Po pojawieniu się świątyń dwuosobowych w rosyjskiej architekturze XVIII wieku. Nieprzerwany
Związane z dziełem architekto-ra Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).
Budynki zbudowane w tym stylu są nieodłączne w niezwykłych wspaniałych rzeczach i elegity. Ściany pałaców i świątyń są bogato ozdobione fantazyjnym sztukatem, rzeźbami, kolumnami, które niczego nie obsługują. W architekturze istnieją praktycznie żadne poziome linie. Ideał Ba-Rocco jest gładką zakrzywioną krzywą. Linia elewacji jest dynamiczna: występy budynków są również zastępowane przez pogłębienie. Multicolor malowanie zostało przymocowane do uroku barokowych budynków: zakończenie kolumn i sculptu-ra był błyszczący, a śnieg białe kolumny były wyraźnie wyróżnione na niebieskim, turkusowym, żółtym lub różowym powierzchni ścian.
Teriery pałaców barokowych różniły się w szczególności pomp. Ściany hal było pokryte jedwabnym płótnem, ozdobionym lusterkami, rzeźbione pozłacane sztukaterie. Podłogi były oddzielone parkietem ze złożonym wzorem. Sufity zostały namalowane z umiejętnymi malarzami. Kryształowe żyrandole, rafinowane uchwyty do drzwi, skomplikowane kominki, zegarki, wazony, luksusowe meble uzupełniły cały ten Ve-Lichape. Pałacowe pomieszczenia zostały prażone w długim rzędzie przechodzących pomieszczeń i sal, aby drzwi są umieszczone na jednej osi. Taki układ odpowiedział na temat procesji PA-losowych, co z pewnością objawiono nie tylko w słynnej "niegrzecznej monarchy", ale także we wszystkich rytuałach, a nawet tańca.
Urbanistyka
W panowaniu Catherine przeprowadzono program budownictwa na bazie grandioszy. Zbudowano sto żywych miast i odbudowano. W Uralach na Syberii Noworossia opierała się na sezonach. Próbką sztuki planowania miejskich była Petersburg ze swoim regularnym układem.
W 1762 r Komisja na temat kamiennej struktury Petersburga i Moskwy. Musiała nie tylko zaangażować się w problemy gramistowe dwóch rosyjskich stolic, ale także deweloper, który daje ogólne plany miast wojewódzkich i powiatowych. Do 1775 r. Kamienna Komisja Budynek zatwierdziła plany 216 miast. Wczesne pamiętaj, że odbudowywanie starych miast, architekci próbowali zachować zabytki starożytnej rosyjskiej architektury: świątynie, współlokolinis, forteca.
W drugiej połowie XVIII wieku. Znacznie zwiększył liczbę struktur publicznych (niemieszkalnych), wzniesiono w miastach. Budynki są budowane dla instytucji samorządu miejskiego (szpity Duma, szlachetne kolekcje itp.), Szpitale, szkoły, th-stylowe dziedzińce, kąpiele publiczne, magazyny. W dużych miastach, oprócz pałaców i rezydencji, pojawiają się pierwsze domy do podnośników, w których apartamenty są wynajmowane w HIR.
Klasycyzm
Zmiany stylu architektonicznego: klasycyzm przychodzi zastąpić bujny barokowy. "Szlachetna prostota i spokojna Velosha" - tak scharakteryzować nowy styl, założony w Rosji pod koniec XVIII wieku. Przeprowadza bezpośrednie poziome i pionowe linie. Wszystkie części budynków są symetryczne, pro-porty, zrównoważone. Kolumny służą nie tylko jako dekorowanie, ale mają również konstruktywne - nakładające się. Dachy są produkowane przez delikatne. Fasady budynków Architekci wolą malowanie w ograniczonych kolorach - żółty, kawa, szary, płowy ... Materiał z witryny.
Przedstawiciele w Petersburgu
Największe architekci klasycyzmu w Petersburgu były Jean-Batist Wallen-Demotam (Akademia Sztuki, Stocznia siedzące na Nevsky Prospect), Ivan Egorovich starszy (Troitsky Co-Bor Alexander Newsky Lavra, Pałac Tavrichesky), Charles Cameron. (Pałac Pavlovsky, Galeria Cameronova w wiosce Tsaryjskich), Jacomo Kurangi. (Hermitage Theatre, Awarie Bank), Nikolay Alexandrovich Lwów (Petersburg Post Office, Nevskie bramy twierdzy Petropovlovsk, Kościół "Kulich i Wielkanoc").
N. A. Lvov (1751 - 1803) był znany nie tylko jako utalentowany ar-heptotor, ale także jako wybitny naukowiec, pisarz, harmonogram, muzykolog. Stworzył pierwszy salon artystyczny (koło), który włączył, pisarzy, kompozytorów, artystów. Lwów szczycił geniusz.
Przedstawiciele w Moskwie
Wasily Ivanovich Bazhenov (1737/178-1799) (1737/1738-1799) (1737/1738-1799) (1737/1738-1799) i Matvey Fedorovich Kazakov (1738-1812 / 1813) (Budynki Senatu na Kremlu, Noble Montaż - Teraz Hala Kolumna Związków, Szpital Golitsyn - obecnie 1st Gradskaya).
Zdjęcia (zdjęcia, rysunki)
Pałac Zimowy w Petersburgu. Architekt f.-b. Rastrelli. 1750-1762.
Katedra klasztoru Smolnego w Petersburgu. Architekt f.-b. Rastrelli. 1748-1764.
Duży Ekaterininsky Palace w wiosce Tsarskoye w pobliżu Petersburga. Architekt f.-b. Rastrelli. 1752-1756.
Pomalowany pokój w dużym pałacu Peterhof. Akwarela L. O. Premazzi. 1855.
Enfilade pokoi Parade w Pałacu Katarzyny w Selo Tsarskoye. Architekt f.-b. Rastrelli. 1750.
Parade schody w zimowym pałacu. Architekt f.-b. Rastrelli. Akwarela K.a. Ukhtomsky. XIX wiek.
Plan św. Petersburga 1776
Budynek Akademii Sztuki w Petersburgu. Architekci A. F. Kokorinov i Jean-Batist Wallen-Demotam
Pałac Tavrichesky w Petersburgu. Architekt I. E. stary
W zachodniej sztuce wieków XVII-XVIII. Główne kierunki artystyczne i prądy były barokowe i klasycyzm. Wiele krajów europejskich stworzyło Akademię Sztuki i Architektury. Ale żaden z tych stylów nie istniał w sztuce Anglii XVII-XVIII. w czystej formie, ponieważ Przybyli na angielską glebę znacznie później niż inne kraje.
Dla angielskiej sztuki tego okresu uwaga charakteryzuje się życiem emocjonalnym ludzi, zwłaszcza to dotyczy malowania portretowego. Ponadto Edukacja angielska zwróciła szczególną uwagę na idee edukacji moralnej osobowości, problemów etyki i moralności. Kolejnym wiodącym gatunkiem języka angielskiego tego okresu był gatunek domowy. O najbardziej znanych artystów (T. Gainesboro, D. Reynolds, W. Hogart) Powiedzieliśmy na naszej stronie internetowej.
Architektura
W XVII i XVIII stuleci. Anglia była jednym z największych ośrodków architektury europejskiej. Ale istniały tu różne style architektoniczne i wskazówki, czasami w tym samym czasie.
W początkach brytyjskiej tradycji architektonicznej stała Inigo Jones. (1573-1652), angielski architekt, projektant i artysta.
Pastumous portret szczotki Inigo Jones William Hogarth (napisane w życiu portret Wang Dequee)
Inigo Jones urodził się w 1573 roku w Londynie w rodzinie Sukonchik. W 1603-1605. Jones we Włoszech studiował rysunek i sztukę dochodzeniową. Wracając do ojczyzny, był zaangażowany w tworzenie dekoracji na teatralne pomysły, odegrał znaczącą rolę w rozwoju Teatru Europejskiego.
W 1613-1615. Jones ponownie we Włoszech studiuje prace Andrea Palladio, starożytnej i renesansowej architektury. W 1615 r. Jones stał się głównym opiekunem Royal Budynki, w Greenwich wkrótce zaczyna budować krajową rezydencję królowej Anny, żony Yakova I.
Queens House.
Dwupiętrowy dom Queens jest monolityczną kostką, całkowicie białą i prawie bez biżuterii architektonicznej. Centrum Fasady Park jest loggią. Queens House był pierwszym angielskim budynkiem w stylu klasycyzmu.
Tulipanopodakujące schody w Greenwich
Kolejna praca architekta - Dom bankowy w Londynie (1619-1622). Jego dwupiętrowa fasada jest prawie wszystkie pokryte dekoracją architektoniczną. Wnętrze kolumnada piętna odtwarza pojawienie się antycznej świątyni. Budynki Johnsa odpowiadały smakom angielskiego podwórza tego czasu. Ale praca Jones została doceniona tylko w XVIII wieku: jest ponownie otwarty przez fanów Palladio, a jego praca stała się próbkami dla budynków języka angielskiego palladianisu.
Dom bankowy
W późnych wiekach XVI XVII. Ważną rolę w historii Pałacu zagrał występy teatralne ("maski"). Szczególnie znana była sceneria i kostiumy stworzone przez Inogo Jones, utalentowany artysta teatralny.
Bankencja Hauz ma długość 34 m, szerokość 17 m i tyle wysokości. Dwa piętra wznoszą się nad wysoką piwnicą. Rytmicznie zlokalizowany na szerokich oknach elewacyjnych. Środek budynku jest podświetlony przez 8. kolumny zlecenia jonowego w dolnym rzędzie, Koryncki - w górnej części. Po oknach najwyższego piętra stworzył fryzę w formie girlanda rzeźbionego w kamieniu. Elegancka balustrada kończy całą kompozycję. Jedyna hala tego budynku była zdobione Rubens.
Pod koniec XIX wieku. Budynek umieścił ekspozycję wojskowego muzeum historycznego.
Nowy etap w historii angielskiej architektury rozpoczął się w drugiej połowie XVII wieku, kiedy pojawiły się pierwsze budynki sir christopher rena. (1632-1723), jeden z najbardziej znanych i czczonych architektur angielskich.
Gottfried Kneller "Portret Christopher Rena" (1711)
Sir Christopher Ren, Architekt i matematyk, odbudowany centrum Londynu po wielkim ogniu 1666 r. Stworzył krajowy styl angielskiej architektury - Renov klasycyzm.
Ren był naukowcem, zaangażowany w matematykę i astronomię, zapytał architekturę, kiedy miał już trzydzieści. Przez całą i owocną aktywność zdołał wdrożyć prawie wszystkie swoje plany. Zbudował pałace i świątynie, biblioteki i teatry, szpitale i raty miasta, wyposażone w dzielnice mieszkalne w Londynie. Zebrane razem, liczne budynki Rena mogły tworzyć miasto średniej wielkości. Po "wspaniałym ogniu" 1666 r. Ren wziął najnośniejszą rolę w przywróceniu Londynu: było zakwasowane ponad 50 z 87 spalonych kościołów. Koroną tej działalności była wspaniała i majestatyczna katedra św. Paul, który stał się największym kultem świata protestanckiego.
Znajduje się nad brzegiem Tamizy, Królewski Szpital w Greenwich jest ostatnim głównym budynkiem Christophera Rena. Duży kompleks szpitala składa się z 4 budynków tworzących prostokątnych dziedzińców z przestronnym obszarem między frontowymi przypadkami stojących przed rzeką Porceta Fasady. Szerokie etapy, których po obu stronach są majestatyczne budynki kopuły, prowadzą do drugiego obszaru między drugą parą jardów. Ramy kolumnady z podwójnych kolumn tworzą bardzo spektakularną perspektywę kończącej się z Queens House Inoi Jones. Architekt wziął również udział w budowie szpitala Greenwich. Nicholas Hawksmour. (1661-1736). Zaczął pracować podczas życia Rena i kontynuował je po śmierci architekta.
Ren szedł wzdłuż ścieżki Inigo Jonesa. Ale Jones wchłaniały ducha renesansu włoskiego, a Ren pracował w stylu klasycyzmu.
Tradycja Christophera Rena kontynuowała James Gibbs. (1682-1754) - Najbardziej jasna i oryginalna postać architektury angielskiej pierwszej połowy XVIII wieku, jednego z niewielu przedstawicieli stylu barokowego w architekturze brytyjskiej. Zbudował także w stylu palladowym, pożyczając od niego oddzielnych elementów.
A. SOLDI "Portret Jamesa Gibbsa"
Praca Christophera Rena była największym wpływem na pracę Gibbs, ale Gibbs stopniowo rozwinął swój własny styl. Jego słynna biblioteka Radcliffe w Oksfordzie, ścisła i monumentalne, zajmuje jedno z pierwszych miejsc do najlepszych zabytków architektury angielskiej.
Biblioteka jest najważniejsza z budynków Gibbs wzdłuż skali i zaletami artystycznymi. Ta specyficzna struktura centralna składa się z 16-stopniowanej bazy, cylindrycznej części głównej i kopuły. Podstawa jest cięta przez duże łukowe otwory drzwiowe i okna; Okrągła podstawowa część jest podzielona przez kolumny pary na 16 zwykłych, w których okna i nisze łukowe w dwóch poziomach są alternatywne. Nad balustrada wznosi się koronowaną lampioną kopuły.
Biblioteka jest jednym z najlepszych zabytków angielskiej architektury.
Kolejne arcydzieło Gibbs - Kościół św. Martina w polach ZE.
Kościół św. Martina w polach ze
Otworzyła Trafalgar Square w Londynie. W św. Martin w polach ZE, wpływ Christopher Rena jest śledzony, ale dzwonnica nie jest wyróżniona w oddzielnym budynku, jest pojedynczą liczbą całkowitą z budynkiem kościoła. Początkowo jest to decyzja Skrytykowanych współczesnych współczesnych architekta, ale później Kościół stał się wzorem dla wielu kościołów anglikańskich w samej Anglii i poza
Angielski Palladianism.
Angielski Palladianism jest związany z nazwą William Kent. (Ok. 1684-1748), architekt, archeolog, malarz i wydawca.
Willa w Chizika (1723-1729)
Willa została wzniesiona przez Pana Burlington z bezpośrednim udziałem William Kent.. Jest to najbardziej znany budynek angielskiego paladianisu. Prawie dosłownie powtarza "Rotonda" Villa Andrea Palladio, z wyjątkiem elewacji.
Willa Park w Chiticus
Fasada parku jest ozdobiona portykiem z frontem, złożonymi i wykwintnymi schodami prowadzi do porty. Willa nie była przeznaczona do życia, nie ma sypialni, nie ma kuchni, istnieją tylko pokoje dla artystycznych kolekcji Burlington.
Dzięki patronatem Pana Burlington, Kent otrzymał zamówienia na budowę budynków publicznych w Londynie, na przykład klamli koni.
Gardetki koni.
Hors Gards - Koszary Connogvardeisian Pułku w Londynie. To najbardziej dojrzała praca Williama Kentu.
William Kent zbudował kilka pałaców w Londynie. Wykonałem zamówienia na projekt wnętrza krajowych rezydencji języka angielskiego szlachcicy. Główną dziełem Kenta była dwór Holkem Hall w hrabstwie Norfolk.
Manor Hall Hall w Norfolk County
Był przeznaczony do artystycznej kolekcji Lorda Leterter. Szczególnie znani wnętrza Hali Halletu, pełny jedwab, aksamitny i złocenie. Na rysunkach dokonano również mebli.
Angielski Park.
Krajobraz angielski park jest ważnym osiągnięciem angielskiej architektury XVIII wieku. Park scenerii stworzył iluzję prawdziwej, nietkniętej natury, nie było obecności osoby i nowoczesnej cywilizacji.
Pierwszy park krajobrazowy został ułożony w Era Palladian w posiadłości poety Alexander Top w Twitch (przedmieście Londynu). Francuski regularny park wydawał się mu przez personifikację państwowej tyranii, która nawet podporządkowana jej naturę (Versal Park). Poeta Anglia uważana za darmo kraj. Innowator w ogrodzie i Park Art of England został William Kent.. Stworzył najlepsze parki krajobrazowe tej Era: Villa Park Chisik House, park "Champs Elysees" w Stow w Środkowej Anglii.
Park "Elysee Fields"
Szczególnie silne wrażenie zostało wykonane przez sztuczne, specjalnie zbudowane ruiny, którzy nosili nazwę świątyni nowoczesnej cnoty. Najwyraźniej ruiny symbolizowały spadek moralności w nowoczesnym społeczeństwie i sprzeciwiały się luksusowej świątyni starożytnej cnoty, zbudowanej przez W. Kent w stylu antycznym.
Świątynia starożytnej cnoty, zbudowana przez W. Kent w stylu antycznym, jest okrągłym budynkiem kopuły, otoczony kolumną 16 gładkich kolumn jonowych zainstalowanych na niskim poziomie podium. Świątynia ma dwa wejścia w postaci łukowowanych otworów, z których każdy prowadzi 12-biegowe schody. W środku świątyni 4 niszach, w których statuy starożytnych greckich gwiazd są zainstalowane w ludzkim rozwojem.
Już w środku XVIII wieku. Parki krajobrazowe zostały dystrybuowane w Anglii, we Francji, Niemczech, Rosji.
Ostatni główny przedstawiciel palladanianizmu w angielskiej architekturze był William Cheymbers. (1723-1796) - Szkocki architekt, przedstawiciel klasycyzmu w architekturze.
F. KOTEST "Portret W. Cheimber"
CheymBars miało znaczący wkład w rozwój sztuki w ogrodzie. Dzięki Chaimburst w tradycyjnym angielskim parku krajobrazowym pojawiły się egzotyczne (chińskie) motywy.
Duża pagoda. - Pierwszy budynek w duchu chińskiej architektury w Europie. Został zbudowany w Richmond Gardens Kew w 1761-1762. Według projektu Trybunału Architect William Chembers zgodnie z życzeniem Matki Króla George III, sierpnia. Wysokość wynosi 50 m, średnica dolnego poziomu wynosi 15 m. W pagodzie rozmieszczone są schody 243 kroków, dach jest wyłożony płytkami.
Pagoda naśladowca w Kew pojawiła się w angielskim ogrodzie Monachium i innych zakątków Europy. Według kaprysu Catherine II Compatriot Chembers, Charles Cameron, zaprojektował podobną strukturę w centrum chińskiej miejscowości wioski Tsaryjskiej, ale projekt nie był zawarty. Ale chińskie domy były nadal zbudowane.
Chińskie domy. Chińska wioska w Aleksander Parku w wiosce Tsaryjskich
Architektura neoklasycyzmu
Kiedy w środku XVIII wieku. We Włoszech rozpoczęły się pierwsze ekskawacje archeologiczne starożytnych zabytków, wszyscy najwięksi przedstawiciele angielskiego neoklasycyzmu poszli do Rzymu, aby zobaczyć ruiny starożytnych struktur. Inni angielskimi architekci poszli do Grecji, aby studiować starożytne greckie budynki. W Anglii neoklasycyzm wyróżniał się faktem, że z łatwością i elegancji z angażowania, zwłaszcza wnętrza angielskich neoklasycznych zainteresowanych. To samo, przeciwnie, wszystkie budynki były łatwe i eleganckie.
G. Willison "Portret Roberta Adama"
Rozegrana była szczególna rola w architekturze angielskiego neoklasycyzmu Robert Adam. (1728-1792), szkocki architekt z dynastii Palladian Adamov, największego przedstawiciela brytyjskiego klasycyzmu XVIII wieku. Adam polegał na badaniu starożytnej architektury i stosować surowe klasyczne formy. Aktywność architektoniczna Adama była bardzo szeroka. Wraz z braciami Jamesem, Johnem i Williamem, wzniesionym dworami domów i budynków publicznych, zbudowane przez całe ulice, kwadraty, bloki miejskie w Londynie. Jego twórczą metodą jest racjonalizm, ubrany w postaci greckiej starożytności.
Dom w dworku Domu Sayon w Londynie. Łuk. R. Adam (1762-1764). Przyjęcie Londyn, Wielka Brytania)
Room Reception w Saion House - jeden z najbardziej znanych wnętrza Adama. Pokój urządzony jest z dwunastu kolumn z niebieskiego marmuru ze złotymi stolicami i rzeźbami na górze. Pnie tych kolumn są prawdziwie antique - znajdują się na dnie rzeki Tybru w Rzymie, stolice i rzeźby są wypełnione rysunkami samego Adama. Kolumny tutaj nie obsługują sufitu, ale właśnie przymocowane do ściany, ale dają pokój majestatyczny wygląd.
Wnętrza Adama nadal w życiu Mistrza wielu zostało uznanych za najwyższe osiągnięcie architektury angielskiej. Tradycje ich sztuki długo zachowały ich znaczenie w angielskiej architekturze.
Ale w neoklasycyzmie XVIII wieku. Były dwóch architektów, którego sposób różnił się od "stylu Adam": George Dance Jr. (1741-1825) i sir John Sun. (1753-1837). Najbardziej znaną konstrukcją tańca było newgate więzienie w Londynie (nie przetrwane). John wkrótce podróżował pod wieloma względami, w jaki sposób tańca był głównym architektem budynku banku angielskiego (1795-1827) i poświęcony jej konstrukcji znaczącej części życia.
"Gothic Revival" (Neoochik)
W środku XVIII wieku. W Anglii pojawiły się budynki, w których zastosowano motywy architektury gotyckiej: łuki łucznicze, wysokie dachy z stromymi skałami, witrażami. Ten okres entuzjazmu z gotyckim nazywany jest "odrodzeniem gotyckim" (neogenem). Trwał do początku XX wieku. I stał się popularnym stylem do tej pory: w Anglii budynki w stylu gotyckim są często zbudowane).
Założyciel "Gothic Renaissance" był wykresem Horace Walpol. (1717-1797) - autor, autor pierwszej powieści horroru "Zamek Otranto". W 1746-1790. Odbudowany w stylu gotyckim jego willa w Manorze Zasuberry Hill (gałązki, przedmieście Londynu).
Willa
Wzgórze Font Abbey w środkowej Anglii został zbudowany w 1796-1807. Architekt James White (1746-1813).
Wzgórze Font Abbey (nie został jeszcze zachowany)
Już w XIX wieku. Styl gotycki stał się stanem. W tym stylu w środku XIX wieku. Budynek parlamentarny w Londynie został zbudowany (Arch Charles Barry) został zbudowany - jeden z głównych budynków angielskiej architektury tego czasu.
Wyślij dobrą pracę w bazie wiedzy jest proste. Użyj poniższego formularza
Studenci, studiach studentów, młodych naukowców, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich badaniach i pracach, będą ci bardzo wdzięczni.
Wysłany na stronie http://www.allbest.ru/
Wprowadzenie
XVIII wiek jest bardzo ważnym kamieniem milowym w historii Rosji i rozwoju kultury rosyjskiej. Reformy Peter I wpłynęły wszystkie strony gospodarki, państwa, spraw wojennych, edukacji, myśli społecznej, nauki i kultury. Przekształcenia te nabyły Rosję, aby osiągnąć nasz czas, pomógł pokonać zaciętość, umieścić kraj w jednym rzędzie z wpływowymi uprawnieniami Europy.
Rosja podziwiała, opanowana i recyklingowa doświadczenie krajów Europy Zachodniej w różnych dziedzinach działalności człowieka, w tym w dziedzinie sztuki. Proces ten był kilka sposobów: nabycie za granicą gotowe dzieła sztuki; Przyciąganie zagranicznych specjalistów do pracy w Rosji i przygotowywać personel domowy; Paczka rosyjskich ludzi do konta państwowego za granicą jako tak zwanych emerytów do nauczania lub poprawy w ich działalności.
Specyfika artystycznej kreatywności XVIII wieku. Został określony przez fakt, że przychodząc do zmiany średniowiecza był to pierwszy link w jakościowej nowej kulturze nowego czasu.
Jeśli jest schematycznie wyznaczony do ekstremalnych osądów, które wracają do koncepcji XIX wieku, można zauważyć jeden z nich, nalegając na pełną rozdzielenie sztuki XVIII wieku. z poprzednich rozwoju. Z tego oznacza pomysł sztuki XVIII wieku. Jako obcy, siłą szczepiony, beznamicznie i w niekorzystnej sytuacji. Przeciwny pogląd wyraża pragnienie wyładowania granic między starą Rosją a XVIII wieku, wyjaśniając XVIII wieku głównie na podstawie jego średniowiecznej historii, znajdź wszystkich początkujących nowych na jego głębokościach, zmniejszają tym samym znaczenie świata artystyczne doświadczenie. To ekstremalne prowadzi do faktu, że proces rozwoju rosyjskiej sztuki jest rysowane wyizolowany z ogólnego przepływu sztuki europejskiej nowego czasu.
Sowieci naukę, na podstawie dialektycznego zrozumienia procesu rozwoju, opiera się na rozpoznawaniu najważniejszej roli złamania. Ten ostatni odzwierciedla międzynarodowy proces przejścia od sztuki średniowiecznej do sztuki nowego czasu, charakterystyczne dla innych krajów. W Rosji, ze względu na specyfikę jej rozwoju historycznego, został popełniony 200-300 lat później, powiedzmy, we Włoszech lub we Francji, tj., Kiedy skończyło się w innych krajach i odbyliśmy się pod ich wielkim wpływem. Ten wpływ oczywiście nie nauczył się niewolników. Przeciwnie, "praktyka" była raczej kreatywnym procesem tworzenia nowej metody artystycznej kreatywności. Źródła tego są niejednoznaczne. Jest to przede wszystkim ogólny wysoki poziom kultury artystycznej narodu i te kroki w kierunku nowego czasu złożyła na ostatnim etapie sztuki średniowiecznej - na końcu XVII wieku.
Działalność Mistrzów Europy Zachodniej odegrała dużą rolę. Wreszcie, rodzaj własności uniwersalnej był ważny - zapisany w traktatach i pocieraniu (wygrawerowane rysunki), który został włączony do ciała metody sztuki od renesansowej kanonizowanego doświadczenia sztuki nowego czasu. Oczywiście znaczenie tych źródeł nie jest takie samo dla różnych szkół rosyjskich i prac indywidualnych, co wymaga złożony charakter sztuki XVIII wieku., Zwłaszcza jego pierwsza połowa. Ogólny stan sztuki zależy od interakcji tych elementów, a nie z absolutnego mistrzostwa jednego z nich.
Później wejście na nowe stanowiska doprowadziły do \u200b\u200bwielu konkretnych cech rozwoju artystycznego Rosji. Przez ostatnie pięćdziesiąt lat koszt ogromnego napięcia, sztuka domowa zdołała przejść drogę, którą wiele krajów zostało wykonanych w dwóch lub trzech stuleciach. Jednak szybkie stawki i, jak to było szereg "niespodzianek" zagrażających kursem w czasie, w szczególności równoległe istnienie kilku kierunków w stylu, które w krajach Europy Zachodniej chronologicznie zastąpiła się nawzajem. Charakterystyczne cechy rozwoju rosyjskiej sztuki pierwszej połowy XVIII wieku. Niezwykłe sytuacje artystyczne były w szczególności pojawienie się takich elementów kulturowych, w celu postrzegania, których obiektywne warunki nie dojrzewają jeszcze. Jednak z połowy wieku, który oznaczył zwycięstwo zasad sztuki nowego czasu i powszechnego rozprzestrzeniania baroku, przebieg rosyjskiej sztuki nabywa bardziej równomierny charakter. Za epoką rozwiniętego baroku (40-50) i krótki, słabo ujawnił się w Rosji, etap ROCOCO (granica 50-60) jest zespołem klasycyzmu. Ten styl, którego wewnętrzny głośnik zostanie scharakteryzowany poniżej, zdominowany do 30-tych XIX wieku.
Pierwszy ćwierć wieku XVIII wieku. Odegrał szczególną rolę w rosyjskim rozwoju artystycznym. Sztuka zajmuje zasadniczo nowe miejsce w życiu społeczeństwa, staje się ryfą świeckimi i krajowymi. Istnieje rozkład starego systemu życia artystycznego i tworzenia nowej jedności. Ścieżka ta jest naznaczona znaczącymi zmianami, które są nieuniknione z stromym podziałem starej metody twórczej. Rodzą się nowe relacje między artystą a klientem, a świadomość tego ostatniego o tym, jak współczesna praca powinna wyglądać, często powoduje określenie roli. Nowa sztuka nie zawsze spełnia życzliwie i dlatego wymaga szerokiego wsparcia państwa i wyjaśnienia. Edukacyjna funkcja sztuki w prostym i bardziej abstrakcyjnym poczuciu tego słowa jest niezwykle rosnąca. W paradzie, aw branży praktycznych oddziału uporczywie przenika do świadomości publicznej. Skład sił twórczych się zmienia. Wraz z zagranicznymi mistrzami pracuje nowa generacja rosyjskich artystów (tzw. Emeryci, którzy studiowali za granicą). A te i inni pracują głównie w Petersburgu, gdzie znajduje się centrum kreatywnych wysiłków narodu. Petersburg odgrywa rolę związku między Rosją a Zachodem.
Moskwa wykonuje tę samą rolę w stosunkach między Petersburgiem a prowincją. Pozostałe prace w starej stolicy, starszych mistrzów i młodych artystów, którzy nie przekazali praktykuracji nowego typu tworzą ich szkołę. Idzie również w nowy sposób, ale czyni go bardziej spowolnieniem i pod bardzo namacalnym efektem tradycyjnej metody. Prowincja w pierwszym kwartale wieku doświadcza bardzo słabego wpływu innowacji, dając często kontynuację starożytnych form rosyjskich. Istnieje kolejne "zaburzenie" w stuleciach ustalonych życia artystycznego. Ze względu na brak możliwości lub niechęci, wielu malarzy komory zbrojowej i mistrzów Zakonu Spraw Kamiennych, tj. Instytucje, które istniały w XVII wieku są rozdrobnione z rangi artystów do niższej pozycji rzemieślników . Zmuszony do poszukiwania pracy w małych miastach i wioskach, mieszkających w głównie Kościołach, naturalnie zachowują stare formy. Po tradycyjnych technikach budowlanych i systemach ikonograficznych, a także nawyk wielokrotnego powtarzania, pogłębia rękodzieło ich kreatywności.
Artyści stopniowo idą do "publiczności" z ustalonymi smakami i tendencjami, z reguły, opozycja wobec innowacji z Moskwy.
Na początku XVIII wieku. Poprzedni pomysł piękna i formularzy, w których jest ucieleśniony, zostaje zniszczona. Artysta starego typu zamienia się w oczy upomniań nowych w mistrzu zmarłym domu. "Oferta literacyjna" w zrozumieniu nowego czasu jest dostrzegana jako depozyt zabezpieczający priori, ponieważ jeden daleko niekoniecznie niekoniecznie oznacza drugi. Prawdopodobnie wyjaśnia niesamowity wygląd bardziej innowacyjności zgodnie z metodą, ale raczej słabych w artystycznych warunkach dzieł obcokrajowców, którzy pracowali w Rosji.
Różnica w sposobach manier, technik stylu i systemów typologicznych, co jest dość naturalne dla niezidentyfikowanej sztuki czasu Petrovsky na każdym względach. Nowe pomysły i obrazy, gatunki i wykresy, próbki ikonograficzne w malarstwie i rzeźbie z potężnym strumieniem w praktyce artystycznej. Oczywiście ta różnorodność nie była konsekwencją naturalnego procesu, w wyniku czego wszystkie rodzaje zachodnich trendów przenikały bez analizowania. Jednak nie było ścisłego wyboru, rodzaj filtra, który został poddany działowi zagranicznym. Niewątpliwie jedna rzecz: Szeroki strumień próbowano dostosować na podstawie wewnętrznych potrzeb i gustów. Ostateczna poprawka złożyła życie, wybierając, co może dać pędy w rosyjskiej ziemi i odrzucić losową lub przedwczesną, ale w taki czy inny sposób nie odpowiedział na potrzeby krajowe. Ten trudny, ale głęboko progresywny proces wziął rosyjską sztukę na szeroką drogę paneuropejskich myśli i form, przeprowadziła odrzucenie średniowiecznej szafy, przytulność religijnego światowego, była dużym przypadkiem stanu. ERA Oświecenia, która należy do XVIII wieku, sztuka rosyjska wykonała funkcję, która zwykle przyjmuje odrodzenie.
Główne cechy tej dziedziny tego okresu są nierozerwalnie związane z ogólnym przebiegiem procesu historycznego. Najważniejsze reformy w dziedzinie życia gospodarczego, wojskowego i politycznego kraju doprowadziło do nowego rodzaju państwowości - ostatni etap w dodaniu absolutistowego imperium. Życie społeczne jest obecnie określone przez nowe podstawy ideologiczne. Rozwój nauki i przyczynianie się do tworzenia nowego systemu edukacji, tworzenie na koniec Petrovsky Reign Akademii Nauk, najważniejsze zmiany w typografii przyczyniają się do powstania fundamentalnie nowej, świeckiej podstawy natury kultury i jego najważniejszych gatunków - sztuki wizualnej i architektury.
Architektura
Włączając konkretną uwagę sztuki pierwszej połowy XVIII wieku, należy powiedzieć, że najważniejsze cechy polegają na adekwatności do podstawowych praw sztuki europejskiej nowego czasu. W dziedzinie architektury sugerują fundamentalną zmianę światopoglądów, język artystyczny, częściowo system konstruktywny i oznaczają przejście do nowego systemu myślenia. Najważniejszym zadaniem jest wprowadzenie ogólnych przepisów starożytnych, renesansowych, barokowych i powstałych we Francji architektury klasycyzmu. Pomimo niewątpliwej różnicy w ostatnich trzech stylach, wszystkie mają wspólny "pręt", który definiuje granicę między nimi a średniowiecznym systemem myślenia artystycznego, z jednej strony i sztuki współczesnej - z drugiej. Rozumiemy techniki i zasady planowania miejskich z charakterystycznymi plantatorami prostokątnymi, promieniowaniem i wentylatorami, surową prostotnością ulic, zgodność z liniami "Czerwonymi" lub "Fasada" i typologiczne cechy indywidualnych budynków - pałace, kościoły, struktury publiczne i przemysłowe. Ogólne momenty formacji dotyczą planowanej i objętościowej konstrukcji, skład elewacji, konfiguracji wnętrz i ich związku między sobą. Wśród tych wzorów są najważniejsze: związek nieodwracalnych i łożyskowych elementów opartych na określeniu klasycznego porządku, wykorzystania form portali i okien, części dekoracyjnych i ozdobnych, a także umieszczenie dekoracji w systemach aresztowania , Ustalone techniki kombinacji głównych i średnich pomieszczeń.
Architektura pierwszego kwartału XVIII wieku
Pierwsze kroki rosyjskiej architektury XVIII wieku. Związane z bazą w 1703 r. Nowej stolicy - Petersburg. Miasto dorastało wśród przyciemnionych bagien i rozpowszechnionej delty Delta Newy, rozproszone na kilku wyspach, penetrowane przez kanały dmuchające z zaciętych wiatrów i zaopatrzonych. To było miasto z dala od starych rosyjskich centrów kulturalnych. W przeciwieństwie do większości średniowiecznych miast, które pojawiły się wokół Kremla w systemie planowania promieniowania, Petersburg wystąpił na kilku wyspach, kompozelnie podłączonych Neva. Miasto było stopniowo stopniowo, ponieważ życie sugerowane, często wymagające rozwiniętych projektów planów magisterskich. Prawdziwe centrum planowania stało się tridentem, adresowaną do góry Admiralicji, - Nevsky i Ascens Avenue, a następnie przyłączył się do nich przy ulicy. Wszystkie są skrzyżowane przez półfabrykaty prania i fontann, których nasypy zostały urządzone z kompleksami pałacowymi i dworowymi. Później był jeden z arystokratycznych regionów Petersburga.
Na wyspie Vasilievsky znaleziono początek centrum kultury i edukacyjnego i administracyjnego. W przeciwieństwie do starych miast, Petersburg był bogaty w budynkach użyteczności publicznej. Położyli zakładkę w 1703 r. Twierdzy Petropovło. Jego centrum kompozytowe mające ogromną wartość planowania miasta była katedra Petropavsky. Ten budynek jest pierwotnie drewniany, a następnie ucieleśniony w kamieniu, jest największą dziełem architekta Domenico Trezini (ok. 1670-1734), urodzony w Szwajcarii i zaproszony do Rosji z Danii. Wartość katedry jest duża i z punktu widzenia typowych cech jego architektury, która była modelem dla licznych kościołów Petersburskich tego i późniejszego okresu. W przeciwieństwie do tradycyjnych rosyjskich świątyń, katedra jest bazyliką trójkastą. Dzwonnica zachwyca nie wieży składa się z kilku konsekwentnie zmniejszających się woluminów, ale jak gdyby pojedyncza macierzysta, rozcięta na poziomie lisa. Ta funkcja jest zapożyczona z zachodniej architektury (dzwonnica, wieże ratuszowe). Brak bogato zdobionych detali i nowej gamy kolorów - niebieski z białym w fasadach i srebro ze złotem w pokrycianiu dachu. Od innych struktur należy wywołać budynek administracyjny dwunastu szkół wyższych, również zaprojektowany przez D. Trezini razem z mg Zemtsov. Składa się z identycznych komórek pokrywających się z niezależnymi dachami i połączone przez rozszerzone korytarze. Najważniejszą cechą fasad jest wprowadzenie pilastru, wizualnie jednoczącym głównym piętrze, dzięki czemu skala struktury jest skonstruowana. Większość budynków jest bardzo nowa iw celowo, oraz architektury. Takie, na przykład pierwsze rosyjskie muzeum - Kunstkamera, w budowie architektów G.I. Mattarnovy, N.F. Gerbel, Kyawury, M.G. Fusy.
Utworzenie miasta jest ponownie i z takim zakresem było nie do pomyślenia bez typowego lub, jak w tym czasie został wywołany, "przykładowy" projekt. Wiodąca rola w tej sprawie należała również do D. Trezini, kierowany przez Urząd Sprawy Miasta (od 1723 r. - Biuro z budynków) jest najważniejszą organizacją, która stworzyła budowę nowej kapitału. Budynki początkowe w jego warsztacie są małe Mazankovy dla "ugryzienia", bardziej większe dla "dobrze zamożnych" i dwupiętrowymi domów dla "słynnych" (projekt architekt J.B. LBLONA) - naśladowane kamienne budynki. Najczęściej stali w głębi dziedzińców, ale wyszedł na fasadę na ulicę. Powiązane ogrodzenia i bramy, stworzyli jeden regularny przód ulic i nasypów. Wraz z wieloma kościołami parafialnymi, domy te ucieleśniały Petersburg. Wraz z tym, od samego początku był kolejny Petersburg - Northern Wenecja, Paradise of Peter I, który próbował stworzyć "ogród nie gorszy niż Wersal". Ta część parady opracowała głównie po stronie admiralicji i składała się z domów znających pałace samego Petera i jego słynnego letnim ogrodu. Zasady składu tego regularnego zespołu zostały dalej rozwinięte w tworzeniu wspaniałych podmiejskich rezydencji - Peterhof, Oanienbaum i Strelna.
Architektura 30-40-tych XVIII wieku
30-40S XVIII wieku. - Jest to czas naznaczony kontynuacją przedsiębiorstw Petrovsky. PO POŁUDNIU. Yeropkin i jego towarzysze - emeryci Petrov, który niedawno wrócił z zagranicy, pracowali jako architektów miejskich, czasami konsekwentnie zastępują się nawzajem w tym poście. Rozumieli dobrze znaczenie ich zawodu, twierdził, że wolność osobistą, do kluczowego znaczenia ich słów w sprawach architektury. Kreatywne wyszukiwanie tych mistrzów miały na celu rozwój planowania miejskich w jego aspektach teoretycznych, praktycznych i administracyjnych oraz organizacyjnych. Przepisy te zostały zapisane w kodzie Traktatu "pozycja wyprawy architektonicznej", zakończona w 1740 roku
Urban Planowanie prac 30-40 miały na celu rozszerzenie rdzenia budynku, który powstał w pierwszym kwartale XVIII wieku. Nowe domy rozciągnięte wzdłuż ulic Fontanka, promieniowania i poprzecznych, tworząc wielkie geometrycznie poprawne kwartały. Widok ulic był bardzo imponujący dzięki dużym 3-4-piętrowym budynkom, z antresanami, z świerkowymi skrzydłami, wychodząc na wąskie chodniki. Surally suche przez architekturę, wciąż pozbawiony zasady plastiku, budynki te ponoszą odcień typowego Petersburskiego zrozumienia architektury. Skupiamy się na głównej fasadzie, oddzielone pilastami i opaskami na mundurach. Te same funkcje są nieodłączne w budynkach użyteczności publicznej - wieża admiralicji i pułku morskiego, stworzona przez I. K - Korobovy.
W środku XVIII wieku Rosja doświadcza ery krajowej windy. Wysokie poziomy osiągają nauki i kulturę. W rozwoju Akademia Nauk rozgrywa ich ogromną rolę. Szczególnie należy powiedzieć o działaniach M.V. Lomonosov, który ucieleśnił wiedzę uniwersalną, poświęcenie myślenia naukowego i głęboko poinformowały ministerstwo najwyższego celu - dobrobytu krajowej nauki i kultury. Odkrycie w dziedzinie dokładnych i humanistycznych, w szczególności reformę języka rosyjskiego, stanowią jedną z najbardziej niezwykłych stron w historii kultury rosyjskiej. Podejmowane z bezpośrednim udziałem M.v. Fundacja Lomonosowa Uniwersytetu Moskwy (1755), Akademia Sztuki (1757), pojawienie się teatru rosyjskiego miało bezpośredni wpływ na architekturę i sztukę wizualną. Całkowita patriotyczna patriotyczna patos, kombinacja piękna i majestatu jest zgłaszana do chwalebnych aktów krajowych do tej dziedziny.
Architektura środka XVIII wieku
W latach 40. XX wieku rosyjska sztuka przechodzi przez jego czasy. Po raz pierwszy architektura krajowa nowego czasu osiąga wysokości estetyczne, do których starał się poprzedzać pół wieku. Proces twórczy został oznaczony dużym terminem zapadalności w obiegu z zasadami sztuki nowego czasu. Opanowując ich tak bardzo, aby zapomnieć o nieśmiałości studenckiej, mistrzowie pracują freer i bardziej pewni siebie. Zrozumienie między architektem i wykonywaniem mistrzów, które mogą teraz odpowiednio ucierzeć w materiale najbardziej złożone, ale już zrozumiałe; eliminuje szczelinę między różnymi szkołami; Mniej znacząco różnica między dziełami mistrzów zachodnich i rosyjskich artystów nowej generacji, którzy przeszli emerytów lub wykształconych w ich ojczyźnie.
Ogólny poziom procesu rozwoju sztuki występuje na podstawie barokowego stylu, nie tylko obejmujące różnego rodzaju kreatywność artystyczną, ale szeroko rozpowszechniona w całej Rosji. Ta podstawowa podstawa zjednoczona rozwija syntetyczny charakter sztuki - praktycznie bezpretensjonalnego związku architektury, rzeźby dekoracyjnej i malarstwa.
Orientacyjna cecha rosyjskiej sztuki MID XVIII wieku. Jest to jego państwo, publiczne, naturalnie w granicach czasu, charakteru. Pod względem skali, monumentalności rosyjskiej wersji baroku w architekturze różni się od podobnych objawów szkół europejskich zachodniej. Rozwijanie tam z oddzielnymi rezydencjach książęckich i posiadania "lokalnego" celu, ten ostatni daje bardziej komorę, prywatną i ranną wersję tego stylu, które raczej można znaleźć jako rokoko. Krajowa specyfika rosyjskiego baroku jest w dużej mierze ze względu na jego prehistorię - wpływ tradycji krajowej. Ta bliskość zasad starej rosyjskiej architektury stanowi najważniejszą część światopoglądu artystycznego, podyktowany przez interesy czasu i przede wszystkim zmienione podejście do dziedzictwa ogólnego. Jeśli wyobrażasz sobie swój stosunek do średniowiecznego aż do 40 lat XVIII wieku, wydaje się głównie jako negatywny. Przeważa nowość Patos ofensywy, ale jeszcze nie jest w pełni zapięty, wyjaśnia tę sytuację. W połowie stulecia stara sztuka, przechodząc do obszaru legendy, odwraca się od wroga i rywala w rodzaju sojusznika. Stare rosyjskie tradycje prezentują obecnie w interpretacji nowej sztuki - najbardziej kreatywnych w szkole św. Petersburga, bardziej staromodne w Moskwie i czasami dociera do bezpośredniego kontynuacji w prowincji.
pełne wyżywienie Rastreli.
Sytuacja społeczna i polityczna w połowie stulecia przedstawia utworzenie struktur pałacowych i kościelnych na pierwszym miejscu, tj. Te typologiczne odmiany, które prowadzą i w zachodniej europejskiej baroku. Najważniejsze z nich są związane z nazwą Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700 - 1771). Najlepsze obiekty w kraju - Pałacami Peterhof i Big Tsarskoye są rozszerzone budynki, w wieku w rodzaju bloku-galerii i składają się z obudów symetrycznych i wiążących galerii. W tym przypadku każdy segment elewacji jest kompozycją ze swoim ośrodkiem i podporządkowanym osiami. Ta zasada wewnętrznego zakończenia każdego elementu i bezwarunkowego podporządkowania wszystkich pierwotnej osi centralnej obserwuje się w Bolshoi Tsarskoye Palace (1752-1757). Objętość budynku pozostawia wrażenie życia i tworzywa sztucznego, a skład elewacji jest dynamiczny. Silne poziome horyzonty półproduktów i koronę pozwalają kłócić się z rzędami okien, kolumn i posągów, "podziału" do linii wielostopniowej gzyms.
Świetne kompleksy wewnętrzne są jednym z wspaniałych odkryć Rastrelli. Poświęcając symetrię planu, buduje czarujące enfiladę na widzowie nieautoryzowanej sali. Są one wdrożone jako epizody genialnego działania. W pałacu Tsarskoselsky ich rozmiar i efekty stopniowo zwiększają się z jednego pokoju do drugiego, dopóki nie dotrą do kulminacji w niesamowitej dużej sali. W jego wnętrzach biżuteria wykończenia jest triumfata: najlepsze pozłacane rzeźbienia i sztukaterie, bursztynowe i brązowe, musujące wzory parkietowe i multicolor malowanie konwertuje hale w fantastyczne królestwo ornamentu; Elastyczne pędy i muszle (Rokaili) prawie pozostawiają wolne pola ścienne. Wnętrza Rastrelli są wypełnione światłem, który jest wlewany do ogromnych okien, znajduje odzwierciedlenie w lustrach prostości, w lustrzanych pilasterach. Wieczorami świece światła są niezliczone, rodzącymi tysiącom blasku na złoceniem ornamentu, drżą z ruchu powietrza, tworząc magiczną wspaniałą zmarszczkę z zmiennym wyglądem hali. Gra światła i niezmierzona głębokość trzech równoległych anfilujących, płynąca w dużą sali, w rzeczywistości zniszczyć materiałową skorupę ścian, tworząc iluzję nieskończoności przestrzeni. Przełomy krwi i lusterka spełniają iluzoryczne przełomy pilionów przedstawiających obiecującą redukcję łuków złożonych systemów, przenoszonych z kolumnami. Oni, jak gdyby kontynuują ściany Hali, otwierając ją w kierunku lśniącym napadu nieba z gwałtownymi geniuszami i zabytkami bóstwami.
Oprócz budowy pałaców i bogatych prywatnych domów, Rodrelli zajmuje się budową zakonną monastic. Począwszy od 40 tys., Centralny system przynosi zmianę składu bazylecznego świątyni. Prawie krzyż równowagi służy jako podstawa katedry koronowanej jednym lub pięcioma rozdziałami. W najdroższym z nich katedra klasztoru Smolnego - Rastrelli wykorzystała najbardziej harmonijne proporcje (zasada "złotej sekcji"). Dzięki temu cały budynek składa się na podstawie konstrukcji wielopoziomowej. Ta funkcja wyróżnia katedrę smolną z innych centralnych kościołów w tym czasie, w tym Moskwa. Ważna jest również inna cecha katedry klasztoru Smolnego: rozdziały boczne są ściśle przyciśnięte do centralnej kopuły, spoczywają na jego wiążących łukach, a nie wykryty wewnątrz, są używane do wtórnej potrzeby. W pięciostrzanych katedrach zbudowanych przez innych architektów, rozdziały boczne daleko od środka. Według starej tradycji są otwarte wewnątrz budynku i nakładają się na komórek kątowej świątyni krzyżowej. Konstruktywne odbiór wprowadzone przez Rastrelli daje pięciokrotny bezprecedensowy zwartość, wizualnie łącząc gigantyczną środkową kopułę do pojedynczej tablicy z bocznymi głowami wieżyczek. Ogólnie rzecz biorąc, opcja pięciokołowej, proponowanej Rastreli, sugeruje, że ożywienie tradycji zostało już przekształcone przez historyczną Herita. Jego interakcja z doświadczeniem przeszłości jest charakterystyczna dla szkoły Moskwy.
Architektura Moskwy
Moskwa architektura przed narodzinami Petersburga odkryła nowe formy. W swojej wersji Moskwa przeprowadziła wiele tego, co następnie ucieleśniono w formy architektury nowego czasu w północnej stolicy: pojawiły się nowe typy budynków administracyjnych (Arsenał w Kremlu, D. Ivanov, M. Choglockov i X. Conrad), Pałacu i Park Ensembles (Estate Goluzu w Lefortovo, aż do 1702 r., Architekt D. Ivanov), kultowe opiera się zegarem (Kościół Archanioł Gabriela, tzw. Wieży Menshikova, 1701 -1707, zbudowane pod kierownictwem I. Zherryny).
W przyszłości, w latach 30S-40, a zwłaszcza w latach 50. XVIII wieku. Moskwa opanowała zasady nowoczesnej architektury, tworząc swój rodzaj architektury społeczności, w szczególności zrozumienia formy barokowej. Wprowadzenie do starego rosyjskiego dziedzictwa wzięło więcej bezpośrednich formularzy w przeciwieństwie do Petersburga. Zaczęło się w czasie aktywności I.F. Michurin (1700-1763), Sheerly należała do tradycji Staromoshkovskaya. Nie naruszył obecnego planowania, ograniczony do regulujących ulic, nie narzucił Petersburga świątyli świątyli ze starym miastem. Jednocześnie, rozumienie, że oparto tylko z dziedzictwa krajowego, Moskwa Architektura Ryzyko jest zapisywane w starych przyjęć i formach, Michurin założył szkołę architektury. Jego uczniowie - A.P. EVLASHEV, K.I. Puste, a zwłaszcza d.v. UKHTOMSKY (1719-1774) udało się połączyć podstawy nowoczesnej umiejętności zawodowej, pomysły na temat starożytnej i renesansowej architektury z lokalnymi koncepcjami piękna, które utrzymywały się w praktyce artystycznej w całym okresie Pastrowskiego. Trzymanie się starych zasad Moskwa, architekci opierają się na bardziej nowoczesnych reprezentacjach tektonicznych i proporcjonalnych, tradycyjne elementy struktur są w nowy sposób, zmuszając ich do interakcji w stosunku najbliżej klasycznej.
Na czele szkoły architektonicznej Moskwy była D.V. Ukhtomsky. Najbardziej znanym budynków jest wielowarstwowa dzwonnica Trinity-Sergius Lavra, która organicznie wszedł do kolorowego zespołu średniowiecznego klasztoru.
W Moskwie w tych latach było wiele bogatych miejskich osiedla. Niektóre z nich, podobnie jak domy Bestumev-Ryin i Demidov, są wydłużone wzdłuż ulic ulic, a przeciwległy fasady są traktowane do rzeki. Taka kombinacja funkcji miejskich i krajowych mają prawie nie znaleziono w Petersburgu i jest całkowicie zobowiązany do warunków w Moskwie. W innych przypadkach główny budynek jest umieszczony na linii ulicy, a dziedziniec zorganizowany artystyczny znajduje się za domem (aproarioarious na pokrywie). Większość świątyń tego czasu zachowuje tradycyjną konstrukcję trzech części i składa się z kościoła, refektarza i dzwonnicy. Wciąż zwiększa tendencję do zwiększenia wielkości samej świątyni i jego kopuł w stosunku do dzwonnicy. Jest to szczególnie zauważalne przy porównywaniu kościołach w Moskwie z Bazyliką Petersburg. Kopuła zwykle nakłada się na dużą pojedynczą przestrzeń i kończy się lekką latarką. Typowym przykładem takiego kościoła Moskwy jest Kościół Nikita Męczennika (1751) na starej Basmannaya (obecnie św. Karl Marx). Rozbudowane zrozumienie formularza daje ten budynek i większość innych budynków wizualnych budynków. Kolorystka Gamma najczęściej pozostaje taka sama - czerwono-biała, a obfitość i pobieranie próbek Pompa jest zwracane do dekoracyjnej rzeźbionej i sztukaterii.
Sztuka dekoracyjna i stosowana w środku XVIII wieku
Styl połowy wieku wpływa na sztukę dekoracyjną i stosowaną. W przypadku produktów z porcelanowej, takich jak "własna" służba Elizabeth Petrovna, a inne materiały charakteryzują się postaciami krzywoliniowymi, a także soczystym ornamentem sztukaterialnym, rosnąco w rysunku do zlewu i elastycznych pędów roślinnych. Fantazyjna sylwetka obiektów jest organicznie połączona z jasnymi kolorami, obfitości złocenia, brokatu powierzchni lustra, które uzupełniają świąteczny obraz wnętrza.
Malowanie pierwszej połowy XVIII wieku
Począwszy od epoki Petrovsk, ogromne zmiany przechodzą malarstwo. Składa się sztuka malowania maszyny z funkcjami semantycznymi i składowymi. Wymiana odwrotnej perspektywy jest bezpośrednia i powiązana transmisja głębokości przestrzeni. Najważniejszą cechą jest obraz rysunku zgodnie z zasadami poprawności anatomicznej. Pojawiają się nowe objętości transmisji objętości. W zasadniczej jakości znajduje się lekkie miejsce, które wyblakły warunkową linię konturową. Technika obrazu olejnego z charakterystycznymi technikami specyficznymi i systemem relacji systemowej jest mocno, choć nie natychmiast, wchodzi do stosowania artystycznego. Poczucie tekstury jest zaostrzone. Artysta nabywa zdolność przesyłania specyficznych właściwości miękkiego aksamitu, surowego futra górskiego, ciężkiego złotego brokuadowania i cienkiej koronki. W obrazie historii możesz śledzić nowe zasady połączenia liczbowe. Obraz nagiego ciała jest nowym i najtrudniejszym zadaniem. Struktura malarstwa staje się bardziej rozgałęziona. Od początku XVIII wieku sztuka świecka kultywuje różne rodzaje prac maszynowych, monumentalne malowanie w postaci paneli i plafonów, listu miniaturowego. Portret obejmuje wszystkie znane odmiany - front, komorę, w zwykłej i kostiumowej wersji, dwuosobowej i łaźni parowej. Artyści mistrzowie alegoryczne i mitologiczne działki. Obecność tych cech, choć ujawniona na początku w kompromisie, pozwala mówić o wystąpieniu malowania nowego typu.
Pierwsze kroki w drodze stania się portretem są związane z działalnością malowniczego warsztatu zbrojownicy. Prace wykonywane przez rosyjskich i zagranicznych rzemieślników, w ich naturze, są w przerywnie. Ze wszystkich opcji typologicznych Parsuna preferuje portret parady i znajduje się w tej pojemności w kilku odmianach. Wśród nich "teza portretowa" jest najbardziej archaicznym. Łączy obrazy portretowe i liczne napisy wyjaśniające w warunkowej kultowej przestrzeni. Możesz porozmawiać o "portrecie-apoteozie". Są to obrazy portretów, symbolizujące ciasne wybiegi Piotra I. są wspólnymi i zwykłymi portretami Piotra, Menshikowa, Szeremeteva w rozwoju i na koniu.
Przestrzeń jest interpretowana wszędzie bardzo stereotypowo, a ogólna lokalizacja przedmiotów raczej służy jako symboliczne oznaczenie realnych stosunków przestrzennych. Problem przestrzeni wewnętrznej i zewnętrznej jest równie warunkowo w relacji semantycznej i na dużą skalę. Parsun jest nieco odszedł z kolorowych bogactwa typowych dla ikony malarstwo XVII wieku. Jednak skrupulatna transmisja ornamentów szat i różnych części daje płótno podwyższony dźwięk dekoracyjny.
Mistrz nadal nie jest w pełni właścicielem nowych zasad transmisji objętości, łącząc podkreślony przez pisemne twarze i wzorzyste szaty samolotów. Duże rozmiary płótna, ich imponujący duch, bogactwo sytuacji i reprodukowanych klejnotów mają na celu zilustrowanie społecznego znaczenia przedstawionego. Obraz autonomicznego, koncentruje się na sobie i jest obojętny dla innych. Malarstwo, jeszcze nie dojrzewają przed przeniesieniem jednostki, w drodze stara się zauważyć funkcje związane z tym charakterem. Jednakże, ogólna i osoba nie jest jeszcze skondensowana w jedności organicznej, a konkretne właściwości nie pojawiają się w ramach skonsolidowanej maski do pisania.
Linia Parsuna, która istniała stosunkowo długi, głównie w latach 80., a zwłaszcza w latach 90. XVII wieku, a następnie stoi bardzo silna, praktycznie zapinała strumień produktów obcokrajowców i artystów emerytalnych. Jednocześnie nie należy uważać, że okazał się losowy epizod w ogólnym procesie rozwoju rosyjskiego portretu. Zostanie pchane z głównych stanowisk, perswna nadal istnieje. Ponadto jej cechy objawiły się w pracy wielu zaawansowanych artystów jako dowód niedokończonego przejścia z średniowiecznego pisma do nowego sposobu. W takiej pojemności można znaleźć w dziełach I. Nikitina, I. Vishnyakova i A. Antropova.
Wideo of Persunny i w drugiej połowie XVIII wieku, zwłaszcza w dziełach serfów lub prowincjonalnych artystów, którzy niezależnie przybyli do nowej sztuki, z reguły, idąc z ikonografii. Zauważ, że wyciszność jako zjawisko artystyczne jest nie tylko w szkole rosyjskiej, ale także na Ukrainie iw Polsce. Spotyka się również w Bułgarii, Jugosławii, a nawet w krajach Bliskiego Wschodu, tj. W przypadku, gdy malarstwo w ścisłej sytuacji historycznej przeżywa zasadniczo podobny przywiązanie do sztuki nowego czasu i sztuki świeckiej.
I. Nikitin.
Założyciel nowego rosyjskiego malarstwa XVIII wieku. Czy Ivan Nikitin (ok. 1680 - nie wcześniej niż 1742). Biografia tego kreatora jest typowa dla ludzi jego pokolenia. Aktywność artystyczna Nikiitina rozpoczęła się w Moskwie. Portrety siostry Peter I - Natalia Alekseevna, Zesarean Anna Petrovna i inne prace wczesnego okresu mówią, że Nikitin jest już zaznajomiony z europejskim systemem kompozycji, zamykającym i obserwująco związany z modelem. Jednocześnie sztywność jest nadal namacalna na figurach, a cechy starych technik pojawiają się w malowniczy sposób. Prace wykonywane przez Nikitina po powrocie z podróży emerytowej do Włoch wyróżniają się niesamowitą dojrzałością. Artysta wciąż jest nieodłączny w poważnym i obiektywnym poglądem świata. W pełni posiada nowoczesny system malowania. Jego sposób jest daleko od powierzchownych sztuczek. Większość płótna jest praktycznie nie naznaczona pragnieniem "wdzięku". Poważne, nawet kilka puritan na świecie sprawia, że \u200b\u200bNikiitina zajmuje się główną treścią, zaniedbując zewnętrzną różnorodność rozpraszającą. Jest bardzo prawdopodobne, że ta cecha sprawia, że \u200b\u200bjego portrety są wyraźnie podobne do siebie. Są one blisko rozmiaru, formatu, formułowanie figury, charakter szat, a nawet kolorowy zakres. W portretach kanclerza Golovkin i Outdoor Hetman Nikitin Nikitin jest daleko przed jego współczesnymi pracami w Rosji. Jego portrety odkryją głębokość penetracji w charakterze - linia, która stanie się niedrogą szkołą jako całością w drugiej połowie wieku. W tym postępie, ogólnie charakterystyczny dla burzowego czasu Petrovsky, uzdolnienie artysty wpływa na najbardziej jasne. Jest bardzo prawdopodobne, że wpływ Nikitina na rosyjski obraz może manifestować się silniejszy i bardziej spójny, jeśli nie tragiczne okoliczności jego życia. Podczas panowania Anny Ioannovny artysta został aresztowany, pięć lat był pod dochodzeniem, a następnie w linku (zwracając od odniesienia, zmarł).
A. Matveyev.
Kolejnym głównym mistrzem tej epoki był A. Matveyev (1701 / 02-1739). Wysłany do studiowania w Holandii, wrócił do ojczyzny po śmierci Piotra I wziął ważne miejsce w dziedzinie lat 30-tych. Wśród jego prac - "Wenus i Amur" i "Allegoria malarstwa", świadcząca o trudne dla rosyjskiej sztuki, aby opanować nieznaną fabułę mitologiczną, raczej złożone schematy kompozytowe i obrazy nagich organizmów. Zasada artystyczna związana z tym małymi płótnach jest również charakterystyczna dla "autoportowca z żoną" (1729?) - Najpopularniejsza praca Matveev. Mamy całą kompozycję na tle kolumny i krajobrazu. Wykorzystując dość wspólny rodzaj podwójnego portretu, artysta uzyskuje nie tylko zewnętrzną logikę związku kompozytowego, ale także głębszej społeczności duchowej. Znaki są łączone z wzajemnym szacunkiem i uwagą. Jest to idealnie odczuwane w wyrazie twarzy i oczu, w nieco wychowany, ale wewnętrznie uzasadniony z dotykiem rąk. Ciepło i spokój małego "świata" podkreślają miękki smak, zbudowany na przewagę żółtawo i czerwonawe kwiaty. Mistrz jest mądry i poważnie pokazuje nowy rodzaj relacji. Ważne jest również: subtelne intymne uczucie po raz pierwszy jest otwarte, a jednocześnie przedstawione do przeglądu. Nastąpiła znaczna zmiana świadomości artystycznej, podboju jakości, zasadniczo nowy na malarstwo rosyjskie.
Bardzo dobre, również sparowane portrety Claus Ivan Golitsyn i jego żony (1728), pozwalając mówić o specjalnym skraju wzięcia mistrza. W przeciwieństwie do Nikitina, który nie przyczynia się do portretu komplikującego czysto pozytywnej koncepcji obrazu, Matveyev dąży do większej ostrości w transmisji jednostki. Łaska wpisana w szeregi kompozycji, dumę swobodnej sformułowania figury, elegancki, prawie monochromatyczny kolor pozwala nam rozmawiać o podejściach do następnego etapu malarstwa rosyjskiego.
architektura malarstwo Dekoracyjne Rastrelli
Wysłany na Allbest.ru.
...Podobne dokumenty
Cechy rosyjskiej architektury XVIII wieku, jego jasnych przedstawicieli i zabytków, historii i etapów formacji. Wymagania wstępne do rozwoju w Rosji architektura barokowa, rola fb Rastrelli w popularyzacji. Rozwój i kierunki sztuki wizualnej.
badanie dodane 14.04.2009
Rozwój architektury barokowej XVIII wieku. Barokowe ozdobne formy. Tradycja sztuki niemieckiej. Realistyczna tendencja w obrazie Niemiec. Sztuka śpiewu solowego. Kościół Cantata Bach. Ruch literacki XVIII wieku "Storm and Natisk".
abstrakcyjny, dodany 10.07.2012
Stan kultury rosyjskiej w XVIII wieku, wpływ na tworzenie reform Petera I i europejskich trendów. Główne cechy tej dziedziny tego okresu, ich związek z przebiegiem procesu historycznego. Jasni przedstawiciele architektury i malarstwa.
streszczenie, dodał 07/27/2009
A. Matveyev jako pierwszy rosyjski artysta, autor alegorycznych, dekoracyjnych monumentalnych kompozycji. Charakterystyka biografii I. Nikitin. Znajomy z osobliwościami rosyjskiego malowania portretowego XVIII wieku. Analiza działalności twórczej D. Levitsky.
prezentacja dodana 13.02.2014
Dynamika stylu stylu architektury rosyjskiej XVIII wieku. Rozwój stylów Europy Zachodniej: barokowy, klasycyzm i rokokowy. Stworzenie Francesco Bartolmeo Rastrelli i Trezini. Prawa tworzenia rosyjskiego obrazu świeckiego w Petersburgu i Moskwie.
prezentacja, dodano 04.06.2014
Kultura artystyczna Europy Zachodniej w XIX wieku. Romantyzm w literaturze jako złożone wielofunkcyjne zjawisko, obejmujące zewnętrznie nie podobało się dzieła sztuki. Funkcje sztuki dekoracyjnej i stosowanej, malarstwa, muzyki i architektury XIX wieku.
streszczenie, dodano 12/10/2009
Złamanie historii sztuki rosyjskiej na początku XVIII wieku. Sukcesy gatunku portretu. Obrazy stworzone przez Rocky, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky i innych autorów tego czasu. Zainteresowanie domowym gatunkiem i krajobrazami. Cechy rosyjskiego malowania XIX wieku.
prezentacja, dodano 11/29/2011
Badanie historii sztuki dekoracyjnej i stosowanej na świecie i Rosji. Proces ruchu sztuki i rzemiosła. Problem wytwarzania maszyny artykułów dekoracyjnych i sztuki stosowanej. Miejsce i znaczenie sztuki dekoracyjnej i stosowanej w gospodarstwie domowym.
praca kursu, dodano 06/16/2014
Badanie cech architektury St. Petersburg XVIII wieku. Katedra w Petropavlovsky i budynek dwunastej uczelni są najważniejszymi kreacjami Cresmini. Działalność Rastrelli na temat restrukturyzacji zespołu Pałacu i Park Peterhof. Architektura Voronikhina.
abstract, dodał 01/25/2011
Analiza architektury, rzeźby i malarstwa starożytnego Egiptu. Komunikacja sztuki z religijnymi zwyczajami rytualami Egipcjan. Kwitnienie kultury w ery królestwa średniego (XXI-XVI stuleci. BC). Kultura artystyczna w okresie Nowego Królestwa (XVIII-XVI stulecia BC).
W XVII wieku znajduje się siedmioletnie okres wielkiej kamienia starej rosyjskiej konstrukcji. Następnie nie pasuje do jednej ekscytującej strony kroniki architektury świata. A rosyjska architektura XVIII wieku zostanie uwielbiona przez szereg innowacji w dziedzinie sztuki i budowy. To te zmiany wynikały głównie z ciężkich wymogów rządu. Przede wszystkim architektura XVIII wieku w Rosji miał wyrazić całą mocę, siłę i wielkość ogromnego imperium w formie struktur architektonicznych.
Wraz z rozwojem politycznym i gospodarczego Rosji przedstawiono nowe wymagania i planowanie urbanistyczne. Warunkowo, cała rosyjska architektura XVIII wieku może być reprezentowana głównie przez kilka kierunków architektonicznych. Jest to głównie barokowy i rokokowy, a oczywiście klasyzm.
Rosyjska Architektura XVIII wieku: Style podstawowe
Zgodnie z definicją " barokowy"Jest to wyjątkowy kierunek malarstwa i sztuki, których cechy wyróżniające jest niezwykłą pompą, rodzaj kontrast, a także specjalne połączenie teraźniejszości i iluzorycznych. Rozważono rozpoznawane mistrzowie XVIII wieku w stylu barokowym Trezini, dziwki, Muchti, Zemtsy, Rastrelli, Chevsky i Ukhtomsky. Było w ich dziełach, że architektura z XVIII wieku w Rosji była wyraźna, ich imiona na zawsze pozostaną w historii Wielkiej Moc.
Najważniejszym wkładem do Skarbu Państwa Architektury Świata i Rosji była aktualizacja Petersburga. Wśród różnorodności struktur architektonicznych tego czasu najbardziej imponujący było: Pałac Zimowy, Pałac Stroganova, a także klasztor smiting i wioska Tsarskoye. Petersburg mógł być w stanie zadzwonić do stolicy kulturowej tego czasu. W końcu jest tam rosyjska architektura XVIII wieku nosiła znak na dużą skalę. W przeciwieństwie do Moskwy i wszystkich innych miast Rosji, był w Petersburgu, że budowa kultowych budynków była praktycznie nie prowadzona - zostały wzniesione tylko w przypadku ekstremalnej konieczności.
Architektura w Rosji z XVIII wieku, w szczególności w drugiej połowie zaczyna się znacząco przekształcić. Dekoracyjny barokowy i safor rococo zastąpił styl architektoniczno-artystyczny - klasycyzm. Był dość szybko ustanowiony nie tylko w Petersburgu i Moskwie, ale także rozprzestrzenił się w całym kraju.
Klasycyzm w Rosji
Klasycyzm (w trans. z Lat. - Przykładowy) - styl sztuki stworzony przez zwięzłe zjednoczenie formularzy, próbki i kompozycji sztuki starożytnego świata i arcydzieła włoskiego renesansu.
Architektura XVIII wieku w Rosji powstaje również w umiejętnych rękach takich uwiężących założycieli rosyjskiego klasycyzmu jako: V. I. Bazhenov, A. F. Kokorinov, M. F. Kazakowa, I. E. Starov. Utalentowani architekci wzniosali doskonałe zabytki, w których obecni były klasyczne zasady architektoniczne i elementy światowej klasyki, a tradycje rosyjskiego dziedzictwa architektonicznego były wyraźnie wyszkolone. Struktury architektoniczne tych architektów są wyróżnione charakterystyczną prostotą i rygorem, a także racjonalnością.
Architektura XVIII wieku w Rosji Stało się znane z takich kreacji architektury wczesnego rosyjskiego klasycyzmu: St. Petersburg Academy of Arts, działa V. I. Bazhenova w Moskwie - lined House Pashkov. i niezrealizowany projekt wspaniałego pałacu Kremla w Tsaritsyn; Szpital Golitsyn, Senat Moskwy na Kremlu, jak również Pałac Tauridic W Petersburgu, I. E. Starov i inni.
Progresywne tradycje rosyjskiej architektury XVIII wieku miały ogromne znaczenie dla praktyki późniejszej architektury. Każdego roku architektura została przekształcona, ale niektóre cechy rosyjskiej architektury rozwinęły się przez całe przyszłe stulecia, przy zachowaniu tradycji i trwałości do XX wieku.
A.I.VENTIKTOV.
Największym zjawiskiem angielskiej architektury okresu rozważanego odnoszą się do ostatniego trzydziestoletniego XVII wieku. Christopher Ren (1632-1723), który pozostał wiodącym mistrzem angielskiej architektury, był również następcą klasyki angielskiej architektury Inigo Jonesa (1632-1723).
Ren dostał bardzo szerokie edukację: zanim skończył się całkowicie do architektury, był zaangażowany w matematykę i astronomię. Po wycieczce do Francji w 1665 roku spotkał się w Jocni Arduen-Mansar i innych francuskich architektów i ich dzieł, a także z Berniniego, przyniósł projekt Louvre.
Po "wspaniałym ogniu" 1666, który zniszczył większość Londyn, Ren stwarza projekt na fundamentalną przebudowę miasta, odrzuconych jednak przez władze reaktywne. Jednocześnie Ren otrzymał największy porządek na budowę nowej katedry św. Paul i skompilować projekty stu spalonych kościołów parafialnych, z których zbudował więcej niż pięćdziesiąt.
Katedra św. Paul w Londynie, zbudowany przez Ren przez trzydzieści sześć lat (1675-1710), stał się największą budową religijną świata protestanckiego (przekracza katedrę w Kolonii, wysokość części kopuły - katedra florenckich Sanga Maria Del Fiore). Katedra rzymskokatolicka św. Piotr, zbudowany przez wielu architektów w wieku powyżej półtora wieku, jakby celowo przeciwny do katedry protestanckiej w Londynie, zbudowany przez jednego mistrza w jednym okresie budowy, w zaledwie trzy i pół dziesięcioleci. Pierwszy projekt RENELED z centralnym planem w postaci równobocznego krzyża z festem został odrzucony przez konserwatywne duchowieństwo. Drugi, projekt przeprowadzony jest bardziej tradycyjny wydłużony kształt z oddzielnymi filarami i łukami w trzech nowych, głównych pomieszczeniach i przestronnej przestrzeni przekupowej na przecięciu braku transmisji.
Wiedza matematyczna Rena była dla niego przydatna w trudnym zadaniu budowy kopuły, rozwiązany przez niego genialnie, przy obliczaniu subtelnej i głębokiej. Konstrukcja potrójnej kopuły oparta na osiem filarów jest złożona i niezwykła: Nad wewnętrzną ceglaną skorupę półkulistego kształtu jest ceglany stożek ścięty, który przenosi lampę i krzyż, a trzecia, drewniana, równoważna przewód zewnętrzny skorupa kopuły.
Skuteczny wygląd katedry. Dwa marsz o szerokich krokach są podsumowane z zachodu do sześciu par kolumnoryjnych kolumn wkładu wejściowego, nad którymi cztery para znajdują się z kapitałami kompozytowymi, niosąc fronton z rzeźbiarską grupą w tympan. Bardziej skromne półkolistych portów są dostarczane na obu końcach transmisji. Strona Główna fasada została wzniesiona przez smukłe wieże (jedna dla dzwonów, inna do zegarków), za nimi, nad medalami katedry, ogromna majestatyczna kopuła wzrasta. Bęben kopuły otoczony kolumnami wydaje się szczególnie potężny, ponieważ każda czwarta kolumnada interprodukcyjna (tzw. Galeria Kamienna) położyła kamień. Na półkuli samej kopuły, drugi, tzw. Galeria Gold jest utworzona obejście wokół latarni z krzyżem. Grupa kopuł i wież górujących nad Londynem jest niewątpliwie najbardziej udaną częścią katedry, której główna tablica była trudna do całkowitego postrzegania, ponieważ pozostał ukrytym losowym budynkiem miejskim (mocno zniszczony przez bombardę podczas II wojny światowej).
Kreatywna indywidualność Ren jest nie mniej jasna iw takiej. Działa, jak na przykład kościoły parafialne w Londynie. Zdecytuje różnorodność i dowcip z kwadratowych, prostokątnych, owalnych planów tych budynków, zwykle małych rozmiarów, sama konfiguracja jest często ze względu na warsztaty przy użyciu zamkniętych, niewygodnych obszarów przydzielonych, aby je zbudować. Sami architektura kościołów i ich dzwonki są wyjątkowo zróżnicowane, a następnie blisko formy gotyku, a następnie ściśle klasyczne. Wystarczy wymienić oryginał w kompozycji Kościół Kopuły Wewnętrznej Kościoła św. Stephena (1672-1679) lub Kościół St. Mary Le Bow (1671-1680) z jego wspaniałą sylwetką wąskiej dzwonnicy.
Struktur cywilnych, Ren jest jednym z najbardziej błyskotliwych - nowych części pałacu Hampton Court. W 1689-1694. Zostały zbudowane przez kadłuby wokół tak zwanego jarda z fontanną i elewacją z widokiem na park. W tej oryginalnej pracy architekt pokazał wysoki mistrzostwo, surowy smak i zdolność do skutecznego korzystania z materiałów - cegły i biały kamień portland.
Prolific Master, Ren zbudował nie tylko pałace i kościoły. Wreszcie został opracowany przez plan Szpitala Greenwich (którego początkowy zamiar, do którego należy do Inigo Jonesa), a także inny szpital w Chelsea został zbudowany. Nosił dzielnicę świątynną w Londynie, zbudował ratusz w Windsor. W Cambridge należy do budynku biblioteki College Troinits (numer Trójcy), którego prototyp służył jako biblioteka św. Marka w Wenecji. W Oxford, gdzie Ren nauczał w Astronomii Młodzieży, zbudowali tak zwany teatr Sheldon - duży okrągły pokój na wykłady i raporty, które wykorzystały motywy architektury starożytnego rzymskiego teatru Marcello; Tam zbudował bibliotekę w Queens-College i zbudował dziedziniec w Trójcy College. Motywy w tych budynkach motywy weneckiej i rzymskiej architektury otrzymały oryginalną interpretację w Ren i wszedł do historii angielskiej architektury jako stworzenie narodowego geniuszu.
W kraju mieszkaniowym i domach miejskich w tym czasie rodzaj konstrukcji ceglanej jest tworzony z białego kamiennego wykończenia, który stał się modelem do późniejszej angielskiej konstrukcji. Przykłady mogą służyć, w odniesieniu do posiadłości Grumbridge-Place w Kent i "Dom z łabędź" (Swan-Hauz) w Chichesteru.
W przeciwieństwie do Inigo, Jones Renu, przez całą swoją długą i owocną aktywność, udało się wdrożyć prawie wszystkie jego plany. Jako prawdziwy humanista, Ren pracował przy oświeceniu i ludzi, zbudował nie tylko kościoły, ale także szpitale, biblioteki, nie tylko pałace, ale także skromne budynki mieszkalne. Ren poszedł po drodze, zaprezentowanej przez Jonesa, ale w przeciwieństwie do Jones, który wchłanił Duch Renesansowy we Włoszech, w klasycyzmie Ren, który przetrwał erę purytanii, jest wyraźniej wyrażony, obowiązek rozpoczął się.
W angielskiej architekturze 18 V. Z wielkim znaczeniem była nowo przebudzona pasja do pracy Palladio. Do 1742 r. Wydano trzy wydania traktatu architektonicznego Palladio. Od połowy wiecznego rozpoczyna się publikacja niezależnych badań nad antyczną architekturą. Robert Wood w 1753-1757 Zaktualizowany poświęcony ruinach Palmyra i Baalbek, Robert Adam opublikowany w 1764 szkicach i pomiary pałacu Dioklecjana w Splicie w Dalmacji. Wszystkie te edycje przyczyniły się do rozwoju teorii architektury i wpłynęły na praktyki architektoniczne tego czasu. Nowe pomysły znajdują odzwierciedlenie w dużych wydarzeniach w planowaniu miasta, na przykład w planowaniu i rozwoju miasta Bata (1725-1780), które są najbardziej kompletnymi klasycznymi zespołami Anglii. Architekci 18 V.- Jest już w większości przypadków profesjonalistów i teoretyków.
John Vanbru (1664-1726) zajmuje pozycję pośrednią między uniwersalnymi i uformowanymi mistrzami XVII wieku i wąskich specjalistów z XVIII wieku. Genialny oficer, dowcip sądowy, modny dramaturg, pozostał przydzielonym amatorem w architekturze.
Główne i największe z jego pracy mają 18 V w pierwszych latach. Pałace Howard (1699-1712) i Blenheim (1705-1724).
Już w pierwszym z nich, próbujący połączyć Wersal z komfortem angielskiego, uderzył przez współczesność przede wszystkim wielkości jego konstrukcji, której długość wynosiła 200 m, głębokość wynosi prawie 130 m, wysokość środkowej kopuły przekroczyła 70 m. Ponad bardziej ambitny pod względem architekta pałacu Blenheim próbował poprawić pierwsze architekt w zamieszaniu w celu poprawy pierwszego architekta budynku (259 x 155 m). Obserwując ścisłą symetrię, umieściło dwa kolejne dziedzińce po obu stronach ogromnego Kurdonera, które są podłączone do głównego budynku z galerią ozdobioną kolumnadą. W zewnętrznej architekturze pałacu Blenheim ani ciężki portyk głównego wejścia, ani łuk triumfalny fasady parku, ani narożników, a także wież nie proszą o oczy: Formy są tutaj ciężkie i niegrzeczne. Wewnętrzna siedziba pałacu są niewygodne i niewygodne. Nieodłączony do klasycyzmu, pragnienie ścisłej parady jest dość mechanicznie łącznie z Vanbru z rosnącą powierzchnią powierzchowną. W swojej architekturze, zgodnie z wyrazem jednego z współczesnych, "ciężki w formie i lekki", nie trudno jest wykryć oczywiste oznaki eklektycyzmu.
Nicholas Hawksmur (1661-1736) był bardziej skromny, ale bardziej godny następcy rena. Poprowadził budowę Kościołów Londynu, z których najciekawszy kościół St. Mary Woolnos (1716-1719) z elewacją, ozdobioną rdzą, otoczony przez kolumny prostokątne pod względem dzwonnicy ukończonej dwiema wieżyczkami z balustradą. Hawksmur pracował po nauczyciele w Oksfordzie, gdzie zbudował nowy Cynes-College Corps z monumentalną fasadą stoczniową i rodzaj wejścia (1710-1719). Wreszcie, w trakcie życia Ren i po jego śmierci Hoxmur w 1705-1715. kontynuował budowę szpitala Greenwich. Znajduje się na brzegu Tamizie, ten jeden z najbardziej znaczących i wielkości oraz w artystycznych zaletach zabytków angielskiej architektury przyjął ostateczną formę w Hoxmur.
Duży kompleks szpitala, w którym znajduje się teraz szkoła morska, składa się z czterech budynków tworzących prostokątnych jardów z przestronnym obszarem między frontowymi przypadkami stojących przed rzeką Porcecą fasad. Szerokie etapy, których po obu stronach są majestatyczne budynki kopuły, prowadzą do drugiego obszaru między drugą parą jardów. Hawksmur odpowiednio zakończył budowę rozpoczęty przez Jones i kontynuował Ren.
William Kent (1684-1748) był wyraźnym angielskim paladianem pierwszej połowy XVIII wieku. Wraz z Panem Burlington, który przyniósł się do architekta, zaprojektował i zbudował willę w Chesevica (1729,) najbardziej udany z licznych angielskich opcji Palladievskaya Villa Rotonda. Bardziej swobodnie lubiący Kent podczas budowy Zamku Hallowego Halkham (1734), gdzie cztery flatgels są organicznie związane z ciałem centralnym (z kaplicą, biblioteki, kuchni i pokoi) wychodzą na ich park. Zwłaszcza zasługa Kent w Garden Art, gdzie jest znany jako "ojciec współczesnego ogrodu".
Najbardziej dojrzałą dziełem architekta jest burzową formami fasadami KONIGVARDEysky Regiment (Horz-Gards, 1742-1751) w Londynie.
Architekt i teoretyka architektury James Gibbs (1682-1765) jest najjaśniejszą osobowością w angielskiej architekturze pierwszej połowy XVIII wieku. Pasując szkołę w Philippe Yuvara w Turynie, nauczył się także nakazu i proporcjonalnego systemu Palladio. Najważniejsze z jego budynków i na skalę oraz zaletami artystycznymi jest tak zwana biblioteka Redcliffian w Oxford (1737-1749), wyjątkowy na oryginalności konstrukcji centrycznej składającej się z szesnastu maszerowanej bazy, cylindrycznej części głównej i kopuła. Masywna rusterowana podstawa jest cięta na duże łukowate otwory drzwi i okna; Okrągła część jest rozpowszechniana przez parę trzech czwartej kolumn dla szesnastu świętego z dwoma poziomami przemiennymi oknami i niszami. Na balustradzie końcową cylindryczną objętość, podnosi się latarnia kopuły. Całkowicie wyrażanie jego spotkania, ścisłej i monumentalnej biblioteki uniwersyteckiej zajmuje niewątpliwie jeden z pierwszych miejsc wśród najlepszych zabytków architektury angielskiej.
London Gibbs Kościoły, konstrukcja, której kontynuował po nermie i Hoxmur, - St. Mary Lend Kościół dwukondygnacyjny (1714-1717) z półkolistym portykiem wejścia i smukłą dzwonnicę i kościół św. Martina w de-de Pola (1721-1726) z imponującym Corinthian Portico.
William Chembers (1723-1796) był spójnym przedstawicielem palladianismu w Anglii w drugiej połowie XVIII wieku, kiedy mniej znaczących angielskimi architektów już porzucili nieudane próby dostosowania planów Villa Palladio do warunków klimatu angielskiego i Wymagania komfortu języka angielskiego.
Cheery podsumowały w jego trakcie architektonicznym i jego największej konstrukcji, znanej jako Somerset Hauz w Londynie (1776-1786). Ten monumentalny budynek, zbudowany na arkadach podbudowa, wychodzi z pośpiechnymi fasadami na blud i na nasypie Tamizy (skierowana do rzeki Fasady jest zakończona później, w XIX wieku). W siedzibie Somerset-Hauza w 1780 r. Zlokalizowano Królewska Akademia.
Ostatni paladian, izbers był pierwszym przedstawicielem przeznaczenia akademickiego w angielskiej architekturze.
Ale Somerset Hauz, zwłaszcza fasada z trzygodzinnym wejściem ze stronu i wspaniałego dziedzińca budynku, odpowiednio uzupełnia dużą i genialną erę w historii architektury angielskiej.
Wzywaki są bezsporne i w dziedzinie architektury ogrodniczej, gdzie promował angielski park krajobrazowy. Po Kentowi pracował w parku Kew, gdzie, oprócz klasycznych pawilonów, zbudował chińską pagody jako hołd dla europejskiej mody dla "chińskiego" i wspomnienia o podróży Dalekiego Wschodu.
Robert Adam (1728-1792), kolejny obraz w języku angielskim w drugiej połowie XVIII wieku jest często przeciwny chemberom. Podczas gdy konserwatywne komory były surowym strażnikiem tradycji palladowych w architekturze, Adam, kaznodzieja "nowych smaków", było w pewnym stopniu w innowatorze w angielskiej sztuce. Postrzegając starożytność, zwracając szczególną uwagę na motywy dekoracyjne, zgodnie z własnym wyrazem ", zrewolucjonizował ornament". Advanced English Architects Dużo prowadzili, aby zapewnić, że nowe trendy artystyczne rozszerzają się z dekoracji wnętrz (ich próbka może służyć jako architekta Jamesa Ból Lobby Wardor Garden Wardor w Wiltshire, Seillo.) Na meblach, tkaninach, porcelanie.)
Charakterystyczna próbka kreatywności Adama - Zamek Kedlston-Hall (1765-1770), zbudowany i ozdobiony w planie Palladian skomponowany przez innych architektów (z półkolistymi skrzydłami sąsiadującymi z budynkiem centralnym). Ale znajduje się na głównej osi największe przednią lokal zamku należą do niewątpliwie Adama. Zamiar dużej hali, gdzie, dla nośników sufitu stiuku, kolumny Corff z sztucznego marmuru stoją w niszach murowych starożytnych posągów oraz zablokowaną kopułą kabinową, których ściany są rozczłonnione przez nisze i pokładów, inspirowane , prawdopodobnie zabytkowe zabytki, z którymi Adam zapoznał się podczas podróży do Dalmacji, gdzie studiował pałac Dioklecjana w Splicie. Jeszcze większy stopień został odpowiedział przez nowe rafinowane gusta wykończenia innych, mniejszych pomieszczeń - sufitów sztukaterii i ścian, dekoracja kominków. Elegancka fasada Buddle Club w Londynie (1765) daje pomysł, jak Adam rozwiązał wygląd budynku.
Aktywność architektoniczna Roberta Adama była bardzo szeroka. Wraz z braciami Jamesem, Johnem i Williamem, jego stałymi pracownikami, nosił całe ulice, kwadraty, kwatery Londynu. Pokonując dawne zamknięcie palladowe, odizolowaną objętość architektoniczną, braci Adama rozwinęli techniki tworzenia holistycznych miejskich kwartałów (głównie budynku mieszkalnego) na podstawie pojedynczego zespołu architektonicznego. Taki są obszar Square Fitzroya, kwartału Afelphy, nazwanego tak na cześć samych braci Adama ("Adelphos" -Greek "Brother"). W wyniku późniejszych przebudowach i przegrupowania miasta (jak również po bombardowaniu powietrza podczas II wojny światowej), Adam przeżył szerokie działalność budowlana, które przeżył braci Adama. Ale tradycje ich sztuki od dawna zachowały swoje znaczenie w angielskiej architekturze. Już silnie Ellinizowany styl braci Adama znalazł kontynuację w tak zwanym "Grecki Revival", którego początek odnosi się do końca XVIII wieku, kierunek nie jest wystarczająco kreatywny i w dużej mierze eklektyczny. Jego pełnego rozwoju, ten kierunek osiągnął kolejne dziesięciolecia następnego XIX wieku w architekturze angielskiej.