznaczną częścią mamy dokumentów, z 1497 r., Kiedy obraz był prawie zakończony".
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: reprodukowana głębokość perspektyw zmieniła kierunek rozwoju malowania Zachodu.
Uważa się, że na tym zdjęciu wiele tajemnic i wskazówek jest ukrytych - na przykład, istnieje założenie, że wizerunek Jezusa i Judy jest odpisany od jednej osoby. Kiedy Da Vinci napisał zdjęcie, w jego wizji, Jezus uosadził dobry, podczas gdy Judasz był bardzo złem. A kiedy mistrz znalazł "jego Judasz" (pijak z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak służył jako kilka lat przed prototypem pisania wizerunku Jezusa. W ten sposób można powiedzieć, że obraz zdobył osobę w różnych okresach jego życia.
2. "Słoneczniki". Vincent Van Gogh, 1887
Nazwa dwóch cykli holenderskiego artysty Vincent Van Gogh. Pierwsza seria jest wykonywana w Paryżu w 1887 roku. Jest dedykowany do leżenia kolorów. Druga seria została zakończona w ciągu roku w Arle. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwie obrazy Paryskie nabyły przyjaciela Van Gogha Paul Gajn.
Artysta napisał słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy zostały stworzone w Paryżu w sierpniu - 1887 września. Duże kwiaty cięte kłamają jak jakiś wybitne stworzenia w naszych oczach.
3. "dziewiąta Val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi?, 1850.
Jednym z najsłynniejszych obrazów rosyjskiej marinistę artysty Ivan Aivazovsky trzyma się w Muzeum Rosji.
Malarz przedstawia morze po najsilniejszej burzy nocnej i ludziom, którzy cierpią wrak. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największym jest dziewiąte drzewo - gotowy do upadku na ludzi próbujących uciec na wrakie masztu.
Pomimo faktu, że statek został zniszczony i pozostał tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z elementami. Ciepłe dźwięki obrazu sprawiają, że morze nie są tak surowe i dają widzowi nadzieję, że ludzie zostaną zapisani.
Utworzono na zdjęciu 1850 "Dziewiąta Val" natychmiast stała się najbardziej znana ze wszystkich jego morskich i została nabyta przez Nikolai I.
4. "Mach Nude". Francisco Goya, 1797-1800.
Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goya, napisany około 1797-1800. Tworzy parę ze zdjęciem "Maja Vestida". Zdjęcia przedstawione MAHA - Hiszpańskie miasto i XIII-XIX stuleci, jeden z ulubionych obiektów obrazu artysty. "Mach jest nagie" jest jedną z wczesnych dzieł sztuki zachodniej przedstawiającej całkowicie naga kobieta bez silnych lub negatywnych konotacji.
5. "Latanie w miłości". Mark Chagall, 1914-1918.
Pracując na zdjęciu "nad miastem" rozpoczął się w 1914 roku, a ostatnie uderzenie Mistrza Mistrza było dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella od ukochanego odwróciła się nie tylko do uroczego małżonka, ale także matki ich córki IDIS, na zawsze staje się głównym maksimalnym malarzem. Związek bogatej córki biżuterii przestępczej i prostego żydowskiego młodego człowieka, którego ojciec zdobył życie, rozładunku śledzia, w przeciwnym razie nie zadzwonię do Melrealli, ale miłość była silniejsza i nakłada się na wszystkie konwencje. To ta miłość owinięta wokół nich, wznosząc się do nieba.
Karina przedstawia dwie miłości Shagal - Bella i Drogi Heart Vitebsk. Ulice są prezentowane w formie domów oddzielonych wysokim ciemnym ogrodzeniem. Niezwód, widz zauważą kozę, wypas po lewej stronie środka malarstwa, a prosty człowiek z haczyznymi spodniami w czołówce - Soufold z malarza, zerwając się z ogólnego kontekstu i romantyczny nastrój pracy, ale wszystko jest ...
6. "Twarz wojny". Salvador Dali, 1940.
Obraz hiszpańskiego artysty El Salvador Dali, napisany w 1940 roku.
Obraz został utworzony na drodze do Stanów Zjednoczonych. Wrażeniem tragedii przerwał na świecie, krwiożercy polityków, Mistrz zaczyna pracować na parowcu. Znajduje się w Muzeum Bumanza-Van Beningen w Rotterdamie.
Stracił wszystkie nadzieje na normalne życie w Europie, artysta z ukochanych paryskich liści do Ameryki. Wojna obejmuje stare światło i stara się uchwycić cały pozostały świat. Mistrz nadal nie wie, że pobyt w nowym świecie przez osiem lat sprawi, że będzie naprawdę znany, a jego pracą jest arcydzieła świata malarstwa.
7. "Creek". Edward Munk, 1893
"Creek" (Norv. Skrik) - stworzony w przedziale między 1893 a 1910 r. Seria obrazów norweskich artysta-ekspresjonista Edwarda Minki. Przedstawiają ludzką postać krzyczącą w rozpaczy na tle krwawego czerwonego nieba i niezwykle uogólnionego krajobrazu. W 1895 r. Munch stworzył litografię na tej samej działce.
Czerwony, ognisty gorący niebo zakrywał zimny fjord, który z kolei daje początek fantastycznego cienia, podobnego do północnego potwora. Stres zniekształca przestrzeń, linie pękły, kolory nie są spójne, perspektywa jest zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że \u200b\u200bfabuła obrazów jest owocem chorej fantazji osoby niezdrowej psychicznie. Ktoś widzi koncentrowanie katastrofy ekologicznej w pracy, ktoś rozwiązuje pytanie, o której mumia zainspirowała autora do tej pracy.
8. "Dziewczyna z perłą służą". Jan Vermeer, 1665
Zdjęć "Dziewczyna z Pearl Serving" (Notera ". Het Meisje Met De Parel") został napisany około 1665 roku. W tym czasie przechowywane jest w Muzeum Mauritzheis, Miasto Haga, Holandia i jest wizytą Muzeum. Obraz, który otrzymał pseudonimu Holenderskiej Mony Lisy lub Mona Lisa na północy, został napisany w gatunku Tronie.
Dzięki filmie Peter Webber's Film "z perłą służącą" 2003, ogromna liczba osób daleko od malarstwa, dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artysty Jan Vermeer, a także jego najsłynniejszy obraz "Dziewczyna z obsługą perłową".
9. "Babylonian Tower". Peter Bruegel, 1563
Słynny obraz artysty Peter Bruegel. Artysta stworzył co najmniej dwa zdjęcia na tej działce.
Obraz jest zlokalizowany - Muzeum Historii Sztuki, Wiednia.
Biblia ma historię o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby dostać się na niebo, ale Bóg zrobił tak, że rozmawiali w różnych językach, przestały się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. "Algierskie kobiety". Pablo Picasso, 1955
"Algierskie kobiety" - seria 15 płótnach, stworzonych przez Picassa w 1954-1955 na podstawie obrazu Ezhen Delacroix; Obrazy różnią się przydzielonym artystą z literałami od A do O. "Wersja o" została napisana 14 lutego 1955 r.; Przez chwilę należała do słynnego amerykańskiego montażu sztuki XX wieku Wiktor Gantse.
Wzór Pablo Picasso "Algierskie kobiety (wersja O)" została sprzedana za 180 milionów dolarów.
11. "Nowa planeta". Konstantin Jun, 1921
Rosyjski radziecki malarz, krajobraz mistrza, artysta teatralny, teorysta sztuki. Akademik AH ZSRR. Artysta ludzi ZSRR. Zwycięzca stalinowskiej premii pierwszego stopnia. WCP członków od 1951 roku.
Jest to niesamowite, stworzone w 1921 r. dekada XX wieku. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia po prostu pochodzącego społeczeństwa radzieckiego. Co teraz czeka na ludzkość? Świetlana przyszłość? Jeszcze nie był jeszcze myślał, ale fakt, że Radziecka Rosja i cały świat wchodzi w erę zmian oczywiście, a także szybkie narodziny nowej planety.
12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754
Obraz Rafaela, który od 1754 r. Jest w galerii starych mistrzów w Dreźnie. Należy do liczby ogólnie przyjętych wierzchołków wysokiego odrodzenia.
Ogromny rozmiar (265? 196 cm, rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezno) został stworzony przez Rafaela dla Ołtarza Kościoła Klasztoru Saint Sict w Piacenz przez rozkaz Julii II. Istnieje hipoteza, że \u200b\u200bobraz został napisany w 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad francuskim, którzy zostali najął w Lombardii podczas Wojennych Wojnych, a późniejsze włączenie Piace w regionie papieskim.
13. "Spacer Mary Magdalene". Titysta (Tiziano Titshevero), napisane około 1565 roku
Obraz, napisany w około 1565 roku przez włoskiego artysty Titshevero. Należy do stanu Ermitażu w St. Petersburgu. Czasami data tworzenia jest wskazana jako "1560).
Modelem obrazu był Julia Festin, uderzając w artystę z WOPS odlewaniem złotymi włosami. Gotowe płótno było pod wrażeniem księcia Gonzagu i postanowił zamówić kopię. Później Titian, zmieniając tło i pozytywność kobiety, napisał parę więcej takich prac.
14. "Mona Lisa". Leonardo da Vinci, 1503-1505
Portret pani Liza del Jocondo, (Ial. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - malowanie Leonardo da Vinci, położone w Luwrze (Paryż, Francja), jedna z najbardziej znanych dzieł malarstwa na świecie, która uważa się za portret Lisa Gerardiniego, małżonków kupiec Florentynia Francesco Del Jocondo, napisane około 1503 -1505.
Według jednej z rozszerzonych wersji "Mona Lisa" - autoportret artysty.
15. "Rano w sosnowym lesie", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.
Obraz rosyjskich artystów Ivan Shishkin i Konstantin Savitsky. Savitsky napisał niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paul Tryceakow poruszył podpis, więc obraz przez obraz często wskazuje.
Projektowanie obrazu sugerowano Shishkin Savitsky, który później występował jako współautor i przedstawił dane niedźwiedzia. Niesie te różnice w pozach i ilościach (pierwsze były ich dwa) pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Zwierzęta okazały się z Savitsky tak skutecznie, że nawet podpisał na zdjęciu wraz z Shishkinem.
16. "Nie czekał". Ilya Repin, 1884-1888.
Obraz rosyjskiego artysty Ilya Repin (1844-1930), napisany w 1884-1888. Jest częścią spotkania Państwowej Galerii Tretyakowskiej.
Obraz pokazany na wystawie mobilnej XII jest zawarte w cyklu narracyjnym poświęconych losie rosyjskiej populacji rewolucyjnej.
17. "Piłka w Moulin de la Gaette", Pierre Auguste Renoir, 1876.
Obraz napisany przez francuski artysta Pierre Auguste Renoir w 1876 roku.
Miejsce, w którym obraz jest Muzeum D'Ors. Moulin de la Galette to niedrogi cukinia na Montmartre, gdzie zebrali studenci i młodzież Paryż.
18. "Gwiazdowa noc". Vincent Van Gogh, 1889 lat.
De Sterrennacht. - Obraz w Holandii Vincent Van Gogh, napisany w czerwcu 1889, z widokiem na predestal niebo nad fikcyjnym miastem z wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy de Provence. Od 1941 r. Jest przechowywany w Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku. Jest uważany za jeden z najlepszych dzieł Van Gogha i jednej z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.
19. "Stworzenie Adama". Michelangelo, 1511.
Michelangelo Fresco, napisany około 1511 roku. Fresk jest czwarty dziewięciu centralnych kompozycji sufitu kaplicy Sicastine.
"Tworzenie Adama" jest jedną z najwybitniejszych kompozycji malowania kaplicy Sicstinijskiej. W nieskończonej przestrzeni, boga-ojciec leci, otoczony przez overcall aniołów, z decydującą białą tuniką. Prawa ręka jest rozciągnięta w kierunku dłoni Adama i prawie ją dotknąć. Ciało Adama leżącego na zielonym klifie stopniowo przychodzi w ruchu, budzi się do życia. Cała kompozycja koncentruje się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impulsowi, a dłoń Adama bierze ją, dając całe ciało istotnej energii. Fakt, że ich ręce nie stykają się, Michelangelo podkreślił niemożliwość munduru Boskiej i człowieka. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, a nie wspaniałą zasadą, ale gigantyczną energią twórczą. W formie Adama Michelangelo moc i piękno ludzkiego ciała gonią. W rzeczywistości sam stworzenie osoby pojawia się przed nami, a moment, w którym dostaje duszę, namiętną wyszukiwanie boskiej, pragnienia wiedzy.
20. "Kiss in the star niebo". Gustav Klimt, 1905-1907.
Obraz Austriacki artysta Gustav Clima, napisany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu kreatywności Clima, zwanej "złotym", ostatnią pracą autora w jego "złotym okresie".
Na skale, na skraju polany kwiatowej, w Złotej Aure, są w sobie w pełni zatapialne, opuszczone z całego świata w miłości. Ze względu na niepewność miejsca tego, co się dzieje, wydaje się, że para przedstawiona na zdjęciu przechodzi poza czas i przestrzeń jest warunkiem kosmicznym, po drugiej stronie wszystkich stereotypów historycznych i społecznych i kataklizmów. Pełna prywatność i odwróciła twarz mężczyzny, podkreślając tylko wrażenie izolacji i przedłużenia w kierunku obserwatora.
Źródło - Wikipedia, Muzei-mira.com, Say-hi.me
20 obrazów, których każdy powinien wiedzieć (historia malarstwa) Zaktualizowano: 23 listopada 2016 przez autora: stronie internetowej
Okazuje się, że te zdjęcia niektórych znanych artystów ukrywają inne obrazy. Czasami, jeśli uważnie się spojrzysz, są widoczne do nagiego oka. Ale częściej historycy sztuki znajdują się w trakcie badania sieci znanych mistrzów lub przywrócników pracujących nad przywróceniem płótna. W naszym przeglądarce sześć bardziej interesujących przypadków, gdy zdjęcia były ukryte w sobie.
Odpowiadając na kwestię ukrytych obrazów, naukowcy zauważają, że przyczyny ich wyglądu na znanych płótnach są różne. Czasami artysta po prostu nie podobała się początkową opcją, czasami obraz musiała przerysować z powodu opinii publicznej, a stało się, że artyści okazali się być w wyróżnionej sytuacji finansowej, nie mogła sobie pozwolić na zakup nowej płótno i dla ich Nowe prace używane stare.
1. Popiersie monarchy na zdjęciu Jean OWysto Engra
Po lewej stronie francuskiego neoklasycznego artysty growiny ", Portret Jacquesa Mark, Baron de Montbreton de Norsen" (1811-12), który pokazuje szefa policji w Rzymie po podboju miasta Napoleona, nawet gołym okiem widzenia popiersienia dziecka. Uważa się, że jest to popiersie głowy Syna Napoleona, którego ojciec ogłosił króla Rzymu. W 1814 r., Kiedy Napoleon w końcu cierpiał i wyrzekł się tronem, Enchulowanie malował obraz o powody politycznych i napisał nowy na nim.
2. Kobieta w Picasso obraz "Stary gitarzysta"
Pablo Picasso w latach 1901-1904 był trudnym okresem, kiedy nie miał pieniędzy nawet do zakupu nowych materiałów do pracy. Często uruchamiał stare płótna i użył ich do tworzenia nowych obrazów. Jednym z najbardziej znanych przykładów Penimension w dziełach Picassa jest obraz "Stary gitarzysta", na którym odkryto malowaną postać kobiety.
Historycy sztuki i wcześniej zauważyli rozmyty kontur za zakrzywioną szyją gitarzysty, ale tylko obraz transpaijskiego promienia rentgenowskiego zdołał zidentyfikować starego obrazu kobiety, która karmi małe dziecko, a byk i owce są przedstawione obok im.
3. Brodaty mężczyzna w obrazku Picasso "Blue Room"
Na malarstwie Picasso "Blue Room", napisane w 1901 roku, również leży sekret ujawniony niedawno z tomografią optyczną na podczerwień. Jeśli umieścisz zdjęcie pionowo, znajduje się pewien brodaty z wieloma pierścieniami na palcach znajduje się pod warstwą farby.
4. Strafelka na zdjęciu John Singer Sargen "Portret Madame X"
"Portret Madame X", który jest narażony na Muzeum Metropolitalne, jest uważane za ikoną stylu z powodu prostych czarnych ubrań przedstawionych na nim panie, jego postaci statystycznej i niezamierzonej ekspresji. Niemniej jednak, w odpowiednim czasie, ten portret był uważany za skandaliczną zniewagę przygody i bardzo negatywnie wpłynęło na karierę artysty w Europie.
Kobieta w portrecie - sławny paryski piękny piękno Virgini Gotro. Ballor jej skóry, która była w tym czasie uważana za pośrednictwem piękna, skłoniła jedną nowoczesną krytykę, aby zadzwonić do odcienia skóry "Corpene". Efekt ten został osiągnięty dzięki przyznaniu arsenu. Również Gotro Tapping Hair Henna dla większego kontraście. Sarjent za podkreślenie niezwykłym pięknem Gotro przedstawił go w czarnej sukni, której spada na ramię flirt.
Kiedy portret był najpierw wystawiony w Salonie Paryżu, publiczność eksplodowała z oburzeniem, ponieważ pasek półryczny został uznany za bardzo obsceniczny. W rezultacie Sarjent przepisał ten szczegół sukni, podnosząc ją na ramieniu.
5. Kobieta w oknie
W Galerii Narodowej w Londynie w trakcie przywracania sieci 1500. nieznanego artysty odkryto niezwykły "makijaż". Okazało się, że blondynka na zdjęciu jest w rzeczywistości brunetką, a jej kolor włosów został przepisany przez artystę nad oryginałem. Dziś obraz został przywrócony w oryginalnym stanie i opublikowany w Galerii Narodowej.
6. Whale na zdjęciu Hendrik Wang Antonissen "Scena plaży"
Kiedy ten holenderski obraz XVII wieku został przekazany do Muzeum Fitzulyam, pokazano to po prostu scena plażowa. Niemniej jednak historycy sztuki byli zakłopotani, dlaczego tłum został przedstawiony na zdjęciu, zebrał się w pobliżu wody bez widocznych powodów. Po przywróceniu pod warstwą farby odkryto obraz wieloryba, rzucony na brzeg. Jak wierzyli, wieloryb jest namalowany z rozważań estetycznych w XVIII lub XIX wieku.
Connoniseurs of Malarstwo będą interesujące się dowiedzieć.
Dla wielu wydaje się niemożliwe, aby pamiętać artystów i ich obrazy. Setki lat historia weszła do nazw wielu artystów, których nazwiska słuchania, w przeciwieństwie do zdjęć. Jak zapamiętać cechę artysty i jego stylu? Przygotowaliśmy krótki opis dla tych, którzy chcą zrozumieć sztukę wizualną:
Jeśli ludzie są przedstawione na zdjęciach z dużym tyłkiem, upewnij się, że to Rubbins
Jeśli ludzie w pięknych szatach odpoczywają w naturze - Watto
Jeśli mężczyźni wyglądają jak kręcone kobiety, z warzywami - to Caravaggio
Jeśli obraz z ciemnym tłem jest przedstawiony człowiekowi z błogim wyrazem twarzy lub męczennika - Titian
Jeśli zdjęcie zawiera kompozycje wielofigury, wiele osób, przedmiotów, chrześcijańskich i surrealistycznych motywów to Bosch
Jeśli zdjęcie zawiera kompozycje wielofigury i kompleksowe wykresy, ale wyglądają bardziej realistyczne niż obrazy Bosch, upewnij się, że jest to Bruegel.
Jeśli widzisz portret mężczyzny na ciemnym tle w ciemnym, żółtym świetle - rembrant
Biblijne i mitologiczne działki przedstawiające kilka pulchnych amurystów - Francois Bush
Nagie, pompowane ciała, idealne formy, Michelangelo
Rysowane baleriny, to jest degas
Kontrast, ostry obraz z wyczerpanymi i brodatymi osobami - El Greco
Jeśli zdjęcie przedstawia dziewczynę z Monobrową - to Frida
Szybkie i jasne uderzenia, jasne kolory i obraz natury - Monet
Lekkie farby i raduje się ludziami - Renoir
Jasne, kolorowe i nasycone - van gogh
Małe kolory, czarne kontury i smutne ludzie - mana
Tylne tło jak z filmu "Pan pierścieni", z lekką niebieską mgłą. Faliste włosy i arystokratyczny nos Madonna - Tak Vinci
Jeśli ciało pokazane na zdjęciu ma niezwykłą formę - Picasso
Kolorowe kwadraty, jak Dokument Exel-Evsky - Mondrian
rozmowa na tym, jak różni artyści przedstawiają ten sam motyw.
Danar: Dwa obrazy na tym, jak białe na statkach uciekł z Rosji Bolszewickiej.
a) Ivan Vladimirov (1869-1947). "Lot burżuazji z Novorossiysk" (1926)
b) Dmitry belyukin (r. 1962). "Biała Rosja. Exodus". 1992-4.
Który z nich poprawnie przedstawia wydarzenie? Który z tych artystów powinni wierzyć? - argumentować komentatorów.
Przyjrzyjmy się tutaj na przykładzie (jak również inne obrazy) przeanalizujemy to, co jest ogólnie "prawda" w obrazach, a kto powinien wierzyć.
Jak się okazało, niektórzy nie rozumieją.
Tak więc, aby cieszyć się znaczeniem dzieła sztuki, jego historii itp. (a nie tylko oddzielnie estetyczne doskonałość, harmonia), jest całkiem przydatne do zrozumienia, co było CELartysta, który stworzył tę pracę.
1) Wyraź siebie
(Podsumowanie, podzióstwo kochanych rzeczy)
Położdżam go na pierwszym miejscu na liście, ponieważ w 20-21 wieku ten cel dla artystów jest odczuwany przez publiczność (i samych artyści, być może) jako priorytetowo.
Towarzystwo w tym okresie była taka bogata, takie nadwyżka zasobów powstało, że sztuka może być zaangażowana w ogromną liczbę osób, i profesjonalistów oraz nie-profesjonalistów. Każdy, kto po prostu lubi rysować (pisać wiersze, muzyka, zrobić zdjęcia na Instagramie itp.). Zapisywanie, jak wiem, jak rzeźbić pierogi / rysować klaunów / szwy itp., Co jestem piękna, a moje dzieci i mój jacht.
Jednak przy użyciu dzieł absolutnie jakiejkolwiek sztuki wewnątrz (malarstwo, literatura itp.), Pamiętaj, aby pamiętać, że ta wolność, ten cel jest pomysłem sztuki jako "artysty Instagrammer" to osiągnięcie, które ma stać się dostępnym dla twórców tylko najnowszy czas. W poprzednich stuleciach, tym dalej - silniejszy, taka pozycja była niedopuszczalna, licitness, była postrzegana jako targi próżności. W żadnym przypadku, patrząc na dzieła "starych mistrzów", nie osądzaj ich z pozycji "Zrobił to, ponieważ tak bardzo chciał." Oczywiście, nie chciałbym - nie zrobił, ale o erę impresjonizmu "chciał" woce na liście celów podczas tworzenia dzieła sztuki bardzo, bardzo w ogonie. Nie oceniaj samodzielnie, z pozycji osoby XXI wieku.
2) wyrażaj swoje wewnętrzne demony
(lub fantazje erotyczne)
Ale to, wręcz przeciwnie, klasyczny cel sztuki, jednego z najstarszych.
Pierwszy publiczny cel tworzenia sztuki, najprawdopodobniej był religijny (szamanizm na dobre polowanie na mamut, rytuały pogrzebowe itp), ale indywidualny, osobisty cel pierwszych autorów prawdopodobnie również wyrażać swoje emocje, obawy, marzenia.
Oto bardzo ważną cechą, która odróżnia osobę nowoczesnego czasu - a osobą przeszłości, artysta modernizmu (to zaczyna się od impresyjskich) - ponownie stopień swobody wyrazu fantazji.
Postępowa awangardowa i sztuka współczesna na fakt, że są niezrozumiałe, a nie realistyczne - nie warto; To się przytrafiło, ponieważ samo życie w XX wieku zmieniło się na całym świecie. Spójrz, starzy się seksowna rewolucja i stała się możliwa przejście przez ulice w prawie jednych szortach, a nawet bez majtek. Cóż, sztuka - jak na to zareagować, aby zareagować, zrobić wszystko, co chcesz zrobić? Kobiety bez majtek w sztuce są całkowicie bezpłatne, artystów wyciągają pięćset lat, nie zaskakujesz nikogo. Tak więc rewolucja płciowa w sztukach wizualnych została wyrażona w odmowie realizmu, Naturopodobios; Właściwie z wszystkich zasad sztuki wizualnej, poprzednie pięćset lat wynaleziono. Jest to całkowicie normalna reakcja artystów na tym, co na całym świecie wydarzyło się w społeczeństwie. Czym są, czerwone, pobyt przyzwoity, gdy wszyscy wokół robią, czego chcą?
Pamiętaj więc, artysta dawnych stuleci, wyrażających jego demony, miała wyraźne granice nałożone na niego przez społeczeństwo. I w celu wyrażania go, musiał znaleźć właściwy, podany procent niszowy (społeczeństwo), przyzwoita nisza.
Z reguły były to różne okropności sztuki religijnej.
W przypadku fantazji erotycznych było łatwiejsze - nie zostały opublikowane przez sztukę (z wyjątkiem Frank Porn, a także zbyt realistyczne małe rzeczy, takie jak włosy łonowe).
Wolność zaczyna występować jako osobowość autora, indywidualność, kiedy artysta przestaje poczuć jego rzemieślnik i staje się "poeta". Tak więc pod koniec XVIII wieku otrzymujemy Miragei Goya, William Blake, Fusli itp. Wszystkie romantyzm. I tak indywidualność nie zawsze zachęca się na przykład w średniowiecznej sztuce religijnej, umieść podpis autora w niektórych epokach, był po prostu nieprzyzwoity (więc znamy tak kilku mistrzów tych epok).
Ogólnie rzecz biorąc, nie powinieneś mierzyć samodzielnie, musisz spróbować interpolować.
3) pieniądze
Również stary cel stworzenia pracy jest podobnie niezwykle popularny.
Bardzo, bardzo przyzwoity cel. To ona sprawia, że \u200b\u200bartyści nadal kończą swoją pracę do końca, ponieważ w przeciwnym razie klient nie zapłaci, to jej, kto sprawia, że \u200b\u200bludzie wstają z pieca i szukają pracy do karmienia dzieci, poprawy ich umiejętności i nie obracać do UG.
Ponieważ rynek zawsze dyktuje (podyktowany) i nikt kupił złych obrazów.
(Wyobraź sobie, bez względu na to, jak fajnie, jeśli Leonardo Da Vinci zapłacił tylko w rzeczywistości, tak, nadal byłby 10-letnią gwarancją? Zastosowałby swój ostry umysł na kwestie konserwacji, a przed nami o wiele więcej więcej. .. Ale niestety udało mu pompować swoją osobistą markę i zapłacił po prostu na imię).
Ale znowu musisz zrozumieć różnicę między artystą-modernistyką a "starym mistrzem". Gospodarka zmieniła się bardzo, a to wpływa. Gospodarka i postęp techniczny. Stworzenie obrazu było przede wszystkim rzemieślnicze, pracuje, a nie lot myśli Geniusza. Weź architekturę, jest bardziej niezmieniony w tym sensie: tutaj decydujesz się zbudować rezydencję. Poszli do architekta, wyrazili swoje życzenia, podpisali umowę. Narysował szkic, zatwierdzony, zbudowany z cegły dom, rozdzielony marmur, zapłacił architekta, a następnie zastosować do domu w tym celu. Ten sam malarstwo ból brzmiał: 1311, Wspólnota katedry postanowiła zamówić obraz ołtarz, powiedzmy Duccho, wyrażone życzenia, podpisał umowę w punktach. Dutcho zajmuje drogie drewnianą deskę, doskonale przygotowane, a nawet ogromny rozmiar i złożony kształt. Farby: pogrążone Lazuli, miękki niebieski, przywieziony z Indii i stoi piekielne pieniądze; Złocenie jest również w jakiś sposób nie tani itp.
Normalny architekt w środku budowy rezydencji nie zainspirował koncepcji, ponieważ jest autorem, twórcą, chciał tak wiele, wie, że to bankiet nie jest na jego koszt. Artysta również był zobowiązany po prostu spełnić swoją pracę dobrze, przekazać zamówienie na czas (nowoczesni projektanci będą teraz zrozumieć. I pozwoli im zazdrości: W tamtych czasach nie było EMEEYOV, więc nikt nie mógł często prosić o "Graj w czcionkach" ).
Rynek sztuki długo poszedł do naszego zwykłego spotkania kina dzisiaj: kiedy taki genialny artysta siedzi w warsztacie, kierując się przez jego eleganckie obrazy. Przychodzi do niego przyjaciel i prowadzi swoich bogatych amerykańskich przyjaciół, którzy są zachwyceni: "I przyjmujemy to, i to wszystko, a to masz, owinąć!".
Wcześniej istniał kolejny etap, który można porównać z architekturą, ale z ciastami. Tutaj masz domową piekarnię i pieniądze na surowce na 10 ciast. Konkretni klienci, którzy podpisali umowę na twoje ciasta, nie są, ale wiesz, że w zasadzie ludzie idą do ciebie. Nie zrobisz 20 ciast, ponieważ tak wielu kupujących nie dotrze do ciebie. Musisz sprzedać wszystko, co upieczone, w przeciwnym razie nie będziesz miał pieniędzy na zakup nowych surowców. Widzisz, farby kosztowały drogie, płótno kosztowało drogie (ale tańsze niż staroświeckie drewno, w następnym. Opowiem szczegółowo), usunąć warsztaty - drogie. W XVII wieku w Holandii, dlaczego wciąż "małe holenderskie" napisane martwa natura, sceny domowe i krajobrazy? Ponieważ kraj stał się bardzo prosperujący, a każdy lokalny rezydent może sobie pozwolić (i dozwolony) przyjść do "sklep z gotowymi obrazami" i wybrać piękno na ścianie. W związku z tym była bardzo gruba warstwa artystów, które obsługują te mieszczania.
Cóż, w końcu, w XIX wieku pojawia się sposób życia artysty, który wydaje nam się obudowy: z grupą płótna napisane "w stole", który byłby dobry do sprzedaży, ale nie może, nadal Znajdź, że można jeść i pozwolić mu zawiesić na ścianach nie sprzedawanych.
Nie określam społecznych, ideologicznych, psychologicznych aspektów, tylko o gospodarce.
Artyści starali się Paryż nie tylko dlatego, że było fajne do głupiego, ale także dlatego, że środek ich służby powstał w mieście: handlowcy w farbach i płótnie (uporządkowane w masie, więc sprzedają tańsze), dużo mansardu dzierżawione, Symulatory są celowo zbliżające się do zarobków, kupujący są celowo przyjeżdżający do kupowania i tak dalej.
Dziś zazwyczaj jest tak tani, że każdy może zrobić sztukę, ale zarobić zupełnie inaczej (być może, więc w końcu mamy tyle śmieci?)
Aby zrozumieć, dlaczego obraz jest rysowany, spróbuj zrozumieć to pod względem pieniędzy - artysta napisał ją na konkretne zamówienie? Tylko na sprzedaż mieszczanów, na stole (ponieważ toczy się na nim), jako mama prezentowa lub co?
4) Glory.
(i koniugat)
Również bardzo zrozumiały motyw. Prawda, niezbyt starożytna, pamiętaj o tym. Artyści zaczęli kierować się celem uzyskania chwały przy tworzeniu dzieł sztuki tylko począwszy od określonego okresu (tylko sława, a nie reputacja + wielu klientów). W średniowieczu, jak powiedziałem, malarstwo było po prostu rzemiosłem, tak samo jak biżuteria lub meble. W epoce renesansu artyści zaczynają podnosić głowy i stopniowo, siły pisania pisma inteligencji (na przykład Vazari), tworzą kult wokół ich klas, obracając go z rzemiosła do sztuki. Podpisanie nazwisk staje się normą. Stopniowo (powoli), aby być artystą staje się fajny (chociaż wyższe społeczeństwo nadal ich nie akceptuje). Podobny proces z działaniem - przez cały czas jest to najniższy personel serwisowy, który jest zabroniony do pochowani w ziemi konsekrowanej i są uważane wraz z harlotem; Teraz stali się celebriti rangi królewskiej.
Ogólnie rzecz biorąc, w pracy wielu artystów istnieją oprogramowanie, które autor napisał bez określonej kolejności z patronatu, a po prostu dlatego, że przyszła do niego inspiracja. Utworzono przez niego, wyraźnie zrozumiał (cóż, przynajmniej miałem nadzieję), że "smeled" stanie się z nich sławny. Jeśli gwiazdy zgadzają się, a na zdjęciu można było podłączyć estetykę (piękno) z tym nieuchwytnym, skręconym w powietrzu, obraz zaczyna rosnąć. I naprawdę wchodzi do historii jako arcydzieło. (Uwaga, dzieci: arcydzieło - to nie jest synonimem słów "obraz", artysta dla życia może napisać 200 tkanin i tylko 1 arcydzieło, a to zostanie zapamiętane tylko z tego powodu).
Napisane kilka miesięcy po przedstawionym wydarzeniu.
Wielcy artyści są tylko tymi, którzy mogą dobrze wyciągnąć (anatomicznie poprawnie, harmonijnie łączą kolory itp.) + Jednocześnie czuje ducha czasu i może go odzwierciedlać. Dlatego może to być wiele dobrych szuflad, ale niewiele świetnych mistrzów (nawet w renesansie). Niektóre znajdują tylko 1 raz w życiu, i tworzą to "wybitne arcydzieło" (na przykład, "nierówne małżeństwo" Pukireva lub). Inne, jak David lub repin, stale wytwarzają takie linie. Nie musisz myśleć, że artysta siedzi na krześle i mówi "Teraz jestem arcydziełem obrazu i zasługują na chwałę". Więc oczywiście nie działa. Artyści (pisarze, muzycy) tej wysokiej kategorii opanowanie arcydzieła rodzą się ze względu na połączenie doskonałych wrodzonych zdolności, stałych ćwiczeń (pompowanie umiejętności). A także z powodu niezwykle opracowanego intuicji. I intuicja, jak wiadomo, wypompowuje, jeśli powtarzasz coś miliona razy, wtedy mózg wykonuje ostry skok wysokiej jakości i zaczyna rozwijać wyniki szybko i spontanicznie. A autor wyniku wydaje się, że mózg nie wykonał mózgu, zszedł z nieba - wynalazł, że wyrażenie zostało wymyślone, że autor odwiedził muzę.
Ogólnie rzecz biorąc, artystów tego pozioma piszą zdjęcia nie ze względu na chwałę, a nie pozbywać się ich demonów, ale z powodu bardziej złożonych powodów. Stają się jak odbiornik radiowy, który przechwytuje oczekiwania dotyczące otaczającego społeczeństwa, a także otaczające publiczne publiczne, styl, który jest teraz modny i tak dalej. - I udaje im się wylać na płótno, przechodząc przez siebie.
Okazuje się, że staje się arcydzieło.
Nagraj, nie próbuj powtarzać w domu.
I tutaj, w tej kategorii celów, należy uwzględnić bardziej praktycznych artystów, co świadomie złapie fali, sygnały radiowe wysyłane przez społeczeństwo (ale przede wszystkim przez państwo). I produkują obrazy, aby nie stać się sławnymi (i wchodzą do historii sztuki), a więcej, aby żyć dobrze i mieć Nishtyaki. W niektórych przypadkach takie korzyści, Rolapiege jest osobistym wyborem autora, lub ogólnie, normy dla tej epoki (patrz dziwne Derzhavin, poświęcony na cesacji). W XX wieku, w warunkach totalitarnych, jak rozumiesz pytanie nie tylko w uzyskaniu pieniędzy, a czasami trite w przeżyciu. Ale jako liczne badania psychologiczne wszystkich syndromów w Sztokholmie pokazują, najbardziej straszne, że ludzie, w tym artystów, zaczynają szczerze wierzyć i gloryfikować. Tak więc pozostań zimno krwionośną koniunkturą w takich warunkach - być może, a nie taka zła wersja, eh?
5) Kazanie
I tak, najbardziej cierpliwy i inteligentny moich czytelników, którzy przyjechali do tego miejsca moich prześcieradeł, teraz, że rozumiesz podstawowe, podstawowe cele, dotarliśmy do tego, który jest związany z dwoma zdjęciami na temat białego na Krymie, z którego Ten tekst rozpoczął się.
Ten cel grafiki jest wyrażenie idei autora, jego idei świata, o tym, co jest właściwe i złe. Przegapmy pierwszej kilku tysięcy lat, wszystko jest proste: to wtedy, gdy artysta wierzył w bogów, a potem w Bogu, i wyraził swoją wiarę, modlitwę, tworząc "ikonę", millean obraz, a tym samym rozumienia Lord. Dobra ikona malarzy i dziś nadal to robią. Potrzebujemy również nowego czasu, kiedy staje się możliwe, aby głosić sztukę nie tylko wiarę. Powyżej napisałem, że począwszy od renesansowych artystów stopniowo zamieni się w świadomość społeczeństwa od rzemieślników w twórców, ich postacie są romantyczne. Artyści stają się osobowościami, zapaleniem Ceboribribr, co najważniejsze - jak również w głowie; Decydują, że są arbitrów opinii i powinni uczyć ludzi prawdy, by głosić. (Dlaczego nie? Najważniejsze jest smak, ale w ogóle się nie okazuje).
Tak więc misja pojawia się w sztuce.
(Nawiasem mówiąc, o jakich celach pochodzą ze sztuki, musimy rozmawiać osobno - w ogóle nie pasują do celów artystów).
I tutaj rozumiesz, jakie rzeczy. Jedną rzeczą, gdy artystów z potężną szkołą stojącą na ramionach gigantów zaangażowali się w "głoszenie". A potem te dzieła XIX wieku są czasami zirytowane, moralizowane moralnie zmienione, a historia przedstawiła różnego rodzaju lekcje.
Ale w XX wieku z jakiegoś powodu artystów - Vasilyev, Glazunov, Rygenko, Nesterenko, Glazunov, Rugby, Nesterenko, szczególnie uwielbiałem to, a jeśli spacery na tej liście od samego początku otrzymuje się ciekawa sytuacja. Temat mojego ukochanego (koty, dzieci) nie są zainteresowani - drobno, wyciągają je do globalnych osiągnięć. Nie mają żadnych demonów i fantazji erotycznych, albo nie są w ogóle interesujące (a to natychmiast pozbawia pracę Peppercorn, zobacz Konstantin Vasilyev, który, w przeciwieństwie do innych rzeczy, wymienione wciąż ma swoje własne fetysze i jak pozytywnie wyróżnia się, robi specjalne, zapamiętane).