Partisz malarstwo i ich obrazy. Cechy i różnice w monumentalnej, maszyny, miniaturowe malowanie

Malarstwo wyróżnia się różnorodnością gatunków i gatunków. Każdy gatunek jest ograniczony do jego kręgu działek: obraz osoby (portretu), otaczającego świata (krajobraz) itp.
Odmiany (typy) malarstwo różnią się w miejscu przeznaczenia.

W tym względzie istnieje kilka rodzajów malarstwa, o którym rozmawiamy dzisiaj i porozmawiamy.

Stank malowanie

Najpopularniejszym i znanym rodzajem malarstwa jest obraz szklany. W nazwie jest powód, dla którego jest wykonywany na maszynie - Molbert. Podstawą jest używane drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno rozciągnięte na podramce. Obraz szklany jest niezależnym produktem wykonanym w określonym gatunku. Ma bogatństwo koloru.

Farby olejne

Najczęściej malowanie stalowe wykonywane są przez farby olejne. Kolory oleju można obsługiwać na płótnie, drewnie, kartonie, papierze, metalu.

Farby olejne
Kolory oleju - Zawieszenia pigmentów nieorganicznych i wypełniaczy w suszeniu olejów roślinnych lub Olifah lub opartych na żywicach alkidowych, czasami z dodatkiem substancji pomocniczych. Używane w malarstwie lub do malowania drewnianych, metalowych i innych powierzchni.

V. Pereov "Portret Dostoevsky" (1872). Płótno, olej.
Ale malowniczy obraz można utworzyć za pomocą temperatury, guasies, pasteli, akwareli.

Akwarela

Farby akwarelowe.

Akwarela (fr. Aquarelle - podlewanie; Ital. Acquarello) - malownicza technika przy użyciu specjalnych farb akwarelowych. Po rozpuszczeniu w wodzie, tworzą przejrzyste zawiesinę cienkiego pigmentu, ze względu na działanie lekkości, bezpodstawności i cienkich przejść kolorów.

J. Törsner "Lake Firwalstetetic" (1802). Akwarela. Tate Britan (Londyn)

Gwasz

Guasz (ks. Guasz, Ital. Guazzo farba wodna, Splash) - rodzaj kleju rozpuszczalnych w wodzie farby, bardziej gęste i matowe niż akwarela.

Farby gwaszowe
Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem beli. Nieczystość Belizium daje guashi matowej aksamidu, ale kiedy kolor jest suszony, są nieco rzucane (zło), co powinno wziąć pod uwagę artystę w procesie rysowania. Z pomocą farb gwaszowych można nakładać na ciemne odcienie światłem.

Vincent Van Gogh "Korytarz w Azulum" (czarna kreda i gwasz na różowym papierze)

Pastel [e]

Pastel (z lat. Makaron - ciasto) - materiały artystyczne używane w grafice i malarstwie. Najczęściej wytwarzane w formie drobnych lub ołówków bez felg o postaci barów z okrągłym lub kwadratowym przekrojem. Pastel zdarza się trzy typy: "suche", olej i wosk.

I. Levitan "Dolina rzeki" (pastel)

Temperatura

Temple, z łacińskiego temperature - mieszanka farb) - farby z tym wodą przygotowane na podstawie suchych pigmentów proszkowych. Spoiwo temperatalnych farb serwowane jest przez wodę rozcieńczoną jajkiem z kurczaka żółtego lub jajkiem stałym.
Tempety są jednymi z najstarszych. Do momentu wynalazku i rozprzestrzeniania się oleju do stuleci XV-XVII. Farby hartowane były głównym materiałem malowania maszynowego. Są one używane przez ponad 3 tysiące lat. Słynne obrazy sarcofagów starożytnych egipskich faraonów wykonane są przez farby temperatury. Tempera była głównie stalowym obrazem mistrzów bizantyjskich. W Rosji technika listu tymczasowego była dominująca do końca XVII wieku.

R. Streltsov "Rumianek i fiołki" (temperatura)

Enkaustyczny

Enkaausky (od dr greckiego. Ἐγκαυστική - sztuka spalania) - technika malowania, w której wiązanie farby jest wosk. Malowanie jest wykonywane przez farby w stopionej formie. Wiele wczesnych ikon chrześcijańskich jest napisane w tej technice. Pochodzi z starożytnej Grecji.

"Anioł". Technika Enkaustic.

Zwracamy uwagę na fakt, że można spotkać kolejną klasyfikację, zgodnie z którą akwarela, gwasz i inne techniki, które używają papieru i farb na bazie wody są związane z wykresem. Łączą cechy malarstwa (bogactwo tonowe, tworzenie koloru kształtu i przestrzeni) oraz grafiki (aktywna rola papieru w budowie obrazu, brak określonej ulgi o charakterze rozmazu malowniczej powierzchni).

Monumentalny obraz

Monumentalne malarstwo - malowanie struktur architektonicznych lub innych baz. Jest to najstarszy rodzaj malarstwa, znany z paleolitu. Dzięki stacjonarnym i trwałościowi jego liczne próbki pozostały prawie ze wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę. Głównymi technikami monumentalnych malarstwa to fresk, a secoration, mozaika, witraż.

Fresk

Fresco (z Ital. Fresk - świeże) - malowanie na surowym tynku z kolorami wodnymi, jedną z technik malarstwa ściennego. Podczas suszenia wapno zawarte w tynku tworzy cienki przezroczysty film wapnia, który sprawia, że \u200b\u200bfresk trwałego.
Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i trwały w zamkniętym pokoju.

Klasztor Gelati (Gruzja). Kościół Najświętszej Dziewicy. Fresk na górze i południowej stronie łuku Triumfalnego

I pkt

I punkt (z ITAL Farby są używane, ułożone na kleju warzywnym, jajko lub mieszane z wapnem. SEKO pozwala nam pomalować dużą powierzchnię w ciągu dnia roboczego niż z obrazem fresku, ale nie jest tak trwała technika.
Sprzęt i SEKO opracowali w średniowiecznym obrazie wraz z freskiem i był szczególnie powszechny w Europie w XVII-XVIII.

Leonardo da Vinci "Ostatnia kolacja (1498). Technika i Sko.

Mozaika

Mozaika (ks. Mosaïque, Ital. Mosaico z Lat. (Opus) Musivum - (praca) poświęcona Muses) - dekoracyjne i stosowane i monumentalne sztuki różnych gatunków. Obrazy w mozaiki powstają układ, zestaw i mocowanie na powierzchni wielokolorowych kamieni, smałków, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Panel mozaiki "kot"

Zszyty

Okno witrażowe (fr. Vitre - szkło okienne, od Lat. Vitrum - szkło) - produkt witrażu. Przez długi czas witraż został użyty w świątyniach. W epoce renesansowej witraż istniejący jako malowanie na szkle.

Dostawa witrażowa "Intersuzny" (Murmansk)
Diorama i panorama są również związane z odmianami malarstwa.

Diorama

Diorama Building "Sapun-Mountain Burzec 7 maja 1944" w Sewastopolu
DIRAMA - półkolisty obraz w kształcie nadproża z półkolem z obiektem do przodu. Iluzja obecności widza w przestrzeni naturalnej jest tworzona, która osiąga się syntezę sztuki i środków technicznych.
Diorams są przeznaczone do sztucznego oświetlenia i znajdują się głównie w specjalnych pawilonach. Większość Diras poświęconych bitewom historycznym.
Najbardziej znane Diorams: "Sapun-Mountains" (Sevastopol), "Obrona Sewastopolu" (Sevastopol), "Walki do Rzheva" (Rzhev), "Przełom Leningrad Blockad" (Petersburg), "Berlin's Assault" (Moskwa), itp.

Panorama

W malarstwie panorama nazywa się zdjęciem z okrągłym przeglądem, na którym płaskie malownicze tło jest połączone z objętością pierwszego planu tematu. Panorama tworzy iluzję prawdziwej przestrzeni otaczającej widza w pełnym kręgu horyzontu. Panorama dotyczy głównie wizerunku wydarzeń obejmujących znaczące terytorium i dużą liczbę uczestników.

Muzeum-Panorama "Bitwa Borodino" (Budynek muzeum)
W Rosji najsłynniejsze panoramy są panoramy muzeum-panorama "Borodino Battle", "Volochaevsky Battle", "Pokonaj niemieckie wojska faszystowskie w pobliżu Stalingrad" w muzeum-Panorama "Stalingrad Battle", "Obrona Sewastopolu", panorama Trans-Siberian Railway.

Franz Rubo. Panorama Borodino Battle Panorama

Malarstwo dekoracji teatralnej

Dekoracje, kostiumy, makijaż, butefory pomagają głębiej ujawnić treść wydajności (film). Sceneria daje pomysł na miejsce i czas działania, aktywuje postrzeganie tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny dąży do szkiców kostiumów i makijażów, aby uzyskać ostro wyrażać indywidualny charakter postaci, ich statusu społecznego, stylu Ery i wiele więcej.
W Rosji kwitnących sztuki teatralnej-grudnia spada na linię XIX-XX wieku. W tym czasie wybitni artyści MA zaczęli pracować w teatrze. Vrubel, V.M. Vasnetsov, a.ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel "Miasto Lollolelets". Szkic scenerii Operą N.a. Roman Corsakov "Opowieść o Tsar Saltan" dla Rosyjskiej Opery w Moskwie. (1900)

Miniaturowy

Miniatura jest malowniczym produktem małych form. Szczególnie popularna miniatura portretowa była zwłaszcza portret małego formatu (od 1,5 cm), charakteryzująca się specjalną subtelnością listu, rodzaju sprzętu oraz wykorzystanie środków związanych tylko w tej formie wizualnej.
Rodzaje i formaty Miniatury są bardzo zróżnicowane: zostały napisane na pergaminie, papierze, kartonie, kości słoniowej, na metalu i porcelanowym, stosując akwarela, gwasz, specjalne szkliwa sztuki lub farby olejne. Autor może wprowadzić obraz, zgodnie z jego decyzją lub na wniosek klienta, w okręgu, owalnym, rombowym, ośmiokątnym itp. Klasyczna miniatura portretowa jest uważana za miniaturę na cienkiej płycie z kości słoniowej.

Emperor Nicholas I. Fragment miniatur Morselli
Istnieje kilka technik miniaturowych.

Miniatura lakierowa (Fedodino)

Miniatura z portretem księżniczki Zinaida Nikolaevna (biżuteria Yusupov)

Obrazy malarskie są bardzo wizualne i przekonujące. Jest w stanie przekazywać objętości i przestrzeni, przyrody, ucieleśniać uniwersalne pomysły, wydarzenia historycznej przeszłości i lotu fantazji, ujawniają złożony świat ludzkich uczuć i charakteru. Malarstwo może być jednowarstwową (natychmiastową) i zaprawą, w tym podmuelki. i pessic., zastosowany do suchej kolorowej warstwy, przezroczyste i półprzezroczyste warstwy farby.
Osiągło to najlepsze niuanse i odcienie koloru.
Objętość budynku i przestrzeń w malarstwie jest związana perspektywa liniowa i powietrza, przestrzenne właściwości ciepłych i zimnych kolorów, formularza modelowania lekkiego cienia, transmisję całkowitego koloru tła płótna. Aby utworzyć zdjęcie, z wyjątkiem koloru, potrzebne dobry rysunek i ekspresyjny skład. Artysta, z reguły, rozpoczyna pracę tkaniny z poszukiwaniem najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie, w wielu malowniczych etiudach z natury, działa jako niezbędne elementy kompozycji.

Stank malowanie .
Maszyny nazywane są zdjęciami, które mają niezależną wartość (napisaną na maszynie). Obraz górski ma wiele gatunków.

Gatunek muzyczny (Franz "," Widok "," Smak "," Custom "," Rod ") - historycznie składany i rozwijający rodzaj grafiki.
Gatunek może być obchodzony w imieniu obrazu (ok. "Trader rybny").

Gatunki malarstwa maszynowego:

Przez to, co jest pokazane na zdjęciu:
1.Portret
2.Sceneria
3.Martwa natura
4.Gospodarstwo domowe (gatunek)
5.Historyczny
6.Bitwa
7.Animalistyczny
8.Biblijny
9.Mitologiczny
10.Fabuła

1.Portret - obraz osoby lub grupy osób istniejących lub istniejących w rzeczywistości.
Portret : Lokalny, poplet, duży, portret wzrostu, portret na tle krajobrazu, portret w wnętrzu (pokoje), portret z akcesoriami, autoportret, portret podwójny, portret grupy, portret parowy, portret kostiumowy, portret miniaturowy .

Z natury obrazu wszystkie portrety można podzielić na 3 grupy:
ale ) Portrety parady mają tendencję do przyjęcia wizerunku osoby w pełnym wzroście (na koniu stojącego lub siedzącego), zwykle na tle krajobrazu lub architektonicznego;
b) oddzielne portrety (Być może nie całkiem w pełnym wzrostu, bez architektury);
w ) Komora (intymne) portrety, w których blow-up, klatka piersiowa, taśma, częściej na neutralnym tle.

Rosyjscy artystów-portretistów: Rockoty, Levitsky, Borovikovsky, Brillov, Cyprinen, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Sceneria (Franz. "Miejsce", "Kraj", "Ojczyzna") - przedstawia naturę, rodzaj terenu, krajobrazu.
Rodzaje krajobrazu : Wiejski, miejski, morski (marina), miejski architektoniczny (ołów) przemysłowy.
Krajobraz może nosić liryczny, heroiczny, epicki, historyczny, fantastyczny charakter.

Rosyjscy malarze-krajobraz gracze: Shchedrin, Ayvazovsky, Vasilyev, Levitan, Shishkin, Polenov, Savrasov, Queenji, Grobowiec itp

3.Martwa natura (Franz. "Martwa natura") - przedstawia osobliwe portrety rzeczy, ich ciche życie. Artyści przedstawiają najbardziej zwykłe rzeczy, pokazują swoje piękno i poezję.

Artyści: Serebryakova, Falk

4.Gatunek gospodarstwa domowego (malarstwo gatunkowe) - Zdjęcia Codzienne życie osoby i wprowadza nas do życia ludzi, którzy mają długie czasy.

Artyści: Venetsian, Fedotov, Perov, Repin itp.

5.Historyczny gatunek - Zdjęcia Znaczne wydarzenia historyczne, wydarzenia z przeszłości, epickie czasy. Ten gatunek jest często przenoszony z innymi gatunkami: domowy, battalny, portret, krajobraz.

Artyści: LoseNko, Uggiumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, GE itp.
Surikov, wybitny mistrz obrazu historycznego: "Rano stretsovka wykonanie", "łożysko Morozova", "Menshikov w Berezovie", "Przejście Suvorov przez Alpy", "Conquest Siberia Yermak".

6.Gatunek bitwy. - przedstawia kampanie wojskowe, bitew, ciasne wyżywienie, walki.

7.Gatunek zwierząt. - Zdjęcia świat świata zwierząt.

Monumentalny obraz.

Zawsze związane z architekturą. Udekoruje ściany i sufity, podłogi, okna Windows.

Rodzaje monumentalnego obrazu (różnią się w zależności od sprzętu pojazdu):

1.Fresk (Włoski ". Dla surowego") - napisany na surowym tynku wapiennym z farbami (suchy pigment, barwnik w proszku), rozcieńczoną wodę. Hydrish, Lime podkreśla najlepszy film wapnia, który naprawia farby pod nim, sprawia, że \u200b\u200bmalowanie nieusiewalne i bardzo trwałe.

2.Temperatura - farby rozwiedzione na jajku, kasety kaskujące lub syntetyczną substancję spoiłą. Jest to niezależny i wspólny rodzaj malarstwa. Czasami piszą do temperatalnej fresku. Temperatura szybko wysycha i zmienia kolor podczas suszenia.

3.Mozaika (Lat. "Zdefoksed przez Muzes") - Malarstwo ułożone z małych kawałków kolorowych kamieni lub smałków (specjalnie spawane nieprzezroczyste szkło)

4. Zszyty (Franz. "Szklanie", z Lat. "Szkło") - malowanie wykonane z kawałków przezroczystego witrażu połączone przez przepływy paski (lutowanie świń)

5.Płyta (Franz. "Board", "Shield")
- A) część ściany lub sufitu (sufit) wyizolowanych przez ramę sztukaterią lub ozdoba pasa i wypełniona obrazem;
b) Farby na płótnie, a następnie przymocowane do ściany. W przypadku ścian zewnętrznych panel może być wykonany z płytek ceramicznych.

ARCHITEKTURA

Architektura - Sztuka tworzenia budynków i ich kompleksów, które tworzą medium na żywo. Z innych rodzajów sztuki różni się od faktu, że nie tylko ideologiczne - artystyczne, ale także praktyczne zadania.

Rodzaje architektury:
publiczny (pałac);
publiczne mieszkanie;
urbanistyka;
przywrócenie;
Garden-Park (krajobraz);
Przemysłowy.

Ekspresyjne środki architektury:
Kompozycja budynku;
skala;
rytm;
Lekki;
kolor;
otaczająca natura i rozwój;
Malarstwo i rzeźba.

1. Skład budynku - położenie jego głównych części i elementów w określonej sekwencji . Kompozycja budynku jest bardzo ważna, ponieważ zależy od tego, że budynek wytwarza. Tworząc skład architektoniczny, architekt wykorzystuje różne techniki: przemienne i kombinacja różnych przestrzeni (otwartych i zamkniętych, oświetlonych i przyciemnionych, komunikujących się i izolowanych itp.); różne woluminy (wysokie i niskie, prostoliniowe i krzywoliniowe, ciężkie i płuco, proste i kompleksowe); Elementy otaczających powierzchni (płaski i wytłoczony, głuchych i ażurowych, monofonicznych i kolorowych). Wybór kompozycji zależy od tego, dla którego przeznaczony jest budynek.

Rodzaje składu:
- Symetryczny . Ta sama lokalizacja elementów budynku w stosunku do osi symetrii, która odnotowuje środek kompozycji. Takie budynki były charakterystyczne dla architektury ery klasyzmu.
- Asymetryczny . Główna część budynku przesuwa się od centrum. Stosowane są różne, kontrastujące, materiałowe i kolorowe objętości, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego . Charakterystyczne dla nowoczesnej konstrukcji.
Odbiór symetrii i asymetrii z kompozycją poszczególnych elementów, układ kolumn, okien, schodów, drzwi itp.

2. Rytm Rytm ma szeroką wartość organizacyjną w składzie architektonicznym.

Rodzaje rytmu:
-Pionowy rytm . Alkłada poszczególnych elementów w kierunku pionowym. Dając budowę wrażenie lekkości, aspiracji.
- poziomy rytm . Alteracja elementów w kierunku poziomym. Budynek jest przysiadowy, zrównoważony.
Zboglądanie, zagęszczanie indywidualnych szczegółów w jednym miejscu i rozładuj je w innym, architekt może podkreślić centrum kompozycji, daje budowę natury dynamicznej lub statycznej.

3. Skala . Proporcjonalny stosunek budynku i jego części. Określa wielkość poszczególnych części i części budynku w stosunku do wielkości całego budynku jako całości, do osoby otaczającej przestrzeń i innych budynków. Skala budynku zależy od wielkości budynku, ale z ogólnego wrażenia, że \u200b\u200bprodukuje na osobę.

4. Lekki . Właściwość, która wykrywa dystrybucję światła i ciemnych obszarów na powierzchni formularza. Wzmacnia i ułatwia wizualne postrzeganie formy architektonicznej, nadaje mu bardziej malowniczy widok. Sztuczne oświetlenie budynków stosuje się na poziomie ulicy, głównej i oświetlenia. Odbite światło we wnętrzu tworzy iluzję lekkości formularzy.

Cechą architektury jako sztuki jest stworzenie jedności składu architektonicznego z różnych form architektonicznych. Najprostszym sposobem tworzenia jedności - dając objętość prostego budynku geometrycznego. W złożonym zespole budynku, jedność osiąga się przez wiszącą: Główny objętość budynku podlega głównym objętościom (Composite Center). Środki kompozytowe to również tektonika.

Tektonika- Summly ujawniona strukturę strukturalną budynku.

5. Kolor . Często jest stosowany w strukturach architektonicznych, zwłaszcza we wnętrzu (zwłaszcza w budynkach w stylu klasycznym i baroku). Dla nowoczesnych wnętrz, jasne, lekkie dźwięki są charakterystyczne.

6. Malarstwo i rzeźba. Artystyczne środki stworzenia złożonej jedności budowlanej obejmują monumentalną i stosowaną sztukę, w szczególności rzeźby i malowanie, których połączenie z architekturą ma nazwę "syntezę sztuk artystycznych".

7. Środowiskowy i budynek . Architektura ma sprawdzić. Jest to ważne dla jego struktur w krajobrazie naturalnym (naturalnym) lub miejskim (miejskim). Forma architektury jest należna: naturalna (zależy od warunków geograficznych i klimatycznych, o charakterze krajobrazu, intensywność światła słonecznego); Społecznie (zależy od charakteru systemu społecznego, ideały estetyczne, użytetyków i artystycznych potrzeb społeczeństwa).

Architektura jest ściśle związana z rozwojem sił produkcyjnych i technologii. Żadna z sztuki nie wymaga takiej koncentracji zbiorowych wysiłków i zasobów materialnych.Na przykład: IsAKiev Cathedral zbudowała 500 tysięcy osób przez 40 lat.

Architektura Korekcja: Korzyści, siła, piękno. Innymi słowy, są to najważniejsze elementy całości architektonicznej: funkcji, projektowania, kształtu (Vitruvius, I wiek. N.e. starożytny rzymski teoretyk architektoniczny). Budowa stała się architekturą, gdy odpowiednie budynki znalazły estetyczny wygląd.

Architektura powstała w czasach starożytnych. W starożytnym Egipcie Struktury Grandiose zostały stworzone w imię duchowych i kultowych celów (Groby, świątynie, piramidy). W starożytnej Grecji architektura nabywa demokratycznego wyglądu i obiektów kultowych (świątyń) już ubiegać się o piękno, godność obywatela greckiego. Nowe typy budynków publicznych pojawiają się: teatry, stadiony, szkoły. I podążają architektów humanistyczna zasada piękna, sformułowana przez Arystotelesa: "Wspaniałe nie powinno być zbyt duże, a nie za małe ". W starożytnym Rzymie architekci są szeroko stosowane przez łukowatą sklepienie konstrukcji z betonu. Nowe typy struktur, forów, triumfalnych łuków i kolumn odzwierciedlają pomysły państwowości i mocy wojskowej. W średniowieczu architektura staje się wiodącym i najbardziej ogromnym rodzajem sztuki. W gotyckich katedrach bogów i namiętnym ziemskim snem o ludziach o szczęściu wyrażone na niebo . Architektura renesansowa rozwija się na nowej podstawy zasady i formy starożytnych klasyków, wprowadza się nowa forma architektoniczna - podłoga. Klasycyzm Cannonizuje kompozytowe techniki starożytności.

Jedność składu architektonicznego obejmuje jedność stylu, który jest tworzony przez zestaw znaków typowych dla sztuki określonego czasu. Różne czynniki wpłynęły na styl każdej epoki: widoki ideologiczne i estetyczne, materiały i sprzęt budowlany, poziom produkcji produkcji, zapytań domowych, formy artystyczne.

Styl - ilość elementów, które ujawniają cechy tej epoki.
Styl - historycznie ustalona kombinacja środków i technik artystycznych, która charakteryzuje cechy sztuki określonego czasu.
Styl jest obecny we wszystkich rodzajach sztuki, ale tworzy się głównie w architekturze. Styl architektoniczny jest utworzony przez dziesięciolecia, a styl, na przykład, w starożytnym Egipcie, styl został zachowany dla 3 TL, w związku z którym nazwa jest kanoniczna (Canon (Norm, Reguła) - zestaw reguł, które ma opracowany w procesie praktyki artystycznej i ograniczonej).

Podstawowe zasady stylu egipskiego charakterystyki całej sztuki starożytnego Egiptu:
- jedność obrazów i inskrypcje hieroglificznych;
- pionowy obraz przedmiotów i osób (mniej znaczący jest przedstawiony w płaszczyźnie powyżej);
- linia złożonych scen pasów poziomych;
- różnica między liczbami, której wartość zależy od miejsca w przestrzeni, ale z znaczenia każdego z nich;
- Wizerunek postaci danej osoby, ponieważ z różnych punktów widzenia (facanoprofilo) - zasada formowania figury na płaszczyźnie (gdy głowa i nogi zostały przedstawione w profilu, a tułowia i oczy w FAS).

Kalendarz-planowanie tematyczne lekcji.

Kalendarz i planowanie tematyczne zależy od wieku studentów. Idealną opcją jest obecność lekcji w klasach 5 (6) -11, program państwowy Yu. A. Solodovnikova i L. N. predutenskaya jest dla tego obliczana. Należy wziąć pod uwagę, że specyfika pracy średniego i wyższego szczebla jest różne . Studenci szkół średnich są już zdolny do postrzegania uogólnionych pomysłów, na przykład, w koncepcji stylu, gdzie przeważa zjawisko zasady "ze wspólnej do szczególności". Środkowym studentami, zwłaszcza w 5-6 stopniach, nie zawsze są gotowi do realizacji stylu, czyli nadal nie mówią o możliwości widzenia ogólnego wzoru w wielu specyficznych zjawiskach. Ta umiejętność rozwija się stopniowo, średnio, większy wynik da lekcje "zanurzenia" w jakiejkolwiek pracy, wydarzeniu, zjawisku, żywotności i twórczej ścieżce autora, na przykład "mitów starożytnej Grecji", " Narodziny opery "," Commence Florentine ". Klasy te mogą odbywać się w formie inscenizacji, gry biznesowych, quizów, sporów itp. Jednocześnie uczniowie otrzymują informacje związane z specyficznymi bohaterami, specyfiki ekspresyjnych środków określonej sztuki. Zdolność do tych "prywatnych" chwil widzenia wspólnych wzorów pojawia się na poziomie podświadomości. Ale jest dobrze, jasne i przez długi czas, specyficzne zdjęcia i sytuacje są pamiętane.
Później studenci, którzy zgromadzili doświadczenie komunikacyjne z indywidualnymi dziełami sztuki, zjawisk kultury, otrzymują zdolność do realizacji, formułowania i wyrażania uogólnienia wyroku. Ten moment przychodzi, gdy uczeń zbliża się do 9 klasy, rzadziej do ósmej klasy. Studenci mają 8 i 9 klasy percepcja jest inna. Klasa 8 - etap okresu wieku przejściowego, który przejawia się na różne sposoby. W jednym przypadku osiem równiarki jest gotowi na bardziej złożony poziom percepcji, w drugim - nie. Taka sytuacja jest rozwiązana przez nauczyciela w każdym przypadku.
Jeśli szkoła MCC jest badana od 5 do klasy 11, najskuteczniejszym może być podejście składające się z dwóch kroków. Lekcje w 5-7 (8) Klasy są fascynujące "zanurzenie" do świata betonowych zjawisk kultury, sztuki itp., Korzystając z aktywnych praktycznych form pracy. Może być inspeksyjne, gry, spory, wykorzystanie programów komputerowych, badań przy użyciu Internetu, pracować nad projektami, quizem itp. Jednocześnie, zasada historyzmu pozostaje - w planowaniu tematycznym, nauczyciel obejmuje kluczowe prace i zjawiska kultury, odzwierciedlając różne etapy rozwoju. Jest bardzo dobry, jeśli zostanie ona łączona z kursem historii, którą studenci odbywają się równolegle. Możliwe jest komunikowanie się z lekcjami z literatury, muzyki itp.
Koncepcja wybrana przez nauczyciela jako podstawa może określić różne materiały i rodzaje aktywności. Solodovnikov oferuje możliwą zasadę organizacji przedmiotu wsparcia dla mitologii. Ale możliwe są również inne zasady.
Wychodząc na drugi krok, posiadający wiedzę na temat konkretnego zjawiska kultury, studenci klasy 9-11 mogą po raz kolejny przejść przez tę ścieżkę, ale pod względem stylów, cechami artystycznego obrazu w jednej lub innej epoce. Oddzielne reprezentacje uzyskane wcześniej dodają do jednego systemu relacji, przyczyny są wyraźne i konsekwencje.

Ustalając program do 6-8 klasy, nauczyciel może podjąć jako podstawa treści opcjonalnego przebiegu MHC Danilova, gdzie nauczyciel może wybierać spośród obszernego i zróżnicowanego materiału materiału, który ściśle spełnia warunki pracy.
Ta opcja planowania lekcji MHC średnio, gdy koncentryczna zasada działa w każdej klasie, tj. W każdej klasie uczniowie konsekwentnie przechodzą tematy sztuki starożytnego świata, średniowiecza, wschodu, Rosji, renesansowego itp.

Typy monumentalne Stankovaya Monumentally Dekoracyjne Ikona Malarstwo Miniaturowe Malarstwo Genres Style Mytologiczne Bitwa Historyczny Krajobraz Portret Martwa natura Animalist Obudowa Nude

Spójrz na to, jak piękne! Ludzie zawsze szukali sposobów oszczędzania i pamiętać, co widział. Możesz zrobić zdjęcie wokół siebie, ale zanim nie było kamer, a jest o wiele bardziej ekscytujące!

Malarz może zrobić cuda - pokaż wydarzenia z odległej przeszłości, pokazać przed nami epickie bohaterowie i bohaterowie bajek, przenieść się do przyszłości i prezentują nam nieistniejące postacie.

Głównym ekspresyjnym sposobem malowania jest kolor. Artysta jest zwykle kolor na palecie, a następnie przenosi farbę na wzór płótna, tworząc kolejność kolorów - kolor.

Smak może być ciepły i zimny, wesoły i smutny, spokojny i napięty, lekki i ciemny. Kolor tworzy obraz obrazu.

Aby utworzyć zdjęcie, oprócz koloru, konieczna jest kompozycja, która jest lokalizacją szczegółów wzoru. Artysta zaczyna pracować w sieci ze szkicami - szkice.

Malowanie jest podzielone na maszynę i monumentalne. Artysta pisze zdjęcia na Molbert, który jest również nazywany maszyną. Stąd nazwa "stank malowanie".

A słowo "monumentalne" mówi coś dużego i znaczącego. Monumentalny obraz to duże zdjęcia na ścianach budynków w metrze, lotniskach, kościołów. Tematy dla monumentalnych obrazów są również wybrane znaczące: wydarzenia historyczne, heroiczne exploity, folk opowieści.

Monumentalne malarstwo obejmuje okna mozaiki i witraże, które można również przypisać sztuce dekoracyjnej. Mozaika jest rysunkiem składającym się z małych kawałków lub różnych materiałów.

Witraż jest obrazem na szkle lub kawałkach wielokolorowego szkła. Wkładka witrażowa zamiast okien lub na drzwiach.

Fresk - technika malowania z kolorami wodnymi na surowym tynku na ścianach, wymaga bardzo szybkiej pracy, aż tynk suszony.

Co nie pisze zdjęcia! Farby wykonano za pomocą wiewiórki jaj, kleju lub soku drzewa figowego. Potem były farby naftowe, oparte na oleju roślinnym.

Malowanie oparte na żółtku jajowym lub białku nazywane jest temperamentem. Używając sprzętu czasowego, artysta nie powinien mieszać farb, muszą być nałożone w bardzo cienką warstwę, jeden obok drugiego, bez przejść. Mieszane odcienie można uzyskać tylko nakładając jedną warstwę na innym.

Malowanie malowania wosku na podstawie kleju nazywane jest gwaszem. Matki gwaszowe są gęste, matowe. Rysują na papierze, karton, płótno, folod, kości.

Pastelowa technika malowania i rysunek na szorstkiej powierzchni papieru lub kartonu ze specjalnymi ołówkami. Jednocześnie zaczynają się surowi ołówki i wykończyć miękkie, a kolorowy proszek jest roztarto palcami.

Akwarela - technika malowania z farbami akwarelowymi. Zwykle akwarela wykonywane na papierze, rozpuszczenie farb w wodzie. Akwarela malarstwo przezroczyste i miękkie.

Mastichein jest narzędziem w postaci noża lub ostrzy z zakrzywionym uchwytem. Mastichein jest używany przez artystów do usunięcia nieokreślonej farby z obrazu. Czasami stosuje się mastichein zamiast pędzla z płynną warstwą lub wytłoczonym rozmaziem.

Malowanie gatunków pojawił się, gdy artyści zaczęli wykazywać różne tematy w swoich obrazach. Głównym zadaniem Artworksazhist - Pokaż naturę we wszystkich jego pięknach.

Przetłumaczone z francuskim słowo "martwa natura" oznacza "martwa natura". Martwa natura zwana wizerunkiem rzeczy, które otaczają osobę - naczynia, tkaniny, kwiaty, warzywa i owoce, owoce morza i grę.

Portret jest obrazem mężczyzny lub grupy ludzi. W portrecie artysta nie tylko przekazuje podobieństwo zewnętrzne, ale także stara się opowiedzieć o życiu, zajęciach ludzkich.

W antycznej epoce osoba starała się przedstawić świat w obrazach, gdy go widział. Malowanie serwowane do dekoracji świątyń, mieszkań i grobowców.

Gatunki malarstwa pojawiły się w epoce renesansowej, którą już uważaliśmy - krajobraz, martwa natura, portret, zwierzę, gospodarstwo domowe, mitologiczne, historyczne, bitwy.

Klasycyzm jest stylem artystycznym, koncentrując się na formie starożytnej, przede wszystkim greckiej klasyki. Szczególni artyści uwagi dali lekkość. Zwróć uwagę na to, jak dokładnie autor z pomocą cieni przedstawiono fałdy na tkankach. I więcej artystów klasycyzmu w ich obrazach używało tylko trzech farb - czerwony, niebieski i żółty, - i mieli mieszane z różnymi kolorami.

Słowo "barok" oznacza "dziwne", "osobliwe". Zdjęcia w stylu baroku - dziwaczne, bujne. Często łączą bardzo duże i - wręcz przeciwnie - bardzo małe szczegóły, a światło i cienie nie płynnie wchodzą do siebie i ostro przedstawione.

Malowanie romantyzmu często odzwierciedla wydarzenia historii i nowoczesności, użył kontrastu światła i cienia, nasycony smak.

Zamach w malarstwie był wyglądem impresjonizmu, który miał przejście, aby przekazać mruknące wrażenie, unikając wszelkiego rodzaju szczegółów na zdjęciu. Takie zdjęcia były napisane na świeżym powietrzu i obserwuj je lepiej, wychodząc kilka kroków.

Jeśli artyści-impresyści zainteresowani wszystkimi mamroczącymi, losowo, przedstawiciele wysyłania postimipressionizmu szukali stałego, zrównoważonego. Obrazy napisano nie przez natychmiastowe wrażenie, ale biorąc pod uwagę przebieg promieni świetlnych, obliczenie cieni.

Modernizm starał się zatwierdzić swoje fundamenty sztuki. Modernizm zjednoczony wiele przepływów artystycznych: ekspresjonizm, kubizm, konstruktywizm, surrealizm, abstrakcja, pop art. Ekspresjonizm jest kierunkiem w sztuce, dla których charakterystyczny jest test, groteskość.

Malowanie w stylu kubizmu przedstawiają rzeczywiste obiekty w postaci zestawu przecinających się, pół-pływających samolotów (czteroprzewodujących, trójkątów, półpromów).

Streszczenie malarstwo, czasami nazywany jest awangardową, abstrakcyjną lub podziemną, wykorzystuje odważne, niezwykłe kolory, poprawne, jak określone dane.

Spójrz na pracę autora pracującego w stylu Fovisova. Używa kilku kolorów, tak jak w pudełku z farbami. Używa również jasnych konturów, jakby najpierw pomalował ołówek, a następnie tylko atramenty. Dane na rysunku - bez cieni, bez objętości.

Primitivism jest kierunkiem w sztukach wizualnych, których obrazy przypominają dzieła prymitywnej, średniowiecznej, ludowej i kreatywności dzieci.

Ile różnych "-isoms"! Nawet straszny, aby wziąć na szczotkę lub ołówek! Ale nie bój się, każdy z artystów, których obrazy, które teraz widziałeś, kiedyś wziął farby i papier po raz pierwszy. I nie od razu się odnotował. Brew - Fantasy, Stwórz, Rysuj!

"Sztuka jest taka sama potrzeba osoby, jak i pije. Potrzeba piękna i kreatywności ucieleśnia, nieodłączny człowiek, "napisał F. M. Dostoevsky.

Rzeczywiście, historia sugeruje, że osoba zawsze była nieokreślona ze sztuką. W górach w jaskiniach w różnych krajach świata zachowały się starożytne farby skalne. Te wyraziste rysunki zwierząt i myśliwych zostały wykonane w tamtych czasach, gdy ludzie nie mogli pisać.

Zabytki artystyczne mówią nam, co wielkie znaczenie miały w życiu osoby i społeczeństwa ludzkiego. Starożytni Grecy stworzyli wspaniały mit Muses - Wiecznie młode siostry, sztuka osobowa i nauka. Melpomena - Muza Tagedy, Talia - Komedia, Terricra - Dance, Klio - Historia Muza ... Mit mówi, że kiedy Bóg Apollo jest patronem sztuki, poezji i muzyki - pojawił się towarzyszy Muzerzy, a potem cała natura nie słuchała Do ich śpiewu ... Muzyka, Muzeum - te słowa wystąpiły ze słowa Muse.

Poetycki mit Musey Sisters nie stracił znaczenia. Każdy rodzaj sztuki ma własne ekspresyjne fundusze: w muzyce - jest to dźwięk, w sztuce wizualnej - kolor, linii itp., W literaturze - Słowo. Ale ukochaną istotą wszystkich gatunków jest to, że sztuka jest jedną z form świadomości publicznej, która opiera się na figuratywnym odbicie zjawisk rzeczywistości.

Sztuki świetne związane z percepcją wizualną obejmują: malarstwo, grafika i rzeźba. Te sztuki tworzą obraz na płaszczyźnie (malarstwo i grafiki) oraz w przestrzeni (rzeźba).

Obraz, rysunek, estampa, rzeźba, która ma niezależne znaczenie, czyli nie związane z żadnym zespołem sztuki ani z czysto praktycznym celem, nazywamy maszyneria. Definicja tego pochodzi ze słowa "Maszyna" (w tym przypadku - Molbert), która może być umieszczona, gdy obraz jest napisany. A nawet fakt, że obraz jest koniecznie włożony do ramy, podkreśla niezależność, czyli dyspozycję malowania maszynowego ze środowiska. Rama oddziela obraz, tworzy zdolność do postrzegania jej jako niezależnej liczby całkowitej artystycznej. Niektóre obrazy maszynowe są reprodukowane w książce.

W przeciwieństwie do maszyny monumentalny obraz W swoim przeznaczeniu, a natura jest związana z zespołem architektonicznym. Fresk, mozaika, panel, witraże okna są organicznie wchodzące do architektury, uzupełniających i wzbogacających dekoracji wnętrz lub całego budynku. Piękne próbki monumentalnego obrazu to freski Rafaela w pałacu Watykańskim, malując Michelangelo w Kaplicy Sykstyńskiej. Monumentalny obraz najwyższego poziomu dotarł do bizantyjskiej i starej rosyjskiej sztuki.

Obecnie monumentalny obraz jest szeroko stosowany w pałacach kultury, klubów, teatrów, stacji metra, stacji kolejowych itp. Wielu z was widziała mozaikę w metrze, stworzonej zgodnie z szkicami P. Corin, A. Deineki i innych mistrzów radzieckich . Obraz wnętrza dworca autobusowego i Muzeum Sił Zbrojnych w Moskwie (artysta Yu. Korolev), malowidła Muzeum Tsiolkovsky w Kaluga (grupa artystów prowadzonych przez A. Vasnetsova), witrażowe okna litewskich mistrzów, Pogazowany panel gruzińskich artystów zdobionych wielu nowych budynków naszych miast.

Międzynarodowa sława zdobyła monumentalną sztukę nowoczesnego Meksyku. Mozaika Sicairos i innych głównych artystów odzwierciedlają heroiczną walkę ludzi meksykańskich za ich niezależność.

Nie zawsze możesz przeprowadzić ostrą linię między maszyną a monumentalnym dziełem sztuki. Jest to wyjaśnione przez fakt, że jakość monumentalności jest często i malowanie stalowe. A Monumentalne prace czasami mają zarówno samo znaczenie, postrzegane jako kompletne wzory maszynowe.

Nadal jest bardzo duża powierzchnia sztuki dekoracyjnej i stosowanej. Są to artystycznie wykonane meble, naczynia, ubrania, tkaniny, dywany, haft, biżuteria itp. Jednak niektóre rodzaje sztuki dekoracyjnej (gobelin, goniące, rzeźby dekoracyjne można również uznać za prace niezależne. Malarstwo, które ma na celu udekorowanie lub identyfikację projektu i przeznaczenia przedmiotu, a nie wyraźnie niezależną wartość, nazywa się dekoracyjnym.

Zatem malowanie jest podzielone na maszynę, monumentalne i dekoracyjne.

Stank.OSztuka - Termin, który jest wskazany przez dzieła malowania, rzeźb i wykresów, które mają niezależny charakter i znaczenie. Wartość ideologiczna grafiki maszynowej nie zmienia się w zależności od miejsca, w którym są, chociaż ich artystyczny dźwięk i zależy od warunków ekspozycji. Termin "sztuka maszynowa" wystąpiła z "maszyny", na której powstaje wiele dzieł sztuki (w malarstwie, na przykład są sztalualne). Sztuka maszynowa zyskała powszechny rozwój od renesansu.

Monumentalna sztuka - Natura sztuki obejmuje struktury architektoniczne, rzeźbiarskie zabytki, ulgę, malarstwo ścienne, mozaiki, witraże itp. Monumentalna sztuka koncentruje się na ogromnej percepcji i stara się wpływać na emocje i myśli o wielu ludziach. Monumentalna rzeźba to zabytki, zabytki, kompleksy rzeźbiarskie, które uzupełniają architekturę. Monumentalne malowanie to panel, malowanie, mozaiki, witrażowe okna. Monumentalna grafika - obraz graficzny zaangażowany w tworzenie monumentalnego obrazu. Dla sztuki monumentalnej charakterystyczny jest pewne stałe środowisko istnienia. Właściwości: Laconizm, test, spokojnie, zrównoważony, wyraźnie, po prostu solidny i świetny. "Biografia" monumentalnej sztuki pochodzi z ludzkich kreacji epoki epoki kamienia. Altamira i Lasco, kamienie Stonehenge, pionowo niewyraźne wysokie kamienie (do 20 m), mające wartość kultowa ("Megira"). Pomnik wad. Sztuka pokrywa się z epokami, gdy świadomość zbiorowa jest wysoce rozwinięta i niewystarczająco indywidualna. Nie jest przypadkiem, że wszystkie starożytne kultury i kultura średniowiecza są głównie monumentalne.

4. Rodzaje dzieł sztuki.

1Architektura lub architektura - Jest to jednocześnie nauka i sztuka konstrukcja budynków. W szerokim znaczeniu słowa, architektura jest organizacją ludzkiego siedliska, począwszy od projektu miast, kwestii organizacji środowiska miejskiego, architektury krajobrazu i zakończenie z projektowaniem mebli i dekoracji wnętrz budynków.

2.obraz: Monumentalny obraz na budowie łuku i innych stacjonarnych bazach (fresk, mozaika, witraż). Stankovaya żywy (krajobraz, portret, martwa natura, przy życiu gospodarstwo domowe, historyczny żywy)

3.grafika- Sztuka wizualna, która wykorzystuje jako główne wzrokowe sposoby linii, uderzeń i plam (kolor można również stosować, ale w przeciwieństwie do malowania, tutaj odgrywa rolę pomocniczą).

4.sztuka teatralna i dekoracyjna

5.Dpi.- Region Art Decor: Utworzenie artykułów z praktycznym spotkaniem w życiu publicznym i prywatnym oraz dzieł sztuki Obiekty Utylitarne (batik, gobelin, wykres wątku, ceramika, haft)

6.rzeźba- Grafika, której prace mają formę objętościową i są wykonywane z materiałów stałych lub tworzyw sztucznych.

5. Rzeźba jako rodzaj sztuki.

Rzeźba [od lat. Skulpo - Cut, Carve] - Rzeźba, plastik, rodzaj sztuki wizualnej, której prace mają masowy trójwymiarowy kształt i ich stałe lub plastikowe materiały. Rzeźba pokazuje pewną bliskość architektury: Zajmuje się również przestrzenią i objętością, słucha prawa tektoniki i istotnie z natury. Ale w przeciwieństwie do architektury nie jest funkcjonalny, ale obrazowy. Głównymi specyficznych cech rzeźby to fizyczność, materialność, lakoniczność i wszechstronność. Materializację rzeźby wynika z zdolności osoby do posłuszeństwa objętości. Ale najwyższa forma dotykania w rzeźbie, wycofując ją do nowego poziomu percepcji, zdolność osoby "oświetlenia wizualnie" forma postrzegana przez rzeźbę, gdy oko nabywa zdolność do korelowania głębokości i wybrzuszenia różnych powierzchni , podporządkować swoją semantyczną integralność całej percepcji. Materializację rzeźby objawia się w konkretności materiału, że forma koperta przestaje być obiektywną rzeczywistością dla osoby i staje się materialnym przewoźnikiem artystycznym pomysłu. Rzeźba to sztuka transformacji przestrzeni poprzez objętość. Każda kultura przynosi zrozumienie stosunku objętości i przestrzeni: starożytność rozumie objętość ciała jako lokalizacja w przestrzeni, średniowiecza - przestrzeń jako świat irrered, klasycyzm jest równowagą przestrzeni, objętości i formularza. Wątość rzeźby jest związana z faktem, że ona praktycznie pozbawiony historii i narracji. Łatwość postrzegania rzeźby jest tylko widoczna. Rzeźba jest symboliczny, warunkowy i artystyczny, co oznacza skomplikowane i głębokie do percepcji.