Plan analizy obrazu na sztukę. Analiza malarstwa kompozytowa

Plan analizy obrazu na sztukę. Analiza malarstwa kompozytowa
08.03.2020

Analiza pracy obrazkowej w lekcjach klasowych. Z doświadczenia zawodowego

Gaponenko Natalia Vladimirovna, szef nauczycieli PMM z dzielnicy MHC Novoylinsky, nauczyciel dzieł sztuki MBNU "Gymnasium nr 59", g. Nowokuznetsk.

"Okładki sztuki i jednocześnie konsekruje życie ludzkie. Ale zrozumieć, że grafika jest daleka od łatwego. Konieczne jest, aby dowiedzieć się tego - dowiedz się długo, całe moje życie ... zawsze, aby zrozumieć dzieła sztuki, musisz znać warunki kreatywności, cele kreatywności, osobowości artysty i ery. Widz, słuchacz, czytnik musi być uzbrojony w wiedzę, informacje ... a zwłaszcza chcesz podkreślić znaczenie szczegółów. Czasami drobiazg pozwala nam być przenikniętym do głównej rzeczy. Jak ważne jest, aby wiedzieć, co jedna lub inna rzecz została napisana lub malowana! "

D.S. Likhachev.

Sztuka jest jednym z ważnych czynników do tworzenia osobowości danej osoby, podstawy do tworzenia stosunku człowieka do zjawisk otaczającego świata, więc rozwój umiejętności percepcyjnych staje się jednym z zasadniczych zadań edukacji artystycznej.

Jednym z celów studiowania przedmiotu "Sztuka piękna" jest rozwój artystycznego obrazu, czyli możliwość rozumienia głównej rzeczy w dziele sztuki, wyróżniając środki ekspresyjności, której artysta używa, aby scharakteryzować ten obraz. Istnieje ważne zadanie rozwoju moralnych i estetycznych cech osoby poprzez postrzeganie dzieł sztuki wizualnej.
Spróbujmy rozważyć metodologię do uczenia się postrzegania i analizy obrazów

Metody poznania postrzegania i analizy obrazów

Metody stosowane w zapoznaniu się z malarstwem są podzielone na słowne, wizualne i praktyczne.

Metody słowne.

1. Pytania:

a) zrozumieć treść obrazu;

b) zidentyfikować nastrój;

c) określenie ekspresyjnych środków.

Ogólnie rzecz biorąc, pytania zachęcają dziecko do rówieśnika na obrazie, zobaczyć jej szczegóły, ale nie tracą holistycznego uczucia artystycznej pracy.

2. Rozmowa:

a) jako wejście do lekcji;

b) Rozmowa na zdjęciu;

c) końcowa rozmowa.

Ogólnie rzecz biorąc, metoda konwersacji ma na celu opracowanie umiejętności studentów, aby wyrazić swoją myśl, aby zapewnić, że dziecko może uzyskać próbki mowy w rozmowie.

3. Historia nauczyciela.

Wizualny:

Wycieczki (wirtualna wycieczka);

Wyświetlanie reprodukcji, albumy ze zdjęciami słynnych artystów;

Porównanie (Obraz nastroju, ekspresyjny).

Praktyczny:

Wykonanie utworów pisemnych na zdjęciu;

Przygotowanie raportów, abstrakty;

W lekcjach sztuki wizualnej wskazana jest łączenie różnych metod pracy z dziełami sztuki, podkreślając nacisk na ten lub tę metodę, biorąc pod uwagę gotowość studentów

Praca z obrazkiem

A. A. Lublinskaya uważa, że \u200b\u200bpostrzeganie obrazu dziecka należy nauczyć, stopniowo prowadzić, aby zrozumieć, co jest przedstawione na nim. Wymaga to rozpoznawania poszczególnych przedmiotów (ludzi, zwierząt); Podświetlanie pozycji i pozycji pozycji każdej figury w ogólnym planie obrazu; Ustanowienie powiązań między głównymi bourami; Wybór szczegółów: oświetlenie, tło, wyrażenia ludzi.

S. L. Rubinstein, T. Ovsepian, który studiował percepcję obrazu, wierzymy, że charakter odpowiedzi dzieci w jego treści zależy od wielu czynników. Po pierwsze, z treści malarstwa, bliskości i dostępności jego działki, z doświadczenia dzieci, od ich zdolności do rozważenia rysunku.

Praca z obrazem obejmuje kilka wskazówek:

1) Poznawanie fundamentów listu wizualnego.

W lekcjach uczniowie zapoznają się z gatunkami sztuki dziełowej, gatunków, z środkami ekspresywności art. Uczniowie otrzymują umiejętności korzystania z terminologii sztuki: cień, pół, kontrast, odruch itp. Poprzez słownictwo wprowadzane są warunki historyjskich badań historyjskich, badane są prawa kompozycji.

2) Uznanie życia, pracy artysty.

Przygotowanie uczniów do aktywnego postrzegania obrazu jest najczęściej przeprowadzane w procesie rozmowy. Zawartość konwersacji jest zwykle informacjami o artysty, historii obrazu. Śledzenie życia artysty, zaleca się rozważenie na takich odcinkach, które wpłynęły na tworzenie jego przekonań, dał kierunek jego pracy.

Formy informacji o życiu i dziełach artysty różnorodnych : Historia nauczyciela, film naukowy, czasami występy z raportami są powierzone studentom.

3) Korzystanie z dodatkowych informacji.

Postrzeganie obrazu przyczynia się do odwołania do prace literackie, którego przedmiot jest blisko treści obrazu. Wykorzystanie dzieł literackich przygotowuje ziemię głębszej percepcji i zrozumienia przez dzieci obrazu obrazowego znajomego z działką mit.

Ogromne znaczenie dla zrozumienia sztuk malarstwa sytuacja historyczna W kraju badano w określonej sekcji, stylistyczne cechy sztuki.

4) Wyświetlanie obrazu.

Możliwość rozważenia obrazu jest jednym z niezbędnych warunków rozwoju percepcji, obserwacji. W trakcie przeglądania zdjęcia, osoba widzi przede wszystkim spółgłoska z nim, jego myśli i uczucia. Uczeń biorąc pod uwagę obraz, zwraca uwagę na to, co go martwi, zajmuje to jest dla niego nowy, nieoczekiwany. W tym momencie określa się postawa uczniów do obrazu, powstaje swoje indywidualne zrozumienie obrazu artystycznego.

5) Analiza malowniczej płótna.

Celem analizy obrazu jest pogłębianie pierwotnej percepcji, pomóż uczniom zrozumieć język figuratywny sztuki.

W pierwszych etapach analiza prac prowadzi się w trakcie rozmowy lub historii nauczyciela, stopniowo uczniowie prowadzą analizę niezależnie. Rozmowa pomaga dzieciom cieńszy, głębiej, aby zobaczyć, czuć i zrozumieć dzieło sztuki.

Metody analizy pracy obrazkowej

    Metody A. Melik-Pashayeva. (Źródło: Journal "Art w szkole" Nr 6 1993 G.A. Melik-Perezaev "Dzień świąteczny" lub "straszne wakacje" (do problemu zrozumienia planu autora)

Pytania do zdjęcia:

1. Jak nazwałbyś to zdjęcie?

2. Czy lubisz zdjęcie, czy nie?

3. Opowiedz mi o tym zdjęciu, aby osoba, która nie zna, nie mogłaby na to pomysł.

4. Jakie uczucia nastrój powoduje ci to zdjęcie?

7. Czy chcesz dodać lub zmienić coś w odpowiedzi na pierwsze pytanie?

8. Przenieś się do odpowiedzi na drugie pytanie. Czy masz oszacowanie na poprzednie lub zmienione? Dlaczego tak oceniasz obraz?

2 . Przykładowe pytania do analizy grafiki

Poziom emocjonalny:

Jakie impresja tworzy pracę?

Jaki nastrój próbuje przekazać autora?

Jakie uczucia mogą widzowi?

Jaki jest charakter pracy?

Jak pomóc emocjonalnemu wrażeniu pracy jego skali, formatu, poziomej, pionowej lub ukośnej lokalizacji części, użycie niektórych kolorów na zdjęciu?

Przedmiot:

Co (lub kto) jest przedstawiony na zdjęciu?

Podświetl główną rzecz z tego, co widziałeś.

Spróbuj wyjaśnić, dlaczego wydaje ci się to najważniejsze?

Co oznacza, że \u200b\u200bartysta podkreśla najważniejsze?

W jaki sposób elementy są rozważane w pracy?

Jak przeprowadzono główne linie (skład liniowy)?

Poziom sceny:

Spróbuj opowiadać fabuła obrazów ..

Co może zrobić (lub powiedzieć) bohatera, bohaterka pracy obrazkowej, jeśli przyjdzie, aby wiedzieć?

Poziom symboliczny:

Czy w pracy jest jakieś obiekty, które symbolizuje coś?

Czy symboliczny charakter jest składem pracy i jego głównych elementów: poziomy, pionowe, ukośne, koło, owalne, kolor, kostka, kopuła, łuk, łuk, ściana, wieża, iglica, gest, pozować, ubrania, rytm, barw itd.?

Jak nazywa się praca? Jak odnosi się do jego działki i symbolika?

Jak myślisz, co chciał dać ludziom autor pracy?

Plan analizy pracy obrazkowej. Esej - uczucie.

1.vutor, obraz tytułu
2. Styl / kierunek sztuki (realizm, impresjonizm itp.)
3. Malowanie Stankovaya (malarstwo) lub monumentalne (fresk, mozaika), materiał (do malowania maszynowego): farby olejne, gwasz itp.
4. Gatunek grafiki (portret, martwa natura, historyczne, domowe, marina, mitologiczny, krajobraz itp.)
5. Działka biblioteczna (która jest przedstawiona). Historia.
6. Środki ekspresyjne (kolor, kontrast, skład, centrum wizualne)

7. Wrażenie (uczucia, emocje) - odbiór "nurkowania" na działce obrazów.

8. Główna idea wykresu obrazu. Że autor "chciał powiedzieć", po co napisał zdjęcie.
9. Nazwa obrazu.

Przykłady prac dziecięcych na temat percepcji i analizy malowniczych prac.

Pisanie to uczucie obrazu I. E. repin "do ojczyzny. Bohater z przeszłości "


I. E. Repin napisał zdjęcie "do ojczyzny. Bohater z przeszłej wojny "najprawdopodobniej w czasie powojennym, dokładniej po pierwszej wojnie światowej.
Kierunek artystyczny, w którym obraz jest napisany, realizm. Partisz, do pracy artysta używany farb olejny. Gatunek portret.
Film repin pokazuje młody człowiek, który dużo miał. Wraca do domu do swoich bliskich i krewnych, na jego twarzy można zobaczyć poważne, lekko smutne wyrażenie. Oczy są pełne smutku. Wędrował po polu, który wydaje się nieograniczony, który pamięta strzały broni i każdego, kto na niego spadł. Idzie świadomość, że wielu, z których nie kochał, nie więcej. I tylko wrony, jak duchy, przypominają ci martwych przyjaciół.

Repin jako środki ekspresyjnego wybrał zimne kolory wyciszonych tonów, wiele cieni w obrazie transmitują objętości obiektów i przestrzeni. Kompozycja jest statyczna, sama osoba jest wizualnym centrum kompozycji, jego spojrzenie skierowane do nas przyciąga widok widza.

Kiedy patrzę na zdjęcie, jest smutek i świadomość faktu, że obecne życie różni się od tego, co było wcześniej. Czuję uczucie mrozu na ciele, uczucie bezwietrznej opadającej pogody.

Wierzę, że autor chciał pokazać, co ludzie, którzy minęli wojnę. Nie, oczywiście, nie zmienili się na nierozpoznawalną Outland: Ciało, proporcje pozostały takie same, ci, którzy mieli szczęście, nie mają zewnętrznych zastrzyków. Ale na twarzach nie będzie byłych emocji, spokojny uśmiech. Horrory wojny, którą ten ładny młody człowiek przeżył, na zawsze nadrukował w swojej duszy.

Zadzwoniłbym do zdjęcia "Lonely Soldier" lub "Road Home" ... Ale gdzie on idzie? Kto na niego czeka?

Wynik: W ten sposób postrzeganie prac artystycznych jest złożony proces umysłowy, który obejmuje zdolność dowiedz się, aby zrozumieć przedstawione, Wyraź kompetentnie moją myśl za pomocą profesjonalnych terminów artystycznych. Ale to tylko akt poznawczy. Wymagany jest warunkiem percepcji artystycznej obraz emocjonalny postrzegany, wyraz stosunku do niego. Esej - uczucie pozwala zobaczyć osądy dzieci, które świadczą o zdolności nie tylko poczuć piękne, ale także oceniane.

Wyświetleń: 20 779

Zasady analizy dzieł sztuki dziełowej

Podstawowe zasady analizy i opisywania dzieł sztuki dziełowej

Przybliżona ilość tego, co musisz wiedzieć, jest

  • – Wprowadzenie do badania dyscypliny "Opis i analiza grafiki".

Kluczowe koncepcje dyscypliny: sztuka, artystyczny obraz; Morfologia sztuki; gatunki, gatunek sztuki; Plastikowe tymczasowe, syntetyczne sztuki; tektoniczne i wizualne; styl, "język" sztuki; Semiotyki, hermeneutyka, tekst artystyczny; Metoda formalna, analiza stylistyczna, ikonografia, ikona; przypisanie, imponujące; Estetyczne szacunki, przegląd, metody ilościowe w historyku sztuki.

  • - Estetyczna teoria sztuki: artystyczny obraz - uniwersalna forma sztuki i artystycznego myślenia; struktura grafiki; przestrzeń i czas w sztuce; historyczna dynamika typów sztuki; Synteza sztuk w procesie historycznym i kulturowym.
  • - Morfologia sztuki: klasyfikacja typów sztuki; Gatunek jako kategoria morfologii sztuki.
  • - Szczególne cechy sztuki plastikowej jako gatunki: architektura, rzeźba, grafika, malarstwo.
  • - Semiotyka i hermenevics of Art w kontekście opisu i analizy grafiki: języki sztuki, znakiem podejścia do badania sztuki, dzieło sztuki jako tekst, hermeneutyczne zrozumienie tekstu.
  • - Metodykologiczne fundamenty analizy tekstowej: formalne stylistyczne, ikonograficzne, ikona.

Podobnie jak każda nauka, teoria sztuki ma własne metody. Nazwymy się głównym: metodę ikonograficzną, metodą płynu lub metodą formalnej analizy stylistycznej, metodę ikonologiczną, metodą hermeneutyki.

Założycielami metody ikonograficznej byli rosyjski naukowiec N.P. Kondakov i Francuz E. Mal. Oba naukowcy byli zaangażowani w dziesiątkę średniowiecza (Kondakov - Bizantist, Mal studiował w średniowieczu zachodnim). W sercu tej metody leży "historia obrazu", badanie działki. Znaczenie i treść prac można rozumieć, badając to, co jest przedstawione. Rozumiesz starożytną ikonę rosyjską tylko głęboko badane przez historię wyglądu i rozwoju obrazów.

Problem nie jest pokazany, ale gdy słynny niemiecki naukowiec G. Velflin został pokazany. W historii sztuki Velflin weszła jako "formalistyczna", dla której rozumienie sztuki zmniejsza się do badania swojej formalnej struktury. Zaproponował przeprowadzenie formalnej analizy stylistycznej, zbliżając się do badania pracy artystycznej jako "obiektywnego faktu", który należy rozumieć przede wszystkim.

Ikonologiczna metoda analizy dzieła sztuki opracowała amerykański historyk i teoretyczną sztukę E. Panofsky (1892-1968). Podstawą tej metody jest podejście "kulturowe" do ujawnienia znaczenia pracy. Aby zrozumieć obraz, zgodnie z naukowcem, konieczne jest nie tylko używanie metod ikonograficznych i formalistycznych, tworząc syntezę ich, ale także znać istotne trendy życia duchowego osoby, tj. Worldview ery i osobowości, filozofii, religii, sytuacji społecznej - wszystko, co nazywa się "symbolami czasu". Tutaj historycy Sztuki wymagają ogromnej wiedzy w dziedzinie kultury. Nie jest to tak duża zdolność do analizy, jak bardzo wymóg syntezy intuicji, w jednym dziele sztuki, jak to było całą erę, jest syntetyzowana. Tak więc Panofsky genialnie ujawnił znaczenie niektórych francuskich rycin, utworów Titysta itp. Wszystkie te trzy metody ze wszystkimi zaletami i minusami można wykorzystać do zrozumienia sztuki klasycznej.

Trudno zrozumieć sztukę XX wieku. A zwłaszcza druga połowa XX wieku, sztuka postmodernizmu, który a priori nie jest przeznaczony do naszego zrozumienia: w nim brak znaczenia i ma sens pracy. Podstawą sztuki postmodernizmu jest całkowita zasada gry, w której widz działa jako pewien współautor procesu tworzenia pracy. Hermeneutyka jest zrozumieniem poprzez interpretację. Ale także I. Kant powiedział, że jakakolwiek interpretacja jest wyjaśnieniem tego, co nie jest oczywiste, a akt przemocy jest na nim oparty na nim. Tak to jest. Aby zrozumieć sztukę współczesną, jesteśmy zmuszeni dołączyć do tej "gry bez reguł", a teoretycy sztuki współczesnej tworzą równoległe obrazy, interpretowanie widziane.

W ten sposób, biorąc pod uwagę te cztery metody zrozumienia sztuki, należy zauważyć, że każdy naukowiec zajmujący się tym lub ten okres historii sztuki zawsze stara się znaleźć swoje podejście do ujawnienia znaczenia i treści pracy. I to jest główna cecha teorii sztuki.

  • - Badanie faktograficzne sztuki. Przypisanie grafiki: przypisanie i imponujące, teoria przypisywania i historia tworzenia, zasad i metod pracy przyznawania.

Historia protokołu jest jasna i opisana szczegółowo historyczni domowych. V.N. Lazarev. (1897-1976) ("Historia zaangażowania Comer"), B.r. VIPPER. (1888-1967) ("do problemu przypisania"). W środku XIX wieku. Pojawia się nowy rodzaj "konstrukcji" sztuki, którego celem jest przypisanie, tj. Utworzenie uwierzytelnienia pracy, czasu, miejsca stworzenia i praw autorskich. Connoisseur ma fenomenalną pamięć i wiedzę, nienaganny smak. Widział wiele kolekcji muzealnych i, z reguły, ma własną metodę przypisania pracy. Wiodącą rolę w rozwoju protoktualnego, gdy metoda należała do włoskiego Giovanni Morelley. (1816-1891) Po raz pierwszy próbował wydobyć niektóre wzory budowania kawałka malarstwa, tworzyć "gramatykę języka artystycznego", który miał stać się (i stał się) podstawą metody atrybucji. Morelli dokonał wielu cennych odkryć w historii sztuki włoskiej. Wyznawca Morelli był Bernard Bernson. (1865-1959), który twierdził, że jedynym prawdziwym źródłem osądów jest sama praca. Bernson żył długie i jasne życie. V.N. Lazarev w publikacji o historii komisji Comer entuzjastycznie opisał całą twórczą ścieżkę naukowca. Nie mniej interesujące w historii niemieckiego naukowca Max Friedlander. (1867-1958). Podstawą atrybutu Fritlegnera uważa za pierwsze wrażenie otrzymane od sztuki art. Dopiero po tym możesz przejść do analizy naukowej, w której może być ważna najmniejsza część. Pozwolił, aby wszelkie badania mogą potwierdzić i dodać pierwsze wrażenie lub, przeciwnie, odrzuć go. Ale nigdy go nie zastąpi. Connoisseur, na Friedland, powinien mieć alarm artystyczny i intuicję, który "jako strzałę kompasu, pomimo wahań, wskazują nam drogę". W krajowej artystycznej, wielu naukowców i pracowników muzealnych zaangażowali się w prace atrybutowe, uznano oni za konnesy. B.r. Vipper wyróżnił trzy główne przypadki przypisania: intuicyjne, losowe i trzeci - główna ścieżka w przypisaniu - gdy badacz zbliża się z różnych technik, aby ustalić autor pracy. Określając kryterium metody VIPPER jest tekstura i rytm emocjonalny obrazu. Pod fakturą oznacza farbę, charakter rozmazu itp. Rytm emocjonalny jest dynamiką zmysłowej i duchowej ekspresji na zdjęciu lub innej formie sztuki wizualnej. Zdolność do zrozumienia rytmu i tekstury istoty właściwego zrozumienia i oceny jakości artystycznej. Tak więc, liczne atrybuty i odkrycia wykonane przez koneserów, pracowników muzealnych, zawodzą bezsporne wkład w historię sztuki: bez ich odkryć, nie rozpoznamy prawdziwych autorów pracy, biorąc podróbki do oryginału. Były zawsze niewielu z tych ekspertów, wiedzieli o nich w świecie sztuki, a ich działania były bardzo mile widziane. Rola eksperta eksperta w XX wieku była szczególnie zwiększona, gdy rynek artystyczny z powodu ogromnego popytu na dzieła sztuki dzieł była wypełniona podróbkami. Brak muzeum, Collector nie kupi pracy bez dokładnego badania. Jeżeli pierwsi eksperci podjęli wniosek na podstawie wiedzy i subiektywnej percepcji, nowoczesny ekspert opiera się na obiektywnych danych analizy technicznej i technologicznej, a mianowicie: transmisję obrazu promieni rentgenowskich, określający skład chemiczny farby, określający Wiek płótna, drewna, gleby. Tym samym udaje się uniknąć błędów. Tak więc odkrycie muzeów i działalność ekspertów miały ogromne znaczenie dla tworzenia historii sztuki jako niezależnej nauki humanitarnej.

  • - Emocjonalna i estetyczna ocena grafiki. Formy gatunkowe, metody badań historycznych artystycznych.

Algorytm analizy prymitywnej:

Algorytm do analizy malowania

  1. Znaczenie tytułu obrazu.
  2. Przynależność do gatunku.
  3. Cechy wykresu obrazów. Przyczyny pisania obrazu. Wyszukaj odpowiedź na pytanie: Czy autor jego pomysłu dla widza?
  4. Cechy składu obrazu.
  5. Naprawiono aktywa artystycznego obrazu: kolor, rysunek, tekstura, światło, sposób pisania.
  6. Jakie wrażenie było to dzieło sztuki na twoich uczuciach i nastroju?
  7. Gdzie jest to dzieło sztuki?

Algorytm do analizy dzieł architektury

  1. Co wiadomo o historii tworzenia struktur architektonicznych i jego autora?
  2. Określ przynależność tego produktu do ery kulturalnej i historycznej, stylu artystycznego, kierunku.
  3. Jaki przykład wykonania znaleziony w tej pracy Formula Vitruvia: Siła, korzyści, piękno?
  4. Określ na temat środków i technik artystycznych do tworzenia obrazu architektonicznego (symetria, rytm, proporcja, modelowanie czarno-kolorowe, skala), w systemach tektonicznych (belka sufitowa, silikon-łukowata, podgrzewana kopuła).
  5. Określ, aby należeć do rodzaju architektury: struktury masowe (publiczne: mieszkalne, przemysłowe); krajobraz (park ogrodowy lub małe formy); planowanie miasta.
  6. Określ połączenie między zewnętrznym i wewnętrznym wyglądem struktury architektonicznej, połączenie między budynkiem a ulgą, charakteru krajobrazu.
  7. Jak korzystać z innych sztuk w projekcie jego wyglądu architektonicznego?
  8. Jakie wrażenie zrobiło pracę na tobie?
  9. Jakie stowarzyszenia jest obrazem artystycznym i dlaczego?
  10. Gdzie jest struktura architektoniczna?

Algorytm do analizy dzieł rzeźby

  1. Historia tworzenia pracy.
  2. O autorze. Jakie miejsce zajmuje tę pracę w swojej pracy?
  3. Partner do sztuki.
  4. Znaczenie nazwy pracy.
  5. Należący do rodzajów rzeźby (monumentalny, pomnik, stal).
  6. Wykorzystanie maszyn materiałowych i przetwarzających.
  7. Rozmiary rzeźby (jeśli ważne jest, aby wiedzieć).
  8. Forma i rozmiar piedestal.
  9. Gdzie jest ta rzeźba?
  10. Jakie wrażenie było nad tobą?
  11. Jakie stowarzyszenia jest obrazem artystycznym i dlaczego?

Czytaj więcej:

Przykładowe pytania do analizy grafiki

Poziom emocjonalny:

  • Jakie impresja tworzy pracę?
  • Jaki nastrój próbuje przekazać autora?
  • Jakie uczucia mogą widzowi?
  • Jaki jest charakter pracy?
  • Jak pomóc emocjonalnemu wrażeniu pracy na temat swojej skali, formatu, poziomej, pionowej lub ukośnej położenia części, stosowanie pewnych form architektonicznych, stosowanie niektórych kolorów na zdjęciu i dystrybucji światła w pomniku architektonicznym?

Przedmiot:

  • Co (lub kto) jest przedstawiony na zdjęciu?
  • Co widzi widza, stojąc przed fasadą? W wnętrzach?
  • Kogo widzisz w rzeźbie?
  • Podświetl główną rzecz z tego, co widziałeś.
  • Spróbuj wyjaśnić, dlaczego wydaje ci się to najważniejsze?
  • Co oznacza artysta (architekt, kompozytor) podkreśla główną rzecz?
  • W jaki sposób elementy są rozważane w pracy?
  • Jak przeprowadzono główne linie (skład liniowy)?
  • W jaki sposób struktura architektoniczna porównuje woluminy i przestrzenie (skład architektoniczny)?
  • Poziom sceny:
  • Spróbuj wytoczyć fabułę obrazów.
  • Spróbuj przesłać, które zdarzenia mogą częściej występować w tej strukturze architektonicznej.
  • Co może zrobić tę rzeźbę (lub powiedzieć), jeśli jest drogie?

Poziom symboliczny:

  • Czy w pracy jest jakieś obiekty, które symbolizuje coś?
  • Czy symboliczny charakter jest składem pracy i jego głównych elementów: poziomy, pionowe, ukośne, koło, owalne, kolor, kostka, kopuła, łuk, łuk, ściana, wieża, iglica, gest, pozować, ubrania, rytm, barw itd.?
  • Jak nazywa się praca? Jak odnosi się do jego działki i symbolika?
  • Jak myślisz, co chciał dać ludziom autor pracy?

Plan analizy dla pracy obrazkowej

  1. 1. Autor, nazwa pracy, czasu i miejsca stworzenia, historia planu i jego przykładu wykonania. Wybierz model.
  2. 2. Styl, kierunek.
  3. 3. Malowanie Vidid: stal, monumentalny (fresk, temperatura, mozaika).
  4. 4. Wybór materiału (do malowania maszynowego): farby olejne, akwarela, gwasz, pastelowy. Charakter użycia tego materiału dla artysty.
  5. 5. Malarstwo (portret, krajobraz, martwa natura, obraz historyczny, panorama, diorama, ikonografia, marina, gatunek mitologiczny, gatunek gospodarstwa domowego). Charakterystyka gatunku dla dzieł artysty.
  6. 6. Wykres na żywo. Zawartość symboliczna (jeśli istnieje).
  7. 7. Charakterystyka na żywo pracy:
  • kolor;
  • połysk;
  • Tom;
  • płaskość;
  • smak;
  • przestrzeń artystyczna (przestrzeń przekształcona przez artystę);
  • linia.

9. Wrażenie uzyskane przy oglądaniu pracy.

Dane techniczne:

  • Schemat kompozytowy i jego funkcja
    • rozmiar
    • format (wydłużony pionowo i poziomo, kwadratowy, owalny, okrągły, wizerunek i format)
    • schematy geometryczne.
    • główne linie kompozytowe
    • równowaga, stosunek części obrazu ze sobą i całym,
    • wyświetlanie sekwencji
  • Przestrzeń i jego funkcje.
    • Perspektywa, punkty zbierające
    • płaskość i głębokość
    • plany przestrzenne
    • odległość między widzem a pracą, miejsce widza w przestrzeni obrazu lub na zewnątrz
    • punkt widzenia i obecność kątów, linii horyzontu
  • Światło, objętość i ich rola.
    • objętość i samolot
    • linia, sylwetka
    • Źródła światła, pora dnia, efekty oświetleniowe
    • emocjonalne skutki światła i cienia
  • Kolor, kolor i jego funkcje
    • przewagę smaku tonalnego lub lokalnego smaku
    • ciepły lub zimny kolor
    • liniowość lub malarstwo
    • główne plamy kolorów, ich związek i ich rolę w składzie
    • tone, Valera.
    • refleks
    • emocjonalne efekty koloru
  • Tekstura powierzchniowa (rozmaz).
    • charakter rozmazu (otwarta tekstura, gładka tekstura)
    • skupienie Mazkova
    • rozmaz
    • lessentia.

Opis i analiza zabytków architektonicznych

Temat 1. Architektura języka sztuki.

Architektura jako rodzaj sztuki. Koncepcja "Architektury sztuki". Artystyczny obraz w architekturze. Artystyczny język architektury: koncepcja takich agentów ekspresji artystycznej jako linii, samolotu, przestrzeni, masy, rytmu (arytmiona), symetria (asymetria). Elementy kanoniczne i symboliczne w architekturze. Pojęcie planu budynku, na zewnątrz, wnętrze. Styl w architekturze.

Temat 2. Główne typy struktur architektonicznych

Pomniki Sztuki Planowania Miast: Miasta historyczne, ich części, działki starożytnego planowania; Kompleksy architektoniczne, zespoły. Zabytki architektury mieszkaniowej (sprzyja kupiec, szlachetne, chłopskie, rentowne domy itp.) Pomniki architektury społeczeństwa obywatelskiego: teatry, biblioteki, szpitale, budynki edukacyjne, budynki administracyjne, stacje itp. Uszkodzone zabytki: świątynie, kaplice, klasztory. Architektura obrony: Ostrotowa, wieże, serfery itp. Zabytki architektury przemysłowej: kompleksy fabryczne, kadłuby, kuźnie itp.

Sztuka ogrodnicza i parkingowa, sztuka ogrodnicza i krajobrazowa: ogrody i parki.

Temat 3. Opis i analiza pomnika architektonicznego

Plan budowlany, materiał budowlany, kompozycja objętości zewnętrzny. Opis fasady ulicy i dziedzińca, otwory drzwi i okna, balkony, dekoracja zewnętrzna i wnętrza. Wniosek dotyczący stylu i artystycznych zalet pomnika architektonicznego, jego miejsce w dziedzictwie historycznym i architektonicznym miasta, wsi, regionu.

Metody analizy monograficznej pomnika architektonicznego

1. Analiza systemów konstrukcyjnych i tektonicznych obejmuje:

a) wykrywanie graficzne na obiecujących lub ortogonalnych projekcjach pomnika jego konstruktywnej podstawy (na przykład stosowanie konturów łuków i kopuł, "manifestacji" na fasadzie struktury wewnętrznej, rodzaju "kombinacji" Fasada z cięciem, wylęgowanie powierzchni na ciętach, aby wyjaśnić strukturę wnętrza itp.)

b) wyjaśnienie stopnia bliskości i połączoność elementów strukturalnych oraz odpowiednie formy architektoniczne tektoniczne (na przykład selekcji na cięciach wynajmowanych łuków, łuków i definicji, ich wpływ na formy uderzenia, Kokoshnikov, trzy- Łuki ostrza itp.)

c) przygotowanie niektórych schematów tektonicznych pomnika (na przykład schemat przechowywanej powłoki katedry gotyckiej lub schematu, "oddaną przestrzeń wewnętrznej świątyni tylnej - w aksonometrii itp.);

2. Analiza proporcji i proporcji prowadzona jest z reguły w ortogonalnych projekcjach i składa się z dwóch punktów:

a) Wyszukiwanie wielu relacji (na przykład 2: 3, 4: 5 itp.) Pomiędzy głównymi parametrami wymiarów pomnika, biorąc pod uwagę fakt, że proporcja ta może być stosowana w trakcie konstrukcji na odroczenie w naturze niezbędne wartości. Jednocześnie wartości wymiarowe (moduły) są wielokrotnie występują w pomniku porównaniu z historycznymi długościami (stopy, sadzonki itp.);

b) Wyszukuje mniej lub bardziej stałe połączenie geometryczne wielkości podstawowych form i członków pomnika na podstawie stosunków naturalnych stosunków elementów najprostszych figur geometrycznych (kwadratowy, dwuwarstwowy, trójkąt równoboczny itp.) I ich pochodne. Zidentyfikowane proporcjonalne wskaźniki nie powinny sprzeczać logikę budowania form tektonicznych pomnika i oczywistej sekwencji budowy poszczególnych części. Analiza może kończyć się łączeniem rozmiarów oryginalnego kształtu geometrycznego (na przykład kwadratu) z modułem i długością historyczną długości.

W ćwiczeniu edukacyjnym nie powinno dążyć do identyfikacji zbyt dużych stosunków, znacznie ważniejsze jest zwrócenie uwagi na jakość przydzielonych proporcji i proporcji, tj. Ich istotności składu, w związku z relacjami wymiarowymi głównych objętości tektonicznych woluminy i możliwość ich stosowania w konstrukcji procesu pomnika.

3. Analiza wzorów metro-rytmicznych może być przeprowadzana zarówno na rysunkach ortogonalnych, jak i obiecujących obrazach pomnika (rysunki, fotografie, slajdy itp.). Esencja metody zmniejsza się do podkreślenia wykresu (linia, ton, wylęgowanie lub kolor) na dowolnym obrazie pomnika metrycznych i rytmicznych rzędów formularzy pionowo i poziomo. Rzędy metryczne wyizolowanych w ten sposób (na przykład kolumnady, otwory okienne, okapy itp.) I rytmiczne pręty (na przykład malejące poziomy, zmieniające się łuki itp.) Umożliwiają identyfikację "statycznego" lub "dynamicznego" składu architektonicznego ten pomnik. Jednocześnie denerwowanie wzorców zmian w członkach rytmicznej formy form jest ściśle w kontakcie z analizą proporcji. W wyniku badania sporządzono konwencjonalne schematy, odzwierciedlające cechy budowy metro-rytmicznych rzędów formu tego pomnika architektonicznego.

4. Rekonstrukcja graficzna umożliwia odtworzenie utraconego wyglądu pomnika na dowolnym etapie jego historycznej egzystencji. Rekonstrukcja jest wykonywana jako ortogonalny rysunek (plan, fasada), gdy występuje odpowiednie kucie lub w postaci obiecującego obrazu wykonanego na rysunku z natury lub fotografii (slajd). Jako źródło odbudowy, użyj opublikowanych obrazów zabytków pomnika, różnego rodzaju opisy historyczne, a także materiały na podobnych zabytkach tej samej ery.

Zaproponowany jest student do celów szkoleniowych, aby uczynić jedynie rekonstrukcję szkicowania, tylko ogólnie, charakter początkowego lub zmienionego wyglądu pomnika.

W niektórych przypadkach student może ufitować opcje rekonstrukcji tego samego pomnika dokonanego przez różnych badaczy. Ale wtedy konieczne jest podawanie tych opcji rozsądnej oceny i przeznaczyć najbardziej prawdopodobne. Student powinien zgłosić graficznie wizerunek podobnych zabytków lub ich fragmentów.

Specjalnym rodzajem rekonstrukcji jest odtworzenie początkowego, a następnie utraconego koloru pomnika - jest wykonywane na podstawie ortogonalnych fasad lub obiecujących obrazów z możliwym włączeniem historycznego środowiska planowania miasta.

Podczas wykonywania zadania na temat rekonstrukcji graficznej można szeroko stosowany sposób rysowania i fotomontaży.

5. Budowanie obrazów architektonicznych - akceptacja zabytków z rozwiniętą kompozycją objętościową zaprojektowaną do stopniowej percepcji w czasie, takich jak Erehechteion w Atenach lub Katedrze Pokrowskiej w Moskwie. Podczas pominięcia takiego pomnika widz, ze względu na zamknięcie niektórych woluminów, postrzegają wiele płynących do innych obiecujących obrazów, które nazywane są obrazy architektoniczne.

Zadaniem studenta jest przeznaczenie wysokiej jakości grup obrazów architektonicznych, wyznaczają strefę percepcji tych grup obrazów i ilustrują każdą grupę jednej cechy, w formie obiecującego obrazu lub fotografii (slajd).

Liczba wysokiej jakości różnych obrazów zwykle nie przekracza pięciu-sześciu.

6. Analiza skali i skali składa się z identyfikacji roli na dużą skalę członków objętości architektonicznych i graficznej alokacji na temat ortogonalnych lub obiecujących obrazów pomnika charakterystycznych szczegółów - "wskaźniki skali", takie jak kroki, balustrady itp. Szczególną uwagę należy zwrócić na rolę zamówienia jako narzędzia uniwersalnego. Skala architektoniczna.

Metody porównawczej analizy pomników architektonicznych

1. Porównanie kompozycji objętościowych dwóch zabytków przeprowadza się poprzez porównanie planów, fasady lub cięć przekazanych w skali ogólnej. Wnioski lub dostosowanie planów, fasady i cięć są bardzo skuteczne; Czasami, gdy łącząc projekcje dwóch zabytków, przydatne jest doprowadzenie ich do dowolnego ogólnego rozmiaru, na przykład do tej samej wysokości lub szerokości (w tym przypadku proporcje zabytków są również porównywane).

Możliwe jest również porównanie w celu porównania obiecujących obrazów zabytków w formie rysunków z natury lub fotografii. W tym przypadku rysunki lub migawki muszą być wykonane w podobnych kątach, a z takich punktów, w których ujawniono charakterystyczne cechy objętości i kompozycji przestrzennej. Należy prześledzić, że zgodnie z jego względnymi rozmiarami, obrazy pomników w przybliżeniu odpowiadały stosunków ich wielkości.

W przypadku wszystkich przypadków porównania porównawczego różnica zabytków zwykle działa wyraźniej niż chwile ich podobieństwa. Dlatego konieczne jest graficznie podkreślać, jak tożsamość technik kompozytowych, analogii w połączeniu wolumenów, podobnych do charakteru członków, lokalizacji otworów itp.

Opis i analiza zabytków rzeźby

Rzeźba języka sztuki.

Podczas analizy dzieł rzeźby konieczne jest uwzględnienie własnych parametrów rzeźby jako rodzaj sztuki. Rzeźba jest rodzajem sztuki, w której prawdziwa trójwymiarowa objętość współdziała z jego otaczającą trójwymiarową przestrzenią. Najważniejszą rzeczą w analizie rzeźby jest objętość, przestrzeń i sposób interakcji. Rzeźba materiałów. Rodzaje rzeźby. Gatunki rzeźby.

Opis i analiza pracy rzeźby.

Przykładowy plan:

1. Jaki jest rozmiar tej rzeźby? Rzeźba jest monumentalna, szklana, miniaturowa. Rozmiar wpływa na to, w jaki sposób interakcje z przestrzenią.

2. W jakiej przestrzeni była analizowana produkt (w świątyni, na placu, w domu itp.)? Jakiego punktu widzenia został obliczony (z daleka, od dołu, w pobliżu)? Czy jest częścią zespołu architektonicznego lub rzeźbiarskiego, czy jest to niezależna praca?

3. Ile rozpatrywanych prac obejmuje przestrzeń trójwymiarową (okrągła rzeźba i rzeźba związana z architekturą; kształt architektoniczny i rzeźbiarski, palnik; ulga; płaskorzeźba; malownicza ulga; przeciwdziałanie ulgi)

4. W jakim materiale jest? Jakie są cechy tego materiału? Nawet jeśli przeanalizujesz obsadę, ważne jest, aby pamiętać, z którego materiał został wykonany oryginalny. Idź do sal oryginalnych, zobacz, jak rzeźba wykonana w materiale, w którym jesteś zainteresowany. Jakie cechy rzeźby są podyktowane przez jego materiał (dlaczego ten materiał został wybrany do tej pracy)?

5. Czy rzeźba obliczona na stałym punkcie widzenia lub jest całkowicie ujawniona obwodem kołowym? Ile ukończonych ekspresyjnych sylwetek ma tę rzeźbę? Jakie są te sylwetki (zamknięte, kompaktowe, geometrycznie poprawne lub malownicze, otwarte)? Jak są sylwetki związane ze sobą?

6. Jakie są proporcje (wskaźniki części i całości) w tej rzeźbie lub grupie rzeźbiarskiej? Jakie są proporcje ludzkiej postaci?

7. Jaki jest rysunek rzeźby (opracowywanie i powikłanie stosunków między dużymi blokami kompozytowymi, rytmem członków krajowych i charakter rozwoju powierzchni)? Jeśli rozmawiamy o uldze - jak jest liczba całkowita podczas zmiany kąta widzenia? W jaki sposób zbudowana jest głębokość pomocy, a plany przestrzenne są zbudowane, ile z nich?

8. Jaka jest tekstura powierzchni rzeźbiarskiej? Jednolite lub różne w różnych częściach? Gładki lub "szkic" są widoczne ślady dotykowych narzędzi, podobnych do odpryskiwania, warunkowe. W jaki sposób ta tekstura jest związana z właściwościami materiału? W jaki sposób tekstura wpływa na postrzeganie sylwetki i wielkości formy rzeźbiarskiej?

9. Jaka jest rola koloru w rzeźbie? W jaki sposób objętość i kolory współdziała, jak oni wpływają na siebie?

10. Jaki gatunek jest ta rzeźba? Na co ona zamierzała?

11. Jaka jest interpretacja motywu (naturalistyczna, warunkowa, podyktowana przez kanon, podyktowana miejscem zajmowanym przez rzeźbę w środowisku architektonicznym lub niektórym).

12. Czy czujesz się w pracy jakichkolwiek innych rodzajów sztuki: architektury, malarstwo?

Opis i analiza malarstwa

Malowanie języka sztuki

Koncepcja malowania. Narzędzia ekspresywności artystycznej: przestrzeń artystyczna, skład, smak, rytm, kolorowy znak rozmazu. Materiały i techniki malarstwa: olej, temperatura, gwasz, akwarela, urządzenia mieszane itp. Malowanie Stankovaya i monumentalne. Odmiany malarstwa monumentalnego: fresk, mozaiki, witraże i inne. Malarstwo Gatunki: Portret, Krajobraz, Gatunek Gospodarstwa domowego, Martwa natura, Animalism, Historyczne itp.

Opis prac malarskich

Określanie podstawowych parametrów pracy: autor, data tworzenia, rozmiar obrazu, format obrazu: poziomy lub pionowy prostokąt (ewentualnie z zaokrąglonym wnioskiem), kwadratowy, koło (Tdado), owalny. Technika (temperatura, olej, akwarela itp.) I na jakiej podstawie (drewno, płótno itp.) Obraz i dr.

Analiza dzieł malarstwa

Plan analizy próbki:

  1. Czy na zdjęciu jest fabuła? Co jest przedstawione? W jakim środowisku jest przedstawione znaki, przedmioty?
  2. Na podstawie analizy obrazu można stwierdzić o gatunku. Który gatunek: portret, krajobraz, martwa natura, nago, domowe, mitologiczne, religijne, historyczne, animalist, - należy do obrazu?
  3. Jak myślisz, jaki rodzaj zadania jest artystą - wizualną? ekspresyjny? Jaki jest stopień konwencji lub naturalizmu obrazu? Czy warunkowość jest idealizacją lub wyrazistą zniekształceniem? Z reguły kompozycja kompozycji malarskiej jest związana z gatunkiem.
  4. Jakie elementy tworzą kompozycję? Jaki jest stosunek obiektu obrazu i tła / miejsca na wzór obrazu?
  5. Jak blisko do samolotu obrazu są umieszczone obiekty obrazu?
  6. Jaki kąt widzenia wybrał artystę - z góry, dołu, spłukiwać z pokazanymi obiektami?
  7. Jak ustalona jest pozycja widza - czy jest to udział w interakcji z obrazem pokazanym na zdjęciu, czy też otrzymuje rolę zawieszonego kontemplatora?
  8. Czy można zadzwonić do kompozycji zrównoważoną, statyczną lub dynamiczną? Jeśli jest ruch, jak to jest skierowane?
  9. Jak zbudowana przestrzeń obrazu (płaska, niejasno, warstwa przestrzenna milczy, tworzona jest głęboka przestrzeń)? Ze względu na to, co osiąga się z iluzji głębokości przestrzennej (różnica w wielkości przedstawionej liczbach, pokazu objętości obiektów lub architektury, przy użyciu gradacji kolorów)? Kompozycja jest rozwijana za pomocą rysunku.
  10. Jak pojawił się w kolorze liniowym?
  11. Kontury zestresowane lub Scratzen, z wyłączeniem indywidualnych przedmiotów? Co oznacza, że \u200b\u200bten efekt osiągnięty?
  12. W jakim stopniu wyrażona ilość obiektów? Jakie techniki są tworzone przez iluzję objętości?
  13. Jaką rolę lekka gra na zdjęciu? Co to jest (płynne, neutralne; kontrast, pchanie objętości; mistyczne). Czy Źródło / kierunek lekkiego czytania?
  14. Czy sylwetki przedstawionych postaciach? Jak wyraziły one są cenne w sobie?
  15. Jak szczegółowy obraz (lub jest odwrotny)?
  16. Jest różnorodnością tekstur przedstawionych powierzchni (skóra, tkaniny, metalu itp.) Przesyłane? Kolorowanie.
  17. Jaką rolę odgrywa kolor smaku (podporządkowany rysunek i objętość lub odwrotnie podrzędny podrzędny i buduje sam kompozycję).
  18. Czy kolor jest tylko objętością malarską lub czymś dużym? Czy jest optycznie wiarygodna lub ekspresyjna?
  19. Lokalne kolory lub smak tonalny są zdominowane na zdjęciu?
  20. Czy granice kolorowych miejsc są rozróżniane? Czy pasują do granic woluminów i przedmiotów?
  21. Artysta działa z dużymi masami kolorów lub małych rozmazów plam?
  22. Jak napisane są ciepłe i zimne kolory, czy artysta korzysta z kombinacji dodatkowych kolorów? Dlaczego on to robi? Jak są najbardziej oświetlone i ukryte miejsca są przesyłane?
  23. Czy są blasku, odruchami? Jak są cienie (głuchy lub przezroczysty, są kolorowe)?
  24. Czy można podkreślić repetycje rytmiczne w stosowaniu dowolnego koloru lub kombinacji odcieni, czy możliwe jest śledzenie rozwoju dowolnego koloru? Czy istnieje dominujący kolor / kombinacja kolorów?
  25. Jaka jest tekstura malowniczej powierzchni - gładka lub pasto-stara? Czy poszczególne uderzenia są rozróżniane? Jeśli tak, jakie są małe lub długie, płynne, grube lub prawie suche farby?

Opis i analiza prac graficznych

Grafika języka sztuki.

Grafika jako rodzaj sztuki wizualnej. Stałe środki artystycznej ekspresyjnej grafiki: linia, bar, plama itp. Rysunek liniowy i czarny i biały. Grawerowanie, rodzaje ryctwa: drzeworyt, litografia, linograf, trawienie, monotypia, aquatinte itp. Grafika Stanka. Książka grafika. Plakat artystyczny, plakaty. Zastosowana grafika.

Opis dzieł grafiki

Określenie podstawowych parametrów pracy: autor, data tworzenia, rozmiar arkusza, format, technika.

Analiza dzieł grafiki

Plan analizy próbki:

  1. Ogólna definicja sytuacji przestrzennej, cechy przedstawionej przestrzeni. Przestrzeń jest głęboka, nie, zamknięta lub otwarta, w jakim planie skoncentrowane akcenty. Dominujące (najbardziej niezbędne prace dla tego) oznacza głębokość budynku i ich użycie. Na przykład: charakter perspektywy liniowej lub powietrza (jeśli jest używane). Charakterystyka przedstawionej przestrzeni. Integralność / rozczarowanie przestrzeni. Decyzja w sprawie planów, alokacji uwagi (przydział niektórych planów lub jednolitości percepcji). Punkt widzenia. Interakcja widza i przedstawiona przestrzeń (ta pozycja jest konieczna, nawet jeśli nie ma obrazu obszaru głębokości).
  2. Lokalizacja, stosunek, połączenia elementów na płaszczyźnie iw przestrzeni.

Określanie rodzaju kompozycji - jeśli to możliwe. W dalszym wyrafinowaniu: Dokładnie ten typ kompozycji jest zawarty w tej pracy graficznej, jakie są niuanse jego użycia. Charakterystyka formatu (rozmiar proporcji). Stosunek formatu i kompozycji: obraz i jego granice. Dystrybucja masowa w arkuszu. Kompleksowy akcent i jego lokalizacja; jego stosunek z innymi elementami; Dominujące kierunki: dynamika i statyczna. Interakcja głównych elementów kompozycji o strukturze przestrzennej, wyrównanie akcentrów.

  1. Analiza technologii graficznej.
  2. Rezultatem analizy jest zidentyfikowanie zasad tworzenia formularza, jego wyrazistych cech i skutków. W oparciu o formalne i wyraziste cechy pracy możesz podnieść pytanie o jego sensie (treści, pomysł) i.e. Przejdź do jego interpretacji. Jednocześnie konieczne jest wziąć pod uwagę działkę (ponieważ historia jest interpretowana w tej pracy?), Specyfika cech charakterystyki (na zdjęciu fabuły i portret - pozuje, gesty, wyrażenia twarzy), Symbolizm (jeśli istnieje) itd., Ale jednocześnie - środki obrazu, a zatem wpływ obrazu. Możliwe jest również korelowanie zidentyfikowanych indywidualnych cech pracy z wymaganiami gatunków i gatunku, do którego należy, z szerszym kontekstem artystycznym (praca artystyczna jako całość: sztuka Era, szkoły itp. ). Z tego może przestrzegać wniosku o wartości i wartości pracy, jego miejsce w historii sztuki.

Opis i analiza dzieł sztuki dekoracyjnej i stosowanej i ludowej

Rodzaje dekoracyjnych i stosowanych i ludowej sztuki

Malowanie na drewno, metal itp. Haft. Dywany. Sztuka biżuterii. Rzeźba drewniana, kości. Ceramika. Lampy sztuki i inne.

Opis zabytków dekoracyjnych i stosowanych i sztuki ludowej

Rodzaj sztuki dekoracyjnej i stosowanej. Materiał. Cechy jego przetwarzania. Wymiary. Cel, powód. Charakterystyka kolorów, tekstura. Stosunek funkcji estetycznych utylitarnych i artystycznych przedmiotu.

Analiza zabytków dekoracyjnych i stosowanych i ludowej sztuki

Przykładowy plan analizy

  1. Do czego służy ten temat?
  2. Jakie są rozmiary?
  3. Jak jest sceneria tematu? Gdzie są strefy dekoracji figuratywnych i ozdobnych? W jaki sposób umieszczenie obrazów z formą tematu?
  4. Jakie rodzaje ornamentów są używane? Na których części obiektu znajdują się?
  5. Gdzie są obrazy figuratywne? Czy robią więcej miejsca niż ozdobne lub są tylko jednym z ozdobnych rejestrów?
  6. Jak jest rejestr z obrazami figuratywnymi? Czy można powiedzieć, że istnieją spożycie wolnej kompozycji lub wykorzystują zasadę adresów (kształtów w tych samych pozach, minimalny ruch, powtarzają się)?
  7. Jak przedstawiają liczby? Czy są ruchome, zamrożone, stylizowane?
  8. Jak są szczegóły liczb? Czy wyglądają bardziej naturalne lub ozdobne? Jakie techniki są używane do przesyłania liczb?
  9. Wygląd, jeśli to możliwe, wewnątrz tematu. Czy jest tam obraz i ornamenty? Opisz je powyżej powyższego systemu.
  10. Jakie są główne i opcjonalne kolory są używane w budynkach ozdoby i liczbach? Jaki jest ton samego gliny? Jak wpływa na charakter obrazu - sprawia, że \u200b\u200bjest bardziej ozdobny lub, przeciwnie, bardziej naturalny?

Tekst piosenki:

Analiza prac jest złożona praca inteligencji wymagająca wielu wiedzy i umiejętności.

Istnieje wiele podejść, technik, metod analizy, ale wszystkie pasują do kilku złożonych działań:

  1. 1) Informacje dekodujące zawierane w tkance samej pracy,
  2. 2) analityczne badanie procesu i okoliczności tworzenia dzieła sztuki, która pomaga pogłębić i wzbogacić jego zrozumienie,
  3. 3) Studiowanie historycznej dynamiki artystycznego obrazu pracy w percepcji indywidualnej i zbiorowej.

W pierwszym przypadku praca jest w trakcie pracy roszczeń - "Tekst"; W drugim, rozważamy tekst w kontekście, wykrywając w artystycznych śladach wpływu impulsów zewnętrznych w trzecim - studiujemy zmiany w artystycznym wizerunku, w zależności od tego, jak jego postrzeganie zmienia się w różnych epokach.

Każda grafika na mocy oryginalności dyktuje jego logikę, jego techniki analizy.

Niemniej jednak kilka ogólnych zasad praktycznych prac analitycznych z dziełem sztuki chciałby zwrócić uwagę i dać kilka wskazówek.

"Eureka!" (Intryga analizy). Pierwszą i najważniejszą rzeczą: Praca sztuki sugeruje się, na których ścieżki można przeniknąć w głębinę znaczenia artystycznego obrazu. Jest rodzaj "haczyka", który przechwytuje świadomość, która nagle powstała. Wyszukaj odpowiedź na PA - w monologie wewnętrznym, w komunikowaniu się z pracownikami lub studentami - często prowadzi do wglądu (Eureka!). Dlatego też tego rodzaju rozmowy - musisz nauczyć się prowadzić ich z grupą - nazywane są heurystycznym. Praca analityczna w muzeum lub środowisku architektonicznym zazwyczaj zaczyna się od takich problemów - informacje "dekodowanie" ułożone w dziedzinie "tekst".

Zadaj pytanie często o wiele trudniejsze niż znalezienie odpowiedzi na to.

- Dlaczego "nagi chłopiec" Aleksandra Ivanovy taka tragiczna twarz?

"Dlaczego postać młodego człowieka, który jest zrelaksowany w obrazie" zjawiska "tego samego Ivanova, ubrany w ubrania Chrystusa?

- Dlaczego pusty Kyot na zdjęciu K.S. Petrova-Vodkina "Matka" w 1915 roku?

- Dlaczego Pd. Fedotov w drugiej wersji obrazu "Topen Major" usuwa Lastra - przedmiot, który szukał tak długo?

- Dlaczego w rzeźbiarskiej popiersie S.i. Marmur Maelson Schubin jest wypolerowany do tłustych połysku, podczas gdy w większości przypadków "Skin" osoby na jego portretach wydaje się matowy?

Takie pytania można zapamiętać, wszystkie z nich - dowód wyjątkowej, osobistej wizji związanej z każdą osobą. Umyślnie nie daję tutaj odpowiedzi - spróbuj go znaleźć.

W pracy analitycznej z dziełem sztuki pomoże ci nie tylko możliwość widzenia go świeżym okiem, postrzegającym bezpośrednio, oprogramowanie i zdolność do abstrakcji, cicho cicho lub inne chwile postrzegania i elementu formularza i treści .

Jeśli rozmawiamy o sztukach plastikowych, jest kompozytowo, schematy, szkice analityczne, kolorowe "układy", analiza konstrukcji przestrzennej, "Odtwarzanie" akcesoriów itp. Wszystkie te i inne środki mogą być używane w pracy. Ale należy pamiętać: Każda recepcja analityczna jest przede wszystkim sposób zakłócenia elementów formularza, ich zrozumienia. Zmierzyć, połóż, narysuj diagramy, ale nie ze względu na same schematy, a w imię zrozumienia ich znaczenia, ponieważ na prawdziwym artystycznym wizerunku nie ma "pustych" - i samego materiału i rozmiar i rozmiar i rozmiar oraz format aż do faktury, tj. Powierzchnia przedmiotów są wykonane ze znaczenia. Innymi słowy, mówimy o języku sztuki.

Pomimo wyjątkowości, wyjątkowości, dzieła sztuki są podatne na typologię, mogą być zgrupowane, oczywiście przede wszystkim przez sztukę art.

Problem typologicznego będzie przedmiotem studiowania dla Ciebie w trakcie teorii sztuki i estetyki, a na początku szkolenia chcielibyśmy zwracać uwagę na te aspekty, które odgrywają ważną rolę w analizie, zwłaszcza interpretacja sztuki. Ponadto możemy uzyskać możliwość określenia znaczenia podstawowych koncepcji (znaczenie tej pracy wymienionej powyżej).

Więc, dzieło sztuki może należeć do jednego z gatunkówktóre są podzielone na: jednorazowe (monogural), syntetyczne i techniczne.

  • Jedno-line - malarstwo, grafika, rzeźba, architektura, literatura, muzyka, dekoracyjna i sztuka stosowana.
  • Sztuki syntetyczne - teatralne i spektakularne.
  • Techniczne - filmy, telewizja, grafika komputerowa.

Pojedyncze sztuki są podzielone z kolei:

  • przestrzenna (architektura, malarstwo, grafika, sztuka dekoracyjna i stosowana)
  • tymczasowy (literatura, muzyka),

jak również obrazkowy (malarstwo, grafika, rzeźba) i nonsens (architektura, dekoracyjne i stosowane, literatura, muzyka).

Ponieważ istnieją różne punkty widzenia w klasyfikacji sztuki i ponieważ wszystkie te definicje nie są absolutne, ale względem przyrody, a najpierw przestańmy - bardzo krótko na problem przestrzeni i czasu w sztuce, bo nie jest tak proste jak Może się wydawać na pierwszy rzut oka i bardzo znaczący podczas analizy pracy.

Przede wszystkim zauważamy, że oddzielenie sztuki do przestrzennych i tymczasowych jest bardzo warunkowa i opiera się na cechach istnienia pracy: materialne nośniki sztuk przestrzennych są naprawdę podlegają, zajmują miejsce w przestrzeni, a na czas Są tylko starzenie się i zniszczeni. Ale ponieważ materialne nośniki dzieł muzycznych i literackich zajmują również miejsce w przestrzeni (notatki, talerze, kasety, wreszcie wykonawcy i ich narzędzia; rękopisy, książki, magazyny). Jeśli rozmawiamy o artystycznych obrazach, "zajmują" pewną przestrzeń duchową i rozwijają się w czasie we wszystkich sztukach.

Dlatego spróbujemy, zauważając istnienie tych kategorii jako klasyfikacji, aby porozmawiać o nich z punktu widzenia analitycznego, dla nas - w tym przypadku - ważniejsze.

Powyżej odnotowaliśmy, że każdy produkt sztuki jako materiału i idealnego zjawiska istnieje w przestrzeni i czasie, a jej materialna podstawa jest jakoś podłączony głównie z przestrzenią, ale idealna - z czasem.

Jednak grafika zgadza się z przestrzenią i innymi aspektami. Naturalna przestrzeń i jego doświadczenie osoby mają ogromny wpływ na obraz artystyczny, generowanie, na przykład, w malarstwie i grafice, różnych systemach konstrukcji przestrzennych, określając cechy rozwiązywania zadań przestrzennych w architekturze, obraz przestrzeni w literaturze. We wszystkich sztukach, "przestrzeń rzeczy", "przestrzeni ludzkiej", "przestrzeni Soły", naturalnej - ziemskiej i kosmicznej - przestrzeni, a wreszcie przestrzeń najwyższej duchowej rzeczywistości jest absolutnym Bogiem.

Wizja świata zmienia się za nim - system myślenia artystycznego; Ten ruch ze starego systemu do nowego jest oznaczony zmianami w koncepcji przestrzennej. Zatem przeniesienie centrum uwagi z najwyższej rzeczywistości duchowej - Boga, Świat górski w XVII wieku na osobę w rosyjskiej sztuce XVII wieku, jakby zawężał horyzont artysty, a nieskończoność perspektywy odwrotnej został zastąpiony przez ograniczoną linię prostą.

Również poruszający się i wieloaspektowy czas.

Jest to czas rzeczywistości przewoźnika materiału, gdy nuty są żółknące, folie są migrowane, brudne płyty są tablicy, a czas obrazu artystycznego, nieskończenie rozwój, prawie nieśmiertelny. To czas jest iluzoryczny, istniejący wewnątrz artystycznego obrazu, czas, w którym przedstawiona rzecz i osoba żyje, społeczeństwo, ludzkość jako całość. Jest to czas tworzenia pracy, epoki historycznej i okresu życia, wreszcie, wiek autora jest, tym razem jest to długość działania, a czas "Pauza" - przerwy między epizodami przedstawionymi. Wreszcie jest to czas przygotowania do percepcji, postrzeganie kontaktu z pracą, doświadczeniem i zrozumieniem postrzeganego artystycznego obrazu.

W każdej sztuce, przestrzeń i czasu są wyświetlane na różne sposoby, a o tym - w kolejnych rozdziałach, z których każda jest poświęcona specjalnym rodzajem sztuki z artystycznym wizerunkiem włączonym w nim.

W ogóle nie napisałem "wyświetlany", a nie "przedstawiony", ponieważ musimy hodować i te koncepcje.

Wyświetlanie - Oznacza to znalezienie figuratywnego odpowiednika zjawiskiem rzeczywistości, ma to mieć go w tkaninie artystycznej obrazu, aby przedstawić - stworzyć wizualne - widoczne, słowne - słowne lub dźwiękowe - słyszalny analog rzeczy. Sztuki są podzielone, jak wspomniano powyżej, na wizualnym i intensywnym, nie dlatego, że w muzyce nie można przedstawić, na przykład hałas pociągu lub krzyk koguta (i cały dziedziniec ptaków), a w literaturze - do Opisz prawie dowolny widoczny lub słyszalny obiekt. W muzyce i w literaturze możliwe jest: W pierwszym przypadku mamy do czynienia z oporem dźwięku, w drugim - z opisem. Ponadto utalentowany autor, głęboko przetrwały kontakt z pracą malarstwa, rzeźb, muzyki, może znaleźć takie słowa, które jego opis będzie pełnoprawnym i wysoce artystycznym analogiem werbalnym (słownym) dzieł sztuki wizualnej lub muzycznej.

Prace architektoniczne (nie mówiąc o ich częściach: kolumny lotosu świątyń egipskich, szczekawców, Atlas, ulgi i inne ozdobne elementy rzeźbiarskie), mogą być również obrazem: więc w latach trzydziestych, w Związku Radzieckim, to Modne było budowanie domów w formie samochodów lub innych przedmiotów. W Leningradzie, szkoła w formie sierpu i młotka została nawet zbudowana, chociaż możliwe jest, aby zobaczyć go tylko z widoku oczu ptaka. Oraz różne statki w kształcie ptaków, ryb, figur ludzkich itp. W intensywnej sztuce dekoracyjnej i stosowanej!

Wręcz przeciwnie, dzieła sztuki wizualnej często "nie przedstawiają niczego", podobnie jak abstrakcyjne malarstwo i rzeźba.

Ta funkcja klasyfikacji jest względna. A jednak istnieje: jest wizualnie, tj. Wizja postrzeganej "sztuki dzieł", która opiera się na wizerunku zjawisk świata i nieaktywnych, słownych i muzycznych.

Sztuka jest zawsze warunkowa i nie może wspomnieć o tym, czego nie powinna) tworzyć pełne podobieństwo tego lub tego zjawiska życia życia. Artysta nie podwoi istniejącej rzeczywistości, tworzy artystyczne i figuratywne modele świata lub jego elementy, upraszczając je i przekształcając je. Nawet malarstwo, najbardziej iluzoryczne sztuki wydaje się być w stanie złapać i przelać wszystkie bogactwo wielu kłamstw na świecie na płótnie, ma bardzo ograniczony sposób na naśladowanie rasy.

Bardzo kocham KS. Petrova-Vodkina. Na jednej z jego wystaw ", Matka Boża - pozostała złych serc" - promieniowanie czystej szkarłatnej, niebieskiej i złotej - został umieszczony w sali rosyjskiego muzeum na ścianie obok okna.

Przez wiele lat obraz był ukryty w kondygnacji, a teraz, kiedy była w sali, można było siedzieć i spojrzeć na nią, wydawało się, że jest nieskończoność. Cosmymatycznie głębokie, pierciele czyste światło głębokich głębokości połysk tło, kształtowanie wraz z szkarłatnym samopoczuciem pięknymi twarzy Matki Bożej ...

Spędziłem długo, na ulicy, zimowy wieczór zniknął w oknie - a co za szok dla mnie był cichą blask skromnej zimowej Petersburgu Zmierzchu w oknie - spojrzeli obok niebieskiego na Petrova- Obraz wódiny, jak błyszczący szafir obok niebieskiego kawałka papierowych pudełek meczowych. Wtedy miałeś szansę, nie wiedział, ale widzisz i czuję się jak naprawdę ograniczony do możliwości sztuki w naśladowaniu życia, jeśli ją oceniasz, na podstawie ulubionego kryterium naiwnego przeglądarki: wygląda jak lub nie wygląda jak obraz na oryginale. A nie w ogóle jego siły, aby odtworzyć zjawiska życia tak bardzo, jak to możliwe, niezwykle mymetycznie.

Artystyczny obraz nie jest prostym powtórzeniem życia, a jego wiarygodność - słowne lub wizualne - nie w ogóle ważnej jakości. Sztuka jest jednym ze sposobów opanowania świata: jego wiedza, ocena, transformacja przez człowieka. I za każdym razem w artystycznym wizerunku - inaczej w różnych rodzajach sztuki i w różnych systemach artystycznych - zjawisku (co jest postrzegane przez uczucia osoby, ujawnione mu) i istotą zjawiska, całość jego podstawowe właściwości), aby odzwierciedlić sztukę.

Każdy system myśli o artystycznym tworzy metodę znajomości jednostki - metoda twórcza. W szkole, już spotkałeś się z takimi konkretnymi europejskimi metodami kreatywnymi jako barokowy, klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm, symbolizm, modernizm, socjalistyczny realizm, surrealizm itp. Ty, oczywiście, pamiętaj, że każda metoda została utworzona w imię zrozumienia , ocena, transformacja osoby i świata jako całość i ich indywidualne cechy. Pamiętaj, jak konsekwentnie "idzie wiedza na temat osoby: badania barokowe i wyświetla świat burzliwych, niewybój zmysłów człowieka; Klasycyzm jest jego pomiarem zrównoważonym umysłem; Sentymentalizm zatwierdza prawo człowieka do prywatności i wysublimowanych, ale czysto osobistych uczuć; Romantyzm to piękno swobodnego rozwoju "w dobrym lub złej imprezie", jego przejawami w "śmiertelnych chwilach" świata; Realizm wyświetla fundamenty społeczne dla formacji i życia osoby; Symbolizm znowu pędzi w tajemniczym głębokości ludzkiej duszy, a surrealizm próbuje przeniknąć do głębokości podświadomości itp. Każdy z nazwanych systemów kreatywnych ma własny temat obrazu, który jest uzupełniany w jednym obiekcie - osoba. I ich własne funkcje: zatwierdzenie ideału, badania, ekspozycji itp.

Zgodnie z tym metodą przekształcenia obiektu, co pozwala zidentyfikować jego bieżącą treść: jest to idealizacja obiektu - transformacji, wyzwolenia artystycznego "niedoskonałej rzeczywistości z jego niedoskonałości", podobieństwa jego ideału (krótki filozoficzny Encyklopedia. M., 1994) W takich metodach jako barokowy, klasycyzm, romantyzm, który opierają się na fakcie, że sam ideał jest rozumiany na różne sposoby; Jest to typowanie, charakterystyczne dla realizmu i symbolizacji, które wykorzystano ludzkość na różnych etapach rozwoju artystycznego świata.

Patrząc na historię rozwoju sztuki na bardzo wysokim poziomie uogólnienia, można powiedzieć, że rozwija się między dwoma biegunami modelowania artystycznego i figuratywnego świata: od pragnienia, aby stworzyć go niezwykle, do iluzji, wiarygodna reprodukcja dla uogólnienia limitu. Te dwie metody mogą być skorelowane z pracą dwóch półkulami mózgu: lewy analityczny, rozczarowanie zjawiska z częścią jego wiedzy, a praworęczny, uogólniający, wyobrażający sobie, tworząc holistyczne obrazy (niekoniecznie artystyczne ) w tym samym celu.

Na Ziemi są strefy, w których ludzie z zauważalną przewagą w rozwoju jednej z półkuli przeważają. Może to być oczywiście bardzo uzależnione, aby powiedzieć, że koncepcje "Wschodu", "Człowiek Wschodu" - są związane z relaksującym - IMMUSTY (figuratywnym) myślącym, podczas gdy "Zachód", " Zachodni człowiek "z liściastymi, analitycznymi, naukowymi.

A tu mieliśmy w obliczu widocznego paradoksu.

Przypomnij: The Left Hemisphere nadzoruje abstrakcyjne myślenie logiczne, słowne, analityczne; Prawo - beton, figuratywny, niewerbalny, uogólniający.

Na pierwszy rzut oka łatwo jest określić, że bardziej konkretnie: portret, który przekazuje wygląd i charakter pewnej osoby lub, powiedzmy, mały człowiek na lekkim lampionie jest niezwykle uogólnionym oznaczeniem osoby, klastra winogron , napisane w holenderskiej martwiecej życiu lub niekończącej się winorośli we wschodnim ornamorze, składający się z zestawów warunkowych, doprowadzonych do poziomu elementów ornamentów liści i okładek.

Odpowiedź jest oczywista: obrazy mimetyczne są portretem, wciąż życie - specyficzne, ozdobne uogólnienia są bardziej abstrakcyjne. W pierwszym przypadku koncepcje "tej osoby" są potrzebne "Ta bunch", druga jest wystarczająca - "człowiek", "Bunch".

Jest nieco trudniej zrozumieć, że portret i martwa natura, będąc artystycznymi obrazami, jednocześnie bardziej analityczne - "Left-half" niż elementy ornamentu. W rzeczywistości wyobraź sobie, ile słów będzie musiała opisać portret - słowne "tłumaczenie" tego obrazu będzie wystarczająco długie i mniej lub bardziej nudne, podczas gdy winorośl w ornatu jest określony przez jeden, w skrajnych przypadkach, trzy słowa: ozdoba winorośli wspinaczkowej. Ale, mając dużo szkicowania z natury, autor ornamentu powtórzył ten obraz więcej niż raz, szukając uogólnienia limitu, które pozwala, czy poziom symbolu zawierający nie jest jednym, ale wiele wartości.

Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o zachodniej - analitycznej (mimetycznej, imitatywnej) i orientalnej uogólnionej (ozdobnych) sposobach stworzenia wizualnego obrazu, przeczytaj piękną książkę L.a. Leletekova "Sztuka starożytnej Rosji i Wschodu" (M., 1978). Korygowanie dwóch systemów myślenia artystycznego, autor sprzeciwia się dwóm rzędom oświadczeń.

Pierwszy należy do Sokratesa: "Malarstwo jest obrazem tego, co widzimy".

Drugi - Budda: "Artysta przygotował farby, aby utworzyć zdjęcie, którego nie można zobaczyć w kolorze".

W starożytnej legendzie, o konkursie dwóch umiejętnych malarzy - Zeewaxis i Parracji - mówi o tym, jak jeden z nich napisał gałęzę winogron i jak ptaki trafiły do \u200b\u200btego obrazu, aby wepchnąć jagody pokazane na nim - tak wspaniała była iluzją życie napełniania. Drugi oszukał oko swojego faceta, przedstawiając kurtynę na płótnie, który obraz był rzekomo pokryty taką sztuką, którą poprosił, żeby wkrótce ją zabrał. Tworzenie iluzji - naśladowanie widoczne - dla każdego z przeciwników był wyższy cel.

Zupełnie inny cel mówi Budda: widoczny obraz napisany przez farby jest tylko przewoźnikiem obrazu, który rodzi się w duszy człowieka. Buddha kończy filozof chrześcijański John Damaskin: "Każdy obraz jest objawieniem i testowaniem ukrytych".

W rzeczywistości winorośl, który zdobi filary ikonostasis jest symbolem życia i płodności, rajskiego ogrodu (Verograd Chrystus), symbol wieczności.

Tak jest L.a. Telewizyjne na innym ornamonie: przeplatanie naprzemiennego płodu i kwiatu, bardzo często w ornamentach na Wschodzie, oznaczają "koncepcje jedności warunków przyczynowej i wieczności bycia, tematy stworzenia i nieustannego odnowienia życia, Relacja przeszłości i przyszłości, zderzenie przeciwieństw "(Ibid. S. 39).

Ale zarówno pomiędzy stosunkowo kilkoma grupami wymawianych "poziomów" - naukowców i "prawni" - artystów, istnieje największy typ przejściowy w liczbie typów przejściowych i między naturalistyczną - równą samą, samoznorozumienie, a nie znienawidzone znaczenie, iluzoryczne Wizerunek widoczności (zjawisk) i oczyścić ornament zawierający wiele znaczeń, jest ogromna przestrzeń zajmowana przez obrazy typu mieszanego, - o nich powiedzieliśmy powyżej.

Być może najbardziej harmonijny wśród nich - obraz jest realistyczny, gdy artysta dąży do przykładu wykonania podmiotu zjawiska, do symbolizacji widocznych. Tak, al. Ivanov, otwierając prawa plenäer i opracowanie metody ucieleśniania właściwości wewnętrznych i właściwości osobistych w jego występie, wypełnił swoje kreacje w głębokim symbolicznym znaczeniu.

Artystów - rozstrzygi XX wieku, rozprzestrzeniający się, dystrybuując swoje obrazy, porzucenie stworzenia "drugiej", iluzorycznej rzeczywistości na płótnie, zwrócił się do sfery ludzkiej nadprzyradalności, próbowałem złapać wizerunek w jego prymacie, w głębokościach Ludzka dusza lub, przeciwnie, zaprojektowałem go.

Dlatego w analizie będzie musiał podążać za intrygą, która pojawiła się pierwszy, aby pomyśleć o tym, co "kontinuum przestrzenno-temporowalne" artystycznego wizerunku pracy, przedmiotem obrazu, metody i środków konwersji obiektu . Przed tobą powstaje jedno ważne pytanie: jaka jest kompozycja elementarna i komunikacja - struktura obrazu artystycznego.

Artystyczny obraz pracy jest integralność, a ponieważ można przedstawić wszelkie uczciwość, opisane jako system składający się z elementów (z czego z kolei jest również przeznaczony i może być również reprezentowany jako system) i ich powiązania między sobą. Struktura i wystarczająca liczba elementów zapewniają funkcjonowanie artystycznego obrazu jako integralności jest podobny do tego, jak obecność niezbędnych części i ich wiernego montażu - komunikacji, struktury, zapewniają ruch i terminowe dzwonienie alarmu.

Co może być oznaczone jako elementy artystycznego obrazu? Rym, harmonia, kolor, objętość itp.? Są to elementy formularza. Wizerunek tematu, obiekt, esencja, fenomen? Są to elementy treści. Logicznie argumentowanie, powinno być oczywiście uznawane, że elementy artystycznego wizerunku pracy są również obrazami: osoba w całym zakresie od najprostszego kultowego obrazu w petroglifach na portret psychologiczny; Powiązany świat w niezliczalnym kolektorze rzeczy, których całość jest często określana jako cywilizację lub "druga natura"; więzi społeczne, począwszy od rodziny i kończąc uniwersalny; Natura nie-manifestacyjnym we wszystkich jego manifestacjach i formach: animowany świat zwierząt, świat nieożywiony - środkowy, planetarny i kosmiczny; Wreszcie, najwyższy porządek duchowy, który jest obecny we wszystkich systemach artystycznych i które mędrcy różnych erów nazywane są inaczej: najwyższy umysł, absolutny, Bóg.

Każda z nazwanych obrazów jest na różnych sposobach realizowana w różnych sztukach i ma nadzorowany, ogólny charakter.

Połączona konkretność w dziedzinie grafiki, taki obraz może być włączony jako komponent w systemie bardziej złożonej całości (na przykład obrazy natury zajmują ważne miejsce w Romans of Turgenev oraz w operacjach Roman-Korsakov oraz w obrazach repinowych) . Jednym z obrazów może zająć centralne miejsce, podporządkowanie reszty (te monuzutucyjne gatunki sztuki dziełowej są portret, krajobraz itp.), I mogą również stanowić rozległy zbiornik prac artystycznych - z serii w pracy jednego mistrza ( Na przykład Petreada in. I Serov) I do takich olbrzymich formacji jak Leninian w Sztuce Radzieckiej.

W trakcie przeanalizowania pracy można wybrać elementy figuratywne i nawiązać połączenia między nimi. Często taka praca pomaga bardziej głęboko wymyślić pomysł autora i dać sobie sprawę w komunikowaniu się z dziełem uczuć, lepiej jest zrozumieć i interpretować artystyczny wizerunek.

Podsumowując tę \u200b\u200bmałą sekcję poświęconą analiza grafiki jako samowystarczalnej integralności "tekstu", Zanotuj najważniejszą rzeczą:

  1. 1) Analiza jest tylko jedną z operacji zawartych w systemie pracy z dziełem sztuki. Jedną z najważniejszych problemów, do których należy odpowiedzieć w procesie pracy analitycznej brzmi następująco: jak, jak i co oznacza, że \u200b\u200bartysta był w stanie osiągnąć dokładnie, że wrażenia, których doświadczyłeś i zrealizowane w komunikacie z artistą z artystycznym droga?
  2. 2) Analiza jako ogólna operacja dla części (chociaż elementy impozycyjne syntezy) nie jest końcem sam w sobie, ale metoda głębszej penetracji w semantyczny rdzeń artystyczny;
  3. 3) Każde dzieło sztuki jest wyjątkowe, wyjątkowe, dlatego metodycznie poprawnie - i dla nauczyciela jest bardzo ważne, aby znaleźć "intrygującą analizę" - kluczowe pytanie, które pociąga za sobą, zwłaszcza gdy praca zbiorowa, łańcuch, czy raczej system pytania, odpowiedzi, na które i zapadają się w holistyczny obraz analizy;
  4. 4) Każda dzieło sztuki jest artystycznym i figuratywnym modelem świata, który odzwierciedla rzeczywiste twarze, części, aspekty
    Świat i jego główne elementy: człowiek, społeczeństwo, cywilizacja, natura, bóg. Te aspekty, części, aspekty uzupełnienia istotnej podstawy - temat obrazu, który z jednej strony, już obiektywnej rzeczywistości, ponieważ jest to tylko część, a z drugiej strony jest początkowo bogatsza, ponieważ to Przesiewa postawę autora, wzbogacony i kreatywny proces przyrosty wiedzy o świecie w formie obiektu, w dziele sztuki, a wreszcie jest aktualizowane w procesie kreatywności. W pracy analitycznej musisz odpowiedzieć na pytania: Jaki jest przedmiot obrazu w tej pracy? Jaki jest temat obrazu? Co nowego dowiadujemy się o świecie, asymilując artystyczny obraz pracy?
  5. 5) Każda praca artystyczna należy do jednego z rodzajów sztuki, zgodnie z którymi metodą konwersji obrazu obrazu, tworzenie obrazu artystycznego, powstaje określony język sztuki.
  6. 6) Sztuka jako całość i oddzielna praca jako zjawisko świata materialnego istnieje w przestrzeni i czasie. Każda era, każdy system estetyczny opracowuje odpowiednio jego artystyczną koncepcję czasu i przestrzeni, do zrozumienia tych rzeczywistości i jej celów. Dlatego analiza cech wykonania przestrzeni i czasu w pracy jest niezbędną obsługą analityczną;
  7. 7) Model artystyczny i figuratywny świata może być wizualny (wizualny) lub nieaktywny (słyszalny, słowny lub wizualny strukturalny). Imitacja życia (aż do pragnienia stworzenia iluzji - "oszukiwanie") lub, przeciwnie, pełna "dystrybucja" obrazu, a także wszystkie formy pośrednie, nie istnieją w sobie, zawsze jest znaczące, Służy jako przykład wykonania ustawień celu, otwartej w analizie. Jednocześnie związek między zjawiskiem a esencją, zrozumieniem i rozwojem, których ostatecznie jest jednym z głównych funkcji sztuki. W procesie analizy konieczne jest zrozumienie, jakie zjawisko uruchamiają artystyczny obraz (obiekt obiektu), które właściwości, jakość, aspekty obiektu były zainteresowane artystą (przedmiotem obrazu), jak która metoda była Konwersja tematu i jaka jest struktura - składowa kompozycja i struktura - pojawiła się w wyniku artystycznego obrazu. Odpowiadając na te pytania, możliwe jest zrozumienie całkiem dobrze w sensie dzieł sztuki, w fakcie, że istota, przezroczyste przez tkaninę artystycznego obrazu.

Przed zakończeniem rozmowy o analizie i jego miejscu w pracy z dziełem sztuki, pozwól ci dać ci dwie rady.

Pierwszy dotyczy znaczenia analizy. Niezależnie od tego, który, blisko lub wewnętrznie obcy dla ciebie, to lub dzieło sztuki, analiza - interpretacja pomoże Ci zrozumieć autora, aw rozmowie o pracy uzasadnia swoją ocenę. W relacjach ze sztuką "jak - nie lubię" lepiej zastąpić innym brzmieniem:

"Rozumiem i akceptuję" lub "Rozumiem, ale nie akceptuję!" I jednocześnie zawsze być gotowym uzasadnianiem twojej opinii.

Druga zarząd jest szczególnie przydatna, jeśli musisz pracować na wystawie sztuki współczesnej lub zwiedzanie artysty - w jego warsztacie.

Dla każdej osoby normalnej obecność autora jest czynnikiem wykrywania, dlatego na wystawie sztuki współczesnej, zawsze działa, jak gdyby autor stoi w pobliżu, jest dość prawdziwą okazją.

Ale główną rzeczą: raz i na zawsze rozładowuje się z idei, że istnieje "prawa" i "złe" sztuka, "dobre" i "złe". Należy ocenić dzieło sztuki: w końcu jego twórca może być mistrzem, a może być amatorką pułapką-dyntrocentową, super adaptacyjną spirtover, spekulantem.

Ale w hali wystawy, nie powinieneś się spieszyć, aby działać jako prokurator, lepiej starać się zrozumieć, dlaczego praca spowodowała, że \u200b\u200bpraca, zamiast oczekiwanej radości z takich podrażnili: w tej sprawie, że intuicyjnie poczułeś dysharmonię obraz, jego ogólna siła niszczycielska, negatywna energia, która od niego idzie, lub fakt, że ze względu na cechy jego osobowości, nie wpadłeś w "rezonans" z tymi figuratywnymi wyrażaniem, wibracje, które spowodowały Artystyczny obraz.

O ile wszyscy dostrzegamy sztukę na różne sposoby - iw jego elementach, a ogólnie - czułem się całkowicie nieoczekiwanie w pobliżu ekranu telewizora. ... Uwielbiam Kolomenskoye - ze swoim spokojnym białym kościołem Kazańskiej Matki Bożej, szybko wejdź na moskiewską smotną suche kościoła Wniebowstąpienia Chrystusa, złoconych macherów katedry Jana Forerunnera w Dyakowie Góra Rhosom, z kwiatami drzew, zabytkowe filary i cenione kamienie w grubej zielonej trawie. Przez wiele lat członek historii sztuki mówię uczniom o tych wspaniałych kreacjach stuleci XVI-XVII. Ale niewielka działka w "Klubie Traveller" w telewizji została na mnie objawiona. Klergenyman - Mistrz pokazał i udowodnił, że zespół metryczny i architektoniczny ucieleśnił w naturalnych i architektonicznych form ikony Sofii - mądrość Boga. Nigdy, osoba z ustaloną racjonalną świadomością, by nie udało mu się zobaczyć ten cud. Ale teraz, oczywiście, w odniesieniu do oryginalnego źródła, zaoferuję uczniom między innymi i tej interpretacji.

Literatura:

Völdlin.

Yantson Kh.v., Yittson E.F. Podstawy historii sztuki - Znajdź. Znaleziony. Kłaść. I też hombrich.

W kontakcie z

Wyślij dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Użyj poniższego formularza

Studenci, studiach studentów, młodych naukowców, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich badaniach i pracach, będą ci bardzo wdzięczni.

Wysłane przez http://www.allbest.ru/

Analiza domu roboczego architektonicznego Pashkov

"Zadanie artysty za pomocą formularza zniszczenia materiału", - f. Schiller, z B.R. Book Vipper "Wprowadzenie do historycznego badania art." I rzeczywiście najważniejszym zadaniem architektury jest reinkarnować materiał, zmodyfikować go i podporządkować swoje cele artystyczne. W rezultacie utwórz pojedynczą kompozycję na podstawie ekspresyjnej kombinacji objętości i przestrzeni. Architekci są również wzywani do łączenia trzech stron w harmonijnej kompozycji budynku: z jednej strony - wygodę i świadczenia (zadanie funkcjonalne); Z drugiej strony siła i wydajność (konstruktywna i wykonalność zadania gospodarczego); W trzecim - piękno formularzy (zadanie estetyczne). A w końcu cel kompozycji staje się - osiągnięcie jedności formy i treści. I nie jest tak łatwo osiągnąć. Rozważ jednego z najwybitniejszych domów Moskwy. Jakie właściwości, jakie techniki architektoniczne określały wysoką ocenę tego budynku?

pashkov Architektury House.

Dom Pashkov został zbudowany w 1784-1786. W drugiej połowie XVIII wieku. Vasilya Bazhenovo zlecony przez bogatego właściciela ziemskiego Pashkova. To był czas, gdy szlachetna prostota i ograniczenie klasycyzmu rzuciły się z soczystym hojnością baroku. Uznany mistrz tego czasu, Vasily Bazhenov - udało się stworzyć styl Moskwy klasycyzmu, organicznie łącząc zasady baroku i klasycyzmu tutaj. Potwierdza to ulubione metody tych stylów. Na przykład długa fasada z widokiem na ulicę Moss jest wykonana w stylu klasycznym, który charakteryzuje się jednolitością, konsystencją i podkreśleniem właściwej kolejności. Jego skład wyraźnie symetrycznie rozwija się w stosunku do osi centralnego budynku. Dwie jednopiętrowe galerie są odszedł na prawo i pozostawione z niego, które są zakończone dwupiętrowym identycznym filtrem. W House of Pashkov, dwie główne fasady - jeden wygląda na jezdni i ma pałac, uroczysty charakter, drugi - zorientowany na dziedziniec i ma bardziej przytulny, nieruchomości. Cylindryczne belvedere wzrasta (Bazhenov, został wykonany jako przez Rotunda, otoczony przez sparowane kolumny z kopułą, zwieńczone rzeźbą greckiej bogini Minerva), w połączeniu z dwoma dnem, utworzyła wyraźny trójkąt ancydera. Są to techniki stylu klasycyzmu, który w łacinie dosłownie oznacza "przykładowy". Odcienie barokowe są wyraźnie widoczne w projekcie wystroju architektonicznego, w szczególności nakazu centrum centralnego budynku, z jednej strony, surowe klasyczne, z drugiej strony, wykonane w swoich szczegółach (wazony na balustrady, rzeźby , Szczegóły sztukaterie w dekoracji) z większą wolnością i oryginalnością w porównaniu z zwykłymi klasycznymi kanonami.

Dom nie został zachowany do dnia dzisiejszego w pierwotnej formie, był wielokrotnie odbudowany. W szczególności w 1812 r. Dom został zniszczony przez ogień. Architekci próbowali przywrócić dom na obrazach XVIII wieku, ponieważ został utworzony początkowo.

Widok na typologię architektoniczną budynku

Dom Pashkov jest pałacem typu architektury, typ, który podkreśla określony obraz (typ) życia. W tym przypadku Bazhenov opracowuje rodzaj rosyjskiej miejskiej sukni i buduje dom Pashkova jako kompleks architektoniczny, składający się z trzypiętrowego głównego budynku zwieńczone z belvederem Rotunda i dwupiętristą koleżanki połączone z galeriami jednopiętrowych.

Początkowo patrząc na budynek, wydaje się, że dom jest mały. Ale wydaje się więcej niż to, dzięki rozciągniętym wzdłuż ulicy na jednej prostej galerii i filties przylegających do głównego budynku. One, jakby kompletni wzdłuż krawędzi, wspólny skład architektoniczny. Taka trójkolana kompozycja składająca się z centralnego budynku, galerii przejściowej i flueleksa, a nie kaprysu - jest uzasadniona tym wtedy. Główny dom mieścił pokoje mieszkalne i fronty frontowe właściciela. W obawach była kuchnia, mieszkał sługę, a Goście zatrzymali. Przejścia galerii pozwoliły iść z zewnątrz do domu bez wyjścia, co było szczególnie ważne w deszczowej pogodzie lub w zimie.

Miejsce w kosmosie

Zorganizowana jest przestrzeń architektoniczna składu domu. Jego lokalizacja jest wyraźnie przemyślana. I nie tylko w zespole miejskim, ale także wewnątrz samej kompozycji. Imponujący widok budynku wynika z miejsca jego budowy. Pashkov House stoi na wysokim wzgórzu Vaganku, jakby kontynuował linię jego podnoszenia, na otwartym rogu dwóch opadających ulic.

Miejski zespół architektoniczny domu można określić jako panoramiczny. Podniosła pozycja witryny i jego przewidywalność ze wszystkich stron przyczyniła się do najlepszej identyfikacji objętościowej i dużej wysokości charakteru składu struktury, organicznie zawarta do zespołu środowiska Kremla.

Masa budynku w percepcji wzrokowej zależy od wizualnej oceny ilości materiału ogólnej formy architektonicznej. Msza tutaj jest rozczłonkowana z dość darmową lokalizacją. Smukła piramida zjeżdżająca dom Pashkova, podkreślona przez bokiem, pragnienie szczytu jego środkowego korpusu, a także jego ulgi dzięki Rotunde-Belveder - wszystko to raczej wraca do tradycji architektury ludowej starożytnej Rosji. Tak zwany wzrost organiczny w masie budynku bazhenowskiego osiąga wysoką siłę ekspresji.

Rodzaj budowy

Projektowanie - belka z piór. Budynek wyróżnia się przezroczystego układu i zorganizowanej skali tektonicznej.

Dekoracje architektoniczne.

Ogólnie rzecz biorąc, można nazwać architektoniczny wystrój domu - plastikowy. Ale jest tak bogaty, że musi być bardziej szczegółowo zatrzymany.

a) zasada łuku. Dekora

Lokalizacja wystroju architektonicznego w domu Pashkova na zasadzie dodawania, taka zasada jest tylko charakterystyczna dla architektury pałacu. Zamówienia i elementy wystroju architektonicznego alternatywnie i podążają za nikły rzędami.

Galeria na parterze, jak to było, równoważy główny budynek z kominkami i, zgodnie z prawem celu, rozciąga się na całą długość elewacji.

Lokalizacja wystroju architektonicznego - określa kompozycję budynku.

b) Skład

Uroczysta i bogata kompozycja domu Pashkova jest wspaniałym przykładem umiejętności kompozytowej Bazhenova i jego szerokie miasto planowanie podejścia do oddzielnego budynku w ramach zespołu miasta.

Cały kompleks architektoniczny można określić jako głębokopatury wygląd kompozycji, ponieważ obejmuje główny dom, epidemia, akcesoria przedni, ogród i różnorodne budynki serwisowe. Co wymaga głębokiego ruchu w wejściu. Ale jeśli rozważasz dom Pashkova oddzielnie, a następnie jego długość i przeważanie rozmiarów wysokości nad wielkością głębokości - mówi nam, że skład domu jest wyraźnie czołowy. Konstrukcja jest rozwiązana głównie w płaszczyznach fasadowych, tutaj jest główny sens i estetyczne ładowanie architektoniczne. Co więcej, na twarzy dominacji symetrii. Dwupiętrowe pływczy, jak to było, zrównoważyć budynek w stosunku do centralnej osi głównej fasady. Istnieje również wersja, którą fasada z Kremla nie znajduje się w paradzie, a park i na odwrotnej stronie znajduje się obszerny dziedziniec, poczęty przez Bazhenova, tak jak parada.

c) Ustaw system

Systemy sprzętowe w domu są bardzo bogate, zakłada się, że poznuje jego projekt. W przeciwieństwie do poziomego piętrowego na parterze znajdują się dwa główne podłogi budynku centralnego elewacji. Zamówienie kompozytowe Corinth jest używane w serwisowej Porcecy, która łączy zarówno podłogi, jak i wizualnie zwiększając skalę budynku. To samo zamówienie zdobi pilastry na ścianach ciała centralnego.

Po bokach zapory czterokolumnowej są posągi ustawione na kolumnach bazowych. Kompleksowa kolejność jonowa z czterostronnymi stolicami ukośnymi stosowano w kolumnach i pilastrych pól. Podkreślają autonomię artystyczną i rolę pól w składzie fasady.

Balustrada, kadrowanie dachu centralnego ciała, niesie bujne wazony na filary, zmiękczając przejście z fryz i okapu do Rotunda, finalizując centralną objętość. Wykorzystuje kolejność jonową fakturę (przywróconą później jako zamiennik tego samego Korynsu). W ten sposób architekci wydaje się, że stracili dom przez sformułowanie cięższego porządku. Ale Belvedere Rotunda jest na ogół taka statyczna forma i podkreśla aspirację przed całą kompozycją, ułatwiając ogólne wrażenie budynku.

Podobnie jak w innych rodzajach sztuki rytm odgrywa kluczową rolę w architekturze. To jego prymat, który pozwala mówić o architekturze o sztuce starannie rytmicznej przestrzeni. Dlatego często nazywany jest architekturą "mrożonej muzyki". W końcu w sztuce muzycznej rytm jest również głównym środkiem kompozycyjnym

Elementy rytmu domu Pashkov można nazwać: zarówno kolumnadą, jak i arkadową, a rdza parteru, a fryz i liczne rytmicznie powtarzające się elementy wystroju.

Jednak rytm jakiegokolwiek dzieła sztuki nie jest prostą alternatywną. Jest to pewna jedność, w której łączy się wiele rytmicznych wierszy. Więc tutaj i tutaj rytmiczne tętnienie kolumnady zgrupowane na trzy są zupełnie takie same w jego wielkości i liczbie kolumn Portico, dokładnie zweryfikowany rytm części kolumny pionowej (różnica tylko w kolejności), kapryśne rytmy Projektowanie fryz, dynamiczny rustry, pilastry - wszystko to jest starannie przemyślane i połączone z architektem w jednej harmonii.

Za pomocą rytmu architektonicznego bazhenowskiego linii percepcji widza w przestrzeni i na czas. Rytm jest bardzo ważny. Rzeczywiście, jeśli chodzi o strukturę, widz może pozostać nieruchomy, a następnie główną rolą w jego percepcji jest rozgrywana przez rytmy przestrzenne. Ale ponieważ widz wkrótce zaczyna obejść budynek lub, zwłaszcza, wprowadź go, żyje rytmem na czas. Więc postrzeganie zespołów architektonicznych przypomina charakter postrzegania pracy muzycznej lub literackiej, gdzie forma jest wdrażana konsekwentnie, fragment na fragment. Ponadto architektura jest dziś zwyczajowa, aby określić jako sztukę budowy przestrzeni ludzkiej egzystencji. I architekt, budując samą przestrzeń, czyni go rytmicznie pulsującym w postrzeganiu widza

Podstawowy cel budynku

Podstawowy cel budynku jest administracyjny. Początkowo początkowo początkowo jako iluzję harmonii i racjonalności monarchii, politycy oświeconych absolutyzię, zamieniają się w budowę publicznych spotkań.

Dziś dom Pashkov jest jednym z budynków rosyjskiej biblioteki państwowej o nazwie na I. Lenina. Jest strzeżony przez państwo i pozostaje jednym z najpiękniejszych budynków Moskwy. Niestety, niedawno jest prawie zamknięty z oka dorywczo odwiedzających, możemy tylko podziwiać go z ulicy Mokhovaya.

Wniosek

Z punktu widzenia Formospring Fantasy, wyższość architektury nad innymi obszarami sztuki jest oczywista. Jakie jest to zjawisko? W tym fakcie, że formy architektoniczne nie mają żadnych bezpośrednich analogii w naturze, nie odtwarzają się i nie naśladuje kogoś innego, ale mówi sam. W ten sposób możemy ponownie powiedzieć, że architektura jest pewną syntezą sztuki ucieleśnione w przestrzeni. Monumentalność, dekoracyjna, sztuka stosowana, tak osobliwa i rzeźba, malowanie, i ma nazwę - architektura.

Wysłany na Allbest.ru.

Podobne dokumenty

    Określenie koncepcji architektury. Rozważanie metod projektu architektonicznego na Barkhin B.G. Studiowanie metody badania problemu strukturalnego, szablonów, a także podstawowej metody projektowania. Tworzenie obrazu wdrażania budynku i projektu.

    streszczenie, dodał 10/19/2015

    Opracowanie architektonicznego i konstruktywnego rozwiązania dwupiętrowego indywidualnego budynku mieszkalnego przeznaczonego do pozostawania rodziny 4-5 osób. Roztwór w zakresie planowania budynku. Ściany budynku mieszkalnego o niskiej zawartości. Materiał nakładających się elementów.

    praca kursu, dodano 11/20/2013

    Problem rozwijania projektu architektonicznego budynku szkolnego. Wpływ systemu edukacji pedagogicznej, organizacji i metod mobilnego procesu edukacyjnego w roztworze planowania objętości budynku. Analiza poprzednich doświadczeń budowlanych.

    praca naukowa, dodano 04.06.2012

    Główne zadania projektowania architektonicznego "inteligentnego domu" zgodnie z potrzebami i życzeniami rodziny. Umieszczenie budynku w istniejącym rozwoju, jego orientacji. Planowanie, konstruktywne i architektoniczne i kształtowane rozwiązanie budynku mieszkalnego.

    raport z praktyki, dodano 19.05.2015

    Historia tworzenia zespołu Red Square w Moskwie. Ogólne cechy zespołu architektonicznego. Kontekst kulturowy i cechy zespołu architektonicznego. Skonsolidowana analiza stopnia współzależności składnika składu i semiotycznego zespołu.

    streszczenie dodany 02.06.2011

    Określenie rzeczywistego stanu technicznego struktur wspierających i urządzeń inżynierskich budynku. Badanie aktów regulacyjnych i prawnych regulujących usługi mieszkaniowe i wspólnotowe oraz działania organów wykonawczych federalnych. Obliczanie zużycia budynku.

    praca kursu, dodano 06.12.2012

    Rozwój rozwiązań budowlanych i strukturalnych głównych elementów budynku. Cechy wolumenu i planowania roztworu budynku. Obliczenia poprawy sąsiednich terytorium i wsparcia inżynieryjnego budynku. Oznaczanie kosztów budowy budynku mieszkalnego.

    teza, dodano 07/18/2014

    Projekt dziewięciopiętrowego budynku mieszkalnego z wbudowanym sklepem. Charakterystyka lokalizacji zaprojektowanego budynku w stosunku do komunikacji. Mieszkanie z budynku mieszkalnego. Dekoracja na zewnątrz i wnętrz oraz roztwór architektoniczny i kompozytowy.

    zajęcia, dodano 12.08.2011

    Pierwsze kroki w rzemiośle Baltazar Neumanan. Nimanan działalność architektoniczna. Jego najsłynniejsze prace. Organiczne połączenie malowniczej i rzeźbiarskiej dekoracji z wewnętrzną przestrzenią budynku. Kościół pielgrzymkowy w ojczyzny.

    streszczenie dodany 22.08.2012

    Rozwój decyzji architektonicznych, organizacyjnych i technologicznych i gospodarczych projektu budynku mieszkalnego. Dekoracja zewnętrzna i wewnętrzna budynku, jej sprzęt inżynieryjny. Technologia i organizacja pracy. Utylizacja odpadów na placu budowy.

Pytania wartościowe, analizując malowniczą pracę
Aby streszczenie z percepcji, pamiętaj, że obraz nie jest oknem do świata, a samolot, na którym iluzja przestrzeni może być tworzona przez malowniczej środków. Dlatego najpierw przeanalizuj podstawowe parametry pracy:

1) Jaki jest rozmiar obrazu (monumentalny, maszyna, miniaturowy?

2) Jaki jest format obrazu: prostokąt rozciągnięty poziomo lub pionowy (prawdopodobnie z zaokrąglonym końcem), kwadratowy, okrąg (Tido), owalny?

3) W jakiej techniki (temperatura, olej, akwarela itp.) I na jakiej podstawie (drewno, płótno itp.) Jest obrazem?

4) Z jaka odległość jest najlepsza?

I. Analiza obrazu.

4. Czy na zdjęciu jest fabuła? Co jest przedstawione? W jakim środowisku jest przedstawione znaki, przedmioty?

5. W oparciu o analizę obrazu możesz stwierdzić o gatunku. Który gatunek: portret, krajobraz, martwa natura, nago, domowe, mitologiczne, religijne, historyczne, animalist, - należy do obrazu?

6. Jak myślisz, jakie zadanie artysta jest dzielona - w porządku? ekspresyjny? Jaki jest stopień konwencji lub naturalizmu obrazu? Czy warunkowość jest idealizacją lub wyrazistą zniekształceniem? Z reguły kompozycja kompozycji malarskiej jest związana z gatunkiem.

7) Jakie elementy tworzą kompozycję? Jaki jest stosunek obiektu obrazu i tła / miejsca na wzór obrazu?

8) Jak blisko do samolotu obrazu są umieszczone obiekty obrazu?

9) Jaki kąt widzenia wybrał artystę - z góry, od dołu, w skrócie przed przedstawionym obiektami?

10) W jaki sposób ustalona jest pozycja przeglądarki - czy jest to udział w interakcji z obrazem pokazanym na zdjęciu lub czy otrzymuje rolę zawieszonego kontemplatora?
11) Czy można zadzwonić do kompozycji zrównoważoną, statyczną lub dynamiczną? Jeśli jest ruch, jak to jest skierowane?

12) Jak zbudowana jest przestrzeń obrazu (płaska, niejasna warstwa przestrzenna milczy, powstaje głęboka przestrzeń)? Ze względu na to, co osiąga się z iluzji głębokości przestrzennej (różnica w wielkości przedstawionej liczbach, pokazu objętości obiektów lub architektury, przy użyciu gradacji kolorów)? Kompozycja jest rozwijana za pomocą rysunku.

13) O ile wyrażono na starcie liniowy?

14) Podkreślone kontury podkreślone lub Scratzen, z wyłączeniem indywidualnych przedmiotów? Co oznacza, że \u200b\u200bten efekt osiągnięty?

15) W jakim stopniu wyrażona ilość obiektów? Jakie techniki są tworzone przez iluzję objętości?

16) Jaką rolę lekka gra na zdjęciu? Co to jest (płynne, neutralne; kontrast, pchanie objętości; mistyczne). Czy Źródło / kierunek lekkiego czytania?

17) Czy są sylwetki przedstawionych postaci? Jak wyraziły one są cenne w sobie?

18) Jak szczegółowy obraz (lub jest uogólniony)?

19) jest różnorodnością tekstur przedstawionych powierzchni (skóra, tkanina, metal, etc.) są przesyłane? Kolorowanie.

20) Jaką rolę odgrywa kolor smaku (podwładny na postać i objętość lub odwrotnie przytacza jego rysunek i buduje sam kompozycję).

21) Czy kolor jest tylko woluminem malarskim lub czymś dużym? Czy jest optycznie wiarygodna lub ekspresyjna?

22) Lokalne kolory przeważają w obrazie lub smaku tonalnym?

23) Czy granice kolorowych miejsc są rozróżniane? Czy pasują do granic woluminów i przedmiotów?

24) Artysta działa w dużych mas kolorach lub małych rozmazach plam?

25) Jak napisano ciepłe i zimne kolory, czy artysta korzysta z kombinacji dodatkowych kolorów? Dlaczego on to robi? Jak są najbardziej oświetlone i ukryte miejsca są przesyłane?

26) Czy są blasku, odruchami? Jak są cienie (głuchy lub przezroczysty, są kolorowe)?

27) Czy można podkreślić rytmiczne przyczyny w stosowaniu dowolnego koloru lub kombinacji odcieni, czy można śledzić rozwój dowolnego koloru? Czy istnieje dominujący kolor / kombinacja kolorów?

28) Jaka jest tekstura malowniczej powierzchni - gładka lub pasto? Czy poszczególne uderzenia są rozróżniane? Jeśli tak, jakie są małe lub długie, płynne, grube lub prawie suche farby?

06.08.2013

Ministerstwo Transportu Federacji Rosyjskiej

Stan Federalny Edukacja budżetowa
Ustanowienie wyższej rekrutacji
"Rosyjski University of Transport"
Ruth (Miit)
Rosyjska Otwarta Akademia Transportu

Wydział "Pojazdów"

Dział "filozofia, socjologia i historia"

Praktyczna praca

przez dyscyplinę.

"Kulturologia"

Zrobiłem pracę

student pierwszego kursu

grupy ZSA-192

Nikin A.a.

CIFR 17110-C / SDS-0674

Moskwa 2017-2018 G.

Praktyczna lekcja numer 1

Zadanie: Daj znaczącą analizę pracą architektury swojego miasta (wioska, powiat)

Pomnik pracowników kolejowych, 2006 Rzeźbiarz I. Dikunov.

Pochodzę z miasta Lisky Woronezh. Mój miasto jest największym węzłem kolejowym. Począwszy od 1871 r. Historia miasta jest spleciona z rozwojem kolejki. W naszym mieście każdy szósty rezydent jest ściśle związany z zawodem kolejowym, więc kiedy pojawi się pytanie o miejsce instalacji pomnika na cześć 140. rocznicy południowo-wschodniej kolejki, wybór spadł na nasze miasto. Otwarcie pomnika pracowników kolejowych było w 2006 roku

Jest to jedna z niewielu praw autorskich w mieście, wykonana przez słynnego rzeźbiarza Woronezh Ivan Dikunov we współautorstwie z żoną Elsa Pak i Sons Maxim i Alexei. Są autorami popiersek bohaterów Związku Radzieckiego i Rosji na alei chwały, a także bohaterowie bajki uwielbiają park miejski w naszym mieście.

Dikunov Ivan Pavlovich - Honorowany artysta Federacji Rosyjskiej, Honorowany Pracownik Sztuki, Laureat Nagrody Państwowej 1990. Aktywny członek Akademii Nauki i Sztuki Petrovskaya, profesor.

Ivan Pavlovich urodził się w 1941 r. W miejscowości Petrovka Pavlovsky District of Region Woronezh. Jego dzieciństwo stanowiły trudne lata powojenne. Pomimo trudności, znalazł czas na kreatywność, lubił rysować, a nawet bardziej rzeźbiarki. Już wtedy jego talent był widoczny. Ivan Dikunow ukończył szkołę sztuki Leningrad o imieniu Serow w 1964 r. Następnie Instytut Malowania, Rzeźby i Architektury. TO ZNACZY. Repin w 1970 roku. W 1985 roku Przybył do Woronezh i poszedł do pracy w Państwowym Instytucie architektonicznym i budowlanym Voronezh, gdzie uczył 20 lat. Od 1988 do 1995 r. Pedagog Dikunov w Szkole Sztuki Woronezh.

W miastach Woronezh i Regionów Lipieczni we Wspólnokiełości z kolegami Vgasu, Ivan Pavlovich stworzył szereg znaczących zabytków, które są unikalnymi obrazami tworzenia medium architektonicznego i są połączeniem monumentalnej rzeźby i architektury. Mówił przez autora projektów i szefa grup kreatywnych na temat stworzenia pomników Woronezh z wyjątkową rosyjską osobowością - M.E. Patnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), z A.P. Platonov (1999) i inni. Ivan Pavlovich nieustannie uczestniczy w wystawach regionalnych, zonalnych, republikańskich, wszechświecowych, all-rosyjskich i zagranicznych.

Dikunov powiedział, że praca nad pomnikiem pracowników kolejowych odbyła się przez trzy lata, a jego główną myśl miała pokazać pomysł kolejowy w ruchu. Przy wejściu do miasta Liski znajduje się pomnik w mieście Liski i jest wizytówką naszego miasta.

Pomnik pracowników kolejowych jest zabytkiem, który wpływa na nas złożoną kompozycję, głębokie znaczenie i symbolikę. W początkowym planie pomnik był obrazem rozbieżności z kolumny w różnych kierunkach pracowników kolejowych. Ale a następnie rzeźbiarze przybyli do kompozycji, w której obie dane chodzą wzdłuż platformy w jednym kierunku. Zostało to zadane jako aspiracja i jedność nierozłącznej komunikacji pokoleń pracowników kolejowych.

Aby stworzyć pomnik używany kamień i metal. Istnieje wiele szczegółów symbolicznych, dzięki uważnym rozważaniu, fałd w pojemnym, solidnym obrazie kolejowej. W centrum kompozycja jest wysoką kolumną eleganckiej formy na kwadratowym cokole ozdobionym obrazami narzędzi roboczych na tle rozbieżnych promieni. Koronowała emblemat kolei i napis "" Liski ". Figury 3,5 metra wysokość to dwie pokolenia pracowników kolejowych - ścieżka z latarnią i długimi młotkiem, obrazem XIX wieku i nowoczesny kierowca w kształcie garniturze z portfolio w ręku. Wydają się wokół pociągu wokół platformy.

Szczegóły odzieży i inwentaryzacji zostały wybrane ze szczególną ostrożnością: trzymany kształt, odtworzone subtelności na malowidłach muzealnych i eksponatów. W rodzaju rzeźbiarzy służył przez pracowników miejsca kolejowego Liskinsky. Na skraju płyty przechodzi napis: "" jest poświęcony pracownikom kolejowym do wojowników-bohaterów 140 lat Railway YEV

Mam poczucie dumy w moim mieście, dla zwykłych ludzi pracowników, których trudny, odpowiedzialny zawód jest uwieczniony w pomniku. A dwie postacie różnych pokoleń sugerują, że kolej w swoim rozwoju porusza się do przodu, poprawia każdego roku.

Praktyczne zadanie numer 2

Zadanie: Daj znaczącą analizę malarstwa artysty z miasta (wioska, powiat)

Mój rodak był słynny rosyjski artysta Kramskaya Ivan Nikolaevich (27 maja 1837 r. - 24 marca 1887). Urodził się w mieście Prowincji Ostrogozhsk Woronezh (to 30 km od mojego native City of Liski) w rodzinie małego urzędnika.

Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1863-1868) w 1863 roku. Otrzymał mały złoty medal na zdjęcie "Mojżesz emanuje wodę z klifu". Kramskaya była inicjatorem "Bunta czternastu", która zakończyła się dostępem z Akademii Sztuki swoich absolwentów, którzy zorganizowali Arteliści. Również jeden z twórców w 1870 r. Stowarzyszenia wystaw mobilnych ". Pod wpływem pomysłów rosyjskich demokratów-rewolucjonistów, Kramskaya broniła swojej opinii na temat wysokiej publicznej roli artysty, podstawowych zasad realizmu, moralnej istoty sztuki i jej przynależności krajowej. W 1869 r. Nauczył się w szkole rysunkowej publicznej promocji artystów. W 1869 r. Kramskaya otrzymała tytuł akademika.

1970-80 lat XIX wieku byli dla Ivan Nikolayevich przez okres, w którym napisano jedną z najbardziej znanych prac, jest to "Hollowman", "Mina Moiseeva", "chłopa z uzdrążeniem" i innymi. Coraz częściej zjednoczył artystę w jego pracach portret i tematy gospodarstw domowych ("Stranger", "Rezazynaya Mount").

Wiele płótna Kramsky jest uznawane za klasyczny malarstwa rosyjskiego, był mistrzem portretowych, historycznych i gatunkowych scen.

Chciałbym mieszkać na analizie swoich obrazów "Chrystusa na pustyni", który zajmuje wyjątkowe miejsce w kreatywnej biografii I. Kramsky.

Chrystus na pustyni.

Płótno, olej.

180 x 210 cm.

Główną ideą Kramsky'ego trzy lata, który w nim silnie zaangażował się tragedią życia tych wysokich natury, które dobrowolnie odmówił wszelkiego osobistego szczęścia, najlepszego, najbardziej czysto, który artysta mógł wyrazić swój pomysł, był Jezusem Chrystusem.

Kramskaya była pomyślana o jego płótnie przez dekadę. Na początku latach 1860, nadal będąc w Akademii Sztuki, robi pierwszy szkic, w 1867 r. - Pierwsza wersja obrazu, która go nie spełniała. Opcja pierwszej obrazu była pionowym formacją na płótnie, a artysta postanowił napisać obraz na płótnie poziomym i siedząc na kamieniach większego człowieka. W formacie poziomym umożliwiło przedstawienie panoramy niekończącej się skalistej pustyni, zgodnie z którą w jego ciszy i nocy jest samotny człowiek. Dopiero rano był zmęczony i wyczerpany na kamieniu, wciąż nic nie widział przed nim. Ślady bolesnych i głębokich doświadczeń są widoczne na jego zmęczonej twarzy dołkowania, dotkliwości Ducha, jakby leży na ramionach i skłonił głowę.

Działka malowidła jest związana z opisanym w Nowym Testamencie przez czterdziestodniowy stanowisko Jezusa Chrystusa na pustyni, gdzie na emeryturze po jego chrzcie, a z pokusą Chrystusa Diabeł, który wydarzył się podczas tego stanowiska. Według artysty chciał uchwycić dramatyczną sytuację wyborów moralnych, nieuniknione w życiu każdej osoby.

Na zdjęciu przedstawiony Chrystus siedzi na szarym kamieniu znajduje się na wzgórzu w tej samej szarej skalistej pustyni. Kramskaya wykorzystuje zimne kolory, aby przedstawić wcześnie rano - Just Dawn właśnie zaczął. Linia horyzontu przechodzi raczej niska, dzieląc obraz w przybliżeniu na pół. Na dole znajduje się zimna skalista pustynia, aw górnej części - budzące niebo, symbol światła, nadziei i przyszłej transformacji. W rezultacie figura Chrystusa, ubrana w Red Hiton, a ciemnoniebieska peleryna dominuje obraz obrazu, ale mieszka w harmonii z otaczającym trudnym krajobrazem. W samotnej postaci przedstawionej wśród zimnych kamieni, nie tylko smutną trwałość i zmęczenie, ale także "gotowość do przyjęcia pierwszego kroku na skalistej ścieżce prowadzącej do Kalwarii".

Ręce Chrystusa (malarstwo fragmentu)

Powściągliwość w obrazie odzieży pozwala artystom dać główną wartość twarzy i rąk Chrystusa, które tworzą psychologiczną perswazyjność i ludzkość obrazu. Mocno sprężone szczotki dłoni praktycznie w samym centrum płótna. Wraz z twarzą Chrystusa są one semantyczne i emocjonalne centrum kompozycji, przyciągając uwagę widza. Połączone ręce, znajdujące się na poziomie linii horyzontu, "w konwulsyjnym napięciu wolacjonalnym, wydają się być próbowałem związać, jak kamień zamkowy, cały świat jest niebo i ziemia - razem". Bosy stóp Chrystusa klinują z długiego spaceru wzdłuż ostrych kamieni. Ale tymczasem twarz Chrystusa wyraża niesamowitą moc woli.

W tej pracy nie ma żadnych działań, ale życie ducha jest widoczne pokazane. Chrystus na zdjęciu jest bardziej podobny do osoby, z jego cierpieniami, wątpliwościami niż w Bogu, t to sprawia, że \u200b\u200bjego wizerunek jasnego i bliskiego przeglądarki. Ta osoba wydaje ważny krok w życiu, a los ludzi, którzy wierzą w go, zależy od jego rozwiązania, widzimy ciężar tej odpowiedzialności na twarzy bohatera.

Patrząc na to zdjęcie, zdajesz sobie sprawę, że pokusa jest częścią życia danej osoby. Często ludzie stoją przed wyborem: przyjść szczerze, słusznie lub, przeciwnie, aby zrobić coś nielegalnego, nagannego. Absolutnie przechodzą przez ten test. To zdjęcie mówi mi, że bez względu na to, jak wielka pokusa jest konieczna, aby znaleźć siłę, by go walczyć.

Obecnie to zdjęcie znajduje się w Galerii Tretyakowskiej w Moskwie.

Bibliografia:

1. (Zasób elektroniczny) Pomnik pracowników kolejowych w liściach. - Tryb dostępu: HTTPS: // Yandex.ru / Search /? Tekst \u003d Pomnik pracowników kolejowych w liściach (data obsługi 23.11.2017)

2. (Elektroniczny zasób): Dikunow Ivan Pavlovich rzeźbiarz Vrnsh.ru\u003e? Page_id \u003d 1186 (data obsługi 23.11.2017)

3. Życie wybitnych ludzi. 70 znanych artystów. Los i kreatywność. A. Ladvinskaya Donieck - 2006. 448 pp.

4. 100 świetnych obrazów. Moskwa. Wydawnictwo "Veche" - 2003, 510 pp.