Rembrandt Harmiers Wang Rhine Podstawowe kreacje. Słynne obrazy Rembrandt Wang Raina

Rembrandt Harmens Wang Rhine (Notherl Udało mu się ucieleić w swoich pracach całe spektrum ludzkich doświadczeń z takim nasyceniem emocjonalnym, którego sztuka wizualna nie znała przed nim. Praca Rembrandta, niezwykle zróżnicowana przez przynależność gatunku, otwórz publiczność ponadczasowy duchowy świat doświadczeń ludzkich i uczuć.

Rembrandt Harmenszon ("Son Harmen") Wang Rhine urodził się 15 lipca 1606 r. (Według niektórych danych w 1607 r.) W dużej rodzinie bogatego właściciela Harmen Gertatson Van Raina w Leiden. Rodzina matki nawet po holenderskiej rewolucji zachowała lojalność wobec religii katolickiej.

W Leiden Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na Uniwersytecie, ale pokazał największe zainteresowanie malarstwem. W wieku 13 lat został dowiedział się od sztuk wizualnych do historycznego malarza Leidena Jacob Van Svanbühurh, Katolicki w wierze. Naukowcy nie mogli znaleźć pracy Rembrandt związanej z tym okresem, więc kwestia wpływu Svanbühur do utworzenia kreatywnego sposobu Rembrandta pozostaje otwarte: Zbyt mało wiadomo dzisiaj o tej Leiden Artist.

W 1623 r. Rembrandt studiował w Amsterdamie w Piotrze Lastmana, który minął staż we Włoszech i specjalizuje się w historycznych, mitologicznych i biblijnych działkach. Wracając w 1627 r. W Leiden, Rembrandt, wraz z innym Liveniez, otworzył własny warsztat i zaczął rekrutować uczniów. Od kilku lat zdobył szeroką sławę.

Lastman uzależnienie od ruchu i szczegółów wykonanych miał ogromny wpływ na młodego artysty. Wyraźnie wynika z pierwszych zachowanych prac - "łamanie kamieni św. Stephen "(1629)," Scena z historii starożytnej "(1626) i" Chrzest Enun "(1626). W porównaniu z jego dojrzałymi pracami są niezwykle kolorowe, artysta stara się starannie odpisywać każdy szczegół świata materialnego, jak to możliwe, aby przenieść egzotyczną sytuację historii biblijnej. Prawie wszyscy bohaterowie pojawiają się przed publicznością ubrani w dziwacznych wschodnich strojach, połysk z klejnotami, które tworzą atmosferę większości, paradanizmu, święta ("alegoria muzyki", 1626; "Dawid przed Saulem", 1627).

Ostateczne dzieła okresu - "Tovit i Anna", "Valaama i Oskina" - odzwierciedlają nie tylko bogate fantazję artysty, ale jego pragnienie, jak można wyrazisto przekazać dramatyczne doświadczenia swoich bohaterów. Podobnie jak inni mistrzowie barokowych, zaczyna rozumieć wartość ostro przyklejonego oświetlenia do nadawania emocji. Jego nauczyciele w stosunku do pracy z światłem byli Utrecht Karavadzthists, ale nawet bardziej koncentruje się na pracach Adama Elsheimera - Niemiec, który pracował we Włoszech. Najbardziej karawaggista na temat wykonania płótna Rembrandta - "Przypowieści o nierozsądnym bogatszym" (1627), "Symeon i Anna w świątyni" (1628), "Chrystus w Emmaus" (1629).

Ta grupa przylega do malowania "artysta w jego warsztacie" (1628; być może jest to autoportret), w którym artysta zdobył w warsztacie w czasie rozważania własnego stworzenia. Płótno, nad którymi trwa praca, jest doprowadzana do czołówek obrazu; W porównaniu z nim sam autor wydaje się być krasnoludem.

Jednym z nierozwiązanych pytań kreatywnej biografii Rembrandta jest jego artystyczna rolka z liczeń. Praca obok siebie, wielokrotnie przejęli tę samą działkę jak na przykład Samson i Dalila (1628/1629) lub "Zmartwychwstanie Lazarus" (1631). Częściowo oboje rozciągali się ponad Rubens, którzy następnie usłyszali najlepszy artysta całej Europy, czasami Rembrandt pożyczył artystyczne znaleziska o livez, czasami sprawa była dokładnie odwrotnie. Z tego powodu rozróżnienie pracy Rembrandta i Livenza 1628-1632 stanowi dobrze znane trudności dla historyków sztuki. Wśród innych znanych prac - Valaam Ollian (1626 g).

Jest to część artykułu Wikipedii stosowanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

Rembrandt urodził się w Leiden, w rodzinie całkiem zamożnego właściciela młyna. Najpierw studiowałem w szkole łacińskiej, a potem na krótki czas na Uniwersytecie Leiden, ale zostawiłem go do malowania najpierw z mało znanego lokalnego mistrza, a następnie w Amsterdam Artist Peter Londman.

Po krótkim badaniu, Rembrandt opuszcza dla swojego miasta, aby samodzielnie angażować się w malowanie we własnym warsztacie. To jest czas stania się artystą, kiedy lubił pracę Caravaggio. W tym okresie pisze wiele portretów członków swojej rodziny - matki, ojca, siostry i autoportretów. Już w tym czasie zwraca szczególną uwagę na zasięg i przeniesienie duchowych doświadczeń modeli. Młody artysta lubi ubierać je w różnych ubraniach, drapero w pięknych tkaninach, wspaniały przekazując ich teksturę i rozkwit.

W 1632 r. Rembrandt pozostawia dla Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, który naturalnie przyciąga młody artystę. Tutaj szybko osiąga sławę, ma wiele zamówień. Jednocześnie zwiększa swoją umiejętność z inspiracją. 30s - czas najwyższej chwały, której ścieżka została odkryta na obraz swojego dużego malowania niestandardowego "lekcji anatomii". Wszystkie postawy i działania na zdjęciu są naturalne, ale są pozbawione nadmiaru naturalizmu.

W 1634 r. Rembrandt poślubia dziewczynę z bogatej rodziny - Saskiy Van Eyyborh - a z tego pora dostaje się do kręgów patrycjuszyjskich. Najszczęśliwszy czas życia artysty rozpoczyna się: wzajemna namiętna miłość, materialne samopoczucie, masa rozkazów. Malarz często pisze młodą żonę: "Flora", "autoportret z kolanami Saskovy". Ale szczęście trwało długo. W 1642 r. Sasquia zmarła, pozostawiając małego syna Titusa.

Depresja moralna i opanowana pasja rembrant do zbierania stopniowo prowadziła go do ruiny. Przyczyniło się to do zmiany gustów publicznych, przeniesiony starannie zarejestrowany w lekkim obrazie. Rembrandt, nigdy nie gorsze od gustów klientów, był zainteresowany kontrastami światła i cienia, pozostawiając światło w pewnym momencie, reszta zdjęcia była w cieniu i na pół. Zamówienia mają mniej. Nowa dziewczyna Jego LIFE Hendrikier Staffels i jego syn Tytus założył artystę na handlu obrazami i antykami. Ale ich wysiłki były próżne. Przypadki pogorszyły się. Na początku 1660 r. Hendrik zmarł, a Cherch przez kilka lat i tytu.

Jednak, pomimo wszystkiego, artysta nadal pracuje. W tych szczególnie trudnych latach tworzy wiele wspaniałych dzieł: "Sindics", "Powrót marnotrawnego syna", wpływając na wewnętrzny dramat.

Największym artystą zmarł w skrajnym ubóstwie 4 października 1669 roku. Współcześni były chłodno zareagowane na tę stratę. Zajęło prawie dwieście lat, aby zapewnić, że moc realizmu Rembrandt, głęboką psychologię jego płótna, niesamowite malownicze umiejętności uniósł jego imię z zapomnienia i umieścić w wielu największych nazw światowych.

Flora - Włoska bogini kwiatów, młodzież. Kult flory jest jednym z najstarszych roślin Włoch, zwłaszcza plemię sabińskich. Rzymianie zidentyfikowali florę z greckim chlorkiem i obchodzone na cześć na wiosnę tzw. Florals, podczas których były zabawne gry, które sporadycznie sporadycznie czasami. Ludzie zdobili siebie i zwierzęta z kwiatami, kobiety umieszczone na jasnych sukienkach.
W sztuce starożytnej flora przedstawiła młodą kobietę z kwiatami w rękach lub rozpraszających kwiaty.

Wszystkie płótno przeniknęły ze szczerym smakiem! Autoportret przedstawia małżonkowie za radosną ucztę. Rembrandt, ogromny w porównaniu z jego cienką żoną, trzyma kolana i podnosi kryształową filiżankę piankowanego wina. Wydaje się, że są zachwyceni zaskoczeniem, w intymnym otoczeniu bicia nad krawędzią życia.

Rembrandt, w bogatym garniturze wojskowym ze złoconym opatrunkiem i rapier z boku, wygląda jak jakaś najeźdźca na buty, zabawy z dziewczyną. Nie pomywa, że \u200b\u200btaka rozrywka może być uważana za znak złego tonu. On wie tylko, że jego żona jest kochana, a zatem jest piękna w jego luksusowych wojskach, jedwabnej spódnicy, wspaniałym zezcie i szlachetnym naszyjnikowym i że każdy powinien ją podziwiać. Nie boi się wydawać się wulgarnym ani próżnym. Mieszka w królestwie marzeń i radości, z dala od ludzi, a on nie występuje mu, że można go wynająć. A wszystkie te uczucia są przenoszone do po prostu wyrazu błyszczącej powierzchni artysty, który osiągnął, jakby wszystkie towary ziemskie.

Obraz wyraża radość życia, świadomość młodzieży, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Po śmierci Saskovi w życiu Rembrandty, inna kobieta weszła, skromna pokojówka HenderCier Stalchfield, która uderzyła samotność Kreatora. Często ją napisał, ale w imion pracy, gdzie służył jako model, nigdy nie wspomniał o jej imieniu.

Opowieść o Patriarchu Biblijnego Józefa opowiedziana jest w Księdze Rodzaju.
Nawet w domu rodzicielskim Jacoba i Rachel ich ulubionego syna Józefa działa jako sen. Ojciec przydziela Józefa wśród braci, a one, zazdrosną o jego wyjątkową pozycję i piękne ubrania, sprzedają Józef do niewolnictwa do karawangerów zmierzających do Egiptu.
W Egipcie Józef służy jako niewolnik bogatych Velmazbi Potifara, głowy ochroniarzy faraona. Potifar zaufa Józefa całego domu, ale żona Potifary podejmuje próbę jego czystości, a Józef ucieka, pozostawiając swoje ubrania w rękach. Żona Potifary, zakochując się w Józefie, a bez osiągnięcia wzajemności oskarża go o gwałt.
W więzieniu, gdzie Iosif wysłał, razem z nim jest bolodar i król Vinorrelpius. Józef interpretuje swoje marzenia, zgodnie z którym zostaną wykonane Kholwater, a Vinurperpius jest zapoznany za trzy dni. Proroctwo Józefa jest spełnione, a Vorolrypia przypomina go, gdy egipscy kapłani uważają, że trudno jest zinterpretować sen o faraona około siedmiu grubych krów, ożeniących się z siedmioma Tonchi i około siedmiu dobrych spikelets. Spowodowane przez więzienie Józefa popycha sen jako przedstreszczenie, że po kolejnych siedmiu latach dobrych żniwa przyjdzie siedem okrutnych mieszkańców. Doradza faraonowi wyznaczyć powiernika do tworzenia zapasów na głód.
Faraon wyznacza zaufanej twarzy Józefa, fałszując go z Perrstą, daje mu egipskie imię, a w swojej żonie - egipskiej AISA, córce kapłana z Heliopolu.

Samson uwielbiał wędrować po kraju i raz dotarł do miasta Fimnaf. Tam zakochał się w fantastycznej Filistynie i chciał ją poślubić. Zakochał się do domu zacięł i poprosił rodziców, aby obudzić się ukochaną. Starzy ludzie chwycili głowę: syn i tak zranił ich dużo żalu, a teraz, ponadto postanowił poślubić zagraniczną, córkę Filistyny. Samson jednak stał sam. Rodzice nie mieli niczego - wzdłużnie ciężko, posłuszli kaprysy owciętnego syna. Samson stał się narzeczonym i od tego czasu często polegał na wizycie u rodziców panny młodej.
Pewnego dnia, kiedy Samson wesoło szedł ścieżką między winnicami, dotknął drogi do młodego rujnującego lwa. Silora złamał lew na strzępach i, jakby nic się nie wydarzyło w Fimnafie, nie powiedział nikomu o jego przygody. Wracając do domu, był zaskoczony, że rój pszczół gniazduje w ustach martwego lwa i dużo miodu został już zgromadzony. Samson przyniósł komórkę rodzicom, nie mówiąc słowo, gdzie ich wziął.
W Fimnafe, ściana przeszedł bezpiecznie, była duża uczta, all pogratulowała panny młodej i pan młody, mianowany dzień ślubu. Według Custom Filistine obchody ślubne trwa siedem dni.
Rodzice panny młodej, obawiając się niezwykłej mocy Samsona, przywiązani do niego w roli przyjaźni małżeńskiej trzydziestu młodych silnych Phigris. Samson, patrząc na "strażników" z uśmiechem, zaoferował im, aby rozwiązać zagadkę. Konieczne było rozwiązanie go pod koniec ślubu, w dniu siódmym.
Tajemnica brzmiała tak: "Od trucionego wyszedł z trujących, a słodko wyszedł z silnych". Oczywiście, nikt nie mógł rozwiązać tej zagadki, ponieważ nikt nie wiedział, że chodzi o pszczoły, nosząc nektar (pszczoły i są "baseny"), o miodzie ("nomoeo") i silny lew. Jednocześnie Samson ustawił warunki: jeśli zostanie rozwiązane, otrzymają 30 koszulek jako górnej sukience, a jeśli nie - zapłacą mu w ten sam sposób.
Niezależnione filistedowie pomyśleli trzy dni w tej dziwnej tajemnicy. Zdesperowane, poszli do swojej młodej żony i zagrozili, że jeśli nie dostanie odpowiedzi zagadki od męża, spaliliby ich siebie, a dom ojca. Naprawdę nie chciałem, aby Filistyni zapłacili bogatą Kusha Samsona.
Cunning i pieszczoty żona uruchomiła odpowiedź męża na zagadkę, a następnego dnia Filistyni dali właściwą odpowiedź. Zły Samson nie miał nic wspólnego, jak dać denominowany dług, a jego rodzice byli bardzo biedni. Potem zabił 30 Filistynów, a ich ubrania dały dług. Sam Samon, zdając sobie sprawę, że jego żona wydzieliła się, zatrzasnęła drzwi i znów wyszła do swoich rodziców.

Artemis (Artemis) - córka Zeusa i lata, siostra Apolla. Pierwotnie czczony jako bogini świata zwierząt i roślin. Jest "Lady of the Beasts", Tavropol (Bull Protector), Limnathis (Bolotnaya), niedźwiedzia (w tym pojawieniu czcili w Bavron). Później - bogini polowań, gór i lasów, patronka kobieca.
Artemis dorosła wieczne dziewictwo dla samego Zeusa. Sześćdziesiąt oceanidów i dwadzieścia hymili byli jej stałych towarzyszy na polowaniu, uczestnicy w jej grach i tańcu. Jego główną funkcją jest ochrona ustalonych zwyczajów, poświęcenia bogów, za naruszenie, które jest okrutnie karanowalna: jest to straszny i na Kalidon Królestwie, król AdMetta jest śmiertelnym węża. Chroni świat zwierząt, dzwoniąc do odpowiedzi na Hercules, który zabił Kerine LAN ze złotymi rogami, i domaga się krwawej ofiary na ofiarę zabił Agamemnon - jego córka IFigne (w ołtarzu ofiarnym artemis potajemnie zastąpiony przez Tsarevna Lanya i Nieszczęśliwy Jej kapłanka).
Artemis - Chastity obrońca. Ona patronuje polietki IPP, która gardziła, zamienia Acton, który przypadkowo widział boginię nago, w jeleniu, którego jego własne psy wybuchły, a Nimif Kalipso, naruszając ślubowanie w Medveditsie. Ma decydującą, nie toleruje rywalizacji, wykorzystuje swoje strzały jako instrument kary. Artemida, wraz z Apollem, zniszczył dzieci narodów, które było przed matką Bożych bogów z rodziną z synami i córkami rodzinnymi; Jej strzała uderzyła Orion, rozluźniła się, by konkurować z boginią.
Jako bogini roślinności, Artemida jest związana z płodnością. Ten kult był szczególnie rozprzestrzenił się w Efezie (Mała Azja), gdzie w jej honorze został zbudowany świątynia Artemisa Efeza (jeden z "Siedmiu cudów świata"), spalone przez Herostatom. Artemis był tutaj czczony jako podajnik bogini, "wielokrotność"; Jest patronką Amazonki.
Artemis był czczony jako bogini wojny. W Sparta, przed walką, bogini przyniósł kozę, a w Atenach rocznie w rocznicę bitwy maratońskiej (września-październik), pięćset kóz była karna.
Artemis często zbliżył się z bogini miesiąca (owce) lub bogini pełni księżyca (selen). Mit of Artemis-Selena, zakochany w przystojnym z endiza, który życzył wiecznej młodości i nieśmiertelności i otrzymał je w niekompletnym sen. Każdej nocy bogini zbliżyła się do Grotej Karabskiej Góry Latm, gdzie młody człowiek spał i podziwiał jego piękno.
Atrybut bogini - kołczanu za plecami, w rękach łuku lub pochodni; Towarzyszy mu sieć LAN lub łowiectwo.
W Rzymie, Artemis jest identyfikowany z lokalnym bóstwem Diany.

Artysta przedstawiony na obrazie Juno Sasquia, jego żona. Juno to starożytna rzymska bogini małżeństwa i narodzin, macierzyństwo kobiet i kobiecej wytrzymałości produkcyjnej. Patrone małżeństw, obuwia rodziny i orzeczeń rodzinnych. Naczelny atrybut tej bogini jest pośpiech, diadem, paw i kukuł. Rembrandt Peacock w lewym dolnym rogu obrazu.

W mitologii Biblii Valtsar był ostatnim królem Babilońskim, upadek Babilonu jest związany z jego nazwą. Pomimo oblężenia stolicy, KIROME, Króla i wszystkich mieszkańców, mając bogate zapasy produktów, mogą być nieostrożne, aby oddać życie.
Z okazji jednego małego święta Valstasar ułożył wspaniałą ucztę, która została zaproszona do tysięcy szlachta i dworzywa. Przy okazji, że miski pulpitu serwowane przez babylonian zdobywców z różnych podbiłych narodów, przy okazji i drogich naczyń z świątyni Jerozolimy. Jednocześnie, według zwyczajów starożytnych poganów, Babiloński Bogowie zostali uwielbieni, co zawsze były zwycięskie i zawsze będzie zwycięskie, pomimo wszystkich wysiłków Kiry i jego tajnych sojuszników, Żydów, z ich Jehową.
Ale tutaj, w środku piór na ścianie, ludzka ręka objawiła się i powoli zaczęła pisać kilka słów. Widząc ją, "Król zmienił się na jego twarzy, jego myśli były zdezorientowane, połączenia herbów stały się osłabione, a jedna klęka zaczęła pobić go z horroru". Zaprojektowany mądry ludzie nie przeczytał i wyjaśnili napis. Następnie, po radę królowej, starszy prorok Daniel został zaproszony, który zawsze pokazał niezwykłą mądrość. I naprawdę czytał napis, który w języku aramajskim był krótko czytany: "Mene, Tekomel, Urasin" Oznaczało: "Mene - Bóg obliczył twoje królestwo i położyłeś mu koniec; Tekel - zawieszony i znalazłeś bardzo łatwy; Urasin - podzielone królestwo jest twoje i podzielone przez MIDYANS i Persowie ".
Ta sama noc - kontynuuje narrację biblijną, - Valtasar, King Chalalan, został zabity.

Tovit - Izraelczycy, wyróżniający się sprawiedliwością w jego ojczystym kraju i nie opuścił pobożnego rządu asyryjskiego i generalnie przetrwał szereg testów, w tym ślepotę, która zakończyła go i jego potomstwa pełne błogosławieństwo Boga. Jego syn - Tovia, uzdrowił się z aniołem.

Abrahamowi i jego żonie, Sarre był Bogiem na obrazie trzech podróżnych, trzech pięknych młodych mężczyzn (ojciec Boga, Syn Bóg i Ducha Bog-Święta). Starsi małżonki mieli hojną gościnność. Po przyjęciu ucztę, Bóg ogłosił małżonków cudu: pomimo głębokiego starości, będą mieli syna, a ludzie świata zostaną błogosławione od niego, a wszystkie narody świata będą błogosławieni.

Jeden z najbardziej tajemniczych odcinków w Starym Testamencie.
Kiedy Jacob pozostaje jeden, ktoś pojawia się (jest zwyczajowo być jego aniołem) i walczy z nim całą noc. Angel nie może pokonać Jakuba, to dotyczy rdzenia biodrowego i boli go. Niemniej jednak Jacob wytrzymuje test i otrzymuje nową nazwę - Izrael, co oznacza ", który walczy Boga i pokonuje ludzi".
Dlatego pozę Jamesa i anioła, raczej objętych, a nie walczyć.

Fabuła z Ewangelii, ale artysta przedstawia jako życie zwykłych ludzi. Tylko aniołowie, malejącym do zmierzchu biednego mieszkania, przypomina nam, że nie jest to zwykła rodzina. Gest dłoni matki, składając baldachim, aby spojrzeć na śpiącego dziecka, koncentrując się na postaci Józefa - wszystko jest głęboko przemyślane. Prostota życia, a wygląd ludzi nie robią zdjęcia wyładunku. Rembrandt może zobaczyć codzienne życie życia, a nie zwykłe, ale głębokie i rosnące. Spokojna milczenie życia pracy, świętość macierzyństwa robi z tej płótnia.

Żydowski król Seul starał się zniszczyć młodego Dawida, obawiając się, że zabierze jego tron. Ostrzegany przez jego przyjaciela, Tsarevich Ionafan, zwycięzca Goliat David mówi pożegnanie z Jonathanem w Ston Azail (hebrajskie znaczenie - separacja, separacja.) Ionathan Surow i powściągliwy, jego twarz jest żałosna. David w rozpaczy przypada do piersi swojej przyjaciółki, jest niesamowity.

Według Biblii Virsavia była kobietą rzadkiego piękna. Tsar David, chodzenie po dachu swojego pałacu, widział na dole wiadra Waasevia. Jej mąż, Uria, znajduje się w czasie z dala od domu, w służbie w armii Dawida. Wilavia nie próbowała uwieść króla. Ale David został uwiedziony pięknem kąpieli i nakazał jej przynieść ją do pałacu. W wyniku ich relacji stała się w ciążę i urodziła syna Salomona. Później David napisał dowódcę armii, gdzie walczył Uriah, list, w którym nakazał Uriusz, gdzie byłoby "najsilniejszą bitwą i odwrót od niego, aby był zdumiony i zmarł".
Rzeczywiście, to się stało, a David następnie żonaty Virsavia. Ich pierwsze dziecko mieszkało zaledwie kilka dni. David wielokrotnie płakać w akcie.
Z całą wysoką pozycją ukochanej z żon, David Breysawi wziął miejsce w cieniu i zachowywał się w godnym sposobie. David Coronated Salomon, Son Bathsavia, do Królestwa. Virsavia była mądrą kobietą i zawsze miała nadzieję na Boga. W odniesieniu do Davida stała się wierną i kochającą żoną i dobrą matką dla swoich dzieci - Salomona i Nathana.

Jeden z ostatnich obrazów Rembrandt. To głęboki dramat psychologiczny. W płótnie z oszałamiającą siłą, wezwanie do głębokiej ludzkości, zatwierdzenie duchowej społeczności ludzi, piękno miłości rodzicielskiej.

Oto działka biblijna o zaburzonym synu, po długich wędrówkach, które powróciły do \u200b\u200bdomu Ojca. Cały pokój jest zanurzony w ciemności, tylko ojciec i syn są jasno oświetlone. Syn z śmieszną głową skazany, w szmatach, z boskim obcasem, z którym spadł dziury but, spadł na kolana i przycisnął do ojca, ukrywając twarz na piersi. Stary ojciec, oślepiony od żalu w oczekiwaniu na jego syna, czując go, rozpoznawał i wybacza mu, błogosławieństwo.

Artysta naturalnie i szczeryknie przekazuje całą mocę ojcowskiej miłości. W pobliżu znajdują się szczegółowe dane widzów, wyrażając niespodziankę i obojętność - są to członkowie społeczeństwa, które najpierw zepsute, a potem potępili syna marnotrawnego. Ale ojcowskie triumfuje nad ich obojętnością i wrogością.

Płótno stało się nieśmiertelne dzięki uniwersalnym uczuciom, wyrażone w nim - miłość rewizji, gorycz rozczarowań, straty, upokorzenia, wstyd i ciasto.

Jest to najlepszy produkt Rembrandta z 30s.

Obraz jest poświęcony wiecznym tematem miłości. Działka służyła jako mit o córce króla Akrismia Dana. Oracle przewidział dział bramki, że umrze z jego wnuka. Potem król na zawsze zaostrzył córkę do wieży. Ale Wszechmogący Zeus zmienił się w złoty deszcz i w takiej formie wszedł do Dany i stał się jej ukochany. Mieli syna Perseusza, a potem znowu na rozkazach Surliksii została podana wraz z synem w pudełku, została wrzucona do morza. Ale dana i jej syn nie umarli.

Artysta przedstawia moment, w którym Rana szczęśliwie oczekuje Zeusa. Pokojówka starego mężczyzny porusza zasłonę swojego łóżka, a złoty blask wlewa do pokoju. Dana, w przeróżnieniu szczęścia, podniesiona w kierunku złotego deszczu. Bedspread spał i nie wystarczył już młodym, stożkowym ciałem, odległym od praw klasycznych piękna. Niemniej jednak przekupuje istotną prawdziwość, miękką okrągłość form. I chociaż artysta odnosi się do tematu antycznego mitologii, obraz jest wyraźnie napisany w duchu realizmu.

Rembrandt bardzo napisał na tematych historii biblijnych, a oni byli na swojej drodze, zaktualizowaną przez treść. Często napisał zdjęcia z logiką - oświetlenie, farby, wszystko jest tylko w jego reprezentacji. Ten sam niezależny artysta wykorzystuje w sposób, aby nosić swoje postacie. Ubierał je w dziwnych szatach - i Saskowie, Junon i innych ...
To samo z parą w obrazie "Żydowska panna młoda". Nazwa jest dziwna, ponieważ kanapa przedstawia małżeństwo, a żona jest w ciąży.
Na tle niejasnej zieleni odgaduje się część dużej ściany i krajobrazu miejskiego. Chet w czerwone i złote ubrania stojące przed pilastrem. Dwie twarze i cztery ręce Mężczyzna pochyla się w kierunku kobiety, którego spojrzenie skierowany do siebie, do swoich myśli. Jej prawa ręka trzyma kwiaty, odpoczywa na żołądku. W twarzy - ufając powagę małżonka, zajmował tylko obecność jeszcze jednego życia w sobie. Mężczyzna przytula lewą rękę na ramionach. Prawa ręka leży na sukience na poziomie klatki piersiowej, gdzie przychodzi z nią lewa ręka kobiety. Palce dotykają się nawzajem. Lekki dotyk. Mężczyzna patrzy na rękę kobiety, która dotknęła własnego.

Obraz Rembrandt całkowicie odmówił klasycznego ideału nagich figury. Tutaj przedstawiał Hendrik, jego druga żona rozbierająca się przed kąpielami, w przeciwieństwie do wszystkich kanonów piękna. Złota szata leży na skraju wody, a ładna młoda kobieta, palenie koszuli, wchodzi do zimnej wody. Wydaje się, że powstaje z brązowej ciemności, jego nieśmiałość i skromność są czytane na łatwej twarzy, aw rękach, które obsługują koszulę.

Rembrandt Harmens Wang Rhine (1606 - 1669 lat życia) - holenderski malarz, rysownik i trawienie. Kreatywność jest nasycona pragnieniem głębokiego, filozoficznego zrozumienia rzeczywistości i wewnętrznego świata osoby z całym bogactwem doświadczeń psychicznych.

Realistyczne i humanistyczne w swojej istocie, oznaczało szczyt rozwoju holenderskiej sztuki XVII wieku, ucieleśnianie wysokich ideałów moralnych w jaskrawo indywidualnej i doskonałej formie artystycznej, wiara w piękno i godność zwykłych ludzi.

Rembrandt. Rysunek »Chaty pod niebem zapowiedź burza" (1635)

Artystyczny dziedzictwo Rembrandt wyróżnia się wyjątkowym kolektorem: portrety, wciąż trwania, krajobrazy, sceny gatunkowe, obrazy na działki biblijne, mitologiczne i historyczne. Rembrandt był niezrównanym mistrzem obrazu i.

Rembrandt. Trawienie »Młyn» (1641)

Przyszła wielki artysta urodził się w rodzinie Melniku. Po krótkoterminowym szkoleniu na Uniwersytecie Leiden w 1620 roku poświęcił się sztuce. Studiował obraz w Ya. Van Svanbühurh w Leiden (od 1620 - 1623) i P. Lastman w Amsterdamie w 1623 roku. W okresie od 1625 - 1631 pracował w Leiden. Przykład wpływu Lastmana na pracę artysty może służyć jako zdjęcie " Muzyka Allegory"Napisany przez Rembrandt w 1626 roku.

Rembrandt "alegoria muzyki"

Na obrazkach " Apostoł Paul."(1629 - 1630) i" Symeon w świątyni"(1631) Rembrandt po raz pierwszy użył świateł jako środek do zwiększenia duchowości i emocjonalnej ekspresji obrazów.

Rembrandt "Apostoł Paul"

W tym samym latach Rembrandt ciężko pracował nad portretem, studiując twarzową kobietę. Kreatywne wyszukiwanie artysty w tym okresie wyraża się w serii autoportretów i portretów członków rodziny artysty. Ten Rembrandt przedstawił się w wieku 23 lat.

Rembrandt "autoportret"

W 1632 r. Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, gdzie wkrótce zamrnął się z bogatym patrycjuszem Sasquia Van Eilenbryukh. 30. XVII wieku dla artysty to lata szczęścia rodzinnego i ogromnego sukcesu artystycznego. Cheet jest przedstawiony na zdjęciu " Marnotrawny syn w tawernie"(1635 rok).

Rembrandt "Syn prodigal w tawernie" (1635)

W tym samym czasie artysta pisze płótno " Chrystus podczas burzy nad morzem Galilei"(1633 rok). Obraz jest wyjątkowy, ponieważ jest to jedyny krajobraz artysty.

Rembrandt "Chrystus podczas burzy na morzu Galilei"

Obrazek " Lekcja anatomii Dr. Tulp"(1632), w którym artysta nowego pozwolił na problem z portretem grupowym, dając kompozycję z niezbędną łatwością, a jednocząc ludzi w portrecie pojedynczej akcji, przyniósł szeroką sławę do Rembrandta. Otrzymał wiele zamówień, licznych uczniów pracował w swoim warsztacie.

Rembrandt "Lekcja anatomia Dr. Tulp"

W niestandardowych portretach bogatych mieszczanów artysta ostrożnie przeszedł cechy twarzy, najmniejsze szczegóły ubrań, blask luksusowych klejnotów. Można go zauważyć na płótnie " Portret Burggraph."Napisany w 1633 roku. Jednocześnie modele były często uzyskiwane przez skrupulatną charakterystykę społeczną.

Rembrandt »Portret Burggraph»

Bardziej wolne i różnorodne na ich kompozycji są jego autoportrety i portrety bliskich:

• » Autoportret"Napisany w 1634 roku. Obecnie płótno jest w ekspozycji Luwru.

Rembrandt "autoportret" (1634)

• » Uśmiechnięty Saskovia.". Portret napisany w 1633 roku. Dzisiaj znajduje się w galerii Sztuki Dreźnie.

Rembrandt "Uśmiechający się Saskovia"

Prace te są wyróżniające żywych plaż i podnoszenia kompozycji, swobodnego malarstwa, głównego, wypełnionego światłem, złotą kolorową gamutą.

Bold Challenge dla klasycznych kanonów i tradycji w pracy artysty można śledzić na przykładzie płótna " Uprowadzenie Ganamedy."Napisany w 1635 roku. W tej chwili praca znajduje się w galerii Dreźnie.

Rembrandt "porwanie"

Obraz "Dana"

Jasny przykład wykonania nowych estetycznych widoków artysty był monumentalny skład " Dana."(Napisany w 1636 r.), W którym wchodzi w spór z wielkimi mistrzami włoskiej ożywienia. Artysta poszedł przeciwko ogólnie zaakceptowanymi kanonami obrazu i stworzył doskonałe zdjęcie, pozostawiając dokładne pomysły na prawdziwe piękno.

Naga postać Danai, daleko od klasycznych ideałów kobiecego piękna, Rembrandt wykonał o dzielnej realistycznej natychmiastcy, a idealnym pięknem wizerunków włoskich mistrzów, artysta sprzeciwił się podwyższonym pięknem duchowości i ciepła intymnego poczucia człowieka .

Rembrandt "Dana" (1636)

Cienkie odcienie doświadczeń psychicznych wyrażono malarzem w obrazach " David i Jonathan."(1642 rok) i" święta Rodzina"(1645 rok). Reprodukcje jakości obrazów Rembrandt mogą być używane do rejestracji w wielu stylach.

W 1656 r. Rembrandt został uznany za niestrudzony dłużnik, a cała jego własność została sprzedana na aukcji publicznej. Został zmuszony przenieść się do dzielnicy żydowskiej Amsterdamu, gdzie spędził resztę swojego życia.

Rembrandt "Święta rodzina" (1645)

Obrazek "Powrót syna marnotrawstwa".

Zimne nieporozumienie holenderskiego Burgera był otoczony przez Rembrandta w ostatnich latach życia. Jednak artysta kontynuował tworzenie. Rok przed śmiercią zaczął tworzyć jego genialną płótno " Powrót syna marnotrawnego"(1668 - 1669), w którym wszystkie rozmieszczenie artystyczne i moralnie - kwestie etyczne.

Na tym zdjęciu artysta tworzy całą gamę złożonych i głębokich ludzkich uczuć. Główną ideą obrazu jest piękno ludzkiego zrozumienia, współczucia i przebaczenia. Kulminacja, napięcie zmysłów, a następny moment pozwolenia pasji jest zawartych w ekspresyjnych pozach i skąpach, lakonowych gestach Ojca i Syna.

Rembrandt "Powrót syna marnotrawstwa"

40-60E lat XVII wieku - kwitnący okres holenderskiej sztuki. Kreatywność Rembrandta uosabia najlepsze cechy holenderskiej sztuki - siłę realistycznego odbicia rzeczywistości, głęboką indywidualizację obrazów i zjawisk; Niesie cechy prawdziwej demokracji. Ogromna głębia treści ideologicznych, wysoka duchowość obrazów, niezrównana umiejętność. Rembrandt różni się od innych holenderskich malarzy z szerokością przedmiotu; Należy do najwyższych osiągnięć w prawie wszystkich malowniczych gatunkach - w obrazach na działkach biblijnych i mitologicznych, w historycznym gatunku, w portrecie, krajobrazie i martwym życiu (nie działa - jeśli nie licząc kilku wczesnych obrazów - tylko w pole malowania gatunku). Jego osiągnięcia są równie wielkie w malarstwie, a na grawerowaniu i na zdjęciu.

Temat sztuki jest prawdziwym życiem ludzkim, wewnętrznym światem osoby, różnorodności jego doświadczeń; Głęboki zmysł ludzki odbywa się w Rembrandt przez wszystkie zjawiska prawdziwego świata, konwertuje zwykłe i codzienne życie na obrazie wysokiego piękna. Bohaterowie - ludzie o silnych szczerych uczuciach, wspaniałe bogactwo duchowe, które udałorzy się zachować najlepsze ludzkie cechy, nawet w najcięższych warunkach życia. Bardzo często artysta znajduje swoich bohaterów wśród zwykłych ludzi, większość tych, którzy cierpią z powodu ucisku społecznego. Głęboki demokratyzm sztuki Rembrandt. Świadomość wartości incredit osoby. Kontradykcje epoki powodują tragiczne kolizje swoich dzieł, ale wiara u osoby chroni ją przed pesymistycznymi wnioskami.

1625-1632 GG - LIIDEN okres kreatywności. Szukaj kreatywnej niezależności ("Zmieniona", 1627; Samson i Dalila, 1628). "Apostoł Paul", 1629 - Jeden z pierwszych prac na temat, który zajmuje w pracy Rembrandta, jest bardzo duże miejsce: otrzymuje indywidualny wizerunek bohatera, pozostawiony sam z nim i zanurzony w odbiciach. Mość, godność, mentalna szlachta. Uwaga widza nie jest uszkodzona przez szczegóły; Wszystkie oznacza, że \u200b\u200bartysta podwróci wyraz głównej - dużej mocy duchowej, wewnętrznej osiadłej osoby. Światło - główne środki ekspresji figuratywnej, nie tylko rzeźbia o formularzu i objętości, ale także tworzy emocjonalny kolor. W tych latach Rembrandt działa również na portret, badania wyrażeń twarzy, tworzy pierwsze kroki w dziedzinie trawienia.

1632g - Rembrandt porusza się do Amsterdamu. Pierwsza praca - "Lekcja anatomii Dr. Tulp", 1632. Przynosi artysty uniwersalne rozpoznawanie w kołach burżuazyjnych. Zamiast standakcji kompozycji i bezbarwności danych - pojedynczej akcji. 1634g - Rembrandt poślubia bogaci Patrician Sasquia Wang Eilenburg.

Wkład w technice portretowej syntetyzowany w znanej pracy "Autoportret z Sasquią na kolanach", 1636. radość, energia. Portret + malarstwo gatunkowe + przypowieść o synu marnotrawnym (artysta jest marnotrawnym synem).

"Dana", 1636 - równolegle do Titiana. Wizerunek ludzkiej indywidualności: ciało jest napisane bardzo niezbędnie, zwracając uwagę na intymne szczegóły, twarz jest brzydka. Zadaniem jest przeniesienie wysokiej witalności.

"Nocny zegarek", 1642 - Praca na przełomie wczesnego okresu i okres dojrzałej kreatywności. Jest to portret grupy Rota Bannaga Casta Rota Rota. Ruch, specjalne wzbudzenia, emocje. Monumentalny zakres. W tej pracy Rembrandt sprzeciwia się stałych kanonach portretów grupowych, zwykłym warunkową statyczną sceną artysta próbuje zrobić bardziej naturalne i dynamiczne. Próba uogólnionego obrazu społeczeństwa, oceniając czas historyczny. Niewłaściwy i śmieszny wydawał się widzowi, pojawieniu się outsiderów na tej scenie, zwłaszcza małą dziewczynką w złoto-żółtej sukni, strzelając w tłumie bojowskich mężczyzn. Wszystko tutaj spowodowało oszołomienie i rozdrażnienie opinii publicznej i można powiedzieć, że konflikt artysty i społeczeństwa zaczyna się od tego zdjęcia i pogłębia. Z śmiercią Sasziy, w tym samym roku, 1642 jest naturalna przerwa Rembrandt z jego obcego do niego przez kręgi patrycjuszy.

40-50S jest czasem kreatywnej dojrzałości. Zmienił się nie tylko życie zewnętrzne Rembrandt, zmienił pierwszy ze wszystkich sam. Jest to czas tworzenia swojego systemu kreatywnego, z którego wiele pójdzie do przeszłości i w którym można uzyskać inne nieocenione cechy. Często odnosi się do tych samych prac, aby je zrealizować w nowy sposób. Było więc na przykład z Danay, który napisał w 1636 r. W latach 40. XX wieku umiejętności Rembrandt stale rośnie. Wybiera interpretację najbardziej liryczne, poetyckie imprezy człowieka, potem człowieka, który jest niezwykle, pomyślnie: Miłość macierzyńska, współczucie. Jego święte pismo daje mu największy materiał, a od niej sceny życia świętej rodziny, działki z Tovia. Nie ma efektów zewnętrznych w dziełach tego okresu. Rembrandt przedstawia proste życie, zwykłych ludzi, jak na płótnie "Święta Rodzina": Tylko aniołowie, schodzące w zmierzch złego mieszkania, przypominają nam, że nie jest to zwykła rodzina.

Ostatnie 16 lat Rembrandt jest zrujnowany, stracił wszystkich bliskich, ulubionych ludzi, a nawet uczniowie zdradzili go. Ale te lata są pełne niesamowitej siły twórczej aktywności, w wyniku których powstają malownicze obrazy, wyjątkowe cechy charakterystyki i duchowości, prace są głęboko filozoficzne i wysokie etyczne. Wszystko jest oczyszczone przez przejściowe, losowe, części są zminimalizowane, starannie przemyślane i wyłączone gesty, pozuje, stoki głowicy, figury są powiększone, zbliżone do przedniej płaszczyzny płótna. Główne środki ekspresyjne nie są liniami i masą, ale światłem i kolorem. W smaku odcienie czerwonych i brązowych są zdominowane od wewnątrz. Kolor przejmuje solidność i intensywność. Rembrandt wiedział, jak stworzyć biografię portretową; Podświetlanie tylko twarzy i rąk, wyraził całą historię życia ("Portret starego człowieka na czerwonym", około 1654 r.).

Kreatywność Epilog o Rembrandt można uznać za jego słynny obraz "Syn marnotrawny" (około 1668-1669), w którym wysokość etyczna i malownicza umiejętność artysty pojawiły się z największą kompletnością. Działka biblijnej przypowieści o Syna Błogosławieństwa, po wielu wędrujących, którzy wrócili do domu Ojca, przyciągnęła Rembrandt wcześniej, ponieważ mówią jedno z jego wczesnych trawień i kilka rysunków. W tej grupie, na postaci złamanego młodego człowieka, który upadł na jego jasnych głowach i opanowali ręce na ogolonej głowie - ostateczne napięcia uczuć, duchowego szoku, szczęścia powrotu i zyskującego, bezdennej miłości rodzicielskiej, ale także Gorycz rozczarowania, straty, upokorzenia, wstyd i pokuta. Ta nieludzkość sprawia, że \u200b\u200bscena zrozumiała dla różnych ludzi wszechczasów i mówi jej nieśmiertelność. Szczególnie uderzająca jedność kolorystyczna. Od pomarańczowo-czerwonych tonów tła - to jest cały samotny malowniczy strumień, postrzegany jako wyraz pojedynczego uczucia.

Kreatywność Rembrandt.

1. autoportret

Za jego życie Rembrandt wykonał około osiemdziesiąt autoportretów - obrazy, ryciny i rysunki. Dla niego był to rodzaj autobiografii, nawet jeśli są sprzedawane portrety. Jeden z pierwszych - "autoportret" z Amsterdam Reyxmuseum, gdzie rozczochrany dwadzieścia jednorocznych rówieśników malarza w jego twarzy, próbując przenieść rozpoznawanie samego artysty po raz pierwszy.

Figa. 1. "autoportret" około 1628 roku

W portalizacie 1629 r., Jasna wiązka podkreśla fabryczną twarz Inkwizyny z koronkowym kołnierzem. Ale autoportret tego samego roku przechowywany w Hadze jest bardziej urzędnik. Na małym zdjęciu "artysty w jego warsztacie" (1629), który sama została przypisana do Gerrith Dow, warsztat Lenidskaya Rembrandta, ze stołem, otwiera się sztalugą, palety i zaprawę do ścierania farby. Artysta przedstawił się niezwykle daleko od obrazu, jakby chciał dać widzowi poczuć, jak się widzi i rozumie malowanie.

W bardziej dojrzałych portretach jest wyrażona dusza artysty, a czasami jest starannie rozładowany. "Autoportret" 1640 r., Obraz jest niezwykle wyrafinowany i harmonijny, schwytany trzydziestoletnim Rembrandte, który wziął solidną pozycję w Amsterdamie. Wytyczne dla artysty były Tizianovsky "Portret szlachcica", teraz przechowywane w Londynie, aw tym czasie kolekcji przyjaciela Rembrandt Portugalski Żyd Alfonso Lopez oraz "Portret Baldassar Castiglion" Rafael. W konwergencji z włoskich mistrzów istnieje wyzwanie z Rembrandt, jakby u podstaw niezwykłego stroju XVI wieku, jego duchowej bliskości z wielkimi poprzednikami. Pisze sobą w strojach, według jego zwyczaju, gdzie szeroka gama strojów jest przechowywana dla modeli wymienionych w inwentarzu, "autoportret" 1658 z kolekcji Nowego Jorku FRCA. Ale chciał też przedstawić się w ubraniu Amsterdam kupca z łańcuchem, zawieszeniem i wykończeniem futrzanym, lub artystą, świadomy jego roli i stanowiska w społeczeństwie, jak na "autoportret dla sztalugów" (1660) lub na innym Autoportret z palety i pędzli z London Kenwood Haws, - skromne ubrania, na głowie proste bierze białe zabiera, Wolicjonalny, inteligentny wyraz pomarszonej twarzy. A loor spojrzenie, dumny i bardzo zmęczony w ostatnich latach, przyćmił przez niewiarygodności materialnych i kłopotów rodzinnych.

Figa. 2. "autoportret" 1660

Niezwykłe kolońskie "autoportret", napisany około 1665 r., Ekspresyjny i bezstronny, pokazuje Rembrandt w stanie się uśmiechać. Ostatni dwa autoportistę 1669, przechowywane w Londynie i Hadze, jeden - ze złożonymi rękami, drugą - w wielokolorowym turbanie na długich szarych włosach, przekazują gorzzy i rozczarowanie osoby pchanej do tła z własnymi dawnymi studentami, Osoba, w 1641 r. Słysząc "jeden z najwybitniejszych malarzy swojego czasu".

2. Wczesny okres kreatywności

Rembrandt rozpoczął się w Leyden - jego pierwsza niezależna praca należy do połowy lat; Od 1632 r. I do końca życia Rembrandt pracował w Amsterdamie - głównym centrum sztuki kraju. Druga połowa 20s i 30 osób była czasem wyszukiwania przez Rembrandta swojej ścieżki i metody kreatywnej.

Rembrandt studiuje rzeczywistość, stara się opanować go z różnymi aspektami (o czym świadczy jego rysunki), ale jego preferencyjne zainteresowanie jest indywidualną naturą i różnorodnością manifestacji życia duchowego.

Uwaga na wewnętrzne życie osoby określa oryginalność i pierwsze obrazy fabuły REMBRANDT (Toviy i jego żona "1625 - 1626," Apostoł Pawła w Doktnica ", 1627). Nacisk na doświadczenie psychologiczne wydarzenia, które Rembrandt chce zobaczyć oczy swoich uczestników, jest szczególnie wyraźny w "Chrystusie w Emmaus" (ok. 1629). Artysta pokazuje odpowiedź znaków - podniecenie, strach, wstrząs. Ale jak we wczesnych auto-portretach, wpływy emocjonalne są nadal jednoznaczne i wymuszone, pozasy i gesty są zbyt demonstracyjne.

W dziełach pod koniec lat 20-tych - wczesne 30-tych rola światła jest już wykryte jako środki wzmacniające emocjonalną ekspresję sceny. W "Apostoła Paul" oświetlenie podkreśla nastrój bohatera. W "Chrystusie w Emmaus" opozycję światła i cienie przekazuje nagłą i siłę uczuć, które zmieniły apostołów.

Obraz historyczny stał się wraz z portretem głównego obszaru kreatywności Rembrandta. Działki starego i Nowego Testamentu pozwoliły na zawartość pracy skali figuratywnej i jej znaczenia - uogólniający charakter. Odwołanie do tematów religijnych i mitologicznych nie oznaczały na odmowę Rembrandt z witalności obrazu, wręcz przeciwnie, dąży do łączenia rzeczywistych, ziemskich, betonu z wywyższonym duchem i zdrowym rozsądkiem, który jest zawarty w legendzie.

Jednak malowniczy styl wczesnego okresu jest sprzeczny. Rembrandt nie zawsze zarządza organicznie łączyć wysokość i dokładność, majestatę uczuć i niegrzecznej prawdy o rzeczywistości. Tak więc, w "Chrystusie w Emmaus" kontrastu zwykłego (wspólnego wygląd postaci i wszyscy ocenę) i wspaniałe wydarzenie.

Odrzucenie Witchful warunkowości i idealizację Rembrandt Degoes postacie legend religijnych i mitologicznych, ale jednocześnie nadmiernie podkreślają prozę przyrody i dolnych pasji ("Wedding Samson", 1635). Z drugiej strony, wysublimowany jest nadal zidentyfikowany dla Rembrandta z zewnętrznym podnoszeniem sceny, z jego żałosną i burzliwą dynamiką, - w dziełach środkowej i drugiej połowy 1930 roku, nie jest przypadkiem, że wpływ Barok włoski i flamski ("poświęcenie Abrahama", 1634, "Oślepiający Samson").

Pchnięciem Rembrandta na spektakularne pomp i dramatyczne konflikty - jak również jego bravada, pragnienie obalania zwykłych norm artystycznych i ideałów - był w dużej mierze związany z pragnieniem ucieczki z proseków i ograniczeń mieszczańskich ugruntowanych burżuazyjnych dziedzin życia. Od świata codziennego życia pociąga za sobą bohaterkę i fikcję. W latach 30. często pisze sam i jego bliskich w "historycznych" kostiumach, w wspaniałych, fantastycznych szatach ("Saskovia w formie flory", 1634 g; autoportrety z Pedale, z Berlina i Luwru, 1634) . Te, jak nazywa się, wyimaginowane portrety, jakby zawarli pewien marzenie o pięknym człowieku, o obrazie, podwyższonej codziennej rzeczywistości.

W tym okresie Rembrandt nie tylko szuka własnego ideału życia i mężczyzny - tworzy prace, które zapowiadają swoją przyszłą ścieżkę. "Usuwanie z krzyża" (między 1633 a 1639 r.) Jest napisany pod wpływem słynnego składu Rubensa, ale fabuła jest interpretowana przez Rembrandta jako scena komorowa: daje okazję czuć się jak coś osobiście związane z nim osobiście Co powoduje osobiście ludzkiej tragedii dla niego Chrystusa i żal jego bliskich. Światło, cięcie w ciemności, powoduje uczucie napiętej ciszy, poświata uczuć, wielkość dramatu.

W latach 30-tych Rembrandt był najpopularniejszym malarzem Amsterdamem. Sukces przychodzi do niego, sławę, dobre samopoczucie. Uczniowie gromadzą się w warsztacie.

Rembrandt w tym czasie wykonuje wiele niestandardowych portretów. Są napisane z dużą siłą z tworzywa sztucznego, znacznie przesyłając podobieństwa, chwycić typowe w wyglądzie, ale Rembrandt nie znalazł jeszcze drogi w obrazie portretowym. A jednak, być może nie jest przypadkiem, że Rembrandtu, portreista w magazynie talentu, był w pracy tego gatunku - grupa portret korporacji Amsterdam Shooters - możliwe było realizację ideału boherki, a nie Wchodząc w skrajności teatralnych tupotów i groteskowych aconifications, aby uzyskać organiczny połączenie podnoszenia poetyckiego, malowane fikcję i prawdziwą witalność ("nocny zegarek", zakończony w 1642 roku).

Pomysł artysty był niezwykły: dodał fikcyjne postacie na portret osiemnastu klientów i związał je do motywu fabuły: wydajność firmy, która wychodzi z łuku i przechodzi most nad kanałem. Figury i twarze, chwyta cień, a następnie zaczepiły jasne światło dnia. W grupie strzelców widzimy testy, w tym dziewczynę w złotej żółtej sukience, jak jasne światło błysnęło w tym energicznym tłumie.

Połączenie obrazów portretowych o bezimiennych postaciach, dynamika kompozycji dała mu wielką żywotność perswazyjności. Ale osobliwość "nocnego zegarka" jest to, że jest to nie tylko portret grupowy, ale także scena masy. Motif Motif, przemówienia strzelców, Majestatyczne tło architektury, kolorowe zróżnicowane kostiumy, kontrasty światła i cienia, wreszcie, ogromne rozmiary obrazu tworzą wrażenie uroczystej procesji, znaczącego wydarzenia społecznego. "Nocny zegarek" stał się monumentalną kompozycją, gdzie tematem patriotycznej windy, obchody ducha cywilnego, wyraźnie brzmi. Rembrandt ponawia go, gdy cywilne patos i demokratyczne ideały z niderlandzkiej rzeczywistości i z holenderskiej sztuki. Obraz "Nocny zegarek" stał się podobnym sposobem Republiki Holandii, portret grupy otrzymał znaczenie historycznego obrazu.