Prace malarskie. Etapy wykonywania prac ukończenia na malarstwie

przeszłość fascynują farbami, grą światłem i cieniem, znaczenie każdego akcentu, stan ogólny, kolor. Ale to, co widzimy teraz w galeriach, zachowaliśmy się do dnia dzisiejszego, różni się od faktu, że współcześni autora zostały zakwestionowane. Obraz olejny ma własność do zmiany w czasie, wybór farb, techniki wykonania, wykończenie pracy i warunki przechowywania wpływa na to. Nie otrzymuje to drobnych błędów, które mogły pozwolić utalentowanemu mistrzowi eksperymentować z nowymi metodami. Z tego powodu wrażenie na płótnie i opis ich rodzaju przez lata mogą się różnić.

Technika starych mistrzów

Technika malowania olejna daje ogromną przewagę w pracy: obraz może być napisany przez lata, stopniowo symulując formularz i przepisując szczegóły z cienkowymi warstwami farby (lecicing). Dlatego też list szafki, w którym natychmiast próbuje wykonać pełny obraz, nie jest typowy dla klasycznego sposobu pracy z olejem. Przemyślana faza stosowania farb pozwala uzyskać niesamowite odcienie i efekty, ponieważ każda poprzednia warstwa podczas lekarza jest przesuwa się przez następną.

Metoda flamandzka, która tak uwielbiała zastosować Leonardo da Vinci, składał się z takich etapów:

• Na jasnej ziemi rysunek został wykonany w jednym kolorze, sepii - kontur i podstawowe cienie.
• Następnie wykonano cienką podwodną podwodną z objętością orki.
• Ostatnim etapem było kilka lat, lekarza warstw refleksów i szczegółów.

Ale ciemnobrązowy jest przekazany przez Leonardo z czasem, pomimo cienkiej warstwy, stało się dużo nadchodzącego przez kolorowy obraz, który doprowadził do ciemnienia wzoru w cieniu. W głównej warstwie często używał podciągniętego Umbry, żółty OHRU, Berlin Azure, żółty kadm i Loggia Siena. Jego ostateczne stosowanie farb było tak subtelne, że nie można go złapać. Faktycznie opracowany metoda SFumato. (Cieniowanie) pozwoliło to łatwo zrobić. Jej tajemnica w bardzo rozcieńczonej farbie i pracuje z suchym pędzlem.

Rembrandt - Night Watch

W włoskiej metodzie, Rubens, Velasquez i Titian pracował. Charakteryzuje się takimi etapami pracy:

• Stosowanie kolorowej gleby na płótnie (z dodatkiem dowolnego pigmentu);
• Przesyłanie konturu wzoru na ziemię kredą lub węglem i mocując go z odpowiednią farbą.
• Podmuelov, miejsca są gęste, zwłaszcza w oświetlonych miejscach obrazu, aw niektórych miejscach całkowicie nieobecnych - pozostawili kolor gleby.
• Prace końcowe w 1 lub 2 recepcji przez zbony, rzadziej z cienkim lekarzem. Miska Rembrandt Warstwy obrazu mogą osiągnąć centymetr w grubości, ale jest raczej wyjątkiem.

Technika ta miała szczególną wagę do stosowania nakładających się dodatkowych kolorów, co pozwoliło bogatym podkładowi neutralizować w miejscach. Na przykład, czerwony podkład mógł zostać wyrównany z szaro-zieloną łodzi podwodną. Praca w tej technice była szybsza niż w metodzie flamandzkiej, która była bardziej podobna do klientów. Ale niewłaściwy wybór koloru gleby i farby końcowej warstwy może zepsuć zdjęcie.

Kolorowanki

Aby osiągnąć harmonię w malowniczej pracy, wykorzystaj pełny efekt refleksów i uzupełniających kolorów. Istnieją również takie małe sztuczki, jak stosowanie kolorowej gleby, jak jest zwyczajowo w metodzie włoskiej lub obraz malarstwa pigmentem.

Kolorowe gleby mogą być klej, emulsja i olej. Te ostatnie są stacyjną warstwą farby olejnej wymaganego koloru. Jeśli biała podstawa daje efekt blasku, a potem ciemność daje głębokość farb.

Rubens - Związek Ziemi i Wody

Rembrandt napisał na ciemnej szarej glebie, Bryullov - oparte na Umbrze pigmentowej, Ivanov stonowany płótno z żółtą okrą, Rubens używane pigmenty angielskiego czerwonego i Umbrze, Borovikovsky preferowany na portrety szarej gleby i levitsky -sero-zielony. Oczekiwanie płótna czekało na wszystkich, którzy używali glinianych farb w nadmiarze (Siena, Umbra, Dark Ozz).

Bush - delikatny smakowanie broni niebieskich i różowych odcieni

Dla tych, którzy tworzą kopie wielkich artystów w formacie cyfrowym, zasób ten będzie zainteresowany tym zasobem, w którym prezentowane są palety internetowe artystów.

Powłoka Laco.

Oprócz glinianych farb, przyciemnianie z czasem, powlekane lakiery oparte na żywicach (kalafonia, kopanie, bursztyn) również zmienić lekkość obrazu, dając mu żółte odcienie. Sztucznie daje stary płótno, wyznaczenie Ochera lub dowolnego podobnego jest specjalnie dodane do lakieru. Ale silny ciemnienie raczej spowoduje nadmiar oleju. Może również pociągać za sobą pęknięty. Chociaż taki efekt Craklery jest częściej związany z pracą na farbie SevenPiece.Jest niedopuszczalny dla malarstwa olejnego: piszą tylko do suchej lub wciąż surowej warstwy, w przeciwnym razie konieczne jest ponownie zeskrobanie go i zarejestrować.

Bulllov - ostatni dzień pompeii

Anna Klimova.
Projekt "Niesamowite możliwości malowania"

Projekt« Niesamowite możliwości malowania»

Stosowność projekt

Zaawansowane doświadczenie pedagogiczne pokazuje, że na obecnym etapie rozwoju społeczeństwa nie wystarczy nauczyć dziecka. Aktywność, niezależność, inicjatywa, kreatywność prowadzą przy określaniu koncentracji rozwoju tożsamości w nowoczesnych warunkach. Wdrażanie niezależnych, praktycznych i twórczych działań dzieci w dziedzinie rozwoju estetycznego artystycznego ma przede wszystkim na kompleksowym rozwoju tożsamości dziecka.

Efekt sztuki na temat tworzenia osobowości osoby, jego rozwój jest bardzo duży. V. A. Sukhomlinsky. napisał: "Podczas dzieciństwa procesy psychiczne powinny być tak blisko, jak to możliwe, są związane z żywymi, jasnymi, wizualnymi przedmiotami otaczającego świata. Emocjonalne nasycenie percepcji jest opłaty duchowe o kreatywności dzieci. "

Znajomy z wyjątkowymi dziełami, przedszkolakami nauczyć się rozumieć harmonię natury, znać kulturę i historię Rosji, przyswajają normy zachowań i wartości duchowych przyjętych w społeczeństwie, zapoznają się z życiem i pracą ludzi w różnych dziedzinach działalności , specjalne miejsce obraz Zajmuje to rozwój mowy. Przez obraz Rozwój rozwija się rozwój czynność: Możliwość udzielania uogólnienia opartego na analizie, porównaniu i wyjaśnianiu, rozwijanie przemówienia wewnętrznego (przemówienie wewnętrzna pomaga planowi dzieciom i wyrazić swoje osądy, odnoszą się do wniosku, który powstał w wyniku postrzegania planu artysty, również przyczynia się do manifestacji własnych stowarzyszeń intelektualnych i emocjonalnych). Sztuka przyczynia się do postrzegania różnych uczuć i tworzenia początkowych fundamentów światopoglądu. Dzieci wzbogacają swoje doświadczenie moralne, mają moralną świadomość. Uczą się porównywać swoje doświadczenia z doświadczeniem ludzi przedstawionych przez artystę i przeniesienie postrzegane w gatunku obraz Metody relacji między ludźmi w rzeczywistych sytuacjach życiowych.

Ważne jest, aby utworzenie kompleksowo rozwiniętej osobowości przedszkola występuje w jednym procesie zapoznania dzieci z sztuki wizualnej, z kreatywnością ludową, kulturą, wartościami estetycznymi, z naturą ojczystej ziemi. Kompozycja obraz bogaty w swojej ideologicznej treści i idealne na formie artystycznej. Dlatego tworzą artystyczne Tasch przedszkolaków, zdolność do zrozumienia i oceny pięknej, nie tylko w sztuce, ale także w życiu, natura, codzienne życie. Obraz Odtwarza wszystkie bogactwo i różnorodność świata z głębokości przestrzennej, objętości, koloru, światła i powietrza.

W ten sposób powstaje sprzeczność możliwości malowania Jako środki kompleksowego rozwoju osobowości przedszkola i jego niewystarczającego stosowania w procesie pedagogicznym.

cel, powód projekt: Kompleksowy rozwój przedszkolaków w procesie zapoznania obraz.

Zadania projekt:

1. Wprowadzenie dzieci z rosyjskich artystów i ich dzieł oraz powodują zrównoważone zainteresowanie dziećmi obraz;

2. Aby zachęcić rodziców i dzieci do aktywnej interakcji z nauczycielami, stymulując pragnienie poszukiwania dodatkowych informacji na ten temat;

3. Opracuj system do zapoznawania dzieci obraz(Prospektywne planowanie na rok szkolny);

4. Podnieś poziom znajomości nauczycieli i rodziców możliwości narażenia na malowanie na kompleksowym rozwoju dziecka.

Typ projekt

W czasie - długoterminowy;

Trwanie projekt - wrzesień - kwiecień (2013-2014 UCH.)

Dominant B. projekt aktywność - zorientowana na to;

Z natury kontaktów - wewnątrzgrupowa;

Przez liczbę uczestników - kolektyw;

Wiek dzieci wynosi 5-6 lat;

Uczestnicy projekt - pedagoge., dzieci grupy starszych, rodzice;

Produkt projekt Działania - obiecujące planowanie, cykl zajęć, materiałów i dodatkowych informacji na ten temat.

Oczekiwane rezultaty

1. Tworzenie systemów wiedzy dla dzieci o artystach i ich pracach;

2. Systematyzacja wytycznych;

3. Wybór literatury i rozwoju obiecującego planu zapoznania dzieci obraz;

4. Systematyczne stosowanie w dziedzinie cykli klas, aby zapoznać dzieci obraz;

5. Promowanie bazy metodologicznej do dodatkowych informacji i materiałów do studiowania w zapoznaniu się z dziećmi obraz.

Główne kroki projekt

1 - Tworzenie problemu zorientowanego praktycznego

Przyjdź do studiów obraz, Wykazuję reprodukcje z wizerunkiem jesieni krajobrazu. W trakcie zajęć słuchaj muzyki, czytamy fragmenty z wierszy, które pomagają postrzeganiu malowniczy obraz. Dzieci korelują prace muzyczne i literackie z reprodukcją i uzasadniają wybór, ale jest jedna reprodukcja (Savrasov A. K., "Spadek. Creek Village »do którego nie ma odpowiedniej muzyki i wiersza. Wzrasta pytanie: "Co robić?".

2 - hipotezy nominacyjne do rozwiązania problemu

Oferują dzieci, aby przyciągnąć bibliotekarza, który przychodzi do nich tygodniowo i poproś go, aby pomóc w wyborze wersetów o jesieni. A także, odnoszą się do lidera muzycznego z prośbą o wybór utworów muzycznych. Nagle Valia przypomina, że \u200b\u200bnie tak dawno, jej siostra - uczennica uczyła bardzo piękną wiersz o upadku i obiecuje zapytać mamę, aby nagrała ją do nas i tak dalej.

3 - Dystrybucja do grup

Po tym, jak zdecydowaliśmy, że musimy pracować na dalszą pracę, oferuję dzieci do omówienia tego problemu w domu z rodzicami i przyciągnąć je do wspólnego wyszukiwania informacji, a może dodanie naszego planu rozwiązania problemu. A tym samym, omawiać Problem i sposoby, aby je ponownie rozwiązać, dzieci z rodzicami są łączone w Micro Group, aby zebrać niezbędne informacje.

4 - Praktyczna rozdzielczość problemy:

Tworzenie muzyki klasycznej fonometycznej, piosenek dla dzieci;

Wybór dzieł literatury (historie i wiersze, rosyjski folklor (Przysłów i powiedzenia);

Wybór ilustracje do oglądania;

Wystawa prac dziecięcych na rysunku, aplikacjach, modelowaniu i pracy ręcznej;

Wycieczki do sali wystawowej, zimowy ogród KDC "Arktyczny";

Spacery i wycieczki;

Tworzenie elektronicznego katalogu prac obraz;

Rysunek konkurs "Pory roku";

5 - Reprezentacja wyników

Wszystko zebrane, przy pomocy rodziców, nauczycieli, informacje bibliotekarzy zostały zgromadzone, podsumowane i systematyczne. Po zebraniu przetwarzania informacja:

Napisał obiecujący plan zapoznania dzieci obraz, wskazujące źródła i wybór dodatkowych materiałów;

Rozwinięta liczba abstrakcji zajęcia: "Co i jak to mówi obraz» : "Farby wieczornych krajobrazów. Rozważ malowanie I. I. Levitan "Letni wieczór"- "Złota jesień. Rozważ malowanie I. I. Levitan "Złota jesień""Taki inny spadek. Rozważmy i porównywanie obrazów krajobrazowych "Złota jesień" I. I. Levitan i "Październik" E. E. Volkov, " "Zimowy" I. I. Shishkin "i inni;

Przygotowany tematyczny prezentacje: "Cześć jesień złoty", "Znaki jesieni", "Jesień przez oczy artystów", "Rosyjski krajobraz obraz» , "Martwa natura", "Sztuka prymitywna", "Krajobraz obraz. Rosyjscy gracze krajobrazowi " itd. ;

Konsultacje dla nauczycieli o wpływie malowanie na rzecz rozwoju dziecka: "Rosyjski krajobraz obraz» , "Organizacja postrzegania martwego życia przez dzieci w wieku przedszkolnym", "Jesień, śpiew poecjom i malarze w dziełach sztuki "i innych;

Seminarium - Warsztaty dla nauczycieli "Natura zimy w dziełach artystów";

Przedmiotowy tydzień "Zimowa zabawa", "Jesienne etiudy";

Dla rodziców foldery są wystawiane - Mobile "Poetycki obraz natury w rysunku dzieci", "Sztuka i edukacja", "Nauka obserwowania natury" itd. ;

Otwarty zawód dla rodziców za pomocą zebranych informacji "Jest zimowa czarodziejka ...";

Monitorowanie wzbogacenia wiedzy o dzieciach i poziomie tworzenia pomysłów obraz.

Bibliografia

1. Ashikov V. Edukacja przedszkolna w edukacji przedszkolnej New Century //. -2000. - №1. - P. 8-11.

2. Edukacja i szkolenie dzieci szóstego roku życia. / Ed. Ushakova O. S., Paramonova L. A. - M.: Edukacja, 2001. - 160C.

3. Grigoriev G. G. Drobna aktywność przedszkolaków. - SPB.: Prasa w dzieciństwie, 1997. - 224c.

4. Dzieci i krajobraz obraz. Pory roku. Nauka widzenia, docenić, tworzyć piękno. - SPB.: Dzieciństwo - prasa, 2004. - z. 272 / Biblioteka programowa "Dzieciństwo"

5. Zubareva N. M. Dzieci i sztuki piękne. Martwa natura i krajobraz w edukacji estetycznej dzieci 5 - 7 lat. M., "Edukacja", 1969. - 111 p.

6. Kazakova T. G. Rozwijaj kreatywność z przedszkolaków. - m.: Oświecenie, 2005. - 146c.

7. Komarova, artystyczna kreatywność dla dzieci T. S. - M., 2005. - 160 p.

8. Krasnushkin E. V. Sztuka piękna przedszkolaki: Martwa natura, krajobraz, portret. Do pracy z dziećmi 49 lat. - m.: Synteza mozaiki, 2012. - 80 s.

9. Miedwiediew L. G. Tworzenie graficznego artystycznego obrazu w ćwiczeniu na rysunku, 1986.

10. Mikhailova T. Uczucie i kolor. Technologia "Formowanie emocjonalne" dzieci w procesie opanowania technologii obraz. // sztuka w szkole. z. 39, 2010.

11. Panksenov G. I. Obraz. Forma, kolor, obrazek: Samouczek dla studiów. Wyższy. kaptur instytucje edukacyjne. - M.: Publishing Center "Academy", 2008.

12. Psychologia prezentu dzieci i nastolatek: Tutorial / Yu. D. Babayev, N. S. Leithes. - m.: "Akademia", 2000.

13. Sakulina N. P., KOMAROVA T.S. Fine aktywność w przedszkolu. - m.: Oświecenie, 2003. - 208C

14. Chumicheva R. M. Preschochnikov o obraz: KN. Dla dzieci wychowawców. Ogród. - m.: "Edukacja", 1992. - 126 p., 16 litrów. Il.

15. Federalny standard edukacyjny Standard Edukacji przedszkolnej (Urządzenie. Zamówienie Ministerstwa Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej 17 października 2013 r. №1155)

Malowanie techniki - Zestaw technik stosowania materiałów sztuki i środków.

Tradycyjne techniki malarstwa: Enkauska, Tempera, Wall (Wapno), Klej i inne typy. Od XV wieku staje się popularna technika malarskiego z kolory oleju; W XX wieku farby syntetyczne pojawiają się z spoiwem polimerów (akryl, winylik itp.). Guasz, akwarela, chiński tusz do rzęs i technika półrońowa - pastelowa - również odnoszą się do malowania.

AKWARELA

Akwarela (z włoskiego. "Aquarello") - oznacza malowanie farb na bazie wody.

W akwareli istnieje wiele technik artystycznych: praca na surowej papierze ("a la prima"), pracuje na suchym papierze, wypełnić, mycie, stosując akwarela ołówki, tusze, praca sucha szczotka, stosowanie masticine, sól, wielowarstwowe malowanie, użycie sprzęt mieszany.

Odmiany techniki akwarela:

trwałe - malowanie na suchym papierze, suszenie każdej warstwy farby przed zastosowaniem kolejnego

w surowej, mokrej akwareli, alla prima - malowanie na surowej papierze. Technika mokra wykorzystuje rozprzestrzenianie się akwareli i tworzy niezwykłe efekty kolorów. Korzystanie z tej recepcji wymaga wiedzy o stopniu wilgotności papieru i doświadczenie wykorzystania samego odbioru.

Alla prima (alya ok okroka) (zdarzyła się z Ital. Alla Prima - W pierwszej chwili) - rodzaj techniki malowania oleju i akwarela, zapewniając wykonanie obrazu (lub jego fragmentu) dla jednej sesji, bez uprzedniej rejestracji i podwodnej .

Wylewanie jest bardzo ciekawą techniką w akwareli. Gładkie przejścia kwiatowe pozwalają skutecznie przedstawić niebo, wodę, góry.

Mastichein jest używany nie tylko malowanie przez olej, ale także w akwareli. Mastichean może podkreślić kontury gór, kamieni, skał, chmur, fal morskich, przedstawić drzewa, kwiaty.

Właściwości soli absorbującą służą do uzyskania interesujących efektów w akwareli. Z pomocą soli można ozdobić łąkę z kwiatami, uzyskać ruchome środowisko lotnicze na zdjęciu, poruszające się przejścia tonalne.

Malarstwo wielowarstwowe jest nasycone kolorami. W wielowarstwowym malarstwie wszystkie techniki artystyczne do pracy z akwarelą są używane.

Akwarela jest jedną z najbardziej złożonych malowniczych technik. Główną jakość akwarela - przezroczystość i obraz przeraźliwy. Wydaje się prostota i łatwość rysowania akwarela zwodnicza. Malarstwo akwarela wymaga opanowania pędzla, umiejętności wizji tonu i koloru, wiedzy o prawach mieszania kolorów i stosowania kolorowej warstwy na papierze. W akwareli jest wiele technik: praca na suchym papierze, pracują nad papierem surowym ("A La Prima"), stosowanie kredek akwarela, tusze, wielowarstwowe malowanie, praca sucha szczotka, wypełnić, mycie, przy użyciu masticine, sól, użycie sprzęt mieszany.

Akwarela, pomimo pozornie prostoty i łatwości rysunku, najbardziej skomplikowanej techniki obrazkowej. Malarstwo akwarela wymaga opanowania pędzla, umiejętności wizji tonu i koloru, wiedzy o prawach mieszania kolorów i stosowania kolorowej warstwy na papierze.

W przypadku pracy akwarela papier jest jednym z najważniejszych materiałów. Ważne jest jego jakość, rodzaj, ulga, gęstość, ziarnistość, rozmiar. W zależności od jakości papieru farby akwarelowe są stosowane inaczej na papierze, wchłaniając, wyschły.

OŁÓWEK

Ołówek - materiał do rysowania. Odróżnij ołówki w czerni i kolorowe. Rysunek ołówkiem odbywa się na papierze za pomocą klapy, plam tonalnych, transmisji oświetlenia.

Akwarela ołówki - widok kolorowych ołówków, rozpuszczalny w wodzie. Biorąc akwarele ołówki są zróżnicowane: rozmycie z wodą ołówkiem akwarela, praca podlewana w wodzie z ołówkiem akwarela, pracują z ołówkiem na mokrej papierze i innych. Rysunek jest bardziej skomplikowany.

Za pomocą ołówka możesz uzyskać nieskończenie wiele odcieni, gradacji tonu. Figura wykorzystuje różne ołówki miękkości.

Rozpocznij pracę na wzór graficzny z wzoru strukturalnego, tj. Wzór zewnętrznych konturów obiektu przy użyciu linii konstrukcji jest zwykle ołówek średniej miękkości H, HB, B, F, dalej w postaci tonowej, w której nie ma linii konturów przedmiotów, a granice Obiekty są oznaczone przez wylęgowanie, jeśli to konieczne, użyj miękkich ołówków. Najtrudniejsza jest 9h, najbardziej miękka 9b.

Na rysunku ołówek jest korzystnie, jak to możliwe, aby dokonać poprawek, jak to możliwe i ostrożnie używać gumy kasującej, aby nie pozostawić plam, więc rysunek będzie wyglądał świeżo i schludny. Neose do rysunku ołówka jest lepszy nie do używania z tych samych powodów. Holowanie zastosowane do tonu. Uderzenia mogą być różne w kierunku, długości, rozładowania, naciskając ołówek. Kierunek skoku (poziomy, pionowy, nachylony) jest określany przez kształt, rozmiar elementu, ruchu powierzchni na rysunku.

Portret ołówka uzyskuje się bardzo realistyczne i wypełnione światłem. W końcu przy pomocy ołówka można przenieść wiele odcieni, głębokości i objętości obrazu, przejścia oświetleniowe.

Rysunek ołówkiem jest ustalony z utrwalaczą, więc rysunek nie traci jasności, nie rozmazuje nawet wtedy, gdy go dotyka i jest zachowany przez długi czas.

MASŁO

Obraz olejny na płótnie jest najbardziej popularną techniką malarską. Obraz olejny daje master nieograniczoną liczbę sposobów obrazu i przekazywania nastroju otaczającego świata. Pastomanowe lub powietrze przejrzyste uderzenia przez płótno, tworzenie ulgi w stosunku do mastyki, zmiany, stosowanie przezroczystych lub rozpadających się farb, różne odmiany mieszania kolorów - całą tę różnorodność technik oleju malarskiego pozwala artysty znaleźć i przekazać Nastrój, objętość przedmiotów przedstawionych, środowisko powietrza, tworzą przestrzenie iluzji, przekazać bogactwo odcieni otaczającego świata.

Obraz olejny ma własną osobliwości - obraz jest napisany w kilku warstwach (2-3), każda warstwa musi wysychać przez kilka dni w zależności od zastosowanych materiałów, więc obraz oleju jest napisany od kilku dni do kilku tygodni.

Najbardziej akceptowalny na obraz olejny jest płótno lniane. Płótno trwałe, wyróżniające się żywym tekstem. Płótno lniane są różne ziarno. Na portret i malowanie szczegółowym rysunkiem, użyj drobnoziarnistych, płynniejszych płótna. Płótno gruboziarnistego jest odpowiednie do malowania z ciężką teksturą (kamienie, skały, drzewa), malowanie duszpasterskie i malowanie mastichine. Wcześniej w malarstwie stosuje się technika LECCING, stosując farby o cienkich warstwach, więc chropowatość warstwy lnianej dała obraz elegancji. Teraz w malarstwie jest często używany przez technikę rozmazów duszpasterskich. Niemniej jednak jakość płótna jest ważna dla ekspresji obrazu.

Bawełniane płótno - trwałe i niedrogi materiał, nadający się do malowania pociągnięć makaron.

W malowaniu olej wykorzystuje również takie zasady jak burlap, sklejka, organiczny, metalowy, a nawet papier.

Płótno są rozciągnięte na kartonie i na podramce. Płótno na kartonie cienkie i zwykle nie rozszerza dużych rozmiarów i nie przekraczają rozmiaru 50 * 70. Są lekkie i wygodne w transporcie. Płótno na podramce Droższe, gotowe puszki na podramce może osiągnąć 1,2 mln na 1,5m. Gotowe zdjęcie jest sporządzane w ramce.

Przed masłem roboczym płótno tonie i ziemia. Jest to konieczne, aby farba olejowa nie zniszczy płótna i że farba dobrze się świeciła na płótnie.

Zdjęcia z farbami olejnymi najczęściej piszą, instalując płótno na sztalugach. W obrazie olejnym należy użyć techniki pracy masticine. Mastichein jest elastycznym narzędziem w postaci noża lub ostrzy z zakrzywioną uchwytą. Różne forma Mastichene pomaga osiągnąć różne tekstury, ulgę, objętość. Mastichean można również stosować gładkie, gładkie uderzenia. Blade Mastichene można również stosować do tworzenia cienkich linii - pionowe, poziome, chaotyczne.

PASTEL

Pastel(z lat. Makaron - ciasto) - technika malowania i rysowania na szorstkiej powierzchni papieru i kartonowych pasteli. Pastel jest jednym z bardzo niezwykłych gatunków drobnych materiałów. Malowanie pastelowe powietrze i delikatne. Subtelle i łaska pastelowej technologii daje zdjęcia żywości, gdzieś wspaniała i magia. Technika "suchych" pasteli jest szeroko stosowana przez technikę "gumki", która daje efekt miękkich przejść i czułości koloru. Pastel jest stosowany do papieru cierpienia. Kwiaty kolorów papierowych. Kolor tła, czekając przez pastelowe uderzenia, powoduje pewien nastrój, relaksujący lub wzmacniający skutki kolorów rysunku. Pastelowe obrazy są stałe i przechowywane pod szkłem.

Pastelowa technika zdobyła szeroka popularność i dotarła do heyday w XVIII wieku. Pastel ma własność do przymocowania niezwykłej miękkości i czułości. W tej technice możesz zrobić kilka działek - od krajobrazów do rysunków ludzi.

Korzyści z pasteli są w dużej swobodzie dla artysty: pozwala strzelać i blokować całe malownicze warstwy, w dowolnym czasie zatrzymanie i odnowione. Pastel łączy możliwości malowania i rysunek. Może być rysowanie i pisanie, pracując z wylęgiem lub malowniczym plamy, suchym i mokrym pędzlem.

Pastelowe typy:

suchy - Wykonane z pigmentu, naciskając bez dodawania oleju

olej- Produkowany z pigmentu z olejkiem lnianym, naciskając.

wosk - wyprodukowany z pigmentu, naciskając z dodatkiem wosku

Techniki pastelowe są zróżnicowane. Pastelowe akcenty są przetarte palcami, kuchenkami specjalnymi, skórzanymi rolkami, szczotkami szczotkami kwadratowymi, miękkim tamponem. Technika pasteli jest bardzo subtelna i skomplikowana w nakładającym się pastelowym kolorze "lesing" na kolorze. Pastel jest nałożony przez plamy, uderzenia, lecicowanie.

W celu obsługi pastelowych ołówków fundamenty, które utrzymują pastely zapobiegające jej konieczne. Pastele pracują na szorstkim papierze, takie jak "Torchon", Watman, Emery, na luźnym, oddzieconym kartonie, zamszu, pergaminem, płótnie. Najlepszym powodem jest zamsz, na którym napisano niektóre klasyczne prace. Pastelowe rysunki są ustalone ze specjalnymi producentami, które zapobiegają pastelowi ściskanie.

Niezrównany pastelowy mistrz był Edgar Degas. Degas opętali ostre oko i rzadki wzór, który pozwolił mu osiągnąć niewidzialne efekty w pastelach. Nigdy więcej zdjęć pastele były tak ogromne, wirtualnie nieostrożne i tak cenne w kolorze. W swoich późniejszych pracach, które przypominają świąteczny kalejdoskop świateł, E.dega miała obsesję na punkcie pragnienia przeniesienia rytmu i przenieść scenę. Aby dać malować specjalny połysk i uczynić je blask, artysta rozpuszcza pastelową gorącą wodę, obracając go do rodzaju farby olejowej i szczotkowała go na płótnie. W lutym 2007 r. Na aukcji Sotheby w Londynie, pastelowe degas "Trzech tancerzy w fioletowych spódnicach" sprzedano za 7, 87 milionów dolarów. W Rosji, takie mistrzowie pracowali w Rosji jako repin, Serow, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.

Sangin.

Kolor Gamut Sangina, materiał do rysowania, od brązu, aby zamknąć się na czerwono. Za pomocą Sanginy tony ludzkiego ciała są dobrze przenoszone, więc portrety wykonywane przez Sangina wyglądają bardzo naturalnie. Rysunek maszynowy z natury z Sangina znany jest z renesansu (Leonardo da Vinci, Rafael). Często Santong w połączeniu z węglem lub włoskim ołówkiem. Aby zapewnić większą trwałość, sanguine rysunki są zamocowane z utrwalaczą lub umieszczoną pod szkłem.

Sangin jest znany od starożytności. Wtedy Sangin pozwolił wejść do koloru koloru cielesnego na rysunku. Powszechne przedłużenie rysunku Sangina uzyskano w epoce renesansowej. Artyści Revival opracowali i szeroko wykorzystali technikę "Trzy ołówków": zastosowali rysunek w stylu Satha lub sepii i węgla do stonowanego papieru, a następnie biała kredowa położyła pożądane miejsca.

Sangin.(z lat "Sanguineus" - "Blood-Red") - to są ołówki odcieni czerwono-brązowych. Santgina jest wykonana z cienkiej trawesty spalonej Sieny i gliny. Jako pastelowy, węgiel i sos Santgina jest miękkim materiałem, który otrzymuje formę czterech maszerowanych lub okrągłych kredek.

Za pomocą Sanginy tony ludzkiego ciała są dobrze przenoszone, więc portrety wykonywane przez Sangina wyglądają bardzo naturalnie.

Technika Sanginy charakteryzuje się kombinacją szerokich rozmazów i decyzji z uderzeniami ostrzymi uderzonych pociągnięć Sangina. Piękne pionowe rysunki są uzyskiwane na przyciemnionym tle, zwłaszcza gdy do głównego materiału dodaje się węgiel i kreda (trzy kredki ").

Na rysunek wybierają piosenkę tego cienia, który lepiej spełnia specyfikę natury. Na przykład nagie ciało jest dobrze rysowane z czerwonawą Sanginą, a krajobrazem - Sanguine szarawo-brązowy lub kolor sepii.

Czasami Sangin łączy się z węglem, dając zimne odcienie. Kontrast ciepłych i zimnych odcieni daje specjalne urok, takie prace.

Aby zapewnić większą trwałość, sanguine rysunki mogą być zamocowane za pomocą utrwalacza lub umieszczone pod szklanką.

Temperatura

Temperatura(Z łacińskiego "temperature" - do połączenia) - spoiwo farb składających się z naturalnej lub sztucznej emulsji. Przed poprawą farb olejnych I. Van Eyka (XV wieku) średniowieczne jajko było jednym z najpopularniejszych i wspólnych rodzajów malarstwa w Europie, ale stopniowo straciła swoje znaczenie.

W drugiej połowie XIX wieku rozczarowanie, które wystąpiące w późniejszym malarstwie olejnym było początkiem poszukiwania nowych wiążących farb i zapomnianej temperaturze, których dobrze zachowane prace są wymownie rozmawiają za sobą, ponownie przyciąga zainteresowanie.

W przeciwieństwie do malarstwa olejnego i starego temperamentu, nowa temperatura nie wymaga malowania pewnego systemu malarstwa, zapewniając pełną swobodę w tym zakresie, co może użyć bez żadnych uszkodzeń siły malarskiej. W przeciwieństwie do oleju szybko wysycha. Malowanie temperaturowe pokryte lakierem nie są gorsze od malowania olejnego, a w odniesieniu do bezwładności i trwałości, farby temperatury przekraczają nawet olej.

Materiały i techniki są zróżnicowaną grafiką, ale z reguły podstawa jest arkuszem papieru. Kolor i tekstura papieru odgrywają dużą rolę. Kolorowe materiały i techniki są określane przez typ grafiki.

1

W artykule omówiono pewne problemy z farbami akwarelowymi w zajęciach malarskich. Akwarela jest atrakcyjna dla jego dostępności, czystość związków kolorów. Z pozorną prostotą akwarela kompleksowa technika malowania maszynowego. Szczególna uwaga jest wypłacana materiały, narzędzia, technologiczne aspekty malarstwa akwarela: metody lekarza, "alla prima", "dla surowca". W pracy na długotrwałych etiudów, pierwszy jest używany częściej. Do malowania na pleniach, w szybkich eterach, metoda Alla Prima jest bardziej odpowiednia. Należy rozumieć, że opanowanie malowania akwarela nie jest znany dla książek. Wszystko jest znane w długoterminowej pracy praktycznej, na osobistym doświadczeniu. Dlatego praktyka jest najlepszą metodą opanowania techniki malowania akwarela.

instrumenty

materiały do \u200b\u200bmalowania

metoda listu.

malarstwo akwarelowe

1. Bed g.v. Podstawy drobnej listu: rysunek. Obraz. Kompozycja. Ed. 2nd, rekreacja. i dodaj. M.: Oświecenie, - 1981. - 239 p.

2. Vasiew A.a. Malowanie martwa natura: Akwarela: badania. Zasiłek. Ed. 3, rekreacja. i dodaj. Krasnodar: Wydawnictwo Państwa Kubana. Uniwersytet, 2004. - 98 p.

3. Volkov Yu.v. Pracować na malowniczych etiudach. M.: Oświecenie, 1984. - 31 s.

4. Skripnikova E.v. Martwa natura: skład, rysunek, malarstwo: samouczek / E.V. Skripnikova, A.I. Sukharev, N.P. Golovacheva, G.S. Baymukhanov. - Omsk: Wydawnictwo OmgPu, 2015. - 150 s.

5. Skripnikova E.v., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Malowanie martwego życia: samouczek. - Omsk: Boudpo "Iroooo", 2015. - 92 p.

6. Shchetinin I.d. Akwarela: praktyczny przewodnik. Kurgan: Wydawnictwo "Fort Dialog - Kurgan", 2009. - 31 s.

Sformułowanie problemu

Technologia akwarela studiuje studentów na wydziałach sztuki uniwersytetów pedagogicznych w pierwszym roku. W dziedzinie malowania istnieją nie tylko malownicze zadania dla studentów: znalezienie ogólnego koloru produkcji, kolorowe relacje obiektów i tła, objętość transmisji obiektów w niektórych warunkach świetlnych, badanie przepisów i zasad perspektywy powietrznej, ale Również kompozycje i wzory. Po pierwsze, zadanie jest nauczenie się, jak komponować: Aby określić proporcje formatu arkusza, znajdź rozmiar obrazu, umieść elementy na płaszczyźnie wizualnej względem siebie. Po drugie, naucz się rozumieć i rysować przedmioty różnych wzorów i form, biorąc pod uwagę kąt i linię horyzontu, poznają się przepisów i zasad perspektywy liniowej. W naszym artykule uważamy tylko za pomocą technologii malarstwa akwarelowego: materiały, narzędzia, różne metody technologiczne.

Akwarela jest atrakcyjna dla jego dostępności, czystość związków kolorów. Z pozorną prostotą akwarela kompleksowa technika malowania maszynowego. Aby go opanować i zrozumieć, musisz starannie studiować materiały i narzędzia (farby, papier, szczotki). W końcu każdy proces twórczy rozpoczyna się od tego.

Akwarela (od lat. wodny.- "Woda") - farby, podlewane wodą, aw zawodowym środowisku artystycznym - i dzieła malowania wykonywane przez takie kolory. Kolorowe pigmenty używane do przygotowywania farby Aqua-Skin, tak samo jak w innych farbach. Ale pigment akwarela jest niezwykle cienki, doprowadzony do stanu, gdy jest w wodzie, nie rozstrzygnie go przez długi czas. Klej - spoiwo tego pigmentu - należy rozpuścić w wodzie, bądź bezbarwny, elastyczny. Różne kleje roślinne są stosowane jako spoiwo w farbach akwarelowych (Gumyra-bik, dekstrynę, klej wiśniowy, miód itp.), I zawierają również plastyfikator w postaci glicerolu. Gliceryna nie daje farby stać się kruche i rozprasza, ponieważ utrzymuje wilgoć. W akwareli, czasami dodać żółć żółci, tak że łatwo położy się na powierzchni papieru i nie przewrócił się podczas litery, antyseptyczne (fenol), co zapobiega zniszczeniu farby z pleśni.

Akwarela farby są łatwo rozpuszczone w wodzie, jest oczyszczane z praniem i zapewnia przezroczystą warstwę, która nie uniemożliwia odbicia światła z papieru. Ale niektóre farby mają większą przejrzystość (Carmine, Alaty, Emerald Green it.), są one w pełni walcowane w wodzie i bardziej płynnie spadają na papierze. Inne (Cadmium Zaator, cytryna itp.) Mają gęstość, "ukrywanie", tworząc powłoki powierzchniowe.

Zapisz akwarela farby lepiej w chłodnym miejscu, bez dostępu do bezpośredniego światła słonecznego, aby nie zestalilili suchego powietrza.

Nowoczesny przemysł produkuje farby akwarelowe w dużym asortymencie. I bez względu na to, jak bogaty w palecie farb, nie mieliby wystarczającej ilości przeniesienia różnorodności kolorów wokół nas świata. Artysta rozszerza paletę kolorów z mieszaniem farb, zarówno mechanicznie, jak i optyczni - nakładają się na jedną warstwę farby na innym. Konieczne jest przestudiowanie właściwości różnych kolorów, sprawdź ich chrupkość, kolor i odporność na światło. Konieczne jest wypróbowanie wszystkich możliwych kombinacji farb, zarówno indywidualnie, jak iw mieszankach ze sobą; Zrozumieć, co "brud" robi w mieszaninach i jakie odcienie należy zwrócić uwagę.

"Czysty" malarstwo akwarela maluje farbami bez użycia beli. Ponieważ farby akwarelowe są przezroczyste, samo papier (mniej często tektura) służy "Unika". Papier do malowania akwarela sprawia, że \u200b\u200bróżne odmiany gęstości i tekstury. Kolor, gęstość, tekstura papierowa mają ogromne znaczenie. Najlepszą akwarelą jest gęsty papier z ziarnistą powierzchnią, która jest dobrze kłująca i wybielona. Istnieją odmiany od drobnoziarnistych do szorstkich tekstur przypominających burlap. Tekstura przyczynia się do głębokości koloru koloru, umożliwia łatwe położenie farby akwarelowej na powierzchni arkusza z gładką i przezroczystymi warstwami, dłużej utrzymuje wilgoć w porach. Na tym artykule możesz wykonać wiele godzin etitów, umożliwia również zmywanie nieudanych miejsc. Na papierze z gładką powierzchnią farby jest zły i łatwo zmył szczotką przy stosowaniu ostatnich warstw, aby prowadzić długi szkic twardy.

Jednolity dystrybucja farby akwarelowej na powierzchni papieru zakłóca obecność tłuszczowych plam. Dlatego przed malowaniem, papier musi być przemywany wodą destylowaną przy użyciu kilku kropli alkoholu amoniaku. Pożółkłym papierze może być wybielany, jeśli płukano z tamponem, zwilżonym nadtlenkiem wodoru.

Podczas pracy należy zachować na białym papierze w jasnych miejscach (blask, białe powierzchnie obiektów itp.). Aby zaoszczędzić jasne miejsca, możesz zatrzymać nagrane miejsca z brzytwą ostrzem, nożem i na surowej powierzchni - i kotletów szczotki. Innym sposobem jest pokrycie zapisanych lekkich miejsc i odblaski z gumowym klejem. Po zakończeniu pracy na klej etiudy można łatwo usunąć za pomocą miękkiej gumowej pasma.

Kolor papieru to tło, które zawsze uczestniczy w budowie smakowego całego obrazu. Dobry papier do malowania akwarela jest papier o wysokim poziomie bieli, ponieważ jego powierzchnia odbija się dobrze przez warstwy farb i daje im jasność, ujawnia napięcie dźwiękowe. W obrazie akwarela znajduje użycie i wstępny tonowanie białej księgi. Stonowany papier łączy malarstwo, tworzy kolorową podstawę etiudy. Jego ton zależy od zadań rozwiązanych przez artystę. W akwarelach, mistrzów kawy lub cykorii różnych forteców są często stonowanych. Piękne odcienie daje herbatę.

Aby papier nie powstaje przed wilgocią, musi być wklejony na tablecie. Nawilżarowany papier jest nałożony na tablecie, który jest zamocowany na górze ramy. Podczas suszenia papier jest rozciągnięty płynnie i nie rasy. Na dłuższą ochronę wilgotności papieru pod nim, można umieścić mokry materiał. Dla małego papieru akwarela można użyć "schodów". Schody to tabletka pewnej wielkości i obejmuje jego większą ramkę.

W Plasere wygodnie jest pracować nad tak zwanym klejeniem. Klejenie jest paczką arkuszy, mając gęsty samochód-ton u podstawy lub paneczki. Arkusze papierowe, przeklęte między sobą, tworzą blok. Używany górny arkusz jest usuwany, spośród nowych do pracy.

Akwarelistki tradycyjnie używają wiewiórki, kolumny i włosia włosia, ale obecnie są dobre szczotki ze sztucznymi włosami. Szczotki te są praktyczne w pracy, ich włosy nie są gorsze od kolumn, podczas gdy mają zwiększoną obrobnię, większą trwałość. W kształcie mogą być zarówno okrągłe, jak i płaskie. W akwareli największe użycie ma okrągłe szczotki. Pędzle do kopiowania są uważane za najlepsze, są silniejsze i elastyczne, są mniej. Jakość pędzla jest sprawdzana w ten sposób. Pędzel jest obniżany do wody, a następnie, podając z wody, potrząśnij go. Jeśli końcówka szczotki okazała się ostra, pędzel jest uważany za odpowiedni do pracy.

Do malowania akwarela musi mieć szczotki o różnych rozmiarach (od nr 8 do 16). Duża okrągła szczotka jest głównym narzędziem w malarstwie akwarelowym. Może zastosować duże ilości farby lub pisanie końcówki pędzla. Początkowo możesz zrobić duży pędzel, z którym artysta działa swobodnie i szeroko, wielkie relacje. Ponieważ doświadczenie akumuluje pracy akwareli i zadania edukacyjne i kreatywne są skomplikowane, artysta musi rozszerzyć i zestaw szczotek.

Duża waga do akwareli pracującej należy do palety. Paleta musi mieć czysty biały kolor. Do malowania nie absorbuje, paleta powinna być solidna, płynna i gładka. Używamy palety białego szkła w drewnianej ramie, dolne pokryte białą farbą olejną lub z białej porcelany, fajans. Możesz używać białych płytek ceramicznych, płytki, metalowe płytki, malowane białej farby jako palety; Palety plastikowe mogą być również odpowiednie, są dostępne w niektórych zestawach farb akwarelowych.

Często studenci jako palety używają papieru. Papier do tych celów nie jest odpowiedni. Z wody papier szybko się pojawia w ruinach, obraca się i utrudnia wykonywanie pracy. Wadą, gdy pracując z taką palety, jest to, że luźny przestronny papier zajmuje kolorową mieszankę najcenniejsze - dobrze rozpuszczalne pigmenty, elementy wiążące, cząstki papieru, kleju i niechcianych substancji chemicznych należą do kolorowej mieszanki, która pozbawia go przezroczystość i daje W malowaniu "brud"

Specjalne sztalugi i szkice do malowania akwarela nie istnieją. Farby mogą być noszone w dowolnych płaskich pudełkach. Wskazane jest noszenie szczotek, oddzielnie owiniętych w szmatę lub umieścić w "Kysteni". Podczas noszenia szczotek w skakniku, pogarszają się, stracić formę. Woda może być noszona w kolbach z szeroką szyją.

Wylewanie, dokładne przygotowanie materiałów i narzędzi do malowania akwarela nie powinny być w obciążeniu.

Istnieje kilka sposobów technologicznych do pracy z farbami akwarelowymi. Ale główne sposoby są na dwa sposoby: metoda mniejszych i metody Alla Prima. W pracy na długotrwałych etiudów, pierwszy jest używany częściej. Do malowania na pleniach, w szybkich eterach, metoda Alla Prima jest bardziej odpowiednia.

Lekcjacja jako metoda malowania wielowarstwowa opiera się na zastosowaniu przezroczystości farby akwarelowej, jego właściwości kolorów optycznych przy stosowaniu jednej przezroczystej warstwy farby do drugiego. Nakładając jedną warstwę farby do drugiej, możesz uzyskać więcej nasyconych odcieni tego samego koloru, a także pomieścić złożone kolory złożone. Gdy metoda lecicingowa, głębokość i nasycenie koloru są osiągnięte przez sekwencyjną ponowną pokrywę dobrze jak przezroczystą warstwę z inną warstwą farby.

Długotrwałym etiude przez lecesing przeprowadza się w określonej sekwencji. Najpierw wykonaj lekki wzór liniowy ołówkiem lub cienką szczotką w dowolnym kolorze, wówczas szczotka jest układana na duże płaszczyzny obrazu, ale nie na pierwszej mocy, ale jako wstępnie przygotowanie wstępne do późniejszego malowania. Od samego początku pracy na etiudie musimy spróbować jak najwięcej w celu przekazania całego związku natury. Konieczne jest ustanowienie związku między całym pięknem natury, cały czas, aby porównać ton farby w nasyceniu i lekkości.

Podczas pracy powinno być stale w porównaniu do kolorowych relacji obiektów przedstawionych zarówno w naturze, jak iw etiudie, oraz relacji wzajemnych znaków: światło jednego obiektu jest porównanie ze światłem innego, cienia z cieniem itp . Konieczne jest określenie natury główne kontrasty - miejsca i przedmioty są najbardziej jasne i najbardziej ciemne na siłę tonu, aby natychmiast ustalić różnicę między bardzo lekką a najciemniejszą działką natury. Najczęściej dzieje się na pierwszym planie lub specjalnie przydzielonych obiektach przyrody "głównych". Wykonując etiudę, niemożliwe jest ograniczenie do pracy na jednym z dowolnych miejsca, próbując natychmiast go zakończyć, bez żadnego związku z resztą środowiska. W naturze wszystko jest ze sobą połączone i niemożliwe jest prawidłowo podjąć kolor przedmiotu przedstawiony od środowiska.

Uczyń etudą powinien być zawsze na zasadzie - od całkowitej do prywatnego. Cała Etiuda (z wyjątkiem jasnych miejsc i blasków) zostaje przerwana (z wyjątkiem jasnych miejsc i blasków), upewniając się poprawność rozważanych relacji, możesz rozpocząć dalszą pracę - aby rzeźbić kształt obiektów, połóż semi- Dźwięki, cienie, refleksy. W pracy z akwarelą wskazane jest pracować z światła do ciemności. Zwykle pierwsze przedstawione obiekty pokrywa szeroko lekkie warstwy farb, które według wytrzymałości tonu odpowiadają najbardziej oświetlone miejsca przedstawione elementy. Następnie stosowane są cienie. Po tym półtonów jest określany przez porównanie ich między sobą.

Gdy warstwy są uzależnione od kolorowej warstwy ze wszystkimi jego wielowarstwowymi (korzystnie nie więcej niż trzema warstwami, w przeciwnym razie farba jest utracona przezroczystość, tzw. Dirt okazuje się) powinien pozostać cienki i przezroczysty, aby pominąć światło odbite od powierzchnia papieru. Już przy pierwszej rejestracji konieczne jest jasno konturowe kontrasty - największe różnice w świetlistości i stosunek ciepłych i zimnych odcieni.

Szafki, pitne farby, zaleca się użycie na końcu pracy, aby stworzyć większą istotność, substytucję, TIN. Należy pamiętać, że gdy występuje farby akwarelowe, farby akwarelowe tracą siłę kolorów - rozjaśniają około jednej trzeciej swojej pierwotnej siły. Dlatego konieczne jest, aby pożądane kolory były bardziej bogate, Yar-Kimi, aby uniknąć letargii malarstwa.

Inną metodą malarstwa akwarela jest metoda alla prima, w której natychmiast piszą, bez sekwencyjnej nakładki warstw farby, każda część zaczyna się i kończy w jednym odbiorze. Wszystkie kolory są przyjmowane raz w pełnej sile, co pozwala na używanie mieszanin mechanicznych farb, tj. Zrób pożądany kolor z kilku farb na palecie. Podczas pracy przez metodę "Alla Prima" zmienia się wiele przepisów. Ta metoda jest bardziej stosowana na pleniach. Najczęściej artyści akwarela używają obu metod.

Aby utworzyć lekkie przejścia kolorów, zwłaszcza w tych zamontowanych miejscach, w kontakcie obiektów i samolotów konieczne jest, aby krawędzie zastosowanych rozmazów połączyły się. W tym celu papier jest wstępnie zwilżony wodą. Ta metoda nazywa się pracą "dla surowego".

Aby spowolnić suszenie farb, podczas pracy, możliwe jest stosowanie roztworów gliceroli, mydła lub miodu w wodzie, na której farby są różne.

Należy rozumieć, że opanowanie malowania akwarela nie jest znany dla książek. Wszystko jest znane w długoterminowej pracy praktycznej, na osobistym doświadczeniu. Dlatego praktyka jest najlepszą metodą w opanowaniu techniki malowania akwarela.

Recenzenci:

Miedwiededev L.g., DP., Profesor, Dean Wydziału Sztuki OmgPu, Omsk;

SHALALAPIN OV, Dr, profesor, szef Departamentu Rysunku, Malowania i Sztuki Edukacji Instytutu Sztuki, FGBOU VPO "NGPU", Nowosybirsk.

Odniesienie bibliograficzne

Sukharev a.i., Schecheninin I.D. Akwarela Technologia malarstwa // Nowoczesne problemy nauki i edukacji. - 2015. - № 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id\u003d21931 (Data obsługi: 02.01.2020). Przynosimy do swojej uwagi Czasopisma Publikując w Wydawnictwie "Akademia Nauk przyrodniczych"