Z XII wieku. W sztuce znajduje się ona odzwierciedlenie przez antythex, charakterystyczne dla estetyki średniowiecza, gdy muzyka sakralna - "nowa piosenka" jest przeciwna "stare", to znaczy muzyka pogańska. Jednocześnie muzyka instrumentalna zarówno w zachodniej, jak i wschodniej tradycji chrześcijańskiej była wyciekła mniej godnej zjawiska niż śpiew.

"Klasa Maastricht", Maastricht Rite. Pierwsza kwartała XIV wieku. Holandia, Liege. Brytyjska biblioteka. Stowe MS 17, F.10R / Detal miniaturowy z Godziny Maastricht, Holandia (Liège), 1. kwartał XIV wieku, Stowe MS 17, F.10r.

Muzyka jest nierozłączna z wakacji. Oglądanie podmiotów wiążących są z wakacji w średniowiecznym społeczeństwie - profesjonalnej zabawy i artystów. Ludzie tego rzemiosła, które zyskały ogólnokrajową miłość, na piśmie zabytków nazywano inaczej. Autorzy kościoła używane przez tradycyjne starożytne rzymskie imiona: Mime / mimus, pantomimizm / pantomimus, Grzyusz / Histrio. Ogólnie akceptowany był Latin Term Yokulator / Joculator - Joker, Funny, Balagen. Przedstawiciele przyjemności nazywano tancerzami / saltą; JESTERS / BALATRO, SKURI; Muzycy / muzyk. Muzycy wyróżniali się przez poród: Citharista, Cymbalista itp. Szczególna dystrybucja otrzymała nazwę francuskiego "Juggler" / Jongleur; W Hiszpanii odpowiada słowem "hugar" / junglar; W Niemczech - "Spielman" / Spielmann, w Rosji - "Skomorok". Wszystkie te nazwy są praktycznie synonimami.

O średniowiecznych muzykach i muzyce - krótko i fragmentarycznym.

2.

Maastricht Character, Bl Stowe MS 17, F.269V

Ilustracje - z Manuskryptu Holandii pierwszego kwartału XIV wieku - "Maastricht Character" z biblioteki brytyjskiej. Obrazy brzegów marginalnych pozwalają ocenić urządzenie instrumentów muzycznych i miejsca muzyki w życiu.

Z XIII wieku błąkani muzycy są aktywniej dążenie do zamków i miast. Wraz z rycerzy i przedstawicieli duchowieństwa, minestowcy są otaczają koronowanych klientów. Muzycy i śpiewacy są niezbędnymi uczestnikami mieszkańców mieszkańców zamków rycerskich, satelitów zakochanych w kawalerom i panie.

3.

f.192V.

Tam rury i zakrzepy piorunowe, jak gdyby grzmot
I flety i wiruje dzwoniące srebro,
Dźwięk harfy i skrzypce towarzyszy śpiewu,
I wiele nowych śpiewaków sukienek otrzymało dla zapału.

["Kudruna", niemiecki epicki wiersz XIII wieku.]

4.

f.61V.

Muzyka teoretyczna i praktyczna została uwzględniona w programie uczenia się doskonałego rycerza, została uhonorowana szlachetną wyrafinowaną zabawą. Szczególnie kochałem piosenkarkę Viola z delikatnymi akordami i melodyjną harfą. Wokal solo towarzyszył grę na Viola i harfy nie tylko żonglarnie są profesjonalnymi wykonawcami, ale także szlachetnymi poetami i śpiewakami:

"Tristrah był bardzo zdolnym uczniem i wkrótce opracował siedem głównych sztuk i wielu języków. Potem studiował siedem rodzajów muzyki i stał się znany jako słynny muzyk, który nie był równy.

["Saga tristrama i isonda", 1226]

5.


f.173V.

Tristan i Isolde we wszystkich fiksacjach literackich legend - wykwalifikowani kombajny:

Kiedy śpiewał - grała
Potem ją zastąpiła ...
A jeśli śpiewał - inny
Harfa uderzyła w rękę.
I śpiewanie pełne tęsknoty,
I dźwięki ciągów z ręki
Zbieżne w powietrzu i tam
Zdejmij razem do nieba.

[Gottfried Strasburg. Tristan. Pierwsza ćwierć wieku XIII wieku.]

6.


f.134R.

Z "biografii" prowansalskiego troubadurowa wiadomo, że niektóre z nich improwizowały na narzędziach, a następnie zwane "Viola".

7.


f.46r.

Cesarz świętego rzymskiego imperium niemieckiego narodu Friedrich II Staufen (1194-1250) "odgrywał różne narzędzia i został przeszkolony w śpiewaniu"

8.

f.103R.

Na harfie kobiety i inne narzędzia były rozgrywane przez kobiety, jako reguły, żonglerzy, sporadycznie - dziewczęta z rodzin szlachetnych, a nawet najwyższej osoby.

Więc poeta francuski XII wieku. Czułem królową Wiseist: "Królowa śpiewa słodko, piosenka jest połączona z narzędziem. Dobre piosenki, piękne ręce, głos jest delikatny, brzmi spokojnie "

9.


f.169V.

Instrumenty muzyczne wyróżniały się różnorodnością i stopniowo poprawiły się. Powiązane narzędzia jednej rodziny utworzyły wiele odmian. Nie było ścisłego unifikacji: ich formy i wymiary były w dużej mierze zależne od pragnienia producenta. W źródłach pisemnych identyczne narzędzia często noszą różne nazwy lub, przeciwnie, różne typy ukrywały się pod tymi samymi nazwami.

Obrazy instrumentów muzycznych z tekstem nie są połączone - nie jestem specjalistą w tej sprawie.

10.


f.178V.

Grupa instrumentów smyczkowych była podzielona na rodzinę łuku, lutni i harfy. Struny wykonane z skręconych bułek, koni mechanicznych lub jedwabnych wątków. Z XIII wieku. Są one coraz częściej wykonywane z miedzi, stali, a nawet srebra.

Nudne narzędzia, które mają zaletę przesuwnego dźwięku ze wszystkimi półtonami, dopasuj najlepiej, aby towarzyszyć głosy.

Paryż muzyka Muzyka XIII Century John De Groorhaio / Grameio umieszcza Viola w pierwszej kolejności wśród strun: na nim "Wszystkie formy muzyczne są szczelnie przenoszone", w tym taniec

11.

f.172R.

Festiwal Malowania Sądu w epickim "Wilhelm von Veden" (1290), niemiecki poeta Ulrich von Eschenbach podkreślił VIE:

Wszystkiego, co usłyszałem pochylony,
Vila tylko pochwalić pył;
Przydatne jest słuchanie jej wszystkich.
Ponieważ serce jest twoje,
Wtedy ta mąka zostanie uzdrowiona
Z delikatnej słodyczy dźwięku.

Encyklopedia muzyczna. [M.: Encyklopedia radziecka, radziecki kompozytor. Ed. Yu. V. KELDYSH. 1973-1982] Raporty, że Vila jest jednym z ogólnych nazw średniowiecznych narzędzi ciągów. A co oznaczało Ulrich von Eshenbach - nie wiem.

12.

f.219V. Kliknij na zdjęcie - narzędzie jest większe

14.

f.216V.

W poglądach ludzi średniowiecza, muzyka instrumentalna została zawiasowana, posiadała cechy polarne i spowodowane bezpośrednio naprzeciwko emocji.

"Leży na pustej tłustości, inni - na czystej śmierciobieżnej radości, a często na świętych łez" [Petrarch].

15.

f.211V.

Uważano, że nienarodzona i ograniczona muzyka, zmiękczanie moralności, wprowadza dusze do boskiej harmonii, ułatwiają zrozumienie tajemnic wiary.

16.


f.236V.

Wręcz przeciwnie, ekscytujące melodie orgiastyczne służą korupcji ludzkiej rasy, prowadzą do naruszenia przykazań Chrystusa i ostatecznego potępienia. Poprzez nieokreśloną muzykę w sercu, wiele wad penetruje.

17.


f.144V.

Hierarchy kościelne podążały za naukami Platon i Boósion, wyraźnie oddzielone ideałem, podwyższoną "harmonią nieba" i obowiązkiem, obsceniczna muzyka.

18.


f.58R.

Potworni muzycy, którzy obfitują pola gotyckich rękopisów, w tym znaków Maastricht - przykład wykonania grzeszności rzemiosła tłuszczy, dawniej muzyków, tancerzy, śpiechów, trenerów zwierząt, narratora itp. Grzyżacje ogłoszono przez "sługę szatana".

19.


f.116r.

Stworzenia groteskowe odgrywają prawdziwe lub śmieszne narzędzia. Irracjonalny świat inspizyjnie inspizyjnych hybrydów przerażających i zabawnych jednocześnie. "Surrealistyczne" zło, biorąc niezliczone Lichni, nosi i oszukając z oszustwą muzyką.

20.


f.208V.

Na początku XI wieku. Noter Hip, a następnie Arystoteles i Boeziem wskazywał na trzy cechy osoby: stworzenie jest rozsądne, śmiertelnik, który wie, jak się śmiać. Nacker uważany za człowieka i zdolny do śmiechu i powodujący śmiech.

21.


f.241R.

Na wakacjach widzów i słuchaczy m.in. Muzyczne ekscentryki zostały rozrywkowe, które są parodowane, a zatem zacienione "poważne" liczby.

W rękach śmiechu podwaja się w "świecie na zewnątrz", gdzie zwykły związek jest przekształcony, ponieważ narzędzia zaczęły "brzmi" najwyraźniej nie nadaje się do podejmowanych przedmiotów.

22.


f.92V. Spod ubrań muzyk grający kogut, wygląda ze smoka tułowia

Wykorzystanie przedmiotów w roli niezwykłej dla nich jest jedną z technik buffonu komika komika.

23.


f.145V.

Fantastyczna Muzitsia odpowiedziała na kulturę w obszarze uroczystości, gdy zwykła twarz została usunięta między obiektami, wszystko stało się niestabilne, względne.

24.

f.105V.

W poglądach intelektualistów z XII-XIII stuleci. Nastąpiła pewna harmonia między Diuchem Świętym i odsłaniając radością. Spokojna, oświecona "zabawa duchowa", przykazanie nieustannego "Jog Chrystusa" jest charakterystyczny dla zwolenników Franciszka Asyżu. Franciszek wierzył, że ciągły smutek nie był Panem, ale diabłem. W starożytnej poezji radość jest jedną z największych cnotów sądowych. Jego kult jest generowany przez liceum - potwierdzający świat światowy Troubad. "W kulturze wielu momentu obrotowej i poważnych odcieniach brzmią inaczej: spadają na refleksach roześmianych tonów, tracą wyjątku i wyjątku, są uzupełnione aspektem zawadającym".

25.

f.124V.

Potrzeba leglizacji śmiechu i żartów nie wykluczyła walki z nimi. Risards of Faith Branded Jugglers jako "członkowie społeczności diabła". Jednocześnie rozpoznali, że choć żonglarnia - smutne rzemiosło, ale ponieważ każdy musi żyć, a to będzie zgodne z przestrzeganiem przyzwoitości.

26.

f.220r.

"Muzyka ma dużą siłę i wpływ na pasję duszy i ciała; Zgodnie z tym wyróżnia się single lub progi muzyczne. W końcu niektóre z nich są takie, że zachęcają ich wymiary uczciwego, nieskazitelnego, pokornego i pobożnego. "

[Ore Nikolay. Traktat o konfiguracji cech. XIV wiek.]

27.


f.249V.

"Tympana, Lute, Harfa i Kifara
Są gorące, a pary szły
W grzesznym tańcu.
Ja kiedykolwiek noc
Jedzenie i wentylacja do rana.
Więc mamona kerisili w postaci świni
A w świątyniach satanian skaczył. "

[Poszukiwacz. Tales Canterbury]

28.


f.245V.

Piece Melodies, które "łaskotanie słuchu i oszukanie umysłu, UVO - daj nam od dobrego" [John Zlatoust], zostały uznane za degenerację grzesznej fizyczności, pomysłowej stworzenia diabła. Z ich rozkładającym się wpływem konieczne jest walkę z trudnymi ograniczeniami i zakazami. Self-chaotyczna muzyka piekielnych elementów - część świata "Liturgia na zewnątrz", "kult Idolskoe".

29.


f.209R.

Kuzma Petrov-Vienkkin (1878-1939) jest świadczącym przetrwanie takich poglądów (1878-1939), pamiętając o katedrze Archapiest Khlynovsk, małe miasteczko prowincji Saratowa.

"My, absolwenci, zrobiliśmy wycieczkę do dziedziny sztuki, w szczególności do muzyki: - ale ona będzie bawić się, - i belki pod ich stopami i wytrzeć ... a jeśli piosenki śpiewają Nich-Nete, - tak gardło Besky'ego ogona i wspinać się i wspinać się. "

30.


f.129R.

I na inny biegun. Co dzieje się z Ducha Świętego Ekscytującą muzyką o wysokiej idealności, muzyka sfer została wymieniona jako przykład wykonania nieziemskiej harmonii wszechświata stworzonego przez Stwórcę, stąd ośmiu odcieni gregoriańskiej chóralnej i jako wizerunek zgody Kościół chrześcijański. Rozsądna i proporcjonalna kombinacja różnych dźwięków świadczyła jedność wygodnego gradu Bożego. Smukła spójność konsonansu symbolizowała dobrze skoordynowane relacje elementów, pór roku itp.

Poprawna melodia opóźnia i poprawia ducha, to "wezwanie do wywyższonego stylu życia, instruując tych, którzy są poświęcone cnoty, a nie zezwalać niczym z nieoksypem, niezniszczym, nie do zniesienia" [Gregory Nissky, IV wiek.]

Przypisy / literatura:
Kudrun / ed. Premia. R. V. Frenkel. M., 1983. P. 12.
Legenda Tristana i Isolde / Ed. Premia. A. D. Mikhailov. M., 1976. P. 223; C.197, 217.
Pieśń Nibelungha / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. P. 212. Minestrowie "Sweet Dbiors" brzmiały w ogrodach, a zamek rysuje.
Estetyka muzyczna European Western Europy i Renaissance / Sost. Teksty V. P. Shestakov. M., 1966. P. 242
Struve B. A. Proces tworzenia altówki i skrzypiec. M., 1959, str. 48.
Cülkep. Mönche, Bürger, Minnesänger. Lipsk, 1975. S. 131
Darkevich V. P. Ludowa kultura średniowiecza: świecki życie w dziedzinie sztuki stuleci IX-XVI. - M.: Science, 1988. P. 217; 218; 223.
Estetyka renaissance / sost. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
Gerevich A. Ya. Problemy średniowiecznej kultury ludowej. P. 281.
Bakhtin M. Estetyka werbalnej kreatywności. M., 1979. P. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlyovsk. Przestrzeń Euklide. Samarkanda. L., 1970. P. 41.
Averintsev S. S. Poetyka literatury Runnevizante. M., 1977. P. 24, 25.

Źródła tekstu:
Darkevich Vladislav Petrovich. Świąteczne życie świeckiego w średnim wieku jest stuleci IX-XVI. Wydanie drugie, uzupełnione; M.: Wydawca "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Kultura ludowa średniowiecza: świecki świąteczne życie w dziedzinie wieków IX-XVI. - M.: Science, 1988.
V.P. DARKEVICH. Parody Muzycy w miniaturach gotyckich manuskryptów // "Język sztuki średniowiecza", M. "Nauka", 1982.
Boethations. Wytyczne dla muzyki (przejścia) // "Estetyka muzyczna European Western Europy i Renaissance" M.: "Muzyka", 1966
+ Linki wewnątrz tekstu

Inne wpisy Z ilustracjami z znaków Maastricht:

Str.s. Marginale - rysunki na polach. Niektóre ilustracje będą prawdopodobnie dokładniejsze, aby zadzwonić do miniatury do części strony.

Muzyka w średniowieczu sztuki. Figy-semantyczne nadzienie. Osobowość.

Średniowiecze - Długie, obejmujące ponad tysiąc lat rozwoju ludzkości.

Jeśli zwrócimy się do środowiska figuratywnego i emocjonalnego okresu "ponury średniowieczny", jak często nazywamy, zobaczymy, że był wypełniony intensywnym życiem duchowym, kreatywnym ekstazą i poszukiwaniem prawdy. Kościół chrześcijański miał silny wpływ na umysły i serca. Wątki, historie i obrazy Pisma Świętych rozumiały, jak historia, która rozwija się od stworzenia świata poprzez przyjście Chrystusa i do dnia strasznego sądu. Ziemskie życie było postrzegane jako ciągła walka z sił ciemnych i światła, a dusza mężczyzny była zawieszeniem tej walki. Przywrócenie końca świata jest przeniknięte przez kulturę średniowiecznych ludzi, maluje sztukę tego okresu na dramatyczne odcienie. W tych warunkach kultura muzyczna rozwinęła dwie potężne formacje. Z jednej strony, profesjonalna muzyka kościelna, która przeszła przez średniowieczny okres, ogromny sposób rozwoju; Z drugiej strony, Muzyczna kreatywność ludowa, która była prześladowana przez przedstawicieli "oficjalnego" kościoła i muzyki świeckiej, istniejących jako amatorki, przez cały cały okres średniowieczny. Pomimo antagonizmu tych dwóch kierunków przeszedł wzajemny wpływ, a do końca tego okresu wyniki interpenitracji muzyki świeckiej i kościelnej stały się szczególnie namacalne. Z boku treści emocjonalnej, najbardziej charakterystyczną dla średniowiecznej muzyki jest przewaga doskonałej, duchowej i dydaktycznej zasady - zarówno w gatunkach świeckich, jak i kościelnych.

Emocjonalna i semantyczna treść muzyki Kościoła chrześcijańskiego była skierowana do pochwały boskości, zaprzeczenie ziemskich towarów ze względu na nagrodę po śmierci, głoszenie ascezy. Muzyka koncentrowała się w sobie, co wiązało się z wyrazem "czystego", pozbawionego dowolnego "ciała", materialnej formy pragnienia ideału. Wpływ muzyki zintensyfikowaną przez akustykę kościołów o wysokich sklepieniu odzwierciedlającym dźwięk i tworzenie efektu boskiej obecności. Szczególnie jaskrawo łącząc muzykę z architekturą objawiającą się pojawieniem się stylu gotyckim. Muzyka wielopoziomowa stworzona przez ten czas stworzyła superowany puchnięcie, bezpłatne wycieranie głosów, powtarzając linie architektoniczne gotyckiej świątyni, tworząc uczucie nieskończoności przestrzeni. Najbardziej żywe próbki muzycznych gotyk stworzonych kompozytorów katedry Notre Dame - Magister Leonin i Magister Peroths, zwane wielkimi.

Muzyka w średniowieczu sztuki. Gatunki. Cechy języka muzycznego.

Powstawanie świeckich gatunków w tym okresie zostało przygotowane przez pracę bezpańskich muzyków - juggler, minstrefy i szpiedzyktóre były śpiewakami, aktorzy, cyrkiem i instrumentalistami w jednej osobie. Do Juggles, Iglicy i Minsteli dołączył vagant i Goliada. - Niefortunni studenci i uciekł mnichów uprawnionych do "artystycznej" średniej pracy i pewnej erudycji. Pieśni ludzie brzmiały nie tylko na pojawiających się językach narodowych (francuski, niemiecki, angielski i inni), ale także w łacinie. Wędrujących studentów i Scholasów (Wagatantów) często mieli wielkie umiejętności w łacińskiej urazie, które dołączyły specjalną ostrość do ich oskarżających piosenek skierowanych przeciwko świeckimi feudalistom i kościołem katolickim. Stopniowo błąkani artyści zaczęli tworzyć cele, osiedlają się w miastach.

W tym samym okresie nominowany jest specyfikowany "inteligentny" interraft - rycerskość, w której środowisku (w okresach rozejmu) również rozszerza zainteresowanie sztuką. Zamki zamieniają się w centra kultury rycerskiej. Łuk zasady zachowań rycerskich wymagało zachowania "Courti" (wykwintne, uprzejmy) zachowanie. W XII wieku w Prowansji z sądami feudalnych widowisk, rodzi się sztuka troubadurov., reprezentujący charakterystyczny wyraz nowej kultury rycerskiej Sivo ogłaszając kult ziemskiej miłości, ciesząc się naturą, ziemską radością. W kręgu obrazów, sztuka muzyczna i poetycka Trubadurowa znała sporo gatunków związanych głównie z tekstami miłości lub wojskowymi, oficjalnymi piosenkami, odzwierciedlającą postawę wasala do jego Suzarane. Często teksty Love of Trubadurov został wybrany w formie Feudal Ministerstwo: Piosenkarz rozpoznał się z Wasalem Panie, co zwykle była żoną jego senów. Gonował jej godność, piękno i szlachetność, uwielbiony jej dominację i "Lannished" w niekorzystnym celu. Oczywiście było to wiele warunków podyktowanych przez tokarkę sądową w czasie. Jednak często za warunkową formami Ministerstwa Rycerza położyło prawdziwe uczucie, jasne i imponujące w obrazach poetyckich i muzycznych. Sztuka Trubadurowa była w dużej mierze zaawansowana na swój czas. Uwaga na osobiste doświadczenia artysty, nacisk na wewnętrzny świat miłości i cierpiącej sugerują, że pipelists otwarcie sprzeciwiali się tendencjami aktywami o średniowiecznej ideologii. Troubadour gloryfikuje prawdziwą ziemską miłość. Widzi "źródło i pochodzenie wszystkich korzyści".

Pod wpływem poezji Troubad, kreatywność trovers.Było to bardziej demokratyczne (większość kierowców jest od obywateli), tutaj te same tematy zostały tu opracowane, a rozwinięto artystyczny styl piosenek. W Niemczech powstał wiek później (XIII wiek) minnezinger.W którym utwory zawartości moralnej i edycyjnej zostały opracowane częściej niż rurończyków i rur, motywy miłości były często nabywane przez malowanie religijne, były związane z kultem Maryi Panny. Piosenki systemowe emocjonalne wyróżniały się większą powagą, rowkami. Minnesinger na większą część służył jako dziedzińce, gdzie zadowolili swoje konkursy. Znane nazwy Tungsten Von Eshenbach, Walter Background der Foestweid, Tangayizer - bohater słynnej legendy. W Operze Wagner opartej na tej legendzie, centralny obraz jest scena konkurencji piosenkarzy, gdzie bohater do uniwersalnego oburzenia rozjaśnia ziemskie uczucia i przyjemności. Libretto "Tantayizer" Wagner napisany przez Wagnera - próbka niezwykłej penetracji na światopoglądu epoki, intonując moralne ideały, upiorną miłość i stałą dramatyczną walkę z grzesznymi pasjami.

Gatunki kościoła.

Grigorian Chóralna. Było wiele opcji dla melodii kościelnej i tekstów łacińskich we wczesnym Kościele Chrześcijańskim. Była potrzeba stworzenia pojedynczego kultowego rytuału i odpowiedniej muzyki liturgicznej. Proces ten został ukończony przez 6 i 7VV. Papież Gregory I. Tunes kościoła, wybrany, kanonizowany, dystrybuowany w roku Kościoła, wyniosły oficjalny łuk - antifonearia. Melrodie chóralne zawarte w nim stały się podstawą śpiewu liturgicznego Kościoła katolickiego i otrzymał nazwę gregoriańskiej chóralnej. Został wykonany przez jednowłosego refrenowego lub zespołu męskiego głosów. Rozwój humoru jest spokojny i opiera się na zmienności początkowego mówcy. Darmowy rytm melodii jest podporządkowany rytm słów. Teksty - prozaiczny w łacinie, którego sam brzmienie stworzył przedłużenie ze wszystkich świata. Ruch melodyjny Gładki, jeśli pojawiają się małe skoki, natychmiast kompensują ruch w przeciwnym kierunku. Melodie Gregorian Chants są rozpadane na trzy grupy: recytacja, gdzie każdy sylast tekstu odpowiada jednym dźwiękiem pit, psalmody, gdzie niektóre sylaby i rocznica jest dozwolona, \u200b\u200bgdy sylaby były rzucane w złożonych wzorcach melodycznych, Najczęściej "Alleluia" ("Chwalić Boga"). O dużym znaczeniu, jak w innych typach sztuki, ma symbolikę przestrzenną (w tym przypadku "Top" i "dno"). Cały styl tego jednowłosego śpiewu, braku "drugiego planu", "perspektywa dźwięku" przypomina zasadę obrazu samolotu w średniowiecznym obrazie.
Hymn . Kwitnąca siłownia wynosi 6 V. Hymny, wyróżniające się większą natychmiastową natychmiastową bezpośrednią, niosą ducha świata. Opierali się na melodiach magazynu piosenki w pobliżu folku. Pod koniec V wieku zostały wydalone z Kościoła, ale przez wieki istniały jako muzyka o wyjątkowo pracująca. Powrót ich do źródła kościelnego (9b) była rodzajem koncesji dla światowych uczuć wierzących. W przeciwieństwie do Chalalov, hymny polegały na tekstach poetyckich i specjalnie skomponowane (i nie zapożyczone z świętych książek). Określiła to wyraźniejszą strukturę melodii, a także większa swoboda melodii, nie podrzędna każdego słowa tekstu.
Mesa.. Msza rytualna została złożona przez wiele stuleci. Sekwencja jego części w głównych cechach została określona przez 9V. Ostatni wygląd MESA nabył tylko XI wieku. Trwały był proces tworzenia jej muzyki. Najbardziej starożytnym rodzajem śpiewu liturgicznego - Psalmody; Bezpośrednio związane z samym działaniem liturgicznym, brzmiało przez całą usługę i był wykonywany przez kapłanów i śpiewaków kościelnych. Wprowadzenie hymns wzbogaconej masę w stylu muzyki. Podświetlony Haymaker brzmiał w pewnych momentach rytuału, wyrażając zbiorowe uczucia wierzących. Początkowo samy śpiewały ich parafian, później - profesjonalny chór kościelny. Emocjonalny wpływ hymnów był tak silny, że stopniowo zaczęli obalić psalmody, biorąc miejsce w muzyce Mascia. Było w postaci hymnów, pięć głównych części masy (tzw. Ordinarium).
I. "Kyrie Eleison"("Panie, pomemui") - Molver do przebaczenia i wybaczenia;
II. "Gloria"("Glory") - wdzięczny hymn twórcy;
III. "Kredo"("Wierzę") - centralna część liturgii, która określa główne dogmaty Creed Christian;
IV. "Sanctus" ("Święty") - trzyletni, wielokrotny jasny wykrzyknik, który zastąpił przywitającym wykrzyknikiem "OSAnna", który oprawiła centralny odcinek "Benedictus" ("Błogosławiony, który nadchodzi");
V. "Agnus dei" ("Lamb of Boga") - kolejny mnóstwo ułaskawienia, wierny ofiarą Chrystusa; Ostatnia część jest zakończona słowami: "Dona Nobis Pacem" ("Daj nam świat").
Ciche gatunki

Muzyka wokalna
Średniowieczna sztuka muzyczna i poetycka była głównie amatorami. Zakłada wystarczającą uniwersalizm: ten sam człowiek był zarówno kompozytorem, poeta, jak i piosenkarzem, a instrumentalista, ponieważ piosenka była często wykonywana wraz z lutnią lub altówką. Teksty poetyckie piosenek, zwłaszcza próbki Rycerza Sztuki, są bardzo interesujące. Jeśli chodzi o muzykę, doświadczyła wpływu Grigorii Chantów, muzyki bezpańskich muzyków, a także muzyki ludów wschodnich. Często przez wykonawców, a czasami autorzy muzyki Probwożnych piosenek byli żonglami, którzy byli obserwowani z rycerzy, towarzysząc swoim śpiewaniu i wykonywaniu funkcji służących i asystentów. Dzięki tej współpracy granice kasują między ludźmi a rycerską muzyczną kreatywnością.
Muzyka taneczna Obszar, w którym znaczenie muzyki instrumentalnej przejawiało się szczególnie silnie, była tańca muzyki. Od końca XI wieku pojawia się szereg gatunków muzycznych i tanecznych, zaprojektowany wyłącznie do wykonania na instrumentach. Brak wakacji zbiorów, bez ślubu ani innych kosztów uroczystości rodzinnej bez tańców. Tańce często wykonywane pod śpiewającymi się tańczącymi lub pod rogu, w niektórych krajach - pod orkiestrą składającą się z rury, bębna, połączenia, płyt.
Branle. Francuski taniec ludowy. W średniowieczu był najbardziej popularny w miastach i wsie. Wkrótce po jego wyglądzie, uwaga arystokracji i stała się tańcem towarzyskim. Dzięki prostych ruchach Branley mógł wszystko tańczyć. Jego uczestnicy trzymają się za ręce, tworząc zamknięty koło, które można podzielić na linii, zamieniając się w zygzakowate ruchy. Było wiele rodzajów Branle: proste, podwójne, zabawne, koń, Branle Prachk, Branle z pochodniami, itp. Na podstawie ruchów Berana, Gavot, Paspie i Burre zostały zbudowane, z Branle stopniowo powstaje.
Stella. Taniec wykonywał pielgrzymów, którzy przyjechali do klasztoru, by czcić statuę Matki Boskiej. Stała na szczycie góry oświetlona przez słońce, a wydawało się, że nieookrzysząc światło od niej przepływa. Stąd nazwa tańca (Stella - od lat. Gwiazda). Ludzie tańczyli w jednym impulsie, zszokowany wspaniałą i czystością matki Boga.
Karol. Była popularna w 12V. Karol - otwarte koło. Podczas realizacji Karola Dancing Sang, trzymając się za ręce. Przed tańcem szedł. Chór wykonał wszystkich uczestników. Rytm tańca był gładki i wolny, a potem zmniejszył się i przełączył, aby uruchomić.
Tańcząca śmierć W okresie późnego średniowiecza w kulturze europejskiej temat śmierci stał się dość popularny. Epidemia zarazy, niosąc ogromną liczbę żyć wpłynęło na stosunek do śmierci. Jeśli wcześniej został dostarczony z ziemskiego cierpienia, potem w XIII wieku. Była postrzegana z horrorem. Śmierć została przedstawiona na rysunkach i rycinach w formie przerażających obrazów, omówionych w tekstach piosenek. Taniec jest wykonywany w okręgu. Taniec zaczyna się poruszać, jakby ich nieznana siła wiąże się z nimi. Stopniowo opanują muzykę, że gra śmierci śmierci, zaczynają tańczyć i wypadać na końcu.
BASAN OWES. Marszeje tańczące promenady. Nosili uroczysty charakter i były technicznie nieskomplikowane. Zebrany na piosenkarce w swoich najlepszych strojach minęło przed właścicielem, jakby wykazali się i ich kostiumowi - to było znaczenie tańca. Dancing procesje są mocno zawarte w życie sądu, bez nich nie było festiwalu.
Estampi. (Ethampidi) sparowane tańce, którym towarzyszy muzyka instrumentalna. Czasami "Ethambi" został ukończony przez trzy: jeden człowiek doprowadził dwie kobiety. Muzyka odegrała dużą rolę. Składał się z kilku części i spowodowało charakter ruchów i liczbę zegarów na każdej części.

TRUBRADRAS:

Giraut RiCier 1254-1292.

Riquier Guiraut - Provencal Poeta, który często nazywany jest "ostatnią rurą". Sztuczny i umiejętny mistrz (48 jego melodii zachowanych), ale nie obce do motywu duchowego i znacząco skomplikował swój list wokalny, usuwając z piosenki. Przez wiele lat był na boisku w Barcelonie. Uczestniczył w kampanii krzyżowej. Zainteresowania jest również jego pozycja w odniesieniu do art. Jego korespondencja ze słynnym patronem sztuki Alphonse Wise, Kastile King Castile i Leon. W nim skarżył się, że nieuczciwe ludzie, "degradujący tytuł żonglera", często mieszany z kompetentnymi Troubadras. Jest "haniebny i szkodliwy" dla przedstawicieli "wysokiej sztuki poezji i muzyki, które mogą komponować wiersze i tworzyć pouczające i incredit działa". Pod mocą odpowiedzi King RiCier zasugerował swoją systematyzacji: 1) "Lekarze Sztuki Poetyckiej" - najlepsi z Trubadurowa ", zakrywając drogę do społeczeństwa", autorów "Przykładowych wersetów i Canson, wdzięku powieści i dzieła dydaktyczne "w języku mówionym; 2) Trubadras, który komponuje utwory i muzykę do nich tworzyć melodie taneczne, ballady, albumy i płyty; 3) Żonglers Catering do smaku szlachetnego: Grają różne narzędzia, opowiadają historię i bajki, mają wiersze innych ludzi i Cansons; 4) Buligony (Jesters) "Jego niska sztuka na ulicach i kwadratach pokazuje i zachowują się niegodne". Usuwają przeszkoleni małpy, psy i kozy, demonstrują lalki, naśladują kny ptaków. Buffon gra na małe radzi sobie na narzędziach lub jęzorami przed fortuną ... Podróżując z dziedzińca do sądu, bez wstydu, cierpliwie przenosi wszelkiego rodzaju upokorzenie i gardzi przyjemnych i szlachetnych klas.

Rikiera, jak wiele Troubadurov, zakłócił pytanie o cnoty rycerskiego. Rozważał najwyższą zaletę. "W żaden sposób nie mówię, jestem zły o walce i umysłu, ale hojność jest przekraczana".

Uczucia goryczy i rozdrażnienia są ostro wzmacnione do końca XIII wieku, kiedy upadek krucjatów przekształcił się w rzeczywistość nieistotną, z którą nie można nie być rozpatrywanym, co nie było niemożliwe nie myśleć. "Nadszedł czas, aby skończyć!" - W tych wersetach (już mają 1292) wyrazili rozczarowanie przez rozczarowanie kruszców przedsiębiorstw Giraut RiCier:
"Przyszedł do nas na godzinę - zrujnować ruinę - opuścić ziemię świętą!" Wiersz "Nadszedł czas z piosenkami rodzaju" (1292) jest uważany za ostatnią piosenkę Troubadur.

Kompozytorzy, muzycy

Guillaume de Masho OK. 1300 - 1377.

Machaut to francuski poeta, muzyk i kompozytor. Służył w sądzie czeskiego króla, z 1337 roku był Canononem Katedry Reymary. Jeden z najbardziej znanych muzyków późnego średniowiecza, największej figury francuskiej Nova Nova. Znany jako multi-headed Composer: dotarł do swoich motorów, balladów, wirusów, le, rondo, kanonów i innych piosenek (piosenki). Jego muzyka wyróżnia się wyrafinowaną ekspresywnością, wyrafinowaną zmysłowością. Ponadto Masha stworzył pierwszy w historii Mszy autora (dla koronacji Króla Króla Charlesa V w Reims w 1364g. Jest pierwszym w historii muzyki przez autora Mesca - jednoczęściowy i ukończony pracą słynny kompozytor. W jego sztuce, jak to było ważne linie przechodzące, z bokiem, z muzycznej i poetyckiej kultury pipelistów i rur w długotrwałym, podstawowym, z drugiej, z francuskich szkół Polifonię 12-13 stuleci.

Leonin (Mid XII wieku)

Leonin jest wybitnym kompozytorem, wraz z perotą należącą do szkoły Notre-Lady. Historia zachowała nam nazwę tego słynnego twórcy "Dużej Księgi Organs", zaprojektowana dla rocznego kręgu śpiewu kościoła. LEONIN Organum zastąpił śpiew chóralny do zrozumienia z dwukrotnymi solistami śpiewu. Jego dwupoziomowy narządy wyróżniały się tak dokładnym rozwojem, harmonijną "spójnością" dźwięku, co było niemożliwe bez uprzedniego myślenia i nagrania: W dziedzinie Leonina nie był to piosenkarki-improwizator, ale kompozytor. Główną innowacją Leonina była rekordem rytmicznym, który pozwolił ustanowić wyraźny rytm głównie przez ruchomy głos. Izroczna natura najważniejszych głosów została wyróżniona hojnością melodyczną.

Peroten.

PEROTIN, PEROTINUS - francuski kompozytor końca 12 - 1 trzeci 13 stuleci. W nowoczesnych traktatach "Master Peroth wielka" (który miał na myśli, jest zdecydowanie nieznany, ponieważ było kilku muzyków, do których można przypisać tę nazwę). Perotrom opracował rodzaj wielokrotnego śpiewu, który ustanowiony w pracy jego poprzednika Leonina, również należał do tzw. Paryżu lub Notre Dame, School. Perotrom stworzyły wysokie próbki melmamatycznego organum. Napisał nie tylko 2 głosy (jako Leonina), ale także 3, 4-ored eseje, i najwyraźniej skomplikowane i wzbogacone wielofruckie rytmicznie i teksturowane. Jego 4 narządy głosu nie były jeszcze przestrzegane istniejących praw polifonicznych (imitacji, kanonu itp.). W dzielnicy Peothsum była tradycja wielopoziomowych chantów Kościoła katolickiego.

Zokene de ok. 1440-1524.

Franco Flamandzki kompozytor. Z śpiewu kościelnego młodego wieku. Służył w różnych miastach Włoch (w 1486-99 piosenkarzów papieskich kaplicach w Rzymie) i Francja (Kambon, Paryż). Był muzykiem sądowym Louis XII; Otrzymał uznanie jako mistrza nie tylko kultowej muzyki, ale także świeckich piosenek, przewidywając francuski Chanson. Ostatnim latami życia jest opatia katedry w Konde-sur-Esco. Zoskien Rosa - jeden z największych kompozytorów renesansu, który miał wszechstronny wpływ na późniejszy rozwój sztuki zachodniej europejskiej. Twórczo podsumowując osiągnięcie szkoły Holandii, stworzył innowacyjne eseje duchowych i świeckich gatunków (masa, motetki, psalms, frottole), podrzędnej techniki polifonicznej z nowymi artystycznymi, zadaniami. Melodia jej prac związanych z źródłami gatunków jest bogatsza i wieloaspektowa niż wcześniejsze Mistrzowie Holandii. "Czyszczenie" stylu polifonicznego Zoshen rose, wolny od zwlekającego komplikacji, był punktem zwrotnym w historii pisania chóralnego.

Gatunki głosowe.

Dla całej epoki ogólnie, oczywistą przewagą gatunków wokalnych, a konkretny wokal polifony. Niezwykle złożona umiejętność ścisłego stylu polifonicznego, prawdziwego stypendium, technika wirtuoza w sąsiedztwie jasnej i świeżej sztuki dystrybucji krajowej. Muzyka instrumentalna nabywa niezależność, ale jego natychmiastowa zależność od formularzy głosowych i ze źródeł krajowych (taniec, utwór) zostanie pokonany tylko nieco później. Duże gatunki muzyczne pozostają związane z tekstem słownym. Istota renesansowego humanizmu znalazła odzwierciedlenie w składzie Chorus piosenki w stylu FOTTOL i VILALL.
Taniec gatunków.

W epoce ożywienia gospodarstwa domowego nabiera wielkie znaczenie. We Włoszech, Francji, Anglii, Hiszpanii jest wiele nowych form tanecznych. Różne warstwy społeczeństwa mają swoje tańce, wytwarzają swoje wykonanie, zasady zachowania podczas piłek, wieczorami, uroczystościami. Taniec renesansu jest bardziej złożony niż nieuprawne branles późnych średniowiecza. Tańca tańca (duet), zbudowany na kompleksowych ruchach i liczbach przychodzą do zastąpienia tańca z kompozycją taneczną i rogatą liniową.
Volta. - Para taniec pochodzenia włoskiego. Nazwa pochodzi z włoskiego Voltare Word, co oznacza "Obróć". Rozmiar jest trzy stonowany, tempo umiarkowanie szybko. Głównym rysunkiem tańca jest to, że kawalier jest niezwłocznie i ostro zmienia pani w powietrzu. Ten wzrost jest zwykle bardzo wysoki. Wymaga dużej siły i dekstercy z kawalieru, ponieważ pomimo ostrości i niektórych zanieczyszczeń ruchów, wzrost musi być wykonywany jasno i pięknie.
Gallarda. - Starożytny taniec włoskiego pochodzenia, wspólny we Włoszech, Anglii, Francji, Hiszpanii, Niemcy. Tempo wczesnej galurnika umiarkowanie szybko, wielkości trzech tonolu. Galjard był często wykonywany po koledze, z którym czasami była zbyt związana z tematycznie. Galard 16 V. Jest doznany w melodii-harmonicznej teksturze melodią w górnym głosie. Gallard Melodies były popularne w szerokich warstwach francuskich społeczeństwa. Podczas egzekucji uczniowie Serenad Orleans grający na odłamki melodii w Lutes i Gitary. Podobnie jak Chimes, Galharda nosiła charakter rodzaju dialogu tańca. Kavaler przeniósł się po sali z panią. Kiedy mężczyzna wykonał solo, pani pozostała na miejscu. Męski solo składał się z różnych skomplikowanych ruchów. Potem ponownie podszedł do Lady i kontynuował taniec.
Pavana. - Załączanie 16-17 stuleci. Pace jest umiarkowanie wolny, rozmiar 4/4 lub 2/4. W różnych źródłach nie ma konsensusu z jego pochodzenia (Włochy, Hiszpania, Francja). Najpopularniejszą wersją jest taniec hiszpański, który imitractuje ruchy pawia oznaczenia z pięknie zarumienionym ogonem. Był blisko Babdança. Różne ceremonialne marsze odbyły się do muzyki Pavana: wejścia władz w mieście, widoczne panny młode w Kościele. We Francji i Włochy Pavan jest zatwierdzony jako taniec sądowy. Uroczystym charakterem Pavana pozwolił Towarzystwo sądowi świecić do łaski i łaski jego sposobu i ruchów. Ludzie i burżuazje Ten taniec nie wykonał. Pavana, jak MenueT, był ściśle w szeregach. Rozpoczęły się taniec króla i królowej, wtedy Dofin został wprowadzony do niego z uwagi damą, potem książątami itp. Javalers wykonywane z peruką mieczem i w pellicie. Panie znajdowały się w frontowych sukienkach z ciężkimi długimi TPS, które musiały być umiejętnie posiadać podczas ruchów, bez podnoszenia ich z podłogi. Ruch wykopu sprawił, że ruchy piękne, dając Pawanowi pomp i uroczystość. Dla królowej przybliżonych panie niósł pętlę. Przed rozpoczęciem tańca zakładano, że objawiono halę. Na końcu tańca para z łukami i odwróconymi ponownie poszedł po sali. Ale przed złożeniem kapelusza, kawalier miał położyć prawą rękę z powrotem na ramieniu pani, lewej (trzymając kapelusz) - na jej talii i pocałuj ją na policzku. Podczas tańca pani została obniżona; Tylko od czasu do czasu spojrzała na jej kawaler. Najbardziej długi Pavan został zachowany w Anglii, gdzie był bardzo popularny.
Allemanda. - powolny taniec pochodzenia niemieckiego w rozmiarze 4-dolarowym. Należy do masywnego "niskiego", nepral tańca. Wykonawcy stali się ze sobą parami. Liczba pary nie jest ograniczona. Kavaler trzymał damę rękami. Kolumna poruszała się po sali, a kiedy dotarł do końca, uczestnicy zrobili włączenie na miejscu (nie oddzielają rąk) i kontynuowali taniec w przeciwnym kierunku.
Kuranta. - Taniec sądu o pochodzeniu włoskim. Kwarantan był prosty i skomplikowany. Pierwszy składał się z prostych, szlachetnych kroków, które wykonywane głównie przed nami. Złożone kuranty był postacią pantomiczką: Trzy kawalier zaproszeni do trzech panie do udziału w tańcu. Panie zostały przypisane do przeciwległego rogu sali i poprosił o taniec. Panie odmówiły. Javalers, otrzymując odmowę, poszedł, ale potem wrócił ponownie i stali się przed paniami na kolanach. Dopiero po tym, jak scena Pantomimen rozpoczęła taniec. Różnią się dzwonki włoskich i francuskich typów. Włoski kwarantan - ożywiony taniec 3/4 lub 3/8 z prostym rytmem w melodii harmonicznej tekstury. Francuski - uroczysty taniec ("taniec maniery"), płynna procesja zominalna. Rozmiar 3/2, umiarkowany tempo, dość opracowana tekstura polifoniczna.
Sarabanda. - Popularny taniec 16 - 17 stuleci. Dotyczyło się z hiszpańskiego tańca z Kastagnets. Pierwotnie towarzyszy śpiew. Słynny baletmaster i nauczyciel Karlo Blazis w jednym z ich prac daje krótki opis Sarabandy: "W tym tańcu wszyscy wybierają damę, do której nie jest obojętny. Muzyka daje sygnał, a dwóch kochanków wykonują taniec, szlachetny, mierzony Jednak znaczenie tego tańca nie koliduje z przyjemnością, a skromność daje mu jeszcze bardziej wdzięku; poglądy wszystkich są zadowoleni, przestrzegają tańca, który wykonuje różne figury, wyrażają wszystkie fazy miłości z ich ruchem. " Początkowo tempo Sarabandy był umiarkowanie szybki, później (z XVII wieku) był powolny francuski Saraband z charakterystycznym wzorem rytmicznym: ...... w jego ojczyźnie Sarabanda wszedł do kategorii obscenicznych tańców i w 1630 roku. Został zakazany przez Radę Kastylijską.
Zhiga. - Dance of English Origin, najszybszy, trzy-Tel, odwracając się w tropliwość. Początkowo album był taniec par, wśród żeglarzy rozprzestrzenił się jako solowy bardzo szybki taniec przyrody komicznej. Później jest w muzyce instrumentalnej jako ostatnia część starożytnego apartamentu z tańca.

Gatunki głosowe.

Najbardziej oczywiste cechy barokowe objawiano się w tych genresach, w których muzyka spleciona z innymi sztukami. Były to, przede wszystkim opera, oratoria i takie gatunki muzyki duchowej, takich jak pasażowe i kantata. Muzyka w połączeniu ze słowem, w operze - z kostiumami i dekoracjami, czyli, z elementami malarstwa, sztuki stosowanej i architektury, zostały one wezwani do wyrażania złożonego duchowego świata człowieka, doświadczane przez złożone i zróżnicowane wydarzenia . Sąsiedztwo bohaterów, bogów, prawdziwych i niezrównanych działań, wszelkiego rodzaju magii były naturalne dla smaku barokowego, były najwyższym wyrazem zmienności, dynamiki, transformacji, cudów nie było zewnętrznymi, czysto dekoracyjnymi elementami, ale były niezbędną częścią artystycznej system.

Opera.

Opera Gatunek otrzymał największą popularność we Włoszech. Otworzono dużą liczbę teatrów opera, co było niesamowitym, unikalnym zjawiskiem. Niezliczone, drapowane przez ciężkie domki aksamitne, ogrodzone parą barierową (gdzie w tym czasie stał, a nie siedział) zebranych w 3-Operze pory prawie wszystkie populacji miasta. Kuchnia zostały zakupione przez cały sezon przez nazwiska patrycjusza, prosta osoba była zatłoczona w parze, czasami niedoceniana za darmo - ale wszyscy czuli się swobodnie, w atmosferze ciągłego festiwalu. Były bufety, kanapy, samotne stoły do \u200b\u200bgry "faraona"; Każdy z nich połączony z specjalnymi lokalami, gdzie przygotowuje się jedzenie. Publiczność poszła do sąsiednich domków jako wizyta; Randki, zaczęły się tutaj intrygami Love, najnowsze wiadomości zostały wymienione, gra karciana została wymieniona na duże pieniądze itp., A na scenie luksusowy, ekstruktowalny spektakl został wdrażany, zaprojektowany, aby wpłynąć na umysł i uczucia publiczności wzrok i słyszenie. Odwaga i walor bohaterów starożytności, wspaniałe przygody mitologicznych bohaterów pojawiły się przed podziwianiem słuchaczy w całej wspaniałej konstrukcji muzycznej i dekoracyjnej, osiągniętej dla niemal lodu istnienia teatru opery.

Przybywając na wynik XVI wieku we Florencji, w kółku ("Camerata") humanistów, poetów i kompozytorów, opera wkrótce staje się wiodącym gatunkiem muzycznym Włoch. Szczególnie ważną rolą w rozwoju opery granej przez K. Monteverdiego, który pracował w Mantu i Wenecji. Dwa jego najsłynniejsze prace sceniczne "Orpheus" i "Koronacja Poppai" są naznaczone uderzającą doskonałością dramaturgi muzycznej. W życiu Monteverdi w Wenecji była nowa szkoła operowa prowadzona przez F. Kawalli i M. Honor. Wraz z otwarciem w 1637 roku w Wenecji Pierwszego Teatru Publicznego San Cassiano, była okazja, aby dostać się do opera, który kupił bilet. Stopniowo, znaczenie spektakularnych, zewnętrznie spektakularnych momentów wzrasta ze szkodą dla nierównych ideałów prostoty i naturalności, inspirowanej przez oprawy operacyjnej. Ogromny rozwój otrzymuje technikę producenta, która pozwala na najbardziej fantastyczne przygody bohaterów na scenie - do wraków statków, lotów, itd. Złużny, kolorowy sceneria, tworząc iluzję perspektyw (scena we włoskich teatrach była owalną formą), Przeniesiono widza do wspaniałych pałaców oraz na obszarach morskich, w tajemniczych lochach i magicznych ogrodach.

Jednocześnie w Operze Muzycznej, rosnący nacisk został złożony na solowym początkowym początkowym, złożonym do samego elementów ekspresji; To w przyszłości nieuchronnie doprowadziło do entuzjazmu samowystarczalnej wirtuozji wokalnej i spadek dramatycznych skutków, co często stało się powodem do demonstracji fenomenalnych danych głosowych śpiewaków. Zgodnie z niestandardowymi, śpiewakami-Castrates wykonywali jako solds, którzy wykonywali i męskie i kobiety. Ich egzekucja łączyła moc i błyskotliwość głosów mężczyzn z łatwością i mobilnością kobiet. To wykorzystanie wysokich głosów w partilach odważnego heroicznego magazynu był tradycyjny i nie postrzegany jako nienaturalny; Jest powszechny nie tylko w papieskim Rzymie, gdzie kobiety oficjalnie zabronione są wykonywanie w Operze, ale także w innych miastach Włoch.

Od drugiej połowy XVII wieku Wiodąca rola w historii włoskiego teatru muzycznego przebiega do Opery Neapolitańskiej. Zasady opracowane przez kompozytorów neapolitańskich są zasadami opery Dramptury stają się uniwersalne, a Opera Neapolitańska jest identyfikowana z ogólnokrajowym typem włoskiej operowej operacji. Ogromna rola w rozwoju Schoły Opery Neapolitańska była rozgrywana przez konserwatorium, wzrosła ze schronisk do sierot do specjalnych muzycznych instytucji edukacyjnych. Zwrócili szczególną uwagę na zajęcia z piosenkami, które obejmowały szkolenie w powietrzu, na wodzie, w hałaśliwym zatłoczonym miejscu i gdzie echo, jak to było, kontrolował piosenkera. Długi pasek genialnych wokalistów Virtuoso - Zwierzęta konserwatorium - rozpowszechniają sławę włoskiej muzyki i "doskonały śpiew" na cały świat (Bel Canto). Dla Opery Neapolitańską konserwatorium stanowiło stałą rezerwę personelu zawodowego, było kluczem do swojej aktualizacji twórczej. Wśród wielu włoskich kompozytorów opery w epoce barokowej, najbardziej wyjątkowym zjawiskiem była Claudio Monteverdi. W późniejszych pracach podstawowe zasady rozgrywki operowej i różnych form śpiewu opery solowej, które powinny być przestrzegane większości włoskich kompozytorów XVII wieku.

Genry Pörswell był prawdziwy i jedyny twórca Krajowej Brytyjskiej Opery. Jechał dużą liczbę prac teatralnych, w tym jedyną opera - Didona i Eney. "Didona i Eney" - prawie jedyna angielska opera bez wkładek mówionych i dialogów, w których stawia się dramatyczna działanie od początku do końca. Wszystkie inne muzyczne i teatralne produkcje Peresella zawierają dialogi konwersacyjne (w naszym czasie takie prace nazywają się "musical").

"Opera - jej wspaniała lokalizacja tego jest krajem przemian; w mgnieniu oka ludzie stają się bogami, a bogowie stają się ludźmi. Nie ma możliwości podróżowania po krajach, ponieważ kraj podróżuje przed nim . Jesteś znudzony w strasznej pustyni? Natychmiastowy dźwięk gwizdek toleruje cię w ogrodach idylli; drugi z was z piekła w mieszkaniu bogów prowadzi: kolejny inny - i jesteś w wiosce Fay, wróżki opery są zafascynowane Jako twarze naszych bajek, ale ich sztuka jest bardziej naturalna ... "(Dufrena).

"Opera - wydajność jest tak dziwna, jak wspaniale, gdzie oczy i uszy są bardziej zadowoleni niż umysł; gdzie przetrwanie muzyki jest zabawna absurdalność, gdzie, kiedy miasto zostanie zniszczone, aria śpiewa, a wokół grobowego tańca ; gdzie widać Pluton i pałace słońca, a także bogowie, demony, czarodzieje, mandes, czary, pałace są zbudowane i zniszczone w mgnieniu oka. Te dziwacy cierpią, a nawet podziwiają, dla opery - kraj fay " (Voltaire, 1712).

Oratorium

OCaker, w tym duchowy, współczesne były często postrzegane jako opera bez kostiumów i scenerii. Jednak kultowe orablecie i pasja brzmiał w świątyniach, gdzie sama świątynia i wersje kapłanów serwowane i scenerii i garnituru.

Oratoria i był przede wszystkim gatunkiem duchowym. Słowo sama oratoria (it. Oratorio) pochodzi z Latelatinsky Oratorium - "Melèry" i Łacińsko-Wow - "Mówię, modlić się". Oratorium urodził się w tym samym czasie co Opera i Canta, ale w świątyni. Jej poprzednikiem był dramat liturgiczny. Rozwój tego kościoła działał w dwóch kierunkach. Z jednej strony coraz bardziej nabywanie jest powszechne, stopniowo zamienił się w reprezentację komiczną. Z drugiej strony pragnienie zachowania powagi komunikacji modlitwy z Bogiem przez cały czas pchnięty do statuty wyników, nawet z najbardziej rozwiniętą i dramatyczną działką. Dioda ta, ostatecznie do pojawienia się oratorium jako niezależnej, pierwszej czysto świątyni, a następnie gatunek koncertowy.

Kultura muzyczna starożytności, średniowiecza, renesans

ANTYK

Muzyczna kultura starożytnej Grecji tworzy pierwszą historyczną scenę w rozwoju kultury muzycznej Europy. Jednocześnie jest najwyższym wyrazem kultury starożytnego świata i odkrywa niewątpliwe stosunki z starożytnymi kulturami Bliskiego Wschodu - Egipt, Syria, Palestyna. We wszystkich historycznych powiązań tego rodzaju, muzyczna kultura starożytnej Grecji nie powtarza sposobów przekazanych przez innych krajów: ma swój własny wyjątkowy wygląd, z ich niekwestionowanymi osiągnięciami, które jestem częściowo europejskim średniowieczem, a potem - do większy stopień odrodzenia.

W przeciwieństwie do innych rodzajów sztuki, muzyka starożytnego świata nie pozostawiła żadnego równoważnego dziedzictwa kreatywnego w historii. W ogromnej pułapce historycznej w ośmiu stuleciach - z V Century BC. przez 111 stulecie n. E.-rozproszone tylko jedenaście próbek starożytnej greckiej muzyki, które są zachowane w notacji tego czasu. To prawda, że \u200b\u200bjest to pierwszy, który rejestruje melodie w Europie, która dotarła do nas.

Najważniejszą własnością kultury starożytnej Grecji, poza którym prawie nie dostrzegali współczesnych, a zatem nie będziemy mogli zrozumieć, czy istnienie muzyki w Unii synkretycznej z innymi sztukami - we wczesnych etapach lub w syntezie z nimi - w Era Heyday. Muzyka w nierozłącznym połączeniu poezji (stąd - tekst piosenki), muzyka jako niezbędny uczestnik tragedii, muzyki i tańca - takov, charakterystyczne zjawiska starożytnego greckiego życia artystycznego. Plato, na przykład, dość krytycznie odpowiedział na muzykę instrumentalną, niezależnie od tańca i śpiewu, argumentując, że nadaje się tylko do karetki, bez spaceru i obrazu krzyku zwierząt:

"Zastosowanie oddzielnego gry na flecie i Kifare zawiera coś w wysokim stopniu bez smaku i godne tylko maga". Początki greckiej tragedii, wysokiej i wyrafinowanej sztuki, idą z mitologii, z magicznych aktów, od przekonań ludzi. Początki starożytnych mitów greckich o wielkich muzykach - Orfee, 0lpie, Marci, są również wśród najstarszych czasów.

Ważne informacje o wczesnej kulturze muzycznej w Grecji daje nam Homerovsky EPOS, samodzielnie związany z wydajnością muzyczną: "Iliad", Odyssey.

Wraz z solowym wykonaniem epickich prac w stuleciach U11-VI znane są również specjalne gatunki chóralne. Piosenki na wyspie Krecia w połączeniu z ruchami z tworzyw sztucznych, od tańca (gorphanham); Chóralne gatunki z VII wieku były szeroko uprawiane w Sparta. Wiadomo, że Spartans dali muzykę dużą państwą, znaczenie edukacyjne. Szkolenie z sztuką muzyczną nie obchodziło ich profesjonalną naturę, ale po prostu weszła do systemu edukacji ogólnej młodzieży. Stąd teoria etosu, uzasadniona myślami greckimi.

Nowy kierunek w sztuce muzycznej i poetycznej starożytnej Grecji, która nominowała rzeczywiście motywy liryczne i obrazy, jest przytłoczony nazwami architów Ionianów (VII wieku) i największych "przedstawicieli Lesbijskiej Szkoły Alkey i Safo (światła I i VI stuleci). Możesz myśleć, że dzięki wzmocnieniu faktycznego rozpoczęcia lirycznego i roli melodii w swoich pracach jest słowo "teksty" sama prowadzi swoje pochodzenie z Lyra.

Lyrical Poezja VI wieku jest reprezentowana przez kilka odmian gatunków: elegions, hymny, piosenki ślubne.

Klasyczny wiek tragedii był V Century BC. EH: Kreatywność największej tragicznej z Eschili (ok. 525-456), Sofokla (ok. 496-, EURIPID (ok. 480-406). To był czas najwyższej kwitnących kultury artystycznej, centii i a Polityk, takie zabytki klasycznej architektury, jak Parfenon w Atenach, najlepszy wiek w dziedzinie całego świata starożytnego. Tragedie ustalające były uważane za festiwale publiczne i nosił, w granicach społeczeństwa własnego niewolnika, stosunkowo szeroki demokratyczny charakter: Teatr wzięli udział wszystkich obywateli, którzy nawet otrzymali skorzystanie państwowe. Chór - wyraźny moralność ekspresant - reprezentował ludzi na tragicznej scenie i mówił o jego imieniu.

Dramaturg był zarówno poeta, jak i muzyk; Zrobił wszystko sam. Eschil, na przykład, on sam uczestniczył w wynikach swoich sztuk. Później funkcja poety, muzyk, aktor reżysera był coraz bardziej podzielony. Aktorzy byli także śpiewakami. Śpiewanie chóru związanego z ruchami tworzyw sztucznych.

W Epoch Hellenistycznej sztuka nie rośnie z działalności artystycznej obywateli: jest całkowicie profesjonalizm.

Wszystko, co zostało napisane w starożytnej Grecji o sztuce muzycznej i co można ocenić przez wielu konserwowanych materiałów o wielu konserwowanych materiałach, opierał się na pomysłach na temat melodii (zaletą powiązanej ze słowem poetyckim). Jest to oczywiste nie tylko z treści specjalnych prac teoretycznych, ale także z bardziej ogólnych oświadczeń etycznych i estetycznych największych myślicieli greckich. Zatem zasada Satelefonu jest w pełni potwierdzona, całkowicie charakterystyczna dla starożytnej greckiej sztuki muzycznej.

Tak zwana doktryna Ethosa, rozszerzona przez Platona, rozwinięta i dogłębna Arystotelesa, jest największym zainteresowaniem starożytnych wyroków o sztuce muzycznej. Kombinacja polityki i muzyki z antyką tradycją łączy się z nazwą Domon Aten, nauczyciela Sokratesa i przyjaciela Pericla. Od niego, jakby Plato przyjął ideę dobroczyńca wpływ muzyki na edukację przyzwoitych obywateli opracowanych przez niego w książkach "State" i "Prawa". Platona przyjmuje w swoim idealnym stanie pierwsze (między innymi) rola muzyki w edukacji od młodych mężczyzn odważnego, mądry, cnotliwej i zrównoważonej osoby, czyli idealnym obywatelem. Jednocześnie Platona, z jednej strony łączy wpływ muzyki z wpływem gimnastyki ("pięknej telewizji"), a z drugiej strony twierdzi, że melodia i rytm są najbardziej podekscytowany duszą i zachęcają ludzi naśladować próbki pięknej, co daje mu sztukę muzyczną.

"Wyświetlanie tego, co jest idealne w piosence, Plato stwierdza, że \u200b\u200bjest to konieczne, aby to ocenić, słowami, Lada i rytm. Zgodnie z prezentacjami jego czasu, zaznaczy wszystkie dziwachy, które mają żałosną i relaksującą naturę, i wzywa tylko Dorian i Frigian wyjątkowe przyzwoite wysokie cele edukacji wojskowej młodego człowieka. Podobnie, filozof rozpoznaje wśród instrumentów muzycznych tylko Kifaru i Lira, odmawiając etycznych cech wszystkich innych. Tak więc przewoźnik etosu, z punktu widzenia Platona nie jest dziełem sztuki, a nie jego obrazami, a nawet systemem. Ekspresyjne narzędzia, ale tylko droga lub barwa instrumentu, a następnie pewna jakość etyczna.

Arystoteles osądza mianowanie muzyki znacznie bardziej szerszy, argumentując, że nie powinno służyć ani nie, ale do kilku celów i korzyści: i) ze względu na edukację, 2) ze względu na oczyszczanie, 3) ze względu na rozrywkę intelektualną, to znaczy kojącego i odpoczynku z napiętych czynności ... Stąd jest jasne - kontynuuje Arystotelesa, - który chociaż możesz używać wszystkich próg, ale nie powinny być stosowane w ten sam sposób "0 Wpływ muzyki na psychikę, którą to osądza w taki sposób:

"Rytm i melodia zawierają bliżej najbardziej zbliżającej się do rzeczywistej ważności odwzorowania gniewu i łagodności, odwagi i temperatury oraz wszystkich właściwości przeciwnych, a także innych cech moralnych. Wynika to z doświadczenia: Kiedy postrzegamy naszym rytmem ucha i melodią, zmieniamy i nastrój mentalny. Nawyk testowania smutnego lub radosnego nastroju podczas postrzegania tego, co naśladuje rzeczywistość, prowadzi do faktu, że zaczynamy doświadczać tych samych uczuć i kolizji z [Letym] True "3. I wreszcie Arystoteles. Prowadzą następujący wniosek: "... Muzyka jest w stanie zapewnić dobrze znany wpływ na etyczną stronę duszy; Kiedy muzyka ma takie właściwości, oczywiście musi być włączony do liczby podnoszenia przedmiotów ITEZH ".

Za filozofem i matematyką Pitagorasis (VI Century BC) przez długi czas, znaczenie pierwszego z greckich myślicieli, którzy napisali o muzyce, są ustalone. Przypisuje się początkowym rozwoju nauk w odstępach muzycznych (konsażom i dysonanse) na podstawie czystej sprawy schematycznych stosunków uzyskanych przez podział ciągu. Ogólnie rzecz biorąc, liczby i proporcje Pitagorów - według próbki starożytnych kultur wschodnich (przede wszystkim Egipt) - dał magiczne znaczenia, wywodzące się od nich, w szczególności magicznych i uzdrawiających właściwości muzyki. Wreszcie, przez konstrukcje abstrakcyjne, Pitagoreans przyszli do idei tak zwanej "harmonii sfer", wierząc, że niebiańskie oprawy, każdy w pewnych stosunkach numerycznych ("harmoniczne") powinny brzmieć podczas jazdy i produkcji "Niebiańska harmonia".

Jeśli chodzi o nauki na etosie, w przyszłych neoplatoniści, zwłaszcza tama (III wiek), przenosi go w duchu religijnym i mistycznym, pozbawiając progu cywilnego, który był nieodłączny w Grecji. Stąd proste nici są już narysowane do estetycznego widoku średniowiecza. Spadek starożytnej kultury w epoce rozkładu budynku właściciela niewolnika jest tylko przyczynia się do udanego rozwoju sztuki chrześcijańskiej, na wiele sposobów przeciwstawiających się estetyce i muzycznej praktyce Rzymu poprzedniego wieku. Nie można odmówić niektórych powiązań między dziedzictwem starożytności a rozwojem estetycznej myśli o kolejnym czasie na przełom dwóch eras.

Kultura muzyczna średniowiecza

W rozwoju kultury muzycznej Europy Zachodniej, długi i szeroki historyczny pasek średniowiecza jest trudny do rozważenia jako jeden okres, nawet jako duża era ze wspólnymi ramami chronologicznymi. Pierwsza, oryginalna linia średniowiecza - po upadku zachodniego imperium rzymskiego w 476 - jest zwyczajowo oznaczać VI wieku. Tymczasem jedynym regionem sztuki muzycznej, która pozostawiła zabytki do pisania do XII wieku, tylko muzyka Kościoła chrześcijańskiego. Cały szczególny zestaw odpowiednich zjawisk opracowało na podstawie długiego szkolenia historycznego, począwszy od II wieku, i obejmował odległe pochodzenie wykraczające poza Europę Zachodnią na Wschód do Palestyny, Syrii, Aleksandrii. Oprócz Kościoła Kultury Muzycznej średniowiecza, w taki czy inny sposób nie przekazał dziedzictwa starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu, chociaż "Ojcowie Kościoła", aw przyszłych teoretycznych, którzy pisali o muzyce, w dużej mierze przeciwni Sztuka kościoła chrześcijańskiego do pogańskiego świata artystycznego starożytności.

Druga najważniejsza linia, podpisanie przejścia od średniowiecza do ożywienia, nie jest w tym samym czasie w Europie Zachodniej: we Włoszech - w XV wieku we Francji - w XVI; W innych krajach walka trendów średniowiecznych i renesansowych odbywa się w różnych czasach. Do ery renesansu, wszystkie zbliżają się do różnych dziedzictwa średniowiecza, z opisem własnych wniosków z ogromnego doświadczenia historycznego. Był w dużej mierze znaczące złamanie w rozwoju kultury artystycznej średniowiecza, które miały miejsce w XI-XII wieku i ze względu na nowe procesy społeczno-historyczne (wzrost miast, krucjatów, nominacji nowych warstw społecznych, Pierwsze silne ogniska kultury świeckiej itp.).

Jednak ze względu na całą względność lub mobilność chronologicznych twarzy, z nieuniknialnymi powiązaniami genetycznymi z przeszłością i nierównym przejściem do przyszłości, dla kultury muzycznej Europy Zachodnich Europy, znaczących zjawisk i procesów, które są specyficzne tylko dla niego i nie do pomyślenia W innych warunkach charakteryzuje się. To, po pierwsze, ruch i istnienie w Europie Zachodniej wiele plemion i narodów zlokalizowanych na różnych etapach rozwoju historycznego, wielokrotności stylów i różnych budynków politycznych oraz, z tym wszystkim uporczywym pragnieniem Kościoła katolickiego do zjednoczenia całego ogromnego , burzliwy, dogodny świat jest nie tylko ogólną doktryną ideologiczną, ale także ogólnymi zasadami kultury muzycznej. Po drugie, jest nieunikniona dwoistość kultury muzycznej w średniowieczu: sztuka kościelna niezmiennie sprzeciwiała się jej kanonom z różnorodnością muzyki ludowej wszędzie w Europie. W wieków I-XIII powstały już nowe formy świeckiej muzycznej i poetyckiej kreatywności, a muzyka kościelna została przekształcona. Ale te nowe procesy miały miejsce w warunkach rozwiniętego feudalizmu.

Jak wiadomo, specjalny charakter kultury średniowiecznej, średniowiecznej edukacji, średniowiecznej sztuki jest w dużej mierze zdeterminowana przez zależność od kościoła chrześcijańskiego.

Muzyka Kościoła chrześcijańskiego była widoczna w oryginalnych formach w warunkach historycznych wysokiej mocy imperium rzymskiego. Wiara w życie pozagrobowe, do najwyższej nagrody za wszystko idealne na Ziemi, a także ideę odkupienia grzechów ludzkości, ofiara poluzji na krzyżu Chrystusa była w stanie urzec mas.

Historyczne przygotowanie Chóroru Gregorianskopooya jako rytualnego śpiewu dominującego kościoła chrześcijańskiego było długie i wszechstronne.

Pod koniec IV wieku stało się to, jak wiesz, separacja Imperium Rzymskiego na Western (Rzymie) i Wschodnie (Bizantuium), których historyczne przeznaczenie są wtedy różne. Zatem rozkazano kościół zachodni i wschodni, ponieważ religia chrześcijańska była w tym czasie stała się państwem.

Wraz z podziałem Imperium Rzymskiego i tworzenia dwóch ośrodków chrześcijańskiego kościoła ścieżki sztuki kościelnej, która była w trakcie ostatecznej formacji, w dużej mierze również wyrównana na Zachód i Wschód.

Rzym przetworzył wszystko na swój własny sposób, niż umieścił kościół chrześcijański i stworzony na tej podstawie artyjka kanonizowana - Grigorian Chóralna.

W rezultacie melodie kościoła, wybrane, kanonizowane, rozpowszechniane w roku Kościoła wyniosły Pape Gregory (przynajmniej na jego inicjatywie). Oficjalny łuk - - antifonearia. Przychodzące reflektory w nim ma nazwę grigorian Chalala. I stał się podstawą śpiewu liturgicznego Kościoła katolickiego. Łuk koszulki Gregorian jest ogromne ..

Łuk Gregoriańskiego śpiewu ze stuleci XI-XII, a następnie w erze renesansowy służył jako początkowa podstawa do tworzenia esejów wielopoziomowych, w których melodie religijne otrzymały najbardziej zróżnicowany rozwój.

Im bardziej rozszerzył sferę wpływu na Kościół rzymski w Europie, tym bardziej Gregorian Chóral z Rzymu North i West Extended.

Reforma rekordu muzycznego została przeprowadzona przez włoskiego muzyka, teoretyka i nauczyciela Guido D "Arezzo w drugim kwartale XI wieku.

Reforma Guido była silna w swojej prostocie i organizacji początkowej myśli: spędził cztery linie i umieszczenie nigdy na nich lub między nimi, dał im wszystkie dokładne znaczenie o dużej wysokości. Kolejna innowacja Guido z Arezzo, zasadniczo jego wynalazku, była wyborem pewnego sześciorocznego dźwięku (Pre-MI-Fa-Sol-La).

Od końca XI wieku, w XII, a zwłaszcza w XIII wieków w życiu muzycznym i muzycznym dziełem wielu krajów Europy Zachodniej, najpierw są one mniej zauważalne, a następnie coraz bardziej zauważalnie - oznaki nowego ruchu . Z początkowych średniowiecznych form kultury muzycznej rozwój smaków artystycznych i twórczych myśli trafia do innych, bardziej progresywnych rodzajów muzyki, do innych zasad kreatywności muzycznej.

W XII -XIII stuleci historyczne warunki kluczowe stopniowo wystąpiły nie tylko dla dodawania nowych kreatywnych prądów, ale także dla znanej dystrybucji w Europie Zachodniej. Tak więc, średniowieczna powieść lub historia, która istniała na francuskich glebie w XII-XII wieku nie pozostała tylko francuskimi zjawiskami. Wraz z powieścią o Tristan i Isolde i historii o Okasen i Nicette, "Parsifal" i "Biedny Heinrich" wszedł do historii literatury. Nowy, gotycki styl w architekturze, przedstawiony przez klasyczne próbki we Francji (katedry w Paryżu, Chartres, Reims), znalazły jego wyraz również w niemieckich i czeskich miastach, w Anglii itp.

Pierwsze kwitnące świeckiej muzycznej i poetyckiej lirycznej, który przychodzi w Prowansji z XII wieku, potem schwytany Północną Francję, odpowiedział w Hiszpanii, znalazł wyrażenie później w niemieckim Minnezang. Ze wszystkimi tożsamością każdego z tych trendów i wykazali nową charakterystykę wzoru w epoce w szerokiej skali. W ten sam sposób, pochodzenie i rozwój polifonii w swoich formach zawodowych - prawie najważniejsza strona ewolucji muzycznej - wystąpiła z udziałem francuskiej szkoły kreatywnej, a ponad jedną grupę muzyków z katedry Notre Dame, bez względu na to, jak wielka ich zasługa.

Niestety, oceniamy ścieżki średniowiecznej muzyki do pewnego stopnia selektywnie. Jako stan źródeł niemożliwe jest śledzenie konkretnych powiązań, na przykład w rozwoju polifonii między jego źródłami na wyspach brytyjskich i jego formach na kontynencie, w szczególności we wczesnych etapach.

Średniowieczne miasta z czasem stały się ważnymi ośrodkami kultury. Uniwersytety (Bolonia, Paryż) zostały założone w Europie. Rozszerzono budowę miejską, bogate katedry zostały wzniesione, a w nich, z wielkim wspaniałym, kult zobowiązał się z udziałem najlepszych śpiewaków chóralnych (przygotowywali w szkołach specjalnych - metryki - z dużymi kościołami). Stypendium (i stypendium muzyczne, szczególnie charakterystyczne w średniowieczu, w szczególności), nie było już koncentrowane tylko w klasztorach. Nowe formy, nowy styl muzyki kościoła jest niewątpliwie związany z kulturą średniowiecznego miasta. Jeśli zostali częściowo przygotowani przez poprzednie działalność naukowców Monk Muzycy (takich jak Hokbald z Saint-Amanda i Guido z Arezzo), jeśli wczesne próbki polifoniczne przebiega z klasztornych szkół Francji, w szczególności z klasztorów Chartra i Limoges, - Cały ten sam spójny rozwój nowych form polifonii rozpoczyna się w Paris XII - XIII.

Inne, również bardzo niezbędny zbiornik średniowiecznej kultury muzycznej jest przymocowane do pierwszej z działalności, kręgu interesów i szczególnej ideologii europejskiego rycerstwa. Cross wycieczki na wschód, ogromne ruchy dla odległej odległości, bitwy, oblężenia miast, walki cywilnej, śmiałe, ryzykowne przygody, podbijanie ziemie innych ludzi, kontakt z różnymi narodami wschodu, ich zwyczajów, stylu życia, kultury, całkowicie niezwykłych wrażeń - Wszystko to narzucało jej znak na nowych światowych krzyżowców rycerskich. Kiedy część rycerstwa była w stanie istnieć w korzystnych pokojowych warunkach, wcześniejszy pomysł honoru rycerskiego (oczywiście, społecznie ograniczony) związany z kultem doskonałych panie i służby rycerskiej, z ideałem Trybunału miłość i pokrewne normy zachowania. Następnie muzyczna i poetycka Sztuka Trubadurowa otrzymała wcześniejszy rozwój, który dał pierwsze w Europie próbki pisemnych nagranych świeckich tekstów wokalnych.

Inne warstwy kultury muzycznej średniowiecza nadal istnieją, koniugatu z życiem ludzi, z działalnościmi bezpańskich muzyków, z nadchodzącymi zmianami w ich środowisku i stylu życia.

Informacje o bezpańskich muzykach ludowych średniowiecy staje się od IX do XIV wieku stają się coraz bardziej obfite i określone. Te żonki, minstrels, iglicy - jak nazywano je w różnych czasach iw różnych częściach - przez długi czas byli jedynymi przedstawicielami świeckiej kultury muzycznej ich czasu, a tym samym przeprowadzili ważną rolę historyczną. . W dużej mierze opartym na ich praktyce muzycznej, ich tradycje piosenek były wczesnymi formami świeckich tekstów XII - XIII. Te wędrują muzycy, nie rozstali się z instrumentami muzycznymi, podczas gdy Kościół lub odrzucili swój udział lub wziął go z wielką trudnością. Oprócz różnych okien (rury, rogi, zawiroty, flety pan, bagażniki), z czasem życie muzyczne obejmuje harfę (od starożytnych), clorta (narzędzie celtyckie), odmiany narzędzi Brook, przodków przyszłych skrzypce - Rebab, Vila, Fidel (może ze Wschodu).

Ogólnie rzecz biorąc, te średniowieczne aktorzy, muzycy, tancerze, akrobaty (często w jednej osobie), zwanych Jonglerami lub innymi podobnymi nazwami, miały swoje kulturowe i historyczne tradycje, wyjeżdżając na odległym czasach. Mogli one zostać przyjęte - przez wiele pokoleń - dziedzictwo synkretycznej sztuki starożytnych rzymskich aktorów, których potomek, nazwali historyków i mimów, wędrowali przez długi czas, biegając w średniowiecznej Europie. Najstarszy sześciokrotnie przedstawiciele Celtic (BARDA) i niemieckiej epoperzy mogą być również w stanie przekazać swoje tradycje kuglarcom, które, chociaż nie byli w stanie zachować ich lojalności, ale jednak byli nauczyli się od nich dla siebie . W każdym razie do IX wieku, kiedy pierwsze wspomnienia o historii i Mimowie są już zastępowane wiadomościami o żongłach, te ostatnie są znane dla tych i jako epickich wykonawców. Obracając z miejsca na miejsce, juggles występują na obchodach na dziedzińcach (gdzie gromadzą się do pewnych dat), w zamkach, w wioskach, a nawet dozwolone do kościoła. W wierszach, powieściach i utworach średniowiecy więcej niż raz wspomniano o udziałieniu żonglera w świątecznej zabawy, w urządzeniu wszelkiego rodzaju okularów na zewnątrz. Dopóki te pomysły, odpowiednie na dużych wakacjach w świątyniach lub cmentarzach, były wykonywane tylko przez łacinę, studenci szkół monastycznych i młodych duchownych mogą uczestniczyć w występach. Ale przez XIII wieku Latynos został zastąpiony przez lokalne języki ludowe - a następnie błąkani muzycy ubiegające się o spełnienie komiksowych ról i epizodów w duchowych pomysłach, udało się jakoś wejść do liczby podmiotów, a następnie podbij sukces z ich dowcipami W widowni i słuchaczy. Było więc na przykład w katedrach Strasburga, Rouen, Reims, Cambre. Wśród "opowieści", które zostały zaprezentowane na wakacjach, były świąteczne i wielkanocne "odmów", "płacząca Maryja", "Historia o wyrobach rozsądnych i poszlachnych nierozsądnych" itp. Prawie wszędzie na pomysłach, na korzyść ich Goście, włożyli te lub inne komiczne epizody związane z udziałem sił złych lub przygody i replik serwantów. Tutaj i otwarta przestrzeń dla działających umiejętności muzycznych żonglerów z ich tradycyjnym dżdżownicą.

W szczególnej roli wielu minsteli zostało przeciwnych, gdy zaczęli współpracować z Troubadras, towarzysząc ich wkłady-rycerzy wszędzie, uczestnicząc w wykonywaniu ich piosenek, komunikując się w kierunku nowych form sztuki.

W rezultacie medium "bezpańskich ludzi", żonłańców, wieńców, minstreli, doświadczających znaczących transformacji z czasem, nie pozostały zjednoczeni w swojej kompozycji. Był też przypływ nowych sił - kompetentnych, ale stracił stałą pozycję w społeczeństwie, czyli zasadniczo odkształconych przegranych z małego duchowieństwa, dziwnych Scholyarowa, uciekających mnichów. Pojawiając się w szeregach bezpańskich aktorów i muzyków w XI-XII wieku we Francji (a następnie w innych krajach), otrzymali nazwiska pochwy i Goliadowa. Wraz z nimi w warstwach Jongów, nowe pomysły na życie i nawyki, umiejętności, czasami przyszły nawet słynne erudycje.

Od końca XIII wieku, skopiowy związki wieńców, żonglerzy, minstreli powstają w różnych ośrodkach europejskich - w celu ochrony ich praw, określają miejsce w społeczeństwie, zachowanie profesjonalnych tradycji i przeniesienie ich studentów. W 1288 r. Tu w Wiedniu został założony przez "Bractwo św. Nicholas ", United by Muzycy, w 1321" Bractwo św. Julien "w Paryżu była warsztatowa organizacja lokalnych minestrów. Następnie Gildia Royal Mensters powstaje w Anglii. To przejście do warsztatu będzie zasadniczo zakończyło historię średniowiecznego żongu. Ale błąkani muzycy są daleki od bycia marzyli o swoich bractwach, gildii, sklepach. Ich wędrówki trwały w XIV, XV, XVI stuleci, obejmujące ogromne terytorium i tworząc w wyniku nowych połączeń muzycznych i domowych między odległymi regionami.

Trubadras, trąbki, minnezinger

Sztuka Trubadurowa, powstała w Prowansji XII wieku, była zasadniczo tylko początkiem specjalnego ruchu twórczego, charakterystyczny w jego czasie i prawie całkowicie związany z rozwojem nowych, świeckich form kreatywności artystycznej. Dużo faworyzowany wtedy w Prowansji wczesne kwitnące świeckiej kultury artystycznej: stosunkowo mniejsza ruina i katastrofa w przeszłości, podczas przesiedlenia narodów, starych tradycji rękodzieła i zachowane długotrwałe więzi handlowe. W takich warunkach historycznych wyewoluowano kulturę rycerską.

Specyficzny proces rozwoju wczesnej sztuki świeckiej, która pojawia się przez inicjatywę artystyczną Prowansalskiego Ryżnego, jest w dużej mierze zasilany przez Źródła melodyjne piosenek ludności i są rozpowszechniane w szerszym zakresie obywateli, ewoluujących w sensie tematu Treść figuratywna.

Sztuka Troubadurova rozwija się w granicach krótkich dwóch stuleci od końca XI wieku. W drugiej połowie XII wieku nazwy rur jako muzyków poeta na północy Francji, w szampana, w Arry, są znane. W XIII wieku działanie rur staje się bardziej intensywne, podczas gdy sztuka Provencal Trounchadura kończy swoją historię.

Trąbki do pewnego stopnia były dziedziczone przez twórczą tradycję Troubadurova, ale jednocześnie ich prace były wyraźnie związane z rycerską, ale z kultury miasta ich czasu. Jednakże były przedstawiciele różnych kół publicznych w środowisku Troubad. Więc pierwszemu Troubadras były: Guillaume VII, policz Poitiers, Duke Akvitan (1071 - 1127) - i Biedny Marabryun.

Provencal Troubadours, jak wiesz, zazwyczaj współpracowały z żonglami, którzy wędrowali z nimi, wykonali swoje piosenki lub towarzyszyły ich śpiewaniu, jakby się łączy w tym samym czasie obowiązki służących i asystentów. Trubadur wykonany jako wkład, autor prac muzycznych i Jonggler - artysta.

W sztuce muzycznej i poetyckiej Trubadurowa, kilka charakterystycznych odmian gatunków wiersza piosenek: Alba (piosenka świtu), pastklela, piosenki, piosenki krzyżowców, piosenki dialogowe, płacz, piosenki taneczne. Ta aukcja nie jest ścisłą klasyfikacją. Love Lyrics są zawarte w Albach i w pasteurianach oraz w piosenkach tanecznych.

Sirvent - oznaczenie nie jest zbyt jasne. W każdym razie nie jest to liryczna piosenka. Brzmione z twarzy rycerza, wojownika, odważny trubadur, może być satyrycznym, oskarżonym, skierowanym na różnorodność, na niektórych współczesnych lub wydarzeniach. Później pojawiają się gatunki ballad i rondo.

Jak można ocenić na podstawie materiału specjalnych badań, artystyczna sztuka Troubadurova ostatecznie nie jest izolowana z tradycji przeszłości, ani z innych nowoczesnych form muzycznych i poetyckich kreatywności.

Sztuka Trubadurowa służyła jako ważny związek łączący między pierwszymi w Europie Zachodniej Formy muzyki i tekstów poetyckich, między tradycją muzyczną i domową oraz wysoko profesjonalnych kierunków kreatywności muzycznej w XIII -. XIV stuleci. Późni przedstawiciele tej sztuki są już do profesjonalizacji muzycznej, opanowali podstawy nowych umiejętności muzycznych.

Takov. Adam de la al (1237-1238 - 1287), Jeden z ostatnich drovers, rodzime arras, francuski poeta, kompozytor, dramaturg w drugiej połowie XIII wieku. Od 1271 r. Składał się z usług w Trybunale Hrabia Robert D "Artoi, wraz z którym w 1282 r. Poszedł do Karla Anzhuy, króla Sycylii, w Neapolu. Podczas pobytu w Neapolu" The Robin i Marion " został stworzony i znaczący i znaczący pracę kompozytora poety.

Takie prace są prehistorami urodzenia francuskiej komedii muzycznej HU111 w. i Operetta X1X w.

Próbki sztuki Trubadur spadają w XII-XIII wieków do Niemiec, zainteresowani uwagi na siebie; Teksty są tłumaczone na niemiecki, a nawet melodie są czasami zdolne do nowych słów. Rozwój z drugiej połowy XII wieku (do samego początku XV) niemieckiego Minnenzang jako artystycznego wcielenia lokalnej kultury rycerskiej sprawia, że \u200b\u200binteresuje się muzyczną i poetycką sztuki francuskiej francuskim - zwłaszcza we wczesnych środkach minisyjskich.

Sztuka Minnesingowców opracowała prawie wiek później niż sztuka Troubadurova, w nieco innym otoczeniu historycznym, w kraju, w którym nie miał na początku nadal istniały takie silne fundamenty do dodania nowego, czysto świeckiego światopoglądu.

Największym przedstawicielami Minnezang był Walter von der Fogelweed, poeta, autor Parsifala Wolframa von Eschenbach. Tak więc legenda oparta na Wagnerze "Tangeizer" opiera się na faktach historycznych.

Jednak obsługa i przemówienia na dziedzińcu nie były znacząco ograniczone do działań niemieckich Minnesingerów: był to najbardziej wybitne z nich prowadziła znaczącą część życia w odległej wędrówce.

Sztuka Minnezang nie jest tak niezrozumiała: różne trendy są w nim połączone, a melodyczna strona jako całość jest bardziej progresywna niż poetycka. Różnorodność gatunków piosenek z Minnesingera jest na wiele sposobów podobnych do tych, którzy uprawiano przez rury prowansalskie: piosenki krzyżowców, kochające-liryczne piosenki różnych gatunków, koszulki tańca.

Muzyka duchowa późnego średniowiecza kontynuuje rozwój. Otrzymał szeroki rozwój wielopoziomowego stwierdzenia muzycznego.

Rozwój pisania wielokrotnego, charakterystyczne na początku dla sztuki kościelnej, doprowadziło do dodawania nowych gatunków muzycznych jako duchowej i świeckiej treści. Najczęstszym genomem polifonii staje się motet.

Motel, który miał bardzo duże przyszłość, bardzo intensywnie w XIII wieku. Nieprawidłowy jest nadal w poprzednim wieku, kiedy powstał w związku z twórczą aktywnością szkoły Notre Dame i miał na początku wizyty liturgicznej.

Motet XIII wieku jest wielowarstwowym (częściej trzy głosem) pracą małym lub średniej wielkości. Funkcja gatunku Mott była początkowym wsparciem na gotowym wzorze melodycznym (z kościelnych koszulki, z świeckich utworów), na których inne głosy o różnej postaci warstwowej, a nawet czasami różnych pochodzenia. Okazało się kombinację różnych melodii z różnymi tekstami.

Instrumenty (Villai, Psalterium, organy) mogłyby uczestniczyć w niektórych motelach. Wreszcie, w XIII wieku, szczególna forma polifonii domowej, która otrzymała imiona Rondelu, Rota, RU (Wheel) zyskała popularność. Jest to komiks kanon, który był znany i średniowieczny spiel.

Pod koniec XIII wieku sztuka muzyczna Francji w dużej mierze ustawił ton w Europie Zachodniej. Muzyczna i poetycka kultura pipelistów i droń, a także ważne etapy rozwoju polifonii, częściowo wpłynęły na sztukę muzyczną innych krajów. W historii muzyki XIII wieku (w przybliżeniu od 1230) oceniono oznaczenie "AGS Antiqua" ("Stara sztuka").

Ars Nova we Francji. Guyom Masha.

Około 1320 r. Paryż został stworzony w Paryżu Filipa De Venterse o nazwie "AGS Nova". Te słowa - "Nowa sztuka" - okazała się objęta: byli definicją "epoki AGS Nova", która jest akceptowana przez francuską muzykę XIV wieku. Wyrażenia "Nowa sztuka", "nowa szkoła", "nowych śpiewaków", często spotykano w czasach Filipa De Vitrate nie tylko w pracy teoretycznej. Niezależnie od tego, czy teoretyki wspierali nowe prądy lub płakali, czy ich papież je potępili: "Było mi, że nowe w rozwoju sztuki muzycznej, która nie była przed pojawieniem się rozwiniętego formularzy wielo-wiązki.

Największy przedstawiciel AGS Nova we Francji był Guillaume de Masho-Corowany poeta i kompozytor swojego czasu, którego kreatywne dziedzictwo jest również badane w historii literatury.

Bez względu na to, jak skomplikowany w XIV wieku, dalszy rozwój formularzy wielopoziomowych, linii sztuki muzycznej i poetyckiej, pochodzących z pipelistów i rur, nie był w pełni zagubiony w atmosferze francuskiego Ars Nova. Jeśli Philippe de Vitrat był głównie muzykiem naukowcem, a Guillaume de Masho stał się matka poetów francuskichTak samo, obaj byli poeci-muzycy, którzy są w tym sensie, jak to było, tradycje rur XIII wieku kontynuowały. W końcu nie jest tak długi czas oddzielnie oddzielenie twórczej aktywności Philippe de Vitrate, który zaczął komponować muzykę około 1313-1314, a nawet działania Maszy (od 1320-1330) - z ostatnich lat twórczych Życie Adama de la AL (umysł, 1286 lub 1287).

Historyczna rola Guillaume DS Masza jest znacznie bardziej znacząca. Bez niego we Francji nie byłoby Ars Nova. Jest to jego muzyczna i poetycka kreatywność, obfita, oryginalna, wielostronna i koncentruje się w sobie najważniejsze cechy tej epoki. W swojej dziewieni, jak to było, linie przechodzące, z jednej strony, z muzycznej i poetyckiej kultury pipelistów i rur w swojej długotrwałej piosence, z drugiej i z francuskich szkół Meriefonii X11111 stulecia.

O ścieżce życia Masho do 1323, niestety nie wiadomo, że nic nie wiadomo. Wiadomo tylko, że urodził się około 1300 w Masza. Był bardzo wykształcony poeta szerokiej erudycji i prawdziwego mistrza jego sprawy jako kompozytora. Z niewątpliwą wysoką uzdolnieniem, powinien oczywiście uzyskać gruntowne przygotowanie do działań literackich i muzycznych pierwszej randki, z którą podłączony jest fakt biografii Maszy - 1322 - 1323, kiedy jego służba rozpoczęła się na dziedzińcu Król. Urzędnik, potem królewski sekretarz). Od ponad dwadzieścia lat Masza była na dziedzińcu Króla Czech, a następnie w Pradze, a następnie stale uczestnicząc w swoich kampaniach, podróżujących, uroczystościach, polowaniu itp. W Speat Yana Luksemburg miał okazję odwiedzić główne ośrodki Niemcy w Polsce. Najprawdopodobniej wszystko to dało Guillaume de Masho wiele wrażeń i w pełni wzbogaciły swoje doświadczenie życiowe. Po śmierci króla Bohemii w 1346 roku był w służbie francuskich królów Jana Good i Karl V, a także otrzymał Canonikat w katedrze Notre Dame w Reims. To przyczyniło się do jego sławy jako poeta. Masza była bardzo ceniona podczas swojego życia, a po śmierci w 1377 r. Gloryfikowała przez współczesnych w bujnych epitapach. Masha miała znaczący wpływ na francuską poezję, stworzył całą szkołę, dla której opracowano teksty poetyckie.

Skala muzycznej i poetyckiej kreatywności Maszki z wielostronnym rozwojem gatunków, niezależność swojej pozycji, która miała najsilniejszy wpływ na poetów francuskich, wysoki mistrzostwo muzyka - wszystko to czyni go pierwszą taką główną osobą Historia sztuki muzycznej.

Kreatywne dziedzictwo Maszki jest szeroko i różnorodne. Stworzyli moty, ballady, rondo, kanony itp.

Po Maszi, gdy jego imię było wysoce honorowane przez poetów i muzyków, a wpływ mógł jakoś czuć się jak inni, nie miał naprawdę dużych następców wśród francuskich kompozytorów. Dużo nauczyli się swoich doświadczeń polifonicy, opanował swoją technikę, kontynuował kultywowanie tych samych gatunków, ale nieco zgnieciony, szczegółów eksperizowych, ich sztuki.

RENESANS

Wartość Informacje o renesansowej ery dla kultury i sztuki Europy Zachodniej od dawna realizowana przez historyków i stała się dobrze znana. Muzyka renesansu jest reprezentowana przez szereg nowych i wpływowych kreatywnych szkół, wspaniałych nazwisk Francesco Landini we Florencji XIV wieku, Guillaume Dufai i Johannes Okhemema w XV wieku, Joskene Dere na początku XVI wieku i Klasyka Pleiadriana ścisłego stylu pod koniec renesansu - Palestrina, Orlando Lasso.

We Włoszech początek nowej epoki przyszedł do sztuki muzycznej w XIV wieku. Szkoła Holandii pojawiła się i osiągnęła pierwsze wierzchołki do XV, po czym jego rozwój został uruchomiony, a wpływ w taki czy inny sposób przechwycił mistrzów innych szkół narodowych. Oznaki ożywiania wyraźnie objawiają się we Francji w XVI wieku, choć jej kreatywne osiągnięcia były świetne i bezsporne w poprzednich stuleciach. W XVI wieku wzrost sztuki w Niemczech, Anglii i niektórych innych krajach należących do renesansowej orbity są.

Tak więc, w sztuce muzycznej krajów Europy Zachodniej, oczywiste cechy ożywienia są, choć z pewnym nierównością, w XIV XVI stuleci. Kultura artystyczna renesansu, w szczególności kultura muzyczna, bez wątpienia odwróciła się od najlepszych kreatywnych osiągnięć późnego średniowiecza. Historyczna złożoność renesansowego przemówienia została zakorzeniona w faktu, że udar feudalny nadal pozostał prawie wszędzie w Europie, a znaczne zmiany odbyły się w rozwoju społeczeństwa, wszechstronne przygotowało ofensywę nowej ery. Zostało to wyrażone w sferze społecznej i promocyjnej, życiu politycznym, rozszerzając horyzonty współczesnych - geograficznych, naukowych, artystycznych w przezwyciężaniu duchowej dyktatury Kościoła, w rosnących humanizmu, wzrost samoświadomości znaczącego osoba. Ze specjalną jasnością, oznaki światowego świata poszukują i ustanowili się w dziełach artystycznych, w ruchu translacyjnym różnych sztuk, dla których "rewolucja umysłów" była niezwykle ważna, co spowodowało renesans.

Nie ma wątpliwości, że ludzkość w jego "ożywionym" zrozumieniu wylewa ogromne świeże siły w dziedzinie jego czasu, inspirowani artystów w poszukiwaniu nowych tematów, w dużej mierze określane naturę obrazów i treści ich prac. W przypadku sztuki muzycznej humanizm oznaczał przede wszystkim pogłębienie w poczuciu człowieka, rozpoznając ich nową wartością estetyczną. Przyczyniło się to do identyfikacji i wdrażania najsilniejszych właściwości specyficzności muzycznej.

Dla całej Ery, ogólnie oczywistej przeważanie gatunków wokalnych, w szczególności polifonię wokalną. Tylko bardzo powoli, stopniowo muzyka instrumentalna nabiera pewną niezależność, bezpośrednią zależność formularzy głosowych i ze źródeł krajowych (taniec, utwór) zostanie pokonany tylko nieco później. Duże gatunki muzyczne pozostają związane z tekstem słownym.

Duża ścieżka sztuki muzycznej, podróżowała z XIV do końca XVI wieku, nie była prostym i prostym, a także całą kulturą duchową ożywiania nie rozwijały się tylko i tylko na rosnącej linii prostej. W sztuce muzycznej, jak na sąsiednich obszarach, była ich "gotycka linia", a ich zrównoważony i łańcuch, dziedzictwo średniowiecza.

Sztuka muzyczna krajów Europy Zachodniej, sztuka muzyczna krajów Europy Zachodniej, zbliżyła się do kolektora włoskiego, Holandii, francuskiego, niemieckiego, hiszpańskiego, angielskiego i innych szkół kreatywnych, a jednocześnie jak wyraźnie wymawiane ogólne trendy. Klasyk ścisłego stylu był już stworzony, rodzaj "harmonizacji" polifonii, a ruch do homofonowego pisania wzrosła, zwiększył rolę twórczej indywidualności artysty, wartości muzyki życia i jego wpływu na Profesjonalna sztuka wysokiego poziomu, figuratywnie wzbogacone i zindywidualizowane świeckie gatunki muzyczne (zwłaszcza włoski madrigal), młoda muzyka instrumentalna podeszła do progu niezależności. Wszystko to XVII wieku bezpośrednio postrzegane z XVI - jako dziedzictwo renesansu.

Ars Nova we Włoszech. Francesco Landini.

Włoska sztuka muzyczna XIV wieku (Kreto) wytwarza ogólnie niesamowite wrażenie świeżości, jak gdybyś nowego, tylko wschodzący styl. Muzyka Ars Nova we Włoszech jest po prostu atrakcyjna i silna w jego czysto włoskiej naturze i różnice ze sztuki francuskiej w tym samym czasie. Ars Nova we Włoszech - już Renaissance Zarya, jego znaczący foresight. Centrum twórczych działań włoskich przedstawicieli ARS Nova nie był przypadkiem, że Florencja była, której ważne jest podstawowe i dla nowej literatury kierunku humanistycznego i - w dużym stopniu - dla sztuk wizualnych.

Okres Ars Nova obejmuje XIV wieku od około 20 do lat 80-tych i zaznaczonej z prawdziwym psurem | kwitnącą świeckiej kreatywności muzycznej we Włoszech. W przypadku włoskiego ars Nova, niezaprzeczalna przewaga świeckich esejów nad duchami jest charakterystyczna. W większości przypadków są to próbki bawiących tekstów muzycznych lub gatunków kindy.

W centrum ruchu Ars Nova, figura Francesco Landini, bogato i wszechstronnego rzemieślnika, który dokonał najsilniejszego wrażenia na zaawansowanych współczesnych.

Landini urodził się w Fyzole, w pobliżu Florencji, w rodzinie malarza. Po psreninie w dzieciństwie Oseplen jest na zawsze. Według Villani, wcześnie zaczął tworzyć muzykę (najpierw śpiewać, a następnie grać struny i organy). Jej rozwój muzyczny poszedł ze wspaniałą prędkością i zadziwiającymi innymi. Przekroczył projekt wielu narzędzi, ulepszenia i wynalazł nowe próbki. Przez lata Francesco Landini przekroczył wszystkich nowoczesnych włoskich muzyków.

Szczególnie gloryfikowali swoją grę narządu:, dla którego w obecności Petrarch został koronowany laurami w Wenecji w 1364 roku. Nowoczesni badacze obejmują swoje wczesne prace o 1365-1370. W latach 1380, chwała Landini jako kompozytora już zkończył sukcesy wszystkich swoich włoskich współczesnych. Landini zmarł we Florencji i pochowany w kościele San Lorenzo; Na piecu nagrobkowym oznaczał datę: 2 września 1397

Obecnie znane są 154 kompozycji Landini. Ballady przeważają wśród nich.

Kreatywność Landini, zasadniczo uzupełnia okres Ars Nova Włochy. Nie ma wątpliwości, że ogólny poziom sztuki artystycznej i wysokiej jakości tego charakterystyki nie pozwalają na uważanie się za prowincjonalne, prymitywne, czyste hedonistyczne.

W ciągu ostatnich dwóch dekad, X1U wiek w sztuce muzycznej Włoch, istnieją zmiany, które najpierw naruszają integralność pozycji ARS Nova, a następnie prowadzić do końca swojej epoki. Sztuka HU Century należy do nowego okresu historycznego.

Ponad 1000 lat opracowano sztukę muzyczną średniowiecza. Jest to stresujący i kontrowersyjny etap ewolucji myślenia muzycznego - od monomentu (jeden-s) do najbardziej złożonej polifonii. Wiele europejskich instrumentów muzycznych zostało ulepszonych w epoce w średniowieczu, powstały gatunki zarówno muzyki kościoła, jak i świeckiej muzyki, powstały słynne szkoły muzyczne Europy: Holandia, francuski, niemiecki, włoski, hiszpański itp.

W średniowieczu były dwa główne kierunki rozwoju muzyki: muzyki duchowej i świeckich, zabawnych. Jednocześnie uważano, że muzyka świecka była uważana za religią, uważano za "diabelską nawigację".

Muzyka była jednym z narzędzi religii, "w podziale" oznacza, że \u200b\u200bsłużyły cele Kościoła, a także jednego z dokładnych nauk. Muzyka została umieszczona wraz z matematyką, retoryczną, logiką, geometrią, astronomią i gramatyką. Kościół rozwinęli śpiewacy i szkoły kompozytorskie z koncentracją na estetyki muzycznej numerycznej (dla naukowców tej epoki muzyka była projekcją liczby w sprawie dźwięku). Był to wpływ późnego hellelizmu, pomysłów Pythagóry i Platona. W tym podejściu muzyka nie miała niezależnej wartości, była to alegoria wyższej, boskiej muzyki.

Muzyka została podzielona na 3 typy:

• Muzyka świata to sfery muzyczne, planety. Według muzycznych i numerycznych estetyki średniowiecza każda planeta układu słonecznego była obdarzona swoim dźwiękiem, tonem, a ruch planet stworzył niebiańską muzykę. Oprócz planet, pory roku obdarzono jego tonem.
• Muzyka ludzka - każdy organ, część ciała, dusza osoby była obdarzona z ich dźwiękiem, które były w harmonijnej konsonance.
• Muzyka instrumentalna - sztuka narzędzi do gry, muzyka do koperty, niższy rodzaj hierarchii.

Muzyka duchowa była wokal wokalny, chóralny i świecki - instrumentalny. Muzyka instrumentalna była uważana za światło, frywolne, a teoretycy muzyczne tej epoki nie dostrzegają tego poważnie. Chociaż rzemiosło Minstrela wymagało muzyków o wspaniałych umiejętnościach.

Okres przejściowy od średniowiecza do ery nowego czasu w Europie, który trwał prawie dwa i pół wieku. W tym okresie znaczące zmiany miały miejsce w wielu dziedzinach życia; Burzliwe kwitnące przetrwały nauki i sztukę. Okres odrodzenia podzielony jest na wiele części składowych i faz rozwoju. Różne przesądzenia są również związane z nim, zakorzenione tak mocno, że nawet dzisiaj istnieją znaczne wysiłki, aby je obalić.

• Pierwszy, prawdopodobnie, główne nieporozumienie ma być brane pod uwagę (jak wielu ideologów renesansowych) ożywieniu ożywienia, zmartwychwstania kultury i cywilizacji, która przyszła po długim okresie barbarzyńskiego "średniowiecza" , ponury czas, okres przerwy w rozwoju kultury. To uprzedzenie opiera się na pełnej ignorancji średniowiecza i ścisłego połączenia między nim a ożywieniem; Jako przykład, będzie wystarczająco dużo zupełnie różnych obszarów - poezji i życia gospodarczego. Dante mieszkał w XIII wieku, tj. W kulmnach średniowiecza Petrarka - w XIV. Jeśli chodzi o życie gospodarcze, jego autentyczne renesansuje również na XIII wieku, czas szybkiego rozwoju handlu i bankowości. Mówi się, że jesteśmy zobowiązani do ożywiania starożytnych autorów, ale to także przesąd. Wiadomo, że w tym okresie odkryto tylko dwa starożytne greckie manuskrypty, reszta była już na Zachodzie (głównie we Francji), ponieważ powrót do starożytności związanej z zainteresowaniem osobą i przyrodą, zachodnia Europa przetrwała w XII i XIII stulecia.
• Druga zabronia jest związana z mieszaniem dwóch elementów ożywienia przeciwieństw do siebie, a mianowicie tzw. Humanizm i nowej nauki przyrodniczej. Humanizm jest wrogi do dowolnej logiki, każdy powód, wszelkie przyrodnicze nauki, które uważa, że \u200b\u200b"mechaniczna" praca, niegodna osoba kulturalna, zaprojektowana jako pisarz, pion, polityk. Figura renesansu, która łączy w sobie erasę Rotterdamu i Galilei w tym samym czasie, jest mithical i wiara w pewną nieodłączną w erze ożywienia wizerunku świata - nic poza przesądem.
• Trzecia uprzedzeń polega na przewyższaniu filozofii wieku renesansu jako "wielki" w porównaniu do scholastycznego przed nim.

W rzeczywistości, z wyjątkiem Nicholas Kuzansky (odległe od Ducha Renaissance) i Galilejskiej (którzy mieszkali w renesansie, renesansowych filozofów, zgodnie z targową zgodą Kristencher, nie były ani dobre, ani złe, nie byli filozofami wszystko. Wielu z nich było wybitni pisarzy, naukowcy, koneserzy starożytnych tekstów, słynęli z kpiną i ostrej inteligencji, umiejętności literackie. Ale nie mieli prawie żadnego związku z filozofią. Tak więc sprzeciwiaj się tym do myślicieli w średniowieczu - czystej przesądów.

• • Kolejnym nieporozumieniem jest rozważenie odrodzenia burzliwej rewolucji, całkowitą lukę z przeszłością. Rzeczywiście, w tym okresie znajdują się głębokie zmiany, ale wszystkie są organicznie związane z przeszłością, aw każdym razie ich pochodzenie można znaleźć w średniowieczu. Zmiany te mają w przeszłości tak głębokie korzenie, które jedna z największych specjalistów na temat epoki renesansowej, miała wszelkie powody, by wymienić tę erę "Jesienne średniowiecze".

Wreszcie przesąd jest opinią, że ludzie, którzy mieszkali w epoce renesansowej, przynajmniej większość z nich, w duchu ich protestantów, monistów, ateistów albo racjonalistów. W rzeczywistości przytłaczająca większość znanych przedstawicieli renesansu, aw dziedzinie filozofii prawie wszystko, z Leonardo i Ficino do Galilia i Campennel, byli katolicy, współczynnikom częstotliwości i obrońcy34 wiara katolicka. Więc, Martilyo Ficyno w 40. roku życia wziął wiarę chrześcijańską i stworzył katolickie apologetyki nowego czasu.

Teoretyk muzyki średniowiecy Guido Aretinsky (koniec XV wieku) daje następującą definicję muzyki:

"Muzyka jest ruchem dźwięków głosowych".

W tej definicji średniowieczny teoretyk muzyczny wyraził stosunek muzyki całej europejskiej kultury muzycznej tej epoki.

Gatunki muzyczne kościoła i muzyki świeckiej.

Źródłem muzyki duchowej średniowiecza było środowisko klasztorne. Chanty zostały uwięzione w śpiewaniu szkołach słuchu i rozpowszechniane w środowisku kościelnym. W świetle pojawienia się dużego kolektora Kościół katolicki postanowił kanonizować i regulować śpiewy odbijające jedność doktryny chrześcijańskiej.

Tak więc pojawił się chóror, który stał się personifikacją tradycji muzycznej Kościoła. Opiera się na innych genresach stworzonych specjalnie dla niektórych wakacji, kultu.

Muzyka duchowa średniowiecza jest reprezentowana przez następujące gatunki: · Chóralna, Grigorian Chóralna - jednowłosy śpiewak religijny na łacińskich, wyraźnie regulowanych, przeprowadzono przez chór, niektóre sekcje - solista

• • • Msza jest głównym kultem Kościoła katolickiego, składającego się z 5 zrównoważonych części (Ordarden) - I. Kyrie Eleison (Pana, Pomemui), II. Gloria (Glory), III. Credo (wierzyć), IV. Sanctus (Holy), V. Agnus Dei (Lamb of Boga).
    • Liturgia, dramat liturgiczny - wielkanocny lub świąteczny kult, w którym Gregorian Choralas na przemian z niekonanonizowanymi melodii szlaków, liturgii przeprowadzono przez chór, imprezę postaci (Mary, Ewangelisty) - soliści, czasami pojawili się jakieś kostiumy
    • Tajemnica - dramat liturgiczny o szczegółowej akcji scenicznej, kostiumów
    • Rondel (Rondo, RU) jest wielostronnym gatunkiem dojrzałych i późnych średniowiecznych, polegał na melodii autora (w przeciwieństwie do cholacji kanonizowanej), która została wykonana w sposób improwizacji przez solistów, którzy dołączą do włączenia (wczesny formularz Canon)
    • Proprium - część masy gatunku, zmienna w zależności od kalendarza kościelnego (w przeciwieństwie do stałej części masy - Ordarium)
    • Antyfikacja - najbardziej starożytnym gatunku muzyki chóralnej, opartego na stronach przemiennych przez dwie grupy chóralne

Próbki muzyki kościelnej:

1) Kyrie Eleyson

2) Wistiga Pashali

Świąteczna muzyka w średnim wieku była, głównie muzyka bezpańskich muzyków i wyróżniała się wolnością, zindywidualizowaną i emocjonalizmową. Ponadto muzyka świecka była częścią dziedzinie, kultury rycerskiej feudalnej. Ponieważ kod przepisał rycerza wykwintnych sposobów, hojności, hojności, obowiązków, aby służyć jako piękna pani, te strony nie mogły znaleźć ich odbicia w piosenkach z Troubadur i Minnesinger.

Wykonali świecką muzykę mimów, żonglerzy, trwałe lub rur, minstrels (we Francji), Minnesinger, Spielmen (w krajach niemieckich), chruprzy (w Hiszpanii), okruchy (w Rosji). Artyści musieli nie tylko być w stanie śpiewać, bawić się i tańczyć, ale także być w stanie pokazać występy cyrkowe, sztuczki, sceny teatralne i powinny być w inny sposób bawić się publiczności.
Ze względu na fakt, że muzyka była jednym z nauk i była nauczana na uniwersytetach, feudalnych i szlachetnych ludzi, którzy otrzymali edukację, może zastosować swoją wiedzę i sztukę.
Tak więc muzyka opracowana w medium sądowym. W przeciwieństwie do chrześcijańskiego ascecezmu, muzyka rycerska kwestionowała zmysłową miłość i ideał doskonałej pani. Wśród szlachty, gdy muzycy byli znani - Guyom - VII, hrabia Poitiers, Duke Aquitania, Jean Brinesky - Król Jerozolimy, Pierre Moklar - Książę Bretanii, Tibo Szampan - King Navarre.

Główne cechy i cechy średniowiecza:

• • • opiera się na folklor, nie jest wykonywany na łacinie, ale w dialektach języków ojczystym,
    • wśród bezpańskich artystów nie jest używany, muzyka jest tradycją doustną (w dalszej części środowiska sądowego rozwija się muzyczne pismo)
    • głównym tematem jest wizerunek osoby na całym kolektorze jego ziemskiej życia, wyidealizowana zmysłowa miłość
    • w jedną stronę - jako sposób wyrażania indywidualnych uczuć w wierszach i formie piosenki
    • wykonanie wokalne i instrumentalne, rola narzędzi nie jest bardzo wysoka, instrumentalny był głównie wejście, pośrednie i kody
    • melodia była zróżnicowana, ale rytmiczna w tym samym czasie - kanonizowana, "Wpływ muzyki kościelnej, odmian rytmicznych (tryby rytmiczne), było tylko 6, a każdy z nich miała ściśle ukształtowaną treść.

Trąbki, Trubadry i Minnesingownicy, grając na trąbkę Muzyka Knight, stworzyła swoje oryginalne gatunki:

• • • "Weavky" i "maj" piosenki
    • Rondo - formularz oparty na powtarzającym się refrene
    • Ballada - piosenka tekstowa
    • Virlael - Wiersze Starofronuzuz z trójkątną stanza (trzecia linia jest skrócona), ten sam rym i chór
    • Heroic EPOS ("Piosenka Rolanda", "Piosenka Nibelunga")
    • Krzyżowodziele piosenki (Palestyn Songs)
    • Kanzona (w Minnesinger została nazwana - Alba) - Love, Lyrical Song

Dzięki rozwojowi kultury miejskiej w XI-XI stuleci. Sztuka świecka stała się bardziej aktywna. Oglądanie muzyków coraz częściej wybierają styl osadniczy, wypełnionych całych bloków miejskich.

Co ciekawe, bezpańskie muzycy przez XII - XIII stuleci. Wróć do motywu duchowego. Przejście od łacina do lokalnych języków i ogromną popularność tych wykonawców pozwoliła im wziąć udział w duchowych pomysłach w katedrach Strasburga, Rouen, Reims. Kambon. Z czasem niektórzy z wędrujących muzyków otrzymali prawo do organizowania występów w zamkach szlachty i na dziedzińcach Francji, Anglii, Sycylii i innych krajów.

W XII - XIII wieku, uciekł mnichów, wędrujące szkoły pojawiają się wśród bezpańskich muzyków, a niższe warstwy duchowieństwa - Vagant i Goliadę.

Skacił muzyków tworzą się w średniowiecznych miastach całych sklepów muzycznych - "Bractwo St. Julien" (Paryż, 1321), "Bractwo św. Mikołaja" (Wiedeń, 1288). Celem tych stowarzyszeń były ochronę praw muzyków, zachowania i transferu tradycji zawodowych.

W XIII - XVI stuleci. Uformowane są nowe gatunki, które dalsze rozwijają się już w Epoch ARS Nova:

• • • Motets (z Franza. - "Word") - gatunek wielokrotny, wyróżniający się melodycznym pielęgniarstwem głosów, które w tym samym czasie nietkoczyło różne teksty, czasami nawet w różnych językach, może być zarówno świecką, jak i duchową
    • Madrigal (z Ital. - "Piosenka w języku ojczystym", I.e. Włoski) - piosenki Lyric, pasterskie,
    • Kachche (z Ital. - "Hunting") - gra wokalna na temat polowania.

Świecka muzyka sprzyjarek i profesjonalnych kompozytorów.

Dodatkowe informacje:

W naszym informacji wiek, wiek wysokich technologii często zapominamy o nieodwracalnych wartościach duchowych. Jedną z tych wartości jest muzyka klasyczna - duchowe dziedzictwo naszych przodków. Jaka jest muzyka klasyczna, dlaczego potrzebna jest przez nowoczesną osobę? Dlaczego wielu wierzy, że jest to bardzo nudne? Spróbujmy wymyślić te trudne pytania. Możesz usłyszeć opinię, że muzyka klasyczna jest podobno ta, która została napisana dawno temu. Tak nie jest, ponieważ ta koncepcja oznacza wszystkie najlepsze, które powstały w świecie muzyki od istnienia ludzkiej cywilizacji. Sonata Beethoven, stworzony w XVIII wieku i Romance Sviridova, dodał 40 lat temu - wszystko to jest klasyk! Najważniejsze jest to, że ta muzyka przeszła próbę czasu. I w czasie Beethovena, a teraz istnieją odznaczenia od sztuki produkującej bazowy produkt muzyczny. Ten produkt jest bardzo szybko zepsuty, a prawdziwa sztuka codziennie staje się piękniejsza i piękniejsza.

Pojawienie się notatek

Pisanie, wielki wynalazek ludzkości, pozostawiony do gromadzenia i przenoszenia myśli, pomysłów i wrażeń do nadchodzących pokoleń. Inny wynalazek, nie mniej świetny, muzyczny rekord, pozostawiony do przenoszenia dźwięków do potomków, muzyki. Muzyka w muzyce europejskiej, użyto specjalne znaki - NEMA.

Inventor nowoczesnego systemu nagrywania zbiornika jest Monk Benedyktynowy Guido Areresinsky (Guido d'Isset) (990-1050). Arezzo to małe miasteczko w Toskanii, niedaleko Florencji. W lokalnym klasztorze Gvido Brother uczył śpiewając wykonanie śpiewów kościelnych. Nie było łatwe i długie. Cała wiedza i umiejętności były przesyłane doustnie w bezpośredniej komunikacji. Singeing pod kierunkiem nauczyciela i jego głosu był konsekwentnie nauczył się każdego hymnu i każdego intonowania masy katolickiej. Dlatego pełny "kurs" trwał około 10 lat.

Guido Arerettinsky zaczęli oznaczać dźwięki notatek (z łacińskiego słowa Nota - znak). Uwagi, zacienione kwadraty zostały umieszczone na jednej cyny, składającej się z czterech linii równoległych. Teraz te linie są pięć, a notatki są przedstawione przez kręgi, ale zasada wprowadzona przez Guido, pozostała niezmieniona. Wyższe nuty są przedstawione na wyższej linii. Zauważa siedem, tworzą oktawę.

Każdy z siedmiu nut Octave Gwido dał imię: UT, Re, MI, FA, SOL, LA, SI. Są to pierwsze sylaby hymnu św. Jan. Każda linia tego hymnu pojawia się nad tonem powyżej poprzedniego.

Notatki następnej oktawy są nazywane tak samo, ale mają wyższy lub niższy głos. Podczas przemieszczania się z jednej oktawy do innej częstotliwości dźwięku, która jest wskazana przez tę samą notatkę, zwiększa się lub zmniejsza się dwukrotnie. Na przykład instrumenty muzyczne ustawiają notatkę pierwszej oktawy. Uwaga ta odpowiada częstotliwości 440 Hz. Następna, po drugie, Octave odpowiada częstotliwości 880 Hz.

Nazwy wszystkich notatek, z wyjątkiem pierwszego, kończą się na dźwięk samogłoski, wygodnie jest śpiewać. Slog UT - zamknięty i znikający jest niemożliwy. Dlatego nazwa pierwszego wycięcia Octave, UT, w XVI wieku zastąpiła (najprawdopodobniej z łacińskiego słowa Dominus - Pana). Ostatnia uwaga Octave, SI jest zmniejszenie dwóch słów ostatniej linii hymnu, unadła ioannes. W krajach języka angielskiego nazwa "Si" została zastąpiona przez "TI", aby nie być mylić z literą C, również używany w rekordzie zawiadomienia.

Invenus Notes, Guido nauczył śpiewaków tego rodzaju alfabetu, a także nauczył ich śpiewać na notatkach. Oznacza to, że w nowoczesnych szkołach muzycznych nazywa się SOLFEGGIO. Teraz wystarczyło spisać całe notatki Mesa, a śpiewacy mogli już pośpieszyć pożądaną melodię. Zniknął potrzebę osobiście nauczania każdej z każdej piosenki. Guido musiał tylko kontrolować proces. Czas treningowy Pevichi zmniejszył się pięć razy. Zamiast dziesięciu lat - dwa lata.

Pamięciowa tablica w Arezzo na ulicy Ricassolley w domu, w którym się urodził Guido. Na nim przedstawione kwadratowe notatki.

Muszę powiedzieć, że Monk Guido z Arezzo nie był pierwszym, który wymyślił muzykę do pisania za pomocą znaków. Przed nim, w Europie Zachodniej, był już system niestotnych (z greckiego słowa "pneumo" - oddychanie), odznaki przymocowane nad tekstem psalmów do wyznaczenia wzrostu lub zmniejszenia tonu piosenki. W Rosji w tym samym celu, użyli własnych "haczyków" lub "banerów".

Uwagi kwadratowe Guido Aretinsky, znajdujące się na czterech liniach MOT, okazały się najłatwiejszym i najwygodniejszym systemem nagrywania muzyki. Dzięki nią stopnie dotykowe rozprzestrzeniły się na całym świecie. Muzyka opuściła granice Kościoła i pozostawił w pałacach Władcy i szlachetnych, a następnie w teatrach, sal koncertowych i w placach miejskich, stając się dziedzictwem ogólnym.

Co to jest sposób.

Lada jest jednym z centralnych warunków teorii muzyki. Zrozumienie, w jaki sposób są zbudowane, a zręczne wykorzystanie ich użycia otwiera nieograniczone możliwości przed muzykiem. I często wyjaśniają dokładnie, jak powstaje ciekawe przejście w konkretnej kompozycji, jest to niemożliwe - jeśli osoba nie rozumie, co to jest sposób. Ale jest snag: termin "sposób" same same muzycy używają, często znacząco nie w ten sam. Dlaczego? A co jest takie w ogóle? Zamieszanie okazało się z powodu tego słowa w różnych epokach zainwestowano bardzo różne znaczenie.

Nie zdajemy sobie sprawy, jak nasza percepcja jest wychowywana i związana w muzyce klasycznej. (Chociaż koncepcja "muzyki współczesnej" jest odjazdem z klasycznych zasad). Era klasycyzmu jest dużą warstwą historyczną w ludzkiej postrzeganiu świata. Po średniowieczu ludzie odkrywają antyczne sztuki i fascynują je. Każdy produkt klasycyzmu jest zbudowany na surowych kanonach, znajdując tym samym lekkość i logiczny samego wszechświata. Klasycyzm stworzył porządek strukturalny - jasna hierarchia najwyższych i niższych, głównych i średnich, centralnych i podległych. Dlatego na przykład, począwszy od klasyki Wiednia i muzyki romantycznej, myślimy w systemie - "Major Minor". Co to jest i jak wpływa na nasze postrzeganie?

Major i drobne są tonalne progi. Tonal Lad jest specyficznym systemem relacji między tonami. Co to znaczy? Jaki jest ton? Spróbujmy się dowiedzieć. Załóżmy, że jesteś pianinorem przed tobą: spójrz na klawiaturę: znamy Pre-MI-Fa-Sol-La-Si, 7 białych kluczy i między nimi to kolejny 5 czarny, tylko 12. Odległość między każdym z nich są półtonów. Między sąsiednim czarno-białym - zawsze półtonów. Pomiędzy sąsiednim bielem - tonem (istnieją wyjątki od MI-FA, a Si-Up to Halftone).

Każdy zestaw tonów i półtonów jest źródłem. W epoce klasycyzmu zaczął budować go z ścisłym podporządkowaniem wszystkich dźwięków tonika - głównego tonu. Taki jest główny lub górniczy sposób. Cała muzyka tonowa (cały klasyk) opiera się na relacji między głównymi i podlegnymi spółgłami. W przypadku plotek intuicyjnie wyróżniamy duży i nieletni, jak są malowane - "radosne" lub "smutne". Zmienny sposób jest wtedy, gdy głównie i drobne funkcje są jednocześnie w jednej pracy. Ale zasada ich jest powszechna - tonalna.

Jednak ta zasada nie jest jedyna możliwa. Przed erą klasycyzmu, kiedy wszyscy zostali ostatecznie zamówić w smukłym systemie tonalizacji, myślenie muzyczne było inne. Jońskie, Dorian, Frigian, Lupy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Jest to oktawa Lada Greków. I były progi kościoła muzyki Grigorian. Wszystko to jest modalne Lada. Skomponowali muzykę w starożytności, średniowieczu, na przykład Modalna Wschodnia tradycja (na przykład indyjskie szmaty lub arabskie macki). W muzyce Europy era ovival przeważała również modalność.

Jaka jest główna różnica z naszego zwykłego wyglądu tonalnego? W dziwakach tonalnych jest ściśle wyróżniając funkcje głównej konsonezy i akordów, aw muzyce modalnej są znacznie bardziej niewyraźne. Dla modalnego LADA sam dźwięk dźwięk jest ważny - zarówno znaczenia, jak i farby, które mogą przynieść do muzyki. Dlatego łatwo nam się rozróżnić indyjską muzykę od średniowiecznych refleksji - zgodnie z pewnymi konsonansami i uderzeniami muzycznymi.

Do XX wieku kompozytorzy wydają się wypróbować wszystkie opcje dźwięku w muzyce tonalnej. "Nudzę się, demon!" - Powiedzieli i w poszukiwaniu nowych kolorów zwróconych do starego - modalnego obrotu i ruszaj. Była więc nowa modalność. W muzyce współczesnej pojawiły się nowe progi - na przykład blues. Co więcej, był specjalny gatunek - modalny jazz. Miles Davis, na przykład, zwanej muzyką modalną "odchylenie od normalnej gamma z siedmiu uwag, gdzie każda notatka nie jest w centrum uwagi". I powiedział, że "idzie w tym kierunku, idziesz do nieskończoności". Dno Dno jest to, że zasady tonalne i modalne nie wykluczają się nawzajem. W jednej grze można mieszać ich znaki. Modalność jest jak inna warstwa, która jest nałożona na zwykły major / mniejszy. A użycie różnych kłód modalnych zmienia kolor muzyki: na przykład włączenia frigian Lady są grillowane, ponieważ jego dywaniki uzupełniają głównie ograniczone kroki. Znając takie warzywa, możesz osiągnąć interesujący dźwięk, jeśli piszesz muzykę.

Kolor, nastrój, znak - są to oznaki Lady, które słyszymy, ale często nie zdawaj sobie sprawy. Często obłoki modalne przylegają do piosenek - ponieważ są niezwykłe. Plotka, wychowana na muzyce klasycznej, wyciąga to wyjeździe z codziennego życia. Wszystko to i wiele więcej otwiera się, gdy rozumiesz język muzyki.

Muzyka epoki średniowiecza - okres rozwojukultura muzycznaIstnieje przedział czasu chwytaniaV do AD XIV AD. .
W ery średniowiecza w Europie Istnieje kultura muzyczna nowego typu -feudalny jednocząc profesjonalną sztukę, amatorskie muzyczne ifolklor. Od kościół dominuje we wszystkich dziedzinach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzykówŚwiątynie i klasztory . Świecka sztuka profesjonalna została zaprezentowana na początku tylko śpiewaków, którzy tworzą i wykonują epickie legendy na dziedzińcu, w domach do poznania, wśród wojowników itp. (bard, scalds. itd.). W miarę upływu czasu rozwijają się amator i póła profesjonalne formy musityzacji.rycerze: we Francji - Sztuka Trubadurova i Trovers (Adam de La, XIII wiek), w Niemczech - Minnesinger ( Tungsten von Eschenbach., Walter tło der fogelweed, XII - XIII wieku ), a także miejskirzemieślnicy. W zamkach feudalnych W miastach uprawiają wszelkiego rodzaju rodzaje porodu,gatunki i formy piosenek (Epic, "Dawn", Rondo, Le, Veel, Ballads, Chances, Lands itp.).
Zawarte w życiu noweinstrumenty muzyczne, w tym tych, którzy przychodząWschód (Viola, Lute itd.), Ensembles powstają (niestabilne kompozycje). Kwitnie folklorystyczne w średnim wieku. "Profesjonaliści ludzi" również działają:sportowcy , Noszenie artystów syntetycznych (juggles, Mimes, Minstrels, Spiens, Scrolls ). Muzyka ponawia głównie funkcje stosowane i duchowe i praktyczne. Kreatywność występuje w jednościwystęp (zwykle w jednej osobie).
Oraz w treści muzyki, aw swojej formie dominujezbiorowość ; Indywidualny start podlega ogólnym, bez wyróżnienia z niego (Maszyna muzyk jest najlepszym przedstawicielemspołeczności ). We wszystkich strukturach panującychtradycyjny i kanonizmu . Konsolidacja, konserwacja i dystrybucjatradycje i standardy.
Stopniowo, choć powoli, treść muzyki jest wzbogacona, niągatunki, formy , Ekspresyjne środki. WEuropa Zachodnia z VI - VII stuleci . Istnieje ściśle regulowany system.jednowłosy (monodiczny ) Muzyka kościelna na podstawiediatonic Ladins ( grigorian śpiew), jednoczynające recytacja (psalmody) i śpiew (hymny ). Na przełomie 1 i drugiego tysiąclecia rodzi siępolifonia . Uformowany nowywokal (chóralny. ) i wokalny instrumentalny (chór iorgan) Gatunki: organy, Mott, Kondukt, potem Mesia. We Francji w XII wieku Pierwszy jest utworzonyszkoła kompozytora (kreatywna) z Katedra Piniowej Matki Bożej. (Leonin, Peroths). Na odwróceniu renesansu (styl ARS Nova we Francji i Włochy, XIV wiek) profesjonalna muzyka Single-Gazier jest dostarczanypolifonia Muzyka zaczyna uwolnić się od funkcji czysto praktycznych (konserwacja kościelnaobrzędy ) zwiększa wartośćświecki gatunki, w tym utwory (Gille de Masho).

Odrodzenie.

Muzyka w okresie XV-XVII wieku.
W średniowieczu muzyka była prerogatywą Kościoła, więc większość prac muzycznych była święta, opierali się na chantach kościelnych (Gregorian Choral), które były częścią religii od samego początku chrześcijaństwa. Na początku XVII wieku wpisy kultowe, z bezpośrednim udziałem papieża Gregory I, zostały ostatecznie kanonizowane. Gregorian Khoral przeprowadził profesjonalnych śpiewaków. Po rozwoju muzyki kościelnej, Grigorian Chóral pozostał tematyczną podstawą prac religijnych polifonicznych (bałagan, Motetov itp.).

Średniowiecze przestrzegały renesansu, co było dla muzyków odkryć, innowacji i badań, ery ożywienia wszystkich warstw kulturowej i naukowej manifestacji życia z muzyki i malarstwa do astronomii i matematyki.
Chociaż głównie muzyka pozostała religijna, ale osłabienie kontroli kościelnej nad społeczeństwem otworzyło kompozytorów i wykonawców z wielką wolnością w manifestacji ich talentów.
Dzięki wynalezieniu maszyny drukarskiej można wydrukować i rozpowszechniać notatki, od teraz i rozpoczyna się, co nazywamy muzyką klasyczną.
W tym okresie pojawiły się nowe instrumenty muzyczne. Najpopularniejsze narzędzia, na których miłośnicy muzyki były łatwe i po prostu, bez konieczności wymagających specjalnych umiejętności.
W tym czasie pojawił się Viola - poprzednik skrzypca. Dzięki chłopakom (drewniane paski przez grifa) było łatwe do zabawy, a jej dźwięk był cichy, łagodny i dobrze brzmiał w małych salach.
Popularne były również narzędzia mosiężne - blokowe flet, flet i róg. Najbardziej złożona muzyka została napisana dla nowo utworzonego klastra, drzewa (angielskiego harpsichin, wyróżniając się małym rozmiarem) i organem. Jednocześnie muzycy nie zapomniali ułatwić muzykę, która nie wymagała wysokich umiejętności wykonywania. Jednocześnie istniały zmiany w liście muzycznym: Włoski mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny mobilny metal mobilny miał zamiar wymienić ciężkie drewniane bloki drukowane. Opublikowane prace muzyczne szybko kupiło, coraz więcej osób zaczęło dołączyć do muzyki.
Koniec ery ovival charakteryzował się najważniejszym wydarzeniem w historii muzycznej - narodziny opery. W Florencji zgromadzono grupę humanistów, muzyków, poetów pod patronatem ich przywódcy wykresu Jovani de Bardi (1534 - 1612). Grupa została nazwana "kamerą", jego głównymi członkami byli Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilee (ojciec Astronom Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii i Ottavio Rhinucchini w młodości.
Pierwszy udokumentowany montaż grupy miało miejsce w 1573 roku, a najbardziej aktywne lata pracy "Florentine Camerata. "Wyniósł 1577-1582. Wierzyli, że muzyka była" zepsuta "i starała się wrócić do formy i stylu starożytnej Grecji, wierząc, że sztuka muzyczna może być ulepszona, a zatem społeczeństwo również poprawiło dla nadmiernego użycia polifonii ze szkodą dla jelita. Tekst i utrata składnika poetyckiego pracy również zaproponowali tworzenie nowego stylu muzycznego, w którym tekst w stylu monodowym towarzyszy muzyka instrumentalna. Ich eksperymenty Doprowadziło do stworzenia nowej formy muzycznej wokalu - kliale używany przez Emilio de Cavalieri, a następnie bezpośrednio związany z rozwojem opery.
Najpierw oficjalnie rozpoznanyopera Odpowiadający nowoczesne standardy, "Daphne" Opera (Daphne) została po raz pierwszy zaprezentowana w 1598 r. Przez autorów "Daphne" byli Jacopo Pier i Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhinucchini. Ta operacja nie jest zachowana. Pierwsza zachowana opera jest "Eurydick" (1600) tego samego autorów - Jacopo per. Oraz Ottavio Rhinucchini. Ten kreatywny związek stworzył również wiele prac, z których większość gubi się.

Muzyka wczesnego baroku (1600-1654)

Warunkowym punktem przejścia między epoki barokowej i renesansowej można uznać za stworzenie włoskiego kompozytora Claudio Monteverdi (1567-1643) jego stylu recytatywnego i konsekwentnego rozwoju opery włoskiej. Początek występów opery w Rzymie, a zwłaszcza w Wenecji oznaczał rozpoznawanie i dystrybucję nowego gatunku w kraju. Wszystko to była tylko częścią bardziej rozbudowanego procesu, który uchwycił wszystkie sztuki, a zwłaszcza jasno objawione w architekturze i pisaniu obrazów.
Renesansowych kompozytorów zwróciła uwagę na opracowanie każdej części prac muzycznych, prawie bez zwracania uwagi na porównanie tych części. Oddzielnie każda część może być doskonała, ale harmonijny wynik dodatku był raczej w przypadku wzorców. Pojawienie się pomyślnego basu wskazało istotną zmianę myślenia muzycznego - a mianowicie fakt, że harmonia, która jest "dodawaniem części do jednej całości", równie ważne jak same części melodyczne (polifonię). Coraz więcej polifonii i harmonii wyglądała jak dwie strony jednego pomysłu kompozycji harmonijnej muzyki: podczas pisania, harmonijne sekwencje otrzymały taką samą uwagę jak trytones podczas tworzenia dysonansów. Myślenie harmoniczne istniało również w niektórych kompozytorach poprzedniej epoki, na przykład Karlo Jesaldo, ale w epoce barokowej stało się ogólnie przyjęte.
Te części robót, w których niemożliwe jest wyraźnie oddzielić modalności z tonalności, oznaczał jak mieszany major lub mieszany nieletni (później dla tych koncepcji wprowadził odpowiednio terminy "Monsal Major" i "Monsal Minor", odpowiednio) . Z stołu widać, jak harmonia tonalna już w okresie wczesnego baroku prawie wypiera harmonię poprzedniej epoki.
Włochy stają się centrum nowego stylu. Papieś, choć schwytany przez walkę z reformacją, ale mimo to posiadanie ogromnych zasobów pieniężnych, uzupełniających kampanie wojskowe Habsburgów, poszukiwał możliwości rozprzestrzeniania wiary katolickiej, rozszerzając wpływ kulturowy. Wspaniała, wielkość i złożoność architektury, sztuk wizualnych i muzyki, katolicyzmu, jak to było, argumentowane z ascetycznym protestantyzmem. Rich Republiki I Włoskie Republiki i Kindaltyki przeprowadzono również aktywną konkurencję w dziedzinie sztuk pięknych. Jednym z ważnych ośrodków sztuki muzycznej była Wenecja, dawniej w czasie świeckiego i pod kościelnym patronatem.
Znaczna postać wczesnego okresu baroku, którego pozycja była po stronie katolicyzmu, przeciwstawiając się rosnącym ideologicznym, kulturowym i publicznym wpływem protestantyzmu, był Giovanni Gabrieli. Jego praca należy do stylu "wysokiego odrodzenia" (The Heyday of the Renaissance). Jednak niektóre z jego innowacji w dziedzinie narzędzi (mianowanie pewnego narzędzia do własnych, określonych zadań) wyraźnie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęły na pojawienie się nowego stylu.
Jednym z wymagań nałożonych przez Kościół do pracy muzyki duchowej było to, że teksty w dziedzinach z wokalami były wybredne. Wymagał ładunku z polifonii do technik muzycznych, gdzie słowa poszły na pierwszy plan. Wokal stały się bardziej skomplikowane, VIDIVAT w porównaniu do akompaniamentu. Więc dostałem rozwój homofonii.
Monteverd Claudio. (1567-1643), Włoski kompozytor. Nic nie przyciągało go jako ekspozycji wewnętrznego, psychicznego spokoju człowieka w jego dramatycznych konfliktach i konfliktach ze światem zewnętrznym. Monteverdi jest prawdziwą pierwotną pierwotną dramatem konfliktu planu tragedii. Jest huraganowym piosenkarką ludzkiego prysznica. Uporczywie poszukiwany naturalną ekspresywnością muzyki. "Mowa jest człowiekiem - dama harmonii, a nie sługą."
"Orpheus" (1607) -Muzyka opery koncentruje się na ujawnieniu wewnętrznego świata tragicznego bohatera. Jego impreza jest niezwykle wieloosiona, łączy różne prądy emocjonalne i ekspresyjne i linie gatunkowe. On entuzjastycznie wydaje się jego rodzimym lasom i wybrzeżom lub opłakuje utratę jego Euridic w niezapreślonych piosenkach magazynu ludowego.

Muzyka Muzyka Barokowa (1654-1707)

Okres centralizacji najwyższej władzy w Europie często nazywany absolutyzmem. Absolutyzm osiągnął apogee z francuskim królem Louis XIV. Dla całej Europy Louis Louis był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na boisku. Zwiększona dostępność instrumentów muzycznych (była szczególnie związana z klawiaturą) dała impuls do rozwoju muzyki kameralnej.
Dojrzały barok różni się od wczesnego rozpowszechnionego rozprzestrzeniania się nowego stylu i wzmocnionego oddzielenia form muzycznych, zwłaszcza w operze. Podobnie jak w literaturze, zdolność do strumienia druku muzycznego prowadziła do przedłużenia publiczności; Wznosi się wymianę między ośrodkami kultury muzycznej.
Był wyjątkowy przedstawiciel kompozytorów sądowych na Yard Louis XIV Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Już przy 21 r. Otrzymał tytuł "Urzędowy kompozytor muzyki instrumentalnej". Kreatywna praca Lully od samego początku była ściśle związana z teatrem. Po organizacji muzyki kamery dworskiej i pisma "Airs de Cour", zaczął pisać muzykę baletową. Sam Louis XIV tańczył w baletach, które były wtedy ulubioną rozrywkę osobistą szlachty. Lully był doskonałym tancerzem. Udało mu się uczestniczyć w produkcji, tańczącej wraz z królem. Znany jest ze swojej współpracy z Moliere, na sztukach, o których napisał muzykę. Ale główną rzeczą w dziełach Lully wciąż piszę opera. Niespodziewanie, Lully stworzył kompletny rodzaj francuskiej opery; Tak zwana tragedia liryczna we Francji (fr. Tractie Lyrique) i osiągnęła niewątpliwą kreatywną dojrzałość w pierwszych latach swojej pracy w Operze. Rully często używał kontrastu między majestatycznym dźwiękiem sekcji orkiestrowej oraz prostych odbiorców i arii. Język muzyczny klifu nie jest zbyt skomplikowany, ale oczywiście jasność harmonii, energii rytmicznej, jasność członkostwa formy, czystość tekstury mówi o zwycięstwie zasady homofonu myślenia. W dużej mierze jego sukces został również ułatwiony przez jego zdolność do wybierania muzyków do orkiestry i jego pracy z nimi (sam prowadził próby). Integralny element jego pracy zwrócił uwagę na harmonię i narzędzie doładowania.
W Anglii dojrzały barok był naznaczony jasnym geniuszem Henry'ego Peresella (1659-1695). Zmarł młodym, w wieku 36 lat, pisząc dużą liczbę prac i jednocześnie znany podczas życia. Purcell zapoznał się z dziełem Corlli i innych włoskich kompozytorów barokowych. Jednak jego klienci byli ludźmi innej różnorodności niż włoski i francuski świecki i kościół, aby wiedzieć, więc pisma Pörslla bardzo różni się od szkoły włoskiej. Purcell pracował w szerokiej gamie gatunków; Od prostych hymnów religijnych do marszowej muzyki, z esejów wokalnych o dużym formacie do muzyki wystawionej. Jego katalog ma więcej niż 800 prac. Purcell stał się jednym z pierwszych kompozytorów muzyki klawiatury, której wpływ ma zastosowanie do nowoczesności.
W przeciwieństwie do powyższych kompozytorów Dietrich Buxthehud (1637-1707) nie był kompozytorem sądowym. Buxtehude pracował przez organistę, najpierw w Helsingborg (1657-1658), a następnie w Elsinor (1660-1668), a następnie, począwszy od 1668 r. W kościele św. Maryja w Lubece. Nie zyskał publikacji swoich prac, ale ich egzekucji, a patronat szlachty preferował esej muzyki na tekstach kościelnych i wykonaniu własnej pracy narządów. Niestety, nie wszystkie dzieła tego kompozytora zostały zachowane. Muzyka stacji pędzla jest w dużej mierze zbudowana w skali pomysłów, bogactwa i swobody fantazji, tendencja do żałosnego, dramatyzmu, kilku intonacji oracyjnych. Jego kreatywność miała silny wpływ na takich kompozytorów jak I. S. Bach i Temen.

Muzyka późny barok (1707-1760)

Dokładna linia między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; Leży gdzieś między 1680 a 1720 r. W znacznym stopniu złożoności jego determinacji fakt, że w różnych krajach stylów zastąpiono niezrozumiałym; Innowacje już przyjęte z reguły w jednym miejscu w drugiej były świeże znaleziska
Formy otwarte przez poprzedni okres osiągnął dojrzałość i dużą zmienność; Koncert, apartament, sonata, konfrata Grosso, oratoria, opera i balet nie miały już wymawianych funkcji krajowych. Uniwersalnie ustalone ogólnie zaakceptowane schematy robót: powtarzający się dwa wykres (AABB), prosta trójkolorowa (ABC) i Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Włoski kompozytor, urodzony w Wenecji. W 1703 r. Przyjął Ksiądz San Katolicki. Jest w nich, jednocześnie rozwijając gatunki instrumentalne (barokowa sonata i barokowy koncert), Vivaldi i dokonał ich znaczącego wkładu. Vivaldi skomponowało ponad 500 koncertów. Dał także nazwy programów niektórych prac, takich jak słynne "sezony".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Była to jedna z wiodących kompozytorów klawiatury i wykonawców jego czasu. Ale być może najbardziej znany kompozytor sądowy został Handel Georg Friedricha (1685-1759).Urodził się w Niemczech, studiowała we Włoszech od trzech lat, ale w 1711 r. Londyn w lewo, gdzie rozpoczął jego genialną i komercyjną udaną karierę niezależnego kompozytora opery, wykonując rozkazy szlachty. Posiadanie niestrudzonej energii, handel recyklingu materiału innych kompozytorów i stale przerobił swoje własne eseje. Na przykład, jest znany z przeróbki przez słynnych mówców "Mesjasza" tyle razy, że teraz nie ma wersji, która może być nazywana "autentycznym".
Po śmierci został uznany za wiodący kompozytor europejski i został studiowany przez muzyków w epoce klasycyzmu. Handel zmieszany w swojej muzyce bogate tradycje improwizacji i kontrapturze. Sztuka biżuterii muzycznej osiągnęła bardzo wysoki poziom rozwoju w swoich pracach. Podróżował w całej Europie, aby studiować muzykę innych kompozytorów, a zatem miało bardzo szeroką gamę randek wśród kompozytorów innych stylów.
Johann Sebastian Bach. Urodzony 21 marca 1685 r. W mieście Eisenah, Niemcy. W swoim życiu skomponował ponad 1000 prac w różnych gatunkach, z wyjątkiem operacji. Ale podczas jego życia nie osiągnął znaczącego sukcesu. Wiele razy poruszające się, Bach zastąpił jedną za wysoką pozycję na drugą pozycję: w Weimarze był muzykiem dwukierunkowym w Weimar Duke Johanna Ernst, a potem stał się opiekunem w Kościele St. Bonifacea w Arnstadt, po kilku latach objęła pozycję organistę w kościele św. Mussea w Mülhausen, gdzie pracował tylko około roku, po którym wrócił do Weimara, gdzie objął miejsce sądu sądu i organizatora koncertów. W tej pozycji został opóźniony przez dziewięć lat. W 1717 roku Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, zatrudniony baha na pozycji Kapelmeister, a Bach zaczął żyć i pracować w Koten. W 1723 r. Bach przeniósł się do Lipsk, gdzie pozostał aż do śmierci w 1750 roku. W ostatnich latach życia, po śmierci Bacha, jego sława, jak kompozytor zaczął się zmniejszać: jego styl był uważany za staroświecki w porównaniu do kwitnących klasycyzmu. Wiedział go bardziej i pamiętał jako artysta, nauczyciel i ojciec Bakhowa Junior, przede wszystkim, Charles Philip Emmanuel, którego muzyka była sławna.
Tylko wykonanie "pasji Matthew" Mendelson, 79 lat po śmierci I. S. Baha, wskrzeszenia zainteresowanie jego pracą. Teraz I. S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów.
Klasycyzm
Klasycyzm - styl i kierunek sztuki XVII - XVII XIX.
Słowo stało się to z latńskiego klasycy - przykładowego. Klasycyzm opierał się na przekonaniu w inteligencji bycia, w fakcie, że ludzka natura jest harmonijna. Jego ideał klasyków widziano w sztuce antycznej, która była uważana za najwyższą formę doskonałości.
W XVIII wieku rozpoczyna się nowy etap rozwoju świadomości społecznej - erą oświecenia. Stary porządek publiczny jest zniszczony; Pomysły dotyczące poszanowania godności ludzkiej, wolności i szczęścia mają ogromne znaczenie; Osobowość zyskuje niezależność i dojrzałość, wykorzystuje jego umysł i krytyczne myślenie. Nowy styl życia, oparty na naturalności i prostocie, przychodzi do zastąpienia ideałów epoki barokowej i uroczystości. Czas idealistycznych widoków Jean-Jacques Rousseau, powołanie do natury, na naturalną cnotę i wolność. Wraz z naturą, starożytność jest wyidealizowana, ponieważ uważano, że w czasie starożytności do ludzi udało się ucieleić wszystkie aspiracje ludzkie. Antique Art otrzymuje nazwę klasyczną, jest uznawany przez przykładowe, najbardziej prawdomówne, doskonałe, harmonijne i, w przeciwieństwie do sztuki epoki barokowej, są uważane za proste i zrozumiałe. Centrum uwagi, wraz z innymi ważnymi aspektami, istnieje wykształcenie, pozycja prostych ludzi w strukturze społecznej, geniuszu jako ludzkiej nieruchomości.

Umysł panuje w sztuce. Chcąc podkreślić wysoką powołanie sztuki, jego roli publicznej i cywilnej, francuski charakter filozoficzny Denis Didro napisał: "Każda praca rzeźb lub malarstwa powinna wyrazić każdą wielką zasadę życia, powinien uczyć".

Teatr w tym samym czasie był podręcznikiem życia, a samym życiem. Ponadto, w teatrze, działanie jest wysoce zamówione, mierzone; Jest on podzielony na akty i sceny, co z kolei rozdziela się na oddzielnych replikach znaków, tworząc taki ideał sztuki, która jest tak drogi 18 stulecia, gdzie wszystko jest na swoim miejscu i podlega praw logicznym.
Muzyka klasycyzmu jest niezwykle teatralna, wydaje się, że jest kopiowany przez Sztuki Teatru, Imita go.
Oddzielenie klasycznej sonaty i symfonii na dużych sekcjach - części, w każdym z których istnieje wiele muzyki "wydarzenia", podobnie jak podział wykonania na temat działań i scen.
W muzyce klasycznego stulecia działka jest często przeznaczona, rodzaj działania, które jest rozmieszczone przed słuchaczami, a także aktorem aktora wdrożonego przed publicznością.
Słuchacz pozostaje tylko dołączyć wyobraźnię i dowiedzieć się w "ubraniach muzycznych" znaków klasycznej komedii lub tragedii.
Sztuka teatru pomaga wyjaśnić dużą zmianę wydajności muzyki, które zostały osiągnięte w XVIII wieku. Wcześniej główne miejsce, w którym brzmiała muzyka była świątynia: był w nim mężczyznę poniżej, w ogromnej przestrzeni, gdzie muzyka, jakby pomogła mu spojrzeć na dół i poświęcić swoje myśli Bogu. Teraz, w XVIII wieku muzyka brzmi w salonie arystokratycznym, w Baln Hall of the Eldle Estate lub na placu miejskim. Słuchacz edukacji oświecenia wydaje się zwracać się z muzyką "na tobie" i nie doświadcza więcej rozkoszy i nieśmiałości, że zainspirowała go, gdy zabrzona w świątyni.
Nie ma silnego, uroczystego dźwięku narządu, rola chóru została już zmniejszona. Muzyka klasycznego stylu łatwo brzmi łatwo, jest znacznie mniej dźwięków, jakby ona jest "mniej ważyć" niż ładunek, muzyka wielowarstwowa przeszłości. Dźwięk narządu i chóru zmienił dźwięk orkiestry symfonicznej; Podwyższone arie ustąpiły do \u200b\u200bmuzyki światłem, rytmicznym i tańcem.
Dzięki bezgranicznej wiary w możliwość ludzkiego umysłu i siły wiedzy z XVIII wieku zaczęła nazywać środek umysłu lub wiek oświecenia.
Klasycyzm kwitnący występuje w latach 80. XVIII wieku. W 1781 r. Y. Gaidn tworzy kilka innowacyjnych prac, wśród których jest jego kwartet smyczkowy. 33; Premiera Opery V.a. Mozart "Uprowadzenie Seryla"; Drama F. Schiller "Rabusie" i "Cleaning Cleaver" I. Kant są publikowane.

Najjaśniejszym przedstawicielom klasycznego okresu są kompozytorzy Szkoły Klasycznej Wiednia Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig Van Beethoven. Ich sztuka podziwia doskonałość sprzętu kompozytorskiego, pochodzenia humanistycznego i pragnienia, szczególnie namacalne w muzyce V. A. Mozarta, aby odzwierciedlać doskonałe narzędzia kosmetyczne.

Samo koncepcja Wiednia klasycznej szkoły pojawiła się wkrótce po śmierci L. Beethovena. Sztuka klasyczna wyróżnia się subtelną równowagą między uczuciami a rozumem, kształtem i treścią. Muzyka odrodzenia odzwierciedlała ducha i oddech ich epoki; W epoce barokowej, przedmiotem stanu danej osoby w muzyce; Muzyka Ery klasycyzmu śpiewu działań i działań osoby, która doświadczyła emocji i uczuć, uprzejmy i holistycznego ludzkiego umysłu.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Niemiecki kompozytor, który często uważa największego twórcę wszechczasów.
Jego kreatywność jest nazywana klasyzmem i romantyzmem.
W przeciwieństwie do swojego poprzednika Mozarta, Beethoven złożony z trudności. Podręczniki Książki Beethoven pokazuje, jak stopniowo, średnia kompozycja powstaje krok przez przyrostowy szkic, oznaczony przekonującą logiką budowlanej i rzadkiego piękna. Jest to logika, że \u200b\u200bgłównym źródłem wielkości betovensky, jego niezrównana zdolność do organizowania elementów kontrastu w monolitycznej liczbie całkowitej. Beethoven usuwa tradycyjne cesury między sekcjami kształtu, unika symetrii, łączy części cyklu, rozwija rozszerzoną konstrukcję z motywów tematycznych i rytmicznych, na pierwszy rzut oka, które nie zawierają niczego interesującego. Innymi słowy, Beethoven tworzy muzyczną przestrzeń siły umysłu, jego własna wola. Przewidywał i stworzył te kierunki sztuki, które były decydujące dla sztuki muzycznej 19 V.

Romantyzm.
obejmuje warunkowo 1800-1910 lat
Kompozytors-romans próbował z pomocą środków muzycznych, aby wyrazić głębokość i bogactwo wewnętrznego świata człowieka. Muzyka staje się bardziej wytłaczana, indywidualna. Uzyskuje się rozwój gatunków utworów, w tym balladów.
Główni przedstawiciele romantyzmu w muzyce są: wAustria - Franz Schubert. ; w Niemczech - Ernest Theodore Hoffman., Karl Maria Weber., Richard Wagner, Felix Mendelson., Robert Schuman, Ludwig Spur; w
itp.................