Wyślij dobrą pracę w bazie wiedzy jest proste. Użyj poniższego formularza

Studenci, studiach studentów, młodych naukowców, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich badaniach i pracach, będą ci bardzo wdzięczni.

• 3
• 2. Antique teatr kostium 5
• 7
• 9
• 5. Europejski kostium teatralny z XVI. w. aż do nowoczesności 13
• 17

1. Jaki jest garnitur teatralny?

Teatr jest taki rodzaj sztuki, który nie może istnieć bez opinii publicznej, więc wszystko jest obliczane na efekcie zewnętrznym. Garnitur teatralny (wraz z nad głową wąsy i brody, peruki, kosmetyki, maski) jest częścią Grimy Theater. Grim (z Franz "- Grimy" - "Dotknij swojej twarzy") jest sztuką wyglądu aktora dla tej roli i niezbędnych dla tego

Teatr (a z nim i Grima) urodził się w głębinach magicznego synkretycznego obrzędu starożytności. Ludzie widzieli w nim siłą leczniczą, oczyszczając organizm z różnych pasji.

We wszystkich narodach świata od czasów starożytnych znajdują się wakacje związane z corocznym cyklem umierania i ożywiania natury. Wakacje te dały życie teatrze.

Starożytni Grecy byli bardzo kochani i czytali młodych Boga Dionizosa. Najwyższy Boski - Zeus - uhonorowali tylko raz co cztery lata (Igrzyska olimpijskie); Athena - raz na dwa lata; Apollo - raz na dwa lata; Ale Dionisa jest trzy razy w roku. Jest to zrozumiałe: Dioniza była bogiem wina w marcu, ludzie wszystkich greckich polityk poszli do Aten. W ciągu tygodnia występowały transakcje, związki polityczne i po prostu bawią się.

Wakacje rozpoczęły się od importu drewnianego Dionizosa w łodzi na kołach. Łódź towarzyszyła chórze Satirov-Omnoye. Dlatego pojawienie się tego bóstwa zawsze wiąże się ze zmieniającymi się ubraniami i kostiumami karnawałowymi.

Kulminacja święta spadła trzeciego dnia. W tym dniu Dionizos został poświęcony zwierzętom jednostek płci męskiej, ponieważ urodził się z HIP Zeusa, wiązała się z czysto męskim rozpoczęciem. Ofiary mogą być koguty, byki, ale najczęściej kózki. Kiedy zabijano takie "kozła", śpiewał smutną "piosenkę kozy" - tragedią. Następnie koszyk z jelitami i fallusem koziej przenoszonej w dziedzinie nawożenia Ziemi, stopniowo pije wino dedykowane Dionizosowi. Wrócił do domu, nośniki kosza kogoś skarceli (na przykład lokalnej postaci politycznej). Wejście do miasta, widzieli Koos Koos w domu tej osoby. Ta akcja, ten tłum i te śmieszne piosenki. Że śpiewała, nazywa się komosą ("spacery"). Stąd była komedia. Prawda, istnieją inne wersje teatru.

Jeśli chodzi o stroje uczestników wakacji, wiadomo, że były skórki zwierząt (dla większego podobieństwa z Goning Satir). Później, dzięki konkursie poetów na etapie teatralnym, tragiczne i komiczne utwory stały się niezależnymi gatunkami teatralnymi.

2. Antique teatr kostium

Urzędowy rok narodzin starożytnego teatru jest uważany za 534 lata wcześniej. E .. Kiedy do wielkich Dionirsios, po raz pierwszy umieść tragedię fespid.

Do tego czasu kostium teatralny był już bardzo różny od codzienności. Artysta, który na początku tylko jeden, udał się na scenie wspaniałej i jasnej sukienki. Na jego twarzy była maska \u200b\u200bpodłączona do peruki i wyposażona w metalowy rezonator głosu umieszczony w ustach. Zamaskowany miał dziury. Aktor popchnął w Kitty na wysokiej platformie. Wszystko to zostało zaprojektowane z myślą o oddaleniu widza, ponieważ grecki teatr na świeżym powietrzu pomieszczony do 17 000 osób. Jasna sukienka, duża maska, wysokie buty pozwalały lepiej zobaczyć wykonawcę. Rezonator wzmocnił dźwięk (chociaż akustyka w starożytnych teatrach była taka, że \u200b\u200bsłowo, które zostało powiedziane w szeptem w środku sceny zostało przeniesione do ostatnich wierszy).

Nastąpiło siedemdziesiąt różnych rodzajów masek. Byli również potrzebni, ponieważ wszystkie role były następnie wykonywane przez mężczyzn. Aktor zmienił maskę w trakcie działania, gdy działał w nowej roli, a kiedy pokazała widz, aby zmienić nastrój swojej postaci. Maski przekazano typową ekspresję radości, żalu, prętów itp. Wykonano je z płótna z drewna lub gipsu, a następnie pomalowane.

Ważną rolę odgrywa się symbolami kolorów. Władcy mieli fioletowe ubrania: ich żony są białe; Egzamin - czarny lub niebieski; chłopcy - czerwony; zwykłe kobiety są żółte; Pethery są motley.

Kostiumy towarzyszyły stałe atrybuty, aby publiczność byłaby łatwiejsza do rozpoznania charakteru. Władca miał berło, wędrowca - personel, dionisis - kwitnących pluszów (Tirs), Apollo - cebulę i strzały, ZEUS Zipper itp.

Dzięki długie ubrania i wysokie buty, tragiczne aktorzy wyglądały monumentalnie i poruszali się płynnie. Komedanie używali krótkich i bardziej przylegających strojów. Zdjęcia Satirova i Silenov przywarły do \u200b\u200btyłu ogona konnego, umieścić na masce zwierzęcej (lub rogi), a te sprawy były wyczerpane. Takie ubrania mogą swobodnie skakać na scenie. W Rzymie kochali gatunki światła i tragedie preferowane do komedii. Przeniklili pantomima na scenie. Numery cyrkowe były bardzo popularne. Widzowie byli łatwiejsi postrzegani Flyaki (od greckiego. "Phlyax" - "żart") - Parodies na tragedii i komedii; Mimowie to małe sceny na temat tematów domowych; Atellianie - Fun Improwization.

Kostium stał się bliżej krajowych strojów. Prawda, symbolika kolorów jest nadal zachowana. W Mumba nie było masek, a publiczność mogła obserwować wyrażenia twarzy aktorów. Nie tylko mężczyźni grali w tych pomysłach, ale kobiety, które wzmocniły erotyczne chwilę i stworzyły powody do spytań publicznych.

Kostium teatralny grecko-rzymskiego nadal wpłynął na kostium sceny późniejszych czasów.

3. Kostium teatralny europejskiego średniowiecza

W średniowieczu ludzie nie zapominali o rozrywce starożytności, a prawie każde święto chrześcijańskie towarzyszyły pomysł judowskiego znaku: Korona - The Nester, The Cap - The King.

W Europie, historyki wędrują (od lat "Histrio" - "Aktor"), który we Francji nazywany jest Jonglersami, w Anglii - Mesiders. W Niemczech, Szpilmann i Rosji - sąsiedztwo. Są teatr jednego aktora, ponieważ wiedzą, jak grać, śpiewać. Spacer wzdłuż liny, żonglować. Kostium z tych ludzi był wygodny dla akrobatyki: szlifie, miękkie buty, krótką spontaniczną tunikę, w pobliżu histrów przebył w pobliżu zabytków - "Broadcasting": Niesporność naukowców, seminariów, kapłanów. Nie było granic jako takich, a języki nie rozpuszczały się zbyt daleko od jednej podstawy, co umożliwiło być rozumiane wszędzie. Ubrania Waganci nie różniły się od stroju domowego średniowiecznej osoby.

Waganta była rozgrywana przez zabawne widoki - Comu, w którym Kościół pozbył się wizerunku Matki Matki, dlatego przedstawiciele oficjalnej religii ścigali artystów.

Jednak Kościół potrzebował również zwiększenia rozrywki swoich "prezentacji", więc dramat liturgiczny powstaje bezpośrednio w świątyni. Epizody z Biblii umieszczają same kapłanów w swoim mundurze. Ale im więcej momentu gry w tych produkcjach wzrosła, tym bardziej "nieprzyzwoite" stały się w ścianach Kościoła. Dlatego widok został przeniesiony najpierw do blady, a następnie do placu. Nowy gatunek pojawił się - Miracle ("Cud"), reprezentujący wspaniałe wydarzenia związane z dziewicą Marią i Jezusem. Na podstawie Miracji pojawia się tajemnica ("tajemnica") - akcja teatralna odróżno związana z działką biblijną.

Nie tylko Matki Boskiej, Jezusa i Prorocy biblijne, ale także diabły, diabła i tylko obywatele mogą być postaciami. Dlatego strój stał się bardziej zróżnicowany. Chrystus, Apostołowie, prorocy wykonywane w szatach Kościoła. Tak, a rola samych tych ról mogli być kapłanami lub mnichami (nie jest to przewidywane). Kupcy, rzemieślnicy i inni bohaterowie mieli obywateli swojego czasu. Fantastyczne znaki były ubrane w kompleksowy kostium z niezbędnymi atrybutami rodzaju rogów, ogonów i wilków lub skórki chleba w diabła. Spersonalizowane choroby (plaga, scaldpox), grzechy (przyrost, pochlebstwa), cnoty (prawdomówność, nadzieja) może mieć maski.

Jednak często nie zostały wykonane specjalne kostiumy (jak również sceneria). Napisy "Raj", "piekło", "ojciec Boga" i tak dalej. To było dość.

Światło była główną kategorią średniowiecznej estetyki, więc najważniejsze boskie postacie były w białych i błyskotliwych ubraniach, a diabelskie oszustwa - w kolorze czarnym. Vera została sprawdzona w białej sukni. Nadzieja - na zielono. Miłość - na czerwono.

Jak w starożytnym kostiumu teatralne, bohaterowie miały stałe atrybuty: wiara - krzyż, w nadziei - kotwica, zakochana - serce lub róża, w nieszczęście - portfel, w przyjemności pomarańczy, w pochlebstwie , ogon.

Z czasem kostium teatralny stawał się coraz bardziej podobny do zwykłego gospodarstwa domowego, a gospodarstwa domowego bardziej teatralne.

4 kostium teatralny w krajach Azji Południowo-Wschodniej

Synkretalizm prymitywnej kultury (brak różnych rodzajów działań kulturowych) objawił się w magicznych miastach, gdzie taniec, muzyka, malarstwo, pomysły teatralne itp. Współistniesz obok głębokości mitologii itp. mi. Taniec i pantomime były częścią kultu bogów w starożytnych Indiach. EPOS "Mahab-Harap" i "Ramayana", który pojawił się w tysiącu pne. ER, podstawa klasycznego teatru Indii i tych krajów, w których istnieje hinduizm, ponieważ dane EPO są świętymi książkami tej religii. W różnych formach (faktycznie teatr kukuryzny, teatr cieni, balet) Istnieją teraz teraz teatr odcinków "Mahabharata" i "Ramayana". A teraz są bardzo jasne, drogie kostiumy, maski lub maska \u200b\u200bpodobna do makijażu. Brak dekoracji, wszystko dzieje się na Lona majestatycznego przyrody.

W Chinach teatr rozwijał się również z elementów tanecznych i akrobatycznych, które zostały zawarte w świętych obrzędach. W VII-X stuleci tańczy na temat historycznych i heroicznych tematów rozprzestrzenił się z włączeniem od związanych z małym teatrem. Po raz pierwszy pojawiły się specjalne kostiumy teatralne.

W XIII-XIV XIV teatr chiński dotarł do głowy w formie Zsazyu. Ta mieszana wydajność obejmowała muzykę, śpiew, taniec i akrobacje.

Sceneria była nieobecna, dlatego gra aktorów i ich wygląd była szczególnie ważna. Wszystkie role wykonywane mężczyźni. Najbardziej żałosne sceny były rozgrywane w zwolnionym tempie.

Wszystkie ruchy były ściśle kanonizowane. Sami aktorzy rozmawiali o siebie jako bohaterów, czas i miejsce działania zostały ustalone.

W następnym stuleciu Zasszui nie umarł, ale przekształcił się w różne formy. Nadal na scenie Mały wymagany, a ten, który jest używany polifruncjonalnie: stół jest zarówno górą, jak i ołtarz, a pokład obserwacyjny; Czarne flagi symbolizują wiatr, czerwony - ogień itp. W Grima and Support Symbolice kolorów: Czerwony - odwaga, białe - średnia, żółty - kolor cesarza.

Japonia opracowała również kilka rodzajów idei teatralnych, które mieszkały do \u200b\u200bdnia dzisiejszego. Katemi Kpetvugu i jego syn Dzeami na przełomie XIV i XV wieków stworzonych z rozproszonej piosenki i tanecznej teatru, ale. Sami byli aktorami, dyrektorami dyrektorami, autorami i kompozytorami (a przez teoretykę teatru, ale). Ich kreatywność musiała być w tym czasie, gdy droga życia Japończyków była zauważalnie teatralna: władcy stali się ludźmi o niskim pochodzeniu i, jak wszystkie neofity, szczególnie przestrzegali rytuału. Pchnięcie rozrywki powodowały do \u200b\u200bmasowych ceremonii herbaty lub święta miłości w kwitnących wiśni (w sobie jest absurdalny, ponieważ jest to dla japońskiego czegoś bardzo osobistego). Przedstawienia teatralne, ale stał się obowiązkowym elementem ceremonii i technik. Często, wiele godzin (a nawet wieloletnich) poglądów na temat historycznych i heroicznych motywów zaczęły zmieniać przebieg rzeczywistych wydarzeń (na przykład występowania wakacji). Władcy wysiedli z wizerunkami malowniczych bohaterów. I Segun (militarny dyktator) Toythoma Hideoashi z dużego fan Teatru, ale zamienił się w jego aktor i w 1593 r. Podczas trzydniowej prezentacji na cześć narodziny jego syna, który kupiłem w dziesięć sztukach. Grał sam.

Teatr jest również charakterystyczny, z którego już wspomniano: brak scenerii, slowdiness ruchów w ważnych miejscach prezentacji, aktorów męskich. Sceny rozwinęły się przed obrazem sosny na złotym tle. Wizerunek sosny został przywieziony do starożytnych symboli magicznych rolnych, a złoto personifikowało słońce i bogini Amaterowie. Ponadto takie tło symbolizowało połączenie z naturą, zwłaszcza że działania mogą wykraczać poza scenę i dołączyć do prawdziwego ustawienia wstępu lub wakacji.

Kostium aktorski do XVII wieku. Nie różniłem się od szlachty kostiumowej krajowej (później została przeprowadzona przez ryciny i próbki stuleci XIV-XV). Była tradycja - dać aktorom drogie sukienki (zwłaszcza rozprzestrzeniła się podczas teatru teatralnego na teatrze). W rezultacie teatr stał także muzeum luksusowych szat. Teraz najstarszy strój, przechowywany w teatrze - garnitur Sadman XV wieku.

W 1615 r. Władca Ieasa Totkugava wydał kod, regulujący kolory i jakość tkanek. Zakaz droższych materiałów dotknięty teatr, ale. Dyrektor zaczął szukać innego wyrażenia figuratywnego, nie już kosztem drogich strojów. Tkanina kostiumu zmieniła się w symboliczną książkę, która może być wypełnienie informacji. Teraz stylizowany kostium teatralny Canonovy, ale ujawnia charakterystyczny obraz. W nim wszystko jest symboliczne - od cięcia do haftu.

Ważną rolę jest rozgrywana przez kolor. Biały oznacza szlachtę, czerwona należy do bogów i piękności, bladoniebieski wiąże się z równowagą, brązowy oznacza niski początek.

W teatrze, mężczyźni grają, dlatego maski i fani są ważni. Rozmiar, malowanie, rysunek, ruch wentylatora charakteryzuje znak. Maski są proste, ale bardzo eleganckie. Wykonane są z cyprysów, zbiorów i grind. Maska jest umieszczana na perukę i zapinana z ciągami. Najmniejsza zmiana oświetlenia lub kąta daje mu nowy wyraz. Istnieją maski różnych podłóg, wieków, znaków, a nawet fantastycznych stworzeń.

5. Kostium teatralny Europy z XVI wieku. aż do nowoczesności

W epoce ożywienia w Europie pierwsze pnia trwałych, zaczynają pojawiać się nad podstawą profesjonalną. Wędrują lub przybili się do jednego miejsca. Ludzie uwielbiają się śmiać bardziej niż płacz, więc aktorzy umieścili płuca, komiczne produkcje, male i parodie. Bezbarwne komedanie kontynuowali średniowieczne tradycje i (jako cała kultura ożywienia) odwołała się do starożytnego dziedzictwa. Wcześniej takie płuce powstały we Włoszech. Tam teatr Commedia Dell pojawił się "Arte, to znaczy" maski komediowe ".

W komedii del Ath była jedna sceneria - ulica miasta. Stała działka nie istniała: głowa trupy (Capocomico) zapytała go, a aktorzy improwizowani, jak w starożytnych Atutlian. Te sztuczki i repliki, które spowodowały zgodę społeczeństwa powtórzone i zabezpieczone. Akcja podzielona wokół miłości młodych, którą starzy ludzie zakłócali i pomogli sługaowi.

Maska odegrała kluczową rolę w komedii. Czarna maska \u200b\u200bmoże zamknąć całą twarz lub część. Czasami był to klejony nos lub głupie okulary. Najważniejsze jest stworzenie typowej twarzy, wskazała przed kreskówką.

Dwa wymagania zostały przedstawione kostiumowi: wygoda i komikstrowanie. Dlatego przypomniał, z jednej strony, ubrania średniowiecznych historycznych, a po drugiej uzupełniono charakterystyczne zabawne przedmioty.

Na przykład Pantalon jest handlowcem - zawsze z portfelem. Jego ubrania przypominały ubrania kupców weneckich: kurtka, związana przez wóz, krótkie spodnie, pończochy, płaszcz i okrągły czapkę. Ale kiedy artysta poszedł na scenę w szerokich czerwonych spodniach, to charakterystyczne szczegóły lubiły publiczność. W rezultacie Pantalon i jego spodnie były tak połączone, w świadomości ludzi, że powstała nominalna nazwa żeńskiej pościeli Pantalon.

Doktor - kolejny bohater komedii del Arte - reprezentował parodię naukowca i wyszedł w czarny płaszcz naukowy z koronkowym kołnierzem i mankietami. W jego rękach zawsze było papierowe przewijania na czele - szeroki kapelusz.

Kapitan - wojskowy przygód, nosił Kiraça, Sharovars, buty z ogromnymi ostrami, krótkim płaszczem i kapeluszem z piórami. Jego stały atrybut był drewnianym mieczem, który z pewnością utknął w osłonach w razie potrzeby.

Najliczniejsze i różnorodne postacie były słudzy (Dzanni), ponieważ były one "silnikami postępów" w kolizji miłości. Pulchinella miał ogromny nos wlotowy; Arlekin ma taką liczbę poprawek, które z czasem styked w klatce szachowej, Piero ma białą szeroką koszulę z młynem frezującym i długimi pantalonami; Brigella ma szeroką białą bluzkę i te same spodnie.

Ten teatr ludowy, dzięki ich lekkich działkach, był znacznie bardziej popularny niż teatry Szekspira lub Lope de Vega, co dały większą preferencję nie do rozrywki, a głębokość treści. Na przykład na prace Lope de Peg, na przykład nawet nazwa "komediowa deszczowa i miecze", ponieważ artystów naprawdę grali w nich tylko w nowoczesnym autorze Autosumat.

Równolegle z bezpaństwnymi pniach były teatry sądowe, których kostiumy obliczono setki i różniły się w wysokich kosztach. Wykazano im oddzielnie od posiadania.

W stuleci XVII-XVIII spadek jest w rozwoju kostiumu teatralnego. Słowo jest przedstawione na pierwszy, dialogi wąchają całą uwagę publiczności. Na scenie stosuje się garnitur domowy, pozbawiony historycyzmu. Jest to zwykły modny garnitur por. Prawda, w grze nie zobaczysz walcowanego sługi ani słabo ubrany. Kostium jest powiększony. Jest to konsekwencja teatralizacji życia. Teatr jest tak głęboko włączony w życiu, że granica "Teatralna - gospodarstwa domowego" jest wymazany. Należy zauważyć, że w XVII - XVIII stuleci strój teatralny często określa mody (która została już wymieniona w poprzednich rozdziałach). Artyści ubrani lepiej i ekstrawaganccy innych. W XVII wieku Dla Monsieur La-Fashion na scenie, zadowolili specjalne miejsca widzów, w których nie wyglądali tak wiele wydajności, jak omówili artystów i ich kostiumy.

W XVII - XVIII stuleci, syntetyczne gatunki kwitną: Opera, balet, cyrk (choć byli znani wcześniej). W tych gatunkach znajdują się także dramatyczne efekty, sztuczki, muzyka i śpiew i jasny niezapomniany makijaż. Gatunki syntetyczne podnoszą elementy życia domowego. Na przykład taniec kulowy Cancan (Franz. Cancan) o charakterystycznym wysokim poziomie nóg powstały około lat 70. XVIII wieku. Stopniowo staje się integralną częścią operetki - muzycznego i tanecznego gatunku komediowego.

W XIX wieku odrodzono zainteresowanie historią we wszystkich kierunkach kultury. Dzięki znaleziskach archeologicznych i literackich było możliwe, aby dowiedzieć się więcej o strojach starożytności, więc w historycznych grach po raz pierwszy przeprowadzają próby rozmnażania prawdziwych kostiumów przeszłości.

Rozwój krytycznych realizm jako metody sztuki i metody światopoglądu prowadzi do faktu, że scena nie będzie już nie widzi chłopów w Peignoirs i Sercach Starchay. W teatrze pojawiają się takie rekwizyty, które wcześniej w przyzwoitym społeczeństwie nie wspomniał głośno. Wyszukiwanie nowych form ekspresji prowadzą do naturalistycznego makijażu. Właśnie to V. A. Gilyarovsky pisze w jego eseje o Moskwie i Moskhach:

"W 1879 r., Chłopiec w Penzie na teatralnym fryzjerskim Shishkov był studentem, małym Mity'ym. Był ulubioną penza Antreplener V. P. Dalmatova, który był wyjątkowy, aby dotknąć jego włosów i nauczał go makijaż. Gdy V. P. Dalmatov w jego korzyści "Nuty szalone" i nakazał MITA, aby przygotować łysy perukę. Przyniósł mokrą bańkę na grę i zaczął pluć na bębenną fryzurę Dalmatova ... Artyści uciekli do płaczu aktora.

- Jesteś wspaniałym artystą, Wasily Pantovimonovich, ale pozwól mi być artystą Twojej firmy! - Obracając głowę na wysokim V. P. Dalmatov, chłopiec był uzasadniony. - Spróbuj!

V. P. Dalmatov Wreszcie zgodził się - a po kilku minutach bańka wiruje, w niektórych miejscach, a oczy B. P. Dalmatova świeciło od przyjemności: całkowicie naga czaszka na jego czarnych oczach i ekspresyjny producent wyprodukował silne wrażenie.

Na przełomie XIX i XX wieku tendencja modernizmu generuje nowe formy kostiumu teatralnego. Stroje są stylizowane, odwracając się w symbole. Europejczycy odkryli teatry Wschodu, który znalazł odzwierciedlenie w stroju scenicznym.

W pierwszych bramkach po rewolucji październikowej kostium zniknął, został zastąpiony przez "kombinezon", ponieważ aktorzy są "pracownikami pracy teatralnej".

Stopniowo wszystko poszło do normalnego kursu, a kostium teatralny znów wrócił do sceny. Co więcej, w XX wieku. Taki nowy widok pojawił się jako The Fashion Theatre. Pokazy modeli zwróconych w pokazach muzycznych i dramatycznych. Więc garnitur domowy został ostatecznie otwarcie "połączony z małżeństwem" z teatrem.

Lista używanych literatury

2. Gelderod M. DE. Teatr: SAT: Per. Z ks. / Piosenka. L. Andrieve, p. 653-694.

3. Komentarz. S. shkunayev; Sztuka. N. Alekseev. -M.: Sztuka, 2003. -717 p.

4. De Filippo E. Teatr: Piece: Per. z tym. / Piosenka. L. Vershinina, str. 759-775; Sztuka. N. Alekseev. -M.: Sztuka, 2007. -775 p.

Podobne dokumenty

Charakterystyczny dla kostiumu teatralnego. Wymagania dotyczące szkicu. Analiza obrazu postaci ludzkiej; Wypisy i środki używane w źródłach graficznych. Zastosowanie technik graficznych kostiumu teatralnego w rozwoju kolekcji odzieży.

praca kursu, dodano 09/28/2013


Antropomorfologiczne cechy figury. Analiza kostiumu historycznego. Cechy męskiego kostiumu. Uzasadnienie wyboru modelu podstawowego. Analiza artystyczna i kompozytowa modeli analogowych. Obliczanie i budowa rysunków przewidywanego produktu.

praca kursu, dodano 04/28/2015


Gama, jako przedmiot analizy społecznej i kultywacji: Historia rozwoju, wartości, roli, funkcji i typologii. Charakterystyka semiotycznych aspektów kostiumów, atrybutów, akcesoriów, bazy społecznej i psychicznej. Analiza symbolika kostiumu "Dandy".

teza, dodał 01/24/2010


Koncepcja sztuki dekoracyjnej jako środek ekspresywności sztuki teatralnej. Głównym sposobem ekspresywności sztuki teatralnej: rola scenerii, kostiumu, Grima w ujawnieniu obrazu charakteru, wizualnej optycznej konstrukcji wydajności.

prace testowe, dodano 12/17/2010


Historia europejskiego kostiumu XIX wieku. Różnice stylu AmPiru z klasycyzmu. Charakterystyka kompozycji garniturowej. Estetyczny ideał piękna. Główne rodzaje odzieży, jego rozwiązania projektowe. Sukienka wylotowa, buty, kapelusze, fryzury, biżuteria.

praca kursu, dodano 03/27/2013


Historyczne cechy ery dynastii Ming. Krajowa chińska odzież w ramach historii Chin. Ornament, cechy dekoracyjne i garnitur symbolizmu. Zasady dekoracji kostiumu, jego oryginalność. Ogólny kolor schematu kolorów.

abstrakcyjny, dodany 05/23/2014


Rola i znaczenie kostiumu w starożytnym świecie: Egipt, Grecja, Rimma, Indie i Bizancjum. Kostium w Europie Zachodniej w epoce w średniowieczu. Renesansowy garnitur: włoski, hiszpański, francuski, niemiecki, angielski. Styl ampira i romantyzm, rokokowy i barokowy.

zajęcia, dodano 12/26/2013


Charakterystyka rozwoju epoki barokowej, estetyczny ideał funkcji piękna i tkanin, kolorów, ozdób. Specjalne cechy kobiecego i męskiego kostiumu, butów i fryzur. Charakterystyka epoki barokowej epoki barokowej, ich odbicie w nowoczesnej modzie.

zajęcia, dodane 07.12.2010


Ogólna cechy kultury i sztuki Japonii. Opis zasad tworzenia pakietu Japonii. Rodzaje kimono, cięcie i akcesoria. Nowoczesna interpretacja kostiumu Japonii w dziełach znanych projektantów (J. Galjano, A. McQueen. Miyaka, M. Prada).

abstrakcyjny, dodany 07.01.2013


Fryzury damskie Imperium Bizantyjskiego. Charakterystyczne cechy męskich fryzur stuleci XV-XVI. Ewolucja kostiumu sądowego w Rosji w XVIII wieku. "Romański" styl w nowoczesnym wizerunku. Efekt szlachetnego garnituru na strojach innych klas.

"Część scenerii w rękach aktorów jest jego kostium".
Encyklopedia francuska.

"Kostium jest drugą skorupą aktora, jest to coś nierozerwalnego z jego istoty, jest to widoczny temat obrazu scenicznego, który powinien być tak holistycznie połączony z nim, aby stać się niepapanem ..."
A. Ya. Tairoublik.

Teatr jest syntetycznym rodzajem sztuki, która pozwala nam nie tylko słyszeć, nie tylko wyobrażać, ale także zobaczyć, zobacz. Teatr daje nam możliwość świadczenia dramatu psychologicznego i uczestnika w historycznych osiągnięciach i wydarzeniach. Teatr, reprezentacja teatralna jest tworzona przez wysiłki wielu artystów, począwszy od dyrektora i aktora, a kończąc z artystą dyrektorem, dla występu istnieje "parowanie różnych sztuk, z których każdy jest przekształcony w tym pomysł i staje się Nowa jakość ... ".

Kostium teatralny jest kompozytowym etapem aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy charakterystycznego charakteru, który pomaga reinkarnacji aktora; Narzędzie artystycznego wpływu na widza. Dla aktora, garnitur ma znaczenie, forma, duchowo rola.

Jako aktor w słowie i geście, ruchu i techniczny głos rozwija nową istotę obrazu scenicznego, odsuwając się od gry określonej w sztuce, a artystą, kierując się tymi samymi danymi odtwarzanymi, uosabia obraz środki jego sztuki.

Przez całoroczną historię sztuki teatralnej, dekoracyjna konstrukcja przeszła transformację ewolucyjną, spowodowało nie tylko poprawę urządzeń scenicznych, ale także przez wszystkie perypety stylów i trybów odpowiednich czasów. Zależała od charakteru budowy literackiej gry, z gatunku dramatu, od składu społecznego widza, na poziomie technologii scenicznej.

Okresy stabilnych struktur architektonicznych starożytności zostały zastąpione przez prymityw średniowiecza, z kolei, które przeszły przez Królewskie teatry sądowe z samowystarczalnym luksusem pomysłów. W Sukni znajdowały się występy w Sukni, w skomplikowanej scenerii projektowej, tylko w lekkiej dekoracji, bez rejestracji w ogóle - na gołe etap na platformie, tuż na chodniku.

Rola kostiumu jako "ruchome" sceneria zawsze dominuje. Punkt widzenia został zmieniony na jego "związku" z aktorem, czasem i historią, w końcu ze swoim bezpośrednim "partnerem" - dekoracji sceny.

W procesie postępującego rozwoju sztuki współczesnego teatru, innowacyjność dyrektora, transformacja metody dekoracji Rola sztuki kostiumu nie zmniejsza się przeciwnie. Wraz ze wzrostem swoich młodszych i elastycznych nawozów - film i telewizja - teatr, jest niewątpliwie, znajduje się w wyszukiwaniu i mąki Nowe formy spektakularnych technik, były tymi, którzy bronili i ustalili stanowisko teatru jako wartość Incredit niezależnego niezależnego rodzaj sztuki. Kostium, jako najbardziej toczenia elementu dekoracji teatralnej, jest najpierw w tych wyszukiwaniu.

Wysoka nowoczesna kultura dzieła sztuki teatralnej, cienkiej i głębokiego dyrektora pracy nad grą i grą, utalentowana gra aktorów wymaga od artysty w garniturze, sporządzając wydajność, zwłaszcza staranną penetrację do dramczurek wydajności, bliski kontakt z dyrektor. Nowoczesny design nie jest kanonizowany przez zasady. Jest indywidualnie, a konkretnie w każdym konkretnym przypadku. "Praca dyrektora jest nierozłączna z pracy artysty. Po pierwsze, dyrektor musi znaleźć własne odpowiedzi na główne problemy z dekoracją. Artysta z kolei powinien poczuć zadania ustawienia i uporczywie szukać ekspresyjnych środków ... ". Kostium teatralny jest po raz pierwszy stworzony za pomocą wizualnego, czyli szkicu.

Pojawienie się kostiumu teatralnego jako takiego jak jego korzenie sięgają do starożytności. Od dawna znajduje się garnitur teatralny w teatrze starożytnego wschodu. W Chinach Indiach, a także Japonii, klasyczny garnitur teatralny jest symboliczny i warunkowy. Teatr ma również wartość symboliki biżuterii, wzorów na tkaninie i kolorach.

Kostiumy w teatrze są zwykle tworzone dla każdej prezentacji i dla konkretnego aktora, ale są też takie garnitury teatralne, które są niezmienione, a ogólnie są takie same dla całej trupy.

Europejski kostium teatralny pojawił się po raz pierwszy w starożytnej Grecji, gdzie, jak wszyscy wiedzą, teatr urodził się jako taki, a później rozwinięty i przechodzący wiele zmian, przekształcił się w nowoczesny. Główny w greckim teatrze był garnitur, który powtarza przypadkowe ubrania Greków. Również w przypadku prezentacji teatralnej duże maski były potrzebne z różnymi targami, dzięki czemu widzowie z daleka były widoczne dla emocji podmiotów i butów na wysokich stoiskach - kotów. Każdy garnitur w teatrze greckim był szczególny kolor, na przykład, wskazał na przynależność do pewnego rodzaju aktywności lub pozycji. Kostium teatralny zmienił się w zależności od miejsc gry.

Warto ujawnić istotę koncepcji "garnitur teatralny".

Poniższa definicja jest podana w dużej encyklopedii radzieckiej: "Garnitur w teatrze (z Ital. Costume - Custom) jest jednym z ważnych elementów wykonania wydajności - odzież, obuwie, kapelusze, dekoracje i inne przedmioty, które są Używany przez aktora do scharakteryzowania obrazu scenicznego utworzonego przez aktora, na podstawie planu dyrektora generalnego; Niezbędny dodatek do kostiumu - makijaż i fryzurę "Garnitur w teatrze jest specjalną dziedziną kreatywności artysty, w której może uosabiać ogromną liczbę obrazów, przekazać charakter postaci. Kostium teatralny stanowi prezentację widza o osobowości postaci, pomaga przenikać ducha tej epoki, aby zrozumieć cechy odzwierciedlone w wyniku aktora.

Kostium teatralny Z definicji Zakharzhevskaya R.v.- Jest to "obraz kompozytowy obrazu aktora, są to cechy zewnętrzne i cechy charakterystycznego charakteru, który pomaga reinkarnacji aktora; Środki artystycznego wpływu na widza. "

Z biegiem czasu w teatrze powstają trzy główne typy kostiumów teatralnego: personelu, gier i odzież działającej osoby. Istą istniały z samego wyglądu teatru, choć nie zostały one podane przezroczyste definicje, te typy kostiumów zostały zachowane i dzisiejszy nowoczesny teatr.

"Personal Suit. Jest to kompozycja z tworzywa sztucznego, która jest częścią obrazu aktora aktora. Kostium jest nieodłączną częścią postaci, napędza i wyraża przez aktora. " Prymitywne przykłady garnituru były integralną częścią obrzędów i rytuałów w wielu krajach świata. Czasami garnitur może całkowicie ukryć rysunek aktora.

Garnitur do gier - Jest to środek przekazywania wyglądu aktora i ważnego elementu realizacji roli. W reprezentacjach rytualnych i ludowych kostium gry najczęściej nosiła na przykład grotesko-parodię, gdy konieczne było podkreślenie, śmiesznie, raj lub wskazać absurdalność sytuacji. Mężczyźni przesunięty u kobiet, i przeciwnie, ludzie przedstawiali różne zwierzęta. Do produkcji takiego kostiumu, wszelkie materiały, które mogłyby podkreślać obraz znaku. Użyliśmy różnych materiałów i obiektów odzieży: Czapki - Ushanki, Tulup, Obudowa, Różne sztuczne dekoracje, Koraliki, Bubels.

Garnitur jak ubranie osoby działającej, Jest to główna rzecz w wydajności, opiera się na tym kostiumu, że kostiumy charakteryzują się charakterem i gier. Teatr zawsze znalazł odzwierciedlenie nowoczesnej mody. Na przykład w praktyce teatru często używanego pasuje do takiej odzieży w tym czasie, podczas którego pokazano wydajność. Początek takiej recepcji trwa od czasów starożytnego greckiego teatru i jest obecny w teatrze do dziś. Stworzenie tego typu kostiumu przeprowadzono na podstawie ruchu z formy przybliżonej do wyglądu odzieży (w teatrze renesansowym) do większego podobieństwa z historycznymi, krajowymi kostiumami, osiągając dokładność i autentyczność. Później, w teatrze naturalizmu, kostium zaczyna się w pełni przestrzegać charakteru charakteru, przekazuje z największą dokładnością, jego stan psychiczny, wygląd zewnętrzny przechodzi składnik obrazu. Kostium zawsze był i pozostaje specjalnym obszarem kreatywności artystów, które ćwiczą i wymyślają nie tylko fantastyczne kostiumy, ale nawet wydawałoby się, najbardziej zwykłych ubrań domowych stworzyć prawdziwie dzieł sztuki.

Garnitur teatralny jest ważną i integralną częścią jakiejkolwiek prezentacji teatralnej. Teatr jest być może najbardziej publicznym rodzajem sztuki, a zatem jest przeznaczony do bardziej efektywnego. Zwykle opuszczając salę, widzowie charakteryzują się prezentacją: było spektakularne, doskonałe działanie, wspaniała sceneria, doskonała produkcja. Wszystko to widzimy, że prawie wszystkie aspekty reprezentacji teatralnej dotknięte pracą artysty.

W czasach reprezentacji i obrzędów folklorystycznych garnitury kostiumów były nienazwani mistrzami, często kruszki niezależnie pojawiły się własną drogą i ucieleśniały go w życiu zkarżonymi, niedrogymi i przystępnymi środkami. Teatr nie zawsze był publiczny, powstał w tym kierunku wystarczająco długo. Było niewielu zawodowych aktorów, a prezentacje przeprowadzono głównie przez samodzielnych aktorów. Prawa, które bronią ich zabezpieczonych warstw społeczeństwa, poznania i właścicieli właścicieli, walczyli przez tramps, w tym aktorów, aby przestać strzelać z pracy z niskimi płacami, uniemożliwiło wzrost profesjonalistów w teatrze.

W epoce feudalizmu sztuka teatru znajduje odzwierciedlenie w reprezentacji bezpańskich artystów. Kostium w ich pomysłach wyglądał jak kostium ich współczesnych z biednych warstw ludności, ale był ozdobiony jasnymi wstążkami i billami. W tym czasie istnieją pomysły o nazwie Tajemnice, charakterystyczną cechą produkcji była pompa, jasność, dekorację, nie były również dzielone na działaniach i moralności. Przedstawienia stają się widowiskiem sądowym, pięknym i fascynującym. Sceneria była obecna sama, która nie zmieniła się w trakcie prezentacji, w przeciwieństwie do nowoczesnej prezentacji teatralnej. Głównym wymogiem kostiumu teatralnego w tajemnicy było bogactwo, luksus i nie ma znaczenia dla głównych lub wtórnych ról, kostium był warunkowy, uniknął szczegółów. Garnitur moralny był bardziej skromny ze względu na edytowalną zawartość.

Podobnie jak wszystkie rodzaje sztuki, ogromne wyścigi konne w rozwoju teatru wystąpiło w epoce renesansowej, jednocześnie podlega znaczącym zmianom i kostiumowi teatralnym, co było silnie pod wpływem mody czasu, a także scenografii. Aktorzy komediowatych przestępców, dali dowcipny, śmiejąc się, a czasami zła charakterystyczna dla bohaterów reprezentacji. Później, w drugiej połowie XX wieku garnitur w teatrze stał się bliskim stylem arystokratycznym w ubraniach, w zależności od roli może być niesamowitą treść. Kostiumy teatralne były już zaangażowane w rzemieślników, którzy otrzymali edukację: krawców, artystów, dekoratorów, zapotrzebowanie na te zawody.

Głównym gatem klasycznego teatru w XVII wieku był tragedią, aktorzy byli ubrani w kostiumy, powtarzając ubrania domowe Sądu i sług, gusta i interesy arystokracji wpłynęły na sztuki. Louis XIV w 1662 r. Przez jego występ na wakacjach w Versaille dał początek nowego rodzaju kostiumu dla tragicznych bohaterów przez stu lat przed nami, pojawiając się w stylizowanym stroju "Roman", stworzonym na podstawie kostiumu sądowego z dodatkiem dzieci i krótka spódnica. Kostiumy dla kobiet były jednak odzwierciedleniem nowoczesności, jednak bardziej urządzone i haftowane niż w życiu codziennym.

We wszystkich pismach na temat historii kostiumu, okres Moliere wyróżnia się, a ponieważ moda zawsze została odzwierciedlona w teatrze, ten okres i kostium teatralny stały się znaczące. Realistyczne tendencje zaczęły manifestować się w kostiumie teatru, Moliere w jego produkcjach stwierdzono przez aktorów w nowoczesnych kostiumach różnych warstw ludności. Ważnym osiągnięciem w rozwoju kostiumu teatralnego był odmowa uderzenia i pompa przez aktora D. Harrika, starał się przynieść kostium do korespondencji roli wykonywalnej, ujawnienia charakteru bohatera, pomaga zrozumieć jego istota.

Dla naszej pracy, wkład Voltaire w historii kostiumu teatralnego jest szczególnie interesujące - pragnienie dokładności historycznej, krajowej i etnograficznej. Odmowa do szczerych peruk, masywna biżuteria cenna, w której byłem wspierany przez Claron aktorki. W procesie reformy, stylizowane "rzymskie" kostium, porzucenie tradycyjnego tunelu, poszedł nadmierne wspaniałe wspaniałe, ograniczające ruch.

W XVIII wieku garnitur wreszcie się zmienia, dając kostiumowi stare tradycje, staje się historycznie niezawodne i wykonywane zgodnie ze szkicami artystów, wiele uwagi jest wypłacana na makijaż, fryzurę, ale dokładność historyczna jest osiągana tylko w oddzielnych szczegółach. Tylko w XIX wieku w związku z rozwojem sztuki reżyserskiej kostium stara się związać z ideą gry, szanuje ducha Ery w tworzeniu wydajności. Wiadomo, że dramaturgowie osobiście wzięli udział w inscenizacji sztuki i podążali za zgodnością z działki, wziął również odpowiedzialność za szkice scenerii i kostiumów, przyciągając znanych artystów. Wśród autorów szkiców kostiumów E.Delkrua, P. Gavarini, P. Deerosh L. i K. Bulanzhen, A. Delrya i innych. W tym okresie, ze specjalnym niepowodzeniem, traktowali dokładnością i dokładnością , Chociaż nie wszyscy tego szukali.

W Anglii historyczna dokładność kostiumu teatralnego zwróciła dużą uwagę na aktor U.c. Makaż, aktorka E. Vestri. Niektórzy dyrektorzy w występach historycznych próbowali dokładnie przedstawić miejsce działania, odtworzyć kostiumy dokładnie w zależności od czasu, duża uwaga została wypłacona do makijażu i fryzury. Oczywiście, takie ukierunkowane pragnienie autentyczności, historycznej i dokładności nie może być w przepływie odmowy. Pod koniec XIX wieku wielu wybitnych dyrektorów i artystów starają się zaprzeczyć rutynowej naturalizmu i walkę z realizmem w sztuce, co prowadzi do powrotu konwencji i stylizacji. Zdarzyło się, że uważano, że teatr powinien nosić coś nowego, fantastycznego, nie prawdziwego, a nie powtórzyć powszechności ludzkiego życia.

Później, na początku XX wieku kostiumy teatralne zaczynają angażować się w wybitnych i znanych artystów, przynosząc odzwierciedlenie ich kreatywności w tego typu sztuce, tworząc prawa wykonania garnituru, pracując z odkrywkami. Na obecnym etapie rozwoju sztuki teatralnej artyści szukają nie tylko w celu odzwierciedlenia idei sztuki, ale także uczynić kostiumy teatralne przez niezależne dzieło sztuki, umieścić go, aby dać się fantazji, aby pokazać swoje wizja kreatywności.

Z historii kostiumu teatralnego widzimy, jak artystów były zazdrośnie tego typu, dlatego ważność roli kostiumu teatralnego w sztuce nie jest kwestionowana. W naszym badaniu zwróciliśmy szczególną uwagę na następujących artystów zaangażowanych w tworzenie szkiców na pomysły teatralne: L. Bakst, A. Benua, N. Rerich, A. EXTER (patrz załącznik nr 1). W całym rozwoju kostiumu teatralnego widzimy, jak słynni artyści i bezimienni pracowali na temat tworzenia artystycznego wizerunku, reprezentowali nawet z zwykłego stroju stworzeń sztuki, pracował twórczo, próbując opowiedzieć widzowi o wyjątkowości i znaczeniu tej postaci . Garnitur teatralny jest stopem wielu sztuk, w jego stworzeniu jest wielu mistrzów różnych orientacji, tworzy szkic, drugi udekoruje haft, trzeci jest zaangażowany w akcesoria i Buneforia. Istnieją pewne etapy pracy nad stworzeniem kostiumu teatralnego.

Przed przystąpieniem do stworzenia kostiumu teatralnego artysta musi zapytać: Co musi stworzyć, dla kogo i jak? Odpowiedzi na te pytania oznaczają doświadczoną wiedzę artysty o atmosferze i wizerunku występu, dostępność odpowiedzialności za publiczność i doskonałą znajomość publiczności, a także znajomość wszystkich technik i technik, z pomocą, z którą On może wyrazić wszystko. Pomimo faktu, że kostium teatralny jest niezależnym dziełem sztuki, jak wszystko w wydajności, jest podporządkowane z działką ogólną. Pomysł, pomysł znajduje się w centrum wszystkiego, dyktuje treści każdej postaci, jego statusu społecznego, moralnej strony jego osobowości, a zatem jego wygląd, ponieważ wszystko to jest ze sobą powiązane. W praktyce teatralnej istnieją trzy etapy pracy nad tworzeniem garnituru: Praca z literaturą, akumulacja materiału na ogólnym temacie wydajności, pracuje na szkicu i wreszcie, wydajność szkicu w materiale, przykład wykonania faktury. Podczas rozwiązywania wspólnego kostiumu wydajności, przy wyborze sprzętu w pracy na szkicach kostiumowych, a nawet przy wyborze materiału i akcesoriów, artysta kostiumu kieruje się główną ideą wydajności. Pomysł wyrażony w scenariuszu podwróci wszystko: kostiumy, sceneria, cechy bohaterów.

Ważnym warunkiem pracy artysty w kostiumu jest osiągnięcie jedności idei wyników i jej wcielenia. Ważnym w kostiumie teatralnym jest utworzenie obrazu scenicznego. Sceniczny wizerunek w kostiumie teatralnym składa się z projektowania reżyserskiego, dramaturgi, dynamiki, rytmu. Dynamika obrazu i ewolucja charakteru charakteru i wszystko, co dzieje się na scenie kilka razy, aby kilkakrotnie zachęca artystę, aby zmienić wygląd aktora na scenie, a nie tylko garnitur, ale także makijaż i fryzurę. Kostium powinien pomóc w przekazaniu widzowi najmniejszą zmianę obrazu aktora.

Kostium jest najważniejszą częścią prezentacji teatralnej, ponieważ jest najbliżej aktora. Nie zapominaj, że kostium jest zewnętrznym charakterem postaci postaci, integralną częścią obrazu scenicznego i tworzy specjalną atmosferę wokół podmiotów, ważnych nie tylko do wykonania roli, ale także dla publiczności. Często istnieją cechy charakteru pozostającego w podtekstem sztuk, publiczność dowie się o nich w garniturze i jego oddzielnych szczegółach. Czasami garnitur musi zostać połączony z obrazem stworzonym przez aktora, ale zdarza się również, że działa jako sprzeczność postaci. Na przykład, na samym początku występu, widzimy aktor przedstawiający dobrą osobę, zachowuje się przyzwoicie i bardzo wysoko, ale jego kostium jest alarmujący widza i rzeczywiście, pod koniec gry, okazuje się złoczyńca lub zdrajca. Ponadto, pracując nad szkicami, nie zapomnij o indywidualności aktora, wszechstronności i złożoności jego natury.

Zatem następujące cechy są ekspresyjne kostiumu teatralnego:

Artystyczny malowniczy wizerunek składa się z projektowania reżyserskiego, fundamentu Dramaturgicznego, dynamiki, rytmu.

Jest niezależnym dziełem sztuki

Dąży do dokładności historycznej, narodowej i etnograficznej

Jest zewnętrznym charakterem znakiem;

Jest przeznaczony do bardziej efektywnego.