Nierealna rzeczywistość. Czarno-biała martwa natura i jej cechy szczególne Martwa natura w czarno-białych odcieniach
Uczniowie wykonują dekoracyjną martwą naturę w szkole artystycznej według następującej metody:
1. Układ elementów w arkuszu.
2. Transformacja (stylizacja formy).
3. Nakładanie lub splatanie sylwetek między sobą.
4. Wypełnianie sylwetek teksturą i rozwiązaniem dekoracyjnym.
Jak wiecie, martwa natura to produkcja przedmiotów nieożywionych. W malarstwie sztalugowym martwe natury są tradycyjnie malowane: kształtują objętość przedmiotów, przekazują światłocień, perspektywę liniową i powietrzną, przestrzeń ... W dekoracyjnej martwej naturze staje się to nieistotne. Kształt przedstawionych obiektów staje się płaski i umowny. Nie ma światłocienia. Zamiast tego każda sylwetka jest ozdobiona.
Musimy osobno zastanowić się nad transformacją formy. Jego istota polega na przekształceniu pierwotnej formy przedmiotu w formę warunkową. Oznacza to, że rysunek jest uproszczony, traci niepotrzebne szczegóły. Forma jest zredukowana do warunkowo geometrycznej, to znaczy opiera się na prostych geometrycznych kształtach (koło, prostokąt, trójkąt ...). Na przykład dzbanek może składać się z koła i cylindra, a na górze i na dole uzupełnić koła lub elipsę. Pozostaje więc tylko charakter obiektu. Musi być rozpoznawalny. A kontury zostaną już przekształcone i doprowadzone do ogólnego stylu.
Nakładające się lub oplatające sylwetki Jest techniką sztuki dekoracyjnej i projektowania. Nakładanie się sylwetek na siebie jest z definicji zrozumiałe - wtedy obiekty przesłaniają się nawzajem, a obraz staje się jakby wielowarstwowy. Ale splatanie jest trudniejsze. Na przykład, gdy część dzbanka zasłania jabłko, wówczas przecinające się części dzbanka i jabłka artysta może pokazać w zupełnie innym kolorze. Obiekty stają się jakby „przezroczyste”, a ich przecinające się części są widoczne dla widza. Sylwetki przedmiotów przeplatają się w tak misterny sposób, że w końcu czasem trudno je rozróżnić. A to nadaje pracom dekoracyjnym szczególny urok.
Wypełnianie konturów obiektów teksturą- nie jest szczególnie trudne. Możesz natryskiwać farbę, możesz nakładać farbę chaotycznymi pociągnięciami itp. Ale wypełnienie sylwetki dekoracyjnym rozwiązaniem jest trudniejsze. Artysta wymyśla rodzaj „ornamentu”, choć to słowo nie do końca tu pasuje. Tym „ozdobnikiem” wypełnia sylwetkę. Ten „ornament” powstaje na bazie linii generującej. Linia tworząca to linia, która tworzy zarys obiektu. Na przykład zarys greckiej amfory będzie wdzięcznie zakrzywiony. Dlatego też dekoracja wnętrza sylwetki będzie oparta na liniach wygiętych w podobny sposób. Poszczególne części takiej dekoracji przedmiotów, jak i same przedmioty, można splatać. Możesz także pominąć dosłowną ozdobę między nimi. Dlatego taka dekoracja to nie tylko wypełnianie sylwetek samą fakturą lub kolorystyką. To bardziej złożony proces. Ale także bardziej skuteczny, na którym opiera się esencja dekoracyjnej martwej natury.
Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura jest niemożliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura to właśnie ten gatunek, w którym kompozycja odgrywa pierwszoplanową rolę i wymaga od fotografa największej uwagi. Przecież reportażową oprawę można bardzo wiele wybaczyć, jeśli autor uchwycił naprawdę dobry moment. I zdjęcia domowe - czy zauważyłeś, jak mumie są dotykane, gdy widzą swoje dziecko na zdjęciu, choć przeciętne? Jest mało prawdopodobne, że będziemy czekać na tę samą pobłażliwość publiczności, która sfotografowała pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, będziesz musiał spróbować. I oczywiście należy zacząć od kompozycji zamierzonej ramy.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze to harmonijne połączenie i interakcja obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, czego chcesz, stworzyć nastrój, przekazać ideę, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można warunkowo podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
Kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie przedmioty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że naturalne jest, aby każda postać kojarzyła się z czymś charakterystycznym dla niej. Na przykład rogi są podświadomie kojarzone ze wskaźnikami. Kiedy patrzysz na kwadrat lub prostokąt przez dłuższy czas, pojawia się uczucie stabilności (może dlatego, że nasza podświadomość rysuje stabilny budynek). A koło tworzy uczucie przytulności i spokoju. Warto pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie wznoszące – prowadzące z lewego dolnego rogu do prawego górnego – wyglądają ciaśniej niż te opadające: wciąż czytamy od lewej do prawej, a nasz wzrok musi „wspinać się” po obrazie, aby dostać się do bardzo wysoko. Ale kryje się w tym pewne poczucie zwycięstwa, prawda?! Zstępujące linie biegnące od lewego górnego rogu do prawego dolnego wręcz przeciwnie, tradycyjnie kojarzą się z relaksacją, smutkiem, a nawet spadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe sztuczki mogą i powinny być wykorzystywane do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę obrazu.
Przydział z miejscem
Jeśli istnieje potrzeba podkreślenia jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisując mu rolę głównego bohatera, tutaj można pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieść główny temat z przodu, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby wiodący element był najjaśniejszy, a obiekty znajdujące się za nim i przed nim były słabo oświetlone. I możesz to zrobić sprytniej - zapal kadzidełko lub wypuść dym papierosowy, rysując w ten sposób perspektywę powietrzną w kadrze: główna uwaga skupi się na obiektach z przodu, ponieważ te odległe utopią się w romantycznej mgiełce.
Możesz też pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcesz szczegółowo pokazać każdy obiekt, w tym tło lub draperie, to strzelanie powinno odbywać się przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby podświetlić jeden obiekt, przesłona powinna być maksymalnie otwarta. Nie ignoruj możliwości optyki: w zdjęciach robionych obiektywami szerokokątnymi obiekty są mocno zniekształcone, a im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym większy będzie się pojawiał w stosunku do odległych. I odwrotnie, długie ogniskowe „zbierają” perspektywę, przestrzeń staje się znacznie bardziej płaska.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia jest wykonywana w trybie b/w, wiedza o właściwościach ekspozycji kolorów nie będzie nam przydatna. Ale jeśli prace fotograficzne planowane są w kolorze, nie należy ignorować tego obszaru badań. Zwracając nasz wzrok na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz swojego oryginalnego koloru, swój własny ładunek semantyczny. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) przywodzą na myśl lato, słońce, ciepło. To pierwsze skojarzenie, które pojawia się patrząc na fotografię, rozwiązane w tych tonach. Ponadto w trakcie malowania można dowiedzieć się, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Czego nie można powiedzieć o barwach zimnych: niebieski, zielony, różowy, fioletowy - kolory te nieco oddalają obiekt od widza, a zazwyczaj kojarzą się z zimą, zimnem, wodą.
Należy pamiętać o kontraście, czasem można na nim pobawić się, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórka na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło zwróci na siebie uwagę? I czy to naprawdę chciałeś osiągnąć? Trzeba też pamiętać, że każdy obiekt ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów obiektów znajdujących się w pobliżu, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich fakturze.
Nasycenie kolorów wpływa również na widza: kompozycje w delikatnych pastelowych kolorach stworzą poczucie spokoju i nostalgii, a jasne, krzykliwe kolory, wręcz przeciwnie, nadają się do przyciągania uwagi, przekazywania ekspresji, asertywności. Właśnie dlatego jasne kolory są tak uwielbiane przez fotografów reklamowych, podczas gdy fotografia artystyczna często ma stonowany, spokojny ton.
Oczywiście każda kompozycja musi w pełni przestrzegać ogólnego koloru, prawa w obrazie - w przeciwnym razie się rozpadnie. Dlatego należy uważać na kontrasty kolorystyczne, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno na uatrakcyjnienie pracy, jak i na jej zniszczenie poprzez umieszczenie niepotrzebnych akcentów.
Czarny i biały
Mimo braku koloru, czarno-biała martwa natura ma swoje prawa, a kontrast odgrywa tutaj również ważną rolę. Ten sam kolor w tym przypadku zastępuje ton - kolejna gra, ale ma też zasady!
Zapewne zauważyłeś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą białe ubrania. Faktem jest, że biel wydaje się być bardziej obszerna niż czerń. Na czarno-białym obrazie oko najpierw chwyta najjaśniejsze miejsca, a dopiero potem przenosi się do ciemnych. Ten efekt służy do budowania wielu wizualnych obrazów oszustwa: jeśli spojrzysz na prześcieradło z równym czarno-białym paskiem, z pewnością wydaje się, że białe paski są szersze. Zawsze musisz wziąć pod uwagę tę zasadę podczas inscenizacji kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, czy to na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie wydawał się najważniejszy w tej kompozycji, a spojrzenie spadnie przede wszystkim na nim.
Kontrasty
Jak już wspomniano, szczególną rolę odgrywają kontrasty. Istniejąc w ramach jednej kompozycji na obrazie, mogą zarówno podkreślać obiekty, jak i odwrotnie, ukrywać je. Praca, zbudowana na ledwo zauważalnych fluktuacjach światła i cienia, bez plam akcentujących uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna, niewyrażalna. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.
Zasada trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o zasadzie trójpodziału. Rysując w umyśle cztery linie przez ramkę – dwie dzielące ją na trzy równe części poziomo i dwie narysowane pionowo – możesz obliczyć najbardziej efektywne obszary ramy: znajdują się one na przecięciu czterech linii ze sobą. W tych obszarach najlepiej umieścić główny temat kompozycji.
W rzeczywistości zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, która będzie nieco trudniejsza do uzyskania. Aby to zrobić, rama musi zostać podzielona na osiem części poziomo i pionowo. A następnie narysuj po prawej i lewej stronie, a także poniżej i powyżej linie w odległości 3/8. Punkty złotego odcinka będą znajdować się na przecięciu tych linii. Ale dzielenie na trzy części jest znacznie wygodniejsze niż na osiem części, dlatego jest częściej używane w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, jeśli przestrzegana jest którakolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych linii, to bardzo potężne narzędzie kompozycyjne, które pozwala manipulować wzrokiem widza. Wzdłuż „ścieżki” naprzemiennych obiektów możesz zajść bardzo daleko. Ale nie przesadzaj – rytm potrafi zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc ją monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Tworząc scenerię do fotografii, musisz upewnić się, że istnieje połączenie między obiektami w kadrze. Przedmioty mogą być powiązane kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (pałeczki jabłka i cynamonu). Przedmioty muszą koniecznie komunikować się, urzekać widza, patrząc od jednego tematu martwej natury do drugiego. Takie podejście nadaje kompozycji integralność, czyni ją interesującą, zrozumiałą i jednocześnie tajemniczą - wcale nie trzeba od razu ujawniać wszystkich wewnętrznych powiązań, najciekawsze może być ukryte wewnątrz kompozycji lub ukryte przed widzem na chwilę. krótki czas, na przykład ze światłem.
O kompozycji można mówić w nieskończoność, ale najważniejszą rzeczą, na której zbudowana jest martwa natura (jak zresztą fotografia w każdym innym gatunku), jest idea, fabuła i dusza obrazu. A kompozycja jest tak samo narzędziem w rękach fotografa, jak sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie do własnych celów.
Szachowa stylizacja martwej natury. Klasa mistrzowska ze zdjęciem
Elena Alekseevna Nadeyenskaya, nauczycielka sztuk pięknych, MOU „Szkoła średnia Arsenyevskaya”, wieś Arsenyevo, obwód Tula.Opis: materiał zainteresuje nauczycieli sztuk plastycznych, pedagogów, nauczycieli dokształcania, kreatywne dzieci w wieku 10-12 lat.
Spotkanie: zastosowanie na lekcjach plastyki, praca może służyć jako dekoracja wnętrz, świetny prezent lub przedmiot na wystawę.
Cel: wykonanie martwej natury za pomocą podziału obrazu na części (komórki)
Zadania:
- zapoznanie się z różnymi technikami dekoracyjnych obrazów martwej natury;
- rozwijać zmysł kompozycji, wyobraźnię, rozwijać kreatywność;
- doskonalić umiejętności pracy z gwaszem; ćwiczenie umiejętności pracy pędzlem różnej wielkości zgodnie z zadaniem,
- rozbudzanie zainteresowania podstawami umiejętności wizualnych.
– pielęgnować dokładność, miłość do sztuki.
Materiały:
-gwasz czarny (można użyć tuszu do rzęs)
-szczotki nr 2, nr 5
-ołówek
-linijka
-gumka do mazania
-arkusz A3
Martwa natura to gatunek sztuki poświęcony przedstawieniu przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp.
Jako niezależny gatunek martwa natura rozwinęła się w XVII wieku. w twórczości artystów holenderskich. A w dzisiejszych czasach gatunek ten jest szeroko stosowany przez współczesnych artystów i projektantów. Wraz z realistycznym obrazem często można spotkać się z pojęciem „dekoracyjnej martwej natury”.
Martwa bowiem dekoracyjna charakteryzuje się umownym, uproszczonym obrazem form, stylizacji.
Dużą uwagę przywiązuje się do kolorystyki, koloru - zestawienia kolorystycznego zastosowanego w kompozycji. Często używane są kontrastowe kolory. Najbardziej harmonijnym zestawieniem kontrastowym jest stosunek czerni do bieli. Ta kombinacja jest aktywnie wykorzystywana w grafice, odzieży, wnętrzach itp.
Postaramy się wykonać naszą dzisiejszą kompozycję martwej natury za pomocą połączenia czerni i bieli, ale do koloru dodamy również koncepcję podziału płaszczyzny na części - komórki. Przypomnijmy układ kolorowych komórek-pól na szachownicy, zauważmy, że pola tego samego koloru nigdy nie są połączone wspólną stroną, stykają się tylko w jednym punkcie. Postaramy się wykorzystać tę cechę w pracy nad kompozycją martwej natury.
Postęp
1. Po przemyśleniu kompozycji wybierz lokalizację arkusza. Zakreślamy lokalizację obiektów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy, postaraj się nie komplikować kompozycji przez nakładanie kształtu jednego obiektu na drugi.
2. Zarysowujemy budowę obiektów liniami przerywanymi. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna, nie trzeba dążyć do przekazania objętości, wystarczy konstrukcja samolotu.
3. Wyjaśniamy kontury kształtu przedmiotów. Obrysowujemy kontury wazonu, filiżanek, rysujemy łodygi kwiatów, owoce płynniejszymi liniami. Usuwanie linii konstrukcyjnych.
4. Nakreśl padające cienie. Podziel płaszczyznę arkusza na komórki o tym samym rozmiarze za pomocą linijki. Optymalny rozmiar klatki dla prześcieradła krajobrazowego (A4) to 3 cm, jeśli prześcieradło jest większe (A3) to długość boku klatki można zwiększyć do 5 cm. Jeśli nie ma doświadczenia w takiej martwej naturze obraz, staraj się nie komplikować zadania, zmniejszając rozmiar komórek.
5. Zacznij malować komórki czarnym gwaszem. Staramy się pobierać gęstą farbę, aby warstwa farby była wystarczająco gęsta i jednolita. Jeśli kształt przedmiotów mieści się w komórce, pozostawiamy ją niepomalowaną. Lepiej zacząć pracę od zewnętrznych komórek, stopniowo przesuwając się w kierunku środka kompozycji.
6. Przejdź do malowania komórek w środku kompozycji, nie wykraczając poza kontury obiektów.
7. Po zakończeniu kolorowania tła zaczynamy opracowywać kolor części obiektów, które spadły na białe komórki.
8. Kontynuując pracę nad kolorowaniem poszczególnych elementów, dochodzimy do końca pracy. Wyjaśniamy linie kształtu obiektów, poprawiamy niedokładności i niechlujne kontury komórek.
Praca jest gotowa.
Dziękuję za uwagę! Życzę wszystkim twórczych sukcesów!
Wiadomo, że fotografie martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Aby to zrobić, musisz znaleźć przedmioty, porównać przedmioty codziennego użytku w swoim otoczeniu, a także zwiększyć różnicę w teksturach i tonach. Konwersja do czerni i bieli daje wiele opcji podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach zdjęcia, teksturach i kształtach. W takim przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie trzeba rozpraszać się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki pozwoli nie tylko uzyskać bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększyć napięcie między różnymi przedmiotami i materiałami. Takie kombinacje można znaleźć wszędzie np. w parku, na brzegu itp. Możesz robić zdjęcia dowolnych obiektów. Ponadto możesz fotografować obiekty w parach lub w większej liczbie. Należy zauważyć, że nie zaleca się używania tych samych metod konwersji zdjęcia na czarno-białe.