Przebieg impresjonizmu. Francuski impresjonizm: ogólna charakterystyka, główni mistrzowie

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henri Kahnweiler

XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła potrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku użyli szerokiego „niechlujnego” pociągnięcia pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. I panie o łatwej cnocie i panowie o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i skarceni. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.

Ale opór został złamany. A niektórzy impresjoniści doczekali swojego triumfu. To prawda, że ​​mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś do tego nie dotrzymał, jak Alfred Sisley.

Jakiego rewolucjonisty zrobił każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna tak długo ich nie akceptowała? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów na świecie.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Grzywa. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świata. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale czekał bardzo długo na uznanie. Publiczność w najgorszym razie chciała zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby wyglądały pięknie w jadalni. Manet chciał malować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam łatwej cnoty. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Grzywa. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami w upadku” Thomasa Couture'a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgarność. Kobietom w ciąży absolutnie nie zalecano patrzenia na nią.

Thomas Couture. Upadek Rzymian. 1847 Musée d'Orsay, Paryż. artchive.ru

W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwa tradycyjnego XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt tak łatwo nie portretował kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś przedstawiał szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Grzywa. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org

Więc kontynuował eksperymenty. Na przykład kolorem. Nie próbował przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się takim błękitem jak woda w Manet” – żartowali.

Edwarda Grzywa. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malowania. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorach i tradycjach.

Innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Ale już go nie potrzebował. Umierał boleśnie na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude Monet można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje życie.

Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję rozświetleń i plam. Oddzielne pociągnięcia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

W tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.

Claude Monet. Bulwar des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Brak inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taka bezfabularność i efekt „zamrożonej klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezmyślność wielu uciskanych.

Tylko Monet nadal trwał, wyolbrzymiając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.

Ten sam krajobraz przedstawiał dziesiątki razy. O różnych porach dnia. O różnych porach roku. Aby pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

Tak więc były niezliczone stogi siana.

Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. A nie szary czy czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40 już zapomniał o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I robił to dla przyjemności przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Impresjonizm to najbardziej pozytywny obraz. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość istnienia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej znaczące. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie dla wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoir i zamyśleniu. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie odmówili poddanych.

Jak sam powiedział, w końcu ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i naiwniejsza była piosenka, tym lepiej dla niego. Męczyła go męska paplanina. Nic dziwnego, że Renoir jest znany z nagich obrazów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” wydaje się pojawiać na kolorowym abstrakcyjnym tle. Ponieważ dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​​​Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał pędzel do ramienia liną. I malował.

Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł sławnych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.pl

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (na zewnątrz). Nie znajdziesz przy nim celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Mimo to zawsze stawiany jest na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. Oto główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymywał chwile życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Spójrz przynajmniej na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay, Paryż. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk stoi do nas tyłem. A w tle balerinki na scenie nie mieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.

Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest urojona. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał skład. To tylko efekt stopklatki, a nie prawdziwa stopklatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne'a, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt go nigdy nie widział z damą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyki.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Należy pamiętać, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo dostrzegalni. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skup się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edwarda Grzywa. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Bertha Morisot rzadko znajduje się w czołówce wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej pracę całym sercem.

Morisot pracowała szybko i żywiołowo, przenosząc swoje wrażenie na płótno. Postacie wydają się rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas, często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelu. Nie możemy odróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Wciąż była kobietą. W tamtych czasach dama miała marzyć o małżeństwie. Potem każde hobby zostało zapomniane.

Dlatego Bertha długo odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie nosił sztalugi i farby dla swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła sama iść do parku, aby pracować bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni, nianie.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Narodowe Muzeum Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na rozpoznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając prawie żadnej swojej pracy za życia. Na jej akcie zgonu w rubryce „zawód” była kreska. Nie do pomyślenia było nazywanie kobiety artystką. Nawet jeśli naprawdę była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay, Paryż. wikipedia.org

Camille Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.

Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W rozpaczliwej potrzebie, z żoną i pięciorgiem dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przestawałem się na malowanie salonowe, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo skąd miał siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które były skwapliwie wyprzedane. A prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wtedy wreszcie mógł zapomnieć o potrzebie.

Camille Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paryż

Powietrze na obrazach Pissarra jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury, które na chwilę pojawiają się i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Camille Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay, Paryż

Jego najsłynniejsze prace to widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym pstrokatym tłumem. W nocy, w dzień, przy różnej pogodzie. Pod pewnymi względami nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.

Impresjonizm (impressionnisme) to styl malarski, który pojawił się pod koniec XIX wieku we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Sama idea impresjonizmu tkwi w jego nazwie: wrażenie - wrażenie. Artyści zmęczeni tradycyjnymi akademickimi technikami malarskimi, które ich zdaniem nie oddają całego piękna i żywotności świata, zaczęli stosować zupełnie nowe techniki i metody obrazowania, które miały wyrażać w najbardziej przystępnej formie nie „fotograficzny” wygląd, ale wrażenie z tego, co widzisz. W swoim malarstwie impresjonista, posługując się naturą kresek i paletą barw, stara się oddać atmosferę, upał lub zimno, silny wiatr lub spokojną ciszę, mglisty deszczowy poranek lub jasne słoneczne popołudnie, a także osobiste doświadczenia z tego, co robił. Piła.

Impresjonizm to świat uczuć, emocji i ulotnych wrażeń. Ceni się tu nie realizm zewnętrzny czy naturalność, ale realizm wyrażanych doznań, stan wewnętrzny obrazu, jego atmosferę, głębię. Początkowo styl ten był mocno krytykowany. Pierwsze obrazy impresjonistów były wystawiane w Salon des Les Misérables w Paryżu, gdzie wystawiane były prace artystów odrzuconych przez oficjalny paryski Salon Sztuki. Po raz pierwszy terminu „impresjonizm” użył krytyk Louis Leroy, który w magazynie „Le Charivari” napisał pogardzającą recenzję o wystawie artystów. Za podstawę terminu przyjął obraz Claude'a Moneta „Wrażenie. Wschodzące słońce". Nazwał wszystkich artystów impresjonistami, co z grubsza można przetłumaczyć jako „impresjoniści”. Początkowo obrazy rzeczywiście były krytykowane, ale wkrótce do salonu zaczęło przychodzić coraz więcej fanów nowego kierunku w sztuce, a sam gatunek z wyrzutka stał się rozpoznawalnym.

Warto zauważyć, że artyści końca XIX wieku we Francji nie wymyślili nowego stylu znikąd. Wzięli za podstawę techniki dawnych malarzy, w tym artystów renesansu. Tacy malarze jak El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner i inni, na długo przed pojawieniem się impresjonizmu, próbowali przekazać nastrój obrazu, żywotność natury, szczególną ekspresję pogody za pomocą różnych tonów pośrednich , jasne lub odwrotnie nudne pociągnięcia, które wyglądały jak abstrakcyjne rzeczy. W swoich obrazach używali go dość oszczędnie, więc niezwykła technika nie była widoczna dla widza. Z kolei impresjoniści postanowili wykorzystać te metody obrazowania jako podstawę swoich prac.

Inną specyficzną cechą dzieł impresjonistów jest rodzaj powierzchownej codzienności, która jednak zawiera w sobie niesamowitą głębię. Nie starają się wyrażać żadnych głębokich wątków filozoficznych, zadań mitologicznych czy religijnych, wydarzeń historycznych i ważnych. Obrazy artystów tego kierunku są z natury proste i codzienne - pejzaże, martwe natury, ludzie idący ulicą lub robiący swoje zwykłe rzeczy i tak dalej. To właśnie takie momenty, w których nie ma nadmiernej tematyki, odwracają uwagę człowieka, na pierwszy plan wysuwają się uczucia i emocje od tego, co widzi. Również impresjoniści, przynajmniej na początku swojego istnienia, nie przedstawiali „ciężkich” tematów – biedy, wojen, tragedii, cierpienia i tak dalej. Obrazy impresjonistyczne to najczęściej prace najbardziej pozytywne i radosne, w których jest dużo światła, jasnych kolorów, wygładzonego światłocienia, płynnych kontrastów. Impresjonizm to przyjemne wrażenie, radość życia, piękno każdej chwili, przyjemność, czystość, szczerość.

Najsłynniejszymi impresjonistami byli tak wielcy artyści jak Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i wielu innych.

Nie wiesz gdzie kupić prawdziwą harfę żydowską? Największy wybór można znaleźć na stronie khomus.ru. Szeroka gama etnicznych instrumentów muzycznych w Moskwie.

Alfred Sisley - Trawniki na wiosnę

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Popołudnie, słonecznie.

Sztuka europejska końca XIX wieku została wzbogacona przez pojawienie się sztuki modernistycznej, której wpływy rozszerzyły się później na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach artysty, obrazach i nastrojach.

Geneza i historia występowania

Kilku młodych artystów utworzyło grupę w drugiej połowie XIX wieku. Mieli wspólny cel i zbieżne interesy. Najważniejszą rzeczą dla tej firmy była praca w naturze, bez ścian warsztatu i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Pejzaże i portrety odzwierciedlały jedność duszy z Wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.

W 1874 odbyła się wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Wrażenie. Sunrise” zwrócił uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresji – „impresja”).

Warunkiem wstępnym narodzin stylu impresjonistycznego, którego obrazy przedstawiciele wkrótce odniosą niesamowity sukces, były dzieła renesansu. Twórczość Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable'a bezwarunkowo wpłynęła na Francuzów, którzy byli założycielami impresjonizmu.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir i inni stali się wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji.

Filozofia impresjonizmu w malarstwie

Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich pracach nie można znaleźć wątków na dany temat, nie można odbierać moralizatorstwa ani dostrzegać ludzkich sprzeczności.

Obrazy w stylu impresjonizmu mają na celu przekazanie chwilowego nastroju, opracowanie schematów kolorystycznych o tajemniczej naturze. W pracach jest tylko miejsce na pozytywny początek, mrok ominął impresjonistów.

W rzeczywistości impresjoniści nie zadawali sobie trudu, aby przemyśleć fabułę i szczegóły. Głównym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.

Technika malowania

Istnieje kolosalna różnica między akademickim stylem rysowania a techniką impresjonistów. Po prostu porzucili wiele metod, niektóre zostały zmienione nie do poznania. Oto wprowadzone przez nich innowacje:

1. Opuszczony kontur. Został zastąpiony kreskami - małymi i kontrastowymi.
2. Zrezygnowaliśmy z palet na rzecz wybranych kolorów, które wzajemnie się uzupełniają i nie wymagają łączenia w celu uzyskania określonego efektu. Na przykład żółty jest fioletowy.
3. Przestań malować na czarno.
4. Całkowicie porzucona praca w warsztatach. Pisali wyłącznie o naturze, żeby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
5. Użyto tylko farb o dobrym kryciu.
6. Nie czekaj, aż kolejna warstwa wyschnie. Natychmiast nałożono świeże rozmazy.
7. Tworzyli cykle prac śledzących zmiany światła i cienia. Na przykład „Stóg siana” Claude'a Moneta.

Oczywiście nie wszyscy artyści wykonywali dokładnie cechy stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, a on sam pozycjonował się jako osobny artysta. Edgar Degas pracował tylko w warsztatach, ale to nie zaszkodziło jakości jego prac.

Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu

Pierwsza wystawa prac impresjonistów datowana jest na 1874 rok. Po 12 latach odbyła się ich ostatnia ekspozycja. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Śniadaniem na trawie” E. Maneta. To zdjęcie zostało zaprezentowane w Salonie Odrzuconych. Spotkało się to z wrogością, ponieważ bardzo różniło się od kanonów akademickich. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której gromadzi się krąg zwolenników tego stylistycznego kierunku.

Niestety współcześni nie doceniali takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w niezgodzie ze sztuką oficjalną.

Stopniowo Claude Monet wysuwa się na pierwszy plan w zespole malarzy, który później staje się ich liderem i głównym ideologiem impresjonizmu.

Claude Monet (1840-1926)

Twórczość tego artysty można określić jako hymn do impresjonizmu. To on jako pierwszy odmówił użycia czerni w swoich obrazach, argumentując, że nawet cienie i noc mają inne odcienie.

Świat na obrazach Moneta to niejasne kontury, obszerne kreski, patrząc na które czuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku, harmonii podksiężycowego świata. Tylko chwila wyrwana z toku życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie są nasycone promieniami światła i prądami powietrza.

Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Stacja Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Charing Cross Bridge” i wiele innych.

Auguste Renoir (1841-1919)

Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności, zwiewności. Fabuła narodziła się jakby przypadkowo, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.

Charakterystyczną cechą twórczości O. Renoira jest zastosowanie przeszkleń, co jest możliwe tylko wtedy, gdy pisanie impresjonizmu w pracach artysty przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele jest obrazów z aktami.

Ulubioną rozrywką Renoira był wizerunek kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w twórczym życiu artysty. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” to tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste'a Renoira.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat kojarzył proces tworzenia obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko światło-powietrze zostało narysowane na podstawie zależności tonów głównych i dodatkowych.

Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem ostatniego etapu impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od założycieli, w ten sam sposób tworzy iluzoryczne przedstawienie formy obiektywnej za pomocą kresek, które mogą być oglądanym i widzianym tylko z daleka.

Arcydzieła kreatywności można nazwać obrazem „Niedziela”, „Kankan”, „Modele”.

Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu

Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Jednak podstawą, podobnie jak Francuzi, była pełnowymiarowa wizja procesu.

W rosyjskim impresjonizmie, chociaż cechy francuskiego zostały zachowane, cechy narodowego charakteru i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizja śnieżnych czy północnych krajobrazów została wyrażona niezwykłą techniką.

W Rosji niewielu artystów pracowało w stylu impresjonizmu, ich obrazy do dziś przyciągają wzrok.

W twórczości Walentyna Serowa można wyróżnić okres impresjonistyczny. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” jest najbardziej wyrazistym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.

Obrazy podbijają świeżością i współbrzmieniem czystych barw. Motywem przewodnim twórczości tego artysty jest wizerunek człowieka w naturze. „Północna sielanka”, „W łodzi”, „Fiodor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w działalności K. Korovina.

Impresjonizm w czasach nowożytnych

Obecnie ten kierunek w sztuce otrzymał nowe życie. W tym stylu kilku artystów maluje swoje obrazy. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (André Cohn), we Francji (Laurent Parcelier), w Ameryce (Diana Leonard).

Andre Kohn jest najwybitniejszym przedstawicielem nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne uderzają prostotą. Artysta dostrzega piękno w zwykłych rzeczach. Stwórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.

Akwarele Laurenta Parceliera znane są na całym świecie. Jego seria prac „Dziwny świat” została wydana w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.

Podobnie jak w XIX wieku, malowanie w plenerze pozostaje dla artystów do dziś. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal inspirują, imponują i inspirują.

Dziś arcydzieła artystów impresjonistów są przez nas postrzegane w kontekście sztuki światowej: dla nas już dawno stały się klasyką. Jednak nie zawsze tak było. Zdarzało się, że ich obrazy nie były wpuszczane na oficjalne wystawy, były krytykowane w prasie, nie chciały kupować nawet za symboliczną opłatą. Były lata rozpaczy, potrzeby i niedostatku. I walczą o możliwość namalowania świata tak, jak go widzieli. Większość zajęło wiele dziesięcioleci, aby zrozumieć i dostrzec, zobaczyć siebie ich oczami. Jak wyglądał świat, w który impresjonizm wdarł się na początku lat 60. XIX wieku, jak radosny wiatr, który niósł przemiany?

Przewroty społeczne końca XVIII wieku, rewolucje we Francji i Ameryce przekształciły samą istotę kultury zachodniej, która nie mogła nie wpłynąć na rolę sztuki w szybko zmieniającym się społeczeństwie. Artyści, przyzwyczajeni do porządku społecznego panującej dynastii lub kościoła, nagle odkryli, że zostali bez klientów. Szlachta i duchowieństwo, główni odbiorcy sztuki, przeżywali poważne trudności. Nastała nowa era, era kapitalizmu, który całkowicie zmienił zasady i priorytety.

Stopniowo w powstających republikach i demokratycznych potęgach wyrosła zamożna klasa średnia, w wyniku czego zaczął kwitnąć nowy rynek sztuki. Niestety przedsiębiorcom i kupcom z reguły brakowało dziedzicznej kultury i wychowania, bez których nie można było właściwie docenić różnorodności alegorii fabuły czy umiejętnego wykonania, które od dawna fascynowały arystokrację.

Nie wyróżniający się arystokratycznym wychowaniem i edukacją przedstawiciele klasy średniej, którzy stali się konsumentami sztuki, zmuszeni byli początkowo skoncentrować się na rozważaniach krytyków prasowych i oficjalnych ekspertów. Stare akademie sztuki, które są kustoszami klasycznych podstaw, stały się głównymi arbitrami w sprawach wagi artystycznej. Nie jest paradoksalne, że niektórzy młodzi i dociekliwi malarze, którzy mieli dość konformizmu, zbuntowali się przeciwko formalnej dominacji akademizmu w sztuce.

Jednym z istotnych bastionów akademizmu tamtych czasów były patronowane przez władze wystawy sztuki współczesnej. Takie wystawy nazwano Salonami - zgodnie z tradycją nawiązującą do nazwy sali w Luwrze, gdzie niegdyś wystawiali swoje obrazy artyści dworscy.

Udział w Salonie był jedyną szansą na zainteresowanie prasy i klientów swoimi pracami. Auguste Renoir w jednym ze swoich listów do Duranda-Ruela mówi o obecnym stanie rzeczy: „W całym Paryżu nie ma prawie piętnastu wielbicieli, którzy potrafią rozpoznać artystę bez pomocy Salonu, i osiemdziesiąt tysięcy osób, które nie nabyć nawet centymetra kwadratowego płótna, jeśli artysta nie wejdzie do Salonu.

Młodzi malarze nie mieli innego wyjścia, jak tylko pojawić się na Salonach: na wystawie można było usłyszeć niepochlebne słowa nie tylko jurorów, ale także bardzo szanowanych malarzy, takich jak Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Edouard Manet, którzy byli faworyci młodych ludzi, otrzymując w ten sposób impuls do przyszłej kreatywności. Ponadto Salon był niepowtarzalną okazją do pozyskania klienta, bycia zauważonym, ułożenia kariery artystycznej. Nagroda Salonu była dla artysty rękojmią uznania zawodowego. Odwrotnie, jeśli jury odrzuciło nadesłaną pracę, było to równoznaczne z estetycznym zawieszeniem.

Często proponowany do rozpatrzenia obraz nie odpowiadał zwykłym kanonom, za co jury Salonu go odrzuciło: w środowisku artystycznym epizod ten wywołał skandal i sensację.

Jednym z artystów, których udział w Salonie niezmiennie wywoływał skandal i wzbudzał niepokój u akademików, był Edouard Manet. Wielkiemu skandalowi towarzyszyły pokazy jego płócien „Śniadanie na trawie” (1863) i „Olimpia” (1865), tworzonych w niezwykle surowy sposób, zawierających estetykę obcą Salonowi. A w obrazie „Incydent na walce byków”, zaprezentowanym na Salonie w 1864 roku, wpłynęła na to pasja artysty do pracy Goi. Na pierwszym planie Manet namalował leżącą postać torreadora. Tłem obrazu była arena rozciągająca się w głąb lądu i rzędy zniechęconych, osłupiałych widzów. Tak ostra i wyzywająca kompozycja wywołała wiele sarkastycznych recenzji i komiksów prasowych. Zraniony krytyką Manet rozdarł swój obraz na dwie części.

Należy zauważyć, że krytycy i karykaturzyści nie wstydzili się dobierać słów i metod, aby boleśniej urazić artystę, zmusić go do jakichś wzajemnych działań. "Artysta odrzucony przez Salon", a później "Impresjonista", stały się ulubionym celem dziennikarzy, którzy zarabiają na publicznych skandalach. Nieustająca walka Salonu z malarzami innych pojęć i grawitacji, zmęczonych ścisłymi granicami przestarzałego akademizmu, dobitnie oznaczała poważny upadek, który dojrzewał w tym czasie w sztuce drugiej połowy XIX wieku. Konserwatywne jury Salonu z 1863 r. odrzuciło tak wiele obrazów, że cesarz Napoleon III uznał za konieczne osobiste wsparcie kolejnej, równoległej wystawy, aby widz mógł porównać przyjęte prace z odrzuconymi. Ta wystawa, która zyskała miano „Salon Wygnańców”, stała się niezwykle modnym miejscem rozrywki – ludzie chodzili tu śmiać się i być dowcipnym.

W celu ominięcia akademickiego jury, odpowiedni malarze mogli także stworzyć niezależne wystawy indywidualne. Pomysł na wystawę jednego artysty jako pierwszy ogłosił malarz-realista Gustave Courbet. Zgłosił serię swoich prac na Wystawę Światową w Paryżu w 1855 roku. Komisja selekcyjna zatwierdziła jego pejzaże, ale odrzuciła obrazy z programu tematycznego. Następnie Courbet, wbrew zwyczajowi, wzniósł w pobliżu Wystawy Światowej osobisty pawilon. Chociaż wiekowy Delacroix był pod wrażeniem szerokiego stylu malowania Courbeta, w jego pawilonie było niewielu widzów. Podczas Wystawy Światowej w 1867 roku Courbet z wielkim triumfem wznowił to doświadczenie – tym razem wszystkie swoje prace zawiesił w osobnym pomieszczeniu. Édouard Manet, wzorem Courbeta, podczas tej samej wystawy otworzył własną galerię, aby retrospektywnie zaprezentować swoje obrazy.

Tworzenie osobistych galerii i prywatne publikowanie katalogów wiązało się z wymiernymi wydatkami środków – nieporównywalnie większymi niż te, które często posiadają artyści. Jednak incydenty z Courbetem i Manetem skłoniły młodych malarzy do zaplanowania zbiorowej wystawy artystów nowych trendów, które nie zostały zaakceptowane przez oficjalny Salon.

Oprócz przemian społecznych istotny wpływ na sztukę XIX wieku miały także badania naukowe. W 1839 r. Louis Daguerre w Paryżu i Henry Fox Talbot w Londynie zademonstrowali samodzielnie zbudowane aparaty fotograficzne. Tuż po tym wydarzeniu fotografia zwolniła artystów i grafików z obowiązku prostego upamiętniania ludzi, miejsc i wydarzeń. Zwolnieni z obowiązku kopiowania obiektu wielu malarzy rzuciło się w sferę przenoszenia własnej, subiektywnej ekspresji na płótno emocji.

Fotografia dała początek innym poglądom w sztuce europejskiej. Soczewka, o innym kącie widzenia niż ludzkie oko, tworzyła fragmentaryczne przedstawienie kompozycji. Zmiana kąta ujęcia pchnęła artystów do nowych wizji kompozycyjnych, które stały się podstawą estetyki impresjonistycznej. Jedną z głównych zasad tego nurtu była spontaniczność.

W tym samym 1839 roku, kiedy powstała kamera, Michel Eugène Chevreul, chemik z laboratorium paryskiej manufaktury gobelinów, po raz pierwszy opublikował logiczną interpretację postrzegania koloru przez ludzkie oko. Tworząc barwniki do tkanin, zadbał o to, aby były trzy podstawowe kolory - czerwony, żółty i niebieski, po zmieszaniu powstają wszystkie inne kolory. Przy pomocy koła kolorów Chevreul udowodnił, jak rodzą się odcienie, co nie tylko doskonale zilustrowało trudną naukową ideę, ale także przedstawiło artystom działającą koncepcję mieszania kolorów. Z kolei amerykański fizyk Ogden Rude i niemiecki naukowiec Hermann von Helmholly uzupełnili ten wynalazek o osiągnięcia w dziedzinie optyki.

W 1841 roku amerykański naukowiec i malarz John Rand opatentował swoje blaszane tuby do nietrwałych farb. Wcześniej artysta, wyjeżdżając do pisania w plenerze, był zmuszony najpierw mieszać potrzebne mu farby w warsztacie, a następnie wlewać je do szklanych pojemników, które często biją, lub do bąbelków z wnętrzności zwierząt, które szybko wyciekały. Wraz z pojawieniem się tub Rand, artyści mają tę przewagę, że zabierają ze sobą całą różnorodność kolorów i odcieni na plener. To odkrycie w dużej mierze wpłynęło na bogactwo barw artystów, a dodatkowo skłoniło ich do wyjścia z warsztatów do natury. Wkrótce, jak zauważył pewien dowcipniś, na wsi było więcej pejzażystek niż chłopów.

Pionierami malarstwa w plenerze byli artyści ze szkoły Barbizon, która swoją nazwę wzięła od wioski Barbizon w pobliżu lasu Fontainebleau, gdzie stworzyli większość pejzaży.

Jeśli starsi malarze szkoły Barbizon (T. Rousseau, J. Dupre) w swojej twórczości opierali się jeszcze na dziedzictwie heroicznego pejzażu, to przedstawiciele młodszego pokolenia (Ch. Daubigny, C. Corot) obdarzyli ten gatunek z cechami realizmu. Ich płótna przedstawiają krajobrazy obce akademickiej idealizacji.

W swoich obrazach Barbizonowie starali się odtworzyć różnorodność stanów natury. Dlatego malowali z natury, starając się uchwycić w nich bezpośredniość ich percepcji. Jednak stosowanie w malarstwie przestarzałych metod i środków akademickich nie pomogło im osiągnąć tego, co później udało się impresjonistom. Mimo to wkład artystów szkoły Barbizon w kształtowanie się gatunku jest niepodważalny: opuszczając pracownie na świeżym powietrzu, zaproponowali malowaniu pejzażowemu nowe drogi rozwoju.

Jeden ze zwolenników malowania w naturze, Eugene Boudin, poinstruował swojego młodego ucznia Claude'a Moneta, co należy robić na świeżym powietrzu - pośród światła i powietrza, aby malować to, co kontempluje. Ta zasada stała się podstawą malarstwa plenerowego. Monet wkrótce przedstawił swoim przyjaciołom, Augustowi Renoirowi, Alfredowi Sisleyowi i Fredericowi Basilowi, nową teorię: malować tylko to, co obserwuje się z określonej odległości i w określonym świetle. Wieczorami w paryskich kawiarniach młodzi malarze radośnie dzielili się swoimi pomysłami iz pasją dyskutowali o swoich nowych odkryciach.

Tak powstał impresjonizm - rewolucyjny nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku. Malarze, którzy wkroczyli na drogę impresjonizmu, starali się w swoich pracach w sposób bardziej naturalny i prawdziwy uchwycić otaczający ich świat i codzienną rzeczywistość w ich nieskończonej ruchliwości i nietrwałości, wyrazić ulotne doznania.

Impresjonizm był odpowiedzią na zdominowany przez sztukę w tamtych latach stagnację akademizmu, chęć wyzwolenia malarstwa z beznadziejnej sytuacji, w której popadło z winy artystów Salonu. To, że sztuka współczesna podupada, powtarzało wielu postępowych ludzi: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. Impresjonizm był rodzajem terapii szokowej dla „cierpiącego organizmu”.

Wraz z pojawieniem się młodych malarzy rodzajowych, Edouarda Maneta, Auguste Renoira, Edgara Degasa, do malarstwa francuskiego wdarł się wiatr zmian, dając bezpośredniość kontemplacji życia, przedstawienie ulotnych, jakby nieoczekiwanych sytuacji i ruchów, iluzorycznej niestabilności i nierównowagi formy, fragmentaryczna kompozycja, nieprzewidywalne punkty widzenia i kąty .

Wieczorami, gdy artyści nie mieli już okazji malować swoich płócien z powodu słabego oświetlenia, opuszczali warsztaty i zasiadali za namiętnymi sporami w paryskich kawiarniach. Tak więc kawiarnia Guerbois stała się jednym z niezmiennych miejsc spotkań garstki artystów, którzy zjednoczyli się wokół Edouarda Maneta. W czwartki odbywały się regularne spotkania, aw inne dni można było tam spotkać grupę ożywionych, rozmawiających lub kłócących się artystów. Claude Monet tak opisał spotkania w Café Gerbois: „Nie może być nic bardziej ekscytującego niż te spotkania i niekończące się zderzenie poglądów. Wyostrzyły nasze umysły, pobudziły nasze szlachetne i szczere aspiracje, dały nam zastrzyk entuzjazmu, który podtrzymywał nas przez wiele tygodni, aż do całkowitego uformowania się pomysłu. Wychodziliśmy z tych spotkań w dobrym nastroju, ze wzmocnioną wolą, z myślami wyraźniejszymi i jaśniejszymi.

W przededniu lat 70. XIX wieku impresjonizm zakorzenił się również we francuskim krajobrazie: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley jako pierwsi opracowali spójny system plenerów. Malowali swoje płótna bez szkiców i szkiców w plenerze bezpośrednio na płótnie, uosabiając w swoich obrazach iskrzące się światło słoneczne, bajeczną obfitość kolorów natury, rozpad przedmiotów przedstawionych w otoczeniu, wibracje światła i powietrza , zamieszki odruchów. Do osiągnięcia tego celu bardzo przyczynił się szczegółowo zbadany przez nich system kolorów, w którym naturalny kolor został rozłożony na kolory widma słonecznego. Aby stworzyć niezwykle jasną, delikatną kolorową fakturę, artyści nałożyli na płótno czysty kolor oddzielnymi pociągnięciami, podczas gdy w ludzkim oku oczekiwano optycznego mieszania. Technika ta, później przekształcona i teoretycznie uargumentowana, stała się centralnym elementem innego wybitnego dążenia artystycznego - puentylizmu, zwanego "dywizjonizmem" (od francuskiego "dzielnik" - dzielić).

Impresjoniści wykazywali wzmożone zainteresowanie powiązaniami między obiektem a otoczeniem. Przedmiotem ich skrupulatnej twórczej analizy była przemiana koloru i charakteru przedmiotu w zmieniającym się otoczeniu. Aby zrealizować ten pomysł, wielokrotnie przedstawiano ten sam obiekt. Dzięki dodatkowi czystego koloru w cieniach i refleksach czarna farba prawie opuściła paletę.

Krytyk Jules Laforgue mówił o fenomenie impresjonizmu w następujący sposób: „Impresjonista widzi i przekazuje naturę taką, jaka jest, to znaczy tylko z urzekającymi wibracjami. Rysunek, światło, objętość, perspektywa, światłocień - wszystko to jest oddalająca się klasyfikacja. Okazuje się, że wszystko jest determinowane przez wibracje koloru i musi zostać odciśnięte na płótnie przez wibracje koloru.

Dzięki zajęciom plenerowym i spotkaniom w kawiarniach 27 grudnia 1873 r. „Anonimowi, rzeźbiarze, rytownicy itp.” - więc początkowo nazywali siebie impresjonistami. Pierwsza wystawa Towarzystwa odbyła się wiosną rok później w Galerii Handlowej Nadara, eksperymentalnego fotografa, który również sprzedawał sztukę współczesną.

Debiut miał miejsce 15 kwietnia 1874 roku. Wystawę zaplanowano na miesiąc, czas zwiedzania - od dziesiątej do szóstej i, co również było nowością, od ósmej do dziesiątej wieczorem. Bilet wstępu kosztował jednego franka, katalogi można było kupić za pięćdziesiąt centymów. Początkowo wystawa wydawała się być wypełniona zwiedzającymi, ale tłum zajmował się tam tylko kpiną. Niektórzy żartowali, że zadanie tych artystów można wykonać ładując pistolet różnymi tubkami z farbą, następnie strzelając w płótno i kończąc na podpisie.

Zdania były podzielone: ​​albo wystawa nie była w ogóle traktowana poważnie, albo była krytykowana do dziewiątek. Ogólny odbiór można wyrazić w poniższym, sarkastycznym, aspirującym artykule „Wystawa impresjonistyczna”, podpisanym przez Louisa Leroya, opublikowanym w formie felietonu. Oto opis dialogu między autorem a odznaczonym medalistą akademikiem-pejzażystą, którzy wspólnie przechadzają się po salach wystawy:

„... Nieroztropny artysta przybył tam, nie zakładając nic złego, spodziewał się zobaczyć tam płótna, które można znaleźć wszędzie, wskazujące i bezużyteczne, bardziej bezużyteczne niż wskazujące, ale niedaleko od pewnych standardów artystycznych, kultury formy i szacunku dla starych mistrzów.

Niestety, forma! Niestety, starzy mistrzowie! Nie będziemy ich już czytać, mój biedny przyjacielu! Zmieniliśmy wszystko!”

Na wystawie pojawił się także pejzaż Claude'a Moneta, przedstawiający poranek w zatoce spowitej mgłą - malarz nazwał go „Wrażenie. Wschód słońca” (wrażenie). Oto komentarz jednego z bohaterów satyrycznego artykułu Louisa Leroy na tym płótnie, który nadał nazwę najbardziej sensacyjnemu i znanemu ruchowi w sztuce XIX wieku:

„...- Co tu jest narysowane? Zajrzyj do katalogu. - „Wrażenie. Wschód słońca". - Wrażenie - tak jak się spodziewałem. Pomyślałem sobie tylko, że skoro jestem pod wrażeniem, to trzeba w nim przekazać jakieś wrażenie… i jaki luz, jaka płynność wykonania! Tapeta w oryginalnym stopniu przetworzenia jest doskonalsza niż ten pejzaż morski ... ”.

Osobiście Monet nie był w żaden sposób przeciwny takiej nazwie techniki artystycznej, którą stosował w praktyce. Główną istotą jego twórczości jest właśnie uchwycenie i uchwycenie nieuchwytnych chwil życia, nad którymi pracował, dając początek niezliczonym cyklom obrazów: „Haks”, „Topole”, „Katedra w Rouen”, „Stacja Saint-Lazare” , „Staw w Giverny”, „Londyn. Budynek Parlamentu i inne. Inny przypadek, Edgar Degas, który lubił nazywać siebie „niezależnym”, ponieważ nie brał udziału w Salonie. Jego surowy, groteskowy styl pisarski, stanowiący wzór dla wielu zwolenników (wśród których szczególnie wyróżniała się Toulouse-Lautrec), był niedopuszczalny dla akademickiego jury. Obaj malarze stali się najbardziej przedsiębiorczymi organizatorami kolejnych wystaw impresjonistów, zarówno we Francji, jak i za granicą - w Anglii, Niemczech i USA.

Natomiast Auguste Renoir, występując na pierwszych wystawach impresjonistów, nie tracił nadziei na podbój Salonu, co roku wysyłając na swoje wystawy dwa obrazy. Charakterystyczną dwoistość swoich działań tłumaczy w korespondencji ze swoim towarzyszem i patronem Durand-Ruelem: „...Nie popieram bolesnych opinii, że dzieło jest godne lub niegodne, w zależności od miejsca, w którym jest pokazywane. Krótko mówiąc, nie chcę marnować czasu i złościć się na Salon. Nie chcę nawet udawać złości. Po prostu myślę, że musisz rysować jak najszybciej, to wszystko. Gdyby mi zarzucono, że jestem pozbawiony skrupułów w swojej sztuce lub z absurdalnej ambicji wyrzekam się swoich poglądów, przyjąłbym takie zarzuty. Ale ponieważ nie ma nic nawet bliskiego, nie ma potrzeby robić mi wyrzutów”.

Nie uważając się za oficjalnie zaangażowanego w reżyserię impresjonistów, Edouard Manet uważał się za malarza realistycznego. Jednak nieustanne bliskie relacje z impresjonistami, odwiedzającymi ich wystawy, niepostrzeżenie przekształciły styl malarza, zbliżając go do impresjonisty. W ostatnich latach życia kolory w jego obrazach rozjaśniają się, kreska jest zamaszysta, kompozycja jest fragmentaryczna. Podobnie jak Renoir, Manet czekał na przychylność oficjalnych znawców sztuki i chętnie brał udział w wystawach Salonu. Ale wbrew swojej woli stał się idolem paryskich artystów awangardowych, ich niekoronowanym królem. Mimo wszystko uparcie szturmował Salon ze swoimi płótnami. Dopiero przed śmiercią miał szczęście zdobyć oficjalną lokalizację Salonu. Znalazłem to i Auguste'a Renoira.

Opisując kluczowe postaci impresjonizmu, brzydko byłoby nie przypomnieć choćby fragmentarycznie osoby, za pomocą której wielokrotnie hańbiony ruch artystyczny stał się znaczącym artystycznym nabytkiem XIX wieku i podbił cały świat. Ten człowiek nazywa się Paul Durand-Ruel, kolekcjoner, marszand, który wielokrotnie znalazł się na skraju bankructwa, ale nie porzucił swoich prób ustanowienia impresjonizmu jako nowej sztuki, która nie osiągnęła jeszcze zenitu. Organizował wystawy impresjonistów w Paryżu i Londynie, aranżował osobiste wystawy malarzy w swojej galerii, organizował aukcje, po prostu pomagał artystom finansowo: bywało, że wielu z nich nie miało pieniędzy na farby i płótna. Dowodem żarliwej wdzięczności i czci artystów są ich listy do Duranda-Ruela, których pozostało wiele. Osobowość Duranda-Ruela jest przykładem inteligentnego kolekcjonera i dobroczyńcy.

„Impresjonizm” to pojęcie względne. Wszyscy malarze, których zaliczamy do tego ruchu, przeszli szkolenie akademickie, które polegało na skrupulatnym dopracowaniu szczegółów i gładkiej, błyszczącej powierzchni malarskiej. Szybko jednak woleli od zwykłych tematów i wątków nakazanych przez Salon, obrazów w kierunku realistycznym, odzwierciedlającym rzeczywistą, codzienność. Następnie każdy z nich pisał przez pewien czas w stylu impresjonizmu, starając się obiektywnie przekazać przedmioty na swoich obrazach w różnych warunkach oświetleniowych. Po takim impresjonistycznym etapie większość z tych awangardowych artystów zwróciła się ku niezależnym badaniom, zyskując zbiorową nazwę „postimpresjonizm”; później ich praca przyczyniła się do powstania XX wieku abstrakcjonizmu.

W latach 70. XIX wieku Europa uzależniła się od sztuki japońskiej. Edmond de Goncourt w swoich notatkach mówi: „… Pasja do sztuki japońskiej… obejmowała wszystko - od malarstwa po modę. Na początku była to mania takich ekscentryków jak mój brat i ja, później dołączyli do nas artyści impresjoniści. Rzeczywiście, w obrazach ówczesnych impresjonistów często utrwalano atrybuty kultury japońskiej: wachlarze, kimona, ekrany. Z japońskiego grawerunku uczyli się także metod stylistycznych i rozwiązań plastycznych. Wielu impresjonistów było zapalonymi kolekcjonerami japońskich grafik. Na przykład Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

W sumie tzw. impresjoniści w latach 1874-1886 wystawili 8 wystaw w nierównych odstępach czasu; połowa z 55 malarzy, którzy należeli do Towarzystwa Anonimowego, ze względu na różne okoliczności, pojawiła się dopiero w I. Wyjątkowym uczestnikiem wszystkich 8 wystaw był Camille Pissarro, który wyróżniał się spokojnym, spokojnym usposobieniem.

W 1886 odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów, ale jako metoda artystyczna nadal istniała. Malarze nie porzucili ciężkiej pracy. Chociaż poprzednie partnerstwo, jedność, nie było już dostępne. Każdy utorował sobie drogę. Historyczne konfrontacje zakończyły się, zakończyły triumfem nowych poglądów i nie było potrzeby łączenia sił. Chwalebna jedność artystów impresjonistów rozdarła się i nie mogła się powstrzymać od rozłamu: wszyscy byli boleśnie odmienni nie tylko w temperamencie, ale także w poglądach, w przekonaniach artystycznych.

Impresjonizm jako kierunek zgodny ze swoim czasem nie omieszkał opuścić granic Francji. Podobne pytania zadawali malarze z innych krajów (James Whistler w Anglii i USA, Max Lieberman i Lovis Corinth w Niemczech, Konstantin Korovin i Igor Grabar w Rosji). Fascynację impresjonizmem natychmiastowym ruchem, płynną formą przejęli także rzeźbiarze (Auguste Rodin we Francji, Paolo Trubetskoy i Anna Golubkina w Rosji).

Dokonując rewolucji w poglądach współczesnych, poszerzając swój światopogląd, impresjoniści utorowali w ten sposób drogę do późniejszego powstania sztuki i pojawienia się nowych aspiracji i idei estetycznych, nowych form, które nie trzeba było długo czekać. Neoimpresjonizm, postimpresjonizm, fowizm, które wyrosły z impresjonizmu, stymulowały później także powstawanie i rozwój nowych trendów i trendów estetycznych.

Impresjonizm- nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić świat rzeczywisty w jego mobilności i zmienności, przekazać ich ulotność wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie również w literaturze i muzyce.

Obraz.

Impresjonizm powstał we Francji w drugiej połowie XIX wieku. Młodzi artyści chcieli wyjść poza malarstwo klasyczne. Co nie było takie łatwe: ani krytycy, ani publiczność nie chcieli zaakceptować obrazów tak odmiennych od zwykłego malarstwa akademickiego w stylu „antycznym”.

Obrazy artystów nowego kierunku nie były nawet uważane za obrazy, wyglądały tak bardzo jak szybkie szkice.

Ale to była esencja nowego kierunku – uchwycenie chwili, pokazanie życia takim, jakie jest. Impresjoniści nie wymyślają fabuł, czerpią je z codzienności: to wszystko, co każdy może zobaczyć, po prostu wychodząc na ulicę.

Artyści zaczęli stosować zupełnie nową technikę rysowania. Farby na sztalugach nie były mieszane, ale nakładane na płótno oddzielnymi pociągnięciami. Dlatego, aby uzyskać całościowy obraz obrazu, należy je oglądać z niewielkiej odległości, a nie z bliska. Przy takiej percepcji wyraźne, oddzielne pociągnięcia płynnie przechodzą w siebie i powstaje wyobrażenie o obrazie.

W przeciwieństwie do mistrzów minionych lat impresjoniści nie pracowali w warsztatach, tam wykańczając i dopracowując swoje szkice. To wśród nich popularna staje się technika plenerowa, czyli praca w plenerze. Artyści podróżowali na przedmieścia (szczególnie popularny był las Fontainebleau), gdzie szkicowali pikniki lub przedstawiali sceny z życia Paryża: Monet i Renoir często przedstawiali sceny nad brzegiem Sekwany, cykl obrazów Renoira z Moulin de la Znany jest również Gallette.

Ale impresjoniści nie zawsze interesowali się ludźmi czy naturą. Dużo ciekawiej było oddać na przykład ruch powietrza czy opadanie światła słonecznego. Na przykład w obrazie Moneta „Gare Saint-Lazare” głównym tematem obrazu nie jest nawet stacja czy sam pociąg, ale dym unoszący się w klubach z dymiącego komina.

Nowy nurt różnił się od malarstwa akademickiego zarówno pod względem technicznym, jak i ideologicznym. Przede wszystkim impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi, oddzielnymi i kontrastowymi pociągnięciami. Promień słoneczny dzieli się na składowe: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest odmianą niebieskiego, ich liczba zmniejsza się do sześciu. Dwie farby umieszczone obok siebie wzmacniają się nawzajem i odwrotnie po zmieszaniu tracą swoją intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na podstawowe lub podstawowe i podwójne lub pochodne, przy czym każda podwójna farba jest dodatkiem do pierwszej:

Niebieski - Pomarańczowy

czerwony zielony

Żółty - Fioletowy

Ogólnie rzecz biorąc, wielu mistrzów pracowało w stylu impresjonizmu, ale podstawą ruchu byli Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas. Jednak Manet zawsze nazywał siebie „artystą niezależnym” i nigdy nie brał udziału w wystawach, i chociaż Degas brał udział, nigdy nie malował swoich prac w plenerze.

Malarze. (Dużo, ale wystarczająco krótko, aby wiedzieć o ich pracy)

O tym, jak organicznie w sztuce impresjonistów połączyła się tradycja i nowatorstwo, świadczy przede wszystkim twórczość wybitnego XIX-wiecznego malarza. Edouarda Maneta. Tymczasem w tych pracach, jak iw dalszej twórczości artysta opiera się na doświadczeniu sztuki klasycznej. Próbując estetycznie zrozumieć współczesne życie, Manet wykorzystuje majestatyczne schematy kompozycyjne malarzy renesansowych, począwszy od Giorgione i Tycjana, a skończywszy na Velazquezie i Goi. Jego obrazy, liczne portrety i inne prace z lat 60. XIX wieku zostały napisane w tradycyjnym malarskim stylu, który nie został jeszcze całkowicie przezwyciężony, choć i tu już można wyczuć pragnienie otwartego koloru i naturalnego światła. Później paleta Maneta staje się zauważalnie jaśniejsza. Był jednym z pierwszych, który malował na czystym białym podłożu, czasami „ładując” go bogatymi pociągnięciami jasnych, słonecznych kolorów, czasami pokrywając go najdelikatniejszymi odcieniami szlachetnych odcieni różu i szarości. Miał dar przekazywania nieskończonego bogactwa kolorów i żywego drżenia obiektywnego świata, co szczególnie wyraźnie przejawiało się w martwej naturze – „żaden ze współczesnych Maneta nie potrafił namalować martwej natury lepiej niż on”. potrafił spojrzeć świeżym, bezstronnym spojrzeniem na otaczającą ją rzeczywistość i poszerzyć spektrum zjawisk, do których adresowane są sztuki plastyczne. Nie bał się zrobić przedmiotu sztuki naprawdę wysokiej i ucieleśniać w doskonałych formach malarskich te aspekty życia i relacji międzyludzkich, od których artyści przed nim odwracali się lub ich nie dostrzegali.

W centrum sztuki Edgar Degas człowiek zawsze stał, podczas gdy pejzaż, niemal wiodący gatunek impresjonistów, nie odgrywał w jego twórczości znaczącej roli. Wielki wielbiciel Ingresa, przywiązywał do rysunku wyjątkową wagę. We Włoszech podziwiał Mantegna, od francuskich artystów interesował się Poussinem i kopiował jego obrazy. Degas porusza się pod wpływem Maneta, by przedstawiać sceny współczesnego życia. Jego głównymi tematami są świat baletu i wyścigów konnych, tylko w nielicznych przypadkach wykracza poza nie, nawiązując do życia paryskiej bohemy, przedstawiając modniarki, prasownice i praczki. Innowacja Degasa w przekazywaniu ruchu jest nierozerwalnie związana z jego mistrzostwem kompozytorskim. W nim, jeszcze bardziej niż w Manecie, odczuwa się niezamierzenie, przypadek, wyrwanie odrębnego epizodu z toku życia. Osiąga to poprzez nieoczekiwaną asymetrię i nietypowe punkty widzenia (często z góry lub z boku, pod kątem), „wybrzuszenie” przestrzeni jak zapatrzone w lustro, wyraziste kadrowanie i odważne cięcia ram. To poczucie naturalności i pełnej swobody wywalczyła ciężka praca, precyzyjne obliczenia i wyrównanie konstrukcji kompozycyjnej.

Trudno wyobrazić sobie większą antytezę sztuki Degasa niż malarstwo. Auguste Renoir jeden z najbardziej słonecznych i afirmujących życie artystów Francji, którego A.V. Lunacharsky nazwał „malarzem szczęścia”. Najwyższe osiągnięcia Renoira związane są z wizerunkiem kobiet i dzieci. Jego ulubiony typ to krągłe kobiety z opuchniętymi ustami, zadartymi nosami i czarująco bezmyślnymi oczami. Maluje je ubrane i nagie, na dworze w deszczu, na huśtawce w ogrodzie, podczas kąpieli czy na śniadaniu z opalonymi wioślarzami. Jego modelkami są dziewczęta z ludu i biednych mieszczan, zdrowe i świeże, które nie znają gorsetu i nie wstydzą się swojej nagości.