Krajobrazy słynnych artystów z nazwami. Rosyjscy artyści - gracze krajobrazu

23.06.2020

Przeczytaj także.

Symboliczne znaczenie nazwy sklepu Ery A

) W jej ekspresyjnych pracach przejrzystość mgła była w stanie zachować, łatwość żagla, gładkie wstrząsy statku na falach.

Jego obrazy są dotknięte ich głębokością, objętością, nasyceniem, a tekstura jest taka, że \u200b\u200bnie można oderwać od nich.

Ciepła prostota Valentina Gubareva

Przyjaciel Primtivist z Mińska Valentin Gubarev. Nie ściga chwały i po prostu co kocha. Jego kreatywność jest niesamowicie popularna za granicą, ale niemal nieznana dla swoich rodaków. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w swoich szkicach domowych i zakończył umowę z artystą od 16 lat. Obrazy, które wydają się być zrozumiałe tylko dla nas, przewoźnicy "skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu", podobały się europejskiej publiczności i rozpoczął wystawy w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Sergeya Marrannikova

Sergey Marshnikov 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły realistycznego malowania portretowego. Heroistry jego płótna stają się delikatne i bezbronne w półpienice. W wielu najbardziej znanych obrazach przedstawionych muza i żona artysty - Natalia.

World World Philip Barlow

W nowoczesnej ery obrazów wysokiej rozdzielczości i heerwealism kreatywności Philip Barlow (Philip Barlow) natychmiast przyciąga uwagę. Przeglądarka wymaga jednak pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na niewyraźne sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie, więc zobacz świat bez okularów i soczewek kontaktowych osób cierpiących na Myopię.

Park Laurent Sunny Bunnies

Malowanie Laurent Parceliel jest niesamowitym światem, w którym nie ma smutku ani przygnębiania. Nie spotkał się z marszczącymi i deszczowymi obrazami. Na płótnie jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta zadaje charakterystyczne rozpoznawalne uderzenia. Stwarza uczucie, że obrazy są tkane z tysiąca słonecznych króliczek.

Dynamika miasta w dziełach Jeremy Manny

Olej na drewnianych panelach Artysta Amerykański Jeremy Mann (Jeremy Mann) pisze dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii. "Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast lekkich i ciemnych plamek - wszystko tworzy obraz, który powoduje uczucie, że osoba doświadcza w tłumie i zawirowania miasta, ale może również wyrazić spokój umysłu, który jest zdobyty w rozważaniu ciche Piękno - mówi artysta.

Illustory World of Nile Simon

W obrazach brytyjskich artysty Nile Simon (Neil Simone) wszystko nie wydaje się na pierwszy rzut oka. "Dla mnie, świat wokół jest serią delikatnych i stale zmieniających się form, cieni i granic", mówi Simon. W jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i połączone. Granice są zmyte, a wykresy płyną do siebie.

Miłość dramatu Joseph Laratso

Włoski pochodzenie nowoczesnego artysty amerykański Joseph Lorasso (Joseph Lorusso) niesie wykresy na płótnie podglądając je w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne impulsy, minuty czułości i pragnienia wypełniają swoje emocjonalne obrazy.

Rustykalne życie Dmitry Lyowin

Dmitry Levin - Uznany Mistrz Rosyjskiego Krajobrazu, który okazał się utalentowanym przedstawicielem rosyjskiej realistycznej szkoły. Najważniejszym źródłem jego sztuki jest uczucie dla natury, które delikatnie i namiętnie kocha i część, której czuje się sama.

Bright East Valery Blokhina

M. K. KLODT. Na gruntach ornych. 1871.

Obraz krajobrazu rosyjskich artystów XIX wieku

Na początku lat 20. XIX wieku Venetcians stali się świetlnymi problemami w malarstwie. Artysta pchnął, aby rozwiązać te problemy artysty w 1820 r. Z obrazem F. Ziarno "wewnętrzny widok klasztoru Kapuchinsky w Rzymie". Ponad miesiąc codziennie, artysta siedział przed nią w pustelni, skompilowany, jak osiągnięto efekt iluzji na zdjęciu. Następnie wenecian został przywołany, że wszyscy uderzyli w uczucie istotności obiektów.

W miejscowości Venetianov, dwa niesamowite obrazy pisał - "Khumno" (1821 - 1823) i "rano właścicieli ziemskich" (1823). Po raz pierwszy w malarstwie rosyjskim obrazy i życie chłopów zostały przeniesione z imponującą niezawodnością. Po raz pierwszy artysta próbował odtworzyć atmosferę środowiska, w którym ludzie działają. Weneckianow, być może jeden z pierwszych zdał sobie sprawę z obrazu jako synteza gatunków. W przyszłości taką kombinację różnych gatunków w jednej całej stanie się najważniejszym podboju malowania XIX wieku.
W "Humne", jak w "Rano Właścicieli", światło pomaga nie tylko zidentyfikować ulgę obiektów - "animowany" i "prawdziwy", jak mówiony przez weneccyjczyków i, działając w prawdziwej interakcji z nimi, służy jako środek wcielenia treści figuratywnych. W "rano właściciela właściciela" artysta poczuł złożoność związku światła i koloru, ale do tej pory tylko czuły. Postawa do koloru wciąż nie jest poza ramami tradycyjnych pomysłów, w każdym przypadku w uzasadnionych teoretycznych. Vorobev przestrzegał takich poglądów. Wyjaśnił swoich uczniów: "Lepiej zobaczyć wyższość idealistów nad naturalistami, konieczne jest widzenie rycin z poussą i życiorysem, kiedy on i drugi są przed nami bez farb."

Podobny stosunek do koloru był tradycyjny i doprowadził do ich pochodzenia od renesansowych mistrzów. W swojej prezentacji kolor zajmował pośrednie miejsce między światłem a cieniem. Leonardo da Vinci argumentował, że piękno farb bez cieni przynosi sławę artystów tylko z ignorant mobilny. Orzechy te wcale nie są tym, że artystów renesansu byli złych kolorystów lub osób niepełnosprawnych. W przypadku obecności wskazanych refleksów L.-B. Alberti, Leonardo należy do znanego twierdzenia odruchowego. Ale główną rzeczą było zidentyfikowanie stałych cech rzeczywistości. Podobny stosunek do świata odpowiadał poglądom tego czasu.
W tym samym 1827 roku, A. V. Tyranow napisał lato krajobraz "Widok na rzekę Tosno w pobliżu miejscowości Nikolsky". Obraz został stworzony, jakby w kilku rosyjskiej zimie. Widok otwiera się z wysokim brzegiem i obejmuje rozległą. Podobnie jak na zdjęciu Krylov, ludzie nie wykonują roli Staffeava, ale tworzą grupę gatunkową. Oba obrazy są nazywane czystym krajobrazami.
Los Tyranchowa jest w dużej mierze blisko losu Krylova. Zaangażował się również w malarstwo, pomagając jego starszym malarzu icon-Icon. W 1824 r., Dzięki kłopotom Venecian, przyszedł do Petersburga, a rok później otrzymał pomoc ze społeczeństwa promocji artystów. Obraz "Widok na rzekę Tosnę w pobliżu miejscowości Nikolsky" został stworzony przez dziewiętnastoletnich młodych mężczyzn, którzy złożyli pierwsze kroki w opanowaniu profesjonalnych technik malarskich. Niestety, w pracy obu artystów nie opracowano doświadczenie odwołania do malowania krajobrazu. Skrzydła zmarły cztery lata później podczas epidemii cholery, a Tyroanov dał sobie gatunek "w pokojach", obiecując malarstwo, pomyślnie napisał niestandardowe portrety i wygrał sławę na tej ścieżce.
W drugiej połowie lat 1820 roku talent Sylvester Shchedryny zyskał siłę. Po cyklu "Nowego Rzymu" napisał pełne życie krajobrazów, w którym udało mu się przenieść naturalną istotę natury na tarasach i werandach. W tych krajobrazach Szczedryna w końcu odmówił tradycji rozkładu ze stali nierdzewnej figur. Ludzie żyją w nierozłącznej jedności z naturą, dając jej nowe znaczenie. Błędnie rozwijający osiągnięcia swoich poprzedników, SHCHEDRIN Opetectivated codziennego życia włoskich.
Przykład wykonania nowej treści art, nowość zadań figuratywnych nieuchronnie wiąże się z artystą do obszaru poszukiwania odpowiednich funduszy artystycznych. W pierwszej połowie lat 20. XX wieku Shchedrin pokonuje konwencjonalność kolorów "Muzeum" i odmawia budowy miejsca. Przenosi się do zimnego smaku i buduje przestrzeń ze stopniowym rozwojem w głębi, odrzucając Repussuars i plany. Jako obraz dużych przestrzeni, Szczedryna preferuje taką atmosferę, gdy plany dalekobieżne są pisane "z mgłą". Był to znaczący krok w zbliżaniu się do problemów malarstwa plenarnego, ale obraz w pliszerze musiał przejść przez znaczący sposób.
Dużo jest dużo napisane o malowaniu na pliszerze. Najczęściej, pleneger jest związany z wizerunkiem środowiska lekkiego powietrza, ale to tylko jeden z jego elementów. A. A. Fedorow Davydov, analizując cykl "Nowy Rzym", napisał: "Szczedryna nie jest zainteresowana zmiennością oświetlenia, ale problem światła i powietrza otwiera problem światła i powietrza. Przesyła, że \u200b\u200bnie jego uczucia, ale obiektywnej rzeczywistości i szuka jej lojalności i przekładni powietrznej. " Praca SHChedrin i Levitana łączy pewną demokrację poglądów, ale dzieli pół wieku okres rozwoju sztuki. W tym czasie istniała znaczna ekspansja możliwości malowania. Oprócz rozwiązywania problemów środowiska lekkiego powietrza zatwierdzono kolorową wartość plastikową elementów samych przedmiotów.
Na podstawie tego, vs Turchin słusznie odnosi się do malowania krajobrazu romantyzmu z Penrenier: "Romantyzm, zbliżając się do powietrznego powietrza, chciał znaleźć i wyrażać malowniczy kolor powietrza, ale jest to tylko część kropkowania, jeśli sam pleneer rozumie jako sam Niektóre system, gdzie i problem "środowiska optycznego", gdzie wszystko jest odzwierciedlone i penetruje się. "

Były obserwacje, ale nie było wiedzy. F. Engels napisał w "dialektyce natury": "Są nie tylko inne uczucia, ale także działania naszego myślenia do naszego oka. Newton opublikował "Optyka" w 1704 roku. Podsumowując wiele lat badań, stwierdził, że zjawisko kolorów występuje, gdy konwencjonalne białe światło (słoneczne) jest rozszczepianie. Nieco wcześniej, w 1667 r. Robert Boyle, słynny fizyk, próbował zastosować optyczne nauczanie o świetle do teorii farb, wydawnictwa w Londynie książki "Eksperymenty i rozumowanie dotyczące farb, pierwotnie napisanych przez przypadek między innymi doświadczeń do znajomego , a następnie wydany jako początek historii eksperymentalnej farb. "
Po pierwsze, gracze krajobrazu zwrócili uwagę na problemy przestrzeni budynku. W latach 1820-1830 wielu artystów zajmuje się badaniem perspektyw, wśród nich Vorobyov i Venetianova należy nazwać. Wrażenie naturalności podczas transmisji przestrzeni w ich dziełach nabywa wartość dominującej. Przed opuszczeniem Vorobyova na Bliskim Wschodzie, Prezes Akademii Arts A. N. Oleniin przedstawił mu długą "instrukcję" z 1420 marca. Wśród innych nieruchomości można przeczytać następujące elementy: "Będziesz słuszny ze wszystkiego, co przeciętne talent jest czasami wymyślać, aby dać więcej dzieł sztuki siły. Mówię o repussuoirach, które istnieją tokmo w wyobraźni, a nie w naturze, i używane przez malarzy, którzy nie wiedzą, jak przedstawić naturę, jak to jest, dzięki tej strąciowej prawdzie, co moim zdaniem robi urocze dzieła sztuki . " Olenin wielokrotnie twierdził pomysł zbliżenia dzieł sztuki i natury. W 1831 r., Na przykład, napisał: "Jeśli wybór obiektu w naturze jest wykonany ze smaku (uczucie, które jest również trudne do ustalenia, jak najbardziej elegancki w sztuce), a potem mówię, podmiot będzie w swoim Rodzaj, aby być wiernym właściwym wyrazem wyrażenia. " Smak - kategoria jest romantyczna, i znalezienie eleganckiego w samej naturze, bez przynoszenia go z zewnątrz, - myśl zawierająca krytykę klasycznej koncepcji imitacji.

W latach 1820-1830 w ścianach Akademii Sztuki, stosunek do pracy z naturą był raczej pozytywny niż negatywny. W 1824 r. Klasa portretowa F. G. Solntev przypomniała, że \u200b\u200bZbawiciel na krzyżu był zwykle malowany z symulatora: "Po 5 minutach, centrum kosztowe rozpoczęło się blady, a następnie usunięto go już wyczerpany". Po 1830 r. Szef klasy krajobrazu Vorobiewa była wyrównana z profesorami obrazu historycznego, a studenci krajobrazu pozwolono na zastąpienie klas klasowych na rysunku pracy na naturze.
Wszystko to wskazuje pewne procesy w systemie nauczania Akademii Sztuk Pięknych.
Na przykład V. I. Grigorovich napisał w artykule "Nauka i sztuka" (1823): "Wyróżniający znak wdzięku sztuki polega na wizerunku wszystkich eleganckich i przyjemnych". I dalej: "Portret mężczyzny napisanego z natury, jest obraz, a obraz historyczny, zlokalizowany i wykonany zgodnie z zasadami smaku, jest naśladowany." Jeśli zakładamy, że krajobraz "musi być portret", krajobraz powinien być również uważany za wizerunek, a nie naśladowanie. Przepis ten sformułowany przez Grigorovich o portret nie różni się od refleksji, jeśli Urvanova o krajobrazie określonym w traktacie "Krótki przewodnik po wiedzy o rysowaniu i malowaniu historycznego rodzaju, w oparciu o tworzenie i eksperymenty" (1793) : "Kształtowanie architektury polega na zdolności skopulowania w jednym gatunku kilku przedmiotów jakiegoś miejsca i prawidłowo je przyciągają, aby przynieść przyjemność i że ci, którzy patrzą na takie oko, wyobrażają sobie, że go widzą. W ten sposób rosyjska klasyczna teoria w pewnym sensie wymagała krajobrazu i portret podobieństwa z naturą. To Częściowo wyjaśnia sąsiedztwo klasyfikmu z romantycznymi wyszukiwaniami w gatunkach krajobrazowych i portretowych. W sztuce romantycznej tylko bardziej ostro było pytanie, jak osiągnąć ten podobieństwo. Poczucie natury, malowane przez człowieka związek, objawił się w dziełach namator rosyjskiego gatunku krajobrazu shchedryny. Chociaż typy Gatchina, Pavlovsk, Peterhof, napisane przez nich, przenoszą cechy niektórych Eshi, są nasycone uczuciem całkowicie określonego podejścia do natury.

W nekrologów Nasiona Shchedrin Ia Akimov napisał: "Pierwsza łodzi podwodnej jego obrazów, zwłaszcza powietrze i odległość, pomalowana z wielką umiejętnością i pomyślnie, że był pożądany dla niczego, a kiedy został zachowany, ta sama twardość i sztuka była zachowany. " Później, Sylvester Shchedrin w obrazach Mistrza Klasycznego Krajobrazu F. M. Matveyeva zauważył "główną najważniejszą godność", która "jest w dziedzinie pisania planów dalekiego zasięgu".
Pod koniec lat 20. XIX wieku Shchedrin odwrócił się do obrazu krajobrazów z księżycem. Na pierwszy rzut oka może to wydawać się odwoływać się do tradycyjnych romantycznych motywów. Romans uwielbiała "niedobór noc".
W połowie 1820 roku, wiele romantycznych akcesoriów w poezji zamienił się w szablon, malarstwie, odkryto również wizerunkowe cechy krajobrazu, aw szczególności odkryto poetykę nocy i mgły.
Shchedrin napisał nocne krajobrazy, nie pozostawiając pracy na innych włoskich gatunkach. W tych latach stworzyli wspaniałe obrazy: "Taras nad brzegiem morza" i "Nabrzeże Mergellina w Neapolu" (1827), widoki na Vico i Sorrento. Krajobrazy na lampę księżycowej pojawiły się jednocześnie z słynnymi tarasami, a nie przypadkowo. Stali się naturalną kontynuacją poszukiwania dogłębnego obrazu natury, jego wielokrotnych więzi z osobą. To połączenie jest nie tylko dzięki ludziom, których SHCHEDRIN często i chętnie zawierać w ich krajobrazach, ale także wzbogacony z uczuciami samego artysty, który animował każde płótno.

Bardzo często w nocnych krajobrazach Generin wykorzystuje podwójne oświetlenie. Słynny w kilku przykładach wykonania, obraz "Neapol na Nocy Księżyca" (1829) ma również dwa źródła światła - księżyc i ogień. W takich przypadkach sama światło prowadzi różne kolorowe możliwości - najzimniejsze światło z księżyca i ciepło z ognia, a lokalny kolor jest znacznie osłabiony, ponieważ odbywa się w nocy. Wizerunek dwóch źródeł światła przyciągało wielu artystów. Ten motyw jest rozwijany przez A. A. Ivanova w akwarele "Ave Maria" (1839), I. K. Aivazovsky na zdjęciu "Moonlit Night" (1849), K. I. Rabus w malarstwie "Brama Spasskit w Moskwie" (1854). W rozwiązywaniu malowniczych zadań, motyw podwójnego oświetlenia umieszczony przed artystą problemem bezpośredniego związku światła i światu obiektywnego.
Jednakże, aby w pełni ucieleśnić wszystkie bogactwo koloru obrazu świata, jego bezpośrednie piękno, gracze krajobrazowi mieli wyjść z warsztatów dla kleniarza. Po Wenecjanowie w rosyjskim obrazie, jedna z pierwszej takiej próby powstała skrzydła, pracując na zdjęciu "Zimowy krajobraz" (rosyjska zima "). Jednak trudno młody artysta w pełni zrealizował zadanie naprzeciwko go.
Najważniejsze odkrycia w gatunku krajobrazu oznaczono 1830. Artyści coraz bardziej odwołani do codziennych motywów. Tak więc, w 1832 roku, MI Lebedev i Id Skikikow otrzymał z Akademii Srebrnych Medali Sztuk dla obrazów Petrovsky Islands, w przyszłym roku Lebedev na malarstwo "Widok w pobliżu jeziora Ladoga" i Skorikov do pracy " Pargolov z Shuvalovsky Park "dostał złote medale. W 1834 A. Ya. Kukhevsky na obraz "Wygląd Pargolev" i L. K. Plakhov na obraz "Widok w okolicy Oanienbaum" otrzymały również złote medale. W 1838 r. K. V. Kroovykhin otrzymał srebrny medal na obraz "Night". Uczniowie Vorobyov Napisz Pargotovo (gdzie znajduje się domek Vorobyeva), okolice Oranienbaum i Lake Lake, Petrovsky Island. Programy pisania nie są już oferowane konkurentom. Tematy są wybierane przez siebie. Próbki do kopiowania znajdowały się zdjęcia Sylvester Shchedryna.

Vorobev, który prowadził klasę malarstwa krajobrazowego na Akademii Sztuk, również nadal pracuje nad ujawnieniem treści emocjonalnych i natury. Wybiera działki w duchu romantycznej poetyki związanej z pewnym stanem atmosfery lub oświetlenia, ale pozostaje obcy, aby doprowadzić do krajobrazu cechy medytacji filozoficznej. Nastrój krajobrazu "Zachód słońca w pobliżu Petersburga" (1832) jest tworzony przez opozycję do jednolitej przestrzeni północnego nieba i jego odbicia w wodzie. Czysta sylwetka barcas wyciągnięta na brzeg naciska nieograniczoną odległość, w której element wodny jest niezauważalnie zamknięty z "powietrzem". Krajobraz z obrazem stojącą na brzegach łodzi przenosi poetycową intonację - oddzieloną od elementu wodnego, łódź staje się metaforem poczty e-mail przerywanego pływania, symbolem niektórych niespełnionych nadziei i intencji. Ten motyw był szeroko rozpowszechniony w obrazie romantycznej epoki.
Krajobraz, który cel, studiujący charakter stanu atmosfery, zawsze przyciągał Vorobywa. Przez wiele lat prowadził dziennik obserwacji meteorologicznych. W połowie 1830 roku tworzy znaczny cykl nowego molo w jego artystycznych korzyściach przed Akademią Sztuki, która została ozdobiona sfinksami przywiesznymi z starożytnej Purisa. Vorobyov przedstawił go w różnych porach dnia i roku.
Zdjęcie "Nasyp Neva w Akademii Sztuk" (1835) Legged Wczesny lato rano. Biała noc jest niepozorna liście, a światło niskiego słońca, jak w kontakcie z powietrzem nad Nevą, mówi nastrój nastroju. Na tamtach zaświatów mają pranie pralni. Sąsiedztwo starożytnych sfinksów z tym scenie prozy wskazuje na świeżość widoku artysty na zjawiskach życia. Wróbel celowo usuwa reprezentatywność w charakterze obrazu, podkreślając urok naturalności istoty. Dlatego główna uwaga koncentruje się na kolorowo roztworze krajobrazu, na wyrazie unikalnego, ale całkowicie określonego nastroju.

W połowie 1830 roku Vorobyov był w zenicie swojej sławy i mimo to po cyklu gatunku molo z sfinksami, prawie opuścił pracę na Petersburgu Krajobrazy - napisał głównie prace niestandardowe, naprawiając etapy konstrukcji Katedry św. Izaaka, widok Konstantynopola i dla siebie. W letniej nocy. Od 1838 do 1842 roku, z wyjątkiem oficjalnego zamówienia "Podnoszenie kolumn na katedrze św. Izaaka", Vorobyow napisał wyłącznie do Pargolova. Sugeruje to, że artysta masztu poczuł potrzebę pogłębienia swojej wiedzy o pracy na naturze. Niestety, wyniki tych obserwacji nie znalazły refleksji w swojej pracy. W 1842 roku, pod wrażeniem śmierci jego żony, Vorobyow napisał symboliczny obraz "dębu, złamanego pioruna". To zdjęcie pozostało jedynym przykładem symbolicznego romantyzmu w swojej pracy.
Złote medalistki M. I. Lebedev, I. K. Aivazovsky odegrał znaczącą rolę wśród absolwentów w rozwoju malarstwa rosyjskiego, I. Sternberg, zmarłym dwadzieścia siedem lat - sześć lat po zakończeniu Akademii Sztuki.
Lebedev niewątpliwie musiał stać się jednym z wybitnych graczy krajobrazowych jego czasu. Zapisał się w Akademii Sztuk Pięknych lat, otrzymał już mały złoty medal w ciągu sześciu miesięcy, aw przyszłym roku i dużym. Już w tym okresie Lebedev uważnie zauważa przyrodę i ludzi. Krajobraz "Vasilkovo" (1833) zawiera pewien nastrój natury, poczucie przestrzeni. Małe płótno "w wietrznej pogodzie" (1830) jest wyposażone w te cechy, które później stały się fundamentalne w pracy artysty. Lebedev nie jest zainteresowany obrazem określonego typu, ale przeniesienie uczucia złej pogody, impuls deszczowego wiatru. Przedstawia przerywa chmury, lot zaburzonych ptaków. Uogólniona masa podaje drzewa elastyczne przez wiatr. Pierwszy plan jest napisany przez pastzony, natężenia energiczne.

We Włoszech Lebedev pokazał się jako wybitny kolorysta i starannego badacza natury. Z Włoch, napisał: "Ile mogłoby próbować skopiować naturę, zwracając uwagę na mnie zawsze wypowiadane: odległość, lekkie niebo, ulga - zresetować przyjemne głupie maniery. Claude Lorren, Reydal, wieczne próbki pozostaną.
Zdecydowanie Lelebedev był zorientowany na pracę z naturą nie tylko na etapie eterów, ale także w procesie tworzenia obrazów malarskich. W XIX wieku malarstwo krajobrazowe rozszerza koło swoich działek, artystów pogłębia uczucie natury. Nie tylko wydarzenia w świecie przyrody: zachód słońca, wschód słońca, wiatr, burza i tym podobne, ale codzienne państwa coraz częściej przyciągają uwagę graczy krajobrazowych.
W danym fragmencie z listu jest wyraźnie czuły związek w naturze Lebedeva w naturze, natychmiastowość w jej postrzeganiu. Jego krajobrazy są znacznie blisko widza i rzadko obejmują duże przestrzenie. Artysta widzi swoje twórcze zadanie w stwierdzeniu struktury przestrzeni, stan oświetlenia, ich linki z objętością podmiotu - "odległość, światło nieba, ulga". Ten osąd Lebedev należy do jesieni 1835 r., Kiedy napisano aricha.
Jak artysta Lebedev rozwinął się bardzo szybko, i trudno jest założyć, jaki sukces mógł osiągnąć, gdy jego przedwczesna śmierć. W jego obrazach szedł ścieżką komplikacji kolorowych zadań, kolorowej harmonii natury i nie uniknął pisek na "otwarte słońce". Lebedev napisał swobodnie, Bolder Vorobyov, już należał do nowej generacji malarzy.

Inny znany student Vorobyeva Aivazovsky również od czasu jego praktyki starności starał się pisać z natury. Próbka dla siebie uważana za Sylvester Shchedrin. Jako studentka Akademii wykonała kopię ze zdjęcia SHChedrin "Widok Amalfi w pobliżu Neapolu" i przybył do Włoch, dwukrotnie napisał z naturą w Sorrento i motywy Amalfi znane mu w obrazach Szchedryny, ale bez większego sukcesu.
Jego stosunek do przyrody Aivazovsky pochodzi z poetyki romantycznego krajobrazu. Należy zauważyć, że Aivazovsky posiadał ostrą pamięć kolorystyczną i stale uzupełniał jej brzeg obserwacji natury. Być może słynny morski, więcej niż inni uczniowie Vorobyov był blisko jej nauczyciela. Ale czasy zmieniły się, a jeśli prace Vorobyowa we wszystkich opiniach zasłużyły na niezmienioną pochwałę, a następnie Aivazovsky, wraz z pochwałami, otrzymanymi i wyrzutami.
Wprowadzenie efektów w malarstwie, Gogol absolutnie nie akceptuje ich w literaturze. Ale w malarstwie proces ruchu z efektów zewnętrznych rozpoczął już wizerunek dziennych państw natury.
Jednocześnie z Lebedevem, V. I. Sternberg pracował. Ukończył klasę krajobrazu Akademii Sztuki w 1838 r. Z dużym złotym medalem do malowania "Oświetlenie Paski w wiosce Malorosiysk", nie działał i napisany z natury. Chociaż Sternberg napisał wiele ciekawych krajobrazów, w swojej pracy poczuł silne pragnienie malarstwa gatunkowego. Już w pracy konkurencyjnej dołączył do krajobrazu z malarstwem gatunkowym. Taka synkretowanie przynosi mu bliżej z tradycją weneckiej, a z problemami, które zostały rozwiązane w malarstwie krajowym w drugiej połowie XIX wieku.

Niezwykle atrakcyjny mały obrazek-etiudy należący do pędzla Sternberg "w Kachanovka", majątek S. Tarnovsky ". Przedstawia kompozytor M. I. Glinka, historyk N. A. Markevich, właściciel Kachanovka G. S. Tarnovsky i samego artysty na sztalugę. Ta kompozycja gatunku "w pokojach" jest napisana swobodnie i żywa, światło i kolory są przesyłane ostre i przekonujące. Poza oknem otwiera ogromną przestrzeń. W gotowych dziełach Sternberg jest bardziej powściągliwy, zgadują tylko nieodłączne w artystce dar uogólnionej wizji i talentu koloristka.
Wśród wielu problemów, które były w centrum uwagi Aleksandra Iwanowa, ważne miejsce zajęte przez stosunek gatunków, nowe odkrycia kolorowych możliwości malarstwa, w końcu metoda pracy na zdjęciu. Kredyty krajobrazowe Alexandra Ivanova stały się na rosyjskie malowanie przez otwarcie wychwytywania. Około 1840 r. Ivanov jest świadomy zależności koloru obiektów i przestrzeni z oświetlenia słonecznego. Akwarele krajobrazu tego czasu i oleju etudego do "Mesjasza zjawisk" świadczy o szczególnej uwagi artysty do koloru. Ivanov dużo i pilnie skopiował starych mistrzów i należy go założyć, jednocześnie czuł się bardziej wyraźnie różnicę między światową eremą renesansu i XIX wieku. Naturalną konsekwencją takiego wyjścia może być tylko gruntowne badanie natury. Praca Aleksandra Ivanova otrzymała praktyczne ukończenie ewolucji, która odbyła rosyjskie malowanie z klasycznego systemu do zniewolenia wakacyjnej. Ivanov zbadał dialektyczny związek światła i kolorów w wielu etiudów z natury, za każdym razem, gdy koncentruje się na konkretnym zadaniu. W pierwszej połowie XIX wieku taka praca wymagana od artysty wysiłków tytanicznych. Niemniej jednak Aleksander Ivanov postanowił niemal całą gamę zadań związanych z malowaniem w prokreacji w Etiudes z 1840 roku. Dzięki takiej sekwencji takie zadania nie rozwiązały żadnych swoich współczesnych. Ivanov zbadał wskaźniki kolorów ziemi, kamieni i wody, nagiego ciała na tle ziemi, aw innych etiudach - na tle nieba i przestrzeni dużej długości, stosunek zieleni w pobliżu i odległe plany i podobne. Czas w krajobrazie Etanov nabywa określone znaczenie: To w ogóle nie ma czasu, ale pewnego czasu charakteryzuje się tymi oświetleniem.

Sposób pracy Ivanov został rozumiany daleko od wszystkich współczesnych. Nawet w 1876 roku Jordan, który napisał swoje wspomnienia, prawdopodobnie nie rozumieją, że Ivanov był zaangażowany w naukę nowej metody reprodukcji rzeczywistości i że pilny problem tej metody był do pracy w niewoli. Natura w oczach Ivanova miała obiektywną wartość estetyczną, która jest źródłem głębszych obrazów niż stowarzyszeń bocznych i wymyślonej alegorii.
Romantyczni artyści, z reguły, nie byli na celu odtworzenie natury na całym kolektorze jego celu. Jak widzimy na przykładzie kreatywności Vorobyevy, materiał przygotowawczy Nuthea był ograniczony do rysunków ołówków, czarnej akwareli lub Seppera, w którym podano tylko charakterystykę tonalną krajobrazu. Czasami słomkowy etiude był rysunkiem, lekko czesany akwarela w celu określenia relacji związanej z nią cieplną. Kolor charakterystyczny dla krajobrazu w oczach romantyków, co odpowiada klasycznej tradycji malarstwa, powinno zdecydować się w wyniku wspólnych wyszukiwań kolorowych. Ograniczone romantycy przede wszystkim fakt, że środek ich uwagi pozostawała relacji z lekkim zanieczyszczeniem. Więc widział przyrody Vorobiv, więc nauczał widzieć przyrodę i jego zwierzęta. W pierwszej połowie XIX wieku podobny wygląd był dość naturalny, ponieważ był konsekrowany przez tradycję.
W połowie 1850 roku młodzi A. K. Savrasov koncentruje się na jego poszukiwania podobnej metody pracy. Był blisko szkoły Vorobyvy dzięki swoim nauczycielom Rabus, który studiował w Vorobyevie. W 1848 r. Savrasov skopiował Aivazovsky, interesował się dziełami Lebedev i Sternberg. Kierunek malarstwa krajobrazu, rozpoczęty przez Sylvester, hojny i ciągły Lebedev, był szeroko rozpowszechniony przez środek XIX wieku. W tym czasie teoretycznie kompleksowe, ale praktycznie ograniczony romantyzm nie mógł zachować roli kierunku wiodącego w art.

Fundacja rozpoczęta przez romantyków była trwała, ale postawa romantyk do natury wymagała pewnej ewolucji. Jeden z artystów, którzy opracowali idee Venetyanowa o głównej roli przyrody G. V. Soroka. W zimowym krajobrazie "Flygel na wyspach" (pierwsza połowa 1840 roku.) Soroka pewnie pisze kolorowe cienie na śniegu. Ten utalentowany artysta wyróżniał się miłością w kolorze białym, często obejmował ludzi w krajobrazach ludzi w białych ubraniach, zobaczył zdolność ahromatycznego koloru, który ma być malowany w zależności od oświetlenia. Fakt, że czterdzieści celowo umieścił kolorowe zadania przed nimi, starannie obserwował zmiany kolorów, zeznaje krajobrazy przedstawiające inny czas dnia. Na przykład obraz "rodzaj jeziora Moldino" (nie później niż 1847) reprezentuje stan natury w porannym oświetleniu. Artysta obserwuje kolorowe cienie i złożoną kolorową grę światła na białe ubrania chłopów. Na zdjęciu "Rybacy" (druga połowa 1840 roku.) Czterdzieści bardzo prawidłowo przenosi podwójne oświetlenie - ciepłe światło z otoczenia słońca i zimne światło z błękitnego nieba.
Szczerość artysty, subtelne poczucie piękna codziennych przejawów natury daje dzieła uroku Soroki i poezji.
Kreatywność Sylvester Shchedrin, M. I. Lebedeva, G. B. Soroki wskazuje, że odwołanie A. A. Ivanov do pracy w Plenicu nie był wyjątkowym wyczynem pojedynczego, ale regularnego etapu rozwoju malarstwa krajowego.
W Petersburgu Ivanov wystawił obraz wraz z etitami przygotowawczymi. To był czas, kiedy wieloletnia praca Ivanova, która stworzyła, jako sam artysta powiedział: "Szkoła", jeszcze nie zdecydowała się w pełni docenić. Przykład Ivanov był trudny zwłaszcza po "ponuro siedem lat", kiedy prześladowania poddano wszelkich starań, pozostawiając krawędź ogólnie przyjętego systemu. Obraz krajobrazu nie wykonał wyjątków. Według B. F. Egorova, cenzura przekroczyła ten fragment "strach przed złożonym teoretycznym zrozumieniem natury i społeczeństwa - nie jest możliwe interpretacja takiej dialektyki!".

Pod koniec lat 50. XIX wieku Akademia Sztuki, która była pod jurysdykcją Ministerstwa Cesarskiego Sądu i posiadająca prezydentów członków Nazwiska Królewskiego, w ogóle zamienił się w biurokratyczną organizację. Akademia miała prawo monopolowe przy nagrywają artystów srebrnych i złotych medali na wykonywanie programów konkurencyjnych. Próby wyprzedzania takiego prawa do Moskwy Szkoły Malarstwa i Babanii bardzo odbiegały. Tradycje sztuki akademickiej strzeżały historyczny gatunek, w którym działki z historii konkurentów zostały zaproponowane znacznie rzadziej niż działki z mitologii lub świętego Pisma Świętego. Ponadto zaproponowano, obrazy zostały zaproponowane do spełnienia zgodnie z określonymi standardami: Działka została wykonana na określonych zasadach kompozycji, wyraz twarzy i gestów osób działających wyróżniono celową ekspresję, zdolność do spektakularnie zapisu draperii i tkanin.
Tymczasem w środku lat 1840 r. "Szkoła przyrodnicza" była wyraźnie określona w literaturze, która walczyła o honor i godność osoby. W tych latach Belinsky rozwija spojrzenie na narodowość w sztuce i zbliża się do zrozumienia narodowości jako zjawisko łączącego się z jednym całym ludem, krajowym i uniwersalnym. Zapytaj pomysły, które karmią przekonanie o potrzebie rdzennych transformacji społecznych w Rosji. Frontier z 1850-180s otworzył nowy, przydzielający etap historii inteligencji krajowej.
Pod jego wpływem opracowano pewien program estetyczny rosyjskiej sztuki. Jego podstawy położyły Belinsky, uzyskano dalszy rozwój w dziełach N. G. Chernyshevsky i N. A. Dobroliubova. Walka została przeprowadzona na sztukę ideologiczną, dla takiej zawartości estetycznej, która byłaby nierozłączna z demokratycznych "moralnych i politycznych ideałów. Belinsky zobaczył główne zadanie literatury na pokazie życia. Rozwijanie przeglądu Belinsky, Chernyshevsky w słynnej dysertacji określa główne cechy artystycznej sztuki nieco szerszej: reprodukcji życia, wyjaśnienie życia, zdanie na całe życie. "Werdykt" żądany od autora nie tylko pewne stanowisko cywilne, wiedza o życiu, ale także poczuciu perspektywy historycznej.
W losie rosyjskiego malowania krajobrazu, druga połowa stulecia Savrasov należy do specjalnej roli: był nie tylko utalentowanym artystą, ale także nauczycielem. Od 1857 r. Savrasov, przez dwadzieścia pięć lat, kierując klasą malowania krajobrazu w szkole Moskwy. Uporczywie koncentruje się swoich uczniów do pracy z natury, zażądał z nich do pisania Etiudes z olejem, nauczał szukać piękna w najbardziej władczy motyw.
Nowy stosunek do krajobrazu jest ucieleśniony w obrazie V. G. Schwartz "Spring Train Tsaritsa w Bogomol z Tsar Aleksy Mikhailovic" (1868). Artysta pasuje do sceny historycznej gatunku do rozległego krajobrazu. Podobne rozwiązanie historycznego obrazu przyszedł w 1848 roku, Aivazovsky w Brig Mercury Cannit po zwycięstwie nad dwoma tureckimi sądami występuje wraz z rosyjską eskadrą ". Działka obrazu nie spadła obrazu bitwy, ale a następnie działania rozwijające się w drugim planie. Krajobraz i ukazane wydarzenie wykonują w jedności nie-historycznej, która przed historycznym obrazem nie wiedział.

Krajobraz na rosyjskim malarstwie stopniowo staje się coraz ważniejszy, a najbardziej wnikliwy ludzie odgadują ścieżki jego dalszego rozwoju.
Do 1870 r. Intensyfikowano procesy wewnętrzne występujące w malarstwie. Jednym z najważniejszych przejawów nowych trendów była tworzenie partnerstwa wystaw mobilnych.
Prace przywiezione przez repin i Vasilyev z Wołgi, dokonały silnego wrażenia na niego, a Polenov pisze krewnych: "Potrzebujemy więcej do pisania Etiudes z natury, krajobrazów".
Podczas wycieczki na emeryturę do Włoch, Polenov, zwłaszcza uwagi: "Góry na zdjęciu i fotografie nie są tak pod wrażeniem, jak w obecnym powietrzu". O malarstwie Guido Reni pisze: "Malowanie Guido Reni wydaje nam tylko surowy wybór farb, którzy nie mają nic wspólnego ze światłem lub powietrzem, ani do materii". Te komentarze nie dodawają jeszcze do konkretnego programu, ale czują świadomość nowych ścieżek malarskich. Młody artysta widział ich w pogłębieniu malowniczych możliwości, w szczerym dialogu z rzeczywistością.
Na początku 1874 r., Który wszedł do historii sztuki, otwarcie pierwszej wystawy impresjonistów w atelier Nadar na bulwaru Kapuchin, wielokrotnej wnikliwej Kramskiej, zastanawiającym się nad losem rosyjskiego malarstwa, o jej najbliższych zadaniach, pisze młodych Repinne: "Jak daleko powinniśmy nadal wykonywać w zależności od formalnego wyrażenia ewangelicznego", kamienie mówić ". W przypadku repin, ostatnia fraza jest ważna, ponieważ tradycyjna rola rysunku na rosyjskim obrazie była zawsze wysoka. A artysta był przekonany, że podczas jazdy do niewoli, nie było niemożliwe do stracenia z oczu.
Wracając z podróży emerytowej, Polenov osiada w Moskwie, gdzie tworzy doskonałe precenti-princiry setuds do niespełnionego obrazu "biorąc nieopłaconej księżniczki" i obrazu "Moskovsky Dvorik" (1878). Malarstwo Ogród Puszkina (1878) jest przylegający do Moskwy wydawnictwa całkowitej i malowniczej decyzji. To, a także dwie inne prace, "fortyrins" i "lato" (oboje 1878), Polenov wystawił na wystawie VII w Wystawie Mobilnych Partnerstwa w 1879 roku.
Pod koniec 1881 r. Podróż Polenov na Bliski Wschód w celu zbierania materiału do malowania. Jego orientalne i śródziemnomorskie Etiudy wyróżniają się kolorową odwagą i umiejętnościami.
Od 1882 roku Polenov zastąpił Savrasova na temat prac dydaktycznych w Moskwie School of Malarda, Ware and Architecture. Polenov był w dużej mierze pod wpływem pracy swoich współczesnych, głównie na graczy krajobrazowych I. I. Levitan, I. S. Ostrukhova, S. I. Svetoslavsky, inni.

Na początku lat 70. Shishkin nadal pracuje. Po opanowaniu malowniczej umiejętności, bez oszczędzania siebie, pisze wiele z natury, dwa do trzech etiudów dziennie. Bardzo cenił wiedzę na temat lasu Shishkin Kramskaya.
Obraz mglisty poranek, kiedy promienie słońca z trudnością udają się przez liście drzew, stały się motywem jednej z najsłynniejszych obrazów Shishkin "Rano w sosnowym lesie" (1889). Las zajmuje całą przestrzeń obrazu. Drzewa są napisane w dużej, skali. Wśród nich niedźwiedzie osiedlili się na sosnowej sosnowej. W podobnym podejściu, coś romantycznego odgada się wizerunkiem krajobrazu, ale nie jest to powtórzenie przeszłości Ypokob, a nie sztucznego podkreślenia
Kolor niezwykłych stanów natury i zaostrzeniem spojrzeniem na zwykłe zjawiska natury. Wszystkie te legendy wskazują, jak niezwykły obraz Queenji był na swój czas.
Kreatywność Quinji szybko ewoluowała. W pewnym stopniu odzwierciedlało się w sobie etapami rozwoju, że minął nowoczesny obraz krajobrazu. Queenji posiadał ostrą kolorystyczną wizję: kontrasty relacji kolorystycznych i wyrafinowane poczucie stopniowej tonu dały mu pewną ekspresywność jego obrazami. Obrazy artysty są wypełnione poczuciem życiowym natury, powietrza, światła. Nie jest przypadkiem, że repin zadzwonił do Queenji przez artystę światła. Żadne niezwykłe motywy nie są niczym - niekończącą się stepie pustynne, nie znana ukraińska wioska, oświetlona przez słońce lub księżyca, nagle stała się pod jego pędzlem piękna.
Wielu studentów Queenji dokonało znaczącego wkładu w rozwój sztuki domowej. K. F. Bogievsky, A. A. Rylov, V. Yu. Purvit, N. K. Roerich i innych artystów, pierwsze kroki w sztuce wykonanej pod kierownictwem Mistrza.
W tym czasie, kiedy chwała Quinji dotarła do Apogee, malarstwo "Jesienny dzień. Sokolniki "(1879) zadebiutował I. I. Levitan. Został zakupiony przez P. M. Tretyakowa do galerii. Levitan zaczął pisać swoją pierwszą pracę krajobrazową pod kierunkiem Savrasova w Moskwie School of Malarstwo, Daleki i Architektury. Był nieodłączny w darze uogólnienia, co odgadło w małym etide "Jesienny dzień. Sokolniki. " Przyciąga przede wszystkim swoją kolorową decyzją. Ale nie tylko jesienne motywy, które dały możliwość przekazania poczucia surowego powietrza, zainteresowany młodym artystą. W kolejnych latach pisze szereg krajobrazów solarnych - "dąb" (1880), "most" (1884), "ostatni śnieg" (1884). Levitan wyciąga możliwości koloru, odpowiadające państwom charakteru w różnych porach roku i w różnych porach dnia. Uwaga artysty w celu decyzji zadań plenarnych była zadokowana przez Polenova, której Levitan studiował przez prawie dwa lata. Pamiętając o lekcji Polenov w szkole Moskwy, Korovin napisał: "Zaczął mówić o czystym obrazie, jak napisał, mówił o różnorodności farb." Bez rozwiniętego poczucia koloru było niemożliwe do przeniesienia nastroju i piękna motywu krajobrazu. Wiedza o postępach malarstwa uwięzienia, jego doświadczenie w stosowaniu możliwości kolorów, trudno było przekazać natychmiastowe znaczenie natury.

W 1886 r. Levitan podróżował na Krymie. Inna natura, inne oświetlenie pozwoliło artysty, aby czuć się wyraźniej, aby poczuć specyfikę charakteru regionu Moskwy, gdzie często napisał z natury, pogłębił swoje pomysły na temat możliwości światła i koloru. Levitan zawsze poruszał się przez niego, który miał pragnienie przekazania swojej miłości do zazdrosnego świata dla ludzi. W jednej z liter próbował przekazać nieskończone piękno otaczającego, ukrytego tajemnicy natury w impotence.
Nadal napisał element morza i starego Aivazovsky. W 1881 roku stworzył jedną z najlepszych dzieł "Morza Czarnego", który uderzył w publiczność przez skoncentrowanego obrazu obrazu. To zdjęcie zostało pierwsze zaplanowane, aby przedstawić początek burzy na Morzu Czarnym, ale podczas pracy Aivazovsky zmienił decyzję tematyczną, tworząc "portret" morza buntu, na którym rozgrywane są burze siły kruszenia.
Specjalne miejsce zajmuje obrazy Aivazovsky, napisane podczas wojny rosyjsko-tureckiej 1877-1878. Aivazovsky staje się kronikarzem nowoczesnych wydarzeń, które miały miejsce w trakcie morskich. Ale jeśli wcześniej napisał wspaniałe działania statków żeglarskich, teraz pojawiły się obrazy parowców.
Opierali się na niektórych wydarzeniach historycznych. I chociaż prace te są zasadniczo krajobrazami, mogą być napisane tylko przez artystę, doskonale do sztuki Mariny. Polenov również w 1877-1878 był w teatrze wojennych, ale nie napisał obrazów bojowych, ograniczone do kadzidła szkiców z wizerunkiem armii i głównego mieszkania. Na wystawie partnerstwa filmowego, która odbyła się w 1878 roku w Moskwie wystawiona była tylko prace krajobrazowe.
Silne trendy romantyczne utrzymywały się w pracy Player Krajobrazowy L. F. Lackorio. Podobnie jak Aivazovsky, napisał morze, ale w jego dziełach jest mniej pasji. Artysta starszego pokolenia, Lagorio nie może odmówić umiejętności i przyjęć nabytych w latach studiów w Akademii Sztuki w M. N. Vorobyev i B. P. Villevold. Jego obrazy często grzechają się z obfitością szczegółów, pozbawiony integralności artystycznej. Kolorystyka nie jest tak bardzo związana z identyfikacją relacji realnych kolorów, ile jest dekoracyjne. Były to echa romantycznych skutków pierwszej połowy XIX wieku. Zdjęcia Lagorio są wykonane z umiejętnościami. W obrazach "Batum" (1881), "Alushta" (1889), on w dobrej wierze przedstawia czarne porty morskie. Niestety, artysta nie opracowała tych malowniczych cech, które są zauważalne w dziełach 1850 roku. W 1891 roku Lagorio pisze szereg obrazów na wydarzeniach wojny rosyjsko-tureckiej 1877-1878, ale prace te są całkowicie daleko od problemów nowoczesnego malowania krajobrazu.

Ostatnia dekada XIX wieku odnotowuje się w malowaniu nowymi trendami. Podbicie uznania wczorajsza młodzież. W konkursach Towarzystwa Miłośników Sztuki VA Serov otrzymał pierwszą nagrodę za portret "dziewczyny z brzoskwiniami" (1887), w kolejnym konkursie na portret grupy genomu "Tabela herbaty" (1888), druga "nagroda Otrzymano Ka Korovin (najpierw nagroda nie została przyznana), a ja Polenov była charakterystyczna dla pogorszonego poczucia koloru, który użył nie tylko jako element dekoracyjny, ale przede wszystkim jako środek emocjonalnego wpływu na widza.
W 1896 r. W Nizhny Novgorod został zorganizowany w Nizhny Novgorod wystawa artystyczna. Jury wystawowe odrzuciło panele zamówione przez Mammoth Vrubel. Zdenerwowany Vrubel odmówił kontynuowania pracy nad panelami Mikula Selyaninovicha i księżniczką Goszą. Mammoths, który kochał przynosząc rzeczy do końca, znalazł wyjście. Postanowił zbudować specjalny pawilon i umieścić panel jako eksponaty: w tym przypadku dekoracja jury sztuki nie była wymagana. Ale ktoś musiał zakończyć panele, a ona stała się kimś, na natarczywie prośbie Mamontova, Polenova. "Są (panel. - V. P.) tak utalentowane i interesujące, że nie mogłem się oprzeć - napisał Polenov. Za zgodą Vrubel, praca na panelach Polenov zakończyła się razem z Konstantinem Korovinem. Na tej samej wystawie, Korovin i Serowi wykazywały wiele wspaniałych szkiców napisanych z nieznanego natury północnej natury północnej natury regionu Murmańska, gdzie poszli na prośbę Mamontova. Z północnych krajobrazów Korowiny przydzielonej "Creek of St. Trifon w Pecheneg "(1894)," Gammerfest. Północne światła "(1894 - 1895). Temat północy nie pozostał epizodem w pracy Korowiny. W Nizhny Novgorod wykazywali dekoracyjne panele wykonane przez wrażenia z podróży. Ponownie do tematu Korowiny Północnej powrócił do dużego cyklu dekoracyjnych paneli stworzonych na światową wystawę w 1900 roku w Paryżu. Dla tych paneli, w tym motywy środkowoazjatyckie, Korovin otrzymał srebrny medal. Krajobraz w dziele korowiny odegrał znaczącą rolę. Główna postrzeganie koloru, optymizm światopoglądów była charakterystyczna dla artysty. Korovin zawsze szukał nowych tematów, uwielbiał je napisać, jak nikt inny napisał. W 1894 roku tworzy dwa krajobraz: "Zima w Laponii" i rosyjski krajobraz zimowy "zima". W pierwszym krajobrazie czujemy nasilenie natury terytorium polarnego, bezgranicznego śniegu skomponowanego przez zimno. W drugim - koń jest przedstawiony, uprzywilejowany w Sani. Sedoks pozostali gdzieś, a ten Korovin podkreśla duszność wydarzenia, jego zwięzłość. Po zimowych krajobrazach artysta odwołuje się do lata sięga.
W młodym latach, Korovin i Serowi, diametralnie różni się w postaciach, były nierozłączne, dla których nazywali "Krowy i Serowina" w kręgu artystycznego Abrahantów. Kiedy * Serov napisał "Dziewczyna z brzoskwiniami", był dwadzieścia dwa lata, ale minęł już lekcje malowania od repin, zaangażowała się w Akademię Sztuki w warsztacie Chiscyakowa. Jako subtelny kolorysta Serow, nie mógł mieć szczególnego zainteresowania gatunkiem krajobrazu, który był w jakiś sposób obecny w wielu jego dziełach. Repin, Pamiętając klas z dziewięcioletnim tonami (jako własny własny Serov) w Paryżu, napisał: "Podziwiłem strzały Hercules i sztukę. Tak, to była natura! "
Według tych jasno, że dziewięćdziesiąte były czasem znalezienia nowych ścieżek w rozwoju malarstwa. Nie było przypadkowo w tym samym czasie, w tym samym czasie stworzył swoje najlepsze krajobrazy Levitan i Shishkin, stwierdzili się w sztuce i utalentowanych młodych artystów.

W listopadzie 1891 roku dwie osobiste wystawy dzieł repin i Shishkin otworzyły się w salach Akademii Sztukłych. Gracz krajobrazowy Shishkin zawarty w ekspozycji oprócz obrazów w pobliżu sześciuset rysunków, reprezentujących jego pracę przez czterdzieści lat. Wraz z obrazami wystawiono wzdłuż obrazów Etiudes i rysunki dyfoli. Wystawy, jakbyśmy zaproponowali widzowi, aby spojrzeć w warsztaty artystów, rozumieć i czuć się zwykle ukrytym od widzów pracować twórczej myśli artysty. Jesienią 1892 r. Shishkin wystawił letnie etiudy. Po raz kolejny potwierdził szczególną rolę artystyczną etiudy. Nastąpił okres, kiedy etiuda i obraz zbliżyły się - etiuda została przełączona na obraz, a obraz czasami napisał jako etiuda na pleniach. Uważaj na przyrodę, wyjdź do Penrenier, aby przenieść natychmiastowe uczucie przejściowego momentu natury z natury było ważnym etapem rozwoju malarstwa.
Rozwiązaniem tego problemu nie było wszystkie zasilanie. Na początku 1892 r. Wystawa Yu. Yu. Koniczyna odbyła się w Moskwie - artysta zauważalny w jednym czasie, niezapomniany teraz. Pokój wystawowy został ozdobiony nożami drzew, nadziewane ptakami. Wydawało się, że wrażenie, że cały las nie pasował do zdjęć i nadal się pojawił. Czy można sobie wyobrazić krajobrazy Levitan, Queenji, Polenova lub Shishkin otoczony przez ten las Panoptic? Artyści te ustalili cel przekazywania niewidzialnych właściwości obiektów. Postrzegali krajobraz w interakcji uczuć sensorycznych i uogólnione refleksy o charakterze. B. Astafiev nazwał go "Smart Vision".
Inny obraz, inne stosunki człowieka i natury są prezentowane na zdjęciu "Vladimirk" (1892). Sykretny sposób na artystę Syberia napisał nie tylko pod wrażeniem drogi Vladimir. Przypomniał piosenki o ciężkim życiu w Katorgę, słyszał w tych miejscach. Kolorowanie obrazów ścisłych i smutnych. Przesyłanie do kreatywnej woli artysty, nie jest tylko saddeal, ale powoduje uczucie wewnętrznej siły, która jest ukryta w szeroko rozprzestrzeniającym się ziemi. Krajobraz "Vladimirka" ze wszystkimi jego budynkami artystycznymi zachęca widza do refleksji nad losem ludzi, o jego przyszłości, staje się krajobrazem, który obejmuje historyczną uogólnienie.
"Nad Eternal Peace" to nie tylko filozoficzny obraz krajobrazu. W nim Levitan chciał wyrazić całą swoją wewnętrzną treść, alarmującego świat artysty. Ten zamiar wpłynął na skład obrazu, aw kolorowej decyzji - wszystko jest bardzo ograniczone i zwięzłe. Szeroka panorama krajobrazowa daje wysoki obraz dźwięku dramatu. Nie było przypadkiem, że konstrukcja obrazu wiązała się z Levitan z bohaterką Symfonią Beethoven. Zbliżająca się burze przechodzi i wyraźnie odległe horyzonty. Ten pomysł czytany jest w kompozycji obrazu. Porównanie szkicu i ostatecznej wersji obrazu pozwala w pewnym stopniu przedstawić przebieg myśli artysty. Pozycja kaplicy i pogoda została znaleziona natychmiast w lewym dolnym rogu płótna - początkowego elementu kompozycji. Ponadto, składając do kapryśnego ruchu wybrzeża, który na szkicu zamyka przestrzeń jeziora w płótnie, nasz wygląd jest wysyłany do odległego horyzontu. Inna funkcja wyróżnia się szkicem: drzewa w pobliżu kaplicy są rzutowane przez ich wierzchołki na przeciwny brzeg, a to przywiązuje pewną wartość całej kompozycji - istnieje równoważne porównanie opuszczonego cmentarza i zamkniętego wybrzeża jeziora . Ale Levitan nie chciał, najwyraźniej tego równego porównania. W wersji końcowej oddziela kaplicę i cmentarz z ogólnej panoramy krajobrazu, umieszczając je na przylądku, wchodzi do jeziora: Teraz motyw cmentarza staje się tylko punktem wyjścia kompozycji, początek Odbicie, a następnie nasza uwaga przełącza się do kontemplacji wycieku jeziora, odległego brzegu i szybkiego ruchu chmur z nimi.
Ogólnie rzecz biorąc, skład nie jest rodzajem obrazu. Urodziła się przez fikcję artysty. Ale to nie jest abstrakcyjna konstrukcja pięknego widoku i poszukiwania najdokładniejszego obrazu artystycznego. W tej pracy Levitan wykorzystał swoją głęboką wiedzę o krajobrazie, etiudy wykonywane bezpośrednio z natury. Artysta stworzył syntetyczny krajobraz, tak jak został przyjęty w klasycznym malarstwie. Ale to nie jest zwrot pieniędzy: Levitan umieścił przed nim zupełnie różne zadania, rozwiązywanie ich na innych malowniczych zasadach. Słynny krytyk sztuki radzieckiej A. A. Fedorov-Davydow napisał o tym krajobrazie: " Tutaj, jak w "Vladimirce", Levitan uniknąć poprzedniego pomysłu z percepcją figuratywną, czyli każdy "ilustracyjny". Filozoficzna refleksja działa w czysto emocjonalnej formie, jako życie naturalne, jako "stan natury", jak "Sceneria nastroju". Raz, Levitan, od 1898 roku, nauczał w Moskwie School of Malarstwo, Daleki i Architektury, oferowało jednego z uczniów, aby usunąć jasny zielony krzak z Etud. Do pytania: "Więc możesz poprawić naturę?" - Levitan odpowiedział, że natura nie powinna być poprawiana, ale myśląc o.
Porównanie dużej przestrzeni niebo i dużej przestrzeni wodnej dał artystę możliwość korzystania z szerokiej gamy relacji kolorów i tonalnych. Często również z satysfakcją przedstawił powierzchnię wody.
Praca artysty na scenerii Opera M. P. Musorgsky "Hovhanshchina" dla teatru S. I. Mamontov został odegrany główną rolę w epokowej tonacji tych krajobrazów. "Stara Moskwa. Ulica w Chinach Wczesnego XVII wieku, "" o świcie na bramie zmartwychwstania "(oba 1900), a wiele innych prac wyróżnia się prawdziwym wizerunkiem krajobrazu, który nie jest zaskakujący, ponieważ ich autor jest graczem krajobrazowy . Wiele lat Vasnettov nauczał malarstwa krajobrazowego w Moskwie School of Malarstwo, Daleki i Architektura.

Urodzony w Yoshkar-Ola w 1964 roku. Ukończył Instytut Lotnictwa Kazańskiego, podczas nauki, w którym kontynuował angażowanie się w malarstwo - jej ukochane od dzieciństwa.

Bez oficjalnych dyplomów o edukacji artystycznej Sergey wypolerował swoje umiejętności niezależnie. Teraz dzieła Basova - pożądanych gości w słynnej galerii Metropolitan Valentina Ryabowa oraz niezbędnych uczestników sklepów międzynarodowych w Centralnym Domu Artysty i Art Maneza. Artysta kontynuuje tradycję rosyjskiego klasycznego malowania krajobrazu XIX wieku. Historycy Sztuki nazywają Siergiejem Basovem jednym z najlepszych przedstawicieli współczesnego realizmu rosyjskiego, zauważając jego nienaganny smak, niesamowite poetyckie postrzeganie świata i doskonałą malowniczą technikę. Jest członkiem Międzynarodowego Funduszu Sztuki i Profesjonalnej Związku Artystów.

Jego dzieła nie ma impresjonistycznego przepływu i awangardowych przysmaków. W każdym czasie jest tylko jedna urocza prostota, zrozumiała i cenna. Krytyka rozważa Basova jednego z najlepszych przedstawicieli współczesnego realizmu rosyjskiego.

Jego krajobrazy nazywane są "malownicze elegionami". W najbardziej zwyczajnych i pomysłowych działkach - drabina w lasach jeziora, bezimienna rzeka, gaj na skraju pola - jest w stanie otworzyć cały świat, bogaty na emocje i doznachy sensoryczne. Sergey Basov, dawno temu, dojrzały malarz, posiadający indywidualną, oryginalną, oryginalną literę pisania i uprzejmy, zaniepokojony światem, obserwacje, poza którym jest hojnie dzielenie się z innymi.

"... Jeden z najlepszych przedstawicieli współczesnego realizmu rosyjskiego, Sergey Basov aktywnie działa od początku lat 90. XX wieku. Doskonale posiadanie malowniczej techniki, posiadające nienaganny smak i poczucie stylu, tworzy zaskakująco poetyckie prace, niezmiennie, które są odczuwalne w sercach wdzięcznych widzów, są ludzie z różnych smaków i poglądów, bardzo różni się od siebie w ich globalności i Magazyn znaków. Obraz obrazkowy, który tworzy artystę, w której żyje, przede wszystkim wokół nas. Różni, a nawet codzienne motywy, wybrane przez artystę, jakoś jeziora leśne, wąchy, wąwozy, leśne ścieżki i cappings, są przekształcane w bardzo cienkie, Trepided Works, osobliwe malownicze elegancje. Na licznych wystawach sztuki w miastach metropolitalnych i prowincjonalnych można zobaczyć doskonałą pracę w realistycznym, akademickim sposób. I oczywiście istnieje głębokie wewnętrzne związek między pozytywnymi zjawiskami w nowoczesnej rosyjskiej sztuce i ożywienia kraju. Artysta Sergey Basov wchodzi do tego szlachetnego przypadku jego godnego lept. Krajobrazy magisterskie są cennymi eksponatami wielu kolekcji prywatnych i korporacyjnych w Rosji i za granicą ... "Wielu naszych rodaków przez długi czas wyjeżdża za granicę, startu jako prezent dla zagranicznych przyjaciół lub tylko własnej części Rosji, zdobytych w krajobrazach Basowa . Niewłaściwy urok narożników rosyjskiej natury środkowej taśmy, artysta przesyła na płótnach w cienkim, liryczny sposób, z niesamowitym ciepłem i miłością.

Faceci, umieścimy duszę na stronie. Więc
co otwierasz to piękno. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas Facebook. i W kontakcie z

Są miejsca i odczucia, które nie opisują słów. Ale te miejsca można rysować. Z całą penetracją, jasnymi kolorami, najbardziej dzwoniącymi uczuciami. stronie internetowej Odebrać zdjęcia o lesie. O słońcu przez liście, o zarośniętych ścieżkach. Wielkość i czułość, piękno i pokój. Twoja uwaga jest 10 artystów - śpiewaków magicznej przyrody, zdolny do zanurzenia widza w gęstym zapachu i dobrej chłodności lasu. Cieszyć się!

Victor Aleksandrovich Bykov to słynny rosyjski system krajobrazowy, uroczy piękno i teksty rosyjskiej natury. Jego obrazy są realistyczne, a jednocześnie bajecznie powietrze. Czyste kolory, przezroczyste powietrze, lekkość i świeżość - obrazy Victor Bykov są bardzo popularne wśród prywatnych kolekcjonerów z Rosji i za granicą.

Peter Mörk Mönsted to duński realistyczny artysta, uznany krajobraz mistrza. Pomimo wielu wycieczek do świata, P. Mönsteda Cannyt są napisane głównie w Danii i przedstawiają północne nietknięte krajobrazy. Praca artysty udekoruje kolekcje muzeów Aalborg, Bautzen, Randers i licznych prywatnych kolekcji.

Michael O'toultl pochodzi z Vancouver, zachodnie wybrzeże Kanady. Wiąże się w atmosferze kreatywności, ponieważ jego matka Nancy O'Tou była raczej znanym artystą. Jasne farby, kontrast i czyste odcienie w krajobrazach Michaela O'Tule niewiele osób pozostawiają obojętne. Michael działa głównie akryl, jest potężny, pewnie i soczysty używa kolor, odtwarza kontrasty.

Roland Palmerts urodził się w Belgii, w Brukseli. Pracował jako projektant i ilustrator, a równolegle uczestniczył w wystawach. Wystawy okazały się tak skuteczne, że palmy poświęciły się całkowicie do malowania i nauczania działań. Jest autorem kilku samouczków na malarstwie. Jest członkiem Kanadyjskiego Towarzystwa Akwarela Farby, Europejskiego Instytutu Akwareli i był Prezesem Instytutu Sztuki Reklamowej przez pięć lat.

Ilya urodził się w Moskwie. Jest członkiem Unii artystów Rosji. Znany jako artysta-ceramista, cudownie posiada akwarela. Jego kreacje powietrza, delikatne, cienkie. W swoich lasach wiszący ciepłą mgłą, nasączoną w miękkim słońcu. Wiele jego prac jest w rosyjskich muzeach.

Petras Lukosius - artysta litewski. Jego wielowarstwowe malowanie jest przenikane przez światło, strumienie słońca są obfite wlane na jego mistyczne lasy, światło delikatnie otaczają każdą gałązkę. Obrazy Petras można znaleźć na całym świecie, w tym Niemcy, Anglii, Hiszpanii i Szwecji.

Wśród rosyjskich artystów istnieje wiele utalentowanych osobistości. Ich kreatywność jest bardzo ceniona na całym świecie i sprawia, że \u200b\u200bwarstwą konkurencję dla takich światowych mistrzów jako Rubens, Michałaangelo, Van Gogha i Picasso. W tym artykule zebraliśmy 10 najsłynniejszych rosyjskich artystów.

1. Ivan Aivazovsky.

Ivan Aivazovsky jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów. Urodził się w Feodozji. Od dzieciństwa Aivazovsky pokazał swoje niesamowite umiejętności twórcze: Uwielbiał się rysować i nauczył się gry na skrzypcach.

W wieku 12 lat młody talent zaczął studiować w Symferopolu w Akademii Malarstwa. Tutaj nauczył się kopiować ryciny i pisać zdjęcia z natury. Rok później udało mu się wejść do Akademii Imperial Petersburg, choć nie osiągnęła wieku 14 lat.

Przez długi czas artysta podróżował w Europie i mieszkał we Włoszech, gdzie jego obrazy zostały również rozpoznawane w godności. Tak więc młody artysta zeodozji stał się raczej znanym i bogatym człowiekiem.

Później Aivazovsky wrócił do ojczyzny, gdzie otrzymał mundur Ministerstwa Morskiego i tytułu akademika. Również artysta odwiedził Egipt i uczestniczył, gdy otworzył się nowy kanał Suez. Artysta opisał wszystkie jego wrażenia w obrazach. W tym czasie opracował już swój wyjątkowy styl i możliwość pisać w pamięci. Wyrafinowane elementy Aivazovsky zwróciły się do notebooka, aby przenieść je później na płótno. Na całym świecie przyniósł obrazy "Odessa", "dziewiąta Val" i "Morze Czarne".

Ostatnie lata życia artysta spędził w Feodozji, gdzie zbudował dom w stylu włoskim. Nieco później Aivazovsky przywiązał do niego małą galerię, aby wszyscy mogli swobodnie cieszyć się swoimi niesamowitymi obrazami i utopić się w oceanie farb. Dziś, ta rezydencja, wszystko służy również jako muzeum, a wielu gości przychodzi codziennie tutaj, aby zobaczyć mistrzostwo marinistę, która żyła długie i szczęśliwe życie.

2. Victor Vasnetsov.

Kontynuuje listę najsłynniejszych rosyjskich artystów Viktor Vasnetsov. Urodził się wiosną 1848 roku w rodzinie kapłana w małej wiosce Lopyal. Pchnięcie do malowania obudziło się na niego w bardzo wczesnym wieku, ale rodzice nie mogli dać mu właściwej edukacji z powodu braku pieniędzy. Dlatego w wieku 10 lat Victor zaczął studiować w wolnym duchowym seminarium.

W 1866 r. Prawie bez pieniędzy poszedł do Petersburga. Vasnetsov łatwo poradził sobie z egzaminem wejściowym i wszedł do Akademii Sztuki. Tutaj jego przyjaźń zaczęła się od słynnego artystki repin, z którą później poszedł do Paryża. Po powrocie do Petersburga Vasnetsov zaczyna pisać swoje najsłynniejsze obrazy: "Trzech bohaterów", "Snow Maiden" i "Boga Savaof".

Artysta był w stanie w pełni ujawnić swój talent dopiero po przeprowadzce do Moskwy. Tutaj jest przytulny i wygodny, a każdy kolejny obraz jest lepszy niż poprzedni. Była w Moskwie, że Vasnetsov napisał takie obrazy jako "Alonyushka", "Ivan Tsarevich i Grey Wilk" i "Nestor Chronicler".

3. Karl Bulllov.

Ten słynny rosyjski artysta urodził się w 1799 roku. Ojciec Carl był znanym malarzem i profesorem Akademii Sztuki św. Petersburga. Dlatego los chłopca został z góry określony z góry. Na szczęście Carlo Bhorryov zdołał odziedziczyć od ojca talentu artysty.

Badanie było bardzo łatwe dla młodego artysty. Ma wiele razy lepszych od reszty uczniów w swojej klasie i ukończył Akademię Sztuki z wyróżnieniem. Następnie Karl poszedł podróżować po Europie, zatrzymał się tylko we Włoszech przez długi czas. Było tutaj, że stworzył swoje arcydzieło - "Ostatni dzień Pompeii", wydatkowania na pisanie przez około sześć lat.

Po powrocie do Petersburga Charles Bryullov czekał na sławę i chwałę. Cieszył się, widząc wszędzie i na pewno podziwiał go z nowymi zdjęciami. W tym okresie artysta tworzy kilka nieśmiertelnych tkanin: "Jeźdźca", "Osad Pskov", "Narcyz" i innych.

4. Ivan Shishkin.

Ivan Shishkin jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów krajobrazowych, którzy mogli przedstawić każdy niepozorny krajobraz w swoich obrazach. Wydaje się, że sama natura gra na płótnach tego artysty z żyjącymi farbami.

Ivan Shishkin urodził się w 1832 roku w Elapiegu, który dziś dotyczy Tatarstanu. Ojciec chciał, aby syn wziął stanowisko urzędnika miejskiego z czasem, ale Ivan został namalowany. W wieku 20 lat poszedł do Moskwy, aby studiować malarstwo. Po udanym zakończeniu Moskwy Szkoły Sztuki Shishkin wszedł do Imperial Academy w Petersburgu.

Później podróżował przez długi czas w Europie, szkicując niesamowite krajobrazy. W tym czasie stworzył zdjęcie "widoku w pobliżu Düsseldorf", który przyniósł mu ogromną chwałę. Po powrocie do Rosji Shishkin nadal robi podwójną energią. Według niego rosyjska natura jest kilkaset razy wyższa niż europejskie krajobrazy.

Ivan Shishkin na jego życie napisał wiele oszałamiających obrazów: "Rano w sosnowym lesie", "pierwszy śnieg", "las sosnowy" i innych. Nawet śmierć wybuchu tego malarza tuż za sztalugą.

5. Izaak Levitan.

Ten wspaniały rosyjski mistrz krajobrazów urodził się na Litwie, ale całe życie mieszkało w Rosji. Wielokrotnie, jego żydowskie pochodzenie spowodowało mu wiele upokorzenia, ale nie uczynił go obrażającym tym krajem, który uwielbiał i chwalony w jego obrazach.

Już pierwsze krajobrazy Levitan otrzymały wysokie szacunki Perowa i Savrasova, a sam Tetyakow kupił nawet zdjęcie "Jesiennego Dnia w Sokolnikach". Ale w 1879 roku Isaac Levitan, wraz ze wszystkimi Żydami, wystawą z Moskwy. Tylko ogromne wysiłki przyjaciół i nauczycieli, które udało mu wrócić do miasta.

W latach 80. artysta napisał wiele oszałamiających obrazów, które sprawiły, że jest bardzo znany. Były to "sosny", "jesień" i "pierwszy śnieg". Ale następny upokorzenie zmusił autora ponownie opuścić Moskwę i idzie na Krym. Na półwyspie artysta pisze szereg niesamowitych prac i znacznie poprawia kondycję finansową. To pozwala mu podróżować w Europie i zapoznać się z dziełem światowych mistrzów. Wierzchołek kreatywności Levitana stał się jego obrazem "nad wiecznym regionem".

6. Wasily tropinin.

Niesamowity los był jednym z Wielkiej Rosyjskiej Pościel-Portret Wasilii Tropinin. Urodził się w rodzinie twierdzy Count Markov w 1780 r. I tylko w wieku 47 lat otrzymał prawo do bycia wolną osobą. Jako dziecko zaobserwowano tendencję do rysowania, ale liczba dała go studiować go. Później nadal jest podawany do Akademii Cesarskiej, gdzie manifestuje swój talent w całym pięknie. Na jego portrety "La View" i "Żebrak Old Man" Vasile Tropinin otrzymał tytuł akademika.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Bogate dziedzictwo w świecie malarskim udało się opuścić słynnego rosyjskiego artysty Petrov-Vienkkin. Urodził się w 1878 roku w Hurlask, a w swoich młodszych latach stanie się kolejką. Jednak los dokonał od niego światowej słynnego malarza.

8. Alexey Savrasov.

Obrazy tego rosyjskiego artysty były już dobrze sprzedawane, prawie miał 12 lat. Nieco później wszedł do Moskwy Szkoły Malarstwa i natychmiast stał się jednym z najlepszych uczniów. Wycieczka na Ukrainę pomogła Savrasovowi przed harmonogramem, aby ukończyć szkołę i uzyskać tytuł artysty.

Zdjęcia "Kamień w lesie" i "Moskwa Kreml" z tego malarza akademika o 24 latach! Młody talent jest zainteresowany rodziną królewską, a sam Tretyakow kupuje wiele swoich prac na Międzynarodowych wystawach. Wśród nich byli "zima", "Graci flew", "Rasolota" i innych.

Śmierć dwóch córek i kolejnego rozwodu silnie wpływa na Savrasov. Dużo pije i wkrótce umiera w szpitalu dla ubogich.

9. Andrei Rublev.

Andrei Rublev to najbardziej znany rosyjski malarz ikony. Urodził się w XV wieku i pozostawił duże dziedzictwo w formie ikony "Trójcy", "Zwiastowanie", "Chrzest Pana". Andrei Rublev wraz z Danielem Czarnym ozdobionym freskami Wiele świątyń i napisał ikony ikonostasis.

10. Mikhail Vrubel.

Uzupełnia naszą listę najbardziej znanych rosyjskich artystów Michaił Vrubel, który za jego życie stworzył wiele arcydzieł w różnych tematach. Był zaangażowany w obraz świątyni Kijowa, a później w Moskwie zaczął tworzyć słynną serię obrazów "Demonic". Kreatywne rzucanie tego artysty nie znalazło właściwego zrozumienia swoich współczesnych. Tylko kilka dziesięcioleci po śmierci Michaiła Vrubela, historycy sztuki dali mu, a Kościół zgodził się z jego interpretacjami imprez biblijnych.

Niestety, osobiste życie artysty było przyczyną rozwijania poważnej formy zaburzeń psychicznych. Ranking akademika wyprzedził go w domu na szalone, skąd nie był już oceniany. Niemniej jednak Michail Vrubel zdołał stworzyć wiele niesamowitych dzieł sztuki, które są godne prawdziwego podziwu. Wśród nich szczególnie warto podkreślić zdjęcia "Demon Sitting", "Tsarevna-Swan" i "Faust".