Zdjęcia impresjonistów. Działa na obrazku Mana X-ray Obraz

Obraz Jacques Louis David "Oath Horatiyev" to obrotowa w historii europejskiego malarstwa. Stylistycznie nadal należy do klasycyzmu; Jest to styl skoncentrowany na starożytności, a na pierwszy rzut oka, zachowuje się tę orientację z Dawida. "Oath Oath Goraciyev" jest napisany na działce o tym, w jaki sposób wybrano Trzech Brothers Horace do walki z przedstawicielami wrogiego Miasta Alba Długo przez braci palących. Ta historia ma Livia Tica i Diodorus Sicylian, Pierre Cornell Tragedia napisała na jej działce.

"Ale w tych klasycznych tekstach istnieje obecnie Chorwacja Horatian.<...> To Dawid, który zamienia przysięgę w centralny odcinek tragedii. Stary człowiek trzyma trzy miecze. Stoi w centrum, reprezentuje oś o obrazie. Po lewej stronie - trzech synów, którzy łączą się na jedną postać, prawda - trzy kobiety. To zdjęcie jest niesamowite proste. Przed David klasyzm dla całej swojej orientacji na Rafael i Grecji nie mógł znaleźć takiego ostrego, prostego męskiego języka do wyrażania wartości cywilnych. David wydawał się słyszeć, co powiedziało Didro, który nie miał czasu, aby zobaczyć ten materiał: "Konieczne jest napisanie, jak mówili w Spartę".

Ilya Dorontchenkov.

W czasach Davida starożytność stała się najważniejsza ze względu na wykrywanie archeologiczne Pompeje. Przed nim, starożytność była sumą tekstów starożytnych autorów - Homer, Vergil i innych - i kilkadziesiąt lub setek nieotywnie zachowanych rzeźb. Teraz stało się namacalne, do mebli i koralików.

"Ale nic z tego nie znajduje się na zdjęciu Dawida. W nim, starożytność jest uderzająco zmniejszona nie tak wiele do Entoux (Hełmety, niewłaściwe miecze, blaty, kolumny), ile do ducha prymitywnej ostrej prostoty ".

Ilya Dorontchenkov.

David całkowicie skompresował swoje arcydzieło. Napisał i umieścił go w Rzymie, zbierając tam entuzjastyczną krytykę, a następnie wysłał list do francuskiego patrona. W nim artysta zgłosił, że w pewnym momencie przestał pisać zdjęcie dla króla i zaczął pisać do siebie, a w szczególności postanowił, że nie był to kwadratowy, zgodnie z wymaganiami salonu Paryża i prostokątne. Jako artysta został policzony, plotki i list miał emocje publiczne, zdjęcie zarezerwowało dochodowe miejsce na salonie już otwarte.

"I tutaj, z opóźnieniem obraz jest podlewany na miejscu i wyróżnia się jako jedyny. Gdyby była plac, byłaby zawieszona w wielu innych. I zmieniając rozmiar, David zamienił go w wyjątkowy. To był bardzo dominujący gest artystyczny. Z jednej strony stwierdził sam jako główną rzecz w tworzeniu płótna. Z drugiej strony, przyciągnęła ogólną uwagę na to zdjęcie. "

Ilya Dorontchenkov.

Obrazy mają kolejne ważne znaczenie, które sprawia, że \u200b\u200bjej arcydzieło przez cały czas:

"To płótno narysowane nie osobowości - zamienia się do osoby stojącej w szeregach. To jest zespół. I jest to zespół dla osoby, która pierwszy działa, a potem odzwierciedla. David pokazał dwa nie-cykl, absolutnie tragicznie podzielony świat - świat istniejących mężczyzn i świata cierpiących kobiet. Te porównanie jest bardzo energiczne i piękne - pokazuje, że horror, który faktycznie oznacza historię Horati i na tym zdjęciu. A ponieważ ten horror jest uniwersalny, to "przysięga Horati" nie zostawi nas nigdzie. "

Ilya Dorontchenkov. 

Abstrakcyjny

W 1816 r. Senegal miał upadek francuskich fregaty "Medusa". 140 pasażerów opuścił Brig na tratwie, ale zaoszczędzono tylko 15; Aby przetrwać w 12-dniowej Walii na falach, musieli uciekać się do kanibalizmu. W społeczeństwie francuskim wybuchło skandal; Winni katastrofy rozpoznała niekompetentnego kapitana, rojalisty o przekonaniach.

"W przypadku liberalnego francuskiego społeczeństwa katastrofy fregaty" meduza ", śmierć statku, który dla chrześcijańskiego mężczyzny symbolizuje społeczność (pierwszy kościół, a teraz naród), stał się symbolem, bardzo złym znakiem rozpoczęcia nowego reżimu restauracyjnego. "

Ilya Dorontchenkov.

W 1818 r. Młody artysta Theodore zheriko, który szukał godnego tematu, przeczytać książkę ocalałych i zaczął pracować na jego zdjęciu. W 1819 r. Obraz został wystawiony w Salonie Paryżu i stał się hitem, symbolem romantyzmu w malarstwie. Zeriko szybko porzucił zamiar przedstawić najbardziej uwodzicielską - scenę kanibalizmu; Nie pokazał dźgnięcia, rozpaczy lub moment samego zbawienia.

"Stopniowo wybrał tylko odpowiedni moment. Jest to moment maksymalnych nadziei i maksymalnej niepewności. Jest to moment, w którym ludzie, którzy przetrwali na tratwie są po raz pierwszy widziane na horyzoncie Big "Argus", który najpierw przeszedł przez ciało (nie zauważył tego).
I tylko wtedy, idąc na kontuarze, natknął się na niego. Na szkicu, gdzie pomysł został już znaleziony, "Argus" jest zauważalny, a na zdjęciu zamienia się w mały punkt na horyzoncie, znikając, co przyciąga oczy, ale bez względu na to, jak to robi.

Ilya Dorontchenkov.

Zeriko odmawia naturalizmu: zamiast wyczerpanych ciał na jego obrazie, piękni odważni sportowcy. Ale to nie jest idealizowane, jest uniwersalizacją: obraz nie dotyczy specyficznych pasażerów "meduzy", chodzi o wszystko.

"Jerico rozprasza się w czołówce zmarłych. Nie wynalazł: francuska młodzież została popękana przez martwe i zranione ciała. Podekscytowany, pokonać nerwy, zniszczył konwencje: Klasyklysta nie może pokazać brzydki i straszliwy, a my będziemy. Ale te zwłoki mają jeszcze jedną wartość. Zobacz, co dzieje się na środku obrazu: Jest burza, znajduje się lejka, w którym wyciągnąć się wygląd. I przez ciała widz, stojący tuż przed zdjęciem, spacery na tej tratwie. Jesteśmy tam wszyscy.

Ilya Dorontchenkov.

Obraz zeriko działa w nowy sposób: nie jest skierowana do armii publiczności, ale dla każdej osoby, wszyscy są zaproszeni do tratwy. A ocean nie jest tylko oceanem utraconych nadziei 1816 roku. To ludzki cel.

Abstrakcyjny

Do 1814 r. Francja była słyszana od Napoleona, a przybycie Bourbona było postrzegane z ulgą. Jednakże wiele swobód politycznych został odwołany, rozpoczęła się przywrócenie, a do końca 1820 r. Młodsze pokolenie stało się świadome oftologicznego przyjęcia władzy.

"Eugene Delakroix należał do warstwy francuskiej elity, która wzrosła pod napoleonem i został popychany przez Bourbon. Niemniej jednak został zachmany: Otrzymał złoty medal na pierwszy z jego zdjęcia w kabinie, "Ladya Dante", w 1822 roku. W 1824 r. Rozmawiałem z obrazem "Massanie na Chios", przedstawiający oczyszczanie etniczne, kiedy grecka populacja wyspy Chios podczas greckiej wojny za niepodległość została deportowana i zniszczona. Jest to pierwszy połknięcie liberalizmu politycznego w malarstwie, co dotyczyło jeszcze bardzo daleko krajów ".

Ilya Dorontchenkov.

W lipcu 1830 r. Karl X wydał kilka przepisów, które poważnie ograniczają wolności politycznych i wysłały wojska do drukarni gazety opozycyjnej. Ale Paryżanie odpowiedzieli strzelaniem, miasto było pokryte barykadami, a na "trzy wspaniałe dni" reżimu Rubona spadł.

Na słynnym obrazie Delacroix, poświęconych rewolucyjnych wydarzeniach z 1830 r. Przedstawiono różne warstwy społeczne: Schiegol w cylindrze, chłopiec, pracownik w koszuli. Ale główny, oczywiście, to młoda piękna kobieta z nagimi piersiami i ramieniem.

"Delakroix okazuje się tutaj, co prawie nigdy nie dzieje się w artystach XIX wieku, coraz bardziej realistyczne myślenie. Udaje się na jednym obrazie - bardzo żałosne, bardzo romantyczne, bardzo odpuszczalne - do łączenia rzeczywistości, fizycznie namacalnego i brutalnego, (spójrz na zwłoki ukochane przez romantyków na pierwszym planie) i symbole. Ponieważ ta pełna kobieta jest oczywiście sama wolność. Rozwój polityczny począwszy od XVIII wieku do artystów potrzeba wizualizacji tego, czego nie widać. Jak widać wolność? Wartości chrześcijańskie przychodzą do osoby przez bardzo człowieka - przez życie Chrystusa i jego cierpienia. Oraz takie abstrakcje polityczne, jak wolność, równość, braterstwo, nie mają wyglądu. I Delakroix, być może pierwszy i bez względu na to, jak jedyny, który w ogóle, z powodzeniem wykonał z tym zadaniem: teraz wiemy, jak wygląda wolność. "

Ilya Dorontchenkov.

Jednym z symboli politycznych na zdjęciu jest frygijską czapką na głowie dziewczyny, stały heraldyczny symbol demokracji. Kolejnym motywem mówiący jest nagość.

"Nudget od dawna wiąże się z naturalnością i przyrodą, aw XVIII wieku ten stowarzyszenie zostało zmuszone. Historia rewolucji francuskiej zna nawet wyjątkową wydajność, kiedy naga aktorka Teatru Francuskiego przedstawiła NUD w katedrze w Teatrze Paryżu. A natura jest wolnością, to jest naturalne. I tak się okazuje, ta namacalna, zmysłowa, atrakcyjna kobieta oznacza. Oznacza naturalną wolność. "

Ilya Dorontchenkov.

Chociaż ten obraz uwielbiony Delacroa, wkrótce ją usunięto z jego oczu przez długi czas i jest jasne dlaczego. Przeglądarka stoi przed nim okazuje się w pozycji tych, którzy atakują wolność, których atakuje rewolucja. Na wybitnym ruchu, który Cię, wygląda bardzo nieswojo.

Abstrakcyjny

W dniu 2 maja 1808 r. Bunt Anti-Napoleon wybuchł w Madrycie, miasto było w rękach protestujących, ale wieczorem trzeciej liczby w pobliżu stolicy hiszpańskiej, ogromne strzelanki buntowników zostały szylnione . Wydarzenia te wkrótce doprowadziły do \u200b\u200bwojny partyzjskiej, która trwała sześć lat. Kiedy się skończy, malarz francisco Goya zostanie zamówiony dwoma zdjęciami, aby utrwalić powstanie. Pierwszy jest "Powstanie 2 maja 1808 r. W Madrycie".

"Goya naprawdę przedstawia moment początku ataku - który pierwszy trafił przez Navay, który rozpoczął wojnę. To jest ta sugestia chwili tutaj jest niezwykle ważna. Wydaje się, że jest przywieziony do aparatu, z panoramy, który porusza się do niezwykle bliskiego planu, który również nie był tego stopnia. Jest tu kolejna ekscytująca rzecz: uczucie chaosu i dźgnięcia tutaj jest niezwykle ważne. Nie ma człowieka, który żałujesz. Są ofiary i są zabójcy. A te zabójcy z krwią zaorą oczy, ogólnie hiszpańscy patrioty, są zaangażowani w mięso.

Ilya Dorontchenkov.

W drugim zdjęciu znaki różnią się w miejscach: ci, którzy są cięte na pierwszym zdjęciu, na drugim strzale, które je wycinają. A moralna ambiwalencja walki ulicznej jest zastąpiona jasnością moralną: Goya z boku tych, którzy zbuntowali się i umiera.

"Wrogowie są teraz rozwiedzeni. Właściwych tych, którzy będą żyć. Jest to seria ludzi w mundurach z bronią, są absolutnie takie same, jeszcze bardziej identyczne niż bracia Horace z Dawida. Nie widzą ludzi, a ich pryszczycy sprawiają, że są podobne do samochodów, na robotach. Nie są to liczby ludzkie. Są to czarna sylwetka wyróżniać się w ciemności w nocy na tle oświetlenia światła kultury.

Zostawił tych, którzy umierają. Poruszają się, społeczeństwo, gestykulować i z jakiegoś powodu wydaje się, że są ponad ich kokalistami. Chociaż główny, centralny charakter - Madryt w pomarańczowych spodniach i białej koszuli - stoi na kolanach. Jest jeszcze wyższy, jest trochę na Hillock.

Ilya Dorontchenkov.

Dying Notch stoi na postawie Chrystusa, a do spożywania Joyya przedstawiają stigmatykę na jego dłoniach. Ponadto artysta sprawia, że \u200b\u200bcały czas doświadcza trudnego doświadczenia - spójrz na ostatniej chwilę przed wykonaniem. Wreszcie Goya zmienia zrozumienie wydarzenia historycznego. Przed nim wydarzenie zostało przedstawione wraz z jego rytualną, retoryczną stroną, wydarzeniem Goya jest chwilą, pasją, nie poddającym się krzykiem.

Na pierwszym zdjęciu dyginalizuje, że Hiszpanie wycinają nie francuski: jeźdźcy objętych nogami konia, ubrani w kostiumy muzułmańskie.
Faktem jest, że w wojskach Napoleona był oderwaniem Mamelukowa, egipskich Cavalrysen.

"Wydaje się, że artysta zamienia się w symbol francuskiej okupacji muzułmańskich wojowników. Ale pozwala to Goya włączyć nowoczesne wydarzenie w historii Historii Hiszpanii. Dla każdego narodu dorastał swoją świadomość podczas wojen napoleońskich, niezwykle ważne było uświadomienie sobie, że wojna ta jest częścią wiecznej wojny za ich wartości. A taka mitologiczna wojna dla hiszpańskich ludzi była rekompensata, przywrócenie Pirenejskiego Półwyspu w Muzułmańskich Królestwach. Tak więc, Goya, zachowując lojalność dokumentalnego, nowoczesności, stawia to wydarzenie w kontakcie z Mitem Narodowym, zmuszając walkę z 1808 r. Jako wieczna walka Hiszpanów dla krajowego i chrześcijańskiego ".

Ilya Dorontchenkov.

Artysta zdołał stworzyć formułę ikonograficzną wykonania. Za każdym razem, gdy jego koledzy - niezależnie od tego, czy grzywa, Dix czy Picasso, odwołał się do tematu egzekucji, poszli za Goya.

Abstrakcyjny

Malownicza rewolucja XIX wieku jest jeszcze bardziej namacalna niż na zdjęciu zdarzeń, miała miejsce w krajobrazie.

"Krajobraz całkowicie zmienia optykę. Osoba zmienia swoją skalę, osoba doświadcza siebie w inny sposób na świecie. Krajobraz jest realistycznym wizerunkiem tego, co jest wokół nas, z uczuciem nasyconej wilgotności powietrza i codziennych przedmiotów, w których jesteśmy wysyłani. Albo może być projekcją naszych doświadczeń, a następnie w przepełnieniu zachodu słońca lub radosny słoneczny dzień widzimy stan naszej duszy. Ale są uderzające krajobrazy, które należą do obu innych modus. I bardzo trudno jest zrozumieć, w rzeczywistości, który dominuje. "

Ilya Dorontchenkov.

Ta dualizm jest jasno objawiana przez niemieckiego artysty Caspar David Friedricha: jego krajobrazy i opowiedz nam o charakterze bałtyk, a jednocześnie są one studentem filozoficznym. W scenerii Friedrich znajduje się bezbitne uczucie melancholii; Mężczyzna rzadko wnikuje je dalej i zazwyczaj odwracają się do widza.

W ostatnim filmie "Wiek życia" na pierwszym planie pokazuje rodzinę: dzieci, rodzice, staruszek. A potem za szczeliną przestrzenną - niebo zachodu słońca, morze i żaglówki.

"Jeśli spojrzymy na to, jak zbudowana jest ta tkanina, zobaczymy uderzające połączenie między rytmem ludzkich postaci na pierwszym planie i rytm żaglówek w morzu. Oto wysokie figury, oto niskie kształty, są to duże żaglówki, oto łodzie pod żaglami. Natura i żaglówki są nazywane muzyką kulek, jest wieczny i niezależny od człowieka. Mężczyzna pierwszego planu jest jego ostateczną istotą. Morze w Friedrich jest bardzo często metafora Itheusa, śmierci. Ale śmierć dla niego, człowiek wierzący, jest obietnicą życia wiecznego, o którym nie wiemy. Ci ludzie na pierwszym planie są małe, skorumpowane, niezbyt atrakcyjne napisane - ich rytm powtórzył rytm żaglówki, jak pianista powtarza muzykę sfer. To nasza ludzka muzyka, ale wszystkie rymuje się z muzyką, którą przyroda jest wypełniona dla Friedricha. Dlatego wydaje mi się, że w tym płótnie, Friedrich obietnice - nie The Afterlime Paradise, ale że nasza ostateczna istota jest nadal w harmonii ze Wszechświatem. "

Ilya Dorontchenkov. 

Abstrakcyjny

Po wielkiej rewolucji francuskiej ludzie zdali sobie sprawę, że mieli przeszłość. XIX wieku dzięki wysiłkom romantycznej estetyce i historyków-Positivist stworzył nowoczesny pomysł historii.

"XIX wiek stworzył obraz historyczny, który ją znamy. Nie rozproszony greckich i rzymskich bohaterów działających w idealnym środowisku prowadzonym przez idealne motywy. Historia XIX wieku staje się melodramatyczna, zbliża się do osoby, a teraz jesteśmy w stanie współczuć nie świetnych czynów, ale nieszczęść i tragedii. Każdy naród europejski stworzył historię w XIX wieku, a przez projektowanie historii, w ogóle, stworzyła jego portret i plany na przyszłość. W tym sensie europejski historyczny obraz XIX wieku jest strasznie interesujący do nauki, choć moim zdaniem nie odejdzie, prawie nie pozostawiła prawdziwie wspaniałych prac. Wśród tych wspaniałych dzieł widzę jednego wyjątku, że my, Rosjanie, możemy słusznie dumni. To jest "rano Streletsky wykonanie" Wasilia Surikov ".

Ilya Dorontchenkov.

Historyczny obraz XIX wieku, koncentruje się na zewnętrznym prawdomównym, zazwyczaj mówi o jednym bohaterze, który kieruje historią lub tolerować porażkę. Obraz Surikova tutaj jest jasny wyjątek. Jej bohater jest tłumem w strojach Motley, który zajmuje prawie cztery piąte obrazy; Z tego powodu wydaje się, że obraz jest niezorganizowany niezorganizowany. Za tętniącą się tętniącego życiem tłumem, z których część wkrótce umrą, to jest motley, który martwi błogąską świątynię bazylii. Dla mrożonego Piotra, Shangoy Soldier, Hango zawiesza się - zęby ścienne Kremlowe Kreml. Obrazek wiązania pojedynku widoku Petera i Redhead Sagittarius.

"Możemy bardzo dużo o konflikcie społeczeństwa i stanów, ludzi i imperiów. Ale wydaje mi się, że w tej rzeczy nadal istnieją pewne wartości, które sprawiają, że jest wyjątkowy. Vladimir Stasov, promotor kreatywności głowy i obrońcy rosyjskiego realizmu, który napisał o nich dużo nadmiaru, o Surikovie powiedział bardzo dobrze. Nazywał zdjęcia tego rodzaju "chóral". Rzeczywiście, nie ma w nich żadnych bohaterów - nie ma jednego silnika. Silnik staje się ludźmi. Ale na tym zdjęciu rola ludzi jest bardzo dobrze zauważalna. Joseph Brodsky w swoim wykładzie Nobla doskonale powiedziało, że prawdziwa tragedia nie jest wtedy, gdy bohater umiera, ale kiedy chór umiera. "

Ilya Dorontchenkov.

Wydarzenia występują w obrazach Surikowa, jakby oprócz wola ich postaci - iw tej koncepcji historii artysty, jest oczywiście blisko Tolstovskaya.

"Społeczeństwo, ludzie, naród na tym zdjęciu wydaje się rozdzielony. Żołnierze Piotra w mundurze, który wydaje się czarny, a Strzelca w kolorze białym jest sprzeczna z dobrem i złem. Co łączy te dwie nierówne części składu? Jest to strzałka w białej koszuli, a żołnierzy w mundurze, co wspiera go przez ramię. Jeśli mentalnie usuniemy wszystko, co ich otaczają, nigdy nie będziemy w życiu, możemy założyć, że ta osoba prowadzi do egzekucji. Są to dwóch kumpli, którzy wracają do domu, a jeden wspiera kolejny przyjazny i ciepło. Wlewając Greeneva w "Capain Córce", zostało wykonane przez Pugachevtsy, powiedzieli: "Nie czułem się", jakby naprawdę chcieli się kibicować. Jest to uczucie, że ludzie oddzielali woli historii w tym samym czasie Bratsku i jeden, jest uderzającą jakość płótna Surikova, której też nie znam nigdzie indziej.

Ilya Dorontchenkov. 

Abstrakcyjny

W malarstwie liczy się rozmiar, ale nie każda fabuła może być przedstawiona na dużej płótniach. Różne malownicze tradycje zostały przedstawione przez Selliana, ale najczęściej - nie w ogromnych obrazach, a mianowicie "pogrzeb w Ornan" Gustava Kourba. Ornan - wybitny województwo, w którym sam artysta pochodzi.

"Kourbe przeniósł się do Paryża, ale nie stała się częścią zakładu artystycznego. Nie otrzymał edukacji akademickiej, ale miał potężną rękę, bardzo łańcuszkowy wygląd i ogromne ambicje. Zawsze czuł się prowincjonalnie i był dla niego najlepszy w domu, w Ornanie. Ale mieszkał prawie całe życie w Paryżu, walcząc z sztuką, która już umiera, walcząc ze sztuką, która idealizuje i mówi o generała, o przeszłości, o pięknej, nie zauważając. Taka sztuka, która pochwala, która wkrótce opóźnia, z reguły stwierdza bardzo duży popyt. Kursbe był rzeczywiście rewolucyjny w malarstwie, choć teraz ta rewolucjonista nie jest dla nas jasna, ponieważ pisze życie, pisze prozę. Najważniejszą rzeczą jest to, że był rewolucyjny - to jest to, co przestał wyniesiony jego naturę i zaczął pisać dokładnie tak, jak się widzi, jak wierzył, że widzi.

Ilya Dorontchenkov.

Na gigantycznym obrazie, około pięćdziesiąt osób przedstawiono w pełnym wzrostu. Wszystkie są prawdziwymi twarzami, a specjaliści zidentyfikowali prawie wszystkich członków pogrzebu. Kursbe wyciągnął swoich rodaków, a oni byli zadowoleni, aby dostać się na obraz dokładnie tego, czym są.

"Ale kiedy to zdjęcie zostało wystawione w 1851 r. W Paryżu, stworzyła skandal. Podeszła przeciwko wszystkim, że paryska publiczna była przyzwyczajona do tej chwili. Artyści, obrażała brak wyraźnej kompozycji i gruboziarnistego, gęstego malowania duszpasterskiego, które przekazuje istotność rzeczy, ale nie chce być piękna. Zwykła osoba przestraszona fakt, że nie mógł naprawdę zrozumieć, kto to był. Uderzający był upadek komunikacji między publicznością Wojewódzką Francję i Paryżanami. Paryżanie postrzegali wizerunek tego szanowanego zamożnego tłumu jako wizerunku biednych. Jedną z krytyków powiedział: "Tak, jest to hańba, ale jest to hańba prowincji, a Paryż ma swoją hańbę". Pod hańbiem faktycznie zrozumiała prawdomówność. "

Ilya Dorontchenkov.

Kurba odmówili idealizacji, co czyniło to prawdziwą awangardową XIX wieku. Koncentruje się na francuskim fanem, a na holenderskiej grupie portrecie, a na antycznej uroczystości. Kurba uczy postrzegać nowoczesność w jej wyjątkowości, w jej tragi i w jego pięknie.

"Salony francuskie znali obrazy ciężkiej pracy chłopskiej, biednych chłopów. Ale modus obrazu był ogólnie akceptowany. Chłopi musieli żałować, chłopi musieli sympatyzować. To był widok z góry. Osoba, która sympatyzuje, z definicji, jest w pozycji priorytetowej. A Kurba pozbawiła widzę możliwość takiej protekcjonalnej empatii. Jego postacie są majestatyczne, monumentalne, ignorują ich widzów i nie pozwalają ci ustalić z nimi taki kontakt, który czyni ich częścią zwykłego świata, są one bardzo potężne stereotypy. "

Ilya Dorontchenkov. 

Abstrakcyjny

XIX wieku nie kochał siebie, wolą szukać piękna w czymś innym, czy to było starożytność, średniowiecze lub wschód. Pierwsze piękno nowoczesności nauczyło się widzieć Karola Bajler i ucieleśnił jej malarstwa artystów, których Bodler nie był przeznaczony do zobaczenia: na przykład Edgar Degas i Edward Man.

"Grzywa jest prowokowaną. Mana w tym samym czasie genialny malarzec, którego urok, którego farby, farby, bardzo paradoksalnie połączone, powoduje, że widz nie zadaj sobie oczywistych pytań. Jeśli spojrzysz na jego obrazy, często jesteśmy zmuszeni do rozpoznania, że \u200b\u200bnie rozumiemy, co prowadzili tych ludzi, że robią sobie nawzajem, dlaczego te przedmioty są podłączone na stole. Najprostsza odpowiedź: Mana przede wszystkim malarz, głównie oko. Ciekawe jest dla niego do podłączenia kolorów i tekstur, a logiczny koniugacja obiektów i osób jest dziesiątym biznesem. Takie zdjęcia często umieszczają widza, który szuka treści, który szuka historii w ślepym końcu. Historie Mana nie mówią. Mógł pozostać tak uderzająco dokładnie i wyrafinowany aparat optyczny, gdyby nie stworzył ostatniego arcydzieła już w tych latach, kiedy posiadali śmiertelną chorobę. "

Ilya Dorontchenkov.

Malarstwo "Bar w Foli-Berger" został wystawiony w 1882 r., Najpierw najpierw ośmieszenie krytyków, a następnie szybko został uznany za arcydzieło. Jej temat jest koncertem kawiarni, jasnym zjawiskiem życia paryskiego drugiej połowy wieku. Wydaje się, że mana jasno i niezawodnie uchwyciła życie Folibera.

"Ale kiedy zaczniemy uważnie patrzeć na fakt, że zrobiłeś grzywę na zdjęciu, zrozumiemy, że istnieje ogromna liczba niespójności, które są podświadomie niepokojące, a ogólnie, nie otrzymując pozwolenie. Dziewczyna widzimy sprzedawcę, musi sprawić, by goście zatrzymali się, kokony z nią i nadal piją. Tymczasem nie flirtuje z nami, ale patrzy przez nas. Na stole znajdują się cztery butelki szampana w cieple - ale dlaczego nie w lodzie? W refleksji lustrzanej butelek te nie znajdują się na skraju stołu, na czym stoją na pierwszym planie. Szkło z różami nie jest widoczne pod kątem, pod czym widziano wszystkie inne przedmioty stojące na stole. A dziewczyna w lustrze nie wygląda dokładnie tak, jak dziewczyna, która na nas patrzy: jest bardziej powolna, ma bardziej zaokrąglone kształty, pochyliła się na gość. Ogólnie rzecz biorąc, zachowuje się, ponieważ musiałby prowadzić do którego wyglądamy. "

Ilya Dorontchenkov.

Krytyka feministyczna zwróciła uwagę na fakt, że dziewczyna z konturami przypomina butelkę szampana szampana na ladzie. Jest to powolna obserwacja, ale prawie wszechstronna: obrazy melancholiczne, psychologiczna izolacja bohaterki jest przeciwna interpretację prostoliniową.

"Ta fabuła optyczna i psychologiczne zagadki obrazu wydają się mieć jednoznaczną odpowiedź, sprawiają, że zbliżamy się do niej ponownie i zadawaj te pytania za każdym razem, podświadomie impregnując poczucie pięknej, smutnej, tragicznej, codziennego życia współczesnego, którego Baudelaire marzyło na zawsze pozostawiony do amerykańskiej many. "

Ilya Dorontchenkov. 

z wrażenia / fr./ - wrażenie (1874-1886)

Kierunek w sztuce powstał we Francji. Ta nazwa, styl, który miał najbardziej poważny wpływ na rozwój sztuki świata, dzięki sarkastycznej etykiecie wynalazkowanej przez Louis Louroy, który wymyślił sarkastyczną etykietę. Kina ściętego tytułu obrazu Claude Monet "wrażenie. Wschód słońca" (wrażenie Artyści, od wyzwania, zaakceptowali tę epithite, potem zabrał korzeń, stracił swoje oryginalne negatywne znaczenie i stał się aktywny. Impresjoniści próbowali przekazać swoje wrażenia ze świata tak dokładnie, jak to możliwe. W tym celu odmówili przestrzegania istniejących zasad malarskich i stworzyli własną metodę. Jego istota spadła do transferu za pomocą oddzielnych rozmazów czystych farb, zewnętrznego wrażenia światła, cienia, na powierzchni przedmiotów. Taka metoda utworzona na zdjęciu wrażenie rozpuszczania formularza w otaczającej przestrzeni powietrznej. Claude Monet napisał o swojej pracy: "Moja zasługa jest taka, że \u200b\u200bnapisałem bezpośrednio z natury, próbując przekazać swoje wrażenia z najbardziej nietrwałowych i lotnych zjawisk". Nowy kurs wyróżnił się z malarstwa akademickiego zarówno w warunkach technicznych, jak i ideologicznych. Przede wszystkim Impresjonici porzucili kontur, zastępując go małymi oddzielnymi i kontrastującymi pociągnięciami, które narzucone zgodnie z teoriami koloru Chevreil, Helmholtz i Ore. Sunbeam jest podzielony na elementy: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest rodzaj niebieskiego, a następnie ich liczba jest zmniejszona do sześciu. Dwie farby położyły się w pobliżu wzajemnie i, przeciwnie, gdy mieszano, tracą intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na pierwotne lub podstawowe i podwójne, lub pochodne, z każdą podwójną farbą jest dodatkowe do pierwszego: niebieski - pomarańczowy czerwony - zielony żółty - fioletowy, więc stał się możliwy, aby nie mieszać farby na palecie i Uzyskaj żądany kolor przez prawidłowe nałożenie ich na płótnie. To później stało się powodem nienormalnego.

Artyści: Paul Cézanne, Edgar Dega (Edward Henri Paul Gauguin), Edward Mane (Manet Edouard), Claude Monet (Oscar-Claude Monet), Berthe Morizo \u200b\u200b(Berthe Morisot), Camille Pissaro ( Jacob Abraham Camille Pissarro), Pierre Auguste Renoir (Pierre-Auguste Renoir), Alfred Sisley.

Wystawy: Wszystko było osiem, pierwszy odbył się w 1874 r. W Paryżu, w studiu fotografa Nadara, Kapuchin Boulevard, 35. Kolejne wystawy, do 1886 r., W różnych salonach Paryża.

Teksty: Wystawa J.a. Kastanyari "na bulwarze Kapuchin. Impresjoniści", 1874; E.dyuranti "Nowy obraz", 1876; Tyur "artyści-impresyści", 1878.

Opis niektórych prac:

Pierre Auguste Renoir "Piłka w Moulin de la Gaette", 1876. Płótno, olej. Paryż, muzeum d'ors. Słynny zakład Montmartre "Moulin de la Gaette" był uważany za niedaleko mieszkania Renoara. Poszedł tam, aby pracować, a przyjaciele przedstawili na tym zdjęciu, często pomogli mu nosić płótno. Kompozycja składa się z różnych liczb, tworzy pełne uczucie tłumu, uchwycony przez radość tańca. Wrażenie ruchu, który jest pełen obrazu, występuje z powodu dynamicznego stylu malarstwa i światła, swobodnie spadające odblaski na twarzach, kostiumach, kapeluszach i krzesłach. Jak przez filtr przechodzi przez liście drzew, zmienia gamę chromatyczną w kalejdoskopie odruchów. Wydaje się, że ruch postaci kontynuuje i zwiększa cienie, wszystko razem jest połączone w cienkich wibracjach, które przekazują uczucie muzyki i tańca.

Pierre Auguste Renoir "Piłka w Moulin de la Gaette", 1876

Eduard Mana "Bar w Foli Berger", 1881-1882. Płótno, olej. Londyn, Galeria Instytutu Kurto. Trudno jest określić określony gatunek ostatniego dużego obrazu Mana - bar w Foliber Berger "wystawiony w kabinie w 1882 roku. Obraz jest charakterystyczny dla wizerunku życia, a portret i martwa natura, która nabywa całkowicie wyjątkowe tutaj, choć nieważne znaczenie tutaj. Wszystko to jest zjednoczone w scenie nowoczesnego życia, z niezwykle prozy - motywacji sceny (która może być izbą sprzedaży na barze paska?), Udowodnione przez artystę w obrazie wysokiej artystycznej doskonałości. Lustro za stojącą barem, za którym znajduje się bezimienna bohaterka na płótnie, odzwierciedla zatłoczoną sali, świecący żyrandol, nogi pod sufitem Akrobatki, marmurową deskę z butelkami i samą dziewczyną, do której pan w cylinder jest odpowiedni. Po raz pierwszy lustro tworzy tło całego obrazu. Przestrzeń baru, odzwierciedlenie w lustrze za tył sprzedaży, rozszerza się do nieskończoności, zamienia się w błyszczącą girlandę świateł i blasku kolorów. A widz przed zdjęciem jest zaangażowany w tym drugim środowisku, stopniowo tracąc poczucie twarzy między prawdziwym światem odzwierciedlonym. Prosty wygląd modelu narusza zwodnicze rozszerzenie (L'Absorpcja) - tradycyjny odbiór rekordu głównego bohatera obrazu skoncentrowanego przez ich sprawy i jak nie widz opazujący. Tutaj, wręcz przeciwnie, Mana wykorzystuje widoki bezpośrednie i "eksploduje" zamkniętość obrazu. Przeglądarka jest zaangażowana w intensywny dialog i jest zmuszony wyjaśnić, co znajduje odzwierciedlenie w lustrze: związek między woskiem a tajemniczym charakterem w cylindrze.

Nagroda długo oczekiwana na nagrodę za portret łowcy na Lwowie. Związać. Potem grzywa staje się poza konkursem i może wykazywać swoje obrazy, bez zgody jury kabiny.
Manna postanowiła stworzyć coś całkowicie niezwykłego dla salonu sztuki, na początku 1882 r., Gdzie jego obrazy pojawi się ze specjalnym znakiem "V. DO".
Czy wierzysz w astrologię i prognozy gwiazd? Miliony ludzi zaufania prognoz, które tworzą różnych astrologów. Guru wśród takich predyktorów jest Globa Pavel. Nikt nie wie więcej o gwiazdach gwiazd niż Globa.
Do niego pojawia się długo oczekiwaną chwałę, ale jego choroba postępuje bez wyjątkowo nieubłagannie i wie o tym i dlatego gryzący. Mana próbuje oprzeć się ciężką chorobę. Czy naprawdę nie jest w stanie podnieść choroby?
Mana postanawia zebrać całą swoją siłę i wolę, wciąż próbuje go pochować wcześnie. Można go zobaczyć w kawiarni "Nowe Ateny", w kawiarni źle, w Tortoni, w Foliber Berger i jego przyjacielu. Cały czas próbuje żartować i iraskować, bawić się o jego "ogromnej" i żartów o swojej nodze. Grzywa decyduje się wykonać swój nowy pomysł: narysuj scenę z codziennego życia paryskiego i przedstawia widok słynnego bara Bergera, w którym urocza dziewczyna jest Sunson, przed liczne butelki. Dziewczyna zna wielu regularnych odwiedzających bar.
Obrazek "Bar w berger"Jest to produkt niezwykłej odwagi i malowniczej detululness: blond dziewczyna stoi za barem, za nią dużym lustrem, co odzwierciedla dużą sali instytucji z publicznym siedzeniem w nim. Ma ornament na czarnym aksamicie na szyi, jej spojrzenie jest zimno, ona wciąż okładka, wygląda obojętnie na innych.
Ta złożona działka na płótnie odchodzi z wielką trudnością. Artysta uderza mu i powtarza się wielokrotnie. Na początku maja 1882 r. Grzywa daje zdjęcie i staje się szczęśliwym kontemplującym w kabinie. Nad jego obrazami, nikt nie śmieje się więcej, wszystkie jego obrazy rozważają z wielką powagą, zaczynają kłócić się o prawdziwe dzieła sztuki.
Jego ostatnia praca "Bar in Foli-Berger" stworzona tak, jakby wślizgnął się z życiem, które było tak wycenione, co było tak podziwiane i dużo myśli. Praca wchłoniła cały fakt, że artysta poszukuje tak długo i znaleziony w dowolnym niepozornym życiu. Najlepsze obrazy pękły razem, aby być ucieleśniani w tej młodej dziewczynie, która stoi w hałaśliwym paryskim Kabash. W tej instytucji ludzie szukają radości kontaktującej się ze sobą, podobnie jak zwykłe zabawy i śmiech panuje tutaj, młody i wrażliwy mistrz otwiera wizerunek młodego życia, który jest zanurzony w smutku i samotności.
Trudno wierzyć, że ta praca została napisana przez umierający artysta, do którego każda ręka poruszyła ból i cierpienie. Ale nawet przed śmiercią Edward Mana pozostaje prawdziwym wojownikiem. Musiał przejść przez trudną ścieżkę życia, zanim odkrył prawdziwe piękno, które szukał całego życia i znalazł go w zwykłych ludziach, znajdując w duszy wewnętrzne bogactwo, do którego dał swojemu sercu.

Eduard Mana - Bar w Foli-Berger, 1882

Un Bar Aux Folies Bergère

Płótno, olej.

Rozmiar oryginału: 96 × 130 cm

Instytut Sztuki Kurto, Londyn

Opis: "Bar w Foli-Berger" (Fr. Un Bar Aux Folies Bergère) - Malowanie Edward Man.

Foliber - Różnorodność i kabaret w Paryżu. Znajduje się przy Rishe Street 32. Pod koniec XIX wieku instytucja ta była bardzo popularna. Mana często odwiedził Foliber Berger i ostatecznie napisał to zdjęcie - ostatni, który prezentował w Salonie Paryż przed jego śmiercią w 1883 roku. Mana zrobiła szkice do zdjęcia w samym barze, który był na pierwszym piętrze, różnorodność po prawej stronie sceny. Potem zapytał Bartisrhu Suson (ks. Suzon) i jego przyjaciela, Artysta Wojskowy Henri Dupre (Fr. Henri Dupray), pozować w warsztacie. Początkowo podstawa kompozycji powinna być bartalistą i klientem, którzy są pasjonatami rozmowy. Wyważa to, nie tylko zachowane szkice, ale także zdjęcia rentgenowskie obrazu. Później Mana postanowiła zrobić scenę bardziej znaczącą. W tle widoczne jest lustro, co odzwierciedla ogromną liczbę osób wypełniających pokój. Naprzeciwko tego tłumu, za stojakiem jest wchłaniany przez własne myśli Bartamentu. Mana udało się przekazać uczucie niesamowitej samotności w środku picia, chętnego, rozmowy i palenia tłumu, obserwując akrobata na trapezie, który można zobaczyć w lewym górnym rogu obrazu.

Jeśli spojrzysz na butelki na barze marmuru, można zauważyć, że ich odbicie w lustrze nie pasuje do oryginału. Odbicie barmanów jest również nierealne. Patrzy prosto na widza, podczas gdy w lustrze stoi twarzą w twarz z mężczyzną. Wszystkie te niespójności sprawiają, że widz myślą, prawdziwy lub wyimaginowany świat przedstawiony mana. Lustro, które odzwierciedlają liczby przedstawione na zdjęciu, krewnych "Bar w Foli-Berger" z "Meninos" Velasquez i "Portret Arnolphin Fau" Wang Eyka.

Opis malarstwa Edward Many "Bar w Foli - Berger"

Ta grafika zyskała wielką sławę. Przesyła codzienne życie płynące w francuskim metropolitalnym barze czasu XIX wieku. Artysta i sam byli tu dość często, co sprawiło, że wziął szczotkę.

Co wyjaśnia Traction Mana do bezczynnej rozrywki w tym kabacie? Rzecz jest taki, że Stwórca nie lubił spokoju, milczenia. Lubił się bawić, komunikować się, prowadzić szczere rozmowy, spotykać się z ludźmi. Dlatego był tak ręcznie szybki styl życia piwa Paryża.

Wydaje się, że artysta zaczął pisać swoje zdjęcie bezpośrednio w instytucji. Początkowo siedział przy scenie, po prawej stronie i wskazał szkic. Potem zapytała Barmenta, by stanąć przed nim w swojej zwykłej pozie - za barem, ale już w kreatywnym warsztacie.

Po śmierci artysty odkryto pierwsze prace z tego kabaretu. Okazuje się, że początkowa idea obrazu była nieco inna. Powinien być przedstawiony przez barmanów i młodego człowieka - kumpla. Stali przeciwko sobie i rozmawiali.

W rezultacie okazało się innym: barmetryczne stoiska przed tłumem klientów, którzy są widoczne w lustrze wiszącym za nim. Jest troskliwa, rozproszona, nie słucha ludzi i marzeń własnych. Natychmiast jednak zobaczymy ją po prawej, jak gdyby dziewczyna rozmawiała z mężczyzną, który przyszedł do barze. Czy to czy inny barman? To pytanie pozostało niewyjaśnione.

Być może fakt, że w lustrze jest fakt, że w głowie pracowników kabarek. To znaczy wyświetlacz jej myśli, wspomnienia o ostatnim. Przeglądarka rozumie: Dziewczyna jest sama, a wokół niego jest życie. Acrobatka, pijane twarze, Merry Klienci nie zadowalają dziewczyny, ona jest zanurzona w swoich smutnych wozach. Ale nie może tu odejść, ponieważ to jej praca. Desharmonia jest.

Eduard Mana - Bar w Foli-Berge 1882

Bar w faulu
1882g 96x130 cm Płótno / Olej
Courtauld Institute of Art, Londyn, Wielka Brytania

Z książki Reald John. "Historia impresjonizmu"W salonie 1882, Grzywa, teraz wychodząc z konkurencji, umieść duży obraz baru "Barger Bar", imponującej kompozycji napisanej niezwykłą wirtuozerską. Po raz kolejny pokazał moc pędzla, subtelności obserwacji i odwagi, aby nie podążać za wzorem. Podobnie jak degi, kontynuował wykazując stałe zainteresowanie tematami nowoczesności (nawet zamierzał napisać kierowcę na lokomotywie), ale podszedł do nich nie jako zimny obserwator, ale z gorącym entuzjazmem badacza nowych zjawisk życia. Nawiasem mówiąc, Dega nie lubiła jego ostatniego zdjęcia i nazywała ją "nudną i wyrafinowaną". "Bar w Folible Berger" kosztuje duży wysiłek, ponieważ zaczął poważnie cierpienia z powodu ATAXIA. Był rozczarowany, gdy publiczność ponownie odmówiła zrozumienia jego zdjęcia, postrzegając tylko fabułę, a nie umiejętność egzekucji.
W liście do Alberta Wolfa nie mógł się oprzeć się niezdecydowanym, aby usłyszeć, w końcu nie miałbym nic do czytania niczego, podczas gdy wciąż żyje, wspaniały artykuł, który piszesz po mojej śmierci.

Po zamknięciu salonu grzywa została ostatecznie oficjalnie zadeklarowana przez kawalier Honorowy Legion. Bez względu na to, jak bardzo była jego radość, niektóre gorycz były mieszane. Kiedy krytyk gratuluje go, a także wręczył mu najlepsze życzenia hrabiego Ruerberkerka, Mana odpowiedział ostro: "Kiedy piszesz liczenie Ruverkerka, możesz mu powiedzieć, że doceniam swoją delikatną uwagę, ale sam miał okazję dać mi tę nagrodę. Może mnie uszczęśliwić, a teraz jest za późno, aby zrekompensować dwadzieścia lat porażki ... "