„Wiosna”, Botticelli

To wybitne dzieło wielkiego Botticellego zostało napisane dla Lorenzo di Pierfrancesco Medici, kuzyn Wawrzyńca Wspaniałego.

Historycy sztuki nie zgadzają się co do dokładnego datowania dzieła. Uważa się, że obraz został namalowany między 1477 a 1482.

Jest też nieco trudna do interpretacji liczne alegoryczne symbole... Według najpowszechniejszej interpretacji obraz przedstawia panowanie Wenus, śpiewane przez starożytnych poetów i najbliższego literata dworu Medyceuszy, Angelo Poliziano.

Obraz jest czytany od prawej do lewej: skrzydlaty bóg wiatrów Zefir, zakochany w nimfie Chloris, wyprzedza ją, by siłą ją poślubić. Żałując tego, co zrobił, zamienia ją we Florę, boginię natury i wiosny. Wenus jest przedstawiona w centrum, symbolizując ludzkość panującą nad ludźmi. Grupa po lewej to trzy taneczne gracje. Scenę zamyka Merkury, rozrzucając chmury swoją magiczną różdżką.

Tak więc Wenus, wcielenie ludzkość, oddziela miłość cielesną i materializm (grupa po prawej) od miłości do wartości duchowych i moralnych (grupa po lewej). Pod pojęciem „człowieczeństwo” rozumiano ideał osoby ludzkiej – wysoce moralnej, pewnej swoich sił i możliwości oraz wsłuchującej się w potrzeby innych.

W okresie renesansu ta starożytna koncepcja została dokładnie przestudiowana przez humanistycznych filozofów szkoły neoplatońskiej na dworze Medyceuszy. Neoplatonizm, nurt filozoficzno-estetyczny, podążał za teoriami greckiego filozofa Platona. Neoplatońskie koncepcje idealnego piękna i wzniosłej „platońskiej” miłości wywarły ogromny wpływ na kulturę i światopogląd postaci renesansowych, w tym Botticellego.

W ten sposób praca odzwierciedla również wysoki poziom intelektualny dynastii Medyceuszy oraz ich miłość do kultury i sztuki.

Botticelli z niezwykłą dokładnością przedstawił różne odmiany kwiatów i ziół, które wiosną można było znaleźć w okolicach Florencji. Mistrzowskie operowanie kolorami, wyrafinowanie postaci połączonych wewnętrznym ruchem, poezja kompozycji sprawiają, że jest to dzieło czarujące i niepowtarzalne.

Poświęcony twórczości Botticellego, możesz podziwiać jego arcydzieła "Wiosna" oraz „Narodziny Wenus”.

„Wiosna” Sandro Botticellego(1478, Galeria Uffizi, Florencja) - jedno z najsłynniejszych dzieł włoskiego renesansu. Obraz powstał na zamówienie księcia Lorenzo Medici z okazji ślubu siostrzeńca (według innej wersji – urodziny). Wszyscy przedstawieni na nim bohaterowie to postacie mitologiczne. W centrum znajduje się bogini Wenus, na lewo od niej znajdują się trzy Łaski (Piękno, Czystość i Przyjemność) i ich przywódca Merkury. Po prawej stronie bóg ciepłego, wiosennego wiatru Zefir, wyprzedzający nimfę Chlorida, oraz bogini kwiatów Flora. W jakim związku są? Co ich łączy? I dlaczego Botticelli potrzebował wszystkich tych bohaterów, aby mówić o wiośnie - symbolu nowego życia, miłości?

„To dialektyka miłości, ucieleśniona w ruchu”

Marina Khaikina, krytyk sztuki:„Obraz powstał według praw nie dramatycznych, ale muzycznych i rytmicznych. I dlatego bardzo trudno powiedzieć, co się tu dzieje, zbudować fabułę. Ale spróbujmy. Po prawej stronie obrazu widzimy jednocześnie dwa wydarzenia: porwanie nimfy Chloridy przez Zefir i jej późniejszą przemianę w boginię Florę, która symbolizuje wiosnę. Jednak centralną pozycję na obrazie zajmuje nie Flora, ale inna bohaterka - Wenus. Nie jest tylko boginią miłości i piękna. Neoplatonicy, których idee dobrze znał Botticelli, obdarzyli Wenus najwyższymi cnotami – inteligencją, szlachetnością, wdziękiem i utożsamiali się z Ludzkością, która była synonimem kultury i edukacji. Ruch Wenus jest ledwo zauważalny, ale kieruje się od ziemskiej miłości, uosobionej przez Florę, do niebiańskiej miłości, którą najwyraźniej symbolizuje Merkury. Jego postawa, gest wskazują, że jest przewodnikiem po Rozumie panującym w sferach niebieskich. Jego ręka obok owocu wiszącego na drzewie to motyw tradycyjnie kojarzony z Drzewem Wiedzy. Jest bardzo prawdopodobne, że Botticelli ilustruje tu neoplatońską dialektykę miłości - drogę od miłości ziemskiej do miłości boskiej. Miłość, w której jest nie tylko radość i pełnia życia, ale także smutek wiedzy i piętno cierpienia – nie możemy tego nie dostrzec na twarzy Wenus. W malarstwie Botticellego ta dialektyka miłości jest ucieleśniona w muzycznym, magicznym rytmie ruchu, tańca, teraz gasnącego, przyspieszającego, ale niekończącego się piękna.”

„Hymn do żywej ludzkiej atrakcyjności”

Andrey Rossokhin, psychoanalityk:„Na zdjęciu jest tylko dwóch mężczyzn, ich wizerunki są zasadniczo różne. Zephyr (jest po prawej) to mroczny i straszny, demoniczny kusiciel. Merkury (po lewej) jest narcystycznie piękny. Ale to Zephyr, żywa i mobilna, dotyka kobiety i patrzy na nią (żadna z postaci na zdjęciu nie ma już bezpośredniego kontaktu wzrokowego). Ale Merkury odwrócił się od wszystkich i kontempluje niebo. Zgodnie z mitem w tym momencie rozprasza chmury. Wydaje się, że chce pozbyć się tego, co napędza chmury - od wiatru. Ale Wiatr to dokładnie Zefir, który uwodzi Chloridę. Merkury próbuje uwolnić przestrzeń od ruchu wiatru i życia, od seksualnego pociągu mężczyzny do kobiety.

Obok niego są trzy Gracje, ale nie ma cielesnego związku między nim a dziewczynami: łaska Przyjemności jest zwrócona do Merkurego. Wzrok Chastity jest zwrócony na Merkurego, ale między nimi również nie ma kontaktu. Słowem, w całej tej grupie nie ma nawet cienia przebudzenia wiosny, seksualności. Ale to właśnie tej grupie Wenus błogosławi. Jest tutaj - nie bogini miłości, ale chrześcijański symbol Matki, Madonny. Nie ma w niej nic kobieco-seksualnego, jest Boginią duchowej miłości i dlatego wspiera grupę lewicową, pozbawioną zmysłowości.

A oto, co widzimy po prawej: Zephyr siłą porywa Chloridę, a nimfa zmienia się w kobietę Florę. A co się wtedy dzieje? Flora nie patrzy już na Zephyr (w przeciwieństwie do Chloridy), nie interesuje ją mężczyzna, interesują ją kwiaty i dzieci. Chlorida była śmiertelną dziewczyną, a bogini Flora zyskała boską nieśmiertelność. Okazało się, że idea obrazu jest taka: możesz być nieśmiertelny i wszechmocny tylko rezygnując z seksualności.

Na poziomie racjonalnym symbolika obrazu zachęca nas do odczuwania wielkości i boskości macierzyństwa, narcystycznej pewności Merkurego, samowystarczalności naszych wewnętrznych Łask. Botticelli wzywa do ograniczenia swoich „dzikich” pragnień, atrakcji związanych z Zephyrem, porzucenia ich i uzyskania w ten sposób nieśmiertelności. Jednak nieświadomie pisze coś przeciwnego, a sama atmosfera obrazu o tym mówi. Żyjemy razem z Zephyrem i Chloridą, ich namiętnym romansem, dosłownie czując naszą skórą, że tylko taki pociąg seksualny może otworzyć błędne koło Łask i uwolnić przyjemność z narcystycznej pułapki. Być żywym, śmiertelnym, czującym, doświadczać różnych doświadczeń (strachu i przyjemności), nawet za cenę wyrzeczenia się Boskiej nieśmiertelności – to jest moim zdaniem główne ukryte znaczenie przesłania Botticellego. Hymn nie do Boskości, racjonalny, symboliczny i czysty, ale do żywego ludzkiego pociągu, który przezwycięża narcyzm i strach przed własną śmiertelnością ”.

Historia jednego arcydzieła

„Wiosna” Sandro Botticellego

Oto wiosna, nadchodzi Wenus, a Wenus jest uskrzydlona
Posłaniec idzie naprzód, a Zephyr podąża przed nimi
Flora-matka spaceruje, a po drodze rozrzuca kwiaty,
Wypełnia wszystko farbami i słodkim zapachem...
Wiatry, bogini, biegną przed tobą; z twoim podejściem
Chmury odchodzą z nieba, ziemia jest wspaniałym mistrzem
Rozpościera kwiecisty dywan, fale morza się uśmiechają,
A lazur firmamentu lśni przepełnionym światłem.

We Florencji, w Galerii Uffizi, wśród wieluarcydzieła obraz włoski renesans zawiera jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie – „Wiosna” Sandro Botticellego. O tym wspaniałym dziele, które powstało 500 lat temu, w 1478 roku, napisano setki artykułów, wiele tysięcy stron. Nasza dzisiejsza rozmowa dotyczy jej.

Obrazy obrazy są inspirowaneantyczny poezja i mają konotację mitologiczną. Nie jest to jednak tylko poetycka alegoria. Botticelli nadał swojej pracy złożone znaczenie filozoficzne. Aby odsłonić główną ideę „Wiosny”, przejdźmy do jej treści ikompozycyjny budowa.

Ruch na zdjęciu jest skierowany od prawej do lewej. Z prawego górnego rogu wdziera się niebieskawo-zielona postać w powiewającym płaszczu. Rozpoznajemy po opuchniętych policzkach i skrzydłach - to wiatr. Pnie drzew wygięły się od jego lotu. Wytrwale złapał nimfę biegnącą w lewo. Odwróciła do niego przerażoną twarz i dotknęła rękami trzeciej postaci, jakby prosząc o ochronę. Ale ona, jakby nie zauważając, podchodzi do dolnej krawędzi obrazu, patrząc na widza i gestem siewcy biorącego nową garść nasion, opuszcza prawą rękę w fałdy sukni, przepełnione róże. Ta dziewczyna o szczupłej twarzy nastolatka, z wiankiem na złotych włosach, w długiej sukni wyszytej kwiatami, często nazywana była Wiosną. W rzeczywistości jest to bogini kwiatów i roślin Flora.

Artysta potrzebował trzech postaci, aby opowiedzieć mit o tym, jak wiosenny wiatr Zefir, ze swoją miłością, zamienił nimfę o imieniu Chloris (co oznacza „zielona” lub „zieleń”) w boginię kwitnienia. O tym, jak kwitnie natura na wiosnę. I jak poetycko pokazana jest przemiana! Wraz z oddechem kwiaty wylatują z otwartych ust nimfy, wypadają spod jej ręki, zakrywają jej rąbek drobnym wzorem. Wygląda na to, że kwiaty rosnące na łące prześwitują przez tkaninę. Trzecia postać od prawej to już przemieniona Chloris w swoim nowym wyglądzie. Stała się boginią w bujnej szacie. A jak cudownie haftowane wzory jej sukienki (na przykład na kołnierzu) ożywają i stają się prawdziwymi kwiatami, przypominając widzom o tym, o czym naprawdę opowiada ta piękna bajka ... Trzy właściwe figurysymbolizować pierwszy miesiąc wiosny, gdyż pierwszy oddech Zefiru był uważany za jego początek.

Czwarta po prawej, nieco z tyłu, to Wenus na obrazie. Okazuje się, że jest prosta, cicha i pokorna. To wcale nie jest genialne pięknobogini tsa, przyzwyczajona do poleceń. Nie domyślilibyśmy się, że to Wenus, gdyby Kupidyn z łukiem i ognistą strzałą (Amor jest synem Wenus) nie unosił się w powietrzu nad jej głową. A jeśli drzewa wypełniające tło obrazu nie rozstępowały się wokół niego w półkolistej przerwie, pokazując, że jest to semantyczne centrum obrazu. Pochylając głowę na bok, patrzy w naszym kierunku z namysłem, trochę dociekliwie. Ruchem prawej ręki, jakby zatrzymanym w powietrzu, Wenus błogosławi grupę Łask. Gest opiekuńczy, opiekuńczy. Przyciąga naszą uwagę, dzięki czemu lepiej doświadczyć jasnegorytmiczny zatrzymujemy się na środku obrazu, a następnie kierujemy wzrok w lewo.

Wenus i jej towarzyszki Łaski symbolizują drugi miesiąc wiosny - kwiecień. Starożytny rzymski poeta Owidiusz napisał w wierszu „Fasti”, a poeci z XV wieku powtórzyli za nim, że kwiecień został nazwany imieniem Afrodyty, jest to grecka nazwa Wenus.

Wreszcie ostatnicharakter obrazy - Merkury (skrajna postać po lewej). Godny towarzysz Łask, bo bóstwo rozumu i wymowy, wynalazca sztuk. Ale najważniejsze jest to, że w starożytnym kalendarzu rzymskim wiosenny miesiąc maj był poświęcony Merkuremu. Jego nazwa pochodzi od matki Merkurego - Mayi. Ten miesiąc uznano za koniec wiosny i początek lata. Być może dlatego Merkury, który na obrazie służy jako symbol maja, jest odwrócony plecami do innych bóstw wiosny.

Świat przedstawiony na obrazie Botticellego jest niezwykły i tajemniczy. Bajeczne drzewa są już pokryte dojrzałymi owocami, a łąka wciąż pełna wiosennych kwiatów. Każda figura „Wiosny” ma swoją własnąhoryzont ... Patrzymy na nie z góry, potem nieco z dołu. Mogłoby się wydawać, że część z nich stoi na zboczu wzgórza, ale za chwilę łąka pod stopami wydaje się równa. Tymczasem luka w drzewach, przechodząca przez cały obraz falistym pasem, po prawej stronie pokazuje niebo, gdzie spodziewalibyśmy się zobaczyć kontynuację powierzchni łąki. Wydaje się, że Botticelli celowo porzuca osiągnięcia renesansuperspektywy w celu stworzenia atmosfery podniecenia i patosu.

Kompozycyjny rytm „Wiosny” jest częsty, stłumiony. Artysta ułożył szereg figur w sposób falowy, albo przesuwając je blisko, następnie zwiększając interwał, otaczając je ciemnym tłem zieleni i tworząc drugi, ułamkowy rytmkwiaty oraz ozdoby ... Kontury i fałdy są zdominowane przez doluźno strome przekątne wznoszące się w lewo i prawie brak linii konturowych.

W większości postaci spojrzenia i gesty są rozłączne, jak gdyby pokazywane były w momencie, gdy poprzedni ruch trwa jeszcze w bezwładności, a uwaga skierowana jest na nowy przedmiot. Na przykład środkowa Grace wciąż porusza się w okrągłym tańcu swoich przyjaciół, ale już o tym zapomina, pogrążona w kontemplacji Merkurego. Wydaje się, że ruchy i gesty na obrazie są w tym samym momencie zapomniane przez tych, którzy je wykonują, albo przez tych, do których są adresowane. Chwile takie jaklinie, Releyżałujcie między sobą, ale nie łączcie się, lecz oddzielcie. Stąd nastrój głębokiej kontemplacji, dzięki której do obrazu wkracza temat ważniejszy niż temat przewodni.alegoria , - temat życia duchowego.

Dziewicza przyjaźń, narodziny miłości, marzycielska kultywacja życia (temat wizerunku Flory), czuła opieka (znaczenie gestu Wenus), powolne wznoszenie myśli na wyżyny nieba (temat Merkurego) - wszystko to pokazuje artysta z przenikliwą jasnością i czystością. Gest Wenus z dala od Zephyr do Graces i Merkurię i skromność jej ubioru można rozumieć jako preferowanie duchowości w człowieku.

„Wiosna” Botticellego została napisana dla młodego człowieka z najbardziej wpływowej rodziny Medici we Florencji. Niektórzy krytycy sztuki uważają, że obraz miał wzmocnić przywiązanie nastolatka do tych moralnych ideałów, które wpoili mu wychowawcy. Wenus w „Wiosnie” Botticellego najprawdopodobniej symbolizuje nie tylko miłość i piękno, ale „humanitas” – godną przynależność do ludzkości, człowieczeństwa. Warto tutaj przypomnieć, że słowo „łaska” w języku włoskim odnosi się nie tylko do piękna, ale także do dobroci, miłosierdzia.

Malarstwo Botticellego jest ściśle związane z kulturą Włoch w XV wieku. Ruchy jej postaci przypominają niektóre tańce tamtych czasów. Pod względem tematu, doboru postaci, nawiązywał do kostiumowych procesji, które odbywały się we Florencji każdej wiosny, i dlatego był powszechnie rozumiany w tamtych czasach.

Na zakończenie chciałbym powiedzieć trochę o takich aspektach treści „Wiosny”, które były czytelne tylko dla najbardziej wykształconych współczesnych artysty. Botticelli dwukrotnie pokazał na zdjęciu Florę-Chloris. Ale to nie jedyne powtórzenie na zdjęciu. W XV wieku Grazia widziała trzy różne manifestacje jednego bóstwa - Wenus; wierzył, że Łaski były nią samą! Naukowcy dużo spierają się o nazwy i różniceChiach Graziy z Botticellego; Okazuje się, że jedna z Gracji w XV wieku była często nazywana przez Włochów „Verdurą” (zieleń, młodość). Czy to nie brzmi jak tłumaczenie nazwy Chloris? Niektórzy poeci bezpośrednio utożsamiali Wenus z Florą. Jeśli chodzi o Merkurego, to on, poza wszystkim, był uważany za boga wiatru iw tym charakterze nazywano go ... Zefir! Tak więc w kompozycji ośmiu postaci pokazane są tylko dwa uogólnione symbole poetyckie: jeden, uosabiający wiatr, ducha, umysł, drugi - miłość, naturę, kwitnienie.

Jeden i ten sam duch leci na ziemię, staje się siłą miłości, prowadzącą do zrozumienia i stworzenia rozkwitającego piękna świata - a także zwraca się ku niebu (zwróćcie uwagę na ruch Merkurego, rozpędzanie obłoków rózgą i szukając wśród nich magicznego owocu). Krąg jest zamknięty, aby się powtarzać od początku. Rozum pojawia się w obrazie „Wiosna” w jedności z miłością, przyciąganiem - początkiem i głównym źródłem wiedzy zgodnie z naukami florenckich filozofów, współczesnych Botticellemu ...

A. BARANOWA

Obraz Sandro Botticellego Wiosna był prezentem ślubnym od Lorenza Medici dla jego drugiego kuzyna Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Miał zamiar poślubić Semiramis, dziewczynę ze szlacheckiej rodziny Appiani. „Wiosna” miała wisieć nad inkrustowaną komodą kanapową - lettuccio. W rzeczywistości obraz nie dotyczy tylko wiosny i miłości, jest swego rodzaju ilustracją do instrukcji, jaką dla Lorenza di Pierfrancesco przygotował słynny florencki filozof Marsilio Ficino. Wzywa w nim upartego młodzieńca, by skierował swój wzrok na Humanitas („ludzkość”, „ludzkość”) jako najwyższą cnotę.

Ficino uważa boginię Wenus za ucieleśnienie ludzkości. „Musimy wpatrzyć się w Wenus”, pisze Ficino, „to znaczy Ludzkość. Służy nam to jako przypomnienie, że nie możemy posiadać niczego wielkiego na ziemi bez posiadania samych ludzi, z których miłosierdzia wywodzi się wszystko, co ziemskie. Ludzie nie mogą być złapani na przynętę inną niż Ludzkość. Dlatego bądź ostrożny i nie zaniedbuj jej ”. Obraz wisiał przez długi czas w rezydencji Medyceuszy we Florencji. W 1815 weszła do Galerii Uffizi. Przez długi czas nie była wystawiana, a dopiero od 1919 roku, kiedy zwrócił na nią uwagę krytyk sztuki Giovanni Tucci, staje się perłą wystawy głównej.

1. Wenus... Bogini miłości stoi pośrodku gaju pomarańczowego (pomarańcza jest symbolem czystości), w łuku mirtu i wawrzynu, trzymając prawą rękę w geście błogosławieństwa. Ubrana jest w welon zamężnej kobiety (aluzja do motywu małżeńskiego). „Ona – pisze Ficino – jest nimfą największej ukochanej, zrodzoną z nieba i bardziej niż inne umiłowane przez Boga Najwyższego. Jej dusza i umysł to esencja Miłości i Miłosierdzia, jej oczy to Godność i Wspaniałość, jej ręce to Szczodrość i Wspaniałość, jej nogi to Dobroć i Skromność. Całość to Umiar i Uczciwość, Przyjemność i Wielkość. O cudowna piękność! Jak pięknie to patrzeć. Mój dobry Lorenzo, tak szlachetna nimfa jest całkowicie oddana twojej władzy (powtarza się temat małżeństwa - przyp. autora). Jeśli ją poślubisz i nazwiesz ją swoją, sprawi, że twoje lata będą słodkie, a ty sam ojcem wspaniałych dzieci ”.
2. Trzy łaski. To są towarzysze Wenus. Ficino nazywa je Uczuciem, Inteligencją i Wolą. „A ponieważ – pisze – to [uczucie] nie jest aktem myśli, jedna z łask jest namalowana twarzą zwróconą do nas, jakby szła do przodu i nie zamierzała się cofać; pozostałe dwa, ponieważ odnoszą się do intelektu i woli, które charakteryzują się funkcją myślenia, są przedstawiane z twarzą odwróconą do tyłu, jak osoba, która powraca.”
3. Rtęć. Posłaniec bogów przedstawiony jest w sandałach ze skrzydłami. Był synem nimfy Maya, od której po łacinie nazwano miesiąc maj, w którym odbył się ślub Lorenzo di Pierfrancesco. Za pomocą kaduceusza (pręt opleciony wężami) rozprasza chmury, aby nic nie zaciemniało wiosennego nastroju ogrodu Wenus. Uważa się, że Botticelli przedstawił Lorenzo Medici, klienta obrazu, na obraz Merkurego.
4. Zefir i nimfa Chlorida. Oto ilustracja do fragmentu wiersza Owidiusza „Fasta” – zachodni wiatr Zefir goni za Chloridą i bierze ją w posiadanie: „Pewnego dnia na wiosnę uchwyciłem wzrok Zefiry; Odszedłem, / Leciał za mną: był silniejszy ode mnie... / Jednak Zephyr usprawiedliwiał przemoc, czyniąc mnie żoną, / I nigdy nie narzekam na moje małżeństwo. Po ślubie Chlorida (z jej ust wywija się barwinek – symbol prawdziwej miłości) zamieniła się w boginię wiosny i kwiatów, które właśnie tam przedstawia Botticelli, posługując się tym samym techniką symultaniczności – jednoczesnego przedstawiania kolejnych wydarzeń.
5. Wiosna. Nawiązują do niego następujące wersy z „Szybkiego”: „Wiosna to najlepszy czas: / Wszystkie drzewa są zielone, cała ziemia jest zielona. / Płodny ogród kwitnie na polach, mój posag jest dany... / Mój mąż ozdobił mój ogród piękną kwiecistą suknią, / Mówiąc do mnie: "Zawsze bądź boginią kwiatów!" / Ale policz wszystkie kolory na rozrzuconych wszędzie kwiatach, / Nigdy nie mogłem: nie ma ich. Na obrazie Botticellego Wiosna rozrzuca róże, jak to było w zwyczaju na bogatych florenckich weselach. Jej suknia jest wyszywana czerwonymi i niebieskimi chabrami - symbolami życzliwości i dobrej natury. Widać też truskawki w wieńcu na szyi wiosny – symbol czułości, rumianek – symbol lojalności i jaskier – symbol bogactwa.
6. Kupidyn. Towarzysz bogini miłości. Ma zawiązane oczy (miłość jest ślepa) i wymierza ognistą strzałę w jedną z łask. Być może Botticelli przedstawił się na obrazie Kupidyna.
Zdjęcie: BRIDGEMAN / FOTODOM

XV-wieczna sztuka włoska. Odrodzenie.
Światowe arcydzieło, obraz „Wiosna” został stworzony przez artystę Sandro Botticellego pod koniec lat 70. XV wieku. Wielkość obrazu to 203 x 314 cm, drewno, tempera. To dzieło zostało namalowane przez Botticellego dla Villa Castello pod Florencją, należącej do Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Za rok jej wykonania uważa się zwykle rok 1478 – prace ukończono niedługo po zakupie willi dla piętnastoletniego Lorenzo. Ten krewny Wspaniałego pobierał wówczas gruntowne wykształcenie, a kierownik Akademii Platońskiej Ficino życzliwie uczestniczył w jego wychowaniu. Obraz, przeznaczony do osobistych komnat przyszłego, renesansowego konesera, miał zachwycać wzrok i jednocześnie oddziaływać na duszę odbiorcy.

Botticelli na zdjęciu przedstawiał Zefira goniącego nimfę Chloris, z ich zjednoczenia powstaje Flora; potem widzimy Wenus, taniec Łask i wreszcie Merkurego, który, patrząc w górę, usuwa zasłonę chmur kaduceuszem, który utrudnia kontemplację. Jaka jest treść obrazu? Badacze przedstawili kilka interpretacji. Tematem kompozycji jest wiosna z towarzyszącymi jej antycznymi bóstwami. Centrum budowy stanowi Wenus - nie ucieleśnienie podstawowej namiętności, ale szlachetna bogini rozkwitu i wszelkiej dobrej woli na ziemi; jest to obraz neoplatoński.

Rozwijając ten kontekst, naukowcy przekonywali, że twórczość florenckiego artysty odzwierciedla ideę generowania piękna w świetle boskiej miłości i kontemplacji tego piękna, prowadzącego od ziemskiego do ponadziemskiego. „Wiosna” wiązała się również z moralizatorskim horoskopem, który Ficino ułożył dla Lorenzo di Pierfrancesco: zalecono mu wybór planety Venus-Humanitas (ludzkość) jako przewodnika samodoskonalenia, obdarzonego wszelkimi cnotami moralnymi i wskazującego drogę do wyższe sfery. Zauważ, że wszystkie te aspekty treści nie zaprzeczają, ale raczej się uzupełniają. Ale nie przesadzajmy z znaczeniem treści płótna, bo artysta namalował obraz, przemieniając wszystko swoją ożywioną fantazją.

Wenus, centralna postać kompozycji, stoi w cieniu drzew w zaczarowanej przestrzeni wiosennego lasu. Jej suknia wykonana z najdelikatniejszej tkaniny ze złotymi nićmi biżuterii i luksusowym szkarłatnym płaszczem, symbolizującym miłość, świadczą o tym, że stoimy przed boginią miłości i piękna. Ale w jego kruchym wyglądzie pojawiają się również inne cechy. Pochylona głowa przykryta jest kocem gazowym, w który Sandro Botticelli uwielbiał ubierać swoje Madonny. Twarz Wenus z pytająco uniesionymi brwiami wyraża smutek i skromność, sens jej gestu jest niejasny - czy jest to powitanie, nieśmiała ochrona czy życzliwa akceptacja? Postać przypomina Maryję Dziewicę w fabule „Zwiastowania” (na przykład na obrazie Alessa Baldovinettiego). Poganin i chrześcijanin są splecieni w uduchowiony obraz. W innych postaciach kompozycji wyłapywane są także skojarzenia z motywami religijnymi. Tak więc wizerunki Zefira i nimfy Chloris nawiązują do średniowiecznego wizerunku diabła, który nie wpuszcza duszy do raju.

Łaski, towarzyszki i służki Wenus to cnoty generowane przez Piękno, ich imiona to Czystość, Miłość, Przyjemność. Obraz pięknej triady Botticellego jest ucieleśnieniem tańca. Smukłe figury o wydłużonych, gładko wygiętych kształtach przeplatają się w rytmicznej sekwencji okrężnych ruchów. Artystka jest niezwykle pomysłowa w interpretacji fryzur, traktując włosy zarówno jako naturalny element, jak i materiał dekoracyjny. Włosy Grace są zebrane w kosmyki, raz delikatnie kręcone, raz opadające falą, raz rozrzucone na ramionach jak złote strumienie. Lekkie zakręty i zakręty postaci, dialog spojrzeń, wdzięczne połączenie rąk i ustawienie stóp – wszystko to oddaje progresywny rytm tańca.

Relacje jej uczestników odzwierciedlają klasyczną formułę, a jednocześnie neoplatońskie rozumienie Eros: Miłość prowadzi Chastity do przyjemności i trzyma ręce razem. Na obrazie Botticellego ożywa idea mitologicznego splendoru, ale jego obrazy są malowane z prawdziwą czystością. Nieprzypadkowo taniec Łask porównywany jest do okrągłego tańca aniołów w raju w kompozycji „Sąd Ostateczny” Fra Angelico. Wzrok Merkurego skierowany jest marzycielsko w niebo. Próbuje przełamać gęstość chmur zakłócających wzrok. Botticelli nadaje Merkuremu typ szczupłej, młodzieńczej postaci, typowej dla smaku Florencji tamtych lat, jak u Dawida Verrocchio, ale jego zarysy nabierają melodyjności, a twarz - duchowości.