Rzeźba starożytnej Grecji z okresu klasycznego. Sztuka starożytnej Grecji

Rzeźba starożytnej Grecji, podobnie jak cała sztuka starożytna, jest szczególnym przykładem, mistrzostwem i rodzajem ideału. Sztuka starożytnej Grecji, a zwłaszcza rzeźba starożytnej Grecji, miała bardzo istotny wpływ na rozwój kultury światowej. Był to fundament, na którym później wyrosła cywilizacja europejska. Piękne posągi greckich rzeźbiarzy były wykonane z kamienia, wapienia, brązu, marmuru, drewna i ozdobione wspaniałymi przedmiotami wykonanymi z metali szlachetnych i kamieni. Montowano je na głównych placach miast, na grobach słynnych Greków, w świątyniach, a nawet w bogatych greckich domach. Główną zasadą rzeźby w starożytnej Grecji było połączenie piękna i siły, idealizacja człowieka i jego ciała. Starożytni Grecy wierzyli, że tylko doskonała dusza może znajdować się w doskonałym, idealnym ciele.

Rozwój rzeźby w starożytnej Grecji można podzielić na trzy istotne etapy. To archaiczne - VI-VII wiek pne. Klasykę, którą z kolei można podzielić na okresy wczesny – początek V wieku p.n.e., klasykę wysoką – koniec V wieku p.n.e. i późny – VI wiek p.n.e. A ostatnim etapem jest hellenizm. Również z opisów starożytnych historyków można zrozumieć, że istniała rzeźba Grecji homeryckiej, ale do naszych czasów przetrwały tylko małe figurki i naczynia zdobione malarstwem. Każdy z tych etapów kultury greckiej ma swoje unikalne cechy.

Okres archaiczny
W tym okresie starożytni greccy artyści dążyli do stworzenia idealnego wizerunku mężczyzny i kobiety. W rzeźbie dominowały postacie nagich młodych wojowników zwanych kuro. Musieli pokazać męstwo, zdrowie fizyczne i siłę osoby, które zostały nabyte w sporcie tamtych czasów. Drugim przykładem sztuki z tego okresu była kora. To dziewczyny odziane w długie ubrania, w których wyrażany był ideał kobiecości i pierwotnej czystości. W tym czasie pojawił się tak zwany „archaiczny uśmiech”, który inspirował twarze posągów.

Wybitnymi przykładami zachowanych rzeźb z okresu archaicznego są Kouros z Pireusu, który dziś zdobi Muzeum Ateńskie, oraz Bogini z Granatem i Bogini z Zającem, które są przechowywane w Muzeum Państwowym w Berlinie. Rzeźba braci Cleobis i Biton z Argos jest dość znana, co cieszy oczy miłośników sztuki greckiej w Muzeum Delfickim.

W czasach archaicznych ważne miejsce zajmuje również rzeźba monumentalna, w której główną rolę odgrywa płaskorzeźba. Są to dość duże kompozycje rzeźbiarskie, często przedstawiające wydarzenia opisane w mitach starożytnej Grecji. Na przykład na frontonie świątyni Artemidy przedstawiono wydarzenia rozgrywające się w historii Gorgony Meduzy i dzielnego Perseusza, znanego wszystkim od dzieciństwa.

Wczesne klasyki
Wraz z przejściem do epoki klasycznej bezruch, można by rzec, statyczny charakter archaicznych rzeźb, jest stopniowo zastępowany emocjonalnymi postaciami uchwyconymi w ruchu. Pojawia się tak zwany ruch przestrzenny. Pozy postaci są na razie proste i naturalne, np. dziewczyna rozwiązuje sandał, czy biegacz przygotowujący się do startu.
Być może jednym z najsłynniejszych posągów tego okresu jest „Discobolus” autora Myrona, który wniósł bardzo znaczący wkład w sztukę wczesnych klasyków Grecji. Figura została odlana z brązu w 470 rpne i przedstawia sportowca przygotowującego się do rzucenia dyskiem. Jego ciało jest doskonałe i harmonijne, gotowe do rzutu w następnej sekundzie.

Innym wielkim rzeźbiarzem tamtych czasów był Poliklet. Najbardziej znanym dzisiaj jest jego dzieło „Dorifor”, powstałe między 450 a 440 pne. To włócznik, potężny, powściągliwy i pełen godności. Jest pełen wewnętrznej siły i niejako wyraża pragnienie ówczesnego narodu greckiego wzniosłości, harmonii i pokoju. Niestety oryginały tych rzeźb starożytnej Grecji, odlane z brązu, nie zachowały się do dziś. Możemy jedynie podziwiać ich kopie wykonane z różnych materiałów.

Na początku XX wieku na dnie morza w pobliżu Przylądka Artemision odnaleziono posąg boga Posejdona z brązu. Przedstawiany jest jako majestatyczny, budzący grozę, trzymający rękę, w której trzymał trójząb. Ten posąg niejako wyznacza przejście od wczesnego do wysokiego okresu klasycznego.

Wysoka klasyka
Kierunek wysokiej klasyki dążył do podwójnego celu. Z jednej strony ukazać całe piękno ruchu w rzeźbie, az drugiej połączyć zewnętrzną bezruch postaci z wewnętrznym tchnieniem życia. Wielkiemu rzeźbiarzowi Fidiaszowi udało się połączyć w swojej pracy te dwie aspiracje. Słynie w szczególności z ozdabiania starożytnego Partenonu piękną marmurową rzeźbą.

Stworzył także wspaniałe arcydzieło „Atena Partenos”, które niestety zmarło w czasach starożytnych. W Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach można zobaczyć tylko mniejszą kopię tego posągu.
Wielki artysta stworzył w swoim twórczym życiu o wiele więcej arcydzieł. To posąg Ateny Promachos na Akropolu, który zadziwia swymi ogromnymi rozmiarami i wielkością oraz nie mniej kolosalna postać Zeusa w świątyni Olimpii, która później została zaliczona do jednego z siedmiu niesamowitych cudów świata .
Można gorzko przyznać, że nasza wizja rzeźby antycznej Grecji jest daleka od prawdy. Oryginały posągów z tamtego okresu są prawie niemożliwe. Wiele z nich zostało zniszczonych podczas redystrybucji świata śródziemnomorskiego. A jeszcze innym powodem zniszczenia tych największych zabytków sztuki było ich zniszczenie przez fanatycznie wierzących chrześcijan. Pozostały nam tylko ich kopie rzymskich mistrzów z I-II wieku naszej ery oraz opisy starożytnych historyków.

Późny klasyk
W czasach związanych z późną klasyką rzeźba starożytnej Grecji zaczęła charakteryzować się plastycznością ruchów i dopracowaniem najdrobniejszych detali. Postacie zaczęły wyróżniać się wdziękiem, elastycznością, zaczęły pojawiać się pierwsze nagie kobiece ciała. Jednym z uderzających przykładów tego splendoru jest posąg Afrodyty z Knidos autorstwa rzeźbiarza Praksytelesa.

Starożytny rzymski pisarz Pliniusz powiedział, że posąg ten był uważany za najpiękniejszy posąg tamtych czasów, a wielu pielgrzymów przybywało do Knidos, chcąc go zobaczyć. To pierwsza praca, w której Praxitel przedstawiał nagie kobiece ciało. Ciekawą historią stojącą za tym posągiem jest to, że rzeźba stworzyła dwie postacie - nagą i ubraną. Mieszkańcy Kos, którzy zamówili posąg Afrodyty, wybrali ubraną boginię, bojąc się zaryzykować, pomimo całego piękna tego arcydzieła. A rzeźbę aktu nabyli mieszkańcy miasta Knidos, położonego w Azji Mniejszej i dzięki temu stali się sławni.

Innym wybitnym przedstawicielem późnej klasyki był Skopas. W swoich rzeźbach starał się wyrażać gwałtowne namiętności i emocje. Wśród jego słynnych dzieł znajdują się posąg Apolla Kifareda, także Aresa z Willi Ludovisi oraz rzeźba zwana Niobidami umierającymi wokół matki.

Okres hellenistyczny
Czas hellenizmu charakteryzuje się dość silnym wpływem Wschodu na całą sztukę Grecji. Ten los nie umknął rzeźbie. Zmysłowość, orientalny temperament i emocjonalność zaczęły przenikać w majestatyczne pozy i wzniosłość klasyki. Artyści zaczęli komplikować skróty perspektywiczne, używać luksusowych draperii. Nagie kobiece piękno przestało być czymś niezwykłym, bluźnierczym i wyzywającym.

W tym czasie pojawiła się ogromna liczba różnych posągów nagiej bogini Afrodyty lub Wenus. Jednym z najsłynniejszych posągów do dziś pozostaje Wenus z Milo, stworzona przez mistrza Aleksandra około 120 roku p.n.e. Wszyscy jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania jej wizerunków bez rąk, ale uważa się, że początkowo bogini jedną ręką trzymała spadające ubranie, a w drugiej trzymała jabłko. Jej wizerunek łączy w sobie czułość, siłę i piękno fizycznego ciała.

Również bardzo znane posągi z tego okresu to Afrodyta z Cyreny i Laokoona oraz jego synowie. Ostatnie dzieło przepełnione jest silnymi emocjami, dramaturgią i niezwykłym realizmem.
Najwyraźniej głównym tematem rzeźbiarskiego dzieła starożytnej Grecji była osoba. Rzeczywiście, człowiek nie był nigdzie bardziej ceniony niż w tej bardzo starożytnej cywilizacji greckiej.

Wraz z rozwojem kultury rzeźbiarze starali się poprzez swoje prace przekazać coraz więcej ludzkich uczuć i emocji. Wszystkie te majestatyczne arcydzieła, powstałe dziesiątki setek lat temu, wciąż przyciągają uwagę ludzi i oddziałują na miłośników sztuki współczesnej w urzekający i niesamowicie imponujący sposób.

Wniosek
Trudno wyróżnić jeden okres w rozwoju kultury starożytnej Grecji i nie znaleźć w nim szybkiego rozkwitu rzeźby. Ten rodzaj sztuki stale się rozwijał i doskonalił, osiągając szczególne piękno w epoce klasycznej, ale potem nie przeminął, nadal pozostając wiodącą. Z pewnością można skorelować rzeźbę i architekturę starożytnej Grecji, ale tylko przez porównanie niedopuszczalne jest ich identyfikowanie. A to niemożliwe, bo rzeźba to nie monumentalna budowla, ale umiejętnie rzeźbione arcydzieło. Najczęściej starożytni rzeźbiarze zwracali się do wizerunku osoby.

W swoich pracach zwracali szczególną uwagę na postawy, obecność ruchu. Próbowali stworzyć żywe obrazy, jakby nie kamień przed nami, ale żywe ciało i krew. I zrobili to dobrze, głównie dzięki odpowiedzialnemu podejściu do biznesu. Znajomość anatomii i ogólne rozumienie ludzkiego charakteru pozwoliły starożytnym greckim mistrzom osiągnąć to, czego wielu współczesnych rzeźbiarzy wciąż nie jest w stanie pojąć.

V wiek w dziejach rzeźby greckiej okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby w starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwiskami tak znanych mistrzów jak Myron, Polyclein i Fidias. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć, że nawet „żywe”, zmniejsza się charakterystyczny dla nich schematyzm. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie.

Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, znane nam z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach ("Discobolus"). Znane jest również jego dzieło „Atena i Marsjasz”, które powstało na podstawie mitu o tych dwóch postaciach. Według legendy Atena wynalazła flet, ale podczas gry zauważyła, jak brzydko zmienił się jej wyraz twarzy, w złości rzuca instrumentem i przeklina każdego, kto na nim zagra. Cały czas obserwował ją leśny bóstwo Marsjasz, który bał się klątwy. Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju w osobie Ateny i dzikości w osobie Marsjasza. Koneserzy sztuki współczesnej wciąż podziwiają jego prace, rzeźby zwierząt. Na przykład zachowało się około 20 epigramów dla posągu z brązu z Aten.

Polikletus, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Polycletus wolał przedstawiać sportowców, w których zwykli ludzie zawsze widzieli ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Dorifor” i „Diadumenos”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec z opaską zwycięzcy konkursu na głowie.

Fidiasz to kolejny wybitny przedstawiciel twórcy rzeźby. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejsze rzeźby to kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w świątyni olimpijskiej z drewna, złota i kości słoniowej oraz Ateny Promachos, wykonanej z brązu i znajdującej się na placu ateńskiego Akropolu. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.

Atena Partenos to uderzająca rzeźba z okresu klasycznego, która została zbudowana w świątyni Partenon. Była to 12-metrowa drewniana podstawa, ciało bogini pokryto płytami z kości słoniowej, a same ubrania i broń wykonano ze złota. Przybliżona waga rzeźby to dwa tysiące kilogramów. Co zaskakujące, kawałki złota były usuwane i ważone ponownie co cztery lata, ponieważ stanowiły one państwowy fundusz złota. Fidiasz ozdobił tarczę i cokół płaskorzeźbami, na których przedstawił siebie i Peryklesa w bitwie z Amazonkami. Za to został oskarżony o świętokradztwo i wysłany do więzienia, gdzie zmarł.

Posąg Zeusa to kolejne arcydzieło rzeźby z okresu klasycznego. Jego wysokość to czternaście metrów. Posąg przedstawia najwyższe greckie bóstwo siedzące z boginią Niką w ręku. Posąg Zeusa, według wielu historyków sztuki, jest największym dziełem Fidiasza. Został zbudowany przy użyciu tej samej techniki, której użyto do stworzenia posągu Ateny Partenos. Postać była wykonana z drewna, ukazana naga do pasa i pokryta płytami z kości słoniowej, a ubrania pokryte były złotymi prześcieradłami. Zeus siedział na tronie iw prawej ręce trzymał postać bogini zwycięstwa Nike, a w lewej pałkę, która była symbolem władzy. Starożytni Grecy postrzegali posąg Zeusa jako kolejny cud świata.

Atena Promachos (około 460 pne), 9-metrowa rzeźba z brązu starożytnej Grecji, została wzniesiona wśród ruin po zniszczeniu Akropolu przez Persów. Fidias „rodzi” zupełnie inną Atenę – w postaci wojownika, ważnego i surowego obrońcy swojego miasta. W prawej ręce trzyma potężną włócznię, w lewej tarczę, a na głowie hełm. Atena na tym obrazie reprezentowała militarną potęgę Aten. Ta rzeźba starożytnej Grecji zdawała się panować nad miastem, a każdy, kto podróżował morzem wzdłuż wybrzeża, mógł kontemplować czubek włóczni i mieniący się w promieniach słońca grzebień hełmu posągu, pokryty złotem. Oprócz rzeźb Zeusa i Ateny Fidiasz tworzy z brązu wizerunki innych bogów w technice chryzo-słonia, bierze udział w konkursach rzeźbiarskich. Był też kierownikiem dużych robót budowlanych, m.in. budowy Akropolu.

Rzeźba starożytnej Grecji odzwierciedlała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku po podboju Aleksandra Wielkiego w Grecji znane stały się nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy, takich jak Skopas, Praxitel, Lysippus, Tymoteusz, Leohar i inni. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje. Coraz częściej rzeźbiarze otrzymują od zamożnych obywateli indywidualne zamówienia, w których proszą o przedstawienie znanych osobistości.

Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowację, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać w rzeźbach emocje radości, strachu, szczęścia. Ten utalentowany człowiek pracował w wielu greckich miastach. Jego rzeźby z okresu klasycznego są bogate w wizerunki bogów i różnych bohaterów, kompozycje i płaskorzeźby o tematyce mitologicznej. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych złożonych pozach, szukając nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętności, złości, wściekłości, strachu, smutku). Posąg Maenady to wspaniałe dzieło z okrągłego plastiku, którego rzymska kopia została zachowana. Nowe i wieloaspektowe dzieło reliefowe można nazwać Amazonomachią, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.

Praksyteles był wybitnym rzeźbiarzem okresu klasycznego mieszkającym w Atenach około 350 roku p.n.e. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praxitel, podobnie jak Skopas, próbował przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać lżejsze emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, marzycielstwo na rzeźby, wychwalał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie kształtuje postaci w ruchu. Wśród jego prac należy wymienić "Odpoczywający satyr", "Afrodyta z Knidos", "Hermes z małym Dionizosem", "Apollo zabija jaszczurkę".

Najbardziej znanym dziełem jest posąg Afrodyty z Knidos. Została wykonana na zamówienie mieszkańców wyspy Kos w dwóch egzemplarzach. Pierwszy jest w ubraniach, a drugi jest nagi. Mieszkańcy Kos woleli ubranie Afrodyty, a Knidyjczycy kupili drugi egzemplarz. Posąg Afrodyty w sanktuarium w Knidos od dawna jest miejscem pielgrzymek. Skopas i Praksyteles jako pierwsi odważyli się przedstawić Afrodytę nago. Bogini Afrodyta na jej obrazie jest bardzo ludzka, jest przygotowana do kąpieli. Jest znakomitą przedstawicielką rzeźby starożytnej Grecji. Posąg bogini od ponad pół wieku jest wzorem dla wielu rzeźbiarzy.

Rzeźba „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem” (gdzie zabawia dziecko winoroślą) jest jedyną oryginalną rzeźbą. Włosy przybrały czerwonawo-brązowy odcień, jasnoniebieska szata, jak szata Afrodyty, podkreślała biel marmurowego ciała. Podobnie jak dzieła Fidiasza, dzieła Praksytelesa mieściły się w świątyniach i otwartych sanktuariach i były kultem. Ale dzieła Praksytelesa nie były uosobieniem dawnej siły i potęgi miasta oraz męstwa jego mieszkańców. Skopas i Praxitel wywarli ogromny wpływ na swoich współczesnych. Ich realistyczny styl na przestrzeni wieków był używany przez wielu rzemieślników i szkoły.

Lysippos (druga połowa IV wieku pne) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością. Wśród słynnych dzieł są „Herkules z jeleniem”, „Apoksyomenos”, „Odpoczywający Hermes” i „Wojownik”. Lysippos zmienia proporcje, przedstawia mniejszą głowę, suchsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, a portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.

Mówiliśmy już o ŹRÓDŁACH. Planowana linia przerywana została odcięta z przyczyn obiektywnych, ale nadal chcę kontynuować. Przypomnę, że zatrzymaliśmy się w głębokiej historii - w sztuce starożytnej Grecji. Co pamiętamy ze szkolnego programu nauczania? Z reguły trzy imiona są mocno w naszej pamięci - Miron, Fidias, Polycletus. Wtedy pamiętamy, że był tam też Lysippos, Skopas, Praksyteles i Leochares... Zobaczmy więc, co to jest. Czyli czas akcji to 4-5 wieków pne, miejscem akcji jest starożytna Grecja.

PIFAGOR REGIAN
Pitagoras z Regia (V wiek pne) to starożytny grecki rzeźbiarz starożytnej Grecji z okresu wczesnego klasycyzmu, którego prace znane są jedynie z odniesień starożytnych autorów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego dzieł, w tym mój ukochany „Chłopiec wyciągający cierń”. Praca ta dała początek tak zwanej rzeźbie ogrodnictwa krajobrazowego.

Pitagoras Regian Boy wyciągający drzazgę około połowy V wieku p.n.e. br. kopia muzeum kapitolińskiego

MIRON
Miron (Μύρων) - rzeźbiarz z połowy V wieku. pne NS. Rzeźbiarz epoki bezpośrednio poprzedzającej najwyższy rozkwit sztuki greckiej (koniec VI - początek V wieku). Starożytni charakteryzują go jako największego realistę i konesera anatomii, który jednak nie potrafił nadać twarzy życia i wyrazu. Portretował bogów, bohaterów i zwierzęta, a ze szczególną miłością reprodukował trudne, ulotne pozy. Jego najsłynniejsze dzieło „Discobolus”, sportowiec zamierzający uruchomić dysk, to posąg, który przetrwał do naszych czasów w kilku egzemplarzach, z których najlepszy jest wykonany z marmuru i znajduje się w Pałacu Massimi w Rzymie.

Miotacz dyskietek.
FIDIUSZA.
Jednym z twórców stylu klasycznego jest starożytny grecki rzeźbiarz Fidiasz, który swoimi rzeźbami ozdobił świątynię Zeusa w Olimpii i świątynię Ateny (Partenon) na Akropolu w Atenach. Fragmenty rzeźbiarskiego fryzu Partenonu znajdują się obecnie w British Museum (Londyn).




Fragmenty fryzu i frontonu Partenonu. Muzeum Brytyjskie w Londynie.

Główne dzieła rzeźbiarskie Fidiasza (Ateny i Zeusa) już dawno zaginęły, świątynie zostały zniszczone i splądrowane.


Partenon.

Istnieje wiele prób rekonstrukcji świątyń Ateny i Zeusa. Możesz o tym przeczytać tutaj:
Informacje o samym Fidiasie i jego spuściźnie są stosunkowo skąpe. Wśród posągów, które istnieją dzisiaj, nie ma ani jednej, która niewątpliwie należałaby do Fidiasza. Cała wiedza o jego twórczości opiera się na opisach starożytnych autorów, na badaniu późnych kopii, a także na zachowanych dziełach, które z większą lub mniejszą wiarygodnością przypisuje się Fidiaszowi.

Więcej o Fidiaszu http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Cóż, o reszcie przedstawicieli kultury starożytnej Grecji.

POLIKLETA
rzeźbiarz grecki z drugiej połowy V wieku pne NS. Twórca wielu statuetek, w tym zwycięzców gier sportowych, dla kultowych ośrodków sportowych Argos, Olimpii, Teb i Megalopolyi. Autor kanonu przedstawiającego ludzkie ciało w rzeźbie, zwanego „kanonem Polikleta”, zgodnie z którym głowa stanowi 1/8 długości ciała, twarz i dłonie 1/10, a stopa 1 /6. Kanon był obserwowany w rzeźbie greckiej do końca, tzw. epoka klasyczna, czyli do końca IV wieku. pne e. kiedy Lysippos ustanowił nowe zasady. Jego najbardziej znanym dziełem jest „Dorifor” (Włócznik). To jest z encyklopedii.

Polikleta. Dorifor. Muzeum Puszkina. Gipsowa kopia.

PRXITER

AFRODYTA Z KNIDY (rzymska kopia oryginału z IV wieku p.n.e.) Rzym, Muzea Narodowe (odrestaurowana głowa, ręce, nogi, draperia)
Jednym z najbardziej znanych dzieł w rzeźbie antycznej jest Afrodyta z Knidos, pierwsza antyczna rzeźba grecka (wysokość 2 m) przedstawiająca nagą kobietę przed kąpielą.

Afrodyta z Knidos, (Afrodyta Braschi) kopia rzymska, I wiek. PNE. Glyptotek, Monachium

Afrodyta z Knidos. Marmur średnioziarnisty. Tułów jest rzymską kopią z II wieku p.n.e. n. egipska kopia Muzeum Puszkina
Według Pliniusza mieszkańcy wyspy Kos zamówili dla miejscowego sanktuarium posąg Afrodyty. Praxitel wykonał dwie opcje: nagą boginię i ubraną boginię. Za obie statuetki Praksyteles naliczył tę samą opłatę. Klienci nie ryzykowali i wybrali wersję tradycyjną, z drapowaną postacią. Jego kopie i opisy nie zachowały się i popadł w zapomnienie. A mieszkańcy miasta Knidos, którzy pozostali w pracowni rzeźbiarki Afrodyty z Knidos, zostali wykupieni przez mieszkańców miasta Knidos, co sprzyjało rozwojowi miasta: do Knidos zaczęli napływać pielgrzymi, zwabieni przez słynna rzeźba. Afrodyta stała w świątyni pod gołym niebem, widocznej ze wszystkich stron.
Afrodyta z Knidos cieszyła się taką sławą i była tak często kopiowana, że ​​opowiadano o niej nawet anegdotę, która stanowiła podstawę epigramatu: „Widząc Cyprida na Knidos, Cypriasz nieśmiało powiedział: „Biada mi, gdzie Praksyteles widział mnie nago? "
Praksyteles stworzył boginię miłości i piękna jako uosobienie ziemskiej kobiecości, inspirowane wizerunkiem swojej ukochanej, pięknej Phryne. Rzeczywiście, twarz Afrodyty, choć stworzona zgodnie z kanonem, z sennym spojrzeniem ospałych, zacienionych oczu, nosi w sobie odcień osobowości wskazujący na konkretny oryginał. Stworzywszy niemal portretowy obraz, Praxitel spojrzał w przyszłość.
Przetrwała romantyczna legenda o związku Praksytelesa z Phryne. Mówią, że Phryne poprosiła Praxitela, by dał jej swoją najlepszą pracę na znak miłości. Zgodził się, ale nie chciał powiedzieć, który z posągów uważa za najlepszy. Następnie Phryne nakazał służącemu poinformować Praksytelesa o pożarze w warsztacie. Przerażony mistrz wykrzyknął: „Jeśli płomień zniszczył zarówno Erosa, jak i Satyra, wszystko stracone!” Więc Phryne dowiedziała się, o jaką pracę może poprosić Praksytelesa.

Praxitel (przypuszczalnie). Hermes z dzieckiem Dionizos IV w. PNE. Muzeum w Olimpii
Rzeźba „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem” jest charakterystyczna dla późnego okresu klasycznego. Nie uosabia siły fizycznej, jak to było wcześniej w zwyczaju, ale piękna i harmonii, powściągliwej i lirycznej komunikacji międzyludzkiej. Przedstawianie uczuć, życia wewnętrznego postaci jest nowym zjawiskiem w sztuce starożytnej, nie charakterystycznym dla wysokiej klasyki. Męskość Hermesa podkreśla niemowlęcy wygląd Dionizosa. Zakrzywione linie postaci Hermesa są pełne wdzięku. Jego silne i rozwinięte ciało pozbawione jest atletyki tkwiącej w twórczości Polikleta. Wyraz twarzy, choć pozbawiony indywidualnych cech, jest miękki i przemyślany. Włosy ufarbowano i związano srebrną opaską.
Praksyteles osiągnął uczucie ciepła ciała dzięki subtelnemu modelowaniu powierzchni marmuru iz wielką umiejętnością przeniósł w kamieniu tkaninę „peleryny” Hermesa i Dionizosa.

SCOPAS

Muzeum w Olimpii, Skopas Menada Redukcja rzymska kopia oryginalnej pierwszej tercji IV wieku
Skopas to starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne e., przedstawiciel późnej klasyki. Urodzony na wyspie Paros, pracował w Teges (obecnie Piali), Halikarnasie (obecnie Bodrum) i innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Jako architekt brał udział w budowie świątyni Ateny Alei w Tegei (350-340 p.n.e.) i mauzoleum w Halikarnasie (poł. IV w. p.n.e.). Wśród autentycznych dzieł S., które do nas dotarły, najważniejszy jest fryz mauzoleum w Halikarnasie z wizerunkiem Amazonomachii (poł. IV w. p.n.e.; wraz z Briaxis Leocharomi Timothy; fragmenty - w języku angielskim) Muzeum, Londyn; zob. il.). Liczne dzieła S. znane są z kopii rzymskich (Potos, Młody Herkules, Meleager, Menada, zob. ryc.). Porzuciwszy charakterystykę sztuki V wieku. harmonijny spokój obrazu, S. zwrócił się do przekazywania silnych przeżyć emocjonalnych, walki namiętności. Aby je ucieleśnić, S. zastosował dynamiczną kompozycję i nowe metody interpretacji szczegółów, zwłaszcza rysów twarzy: głęboko osadzone oczy, fałdy na czole, otwarte usta. Przesycone dramatycznym patosem twórczość S. wywarła wielki wpływ na rzeźbiarzy kultury hellenistycznej (zob. kultura hellenistyczna), w szczególności na twórczość mistrzów III i II wieku, którzy pracowali w Pergamonie.

LISIPP
Lysippos urodził się około 390 roku w Sycyonie na Peloponezie, a jego twórczość reprezentuje już późniejszą, helleńską część sztuki starożytnej Grecji.

Lysippos. Herkules z lwem. Druga połowa IV wieku pne NS. Kopia z marmuru rzymskiego po oryginale z brązu. Petersburg, Ermitaż.

LEOCHAR
Leohar to starożytny grecki rzeźbiarz z IV wieku. pne BC, który w latach 350. współpracował ze Skopasem przy dekoracji rzeźbiarskiej Mauzoleum w Halikarnasie.

Leochares Artemis of Versailles (MR. Kopia z I-II w. z oryginału ok. 330 w. p.n.e.) Paryż, Luwr

Leohar. Apollo Belvedere To ja z nim w Watykanie. Wybaczcie wolność, ale w ten sposób łatwiej nie ściągnąć gipsowej kopii.

A potem był hellenizm. Znamy go dobrze z Wenus (w „greckiej” Afrodycie) Milosa i Nike z Samotraki, które są przechowywane w Luwrze.

Wenus z Milo. Około 120 pne Żaluzja.

Nika z Samotraki. OK. 190 pne NS. Żaluzja

Starożytna Grecja była jednym z największych państw świata. W czasie jego istnienia i na jego terenie położono podwaliny sztuki europejskiej. Zachowane zabytki kultury z tego okresu świadczą o najwyższych osiągnięciach Greków w dziedzinie architektury, myśli filozoficznej, poezji i oczywiście rzeźby. Zachowało się tylko kilka oryginałów: czas nie oszczędza nawet najbardziej wyjątkowych kreacji. Wiele wiemy o kunszcie, z którego słynęli starożytni rzeźbiarze, dzięki źródłom pisanym, a później rzymskim kopiom. Jednak ta informacja wystarczy, aby zrozumieć znaczenie wkładu mieszkańców Peloponezu w kulturę światową.

Okresy

Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie zawsze byli wielkimi twórcami. Rozkwit ich umiejętności poprzedził okres archaiczny (VII-VI wiek p.n.e.). Rzeźby z tamtych czasów, które do nas dotarły, wyróżniają się symetrią i statycznym charakterem. Brakuje im tej witalności i ukrytego wewnętrznego ruchu, który sprawia, że ​​posągi wyglądają jak zamarznięci ludzie. Całe piękno tych wczesnych prac wyraża się poprzez twarz. Nie jest już tak statyczny jak ciało: uśmiech promieniuje radością i spokojem, nadając całej rzeźbie szczególny dźwięk.

Po zakończeniu archaizmu następuje najbardziej owocny czas, w którym starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji stworzyli swoje najsłynniejsze dzieła. Jest podzielony na kilka okresów:

• wczesna klasyka - początek V wieku pne NS.;
• wysoka klasyka - V wiek pne NS.;
• późny klasyk - IV wiek. pne NS.;
• Hellenizm - koniec IV wieku pne NS. - I wiek. n. NS.

Czas przejścia

Wczesna klasyka to okres, w którym rzeźbiarze starożytnej Grecji zaczęli odchodzić od statyki w pozycji ciała, w poszukiwaniu nowych sposobów wyrażania swoich idei. Proporcje wypełniają naturalne piękno, pozy stają się bardziej dynamiczne, a twarze wyraziste.

W tym okresie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron. W źródłach pisanych określany jest jako mistrz oddania anatomicznie poprawnej budowy ciała, zdolny do uchwycenia rzeczywistości z dużą dokładnością. Współcześni Mirona również wskazywali na jego wady: ich zdaniem rzeźbiarz nie umiał dodać piękna i ożywienia twarzom swoich dzieł.

Posągi mistrza uosabiają bohaterów, bogów i zwierzęta. Jednak największą preferencję miał rzeźbiarz starożytnej Grecji, Myron, wizerunek sportowców podczas ich osiągnięć w zawodach. Jego dziełem jest słynny „Discobolus”. Rzeźba nie zachowała się do dziś w oryginale, ale istnieje kilka jej kopii. „Discobolt” przedstawia sportowca przygotowującego się do wystrzelenia pocisku. Ciało sportowca jest znakomicie wykonane: napięte mięśnie wskazują na powagę dysku, skręcone ciało przypomina gotową do rozłożenia sprężynę. Wygląda na to, że jeszcze sekunda i sportowiec rzuci pocisk.

Posągi „Atena” i „Marsjasz”, które również spłynęły do ​​nas dopiero w postaci późniejszych kopii, również uważane są za wspaniale wykonane przez Myrona.

Kwitnący

Przez cały okres wysokiej klasyki pracowali wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji. W tym czasie mistrzowie tworzenia płaskorzeźb i posągów rozumieją zarówno sposoby przekazywania ruchu, jak i podstawy harmonii i proporcji. Wysoka klasyka - okres kształtowania się tych podstaw rzeźby greckiej, która później stała się standardem dla wielu pokoleń mistrzów, w tym dla twórców renesansu.

W tym czasie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Poliklet i genialny Fidiasz. Obie sprawiły, że ludzie podziwiali się za życia i nie zostały zapomniane od wieków.

Spokój i harmonia

Poliklet działał w drugiej połowie V wieku. pne NS. Jest znany jako mistrz rzeźby przedstawiającej sportowców w stanie spoczynku. W przeciwieństwie do „Discoball” Mirona, jego sportowcy nie są spięci, ale zrelaksowani, ale jednocześnie widz nie ma wątpliwości co do ich siły i możliwości.

Polikletus jako pierwszy zastosował specjalną pozycję ciała: jego bohaterowie często opierali się na piedestale tylko jedną nogą. Taka postawa wytworzyła uczucie naturalnego odprężenia tkwiące w odpoczywającej osobie.

Kanon

Za najsłynniejszą rzeźbę Polikleta uważa się „Dorifor”, czyli „Włócznik”. Dzieło nazywane jest też kanonem mistrza, gdyż zawiera niektóre postanowienia pitagoreizmu i jest przykładem szczególnego sposobu inscenizacji figury, kontrapostu. Kompozycja opiera się na zasadzie krzyżowych nierówności ruchu ciała: lewa strona (ręka trzymająca włócznię i noga wyciągnięta do tyłu) jest rozluźniona, ale jednocześnie w ruchu, w przeciwieństwie do napiętej i statycznej prawej strony ( noga podpierająca i ramię wyciągnięte wzdłuż ciała).

Podobną technikę stosował Poliklet w wielu swoich pracach. Jej główne zasady określa traktat o estetyce, który do nas nie dotarł, napisany przez rzeźbiarza i nazwany przez niego „Kanonem”. Dość duże miejsce w nim zajęła zasada, którą z powodzeniem stosował również w swoich pracach, gdy zasada ta nie była sprzeczna z naturalnymi parametrami ciała.

Uznany geniusz

Wszyscy starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji w czasach wysokiej klasyki pozostawili po sobie godne podziwu dzieła. Jednak najwybitniejszym z nich był Fidiasz, słusznie uważany za twórcę sztuki europejskiej. Niestety większość dzieł mistrza przetrwała do dziś jedynie jako kopie lub opisy na kartach traktatów starożytnych autorów.

Fidiasz pracował nad dekoracją ateńskiego Partenonu. Dziś ideę kunsztu rzeźbiarza można podsumować zachowaną marmurową płaskorzeźbą o długości 1,6 m. Przedstawia ona licznie zabitych pielgrzymów zmierzających do pozostałych dekoracji Partenonu. Ten sam los spotkał posąg Ateny, zainstalowany tutaj i stworzony przez Fidiasza. Bogini wykonana z kości słoniowej i złota symbolizowała samo miasto, jego potęgę i wielkość.

Cud świata

Być może inni wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji nie ustępowali Fidiaszowi, ale żaden z nich nie mógł się pochwalić stworzeniem cudu świata. Olympic został wykonany przez mistrza dla miasta, w którym odbywały się słynne igrzyska. Uderzająca była wysokość Gromowładcy, siedzącego na złotym tronie (14 metrów). Mimo takiej mocy Bóg nie wyglądał groźnie: Fidiasz stworzył spokojnego, majestatycznego i poważnego Zeusa, nieco surowego, ale jednocześnie życzliwego. Przed śmiercią posąg przez dziewięć wieków przyciągał wielu pielgrzymów szukających pocieszenia.

Późny klasyk

Z końcem V wieku. pne NS. rzeźbiarze starożytnej Grecji nie wyschli. Nazwy Skopas, Praksyteles i Lysippos znane są każdemu, kto interesuje się sztuką antyczną. Pracowali w następnym okresie, zwanym późną klasyką. Dzieła tych mistrzów rozwijają i uzupełniają dorobek poprzedniej epoki. Każdy na swój sposób przekształca rzeźbę, wzbogacając ją o nowe wątki, sposoby pracy z materiałem i możliwości przekazywania emocji.

Gotowanie namiętności

Scopas można nazwać innowatorem z kilku powodów. Wielcy rzeźbiarze starożytnej Grecji, którzy go poprzedzali, woleli używać brązu jako materiału. Skopas tworzył swoje dzieła głównie z marmuru. Zamiast tradycyjnego spokoju i harmonii, które wypełniały jego dzieła starożytnej Grecji, mistrz wybrał ekspresję. Jego kreacje są pełne pasji i doświadczeń, bardziej przypominają prawdziwych ludzi niż niewzruszonych bogów.

Najbardziej znanym dziełem Skopasa jest fryz mauzoleum w Halikarnasie. Przedstawia Amazonomachię - walkę bohaterów greckich mitów z wojowniczymi Amazonkami. Główne cechy stylu tkwiące w mistrzu są wyraźnie widoczne w zachowanych fragmentach tego dzieła.

Gładkość

Inny rzeźbiarz tego okresu, Praksyteles, uważany jest za najlepszego mistrza greckiego w przekazywaniu łaski ciała i duchowości wewnętrznej. Jedno z jego wybitnych dzieł - Afrodyta z Knidos - zostało uznane przez współczesnych mistrzowi za najlepsze dzieło, jakie kiedykolwiek stworzono. bogini stała się pierwszym monumentalnym przedstawieniem nagiego kobiecego ciała. Oryginał do nas nie dotarł.

Osobliwości stylu Praksytelesa są w pełni widoczne w posągu Hermesa. Mistrzowi udało się stworzyć nieco senny nastrój, dosłownie otulając rzeźbę, specjalną inscenizacją nagiego ciała, gładkością linii i miękkością półtonów marmuru.

Dbałość o szczegóły

Pod koniec epoki klasycznej pracował inny słynny rzeźbiarz grecki, Lysippos. Jego kreacje wyróżniały się szczególnym naturalizmem, starannym badaniem szczegółów, pewnym wydłużeniem proporcji. Lysippos dążył do tworzenia posągów pełnych wdzięku i elegancji. Swoje umiejętności doskonalił, studiując kanon Polikleta. Współcześni zwracali uwagę, że prace Lysippos, w przeciwieństwie do „Dorifor”, sprawiały wrażenie bardziej zwartych i wyważonych. Według legendy mistrz był ulubionym twórcą Aleksandra Wielkiego.

Wpływ Wschodu

Nowy etap w rozwoju rzeźby rozpoczyna się pod koniec IV wieku. pne NS. Za granicę między tymi dwoma okresami uważa się czas podbojów Aleksandra Wielkiego. Od nich właściwie zaczyna się era hellenizmu, który był połączeniem sztuki starożytnej Grecji i krajów wschodnich.

Rzeźby z tego okresu oparte są na dokonaniach mistrzów minionych wieków. Sztuka hellenistyczna dała światu takie dzieła jak Wenus z Milo. W tym samym czasie pojawiły się słynne płaskorzeźby ołtarza pergamońskiego. W niektórych pracach późnego hellenizmu zauważalne jest odwoływanie się do codziennych tematów i detali. Kultura starożytnej Grecji tego czasu miała silny wpływ na kształtowanie się sztuki Cesarstwa Rzymskiego.

Wreszcie

Nie można przecenić znaczenia starożytności jako źródła ideałów duchowych i estetycznych. Starożytni rzeźbiarze w starożytnej Grecji położyli nie tylko podwaliny własnego rzemiosła, ale także standardy zrozumienia piękna ludzkiego ciała. Udało im się rozwiązać problem przedstawiania ruchu poprzez zmianę postawy i przesunięcie środka ciężkości. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji nauczyli się przekazywać emocje i uczucia za pomocą przetworzonego kamienia, tworzyć nie tylko posągi, ale praktycznie żywe postacie, gotowe w każdej chwili poruszać się, oddychać, uśmiechać się. Wszystkie te osiągnięcia będą stanowić podstawę rozkwitu kultury w okresie renesansu.

Grecja osiągnęła najwyższy punkt rozwoju gospodarczego, politycznego i kulturalnego w połowie V wieku. PNE. po zwycięstwie odniesionym przez sojusz miast greckich nad potężną Persją.
Zmysłowa przeciętność i racjonalność stapiają się w stylu greckiej klasyki.
„Kochamy piękno bez fantazji i mądrość bez delikatności”- powiedział Perykles. Grecy cenili racjonalność, równowagę i miarę, ale jednocześnie dostrzegali siłę namiętności i zmysłowych radości.
Kiedy teraz mówimy „sztuka starożytna”, wyobrażamy sobie sale muzealne wypełnione posągami i zawieszone na ścianach z fragmentami płaskorzeźb. Ale wtedy wszystko wyglądało inaczej. Choć Grecy posiadali specjalne budynki do przechowywania obrazów (pinakotek), zdecydowana większość dzieł sztuki nie prowadziła muzealnego trybu życia. Posągi stały pod gołym niebem, oświetlone słońcem, w pobliżu świątyń, na placach, nad brzegiem morza; procesje i święta, w ich pobliżu odbywały się zawody sportowe. Podobnie jak w epoce archaicznej rzeźba była kolorowana. Świat sztuki był żywym, lekkim światem, ale doskonalszym.

rzeźba grecka częściowo ocalał w ruinach i fragmentach. Większość posągów jest nam znana z kopii rzymskich, które były wykonywane w dużych ilościach, ale często nie oddawały piękna oryginałów. Rzymianie przerabiali przedmioty z brązu na śnieżnobiały marmur, ale sam marmur posągów greckich był inny - żółtawy, świetlisty (nacierany woskiem, co nadało mu ciepły odcień).
Bitwy, walki, bohaterskie czyny... Sztuka wczesnych klasyków pełna jest tych wojowniczych tematów. Na przykład słynne przykłady greckiej rzeźby w skarbiec Sifnos w Delfach... Północny fryz poświęcony gigantomachii: bitwie bogów z gigantami. Hefajstos wysadza kuźnię, aby wznieść wiatry przeciwko Gigantom, Kybele rządzi rydwanem ciągniętym przez lwy, z których jeden dręczy Olbrzyma. Bliźniaczki Artemis i Apollo walczą ramię w ramię…

Innym ulubionym zestawem motywów jest sport. Tematyka walk wręcz, zawodów jeździeckich, zawodów biegowych, rzutów dyskiem uczyła rzeźbiarzy dynamicznego przedstawiania ludzkiego ciała. Teraz pojawiają się złożone pozy, odważne kąty kamery, zamaszyste gesty. Najjaśniejszym innowatorem był rzeźbiarz na poddaszu myron.Więc jego sławny „Rzutnik dyskietek”... Zawodnik pochylił się i zamachnął przed rzuceniem, sekunda - a dysk poleci, zawodnik wyprostuje się. Ale na tę sekundę jego ciało zamarło w bardzo trudnej, ale zrównoważonej pozycji.

Statuła z Bronzu „Auriga” znaleziony w Delfach jest jednym z niewielu dobrze zachowanych greckich oryginałów. Należy do wczesnego okresu stylu surowego – ok. 550 tys. 470 pne Ten młody człowiek stoi bardzo wyprostowany (stał na rydwanie i rządził kwadrygą koni), jego bose stopy, fałdy długiej tuniki przypominają głębokie flety kolumn doryckich, jego głowa jest szczelnie okryta posrebrzanym bandażem, jego inkrustowane oczy wyglądają, jakby były żywe. Jest powściągliwy, spokojny, a jednocześnie pełen energii i woli. Jak każda wybitna rzeźba, „Auriga” pod różnymi kątami ukazuje zupełnie inny stopień koncentracji i aspekt przekazywania emocji. W tej jednej figurze z brązu, z mocnym, odlanym tworzywem, można odczuć pełnię godności ludzkiej, tak jak to rozumieli starożytni Grecy.

W ich sztuce na tym etapie dominowały odważne obrazy, ale na szczęście zachowała się piękna płaskorzeźba z wizerunkiem wynurzającej się z morza Afrodyty - rzeźbiarski tryptyk, którego górna część została odbita.

W centralnej części z fal wyłania się bogini piękna i miłości, „zrodzona z piany”, podtrzymywana przez dwie nimfy, które skromnie osłaniają ją lekkim welonem. Jest widoczny do pasa. Jej ciało i ciała nimf prześwitują przez przezroczyste tuniki, fałdy jej ubrań spływają kaskadą jak strumienie wody, jak muzyka. W bocznych częściach tryptyku znajdują się dwie postacie kobiece: jedna naga, grająca na flecie; druga, owinięta welonem, zapala świecę ofiarną. Pierwsza jest heteroseksualna, druga to żona, strażniczka paleniska, jak dwie twarze kobiecości, obie pod auspicjami Afrodyty.

Podziw Greków dla piękna i mądrego ułożenia żywego ciała był ogromny. Język ciała był także językiem duszy. Grecy opanowali sztukę przekazywania „typowej” psychologii, wyrażali bogatą gamę ruchów mentalnych opartych na uogólnionych typach ludzkich. To nie przypadek, że portrety w starożytnej Grecji były stosunkowo słabo rozwinięte.

Wielki kunszt osiągnięty przez sztukę grecką w V wieku jest nadal żywy w IV wieku, dzięki czemu najbardziej natchnione zabytki artystyczne późnej klasyki są oznaczone tą samą pieczęcią najwyższej doskonałości.

Skopas, Praksyteles i Lysippos- najwybitniejsi greccy rzeźbiarze późnej klasyki. Pod względem wpływu, jaki wywarli na cały późniejszy rozwój sztuki starożytnej, dzieło tych trzech geniuszy można porównać z rzeźbami z Partenonu. Każdy z nich wyrażał swoje żywe, indywidualne postrzeganie świata, swój ideał piękna, swoje rozumienie doskonałości, które poprzez osobiste, tylko przez siebie objawione, osiąga wieczne – uniwersalne, wyżyny. I znowu, w pracy każdego, to osobiste jest zgodne z epoką, ucieleśniając te uczucia, te pragnienia współczesnych, które najbardziej odpowiadały jego własnym. Duchowa wytrzymałość i energia, jaką tchnie sztuka wczesnych i dojrzałych klasyków, stopniowo ustępuje miejsca dramatycznemu patosowi Skopasa czy lirycznej kontemplacji Prakitela.
Artyści IV wieku. przyciągają po raz pierwszy urok dzieciństwa, mądrość starości, wieczny urok kobiecości.

Praxitel słynął ze szczególnej miękkości rzeźbienia i umiejętności obróbki materiału, zdolności oddania ciepła żywego ciała w zimnym marmurze. Jedyny zachowany oryginał Praksytelesa jest uważany za marmurowy posąg „Hermes z Dionizosem” znaleziony w Olimpii.
Niewiele też jest prawdziwych dzieł dłuta Skopasa, ale nawet za tymi fragmentami kryje się pasja i impuls, niepokój, walka z wrogimi siłami, głębokie wątpliwości i bolesne przeżycia. Wszystko to było oczywiście charakterystyczne dla jego natury, a jednocześnie żywo wyrażało pewne nastroje jego czasów. Częściowo zachowały się płaskorzeźby fryzu mauzoleum w Halikarnasie (Azja Mniejsza).

"Menada" cieszyła się wielką sławą wśród współczesnych. Skopas przedstawił burzę tańca dionizyjskiego, napinającą całe ciało Maenady, wyginając jej tors, odrzucając głowę do tyłu. Misteria Dionizosa mogły odbywać się tylko raz na dwa lata i tylko na Parnasie, ale w tym czasie szalone Bachantki odrzuciły wszelkie konwencje i zakazy.
Uroczystości te były bardzo starym zwyczajem, podobnie jak sam kult Dionizosa, jednak w sztuce żywioły nie eksplodowały wcześniej z taką siłą i otwartością, jak w posągu Skopasa, i to oczywiście było symptomem czasu.

Lysippos tworzył rzeźby w skomplikowanych ruchach, licząc na krążenie wokół posągu po okręgu, z równą starannością traktując ich powierzchnie. Odwrócenie postaci w kosmosie było pionierskim osiągnięciem Lysipposa. Był nieskończenie różnorodny w wymyślaniu motywów plastycznych i był bardzo płodny. Pracując wyłącznie z brązu, Lysippos w planie opowieści preferował postacie męskie; jego ulubionym bohaterem był Herkules.
Nie zachowało się ani jedno oryginalne dzieło rzeźbiarza, ale istnieje dość duża liczba kopii i powtórzeń, które dają przybliżony obraz stylu mistrza.
Inni rzeźbiarze starali się podtrzymywać tradycje dojrzałej klasyki, wzbogacając je wielką gracją i złożonością.

Tą ścieżką podążał Leochares, który stworzył posąg Apolla Belvedere. Rzeźba ta przez długi czas była uważana za szczyt sztuki antycznej, „bożek Belwederu” był synonimem estetycznej perfekcji. Jak to często bywa, wysokie pochwały wywołały z czasem odwrotną reakcję. Zaczęli uważać ją za pompatyczną i maniery. Tymczasem Apollo Belvedere- praca jest naprawdę wybitna pod względem plastycznych; w postaci i chodzie władcy muz łączą się siła i wdzięk, energia i lekkość, chodząc po ziemi, jednocześnie unosi się nad ziemią. Aby osiągnąć taki efekt, potrzebne były wyrafinowane umiejętności rzeźbiarza; jedyny problem polega na tym, że kalkulacja efektu jest zbyt oczywista. Apollo Leohara jakby zapraszał do podziwiania jego piękna, aw dobie późnej klasyki bardzo doceniono wirtuozowskie wykonanie.