Caravaggio - włoski obraz XVII wieku. Włochy w XVII-XVIII stuleci Caravaggio

Uniwersytet Regionalny w Moskwie

Streszczenie na historii sztuki

XVII wiek sztuki włoskiej.

Wykonane:

student Departamentu Korespondencji

33 grupy wydziałów i HP

Minakova Evgenia Yuryevna.

Sprawdzone:

Moskwa 2009.

• Włochy w XVII wieku
• Architektura. Styl barokowy w architekturze.
• Architektura. Wczesny barok.
• Architektura. Wysoki lub dojrzały, barokowy.
• Architektura. Barokowa architektura na zewnątrz Rzymu.
• Sztuka. Charakterystyka ogólna.
• Sztuka. Wczesny barok.
• Sztuka. Realistyczny prąd.
• Sztuka. Druga generacja artystów szkoły Bologna.
• Sztuka. Wysoki lub dojrzały, barokowy.
• Sztuka. Później barok.

Już od połowy 16 wieku, historyczny rozwój Włochy charakteryzuje się początkiem i zwycięstwem reakcji feudalno-katolickiej. Ekonomicznie słaby, fragmentowany do indywidualnych niezależnych państw, Włochy nie jest w stanie wytrzymać ataku potomnych krajów - Francji i Hiszpanii. Długa walka tych państw do dominacji we Włoszech zakończyła się zwycięstwem Hiszpanii, zwalniana przez traktat pokojowy w Kato-Cambrey (1559). Od tego czasu los Włoch zamienia się ściśle związane z Hiszpanią. Z wyjątkiem Wenecji, Genui, Piemontu i Papieskiego Regionu, Włochy dla prawie dwóch stuleci było w rzeczywistości w pozycji hiszpańskiej prowincji. Hiszpania obejmowała Włochy w Rurzynów, które często chodził na terytorium państw włoskich, promował rozprzestrzenianie się i wzmocnienie reakcji feudalnej we Włoszech, zarówno w gospodarce, jak iw życiu kulturalnym.

Pozycja dominująca w życiu publicznym Włoch była zajęta przez arystokrację i najwyższy katolicki duchowieństwo. W warunkach głębokiego upadku gospodarczego kraju, tylko poważne feudale świeckie i kościelne miały jeszcze znaczące bogactwo materialne. Włoscy ludzie - chłopi i mieszczaninowali byli w niezwykle trudnej sytuacji, zostali skazani na ubóstwo, a nawet na wyginięcie. Protest przeciwko feudalnym i zagranicznym uciskiem znajduje wyrażenie w licznych powstaniu ludowych, które wybuchły na XVII wieku, a czasami podejmuje krytyczny zakres, taki jak bunt Masanello w Neapolu.

Ogólny charakter kultury i sztuki Włoch w XVII wieku był spowodowany wszystkimi osobliwościami jego historycznego rozwoju. Jest we Włoszech, że rodzi się sztuka Barochki i otrzymuje najwyższy rozwój. Jednakże, będąc dominującym w sztuce włoskiej XVII wieku, ten kierunek nie był jedynym. Oprócz do niego, a równolegle z nim, realistyczne tendencje rozwijają się związane z ideologią demokratycznych warstw społeczeństwa włoskiego i otrzymując znaczący rozwój w wielu ośrodkach sztuki Włoch.

Monumentalna architektura Włoch XVII-wieczna spełniła prawie wyłącznie prośby z Kościoła katolickiego i najwyższej świeckiej arystokracji. W tym okresie zbudowane są głównie struktury kościelne, pałace i wille.

Poważna sytuacja gospodarcza Włoch nie dała okazji budować bardzo duże struktury. W tym samym czasie Kościół i najwyższa arystokracja potrzebowała wzmocnienia swojego prestiżu, ich wpływ. Stąd - pragnienie niezwykłych, ekstrawaganckich, parady i ostrych rozwiązań architektonicznych, pragnienie zwiększonej dekoracyjności i solidności formularzy.

Budowa imponującego, choć nie tak duże struktury przyczyniły się do stworzenia złudzenia socjalnego i politycznego samopoczucia państwa.

Barok dociera do największego napięcia i ekspresji w zakonnikach, placówce kościoła; Jego formy architektoniczne, nie można lepiej sprostać zasadom religijnym i rytualną stroną katolicyzmu bojownika. Konstrukcja licznych kościołów Kościół katolicki dążył do wzmocnienia i wzmocnienia prestiżu i wpływu w kraju.

Styl barokowy, który został wyprodukowany w architekturze tego czasu, jest scharakteryzowany, z jednej strony pragnienie monumentalności, z drugiej strony, przewagę dekoracyjnej i malowniczej początków nad Tectonic.

Podobnie jak dzieła sztuki dziełowej, zabytki architektury barokowej (zwłaszcza struktur kościelnych) zostały obliczone na wzmocnienie emocjonalnego wpływu na widza. Racjonalny początek, który nałożył sztukę i architekturę renesansową, ustąpiło na początku irracjonalny, statyczny, spokojny - dynamikę, napięcie.

Barokowy - styl kontrastu i nierównomierny rozkład elementów kompozytowych. Szczególnie ważne są duże i soczyste krzywoliniowe, arcury. Dla barokowych struktur są charakterystyczne - czołowa, fasada konstrukcji. Budynki są postrzegane w wielu przypadkach z jednej strony - z głównej fasady, często zasłaniają objętość struktury.

Barok zwraca dużą uwagę na zespoły architektoniczne - Urban and Park, jednak zespoły tego czasu opierają się na innej zasadzie niż Renaissance Ensembly. Burokowe zespoły Włoch są zbudowane na zasadach dekoracyjnych. Charakteryzują się izolatorem, niezależnością porównawczą z ogólnego systemu planowania terytorium miejskiego. Przykładem jest największy zespół Rzymu - obszar przed katedrą św. Piotr.

Kolumnady i dekoracyjne ściany, zamykając przestrzeń przed wejściem do katedry, zakrył dla nich nieuporządkowanego, losowego rozwoju. Nie ma połączenia między obszarem a przylegającym do niej złożoną siecią Lulls i losowych domów. Oddzielne budynki zawarte w zespołach barokowych, jakby tracą niezależność, w pełni przestrzegać ogólnego planu kompozytowego.

Barok położył problem syntezy sztuki w nowy sposób. Rzeźba i malarstwo bawiące się w budynkach tego czasu bardzo dużą rolę, intertwining między sobą i często skorygować lub niełucząco deformujące formy architektoniczne, przyczyniają się do stworzenia wrażenia nasycenia, pomp i splendoru, które stale powodują barokowe zabytki.

Kreatywność Michelangelo miał ogromne znaczenie dla tworzenia nowego stylu. W swoich pracach opracował szereg form i technik, które były używane później w architekturze barokowej. Vigola Architect można również scharakteryzować jako jeden z bezpośrednich prekursorów barokowych; Jego prace można zauważyć szereg wczesnych znaków tego stylu.

Nowy styl - styl barokowy we Włoszech architekturze - przychodzi do zastąpienia renesansu w latach 80. XVI wieku i rozwija się przez 17 i pierwszą połowę XVIII wieku.

Warunkowo, w tym czasie, w tym architekturze można podświetlać trzy etapy: wczesny barok - od 1580 roku do końca 1620 roku, wysoki lub dojrzały, barokowy - do końca XVII wieku i później - pierwsza połowa 18 wiek.

Pierwsi mistrzowie baroku uważa się za architektów Giacomo della Port i Fontanna Domenico. Należli do następnej generacji w kierunku Vigola, Alesi, Ammanati, Vazari i ukończyli swoją działalność na początku XVII wieku. Jednocześnie, jak wcześniej zauważono, tradycje późnego renesansu nadal mieszkają w pracy tych mistrzów.

Port della Jacomo. Port Jacomo della (1541-1608) był studentem Vigol. Wczesna konstrukcja - Kościół witryny Catarina w Funari (1564) - w stylu należy do renesansu. Jednak fasada kościoła Del Jesu, który ten architekt zakończył się po śmierci Vinoli (od 1573 r.), Znacznie barokowy, o pierwotnym projekcie jego nauczyciela. Fasada tego kościoła z charakterystycznym podziałem na dwa poziomy i objętości bocznych, plan struktur był modelem dla różnych kościołów katolickich we Włoszech i innych krajach. Port Dahacomo della zakończył się po śmierci Michelangelo, aby zbudować duże kopuły katedry św. Piotr. Ten mistrz był również autorem słynnej Villa Aldobrandini w Frascati w pobliżu Rzymu (1598-1603). Jak zwykle główny korpus willi znajduje się na zboczu góry; Główne wejście przynosi dwustronną rampę spiralną. Od przeciwnej strony ogród jest przylegający do budynku. Stopa góry znajduje się półkolista pod względem groty z łukami, znajduje się kaskada wody w ramce schodów. Sam budynek jest bardzo prostą formą pryzmatyczną ukończoną z ogromnym złamanym frontem.

W składzie willi, w składnikach budynków parkowych i charakteru części z tworzyw sztucznych, pragnienie celowej piękności, wyrafinowanej architektury, tak charakterystyczne dla baroku we Włoszech, jest wyraźnie pokazany.

W rozważaniu czasu System włoskiego parku jest sfinalizowany. Charakteryzuje się obecnością jednej osi parku znajdującego się na zboczu góry z licznych zjazdów i tarasów. Na tej samej osi znajduje się główny budynek. Charakterystyczny przykład takiego kompleksu i jest Villa Aldobrandini.

Fontanna Domenico. Innym głównym architektu wczesnego baroku był fontanna Domenico (1543-1607), która należała do liczby następców rzymskich Michelangelo i Vigola. Największą pracą jest Pałac Laterański w Rzymie. Pałac w formie, że fontanna dała mu, jest prawie właściwy kwadrat z więźniem w stoczni kwadratowej. Rozwiązanie fasadowego pałacu jest całkowicie oparte na architekturze Palazzo Farnerza - Antonio Sangallo Jr .. Ogólnie rzecz biorąc, budowa pałacu z XVII wieku opiera się na dalszym rozwoju typu Pałacu Palazzo Palazzo, który został opracowany przez architekturę renesansu.

Wraz z bratem Giovanni Fontana Domenico zbudowany w Rzymie w 1585-1590 r., Fontanna Aqua Paolo (bez Attyki, wykonana później Carlo Madern). Jego architektura opiera się na przetwarzaniu form antycznych łuków triumfalnych.

Carlo Madern. Uczeń i Nephew Domenico Fountain - Carlo Madern (1556-1629) w końcu wzmocnił nowy styl. Jego kreatywność jest przejściowa do okresu rozwiniętego baroku.

Wczesna praca Maderna - fasada wczesnej bazyliki chrześcijańskiej Susanna w Rzymie (ok. 1601). Utworzono na podstawie elewacji Kościoła Del Jesu, fasada kościoła Susanne'a jest wyraźnie wycięta przez rozkazy, ozdobiona posągami w niszach i licznych ozdobnych dekoracji.

W 1604 r. Maderna został mianowany głównym architektem katedry św. Piotr. Order Pape Paul V Maderna skompilował projekt, aby rozszerzyć katedrę przez przedni, część wejściowa. Duchowieństwo nalegały na wydłużenie greckiego krzyża do formy łacińskiej, co odpowiadało tradycjom architektury kościoła. Ponadto wymiary katedry Michelangelo nie obejmowały całych miejsc, w których znajduje się starożytna bazylia, która była niedopuszczalna z punktu widzenia pracowników Kościoła.

W rezultacie, budując nową fasadę Madern Cathedral, oryginalny zamiar MichałaSkelo całkowicie się zmienił. Ten ostatni pomyślał, że katedry stojąc w centrum dużego kwadratu, który pozwoliłby na budynek i zobaczyć go ze wszystkich stron. Maderna zamknęła boki katedry z widza, boków katedry: szerokość elewacji przekracza szerokość wzdłużnej części świątyni. Wydłużenie budynku doprowadziło do faktu, że kopuła katedry św. Piotr jest postrzegany w całości w bardzo dużej odległości, ponieważ zbliża się do budynku, stopniowo ukrywa się za ścianą elewacyjną.

Drugi okres architektury Barochki - okres dojrzałości i heyday stylu - związany z dziełem największych mistrzów: L. Berniniego, F. Borrombini, K. Rainaldi - w Rzymie, B. Longen - w Wenecji, F. Ricini - w Mediolanie, Gvarino - w Mediolanie Turynie.

Lorenzo Berniniego. Centralną postacią dojrzałego baroku jest Lorenzo Bernini (1598-1680). Był nie tylko architektem, ale także największym rzeźbiarzem XVII wieku we Włoszech.

Od 1629 r. Bernini, po śmierci Madern, kontynuował budowę katedry św. Piotr. W 1633 r. Zbudował duży model brązowy w katedrze nad główną kopułą, wspieraną przez cztery skręcone kolumny odkażania. Według tradycji model ten jest uważany za warunkowo pierwszy produkt dojrzały barok. Bernini, dekoracja wnętrz katedry została zasugerowana przez projekt Michelangelo. To wykończenie jest wspaniałym przykładem barokowego wnętrza kościoła.

Największym dziełem architektonicznym Berniniego było projektowaniem obszarze przed katedrą św. Peter (1655-1667). Architekt stworzył dwa kwadraty - duży eliptyczny, oprawiony przez kolumny i bezpośrednio przylegający obszar w postaci trapezu, ograniczony od przeciwnej strony przez główną fasadę katedry. W obszarze owalny zainstalowano obelisk i dwie symetrycznie zlokalizowane fontanny.

Bernini kontynuował i opracował projekt Madern: Kolumnady nie pozwalają na podejście do katedry z boku. Dla widza pozostaje dostępna tylko główna fasada.

Majestatyczna architektura placu Bernini była godnym tłem dla ceremonii kongresowej za uroczystą obsługę popełnioną w katedrze. W XVIII wieku kongres ten był wspaniały i uroczysty widok. Kwadratowa katedra św. Peter jest największym zespołem włosko-baroku.

W Vatican Berniniego powstała parada królewska klatka schodowa - "Rock of Reggia" ("Site Rock"), w którym zaakceptował sztuczne wzmocnienie obiecującego redukcji. Ze względu na stopniowe zwężenie marszu i zmniejszając kolumny, wrażenie większej głębokości pomieszczenia i zwiększyć rozmiar samej drabiny.

Najbardziej charakterystyczne dzieła Bernini obejmują mały kościół San Andrei w Quirinale (1678), której główna fasada ma portal z pilastami i trójkątną frontoniem. Portal ten jest mechanicznie podłączony do głównej objętości budynku, owalu pod względem.

Główną dziełem Berniniego w dziedzinie architektury cywilnej jest Palazzo Odesale w Rzymie (1665), rozwiązany przez zwykły system renesansowy. Composite Center of Budynek jest jak zwykle dziedziniec ograniczony na pierwszym piętrze z arkadami. Dystrybucja na fasadzie okien i dekoracyjna ich dekoracja jest również przypomniana przez Palazzo z XVI wieku. W nowy sposób opracowano tylko centralną część głównej fasady: Dwa górne podłogi są objęte dużym porządkiem w formie Koryntu Pibtera, pierwsze piętro w stosunku do tego porządku odgrywa rolę piedela. Podobny podział ściany elewacyjnej otrzyma później, w architekturze klasycyzmu, wielkiej dystrybucji.

Bernini kontynuował również uruchomiony przez Madnoral Building of Palazzo Barberini. Konstrukcja nie ma zamkniętego stoczni, zwykle dla włoskich pałaców. Główny korpus jest ograniczony na dwóch stronach wystających filtiels. Środkowa część głównej fasady jest postrzegana jako nałożona aplikacja w celach dekoracyjnych na powierzchni ściany. Centralny Risalat ma bardzo szerokie i wysoko łukowe, okna, umieszczone między nimi w półkolumu; Na pierwszym piętrze znajduje się głęboka loggia. Wszystko to ostro odróżnia centralną część fasady z bardziej masywnych części bocznych urządzonych w tradycji architektury XVI wieku. Ta technika otrzymana w architekturze włoskiego baroku jest również bardzo duża dystrybucja.

Ciekawe owalne schody Palazzo Barberini z marszami spiralski na podstawie podwójnych kolumn toskańskich.

Francesca Borrombshsh. Nie mniej ważne dla włoskiego baroku ma pracę Francesco Borrombini (1599-1667) - pracownik Berniniego, później - jego rywal i wroga. Prace borryni wyróżniają się specjalną fuzją i "dynamicznością" form. Borrombini przyniósł styl barokowy do maksymalnego napięcia.

Główną dziełem pożyczki w dziedzinie architektury świątyni jest kościół San Carlo "w czterech fontannach" (1638-1667). Fasada jest postrzegana jako niezależny skład architektoniczny, niezależny od budynku. On przyznawany jest wygięte, podobne do fal. W tej fasadzie widać cały arsenał arsenałów barokowych - rozdarty łukowy gzymsy, owalne wkłady i inne części dekoracyjne. Sam Kościół ma złożony kształt, przypominający dwa dzwony, złożone wraz z ich bazami. Nakładka to owalna kopuła. Podobnie jak w wielu innych budynkach, skład Kościoła jest zbudowany na kontrascie zewnętrznych i wewnętrznych woluminów architektonicznych, o zaskoczeniu efektu, który występuje przy wejściu do struktury.

Jednym z najważniejszych dzieł architekta jest rzymski kościół San Ivo, wliczony w budowę sapirecji (Uniwersytet, 1642-1660). Należy odnotować kompleksowe kontury planu Kościoła i całkowitą niespójność zewnętrznych i wewnętrznych skorupy kopuły. Na zewnątrz powstaje wrażenie wysokiego bębna i płaskiej sauccii kopuły obejmujące ten bęben. Wprowadzanie tego samego wnętrza, jesteś przekonany, że piąte jednostki powłoki kopuły znajdują się bezpośrednio u podstawy bębna.

Borrorini zaprojektowany Falkoniery Villa w Frascati. Ponadto odbudował recesję Palazzo i pracował nad Bernini nad Palazzo Barberini (patrz wyżej).

Carlo Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) jest jednym z głównych budowniczych barokowych headday. Najważniejsze dzieła Rainaldi - Kościół anyżu San i witryny Maria w Campitelle.

Kościół San Anyzya (rozpoczął się w 1651 r.) Znajduje się na osi placu Navona, która zachowała zarys wcześniej starożytnego cyrku tutaj Domitian. Obszar jest ozdobiony typowymi barokowymi fontannami Bernini na ten czas. Kościół ma plan centry i jest zakończony dużą kopułą; Arcuid, wklęsła fasada jest ograniczona po obu stronach dzwonka. W przeciwieństwie do większości kościołów rzymskich tego czasu, kopuła nie jest ukryta przez samolot elewacyjny, ale działa jako główne centrum kompozytowe całego obszaru.

Kościół Marii w miejscu kampitelley jest zbudowany później w 1665-1675. Fasada piętna, rozwiązana przez system Kościoła Del Jesu, a projekt wewnętrzny jest typowym przykładem architektury dojrzałych baroków.

Rainaldi posiada również tylną fasadę rzymskiego kościoła Santa Maria Maggiore (1673).

W XVII wieku architektura rzymska została wzbogacona o kilka nowych willi znajdujących się w pobliżu miasta. Oprócz Villa Doria Pamfili, zbudowanego przez architektów Algardi i Grimaldi (ok. 1620), powstały między innymi wioskami Mandragon i Villa Torlonia - obie znajdują się w Frascati, a także Villa D "Este w Tivoli. W tych paradowanych osiedlach - piękne baseny, rzędy cyprysków, zimozielone krzewy, różnorodnie zdobione tarasy z balustradami, grotami, liczne rzeźby. Wyrafinowanie i pompa dekoracyjnej dekoracji były często łączone z elementami dzikiej przyrody w sztucznie stworzonym krajobrazie.

Barokowy na zewnątrz Rzymu przedstawił wiele dużych architektów. W Genui w XVII wieku Bartolomeo Bianco pracował. Jego główną pracą jest budynek uniwersytecki w Genui (od 1623) ze wspaniałym dziedzińcem, ograniczonym dwupiętrowym arkadami i pięknymi schodami przylegającymi do nich. Ze względu na fakt, że Genua znajduje się na zboczu gór, amfiteatr, malejąco do morza, a oddzielne budynki są zbudowane na obszarach z dużym stronniczym, umieszczenie budynków i jardów na różnych poziomach przeważa. W budynku Uniwersytetu na jednej złożonej osi znajduje się główny hol, centralny dziedziniec i wreszcie znajdują się za drabiną zręcznościową na świeżym powietrzu prowadzącym do ogrodu.

Wenecja pracował jako architekt Baltass Longen (1598-1682). Główną dziełem tego jest największe, wraz z katedrą św. Mark, Kościół Wenecji Santa Maria Delle Salute (1631-1682); Znajduje się na strzałce między kanałem Jaudcca i kanałem Grande. Ten kościół ma dwie kopuły. Dla głównej, osiem maszerowanej objętości, zwieńczona kopułą, jest drugim objętością otaczającą ołtarz; Jest również wyposażony w kopułę, ale już mniejszą wielkością. Wejście do świątyni jest ozdobione w formie łuku triumfalnego. Główny bęben kopuły łączy się z głównymi ścianami kościoła o 16 wilkach w kształcie spirali z rzeźbami. Wzbogacają sylwetkę budynku, dają mu charakterystykę. Pomimo powiększenia dekoracji, w wyniku kościoła znajduje się dobrze znana fragmentacja architektury i suchość części. Wewnątrz kościoła wyłożonego jasnoszarym marmurem jest przestronny, ale zimny i oficjalny.

Na dużym kanale Wenecji znajdują się zarówno najważniejsze Palazzo, zbudowane przez Longen, - Palazzo Pesaro (ok. 1650) i Palazzo Rezzonico (1680). Zgodnie ze strukturą jego fasad, te ostatnie są w dużej mierze podobne do pałaców Wenecji, czasy renesansu, w szczególności z rogiem Palazzo Sanceno wino, ale jednocześnie różnią się od nich nieporównywalnie większy nasycenie i dekorację form.

W Turynie, architekt Hvbanino Gvbnini został pracował (1624-1683), byłego mnicha kolejności THAM. Gvarino Gvarini - "Najbardziej barokowy wszystkich architektów barokowych" - można porównać w swoim twórczej temperamencie tylko z Francesco Borrorini. W swoich pracach często stosuje się w celach dekoracyjnych oprócz form konwencjonalnych, motywów z recyklingu do architektury mauretańskiej i gotyckiej. Byli wzniesiony przez wiele budynków Turynu, w tym Palazzo Carignano (1680), parady i wspaniały, ale czysto dekoracyjny na projektowaniu. Zazwyczaj decyzja głównego korpusu Palazzo. W głównej prostokątnej objętości, jak włożył centralną część za pomocą klatki schodowej z przodu. Ściany, jego ograniczenie i marsze są przewijane pod względem formy. Wszystko to jest odpowiednio odzwierciedlone na fasadzie. Jeśli obszary boczne zachowują prostokątne kontury, centrum jest wygięte w przeciwległych stronach z gniazdem w środku, który jest włożony w postaci zupełnie innej motywacji - pryczącej loggii, jest również zakrzywiony kształt. Nadokienne opaski na fasadach ma uszkodzoną konfigurację chrząstki. Piostry wykonane są przez małe, graficzne w naturze form.

Wśród zbudowanych Kościołów Kościół Madonny Della spada z owalnym Neum, który jest ołtarzem Sześciowym, należy podświetlić. Zbudowane klatki Kościoła jest jeszcze większe kapsality i złożoność formularzy niż struktury cywilne.

W sztuce wizualnej, jak w architekturze Włoch, w XVII wieku styl barokowy otrzymuje wartość dominującą. Wynika to jako reakcja wobec "maniera", wymyślonych i złożonych formularzy, których sprzeciwia się przede wszystkim najprostszą prostotę obrazów, zapytano zarówno kreacje mistrzów o wysokiej odrodzeniu, jak i z powodu niezależnego badania natury. Po prostu wpatrując się w klasyczne dziedzictwo, często pożyczając od niego poszczególnych elementów, nowy kierunek ma możliwie większą ekspresję formularzy w swojej burzowej dynamiki. Nowe cechy sztuki odpowiadają nowym malowniczym technikom: Spokój i przejrzystość kompozycji są zastępowane przez ich wolność i jakby przypadkowo. Dane są przesuwane z miejsca centralnego i są wbudowane w grupy głównie w liniach diagonalnych. Ta konstrukcja jest ważna dla wartości baroku. Wzmacnia wrażenie ruchu i przyczynia się do nowej transmisji przestrzeni. Zamiast zwykłego dla tej sztuki, ożywienie jego członkostwa na oddzielnych warstwach jest objęte pojedynczym wyglądem, tworząc wrażenie losowego fragmentu ogromnej całości. Tak nowe zrozumienie miejsca należy do najcenniejszych osiągnięć baroku, które odegrały pewną rolę w dalszym rozwoju realistycznej sztuki. Pragnienie ekspresyjności i dynamiki form generuje inną linię, nie mniej typowy dla baroku, jest stosowanie wszelkiego rodzaju kontrastu: kontrasty obrazów, ruchów, opozycje planów podświetlanych i cieniowych, kontrasty kolorów. Wszystko to uzupełniało wyraźne obciążenie dekoracyjne. W tym samym czasie malownicza tekstura, obracając się z liniowej interpretacji formularzy do coraz szerszego obrazu widzenia.

Zwykłe cechy nowego stylu z czasem zakupili coraz bardziej zdefiniowane funkcje. Uzasadnia to podział sztuki włoskiej XVII wieku na trzech nierównych etapach: "wcześnie", "dojrzałe" lub "wysokie" i "później" barok, dominacja trwa znacznie dłużej niż inni. Te cechy, a także limity chronologiczne, będą dalej oznaczone dalej.

Sztuka barokowa Włoch służy głównie dominującym i zatwierdzonym po tączkowym katedrze Kościoła katolickiego, sądów książęckich i liczne szlachetność. Zadania przedstawione przed artystami miały tyle ideologicznego jak dekoracyjne. Dekorowanie kościołach, a także pałace do szlachty, monumentalne malowidła kopuły, blafony, ściany w Technika fresku, otrzymują bezprecedensowy rozwój. Ten rodzaj malarstwa staje się specjalnością włoskich artystów, którzy pracowali zarówno w ojczyźnie, jak iw Niemczech, Hiszpania, Francja, Anglia. Zachowują niepodważalny priorytet w tej dziedzinie kreatywności do końca XVIII wieku. Tematy obrazów kościelnych są bujne sceny gloryfikacji religii, jej dogmatów lub świętych i ich działów. Sceny alegoryczne i mitologiczne są zdominowane na Palafonach pałaców, które służą jako gloryfikacja przepisów nazwisk i ich przedstawicieli.

Niezwykle powszechne są jeszcze duże obrazy ołtarza. Właśnie wraz z uroczystymi obrazami Chrystusa i Madonny, obrazy, które zapewniły najsilniejszy wpływ na widza, są szczególnie powszechne. Jest to scena egzekucji i męki świętych, a także stanów ich ekstazy.

Sushing Staka Malowanie najbardziej chętnie spadł na tematy z Biblii, mitologii i starożytności. Jak niezależny od gatunków otrzymują rozwój krajobrazu, gatunek bojowy, martwa natura.

Na skraju 16 i XVII wieku jako reakcja przeciwko manieryzmowi dwa kierunki, z których rozwija się całe kolejne malarstwo we Włoszech: boloński akademizm i karawgizm.

Szkoła bilansowa. Bracia carragechi. Akademism Bologna składa się z smukłego systemu artystycznego w połowie 1580 roku. Trzech artysta Bolonii - Louis Carragechci (1555-1609) i jego kuzynów Agostino (1557-1602) i Annibal (1560-1609), który zajmuje pierwsze miejsce wśród braci, - wytwarza fundamenty nowego stylu, polegające głównie na badaniu klasycznego dziedzictwa XVI wieku. Wpływ szkoły weneckiej, kreatywność Correzo i XVI wieku sztuka rzymska prowadzi do decydującego obrotu z maniera w kierunku prostoty, a jednocześnie lupa obrazów.

Pierwsze dzieła braci Carragechi do malowania pałaców Bolonii (Palazzo Fawa, Palazzo Mufy) nadal nie pozwalają na wyraźne różnicowanie swoich funkcji stylistycznych. Ale obrazy maszynowe Annibal Carragechi, w których wspomnienie Szkół Parmy jest początkowo silny, wskazują na skomponowaną jasną indywidualność artystyczną. W 1587 i 1588 stwarza dwa obrazy ołtarza, które byłyby pierwszymi dziełami nowego stylu: "Wniebowstąpienie Madonny" i "Madonna z St. Matvey "(zarówno w galerii Drezna). Jeśli w pierwszych kolejnych sposobach w ruchu figur i ich ekspresji, wtedy "Madonna z St. Matvey "charakteryzuje się spokojną Magty obrazów, wskazując na początek nowego etapu malarstwa włoskiego.

W latach 150. bracia Carragechi otworzyli Akademię w Bolonii, nazwany przez nich "Akademia dei-inkaknati" (Academy, wchodząc do nowej ścieżki). Zamiast poprzedniego szkolenia przyszłych artystów, zapewniając nabywanie niezbędnych umiejętności w pozornej pracy w warsztatach malarzy, Carrenczycy przemówił na rzecz systematycznego nauczania przedmiotów wymaganych w praktyce artysty. Wraz z treningiem, rysunek i malowanie w nazwanej Akademii został nauczony anatomii, perspektywy, a także takich dyscyplin jako historii, mitologii, literatury. Nowa metoda przeznaczona była do odgrywania największej roli w historii sztuki europejskiej, a Akademia Bolonii była prototypem wszystkich kolejnych akademii, którzy otwierali się z XVII wieku.

W 1595 r. Bracia Carragechi, którzy już zdobyli wielką sławę, zostali zaproszeni do Rzymu kardynała Farnesee na obraz swojego pałacu. Na zaproszeniu odpowiedział jeden Annibal, który pozostawił na zawsze Bolonię. W Rzymie, bliski kontakt z tradycjami lokalnej szkoły, a wpływ starożytności został odkryty w dziedzinie mistrzów nowej fazy. Po stosunkowo nieistotnym obrazie jednej z hali Palazzo Farnerza ("Kamerino", połowy 1590. stulecie. Pomieszczenia galerii (około 20 × 6 m), zablokowane przez niski łuk pudełko, Annibal dzieli się na wielu niezależnych segmentach. Kompozytowa konstrukcja Plafon przypomina obraz Sicistin Capella Michelangelo, z którego Borps oprócz łamania samolotu jest również iluzjonistycznym charakterem interpretacji rzeźb, żywych figur ludzkich i malowniczych obrazów. Uogólniony motyw służą miłośnikom bogów Olympusa. W centrum Plafonu jest zatłoczony i hałaśliwy "Triumfalny marsz Vakha i Ariadna". Po bokach znajdują się dwa inne kompozycje mitologiczne, a zespół maleje, rozczarowany przez marmur przez Herma i Atlanty, którego nogi siedzą, jakby żywicych chłopców. Dane te są oprawione, że okrągłe medaliony naśladujące brąz, z antykami, a następnie czysto malowniczymi kompozycjami narracyjnymi. W rogach ten fryz jest zaprojektowany przez obraz balustrady, nad tłem nieba, amuras napisany. Ten przedmiot jest ważny jako wczesny, kolejna nieśmiała próba złamania prawdziwej przestrzeni, otrzymując, która stała się szczególnie charakterystyczna dla barokowych setrów. Plastikowa moc liczb, różnorodność form dekoracyjnych i kolorowych bogactwa stworzył zespół niezwykłej pomp.

Obrazy maszynowe stworzone przez Annibal Carragechi w rzymskim okresie kreatywności są poświęcone głównie działek religijnych. Zimna perfekcja form pozostawia w nich małe miejsce uczucie. "Żałoba Chrystusa" (1599, Neapol, Galeria Narodowa), gdzie to samo jest równie wysokie, a drugi należy do wyjątków. W sposobie malowania większości obrazów pragnienie wyraźnej liniowej i tworzywa sztucznego identyfikacji danych. "Żony Myrova w trumnie Chrystusa" (ok. 1605, Hermitage) należą do charakterystycznych próbek tego rodzaju pracy artysty.

Odnosząc się często do gatunku krajobrazu, Annibal Carragechci staje się więźniem szeroko rozpowszechnionym w przyszłości tzw. Krajobrazu "klasycznego". Istotą tego ostatniego polega na tym, że jego przedstawiciele, stosując czasami bardzo cienkie obserwowane motywy natury, starają się przede wszystkim, aby "reformować" swoje formy. Krajobrazy są zbudowane w warsztacie artysty za pomocą opracowanych schematów, w których najważniejsza rola jest odtwarzana przez równoważenie mas, miękkich linii konturów i stosowania drzew lub grup ruin w postaci pierścieni. "Krajobraz z kultem Magi" Annibal Carragechi w Galerii Doria w Rzymie można nazwać jedną z pierwszych stylistycznie kompletnych próbek tego typu.

Karawagizm. Kilka lat później, po dodaniu akademismu Bologna, innego, jeszcze więcej sprzeciwu w odniesieniu do saleki, jest kursem artystycznym, który wyróżnia wyraźne poszukiwanie realizmu obrazów i jest w dużej mierze demokratyczne. Przebieg tego jest niezwykle ważny w ogólnej historii rozwoju realizmu, jest zazwyczaj wskazany przez termin "karawagizm" pochodzący z imienia jego głowy - Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Otrzymał szeroką sławę o nazwie ojczyźnie, Caravaggio rozwinął się jako malarzec pod wpływem sztuki północnych Włoch. Inny młody człowiek, który dostaje do Rzymu, gdzie przyciąga uwagę na wiele obrazów gatunkowych. Przedstawione półpłęgi dziewcząt i młodych mężczyzn, Cyganów i Kulturarki są obdarzone nieznaną istotnością Dotole. Szczegóły kompozytów są jako opisane finansowo: kosze kwiatów i owoców, instrumenty muzyczne. Obraz "masło" (1594-1595, Ermitaż), należący do najlepszych dzieł tego kręgu, daje pomysł rodzaju takiej pracy. Jest to charakterystyczne dla wczesnej karawaggio i wyraźny liniowy sposób malowania.

Prosty obraz, pozbawiony całej idealizacji, zdecydowanie różni się od wyrafinowanych obrazów Carragechci, daje Caravaggio w jego "Vakt" (1596-1597, Florencja, Uffizi),

Pod koniec 1502 roku Caravaggio otrzymuje pierwsze główne nakaz na stworzenie trzech obrazów do kościoła San Luigi-de-francist w Rzymie. Na obrazku ołtarzu "Honor Apostoła Matveya, ręka, której prowadzą anioła" (1597-1598, zdjęcie zmarło podczas II wojny światowej) Caravaggio odmówili idealizacji apostoła, przedstawiając go za pomocą nieprzerwanej prawdziwości forma osoby od ludzi. Taki obraz spowodował ostre potępienie klientów, którzy żądali wymiany obrazu do drugiej, bardziej akceptowalną opcję dla nich. W jednej z następujących kompozycji o tej samej kolejności reprezentującej "Wezwanie Apostoła Mateusza" (1598-1599) karawaggio dał pierwszym przykładzie tak zwanej "piwnicy" malarstwa. Na tym zdjęciu przeważa ciemną tonalność, sprzeciwia się ostro podświetlane części, szczególnie ważne dla kompozycji: głowice, kontury figur, gestów dłoni. Technika ta miała szczególnie określony wpływ na europejski obraz pierwszej trzeciej XVII wieku.

Pierwsze lata XVII wieku (1601-1603) otrzymuje jeden z najsłynniejszych arcydzieł malarskich Caravaggio - "pozycja w trumnie" (Rzym, Pinakotek Watykan). Zbudowany po przekątnej wysokości, kompozycja ta charakteryzuje się ekspresywnością awaryjną i żywotnością obrazów; W szczególności liczba przechylających studenta, który popiera nogi martwego Chrystusa, został przeniesiony do ostatecznego realizmu. Ten sam realizm nieidealizowania wyróżnia się kilka lat później "Wniebowzięcie Maryi" (1605-1606, Louvre). Przez lekko dotknięty przepływem kłamliwego ciała Madonny w głębokim smutku, uczniowie Chrystusa stoją. Genre domowy charakter obrazu, w którym artysta zdecydowanie wycofał się z tradycyjnego transferu tematu, ponownie spowodowało skargi Kościoła.

Odbawalny temperament Caravaggio stale prowadził go do kolizji ze środowiskiem. Zdarzyło się tak, że podczas kłótni zabił przeciwnika na grę piłki i został zmuszony uciekł z Rzymu. W biografii magisterskiej otwarto nowy etap, naznaczony stałą różnorodnością tego miejsca. Po krótkim pobycie okazuje się, że znajduje się na wyspie Malta, gdzie w służbie Brandmistrza Maltańskiego Zamówienia ma duży sukces, jest wbudowany w rangę szlachcic, ale wkrótce po nowym Kłótnia, przychodzi do więzienia. Następnie pojawia się ponownie w Neapolu, po czym otrzymuje pozwolenie na powrót do Rzymu, ale ze względu na błąd władz, które podejmują go nad drugą, nieruchomość jest pozbawiona nieruchomości, spada na opuszczony brzeg i umiera z gorączki.

W tym późnym okresie kreatywności Master stworzył kilka wspaniałych dzieł. Najbardziej wybitne można sklasyfikować jako wpływ realizmu obrazu "Portret Brandmaster Maltańskiego Zamówienia na Aloof De Vinyakura" (1608), a także wyjątkowy dla prostoty historii i głębokiej ludzkości " Cześć pasterzy "(1609, Mesyna).

Praca Mistrza, różnej nowości mapowania życia i specyfiki malowniczych technik, miał najsilniejszy wpływ na wielu artystów, zarówno Włochów, jak i tych, którzy pracowali w Rzymie w Rzymie. W ten sposób była to najważniejsza zachęta rozwoju realizmu w paneluku europejskim obrazie XVII wieku. Wśród Włosi najbardziej znani zwolennicy Caravaggio należy do Orazio Dustlezki (1565 do 1647).

Domenicino. Jeśli chodzi o najbliższych uczniów i ciągłych sztuki Karratycznej, dominicino jest szczególnie wybitny wśród nich. Domenico Callele, nazywany Domenicino (1582-1641), jest największym przedstawicielem monumentalnego obrazu fresku narracyjnego w XVII wieku. Łączy lupę wyidealizowanej, ale zachowując naturalność formularzy z powagą transmisji treści. Funkcje te są głównie dotknięte muralem rzymskiego kościoła św. Andrea-delli Dalle (1624-1628), gdzie na końcu Aksida wśród sztukaterii, biały ze złotem, ornament domenicino przedstawiony sceny narracji ewangelicznej z Życie apostołów Andrei i Piotra, a na żaglach z kopuły - czterech aniołów ewangelicznych otoczonych aniołami. Z Mistrzów Masters Master jest najsłynniejszą "ostatnią komunią świętego Jerome" (1614, Rzym, Watykan). Klasyczne formy spowodowane przez częściowo przez pasję Rafaela łączy się w interpretacji osób z głębokim uczuciem religijnym. Prace Domenicino są często oznaczone lirycznym charakterem obrazów. W tym względzie jego wczesna "dziewczyna z jednorożcem", napisana nad frontowymi drzwiami galerii Palazzo Farneza, a zwłaszcza obraz, warunkowo nazywany "Hunt Diana" (1620, Rzym, Galeria Galerii Borghese). Obraz przedstawia konkurencję satelitów Diana w łucznictwie i odcinku wyglądu wśród nich. Naturalność drenażu jest wzmożona świeżością interpretacji obrazów.

Francesca Albani. Francesco Albani (1578-1660) był głównie artystą-stankistą i interesującą, przy okazji, wprowadzając nowy rodzaj tkaniny - małe, tak zwane obrazy "szafki", zaprojektowane, aby ozdobić pomieszczenia ograniczonych woluminów. W nich Albani zazwyczaj przedstawiiły idylliczne krajobrazy, na tle, z których rozwala i tańczą figurki Amurova.

GUADO RENI. Guido Ren (1575-1642), który kierował się po przełomie, szef szkoły Bologna, we wczesnym okresie jego kreatywności doświadczył efektu sztuki Caravaggio. Objawia się przy braku idealizacji obrazów i cięcia kontrast oświetlenia ("Ukrzyżowanie apostoła Piotra", ok. 1605, Rzym, Watykan). Wkrótce jednak Rena produkuje swój własny styl reprezentujący najbardziej żywy wyraz jednej z prądów obserwowanych w dziedzinie Włoch XVII wieku. Jest to tak zwany "klasyczny" kierunek wczesnego baroku charakteryzuje się ograniczeniem języka artystycznego, a także surowości wyidealizowanych form. Ze wszystkimi kompletnością sposobu Guido Rena ujawnia po raz pierwszy w słynnej "Aurora" (1613-1614, Rospillosis Palazzo), napisany w technice fresków na flafonie Roman Palazzo Rospillosis. Na tle złotego żółtego nieba, Apollo na rydwale pędzi wokół radości. Latający przed nim kwitnie z Pilotem Aurora na ziemi i ołowiu morzu, który jeszcze nie dotknął promieni słońca. Linearo-plastikowa interpretacja form, zrównoważona kompozycja, zbudowana jak obraz wykonany maszynowo, a także ucisk różnych, ale obliczonych farb, sprawiają, że fresk jest niezwykle orientacyjny dla wczesnego etapu rozwoju barokowego malowania dekoracyjnego. Te same funkcje, ale z większą ilością wytłaczania, pozytywne i pojawiają się na późniejszym obrazie sztalugi - "Atalanta i Ippomen" (ok. 1625, Neapol). W swoich obrazach religijnych Rena często sprawia, że \u200b\u200bcechy sentymentalizmu i przepraszam. Obraz Hermitage "Youth Madonna" (1610) przyciąga intymność transferu osób zaangażowanych w szycie ładnych dziewczyn. W wielu innych dziełach, idealizacja obrazów nie wyklucza ich naturalności i głębokości uczuć ("żałoba Chrystus", Bolonia, Pinakotek, 1613-1614; "Madonna z dzieckiem", Nowy Jork, kolekcja prywatna, koniec 1620s.).

Trzecia dekada XVII wieku otwiera nowy etap sztuki barokowej, objętych koncepcją "wysokiej lub dojrzałej, baroku". Jego podstawowymi cechami są wzmocnienie dynamiki i ekspresywności form, ich obraz ich transferu i awaryjnego wzmocnienia dekoracyjności. W obrazie do oznaczonych funkcji dołącza do intensywnej kolorowości.

Giovanni Lanfranco. Jeden z mistrzów twierdzących dominacji w nowym stylu, Giovanni Lanfranco (1580-1641), opartych głównie na monumentalnej sztuce Korredjo, do 1625 r. Stwarza swoje malarstwo Kopuła św. Andrea-della Valle, przedstawiająca "raj" . Mając koncentryczne koła niezliczone figury - Madonna, święci, anioły, podejmuje oko widza w nieskończoną przestrzeń, w środku którego przedstawiono świetlną postać Chrystusa. Dla tego artysty charakteryzuje się również łączeniem danych na szerokie masy tworzące malownicze przepływy światła i cienia. Te same techniki malowania powtarzają się w obrazach maszynowych Lanfranco, wśród których jeden z powyższych jest "wizja Świętej Margarita Cortonskaya" (Florencja, Palazzo Pitti). Stan ekstazy i budowa grup po przekątnej jest niezwykle charakterystyczna dla sztuki barokowej.

Zrzędliwie. Konwencjonalna iluzja barokowa widzów widzów przestrzeni jest nadal zdecydowanie zdecydowanie określona niż Lanfranco, wyrażona przez jego współczesny Francesco Barbieri, który jest nazywany (1591-1666). W Plafonu Palazzo, Ludovisi w Rzymie (1621-1623), a także w wyżej wymienionym Flafone, Gvido Reni, jest przedstawiony Aurora, tym razem niosąc rydwanę wśród pochmurnego nieba. Kompozycje przedstawione wzdłuż krawędzi wierzchołków ścian i szalejących cyprysów podczas rozważania z pewnego punktu widzenia tworzą iluzję kontynuowania rzeczywistej architektury pokoju. Grobrikino, który, jak to było związek między manierami artystycznymi CarlaGechi i Caravaggio, pożycza przy pierwszym charakterze jego postaci, drugi - techniki jego czarno-białego obrazu. "Pogrzeb św. Petronillo" (1621, Rzym, Galeria Capitol) jest jednym z wizualnych przykładów malowania wczesnego braterstwa, w którym naturalność obrazów jest łączona z szerokością i energią egzekucji obrazkowej. W "wykonaniu SV. Catherine "(1653, Hermitage), jak w innych późniejszych pracach Master, prawdziwość obrazów jest zastępowana elegancją kompozycji.

Domenico fetty. Innych artystów tego czasu należy również wspomnieć o Domenico Fetty (1589-1624). W swoich kompozycjach elementy realistycznego gatunku gospodarstwa domowego dogadują się z bogatą kolorową palety, której sztuka Rubensa miała wpływ. Jego obrazy "Madonna" i "Healing Tobit" (1620s., Ermitaż). Różne niż dźwięk i miękkie błyski, pozwalają na dokonanie pewnego pomysłu kolorowych misji artysty.

Lorenzo Berniniego. Centralną postacią Sztuki Barokowej jest genialny architekt i rzeźbiarz Lorenzo Bernini (1599-1680). Rzeźba Mistrza reprezentuje wyjątkowe połączenie wszystkich charakterystycznych cech w stylu barokowym. Organicznie połączył granicę realistycznego obrazu z ogromnym szerokością dekoracyjnej wizji. Dołącza to do niezrównanej własności techniki marmuru, brązu, terakoty.

Syn rzeźbiarza, Lorenzo Berniniego należy do mistrzów, bardzo wcześnie z językiem sztuki i prawie z pierwszych kroków dotarcia do dojrzałości. Przez około 1620 roku Bernini stworzył kilka marmurowych rzeźb należących do niekwestionowanych arcydzieł. W 1623 r. Jego posąg "David" (Rzym, Galeria Borghese) z powrotem. Wyróżnia się niezwykłą umiejętnością realistycznej transmisji napięcia duchowych i fizycznych siły biblijnego bohatera przedstawionego w momencie rzucania kamienia Prasha. Dwa lata później, APOLLO Group, realizuje Daphne (1620., Rzym, Galeria Borghese). Malowanie form stawiających figur i wyjątkową doskonałość obróbki powierzchni uzupełniają rzadką troskliwość wyrażania wyrażania Daphne, który nie odczuwał jeszcze wykonywania metamorfozy (obracając go do drzewa laurowego), a Apollo, który to rozumie Oferta wyprzedstwowa jest bezpowrotnie zagubiona.

XVII wieku lat XVII wieku - policjantowy czas miejskich VIII - wzmocnić pozycję Berniniego jako wiodącego artysty Rzymu. Oprócz licznych dzieł architektonicznych tworzy szereg monumentalnych rzeźb, portretów, a także dzieła czysto dekoracyjnej przyrody. Z tego ostatniego najbardziej doskonałym należy do fontanny w Rzymie Triton (1637). Bizarre kontury ogromnej skorupy, którą utrzymuje się delfiny, a drzewa oszukane powyżej są zharmonizowane z strumieniami spadającej wody.

Najbardziej wyraźną dekoracją większości dzieł kreatora może być przeciwny najważniejsze kroki działalności Berniniego niesamowitego w realistycznej ostrości cech związanych z 1630 portretami Constance Buonarelli (Florencja, Muzeum Narodowe) i Cardinal Scipiona Borghese (Rzym , Galeria Borghese).

Wpis w 1640 r. Na papieskim tronie niewinnego X doprowadziły do \u200b\u200btymczasowego usuwania Berniniego z wiodącej roli w budowie i dekoracji Rzymu. W krótkim okresie oddzielając go od niedawno nadchodzącego oficjalnego uznania Bernini wykonuje wiele nowych wspaniałych dzieł. Mając na uwadze tymczasowe nie rozpoznawanie jego artystycznej zasługi, tworzy allegoryczną grupę "Prawdę, która ujawnia czas". Postać czasu pozostaje niespełniona, ale siedząca alegoryczna postać kobieta uderza w skrajną ekspresję realistycznych form.

Arcydzieło monumentalnej rzeźby Barok był słynną grupą "Ecstasy St. Teresa ", Andorning Cornaro Cornaro Corno Church-Vittoria Church (1645-1652), anioł ze strzałką w ręku poza świętą ekstazą. Uczucia Teresy wyrażają całą niewyrozumiałość realistycznej transmisji. Interpretacja jego szerokiej odzieży i figura anioła obejmuje cechy dekoracyjne. Biały kolor marmurowej grupy umieszczonej na tle złotych promieni, łączy się z kolorowymi odcieniami kolorowych środowiska architektonicznego marmuru w eleganckim kolorze zespołu. Temat i wykonanie są bardzo charakterystyczne dla stylu włoskiego baroku.

1628-1647 podaje się przez kolejną z remontów stworzeń Bernini - Gravestone Papieża Urban VIII w katedrze św. Piotr w Rzymie. Zgodnie z wielkością ekspresywności planu i umiejętności roztworu z tworzywa sztucznego, ten pomnik należy do wspaniałych dzieł rzeźby Grobowca. Na tle kolorowego marmuru marmuru, biały piedestal z ekspresyjną z brązu taty jest podniesiony. Jego ręka podniesiona na raporty błogosławieństwa postanowiły straszną wielkość. Poniżej po bokach zielonej marmurowej sarkofażu są białe postacie, usytuowanie cnoty miejskiego VIII - Mądra Sprawiedliwości i Miłosierdzie. Rosnące z powodu sarkofagu z brązu pół-obrazowanie skrzydlaty szkielet przywiązuje do pokładu cokołów z wpisaną nazwą zmarłego.

Okres tymczasowego braku rozpoznawania Berniniego zostaje wkrótce wymieniany z tym samym niewinnym rozpoznaniem X przez oficjalną głowę szkoły rzymskiej i prawie z większą sławą niż wcześniej. Z rzeźbiarskich dzieł drugiej połowy Berniniego, dziwny departament z brązu katedry św. Piotr w Rzymie, postać cesarza Konstantina (tamże), a zwłaszcza stworzenie nowego rodzaju portretu, najlepszy sposób, w jaki marmurowy popiersie Louis XIV, wypełnione mistrzem podczas pobytu w 1665 r. (Na zaproszenie Sąd francuski) w Paryżu. Podczas budowy ekspresji, cechy twarzy, główna uwaga koncentruje się na dekoracyjności całości, osiągniętej przez malowniczą interpretację ogromnej peruki z malowniczej interpretacji loków i jak wspiął się przez wiatr fruwającego draperii.

Obdarzony wyjątkową ekspresyjnością, oryginalnością stylu wizualnego i doskonałości umiejętności technicznych, sztuka Bernini znalazła niezliczonych fanów i naśladowców, którzy wpływają na sztukę plastikową Włoch i innych krajów.

Petro tak Norton. Od malarzy, najważniejsze dla stylu wysokiego baroku jest Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Początkowo nominowany z wielofunkcjonowanymi obrazami maszynowymi ("Victory Aleksander Macedonsky nad Darim", "uprowadzenie Sabinjanok" - 1620., zarówno - Muzeum Kapitolu, Rzym), w którym znalazł głęboką wiedzę o materialnej kultury starożytnej Rzym, nabywany w wyniku badania zabytków antyków. Ale główne podboje norty należą do dziedziny monumentalnych obrazów dekoracyjnych. Między 1633 a 1639 r. Spełnia Grand Plafof w Palazzo Barberini (Rzym), który jest jasną próbką barokowego malowania dekoracyjnego. Plafof uwielbia głowę domu Barberini Papież Urban VIII. W przestrzeni objętych ciężką prostokątną ramą jest przedstawiony otoczony zestawem znaków alegorycznych na postać boskiej mądrości. Po lewej powyżej zabiera się do nieba szczupła dziewczyna z koroną gwiazd w ramionach podniesiona, uświadamiająca nieśmiertelność. Nawet powyżej, potężne kształty MUZ, które służą jako przypomnienie poetyckiej aktywności Urban VIII, niosą ogromny wieniec, w środku którego trzy pszczoły ramię Barberini latają. Na ramkach ramy, na rondzie przejścia do ścian, sceny mitologiczne są przedstawione, w formie dołączenia o twierdzeniu o działaniach papieża. Bogactwo malowniczych motywów, różnorodność i witalność obrazów odpowiada soniczności całości.

Charakterystyka fuzji ekologicznej w stylu monumentalnym jest organiczna łączenie do pojedynczego dekoracyjnego systemu architektonii kompozycji, malarstwa i tworzyw sztucznych, znalazł najbardziej kompletny wyraz w obrazie wielu sal pitazo w Florencji (1640S), oznaczonych nazwami bogów Olympusa. Gloryfikacja Medici w domu wyróżnia się niezwykłą różnorodnością kompozycji. Najbardziej interesującym jest sufit, który zdobi sala Marsa i czyta o zaletach wojskowych właścicieli Palazzo. Nieodłączy się na tym obrazie dynamiki, asymetria konstrukcji, a także irracjonalność kompozycji, wyrażony w fakcie, że płuca wspierają ogromną herb kamienny Medici, należą do skrajnych wyrażeń Styl barokowy, który osiągnął jego kompletność.

Jednocześnie rozwinięto realistyczne tendencje w pracy wielu włoskich mistrzów, najlepiej pracował poza Rzymem.

ROSE SALVATOR. Najbardziej oryginalni artyści w połowie XVIII wieku należy do Rosa Salvator (1615-1673), który był nie tylko malarzem, ale także poetą, broszurą i aktorem. Neapol, gdzie wpływ Szkoły Karavago był szczególnie odporny, Rose jest blisko najnowszej rzeczywistości obrazów i sposobu malowania z ciemnymi cieniami. Przedmiotem kreatywności tego artysty jest niezwykle zróżnicowany, ale najważniejsze dla historii sztuki jest liczne sceny bitwy i krajobrazów. W kompozycjach bojowych przeprowadzono szybki temperament artysty w pełnej sile. Podobny gatunek bitwy, zebrany przez naśladowników, będzie szeroko rozpowszechniony we wszystkich sztukach europejskich. Krajobrazy magisterskie przedstawiające skaliste wybrzeża morskie, ze względu na motywy na zdjęciu, dynamika kompozycji, ostry kontrast oświetlenia i emocjonalności ogólnego rozwiązania można nazwać romantycznym. W ten sposób mogą być przeciwni klasyczni krajobrazom szkoły Carlagejevsky i wszystkie straszne krajobrazy północnych szkół. Wśród dużych obrazów róże są przydzielane przechowywane w Hermitage "Odyssey i Navykaya" (1650.) i "Demokrata, zaskoczony zwinnością Protagodu" (w tym samym czasie). Służą jako doskonałe przykłady stylu narracyjnego i malowniczych mistrzów.

Od lat sześćdziesiątych ostatniego XVII wieku ostatnie, najdłuższą fazę rozwoju sztuki barokowej, tzw. "Późniejszy barok". Charakteryzuje się mniejszym rygorem kompozycji konstruowania, większa łatwość figur, szczególnie zauważalnych w żeńskich obrazach, rosnących odpływom kolorowym i wreszcie, dalsza zwiększona dekoratywność.

Giovanni Battista Gauli. Głównym wyrazem nowych tendencji malarstwa jest Giovanni Battista Gauli (1639-1709), znany jako Stankist i jako artysta, który stworzył szereg fresków. Jego sztuka ściśle przylega do sztuki późnego Berniniego. Na najlepsze prace Gauli należy do jego wcześniejszego, wyblakły w jasnych kolorach pakowanych żagli z Sant Anise-In-Piazza-Navona w Rzymie (ok. 1665). Zamiast ewangelicals, najczęstszą architekturą kościoła w tych miejscach, Gauli przedstawiła łatwość alegorycznych scen chrześcijańskich cnoty. Szczególnie atrakcyjna jest ta, w której reprezentowane są dwie młode dziewczyny, z których jeden umieszcza wieniec kwiatowy do drugiego. Prace dojrzałego stylu Gauli są obrazy Plafonu, kopuły i królów Absidy Głównego Kościoła Jezuitów Il-Jesu w Rzymie (1670-E-wczesne 1680). Ten sufit, znany jako "kult imię imienia Jezusa", jest bardzo orientacyjny dla stylu późnego baroku. Wśród pisemnej architektury, która kontynuuje prawdziwe formy kościoła, przedstawione na głębokości przestrzeni niebiańskiej, wypełnionej niezliminowanymi figurami, jak fale przepełnione z ciemności do wszystkich lżejszych grup. Innym widokiem na malownicze dzieła Mistrza są jego pozbawione różnego rodzaju ozdobnych rękawiczek, psychicznie znakomicie scharakteryzowane portrety współczesnych ("papieża IX", Rzym, Galeria St. Luki; "Portret Bernini", Rzym, Galeria Corsini) .

Andrea Pozzo. Porozumienie do iluzji konstrukcji architektonicznej osiąga najwyższy rozwój w pracy Andrei Pozzo (1642-1709). Jego produkt kapitałowy jest powódź fresk kościoła Saint-Ivacio w Rzymie, pomijona z Centralnego NEF, pokazana na niej przez poziomy tarasów, arcade, kolumnadę ścian wyścigowych, nad którymi Ignati Loyola wyróżnia się wśród wielu liczb, tworzy iluzja przestrzeni architektonicznej. Podobnie jak inne podobne Plasfony, lekkość i poprawność konstrukcji są natychmiast naruszane, gdy tylko widz odsuwa się od punktu, do którego została obliczona.

Neapolitan Luke Jordano (1632-1705) należy również do najsłynniejszych mistrzów malarstwa dekoracyjnego (1632-1705). Utalentowany i niezwykle płodny mistrz, był nadal pozbawiony wewnętrznej siły i oryginalności i często naśladowali innych artystów. Dla najlepszych prac należy do Glorificing Rodzina Medici Florentine Palazzo Ricardee.

W dziedzinie malowania maszynowego od współczesnych tych artystów, rozróżnia się rzymska szkoła końca XVII wieku Carlo Maratta (1625-1713) (1625-1713). Zabrał miejsce największego przedstawiciela późnego baroku. Jego obrazy ołtarza charakteryzują się gładkością linii i wspaniałego spokoju kompozycji. Jako silny artysta odkrył się w dziedzinie portretu. Wśród jego prac jest przydzielany przez charakterystyczny i wspaniały obraz Hermitagon "Portret papieża Clement IX" (1669). Francesco Solima (1657-1749), którzy pracowali w Neapolu w swoich obrazach biblijnych i alegorycznych o ostrych kontrastach światła i cienia prowadzi do pamięci technik Caravaggio, ale używa ich w czysto ozdobnych kompozycjach. Późna bolonia Giuseppe Maria Kressee (1664-1747), który jest jednym z uzdolnionych artystów w rozważanym okresie, miał silny wpływ na obraz XVIII wieku. Masters charakteryzują silną wyraźną orientację realistyczną. Objawia się w kompozycjach religijnych, więc bardziej wizualnie w swoich obrazach domowych ("koniec św. Józefa", ok. 1712, Hermitage; "Seria tajemnic", 1710., Galeria Dresden).

W XVII wieku Włochy nie były już najlepszym krajem, na którym była w renesansowej epoku. Kraj okazał się rozdrobniony przez małe zleceniodawstwa objęte stałymi internautami schwytanymi przez dominację zagraniczną. W lewo w wyniku wielkich odkryć geograficznych oprócz głównych centrów gospodarczych, Włochy w XVII wieku doświadczają głębokiego kryzysu. Jednak poziom, można powiedzieć, że stopień, życie artystyczne, intensywne prace duchowe narodu, ton kultury jest daleki od zawsze zależą od poziomu rozwoju gospodarczego i politycznego. Często niektóre niewytłumaczalnie w okrutnym, najbardziej nieodpowiednich warunkach, w najbardziej kamienistym, niekorzystnym glebie kwitnie pięknego kwiatu wysokiej kultury i niesamowitej wysokości sztuki. Dotyczyło się również we Włoszech pod koniec XVI - wczesnym XVII wieku, kiedy Rzym, opierając się na wiecznej tradycji kulturowej, zareagowała 30-40 lat wcześniej niż inne kraje europejskie do zmian w erze historycznej, do nowych problemów, które nowe Era ustawiona przed kulturą europejską. Przez krótki okres, Włochy ożywia swój wpływ na życie sztuki kontynentu, jest tutaj, że pojawiają się pierwsze dzieła nowego stylu barokowego. Jest tworzony przez jego charakter i ducha. Barok we Włoszech stał się logiczną kontynuacją osiągnięć sztuki poprzednich epok, takich jak późna kreatywność Michelangelo lub włoskiej architektury w ostatnim kwartale XVI wieku. Zasady sztuki barokowej były utworzone w architekturze Rzymu, które było centrum rozwoju myśli architektonicznej o stawce i przyciągnęło ogromną liczbę mistrzów z różnych krajów.

Wizerunek Kościoła Il-Jesu był tak istotny, blisko Ducha Epoch i odzwierciedlając nowe cechy świata, które stał się prototypem wielu kościołów katolickich Włoch, a także całej Europy.

Kościół Ile-Jesu

Przykładem jest Kościół w Santa Susanna, zbudowany na samym przełomie wieków przez architekta Karla Nowoczesnego. Jego fasada jest nieco bardziej zwarta niż w IL-Jazu, wszystkie formy i szczegóły są łączone ze wspólnym rytmem rytmu, który nie jest przerywany przez leki oddzielające przeciwburowanie. Wręcz przeciwnie, przód pierwszego piętra wydaje się powtórzyć w energicznej tule głównej frontonu. Rytm, zaczynając u stóp okrężnicy pierwszego poziomu, jest aktywnie odebrany przez rytm drugiego piętra. Ten związek całej fasady w jednym energicznym rytmie podkreśla powtórzenie elementów zamówienia na inną skalę, a także dwie wiarygodnie przez już zainstalowane oznaki ERA. Bogactwo elewacji jest wzmocniona z powodu aktywnego tworzywa sztucznego Kapitałów Korynckich, które kwitnące bujne liście Akaniki i kwiaty. Ze względu na kartki objętościowe i ulgi, a także dzięki posągu z tworzywa sztucznego hostowanego w niszach, jest wzmocniona.

Santa Susanna.

Wszystkie te części, ich złożona dynamiczna interakcja, napięcie powierzchniowe i środki oświetleniowe wzmacniają dekoracyjną ekspresję elewacji. Ściana zamienia się w jedną masę architektoniczną wyposażoną plastycznością i dynamiką, a tak, jakby podlegały prawom organicznej istoty. Nie jesteśmy przypadkowo, że jest szczegółowo szczegółowo szczegółowo analizy architektury tych zabytków architektury barokowej. W całościach cechach charakterystycznych szczegóły, które będą rozwijać się w europejskiej architekturze XVISC, manifestują się w większym lub mniejszym stopniu w różnych szkołach krajowych. Kluczowy pomnik tej epoki z jednej strony przywołał wyniki poprzedniego rozwoju, a z drugiej strony początek nowego etapu po badaniach jest Kościół Il-Jesu, zbudowany na projekcie Vigoli w 1568 roku. Jasna część kościoła - fasada została zakończona w ciągu 10 lat na projekcie architekta Jacoma della portu (rys. 1). Bazyleczny plan Kościoła jest nieco zmieniony zgodnie z potrzebami i potrzebami kultu katolickiego. Nawa centralny z dominującym nad nim z półpełną przestrzenią i akcentowaną część ołtarza jest oprawiona po bokach przez małe wyzwania, które zmieniały boczne milmis. Takie członkostwo w przestrzeni wewnętrznej nie znajduje odzwierciedlenie na zewnątrz świątyni, na organizacji fasadowej, na której koncentruje się wszystkie środki projektu architektonicznego i wystroju. Dwa poziomy fasadowe są zjednoczone przez ogromne woli, jeden z ulubionych elementów architektury barokowej. Nagrodukę na fasadzie nie jest odzwierciedleniem wewnętrznego członkostwa wnętrza. Jest bardziej prawdopodobne, że rytmicznie organizuje ścianę - jest nasycony jego rytmami i energią wewnętrzną. Ta powściągliwa energia daje półkolistą stopkę nad centralnym portalem, przypominającym jej kontury zakrzywione, przygotowane do strzału, prostowania, cebuli, także półfabrykatów w ramce okien.

Urok świątyni uważany przez nas, aktywność, dynamizm elewacji, zobaczymy w jeszcze bardziej wyraźnej wersji w innych dziełach włoskiej architektury świątyni barokowej XVII wieku, na przykład w kościele Sant Inonya, Zbudowany w środku XVII wieku przez architekta Allegradi, w kościele anyżu Sant Anyzy, w środku wieku i kościoła Santa Maria w konkursie architektów Carlo Rainalaldi i Borrombini. Szczególnie chciałbym zwrócić uwagę na działalność przestrzenną architektury barokowej i jej połączenia z otaczającą przestrzenią placu, ulic, miast.

Santa Maria w Completelli

Oprócz ekspresyjnych tworzyw sztucznych samej fasady, drabina gra dużą rolę w komunikacji ze środowiskiem, takim jak wschodnia fasada Santa Maria Maggiore, zbudowana w 1673 r. Przez architekta Carlo Rainalaldi już wspomniana. Ta słynna klatka schodowa, trzy lekcje rosnące do ścian świątyni, jak gdyby półkolisty występ wschodniej apsydy kontynuuje się na zewnątrz, łączy budynek z otaczającą przestrzenią.

Santa Maria Maggiore.

Szczegółowe formy półkolistego, zakrzywione, elastyczne były kochane przez barokową architekturę, w pobliżu jej rytmu aktywnie nadawania samego siebie, np. W Kościele Santa Maria Della-Pazu, środek XVII wieku architekta Pietro de Cororton, gdzie niższy poziom Fasada elastycznego łuku jest ranna do zewnętrznej przestrzeni ulicznej, Portico nabywa półokrągły pod względem konspektu.

Santa Maria de la Pazh.

Ten energiczny łuk jest powtarzany w dużym centralnym oknie drugiego piętra, aw frontonu półkarskim, wpisanym w frontton, trójkątny budynek korony. Kolejnym słynnym schodami w barokowej archibliści jest królewskie schody lub tzw. "Rock of Reggia" zbudowała Lorenzo Berniniego w 1663-1666, łączy katedrę św. Peter i Watykan pałac. W tym budynku, Bernini kurorty do obiecującej sztuczki, do gry w ogóle, charakterystycznej architektury barokowej. Ponieważ drabina jest usuwana z niższej platformy, a kolumny umieszczone na jego etapach zbliżają się i zmniejszają wysokość. Różne wysokości otrzymały zarówno same kroki. Wszystko to tworzy specjalny efekt. Schody wydaje się znacznie wyższe niż to naprawdę jest.

Stwarza wrażenie ogromnej skali i dużej długości, która z kolei powoduje szczególnie spektakularną wydajność papieża, jego wygląd w katedrze podczas kultu.

Zasady barokowe zbudowane w formie w ich bardzo ograniczającej ekspresji w dziełach architekta Francesco Borrombini. W pracach tego mistrza ekspresja form dochodzi do maksymalnej wytrzymałości, a plastikowa ściana nabiera prawie rzeźbiarskiej aktywności. Fasada kościoła fontanny San Carlo-Allia Coatro w Rzymie, zbudowana w 1634-1667, może być doskonałą ilustracją tych słów. Świątynia ta znajduje się na rogu dwóch ulic zbieżnych do obszaru czterech fontannów, a jednocześnie zaciemnia główna fasada kościoła nie ma placu, ale zamienia go na jedną z wąskich ulic.

Fontanna San Carlo-alla

Ta technika tworzy bardzo interesujący punkt widzenia do kościoła, ukośnie, z boku, ze wzmocnioną grą oświetlenia. Ponadto ta lokalizacja fasady w stosunku do wewnętrznej przestrzeni budynku jest całkowicie zdezorientowana przez widza. Na zewnątrz nic nie mówi o wnętrzu, istnieje sama w sobie, niezależnie od organizacji wewnętrznej przestrzeni. Jest to znacząca zmiana architektury OXVII wieku. W przeciwieństwie do architektury renesansu, gdzie projektowanie budynku jest zawsze jasne i wyraźnie czytane. Konstruktywna rola w architekturze barokowej przestaje grać i porządkować. Staje się on tylko ozdobne szczegóły, które serwuje ekspresywność wyglądu architektonicznego budynku. Jest to wyraźnie widoczne przez przykład Fasady Kościoła San Carlo-Alla Coatro Fountain, gdzie zamówienie traci logikę architektonii. A w pierwszym i na drugim poziomie elewacji widzimy okrągłe kolumny, zamiast tradycyjnych pilastrów na drugim piętrze. W tej fasadzie faktycznie nie widzimy ściany, wszystko jest pełne różnych elementów dekoracyjnych. Ściana rozpuszcza się, jakby wszystko odtwarza fale, a następnie mówiąc okrągłe kolumny, a następnie zginanie, jak pogłębienie wewnątrz z półkolistymi, prostokątnymi niszami. Kroniki są wygięte w tym wewnątrz, a następnie na zewnątrz członkostwa nie otrzymują ukończenia, odpalenie drugiego piętra jest złamane w środku, w którym umieszczona jest owalna kartusza, która jest obsługiwana przez dwóch latających aniołów. Skomplikowana dynamika fasad i stresu tworzywa sztucznego na zewnątrz Kościołach Toringów otrzymuje kontynuację w wnętrzach jego świątyń, na przykład w Kościele Sant Ivo 1642-1660. W planie, który jest prostokątem, gdzie różne niszowe potrząsa się na zmianę trójkątnych występów ścian. Wydaje się, że wnętrze jest pozbawione logiki wewnętrznej, nie jest symetryczny, impuls i skierowany do góry, gdzie pasuje do milczenia w formie lewej kopuły.

Kopuła kościołów barokowych miała zwykle złożone badania architektoniczne i dekoracyjne, łącząc w sami i rozmiary, wykończenie rzeźbiarskie, co zwiększyło wrażenie ruchu i startu. Taka synteza sztuk osobliwych dla baroku, gdzie architektura, rzeźba i malarstwo służą jako wspólny cel ekspresji pracy, zobaczymy w najlepszych dziełach architektury barokowej. Wspaniałe zabytki architektury świeckiej - Palazzo, Pałace Knight, Miejskich i krajowych Rezydencjach, Wille powstały we Włoszech przez barokowe architektów.

Być może najbardziej uderzającym przykładem takiej struktury może być Palazzo Barberini w Rzymie 1625-1663, w budowie, których najlepsi architekci Włoch XVII wieku Carlo Moderno, Lorenzo Bernini, Francesco Borurini, Pietro de Cororton. Zewnętrzny i wewnętrzny układ pałacu na baroku jest przestrzenny. Z boku ulicy rozszerzone skrzydła tworzą dziedziniec parady do głównej fasady Palazzo, który jest rozwiązany w najlepszych powściągliwych tradycjach architektury barokowej. We wnętrzu, ze względu na konstrukcję ANFLN na konstrukcji przestrzeni, otwiera się przed widzem stopniowo, jak gdyby uroczyste sceny w reprezentacji teatralnej. Barnoccoe dziedziczy poprzednią typologię ERA Willi, rezydencji szlachty, która zamienia się w Solidny barokowy zespół z tarasowym parkiem na stoku wzgórza ze schodami i rampami. Ulubiona dynamika barokowa jest wyrażona częstym stosowaniem w zespołach powierzchniach płynnych wody - kaskady, zbiorników wodnych, groty, fontann, w połączeniu z rzeźbiarowymi małymi formami architektonicznymi, z naturalnymi i cięcia zieleni. Na przykład ta willa jest Aldobrandini w Foskatti, architekci portu Port i Carlo Moduzerno.

Villa Borghese.

Pamphille willa, stworzone w środku XVII wieku, architekta, stworzonego w połowie XVIII wieku, a Villa Borghese została zbudowana w pierwszej połowie XVII wieku przez architekta Vasanzio Friimi. Taki zespół architektury barokowej okazał się bardzo popularny i konieczny w XVII wieku, kiedy średniowieczne miasta zaczynają odbudować, kiedy pojawiają się projekty przebudowy poszczególnych części przestrzeni miejskich. Tak więc, zgodnie z planem, Fontano, główne wejście do Rzymu z północy wiązało się z najważniejszymi zespołami miasta. Z Piaza del sondażu, trzy proste ulice rozeszły promieniowo, a przestrzeń placu była zjednoczona dwoma tymi samymi symetrycznie umieszczonymi na rogach kościołów Kopuły w Architect Raidaldi, a także Obeliski i fontanny. Po raz pierwszy szczegółowy system trzech wiązki układu miasta będzie popularny w Europie XVII-XVIIIV popularnych w Europie. Widzimy jej wcielenie nawet w układzie Petersburga.

Najlepszy zespół architektoniczny Włoch XVII wieku nie jest przypadkowo rozpoznawany przez Plac Piotra w Rzymie, zaprojektowany Lorenzo Berniniego w 1657-1663.

Kwadratowy św. Piotr

W tym projekcie architekt rozwiązał kilka zadań naraz. Po pierwsze, jest to stworzenie uroczystego podejścia do katedry - główna świątynia świata katolickiego, a także projekt przestrzeni przed nim, przeznaczony do ceremonii religijnych i uroczystości. Po drugie, jest to osiągnięcie wrażenia kompozytowej jedności katedry, budynki zbudowane ponad dwa stulecia z różnymi architektami różnych stylów. I Bernini genialnie radzi sobie z obu zadaniami. Z fasady, zbudowany na początku XVIIV, architekt Carlo jest nowoczesny, dwie galerie są odszedł przez dwie galerie, a następnie zamieniając się w kolumnadę, która według Berniniego "jak otwórz ramiona owinięte obszar". Kolumnada staje się jak kontynuacja fasady nowoczesności opracowywania jego motywów. W centrum ogromnego obszaru znajduje się obelisk, a fontanny z boków są przymocowane przez jego poprzeczną oś. Podczas przechodzenia przez obszar widz postrzega katedrę jako zastępując serię gatunków i kątów w złożonym ruchu i rozwój wrażeń. Fasada rośnie przed widza w momencie natychmiastowego podejścia do niego, gdy okaże się przed obszarem trapezowym przed fasadą samej katedry. W ten sposób oszałamiająca gradacja katedry jest przygotowywana przez stopniowy wzrost dynamiki ruchu podczas jazdy przez obszar.

Architektura w Latebar we Włoszech nie dała takich zabytków równoważnych dzieł wczesnego i dojrzałego baroku dla ich artystycznej jakości i wysokości stylu. Architekci ostatniej trzeciej XVII wieku rozpoczął XVIII zmieniać się w różnych opcjach do podejmowania barokowej architektury, często przesadza kształt, przeciążenie, nadmiernie komplikując plastik i rytmy. Jedną z najlepszych próbek później barokowa architektura jest dzieło architekta Hvanino Gvarini, który pracował głównie na północy Włoch. Kościół San Lorenzo w Turynie, który uderza w ofiary i redundancję swoich formularzy jest jednym z jego typowych prac.

Sant Lorenzo w Turynie.

Architektura barokowa we Włoszech stworzyła oszałamiające prace, które mają ogromny wpływ na całą europejską kulturę XVII wieku.

36

Wprowadzenie

W historii literatury włoskiej granicy XVII wieku. Jako era literacka, głównie zbieżna z granicami XVII wieku, choć oczywiście nie absolutnie dokładnie.

W 1600 w Rzymie, na placu kwiatów Gordano Bruno został spalony. Był ostatnim wielkim pisarzem włoskiego odrodzenia. Ale Rzym, otaczający ognisko Bruno, został już zatrzymany przez barokowe kościoły. Nowy styl artystyczny urodził się w głębokościach poprzednich stulecia. To był długi i stopniowy proces. Jednak miała rodzaj "stopniowej luki", przejście do nowej jakości. Pomimo faktu, że indywidualne i dość imponujące objawy baroku są obserwowane we Włoszech w całej drugiej połowie XVI wieku, "prawdziwe złamanie występuje na przełomie XVI i XVII wieku, a jednocześnie w wielu sztukach - architektura , malarstwo, muzyka. I chociaż pozostałości manieryzmu we Włoszech nadal nadal wpływają na pierwsze, a nawet w drugiej dekadzie XVII wieku., W istocie, pokonywanie wykończenia w Włoch można uznać za 1600 "(B. R. Vipper).

Do 1600 roku wielu włoskich pisarzy XVII wieku. - Campanella, Sarpi, Galilee, Boccalini, Marino, Chiabira, Tassoni - byli już

dość utworzony pisarze; Jednak najważniejsze dzieła baroku i klasycyzmu są tworzone przez nich tylko w pierwszych dziesięcioleciach nowego wieku. Frontier między dwoma epokami jest wyraźnie poszukiwany, a on był już widoczny dla współczesnych. "Stopniowy pęknięcie" odzwierciedlał się w samoświadomości kultury i dał początek ostrej opozycji nowoczesności w przeszłości, a nie tylko starożytności Greco-rzymskiej, ale także klasycznego renesansu. "Nowy", "nowoczesny" staje się na początku XVII wieku. Słowa mody. Obracają się w rodzaju płaczu bitwy, z którymi tradycje są atakowane, a władze są zapalane. Galilee publikuje rozmowy o "nowych naukach"; Chiabiara mówi o pragnieniu, jak jego Columbus Columbus, "Otwórz nowe ziemie" w poezji; Najbardziej popularny poeta wieku - Marino deklaruje, że nie uśmiechają się w ogóle "stoją w tym samym rzędzie z Dante, Petrarch, Fra Gwitton i Izh z nimi", ponieważ jego celem jest "osiedlić życie" i Estetyczne tezauro zapewnia, że \u200b\u200bnowoczesny język literacki język wielkich Twittetów - Dante, Klimaty i Boccaccio przekroczyły. Na początku XVII wieku. Włoscy pisarze często mówią o wyższości ich epoki nad czasem tych, którzy minęli, o szybkim rozwoju wiedzy ludzkiej, o absolutności postępów. Najważniejszym wyrazem jest nowy stosunek do ugruntowanych władz i tradycji znalezionych w pracach Alessandro Tassoni, poeta, publicysta i jednej z najbardziej błyskotliwych literackich krytyków XVII wieku. Jego "refleksje na wierszach Petrarki" (1609), a zwłaszcza dziesięć książek "różnych myśli" (1608-1620) - ważny związek w przygotowaniu tego "sporu o starożytnych i nowych autorów", które na wynik XVII wieku rozwinię się we Francji.

Na pierwszy rzut oka może wydawać się, że jego gloryfikacja nowego czasu, postęp wiedzy i poezji włoskich pisarzy XVII wieku. Przypomnij Humaniści Quattrocerto - Janozzo Manetti lub Martilyo Fechino. W rzeczywistości nie jest. Fierce kontrowersje z przeszłością, gorączkowym poszukiwaniem nowego, niezwykłego, ekstrawaganckiego, tak charakterystyczne dla całej atmosfery artystycznej Włoch XVII wieku, w sami nie służą jako gwarancja autentyczności innowacji literatury przypuszczalnej. Z drugiej strony, zaprzeczenie tradycji kulturowych ubiegłego wieku nie zawsze oznacza we włoskich pisarzach XVII wieku. Entuzjastycznie, przepraszający stosunek do własnego czasu. Równie świadomy głębokiej przerwy między XVII wieku. A okres poprzedzający go, takimi pisarzami, takimi jak Tezauro i Campanella, byli całkowicie różni się od społeczno-politycznej rzeczywistości nowoczesnych Włoch. Jeśli jezuit Tezuauro ze wszystkimi barokową "modernizmem" był konserwatywnym politycznym, oddzielonym przez stanowiska wsteczne Kościoła katolickiego, a następnie niepoprawny "heretyk" Campanella, ze wszystkimi jego średniowieczną religijnością i pożyczką na "badanie czasów", stało się Reformator społeczny, który był nawet w astronomii, oznaki nadchodzących publicznych kataklizmów zaprojektowanych, aby zobaczyć system feudalny i zatwierdzić Królestwo pracy, sprawiedliwości i równość nieruchomości na jego wraku.

Nie tak ostry, ale także fundamentalne rozbieżności w szacunkach zarówno nowoczesnej rzeczywistości, jak i treści "nowych" w sztuce i literaturze istniały między Kyabreroy a Marino, między Tassoni a Lanchellotti, między Sarpi a Sfalawą Pallavicino. W swojej literackiej i estetycznej zawartości włoskiego XVII wieku - okres złożonych, społecznie niejednorodnych i skrajnych sprzecznych. Jest niezgodny bardziej kontrowersyjny niż odrodzenie poprzedzające go. I jest to również odzwierciedlone w jego samoświadomości. Jeśli klasyczny renesansowy dialektycznie usunął sprzeczności w najwyższej, prawie absolutnej harmonii artystycznych obrazów i ideologicznej syntezy, wówczas włoski XVII wieku, wręcz przeciwnie, pod każdym względem niespójność sprzeczności w nim. Buduje dynamiczną dysharmonię w konstrukcyjnej zasadzie kultury i stawia antytrynność na podstawie głównego stylu dominującego. Aby zmienić rozwinięte, "uniwersalna osoba" włoskiego ożywienia, spokoju, majestatycznego i "boskiego" w swojej "naturalności" w XVII wieku. Włoski człowiek barokowy przychodzi - hedonistyczny pesymist, nerwowy, boleśnie niespokojny, ekstrawagancki, w średniowiecznym odstępie między duchem a ciałem, między "ziemią" a "niebem", niezwykle pewnym siebie, a jednocześnie zawsze drżąc Zapewnienie śmierci i fortuny, ukrywając swoją prawdziwą twarz pod wulgarną-jasną maską teatralną. W XVII wieku Nawet najbardziej zaawansowani i śmiały myśliciele, kontynuując w nowych warunkach historycznych renesansu, tracą integralność wewnętrzną, która była taka charakterystyczna dla tytanów przeszłości.

Jednak mówienie o absolutnym spadku włoskiej kultury w XVII wieku. - Jak często się skończył - niemożliwe jest jeden po fakcie, że przedziwione Włochy nadal pozostają częścią Europy Zachodniej, kultury

Ilustracja:

Giovanni Lorenzo Berniniego.
Extas. Terezia.

1645-1652.
Rzym, Kościół Santa Maria della Vittoria

które w tym czasie rosło, zrekompensowanie utraty renesansowej całości nie tylko przez wielkie odkrycia naukowe, ale także znaczących podbojów estetycznych. W pierwszej połowie XVII wieku. Językiem literatury włoskiej był nadal językiem wykształconego społeczeństwa europejskiego, chociaż było już kilka francuskich i częściowo hiszpańskiego. W niektórych dziedzinach życia kulturalnego Włochy nadal zachowały wiodącą pozycję w Europie, a nawet zdobył nowe stanowiska. Ten ostatni odnosi się przede wszystkim do muzyki. W 1600 roku, poeta Otttavio Rhinuchchini i kompozytora Jacopo Pier pokazywała się we Florencji dramatu muzyki "Eurydika", która rozpoczęła początek opery, lub, jak oni powiedzieli, podkreślając synkreatialność nowego gatunku i jego integralnej z literatury "Melodrame ". Wielkie dzieła Claudio Monteverdiego podążyły za "Euridic": "Orpheus" (1607), "Ariadne" (1608), "Koronacja maku" (1642). Nieznany świat otworzył się przed ludzkością. W muzyce - Opera, a także instrumentalne (Freskidi, Korelli) - włoski XVII wieku pozostawił wiele nieodwracalnych wartości estetycznych. Muzyka włoska zapewniła styl barokowy - Monteverdi nazwał go "Stil Contecato", styl "podekscytowany", "podekscytowany" - tym samym honorowym miejscem w europejskiej kulturze artystycznej, która przed to była zrobiona przez styl tragedii strychowej, francuski gotyk Katedry i poezja renesansu włoskiego, francuskiego i angielskiego.

Znaczący sukces dotarł do Włoch i w dziedzinie sztuk pięknych. W architekturze, malarstwie i rzeźbie, barokowy powstał wcześniej niż tylko w Rzymie, gdzie powstał Giovanni Lorenzo Bernini, Pietro i Cortona, Francesco Borrison. Na ich dziełach, artystów Francji, Hiszpanii, Niemcy studiowały nie tylko dekorację i pompousness, ale także nowe formy ekspresji, reprodukcji ruchu, intymnych doświadczeń osobistych i umiejętności, nawet w portrecie rzeźbiarskim, wychwytują życie środowiska środowisko.

Nie należy jednak myśleć, że Włochy wpływ na architekturę, rzeźbę i malarstwo reszty Europy były ograniczone w XVII wieku. Sfera sztuki arystokratycznej sądu. Nawet bardziej niż przykład Lorenzo Berniniego i Pietro i Cortona, pogrubione eksperymenty Annibal Carragechci wpłynęły na europejską kulturę artystyczną ("rejestrowanie rzeźnika", "Bob Summer") i potężny geniusz Caravaggio, którego prace zostały wprowadzone do malowania włoskiego XVII stulecie. Nowe aspekty świata rzeczywistego, bardziej demokratyczne w porównaniu do sztuki klasycznych tematów renesansowych, sytuacji, obrazów. W taki czy inny sposób "karawgism" odzwierciedlał w pracy prawie wszystkich wspaniałych artystów Hiszpanii, Flandrii, Holandii, a zwłaszcza tych, z których nazywano największymi realistami XVII wieku. - Velasquez i Rembrandt.

Znakomite osiągnięcia osiągnięte w XVII wieku. Włoska nauka. Zastąpić literackie akademie renesansowego, zdegenerowanego w XVII wieku. W Great Salons, które zmieniły poezji do zabawy i Jannamn, przyszedł Akademii Nauki Przyrodnicze: Akademia Dei Linchi (Akademia Ryshi) w Rzymie, Akademii Delikatesy (Akademia Naukowców) w Neapolu, Akademii Del Chimento (Akademia Doświadczona wiedza) we Florencji. W literackim życiu Włoch XVII wieku. Zagrali rolę, pod wieloma względami przypominającymi rolę kręgów filozoficznych Quattrochto. Jest z nimi, z reguły, była połączona w tym czasie tworzenie włoskiego klasycyzmu. W tym sensie

włoski XVII wieku Kreatywność Galileo Galileo jest niezwykle charakterystyczna dla największego naukowca i największego pisarza SEICATO, który nie miał mniej niż Dante i Machiavelli na temat tworzenia włoskiej prozy krajowej.

Sukcesy włoskich muzyków, artystów i przyrodników nie wykluczyli faktu, że w ogóle kultura Kultury Siectytian Włochy nie powstała do poziomu klasycznego renesansu. Ponadto, w przeciwieństwie do kultury Holland, Anglii i Francji, rozwinęło się głównie na w dół. Jeśli na początku XVII wieku, gdy wpływ włoskiego baroku na literaturę Europy Zachodniej objawił się specjalną siłą, Jambattist Marino nie tylko był idolem Towarzystwa Sądu w Paryżu, ale także może wpływać na teofilę de Vio i Poussin, wtedy w latach 70. ustawodawca zachodniego europejskiego "dobrego smaku" Bouoy powiedzie odwołanie:

Zostaw Włoszech
Pusty świecidełko z fałszywym połyskiem,
W sumie znaczenie jest ważniejsze ...

W ostrej zmianie smaków artystycznych, tak charakterystycznych na koniec XVI - wczesnego XVII wieku, odzwierciedlenie jakościowe zmiany, które wystąpiły w tym czasie w strukturach politycznych, gospodarczych i społecznych całego włoskiego społeczeństwa. Postęp literatury włoskiej była krewna głównie dlatego, że w XVII wieku. Literatura we Włoszech rozwinęła się w warunkach upadku gospodarki, a może nawet ważniejsza niż degradację społeczną dokładnie te warstwy publiczne, które zanim to było możliwe, wspaniały i stosunkowo długi kwiat kultury włoskiej ożywienia.

Pod koniec XVI wieku reakcja feudal-katolicka pękła do gospodarki i otrzymała szeroką bazę do dalszej ekspansji. Szef reakcji był papieski Rzym, który był zarządzany w XVII wieku. Dołączyć do swoich terytoriów do Ferrary i Urbino i Feudal Hiszpania, co sprawiło, że pełny właściciel większości półwyspu z Apenni w świecie Kato-Cambrezian. Tylko Wenecja i ostatnio wykształcone Księstwo Savoy zachowały pewną niezależność polityczną w Siectytii Włoszech iw niektórych przypadkach przeciwdziałanie na nich presji Hiszpanii i Rzymu.

Wzmocnienie stanowisk Kościoła i feudalnej szlachty w życiu gospodarczym i publicznym we Włoszech przyczyniło się do ekspansji reakcji feudalno-katolickiej we wszystkich sferach kultury. Terror inkwizycji, rozpoczął się w trzyntszą katedrę, kontynuował. Hiszpanów go wspierali. Campanella spędził wiele lat w więzieniu, został poddany okrutnym torturom. W 1616 r. Święty Zgromadzenie zabrało dyskutować i wyrazić naukę Kopernika. W 1633 r. Proces został zorganizowany przez Galilem. Gubernator hiszpański Pedro Toledo rozproszono wszystkie społeczeństwa naukowe i literackie akademie w Neapolu, z wyjątkiem jezuitów. W XVII wieku Kościół katolicki i władze hiszpańskie były nadal widziane w zaawansowanej kulturze nie tylko ideologicznym, ale także politycznym wrogiem.

Niemniej jednak w polityce kulturalnej reakcji feudalno-katolickiej miała miejsce w XVII wieku. Niektóre znaczące zmiany jakościowe, które tworzą jasną granicę między XVII wieku a późnym odrodzeniem. Jeśli w drugiej połowie XVI wieku. Kościół rzymski był zajęty przede wszystkim ciężką walką z "niemiecką herezją", bezwzględni

eksperacja frachtu renesansowego i czyszczenia własnych wierszy, od początku XVII wieku, podejmuje próby przywrócenia bezpośredniego i całkowitego wpływu na nauki, literaturę i sztukę, która została utracona w epoce renesansu. Reakcja feudal-katolicka rozpoczyna się w XVII wieku. Aby zbudować kulturę, która spełnia istotne interesy zarówno Kościoła, jak i szlachty, a jednocześnie mogą wpływać na stosunkowo szerokie masy. Otrzymuje solidne wsparcie ze strony społeczeństwa Jezusa, który stał się poważną siłą społeczną i polityczną. W XVII wieku Jezuici nabyli monopol na wychowanie i edukację młodszego pokolenia i założył swoje uczelnie w większości Włoch. Prawie wszędzie ich szkoła stała się ośrodkami propagandy pomysłów i poglądów przeciwporozdenowych. Pochodzi z rzędów jezuitów, że najbardziej kaznodziei, myśliciele i pisarze, którzy stworzyli część włoskiej literatury, która może być nazywana oficjalną literaturą reakcji feudalno-katolickiej. Do tego rodzaju literatury powinno być przede wszystkim różne przejawy elokwencji religijnej, które bardzo rozkwitły we Włoszech w całym XVII wieku. I nabyte, zwłaszcza w dziełach Jesuitę Paolo Sieney (1624-1694), cechy typowego gatunku sekwencyjnego. Ten gatunek dowiedział się Poetch z Barochki, opracował własną teorię (traktaty Francesco Paniegaarolo i Terzauro), a bez ograniczania ram kazań kościelnych, został przekształcony w opisowy, tak zwany "Proza artystyczna", gdzie forma ma już oczywiście oczywiście Przeważony nad treścią, a temat religijny został opracowany w historii historii, geografii, etnografii itp., Najbardziej znaczącym przedstawicielem "prozy artystycznej" XVII wieku. W literaturze Włoch był Daniello Bartoli (1608-1685), autor "Historii Jezusa Society", "bolesne i niezrównane okresy mistrzowskie i zwroty pretensjonalnego i kwiecisty" (De Sanctis).

Kontrospacje jest powszechnie iw pewnym sensie pomyślnie wykorzystano możliwości stylu barokowego do tworzenia oficjalnej, feudal-arystokratycznej literatury, która spełnia interesy zarówno Kościoła, jak i klasy dominującej. Ale ze względu na tę reakcję feudal-katolicką konieczne było cieszeniu się we Włoszech przez te moralne i religijne rygorystyka, które charakteryzowały politykę kulturalną w drugiej połowie XVI wieku. Estetyczne teorie peryfikacjach przeciwroformacji, zgodnie z którą literatura i sztuka powinny ustawić pierwsze ze wszystkich zadań religijno-edukacyjnych, zmieniły się w XVII wieku. Koncepcje hedonizmu estetycznego. Samolodzy włoskiej kontroli, który pozornie niedawno oburzony przez bluźnierczego dokuczania "Strasznego Sądu", teraz Poglądów artystów, którzy wprowadzili w ich dziełach, nie po prostu podkreślali zmysłowe, ale także szczerze mówiąc motywy erotyczne. I nie powinien być szczególnie zaskakujący. Wyjaśniono to nie tylko przez fakt, że barok z jego pompousness, bierność, metaforyczność i retoryka mogła być znacznie silniejsza na wyobraźni publiczności ludzi, która jest surowa, zebrana intelektualizator renesansu. W nie mniejszym znaczeniu okazało się różnione: w dziełach arystokratycznego baroku, zmysłowość wykonywana jako jedna z przejawów oszustwa i iluzji materiału, "uszyta" świat i erotycy, jak na pierwszy rzut oka, ani Paradoksalnie, owinięty głoszeniem religijnego ascezy. Była to możliwość włoskiego przeciwdziałania przetwarzaniu wykorzystania wyimaginowanego wzbudzenia arystokratycznego baroku do propagandy własnych pomysłów reakcyjnych, zwracając się do hedonizmu marynistycznej poezji i prozy przeciwko racjonalizmu nowej materialistycznej nauki i filozofii.

Między rękawiczkami zabitych

arystokrata i spojrzenie na świat Picaro - wygląda charakterystyczna dla Neapolu Lumpena - były znane punkty kontaktu, a to wyjaśnia niektóre z funkcji barokowej prozy, przede wszystkim barokowy burleski; Jednak ogólnie ważne ideały zarówno włoskiej chłopstwa i włoskie bazy miejskie przyszedł w XVII wieku. Do antagonistycznych sprzeczności z ideologią klasy dominujących. Podczas gdy dawny handel i burżuazja przemysłowa wreszcie stała się klasą politycznie tchórzliwym, reakcyjnym, wspierającym nie tylko zlece feudalne, ale także hiszpańscy zdobywców, chłopstw i miejskich terenów Włoch odpowiedziały na wszystko, co intensyfikowanie ucisku społecznego, politycznego i gospodarczego bandytów " Ukryta wojna chłopska "(Według F. Stradel), bunt, które są jednocześnie antipodeal, a anty-hiszpański, wyzwolenie narodowe. Neapol i Palermo podjęli się w XVII wieku. Główne ośrodki są nie tylko barokowe, ale także niepokojów ludowych, nie zatrzymywane przez cały wiek. Szczególnie szeroka skala, ruch antyoreferzy nabył we Włoszech w latach 1647-1648, kiedy dna miejskie kierowane przez pierwsze rybak Tommaso Anuello (Maasanlohlo), a następnie wielokrotnie gennare, zdobył moc w Neapolu i trzymał go w ciągu roku. Powstanie Neapolitańskie było wspierane przez Palermo, gdzie zarządzanie miastem przez chwilę przeszedł również do rąk ludzi buntowniczych, a seria zamieszek chłopskich, jazda przez południowe Włochy. W 1674-1676. Sicily potrząsnął powstaniem anty-zachodem, którego tym razem centrum było Messina. W 1653-1655. Chłopi Savoy wzrosły do \u200b\u200bwojny partyzjskiej przeciwko feudalistom pod transparentem ożywionej herezji Waldense.

Folk, ruchy antypodealne XVII wieku. Nie mógł wzrastać do Włoch w rewolucji burżuazyjnej, ponieważ była w Anglii, ani w zwycięskiej wojnie o wyzwolenie narodowej, jak się wydarzyła w Holandii. We Włoszech XVII wieku. Nie było klasy, która mogłaby prowadzić rewolucyjną walkę z feudalizmem i przyniesie go do zwycięskiego końca. Nie oznaczało jednak tego, że protest włoskich ludzi przeciwko ich własnych i zagranicznych ciemiężców był całkowicie bezowocny, że nie znalazł odzwierciedlenie w literaturze włoskiej XVII wieku. I nie było wpływu na naturę jej stylów. A chodzi o to, że bunt Masanyllo otrzymał bezpośrednią reakcję w Róże Satire Salvator i w wierszach Antonio Basso, który zapłacił głowę do aktywnego uczestnictwa w ruchu anty-reforcjalnym 1647-1648. Protest uciskanych ludzi był znacznie większy, przyczynił się do powstania literatury włoskiej XVII wieku. Od wewnątrz, włamując się do kreatywności nie tylko Sarpi, Tassoni, Boccaliniego, ale także takie, wydawałoby się to bardzo daleko od polityki pisarzy, jak jambattista bazylenia. Jeden z przejawów niespójności włoskiego XVII wieku. To było to, że rozwój społeczny tego czasu został ułatwiony nie tylko przez arystokratyzacji, ale także w pewnym poczuciu demokratyzacji literatury włoskiej. Jeżeli kultura włoskiego renesansu, baza społeczno-ekonomiczna była związana głównie z najbardziej rozwiniętymi miastami stuleciami XIV-XVI, chłopski, z reguły, zignorowaną, a następnie tak zwaną refuzji, przeprowadzoną centrum Grawitacji włoskiej gospodarki do wioski, sprawiło, że wszyscy wykorzystywali, a uciskany chłop jest figurą, przez który w XVII wieku. Najbardziej wrażliwych, sumiennych i przemyślanych przedstawicieli włoskiej kreatywnej inteligencji nie mogły przejść. Życie całego włoskiego społeczeństwa zależało również od chłopa, a to znalazło odzwierciedlenie w świadomości estetycznej epoki.

W XVII wieku Fakt włoskiej kultury narodowej jest nie tylko polowa komedia masek powstała w XVI wieku. Na peryferiach wysokiej renesansu, ale także magicznej bajki i "powieści ludowe" Julio Cesare Croce o Bertoldo i Bertolden, który był oparty na chłopskiej folklorze. Twórczość ludowa karmii się i wzbogacona przez włoski barok, wprowadzając do niego estetyczne i życie. Dlatego jest to zasadniczo niepoprawny, aby rozważyć barokowy jako poziom licznika przetwarzania i łączyć go tylko z szlachetną szlachetną, choć barokową, pierwotnie powstał w tych krajach, w których szlachta była dominującą klasą. W odniesieniu do włoskiej literatury XVII wieku, aw odniesieniu do włoskiej sztuki tego czasu możemy rozmawiać o dwóch Tendencjach baroku - arystokratycznej, reakcyjnej i zaawansowanej, ludowej. Jest to namiętny, gorączkowy pragnienie nowego, który, jak już zauważył, był tak charakterystyczny dla całej literatury włoskiego XVII wieku, a zwłaszcza do włoskiego baroku, był karmiony nie tylko poczucie luki z erą Odrodzenia i oszałamiające odkrycia w fizyce lub astronomii, ale także pragnących ludów, chłopskich mas do wolności i sprawiedliwości społecznej. Nie jest przypadkiem, że jeden z największych włoskich poetów XVII wieku.

tommaso Campanella, wielki autor demokratycznego baroku. Wyjaśniając początki ich innowacyjnych pomysłów i odważnych projektów, mówił o inkwizytorach: "Reklamacje z każdego chłopa głowy, a od każdego, z którym mówiłem, dowiedziałem się, że wszyscy są ułożone na zmianę". Jest to połączenie najważniejszych dzieł literatury włoskiej XVII wieku. Z ludźmi, z walką przeciwko rekomportową, wydaje się, że nawet w warunkach niemal absolutnego spadku gospodarczego, społecznego i politycznego, literatura Włoch nie straciła treści narodowych i nadal tworzyć nowe wartości duchowe.

W swoim rozwoju literaturze włoskiej XVII wieku. Były dwa duże okresy, granice między którym przychodzi około połowy wieku. W ich znaczeniu nie są one równi sobie nawzajem. Pierwszy okres jest nieporównywalnie bogatszy i wewnętrznie napięty. Było w pierwszej połowie XVII wieku. We Włoszech powstaje klasyzm, istnieją różne trendy w literaturze barokowej: marinizm, chiabiaryzm, demokratyczna barokowa Campanella, bazylia, róży Salvator. Do końca tego okresu, traktaty estetyczne formułujące teorię baroku są tworzone do końca tego okresu.

Drugi okres charakteryzuje się pewnym spadkiem zarówno klasycyzmu, jak i mariny. W tym czasie, we Włoszech stabilizacja systemu społeczno-politycznego występuje, a po klęsce ruchów ludowych pod koniec lat 40. opozycja reakcji w literaturze jest wyraźnie osłabiona. W literaturze włoskiej druga połowa stulecia pokonuje klasyczną tendencję wewnątrz baroku, który jest odrodzony w końcu w Rococo. Drugi okres w literaturze SeiCato przechodzi pod znakiem przygotowania Arcadii. Kończy się w 1690 r., Kiedy utworzenie tej Akademii umieszcza początek nowego sceny w rozwoju włoskiej poezji, prozy i teorii literackiej.

42

Już od połowy 16 wieku, historyczny rozwój Włochy charakteryzuje się początkiem i zwycięstwem reakcji feudalno-katolickiej. Ekonomicznie słaby, fragmentowany do indywidualnych niezależnych państw, Włochy nie jest w stanie wytrzymać ataku potomnych krajów - Francji i Hiszpanii. Długa walka tych państw do dominacji we Włoszech zakończyła się zwycięstwem Hiszpanii, zwalniana przez traktat pokojowy w Kato-Cambrey (1559). Od tego czasu los Włoch zamienia się ściśle związane z Hiszpanią. Z wyjątkiem Wenecji, Genui, Piemontu i Papieskiego Regionu, Włochy dla prawie dwóch stuleci było w rzeczywistości w pozycji hiszpańskiej prowincji. Hiszpania zaangażowała Włochy do ruiny wojen, które często były ścianowane na terytorium państw włoskich, promował rozprzestrzenianie się i wzmocnienie reakcji feudalnej we Włoszech zarówno w gospodarce, jak iw życiu kulturalnym.
Pozycja dominująca w życiu publicznym Itulchi była zajęta przez arystokrację i najwyższy katolicki duchowieństwo. W warunkach głębokiego upadku gospodarczego kraju, tylko poważne feudale świeckie i kościelne miały jeszcze znaczące bogactwo materialne. Włoscy ludzie - chłopi i mieszczaninowali byli w niezwykle trudnej sytuacji, zostali skazani na ubóstwo, a nawet na wyginięcie. Protest przeciwko feudalnym i zagranicznym uciskiem znajduje wyrażenie w licznych powstaniu ludowych, które wybuchły na XVII wieku, a czasami podejmuje krytyczny zakres, taki jak bunt Masanello w Neapolu.
Ogólny charakter kultury i sztuki Włoch w XVII wieku był spowodowany wszystkimi osobliwościami jego historycznego rozwoju. Jest we Włoszech, że rodzi się sztuka Barochki i otrzymuje najwyższy rozwój. Jednakże, będąc dominującym w sztuce włoskiej XVII wieku, ten kierunek nie był jedynym. Oprócz do niego, a równolegle z nim, realistyczne tendencje rozwijają się związane z ideologią demokratycznych warstw społeczeństwa włoskiego i otrzymując znaczący rozwój w wielu ośrodkach sztuki Włoch.

Włoska sztuka XVII wieku

Centrum rozwoju nowej sztuki barokowej na przełomie stuleci XVI-XVII. Był Rzym. "Roman barokowy" - najpotężniejszy styl artystyczny w dziedzinie Włoch drugą połowę XVI-XVII wieku. Urodzony głównie w architekturze i ideologicznie związanym z katolicyzmem, z Watykanem. Architektura tego miasta w XVII wieku. Wydaje się, że w przeciwieństwie do klasycyzmu renesansowego, a jednocześnie mocno związane z nim. Nie jest przypadkiem, że jego Forerunner działa jak już wspomniano, Michelangelo.

Barokowi mistrzowie są nitowane z wieloma tradycjami artystycznymi, z jego harmonijnymi, zrównoważonymi woluminami. Barokowy architekci obejmują holistyczną architekturę zespołu nie tylko indywidualnych struktur i obszarów, ale ulice. Początek i koniec ulic z pewnością zauważył jakiejkolwiek architektonicznej (kwadratowej) lub rzeźbiarskich (zabytków) przez akcenty. Przedstawiciel wczesnej architekta baroku Domenico Fontana (1543-1607) po raz pierwszy w historii planowania miejskich, stosuje trójdrożny system ulic, rozbień z Piazza del Popolo ("Plac Ludowy"), który osiąga połączenie głównego wejścia do miasta z głównymi zespołami Rzymu. Obeliski i fontanny, ustawione w punktach zbierających prospektów promieniowych i na ich końcach, tworzą prawie teatralny efekt odległości wychodzącej w oddali. Zasada fontanny miała ogromne znaczenie dla całego późniejszego europejskiego planowania miejskiego (przypomnij sobie system trzech łożysk przynajmniej Petersburga).

Aby zastąpić posąg jako początek, organizując plac, przychodzi obelisku z dynamicznym aspiracją, a jeszcze częściej - fontanna, obficie ozdobiona rzeźbą. Fontanny Bernini były genialnym przykładem barokowych fontann: "Triton" (1643) na placu Barberini i fontanna "Cztery rzeki" (1648-1651) na placu Navona.

W tym samym czasie, nowe typy pałaców, willi, kościołów zostały stworzone w epoce z wczesnego baroku, ponieważ element dekoracyjny został wzmocniony: Wnętrze wielu renesansowych Palazzo zmieniło się w amfilia bujnych dupek, wystrój portali stał się skomplikowany Wiele uwagi barokowe mistrzowie zaczęli poświęcić na dziedzińcu, ogrodzie pałacowym. Specjalny zakres osiągnął architekturę willi z bogatym zespołem ogrodowym. Z reguły te same zasady konstrukcji osiowej zostały tu opracowane jak w miejskim Planowaniu: Droga Dostępa Centralna, przednia sala willi i głównej alei parku po drugiej stronie elewacji minęła tę samą oś. Groty, balustrady, rzeźby, fontanny są obficie urządzone w parku, a efekt dekoracyjny jest jeszcze bardziej wzmocniony przez położenie całego terenu zespołów na chłodnym terenie.

Lorenzo Berniniego. Fontanna czterech rzek na Piazza Navona. Rzym

Dekoracja architektoniczna w okresie dojrzałego baroku, od drugiej trzeciej XVII wieku staje się jeszcze bardziej bujna. Ozdobiona jest nie tylko główna fasada, ale także ściany z boku ogrodu; Z lobby frontowego można uzyskać natychmiast do ogrodu, który jest wspaniałym zespołem parku; Ze strony głównej fasady boczne skrzydła budynku są przedstawiane i tworzą dzie dziewiarnicę parady - tzw. Kurdoner (Franz. Cour D "Honneur, litery. - Honorowy dziedziniec).

W kultowej architekturze dojrzałej ekspresji plastikowej baroku i zwiększenia dynamiki. Liczne łączniki i przerwy, gzymsy, frontones w ostrym czarno-białym kontrast tworzą niezwykłą fasadę. Bezpośrednie samoloty są zastępowane przez złożone, alternatywnie zakrzywionych i wklęsłych samolotów zwiększa również efekt plastycznego. Wnętrze kościoła barokowego jako miejsca bujnej ceremonii teatralnej służby katolickiej jest synteza wszystkich rodzajów sztuk wizualnych (oraz wraz z nadejściem narządu - i muzyki). Różne materiały (kolorowe kulki, rzeźba kamienne i drewno, sztukaterie, złocenie), malowanie z jego iluzji - wszystko to, wraz z fortuną objętości, stworzył poczucie irrered, rozszerzył przestrzeń świątyni do niepłodności. Nasycenie dekoracyjne, wyrafinowanie gry samolotów, inwazja owali i prostokątów zamiast kochanych przez przywróconych mistrzów kręgów i kwadratów, jest wzmocniona z jednego stworzenia architektonicznego do drugiego. Wystarczy porównać Kościół Ile Jesu (1575) Giacomo Della Port (ok. 1540-1602) z kościołem Sant Ivo (1642-1660) Francesco Borrombini (1599-1667): Oto ostre trójkątne występy ścian , gwiazda w kategoriach kopuły tworzy nieskończenie zróżnicowany wrażenie, pozbawiony formularza obiektu; Lub ze swoim kościołem San Carlo Alla Quatro Fountain (1634-1667).

Boracje Francesco. Kościół Sant Ivo Alla Sanienza. Rzym

Francesco Boromini. Kopuła kościoła San Carlo Alla Quatro Fontanna w Rzymie

Najbardziej ściśle z rzeźbą związaną z architekturą. Zgłasza fasady i wnętrza kościołów, willi, miejskich Palazzo, ogrodów i parków, Altari, nagrobków, fontann. W baroku czasami niemożliwe jest podzielenie pracy architekta i rzeźbiarza. Artysta, który połączył się w siebie, a drugi talent był Giovanni Lorenzo Bernini. (1598-1680). Jako architekt sądu i rzeźbiarz rzymskich ojców, Bernini wykonali rozkazy i kierował wszystkimi głównymi pracą architektury, rzeźbiarską i dekoracyjną, która została przeprowadzona na dekoracji stolicy. W dużej mierze dzięki kościołom, zbudowanym na swoim projekcie, kapitał katolicki i nabył barokową postać (kościół Sant Andrea al Quirinale, 1658-1678). W pałacu Watykanu Berniniego wystawił "królewskie schody" (Scala Regia), połączone papieskim pałacem z katedrą. Należy do niego typowe stworzenie barochku - oślepiając ozdobne bogactwo różnych materiałów, niepohamowaną fantazję artystyczną SEN (Kijwory) w katedrze św. Piotra (1657-1666), a także wiele posągów, ulg i nagrobków katedry. Ale głównym stworzeniem Berniniego jest wielka kolumnada katedry św. Piotra i projektowanie Gigantycznego Placu w tej katedrze (1656-1667). Głębokość kwadratowa - 280 m; W środku stoi obelisk; Fontanny z boków są podkreślane przez oś poprzeczną, a sam kwadratowy jest utworzony przez najpotężniejszą kolumnę czterech szeregów toskańskich rzędów dziewiętnaście metrów wysokości, składnik ścisłej figury, nieuzonu koła, "jak otwarte Arms ", jak powiedział Berniniego.

Kolumnada, jako wieniec, został ukoronowany przez katedrę, do której ręka wszystkich wielkich renesansowych Zodki z Brampti do Raphaela, Michałańskiego, Baldassar Pieruszi (1481-1536), Antonio Da Sangalla Jr. (1483-1546). Ten ostatni został wydany przez głównego studenta portykistycznego Bramte Carlo Madern (1556-1629).

Lorenzo Berniniego. Plac kolumnady przed katedrą św. Piotra. Rzym

Bernini był równie znanym rzeźbiarzem. Podobnie jak renesansowy mistrzowie, zastosował się do działek zarówno antyków, jak i chrześcijanin. Ale jego wizerunek "David" (1623), na przykład, brzmi inaczej niż Donatello, Verokkio czy Michelangelo. "David" Bernini jest "bojownikiem Plebey", buntu, nie ma jasności i prostoty obrazów Quatrocherto, klasyczną harmonię o wysokiej renesance. Jego subtelne usta są uporczywe sprężone, małe oczy zwężają się, liczba jest niezwykle dynamiczna, ciało jest prawie obrócone wokół swojej osi.

Bernini stworzył wiele ołtarzy rzeźbiarskich dla kościołów rzymskich, nagrobek słynnych ludzi ich czasu, fontanny głównych kwadratów Rzymu (już wspomniane fontanny na placu Barberini, placu Navona itp.), A we wszystkich tych pracach są ich Komunikacja organiczna z medium architektonicznym. Bernini był typowym artystą, który pracował nad prośbą Kościoła katolickiego, więc na sto ołtarzowych obrazów stworzonych z tym samym dekoracyjnym połyskiem, co inne roboty rzeźbiarskie, język barokowych tworzyw sztucznych (iluzorycznych transmisji obiektów obiektów, miłość do kombinacji Różne materiały nie tylko na teksturę, ale ale kolor, teatralizacja działania, ogólny "malarstwo" rzeźba) jest zawsze wyraźnie wyrażona pewna idea religijna ("Ecstasy Holy Teresa Avilsk" w Kościele Santa Maria della Vittoria w Rzymie ).

Bernini był twórcą barokowego portretu, w którym wszystkie cechy baroku są w pełni zidentyfikowane: jest to obraz parady, teatralnie, dekoracyjne, ale ogólna parada obrazu nie blokuje rzeczywistego wyglądu modelu (portrety Duke Dest, Louis XIV).

W obrazie Włoch na odwróceniu stuleci XVI-XVII. Można wyróżnić dwa główne kierunki artystyczne: jeden jest związany z dziełem braci Carrenci i dostał nazwę akademismu Bologna, innego - ze sztuką jednego z największych artystów Włoch XVII wieku. Karawaggio.

Annibal i Agrostino Karrakchi i ich kuzyn Lodovico założyli w 1585 r. W Bolonii Akademia wchodzi w prawdziwy sposób (Accademia degli Inceminati), w którym artyści przeszkoleni zgodnie z konkretnym programem. Stąd nazwa - "Akademism Bologna" (lub "Szkoła Bologna"). Zasady Akademii Bologna, która była prototypem wszystkich europejskich akademii przyszłości, są śledzone w pracy najbardziej utalentowanych braci - Annibal Carsztochi. (1560-1609).

Przestrzeń starannie studiowała i studiowała naturę. Uważał, że natura jest niedoskonała i musi zostać przekształcona, poprawić, aby stać się godnym tematem obrazu zgodnie z normami klasycznymi. Stąd nieuniknione rozproszenie, retoryka obrazów Carragechci, Pafos zamiast prawdziwego heroi i piękna. Sztuka Karrakchi okazała się bardzo aktualna, odpowiadająca duchowi oficjalnej ideologii i otrzymała szybkie uznanie i dystrybucję.

Annibal Carszti. Wenus i Adonis. Wiedeń, Muzeum Historii Sztuki

Bracia Carragechi - Mistrz monumentalnego malowania dekoracyjnego. Ich najsłynniejszą pracą jest obraz galerii w Palazzo Farnerza w Rzymie na działkach Ovidiyevaya "Metamorfosis" (1597-1604) zazwyczaj dla malarstwa barokowego. Ponadto Annibal Carsztochi był twórcą tak zwanego heroicznego krajobrazu - scenerii wyidealizowanej, fikcyjnej, dla natury, jak osoba (według Bologna), jest niedoskonała, niegrzeczna i wymaga chłodzenia, aby być reprezentowanym w art. Ten krajobraz rozmieszczony z pomocą sceny, z zrównoważonych mas zamachu nad drzewami i niemal obowiązkową ruinę, z małymi postaciami ludzi, którzy są tylko personelem, aby podkreślić wielkość natury. Bologuns są jako warunkowe i kolorowe: ciemne cienie, lokalne, wyraźnie na schemacie ułożone kolorowe światło przesuwne. Pomysły Carragechi zostały opracowane przez szereg swoich uczniów (Guido Ren, Domenicino, etc.), w których pracach zasady naukowcy zostały prawie kanonizowane i rozprzestrzenione w całej Europie.

Michelangelo Merisi. (1573-1610), Nazywany Caravaggio (w miejscu urodzenia), jest artystą, która dała imię potężnego realistycznego przepływu w sztuce, granicząc nad naturalizmem, - karawagism, który zdobył zwolenników we wszystkich Europie Zachodniej. Jedyne źródło, z którego Caravaggio uważa przyzwoicie, aby rysować tematy sztuki - otaczająca rzeczywistość. Realistyczne zasady karawaggio sprawiają, że spadkobiercą renesansu, chociaż opuścił klasyczne tradycje. Metoda Caravaggio była Antipode Academism, a artystki obrotów ujawnił przeciwko niemu, argumentując własne zasady. Stąd odwołanie (nie bez zakwestionowania standardów) do niezwykłych postaci, takich jak drabiny, cheelers, fortune-opowieści, różne rodzaje przygód, których obrazy Caravaggio położyły początek gospodarstwa domowego malowanie głębokiego realistycznego ducha łączącego obserwację gatunku Holenderskiego z jasnością i Goniące formę włoskiej szkoły ("butterist", OK. 1595; "Gracze", 1594-1595).

Ale główne dla mistrza pozostaje tematami religijnych (obrazów ołtarzowych), które Caravaggio stara się ucieleić z prawdziwie innowacyjną odwagą jako niezbędną. W "Ewangelistycznym Mattheme z aniołem" (1599-1602) Apostoł wygląda jak chłopski, ma grubą, znaną rękę, elegancko ze zmarszczkową napiętą powierzchnią z niezwykłych lekcji - czytanie.

Karawaggio. Powołanie apostoła Mateusza. Kościół San Luigi Dei Francise w Rzymie

Caravaggio ma silny modelowanie kształtu z tworzywa sztucznego, nakłada farbę z dużymi, szerokim samolotami, wyrywając najważniejsze części składu z ciemności. To ostre światło, kontrast plam kolorów, duże plany, dynamizm kompozycji tworzą atmosferę napięć wewnętrznych, dramatu, emocji i wielkiej szczerości. Caravaggio stawia jego bohaterów w nowoczesnych ubraniach, stawia sytuację w prostych, znanych widzów niż osiągając jeszcze większą perswazyjność. Prace Caravaggio osiągnęły czasami takiej siły realistycznej ekspresyjności, niestety, czasami osiągając naturalizm, że klienci odmówili ich bez widzenia na zdjęciach należnych części i idealności (niektórzy badacze są stosowane do karawaggi). Było więc z ołtarzem "Wniebowzięcie Matki Bożej": Klient go odrzucił, motywując fakt, że Mistrz przedstawiony nie wielkością Wniebowzięcia Maryi, i śmierci w całej dużej pilisji.

Uzależnienie do naturalistycznych szczegółów, niezawodność sytuacji nie zasłania głównej rzeczy w pracach Caravaggio, z których najlepszy jest emocjonalnie ekspresyjny, głęboko dramatyczny i podwyższony ("pozycja w trumnie", 1602). W przypadku dojrzałej kreatywności Mistrza, Monumentalność, Majestia kompozycji, rzeźba formularza, klasyczna przejrzystość rysunku jest charakterystyczna. W tym samym czasie, gradacja światła i cienia staje się bardziej miękka, kolorowe niuanse jest cieńsze, przestrzeń jest powietrzem (już wspomniana o "Wniebowzięciu Maryi", 1606).

Sztuka Caravaggio dała początek prawdziwych zwolenników swojej metody artystycznej, a naśladowców powierzchniowych, którzy nauczyli się tylko technik zewnętrznych. Od najpoważniejszych zwolenników we Włoszech, wściekłych, w Pankach, wszystkie weneckie "Tendadhenieści" można nazwać; W Holandii, Terbrewgen i ogólnie, wszystkie tak zwane "Utrecht School of Cavaragists". Efekt Caravaggio doświadczył młodego Rembrandta w Hiszpanii - Ribera, surbaran, Velasquez.

Od bardzo wczesnego okresu, włoski barokowy jako styl powstał pod wieloma względami w ogólnych zasadach z systemem akademickim Bologna. Idealizacja i cierpliwość była szczególnie blisko oficjalnych kręgów społeczeństwa włoskiego i kościoła - głównego klienta dzieł sztuki. Ten styl wziął coś z Caravaggio: istotność formularza, energii i dramatu, innowacji w zrozumieniu modelowania czarno-białego. W wyniku stopu dwóch różnych systemów artystycznych i sztuki włoskiego barokowego urodził się: Monumental-ozdobny obraz żalu (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) z realistycznymi typami i lekką Karavaji, Pietro i Corton (Berrettini, 1596- 1669), Luke Jordano (1632- 1705); Stankovaya malowanie najbliższej karawaggio Bernardo Strozzi (1581 -1644), piękny koloristka Fetty Domenico (1588 / 89-1623), który doświadczył silnego wpływu Rubensa (jak jednak i udar). Nieco później, w połowie stulecia pojawiła się genialny w ich kolorowych korzyściach, pojawił się ponuro romantyczne kompozycje Salvatora Rosa (1615-1673).

Karawaggio. Pozycja w trumnie. Watykan, Pinakotek.

W ostatniej trzeciej XVII wieku. W sztuce włoskiego baroku istnieją wyraźne zmiany. Dekoracje jest coraz bardziej zwiększone, kompozycje i kąty są skomplikowane, wrażenie powstaje, że figury pośpiechają się w szybkim i nieuporządkowanym ruchu. Malowanie z obiecującym iluzją, w rzeczywistości niszczy ścianę, "łamie" sufit lub kopułą, która zawsze sprzeciwiła się zasadami sztuki klasycznej. Plafon rzymskiego kościoła św. Ignacego "Święty Ignacius", wykonany Andrea del Pozzo (1642-1709), architekt, malarz, teoretyka sztuki, którą nie stwierdzono, że nazywa się głową stylu jezuitów ", najjaśniej Przykład tego pływającego malowania z jej "oszustwem oczu", ekspresywność ekspresyjnych pieniędzy, mistycyzmu i ekstatycznego nastroju (Rzym, 1684).

Do końca wieku w kompozycjach, zarówno monumentalne ozdobne, jak i maszyny, chłód, retoryka, fałszywa patos wygrać coraz częściej. Jednak najlepsi artyści nadal wiedzieli, jak przezwyciężyć te cechy późnego baroku. Takie są romantyczne krajobrazy Alessandro MineA (1667-1749), monumentalne (pifony, obrazy ołtarza) i Stankovaya (portrety) malowanie Kresses Giuseppe (1665-1747) - Artyści stojący na przełomie nowego wieku.

ROSE SALVATOR.

Uniwersytet Regionalny w Moskwie

Streszczenie na historii sztuki

XVII wiek sztuki włoskiej.

Wykonane:

student Departamentu Korespondencji

33 grupy wydziałów i HP

Minakova Evgenia Yuryevna.

Sprawdzone:

Moskwa 2009.

· Włochy w XVII wieku

· Architektura. Styl barokowy w architekturze.

· Architektura. Wczesny barok.

· Architektura. Wysoki lub dojrzały, barokowy.

· Architektura. Barokowa architektura na zewnątrz Rzymu.

· Sztuka. Charakterystyka ogólna.

· Sztuka. Wczesny barok.

· Sztuka. Realistyczny prąd.

· Sztuka. Druga generacja artystów szkoły Bologna.

· Sztuka. Wysoki lub dojrzały, barokowy.

· Sztuka. Później barok.

Już od połowy 16 wieku, historyczny rozwój Włochy charakteryzuje się początkiem i zwycięstwem reakcji feudalno-katolickiej. Ekonomicznie słaby, fragmentowany do indywidualnych niezależnych państw, Włochy nie jest w stanie wytrzymać ataku potomnych krajów - Francji i Hiszpanii. Długa walka tych państw do dominacji we Włoszech zakończyła się zwycięstwem Hiszpanii, zwalniana przez traktat pokojowy w Kato-Cambrey (1559). Od tego czasu los Włoch zamienia się ściśle związane z Hiszpanią. Z wyjątkiem Wenecji, Genui, Piemontu i Papieskiego Regionu, Włochy dla prawie dwóch stuleci było w rzeczywistości w pozycji hiszpańskiej prowincji. Hiszpania obejmowała Włochy w Rurzynów, które często chodził na terytorium państw włoskich, promował rozprzestrzenianie się i wzmocnienie reakcji feudalnej we Włoszech, zarówno w gospodarce, jak iw życiu kulturalnym.

Pozycja dominująca w życiu publicznym Włoch była zajęta przez arystokrację i najwyższy katolicki duchowieństwo. W warunkach głębokiego upadku gospodarczego kraju, tylko poważne feudale świeckie i kościelne miały jeszcze znaczące bogactwo materialne. Włoscy ludzie - chłopi i mieszczaninowali byli w niezwykle trudnej sytuacji, zostali skazani na ubóstwo, a nawet na wyginięcie. Protest przeciwko feudalnym i zagranicznym uciskiem znajduje wyrażenie w licznych powstaniu ludowych, które wybuchły na XVII wieku, a czasami podejmuje krytyczny zakres, taki jak bunt Masanello w Neapolu.

Ogólny charakter kultury i sztuki Włoch w XVII wieku był spowodowany wszystkimi osobliwościami jego historycznego rozwoju. Jest we Włoszech, że rodzi się sztuka Barochki i otrzymuje najwyższy rozwój. Jednakże, będąc dominującym w sztuce włoskiej XVII wieku, ten kierunek nie był jedynym. Oprócz do niego, a równolegle z nim, realistyczne tendencje rozwijają się związane z ideologią demokratycznych warstw społeczeństwa włoskiego i otrzymując znaczący rozwój w wielu ośrodkach sztuki Włoch.

Monumentalna architektura Włoch XVII-wieczna spełniła prawie wyłącznie prośby z Kościoła katolickiego i najwyższej świeckiej arystokracji. W tym okresie zbudowane są głównie struktury kościelne, pałace i wille.

Poważna sytuacja gospodarcza Włoch nie dała okazji budować bardzo duże struktury. W tym samym czasie Kościół i najwyższa arystokracja potrzebowała wzmocnienia swojego prestiżu, ich wpływ. Stąd - pragnienie niezwykłych, ekstrawaganckich, parady i ostrych rozwiązań architektonicznych, pragnienie zwiększonej dekoracyjności i solidności formularzy.

Budowa imponującego, choć nie tak duże struktury przyczyniły się do stworzenia złudzenia socjalnego i politycznego samopoczucia państwa.

Barok dociera do największego napięcia i ekspresji w zakonnikach, placówce kościoła; Jego formy architektoniczne, nie można lepiej sprostać zasadom religijnym i rytualną stroną katolicyzmu bojownika. Konstrukcja licznych kościołów Kościół katolicki dążył do wzmocnienia i wzmocnienia prestiżu i wpływu w kraju.

Styl barokowy, który został wyprodukowany w architekturze tego czasu, jest scharakteryzowany, z jednej strony pragnienie monumentalności, z drugiej strony, przewagę dekoracyjnej i malowniczej początków nad Tectonic.

Podobnie jak dzieła sztuki dziełowej, zabytki architektury barokowej (zwłaszcza struktur kościelnych) zostały obliczone na wzmocnienie emocjonalnego wpływu na widza. Racjonalny początek, który nałożył sztukę i architekturę renesansową, ustąpiło na początku irracjonalny, statyczny, spokojny - dynamikę, napięcie.

Barokowy - styl kontrastu i nierównomierny rozkład elementów kompozytowych. Szczególnie ważne są duże i soczyste krzywoliniowe, arcury. Dla barokowych struktur są charakterystyczne - czołowa, fasada konstrukcji. Budynki są postrzegane w wielu przypadkach z jednej strony - z głównej fasady, często zasłaniają objętość struktury.

Barok zwraca dużą uwagę na zespoły architektoniczne - Urban and Park, jednak zespoły tego czasu opierają się na innej zasadzie niż Renaissance Ensembly. Burokowe zespoły Włoch są zbudowane na zasadach dekoracyjnych. Charakteryzują się izolatorem, niezależnością porównawczą z ogólnego systemu planowania terytorium miejskiego. Przykładem jest największy zespół Rzymu - obszar przed katedrą św. Piotr.

Kolumnady i dekoracyjne ściany, zamykając przestrzeń przed wejściem do katedry, zakrył dla nich nieuporządkowanego, losowego rozwoju. Nie ma połączenia między obszarem a przylegającym do niej złożoną siecią Lulls i losowych domów. Oddzielne budynki zawarte w zespołach barokowych, jakby tracą niezależność, w pełni przestrzegać ogólnego planu kompozytowego.

Barok położył problem syntezy sztuki w nowy sposób. Rzeźba i malarstwo bawiące się w budynkach tego czasu bardzo dużą rolę, intertwining między sobą i często skorygować lub niełucząco deformujące formy architektoniczne, przyczyniają się do stworzenia wrażenia nasycenia, pomp i splendoru, które stale powodują barokowe zabytki.

Kreatywność Michelangelo miał ogromne znaczenie dla tworzenia nowego stylu. W swoich pracach opracował szereg form i technik, które były używane później w architekturze barokowej. Vigola Architect można również scharakteryzować jako jeden z bezpośrednich prekursorów barokowych; Jego prace można zauważyć szereg wczesnych znaków tego stylu.

Nowy styl - styl barokowy we Włoszech architekturze - przychodzi do zastąpienia renesansu w latach 80. XVI wieku i rozwija się przez 17 i pierwszą połowę XVIII wieku.

Warunkowo, w tym czasie, w tym architekturze można podświetlać trzy etapy: wczesny barok - od 1580 roku do końca 1620 roku, wysoki lub dojrzały, barokowy - do końca XVII wieku i później - pierwsza połowa 18 wiek.

Pierwsi mistrzowie baroku uważa się za architektów Giacomo della Port i Fontanna Domenico. Należli do następnej generacji w kierunku Vigola, Alesi, Ammanati, Vazari i ukończyli swoją działalność na początku XVII wieku. Jednocześnie, jak wcześniej zauważono, tradycje późnego renesansu nadal mieszkają w pracy tych mistrzów.

Port della Jacomo. Port Jacomo della (1541-1608) był studentem Vigol. Wczesna konstrukcja - Kościół witryny Catarina w Funari (1564) - w stylu należy do renesansu. Jednak fasada kościoła Del Jesu, który ten architekt zakończył się po śmierci Vinoli (od 1573 r.), Znacznie barokowy, o pierwotnym projekcie jego nauczyciela. Fasada tego kościoła z charakterystycznym podziałem na dwa poziomy i objętości bocznych, plan struktur był modelem dla różnych kościołów katolickich we Włoszech i innych krajach. Port Dahacomo della zakończył się po śmierci Michelangelo, aby zbudować duże kopuły katedry św. Piotr. Ten mistrz był również autorem słynnej Villa Aldobrandini w Frascati w pobliżu Rzymu (1598-1603). Jak zwykle główny korpus willi znajduje się na zboczu góry; Główne wejście przynosi dwustronną rampę spiralną. Od przeciwnej strony ogród jest przylegający do budynku. Stopa góry znajduje się półkolista pod względem groty z łukami, znajduje się kaskada wody w ramce schodów. Sam budynek jest bardzo prostą formą pryzmatyczną ukończoną z ogromnym złamanym frontem.

W składzie willi, w składnikach budynków parkowych i charakteru części z tworzyw sztucznych, pragnienie celowej piękności, wyrafinowanej architektury, tak charakterystyczne dla baroku we Włoszech, jest wyraźnie pokazany.

W rozważaniu czasu System włoskiego parku jest sfinalizowany. Charakteryzuje się obecnością jednej osi parku znajdującego się na zboczu góry z licznych zjazdów i tarasów. Na tej samej osi znajduje się główny budynek. Charakterystyczny przykład takiego kompleksu i jest Villa Aldobrandini.

Fontanna Domenico. Innym głównym architektu wczesnego baroku był fontanna Domenico (1543-1607), która należała do liczby następców rzymskich Michelangelo i Vigola. Największą pracą jest Pałac Laterański w Rzymie. Pałac w formie, że fontanna dała mu, jest prawie właściwy kwadrat z więźniem w stoczni kwadratowej. Rozwiązanie fasadowego pałacu jest całkowicie oparte na architekturze Palazzo Farnerza - Antonio Sangallo Jr .. Ogólnie rzecz biorąc, budowa pałacu z XVII wieku opiera się na dalszym rozwoju typu Pałacu Palazzo Palazzo, który został opracowany przez architekturę renesansu.

Wraz z bratem Giovanni Fontana Domenico zbudowany w Rzymie w 1585-1590 r., Fontanna Aqua Paolo (bez Attyki, wykonana później Carlo Madern). Jego architektura opiera się na przetwarzaniu form antycznych łuków triumfalnych.

Carlo Madern. Uczeń i Nephew Domenico Fountain - Carlo Madern (1556-1629) w końcu wzmocnił nowy styl. Jego kreatywność jest przejściowa do okresu rozwiniętego baroku.

Wczesna praca Maderna - fasada wczesnej bazyliki chrześcijańskiej Susanna w Rzymie (ok. 1601). Utworzono na podstawie elewacji Kościoła Del Jesu, fasada kościoła Susanne'a jest wyraźnie wycięta przez rozkazy, ozdobiona posągami w niszach i licznych ozdobnych dekoracji.

W 1604 r. Maderna został mianowany głównym architektem katedry św. Piotr. Order Pape Paul V Maderna skompilował projekt, aby rozszerzyć katedrę przez przedni, część wejściowa. Duchowieństwo nalegały na wydłużenie greckiego krzyża do formy łacińskiej, co odpowiadało tradycjom architektury kościoła. Ponadto wymiary katedry Michelangelo nie obejmowały całych miejsc, w których znajduje się starożytna bazylia, która była niedopuszczalna z punktu widzenia pracowników Kościoła.

W rezultacie, budując nową fasadę Madern Cathedral, oryginalny zamiar MichałaSkelo całkowicie się zmienił. Ten ostatni pomyślał, że katedry stojąc w centrum dużego kwadratu, który pozwoliłby na budynek i zobaczyć go ze wszystkich stron. Maderna zamknęła boki katedry z widza, boków katedry: szerokość elewacji przekracza szerokość wzdłużnej części świątyni. Wydłużenie budynku doprowadziło do faktu, że kopuła katedry św. Piotr jest postrzegany w całości w bardzo dużej odległości, ponieważ zbliża się do budynku, stopniowo ukrywa się za ścianą elewacyjną.

Drugi okres architektury Barochki - okres dojrzałości i heyday stylu - związany z dziełem największych mistrzów: L. Berniniego, F. Borrombini, K. Rainaldi - w Rzymie, B. Longen - w Wenecji, F. Ricini - w Mediolanie, Gvarino - w Mediolanie Turyn.

Lorenzo Berniniego. Centralną postacią dojrzałego baroku jest Lorenzo Bernini (1598-1680). Był nie tylko architektem, ale także największym rzeźbiarzem XVII wieku we Włoszech.

Od 1629 r. Bernini, po śmierci Madern, kontynuował budowę katedry św. Piotr. W 1633 r. Zbudował duży model brązowy w katedrze nad główną kopułą, wspieraną przez cztery skręcone kolumny odkażania. Według tradycji model ten jest uważany za warunkowo pierwszy produkt dojrzały barok. Bernini, dekoracja wnętrz katedry została zasugerowana przez projekt Michelangelo. To wykończenie jest wspaniałym przykładem barokowego wnętrza kościoła.

Największym dziełem architektonicznym Berniniego było projektowaniem obszarze przed katedrą św. Peter (1655-1667). Architekt stworzył dwa kwadraty - duży eliptyczny, oprawiony przez kolumny i bezpośrednio przylegający obszar w postaci trapezu, ograniczony od przeciwnej strony przez główną fasadę katedry. W obszarze owalny zainstalowano obelisk i dwie symetrycznie zlokalizowane fontanny.

Bernini kontynuował i opracował projekt Madern: Kolumnady nie pozwalają na podejście do katedry z boku. Dla widza pozostaje dostępna tylko główna fasada.

Majestatyczna architektura placu Bernini była godnym tłem dla ceremonii kongresowej za uroczystą obsługę popełnioną w katedrze. W XVIII wieku kongres ten był wspaniały i uroczysty widok. Kwadratowa katedra św. Peter jest największym zespołem włosko-baroku.

W Vatican Berniniego powstała parada królewska klatka schodowa - "Rock of Reggia" ("Site Rock"), w którym zaakceptował sztuczne wzmocnienie obiecującego redukcji. Ze względu na stopniowe zwężenie marszu i zmniejszając kolumny, wrażenie większej głębokości pomieszczenia i zwiększyć rozmiar samej drabiny.

Najbardziej charakterystyczne dzieła Bernini obejmują mały kościół San Andrei w Quirinale (1678), której główna fasada ma portal z pilastami i trójkątną frontoniem. Portal ten jest mechanicznie podłączony do głównej objętości budynku, owalu pod względem.

Główną dziełem Berniniego w dziedzinie architektury cywilnej jest Palazzo Odesale w Rzymie (1665), rozwiązany przez zwykły system renesansowy. Composite Center of Budynek jest jak zwykle dziedziniec ograniczony na pierwszym piętrze z arkadami. Dystrybucja na fasadzie okien i dekoracyjna ich dekoracja jest również przypomniana przez Palazzo z XVI wieku. W nowy sposób opracowano tylko centralną część głównej fasady: Dwa górne podłogi są objęte dużym porządkiem w formie Koryntu Pibtera, pierwsze piętro w stosunku do tego porządku odgrywa rolę piedela. Podobny podział ściany elewacyjnej otrzyma później, w architekturze klasycyzmu, wielkiej dystrybucji.

Bernini kontynuował również uruchomiony przez Madnoral Building of Palazzo Barberini. Konstrukcja nie ma zamkniętego stoczni, zwykle dla włoskich pałaców. Główny korpus jest ograniczony na dwóch stronach wystających filtiels. Środkowa część głównej fasady jest postrzegana jako nałożona aplikacja w celach dekoracyjnych na powierzchni ściany. Centralny Risalat ma bardzo szerokie i wysoko łukowe, okna, umieszczone między nimi w półkolumu; Na pierwszym piętrze znajduje się głęboka loggia. Wszystko to ostro odróżnia centralną część fasady z bardziej masywnych części bocznych urządzonych w tradycji architektury XVI wieku. Ta technika otrzymana w architekturze włoskiego baroku jest również bardzo duża dystrybucja.

Ciekawe owalne schody Palazzo Barberini z marszami spiralski na podstawie podwójnych kolumn toskańskich.

Francesca Borrombshsh. Nie mniej ważne dla włoskiego baroku ma pracę Francesco Borrombini (1599-1667) - pracownik Berniniego, później - jego rywal i wroga. Prace borryni wyróżniają się specjalną fuzją i "dynamicznością" form. Borrombini przyniósł styl barokowy do maksymalnego napięcia.

Główną dziełem pożyczki w dziedzinie architektury świątyni jest kościół San Carlo "w czterech fontannach" (1638-1667). Fasada jest postrzegana jako niezależny skład architektoniczny, niezależny od budynku. On przyznawany jest wygięte, podobne do fal. W tej fasadzie widać cały arsenał arsenałów barokowych - rozdarty łukowy gzymsy, owalne wkłady i inne części dekoracyjne. Sam Kościół ma złożony kształt, przypominający dwa dzwony, złożone wraz z ich bazami. Nakładka to owalna kopuła. Podobnie jak w wielu innych budynkach, skład Kościoła jest zbudowany na kontrascie zewnętrznych i wewnętrznych woluminów architektonicznych, o zaskoczeniu efektu, który występuje przy wejściu do struktury.

Jednym z najważniejszych dzieł architekta jest rzymski kościół San Ivo, wliczony w budowę sapirecji (Uniwersytet, 1642-1660). Należy odnotować kompleksowe kontury planu Kościoła i całkowitą niespójność zewnętrznych i wewnętrznych skorupy kopuły. Na zewnątrz powstaje wrażenie wysokiego bębna i płaskiej sauccii kopuły obejmujące ten bęben. Wprowadzanie tego samego wnętrza, jesteś przekonany, że piąte jednostki powłoki kopuły znajdują się bezpośrednio u podstawy bębna.

Borrorini zaprojektowany Falkoniery Villa w Frascati. Ponadto odbudował recesję Palazzo i pracował nad Bernini nad Palazzo Barberini (patrz wyżej).

Carlo Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) jest jednym z głównych budowniczych barokowych headday. Najważniejsze dzieła Rainaldi - Kościół anyżu San i witryny Maria w Campitelle.

Kościół San Anyzya (rozpoczął się w 1651 r.) Znajduje się na osi placu Navona, która zachowała zarys wcześniej starożytnego cyrku tutaj Domitian. Obszar jest ozdobiony typowymi barokowymi fontannami Bernini na ten czas. Kościół ma plan centry i jest zakończony dużą kopułą; Arcuid, wklęsła fasada jest ograniczona po obu stronach dzwonka. W przeciwieństwie do większości kościołów rzymskich tego czasu, kopuła nie jest ukryta przez samolot elewacyjny, ale działa jako główne centrum kompozytowe całego obszaru.

Kościół Marii w miejscu kampitelley jest zbudowany później w 1665-1675. Fasada piętna, rozwiązana przez system Kościoła Del Jesu, a projekt wewnętrzny jest typowym przykładem architektury dojrzałych baroków.

Rainaldi posiada również tylną fasadę rzymskiego kościoła Santa Maria Maggiore (1673).

W XVII wieku architektura rzymska została wzbogacona o kilka nowych willi znajdujących się w pobliżu miasta. Oprócz Villa Doria Pamfili, zbudowanego przez architektów Algardi i Grimaldi (ok. 1620), powstały między innymi wioskami Mandragon i Villa Torlonia - obie znajdują się w Frascati, a także Villa D "Este w Tivoli. W tych paradowanych osiedlach - piękne baseny, rzędy cyprysków, zimozielone krzewy, różnorodnie zdobione tarasy z balustradami, grotami, liczne rzeźby. Wyrafinowanie i pompa dekoracyjnej dekoracji były często łączone z elementami dzikiej przyrody w sztucznie stworzonym krajobrazie.

Barokowy na zewnątrz Rzymu przedstawił wiele dużych architektów. W Genui w XVII wieku Bartolomeo Bianco pracował. Jego główną pracą jest budynek uniwersytecki w Genui (od 1623) ze wspaniałym dziedzińcem, ograniczonym dwupiętrowym arkadami i pięknymi schodami przylegającymi do nich. Ze względu na fakt, że Genua znajduje się na zboczu gór, amfiteatr, malejąco do morza, a oddzielne budynki są zbudowane na obszarach z dużym stronniczym, umieszczenie budynków i jardów na różnych poziomach przeważa. W budynku Uniwersytetu na jednej złożonej osi znajduje się główny hol, centralny dziedziniec i wreszcie znajdują się za drabiną zręcznościową na świeżym powietrzu prowadzącym do ogrodu.

Wenecja pracował jako architekt Baltass Longen (1598-1682). Główną dziełem tego jest największe, wraz z katedrą św. Mark, Kościół Wenecji Santa Maria Delle Salute (1631-1682); Znajduje się na strzałce między kanałem Jaudcca i kanałem Grande. Ten kościół ma dwie kopuły. Dla głównej, osiem maszerowanej objętości, zwieńczona kopułą, jest drugim objętością otaczającą ołtarz; Jest również wyposażony w kopułę, ale już mniejszą wielkością. Wejście do świątyni jest ozdobione w formie łuku triumfalnego. Główny bęben kopuły łączy się z głównymi ścianami kościoła o 16 wilkach w kształcie spirali z rzeźbami. Wzbogacają sylwetkę budynku, dają mu charakterystykę. Pomimo powiększenia dekoracji, w wyniku kościoła znajduje się dobrze znana fragmentacja architektury i suchość części. Wewnątrz kościoła wyłożonego jasnoszarym marmurem jest przestronny, ale zimny i oficjalny.

Na dużym kanale Wenecji znajdują się zarówno najważniejsze Palazzo, zbudowane przez Longen, - Palazzo Pesaro (ok. 1650) i Palazzo Rezzonico (1680). Zgodnie ze strukturą jego fasad, te ostatnie są w dużej mierze podobne do pałaców Wenecji, czasy renesansu, w szczególności z rogiem Palazzo Sanceno wino, ale jednocześnie różnią się od nich nieporównywalnie większy nasycenie i dekorację form.

W Turynie, architekt Hvbanino Gvbnini został pracował (1624-1683), byłego mnicha kolejności THAM. Gvarino Gvarini - "Najbardziej barokowy wszystkich architektów barokowych" - można porównać w swoim twórczej temperamencie tylko z Francesco Borrorini. W swoich pracach często stosuje się w celach dekoracyjnych oprócz form konwencjonalnych, motywów z recyklingu do architektury mauretańskiej i gotyckiej. Byli wzniesiony przez wiele budynków Turynu, w tym Palazzo Carignano (1680), parady i wspaniały, ale czysto dekoracyjny na projektowaniu. Zazwyczaj decyzja głównego korpusu Palazzo. W głównej prostokątnej objętości, jak włożył centralną część za pomocą klatki schodowej z przodu. Ściany, jego ograniczenie i marsze są przewijane pod względem formy. Wszystko to jest odpowiednio odzwierciedlone na fasadzie. Jeśli obszary boczne zachowują prostokątne kontury, centrum jest wygięte w przeciwległych stronach z gniazdem w środku, który jest włożony w postaci zupełnie innej motywacji - pryczącej loggii, jest również zakrzywiony kształt. Nadokienne opaski na fasadach ma uszkodzoną konfigurację chrząstki. Piostry wykonane są przez małe, graficzne w naturze form.

Wśród zbudowanych Kościołów Kościół Madonny Della spada z owalnym Neum, który jest ołtarzem Sześciowym, należy podświetlić. Zbudowane klatki Kościoła jest jeszcze większe kapsality i złożoność formularzy niż struktury cywilne.

W sztuce wizualnej, jak w architekturze Włoch, w XVII wieku styl barokowy otrzymuje wartość dominującą. Wynika to jako reakcja wobec "maniera", wymyślonych i złożonych formularzy, których sprzeciwia się przede wszystkim najprostszą prostotę obrazów, zapytano zarówno kreacje mistrzów o wysokiej odrodzeniu, jak i z powodu niezależnego badania natury. Po prostu wpatrując się w klasyczne dziedzictwo, często pożyczając od niego poszczególnych elementów, nowy kierunek ma możliwie większą ekspresję formularzy w swojej burzowej dynamiki. Nowe cechy sztuki odpowiadają nowym malowniczym technikom: Spokój i przejrzystość kompozycji są zastępowane przez ich wolność i jakby przypadkowo. Dane są przesuwane z miejsca centralnego i są wbudowane w grupy głównie w liniach diagonalnych. Ta konstrukcja jest ważna dla wartości baroku. Wzmacnia wrażenie ruchu i przyczynia się do nowej transmisji przestrzeni. Zamiast zwykłego dla tej sztuki, ożywienie jego członkostwa na oddzielnych warstwach jest objęte pojedynczym wyglądem, tworząc wrażenie losowego fragmentu ogromnej całości. Tak nowe zrozumienie miejsca należy do najcenniejszych osiągnięć baroku, które odegrały pewną rolę w dalszym rozwoju realistycznej sztuki. Pragnienie ekspresyjności i dynamiki form generuje inną linię, nie mniej typowy dla baroku, jest stosowanie wszelkiego rodzaju kontrastu: kontrasty obrazów, ruchów, opozycje planów podświetlanych i cieniowych, kontrasty kolorów. Wszystko to uzupełniało wyraźne obciążenie dekoracyjne. W tym samym czasie malownicza tekstura, obracając się z liniowej interpretacji formularzy do coraz szerszego obrazu widzenia.

Zwykłe cechy nowego stylu z czasem zakupili coraz bardziej zdefiniowane funkcje. Uzasadnia to podział sztuki włoskiej XVII wieku na trzech nierównych etapach: "wcześnie", "dojrzałe" lub "wysokie" i "później" barok, dominacja trwa znacznie dłużej niż inni. Te cechy, a także limity chronologiczne, będą dalej oznaczone dalej.

Sztuka barokowa Włoch służy głównie dominującym i zatwierdzonym po tączkowym katedrze Kościoła katolickiego, sądów książęckich i liczne szlachetność. Zadania przedstawione przed artystami miały tyle ideologicznego jak dekoracyjne. Dekorowanie kościołach, a także pałace do szlachty, monumentalne malowidła kopuły, blafony, ściany w Technika fresku, otrzymują bezprecedensowy rozwój. Ten rodzaj malarstwa staje się specjalnością włoskich artystów, którzy pracowali zarówno w ojczyźnie, jak iw Niemczech, Hiszpania, Francja, Anglia. Zachowują niepodważalny priorytet w tej dziedzinie kreatywności do końca XVIII wieku. Tematy obrazów kościelnych są bujne sceny gloryfikacji religii, jej dogmatów lub świętych i ich działów. Sceny alegoryczne i mitologiczne są zdominowane na Palafonach pałaców, które służą jako gloryfikacja przepisów nazwisk i ich przedstawicieli.

Niezwykle powszechne są jeszcze duże obrazy ołtarza. Właśnie wraz z uroczystymi obrazami Chrystusa i Madonny, obrazy, które zapewniły najsilniejszy wpływ na widza, są szczególnie powszechne. Jest to scena egzekucji i męki świętych, a także stanów ich ekstazy.

Sushing Staka Malowanie najbardziej chętnie spadł na tematy z Biblii, mitologii i starożytności. Jak niezależny od gatunków otrzymują rozwój krajobrazu, gatunek bojowy, martwa natura.

Na skraju 16 i XVII wieku jako reakcja przeciwko manieryzmowi dwa kierunki, z których rozwija się całe kolejne malarstwo we Włoszech: boloński akademizm i karawgizm.

Szkoła bilansowa. Bracia carragechi. Akademism Bologna składa się z smukłego systemu artystycznego w połowie 1580 roku. Trzech artysta Bolonii - Louis Carragechci (1555-1609) i jego kuzynów Agostino (1557-1602) i Annibal (1560-1609), który zajmuje pierwsze miejsce wśród braci, - wytwarza fundamenty nowego stylu, polegające głównie na badaniu klasycznego dziedzictwa XVI wieku. Wpływ szkoły weneckiej, kreatywność Correzo i XVI wieku sztuka rzymska prowadzi do decydującego obrotu z maniera w kierunku prostoty, a jednocześnie lupa obrazów.

Pierwsze dzieła braci Carragechi do malowania pałaców Bolonii (Palazzo Fawa, Palazzo Mufy) nadal nie pozwalają na wyraźne różnicowanie swoich funkcji stylistycznych. Ale obrazy maszynowe Annibal Carragechi, w których wspomnienie Szkół Parmy jest początkowo silny, wskazują na skomponowaną jasną indywidualność artystyczną. W 1587 i 1588 stwarza dwa obrazy ołtarza, które byłyby pierwszymi dziełami nowego stylu: "Wniebowstąpienie Madonny" i "Madonna z St. Matvey "(zarówno w galerii Drezna). Jeśli w pierwszych kolejnych sposobach w ruchu figur i ich ekspresji, wtedy "Madonna z St. Matvey "charakteryzuje się spokojną Magty obrazów, wskazując na początek nowego etapu malarstwa włoskiego.

W latach 150. bracia Carragechi otworzyli Akademię w Bolonii, nazwany przez nich "Akademia dei-inkaknati" (Academy, wchodząc do nowej ścieżki). Zamiast poprzedniego szkolenia przyszłych artystów, zapewniając nabywanie niezbędnych umiejętności w pozornej pracy w warsztatach malarzy, Carrenczycy przemówił na rzecz systematycznego nauczania przedmiotów wymaganych w praktyce artysty. Wraz z treningiem, rysunek i malowanie w nazwanej Akademii został nauczony anatomii, perspektywy, a także takich dyscyplin jako historii, mitologii, literatury. Nowa metoda przeznaczona była do odgrywania największej roli w historii sztuki europejskiej, a Akademia Bolonii była prototypem wszystkich kolejnych akademii, którzy otwierali się z XVII wieku.

W 1595 r. Bracia Carragechi, którzy już zdobyli wielką sławę, zostali zaproszeni do Rzymu kardynała Farnesee na obraz swojego pałacu. Na zaproszeniu odpowiedział jeden Annibal, który pozostawił na zawsze Bolonię. W Rzymie, bliski kontakt z tradycjami lokalnej szkoły, a wpływ starożytności został odkryty w dziedzinie mistrzów nowej fazy. Po stosunkowo nieistotnym obrazie jednej z hali Palazzo Farnerza ("Kamerino", połowy 1590. stulecie. Pomieszczenia galerii (około 20 × 6 m), zablokowane przez niski łuk pudełko, Annibal dzieli się na wielu niezależnych segmentach. Kompozytowa konstrukcja Plafon przypomina obraz Sicistin Capella Michelangelo, z którego Borps oprócz łamania samolotu jest również iluzjonistycznym charakterem interpretacji rzeźb, żywych figur ludzkich i malowniczych obrazów. Uogólniony motyw służą miłośnikom bogów Olympusa. W centrum Plafonu jest zatłoczony i hałaśliwy "Triumfalny marsz Vakha i Ariadna". Po bokach znajdują się dwa inne kompozycje mitologiczne, a zespół maleje, rozczarowany przez marmur przez Herma i Atlanty, którego nogi siedzą, jakby żywicych chłopców. Dane te są oprawione, że okrągłe medaliony naśladujące brąz, z antykami, a następnie czysto malowniczymi kompozycjami narracyjnymi. W rogach ten fryz jest zaprojektowany przez obraz balustrady, nad tłem nieba, amuras napisany. Ten przedmiot jest ważny jako wczesny, kolejna nieśmiała próba złamania prawdziwej przestrzeni, otrzymując, która stała się szczególnie charakterystyczna dla barokowych setrów. Plastikowa moc liczb, różnorodność form dekoracyjnych i kolorowych bogactwa stworzył zespół niezwykłej pomp.

Obrazy maszynowe stworzone przez Annibal Carragechi w rzymskim okresie kreatywności są poświęcone głównie działek religijnych. Zimna perfekcja form pozostawia w nich małe miejsce uczucie. "Żałoba Chrystusa" (1599, Neapol, Galeria Narodowa), gdzie to samo jest równie wysokie, a drugi należy do wyjątków. W sposobie malowania większości obrazów pragnienie wyraźnej liniowej i tworzywa sztucznego identyfikacji danych. "Żony Myrova w trumnie Chrystusa" (ok. 1605, Hermitage) należą do charakterystycznych próbek tego rodzaju pracy artysty.

Odnosząc się często do gatunku krajobrazu, Annibal Carragechci staje się więźniem szeroko rozpowszechnionym w przyszłości tzw. Krajobrazu "klasycznego". Istotą tego ostatniego polega na tym, że jego przedstawiciele, stosując czasami bardzo cienkie obserwowane motywy natury, starają się przede wszystkim, aby "reformować" swoje formy. Krajobrazy są zbudowane w warsztacie artysty za pomocą opracowanych schematów, w których najważniejsza rola jest odtwarzana przez równoważenie mas, miękkich linii konturów i stosowania drzew lub grup ruin w postaci pierścieni. "Krajobraz z kultem Magi" Annibal Carragechi w Galerii Doria w Rzymie można nazwać jedną z pierwszych stylistycznie kompletnych próbek tego typu.

Karawagizm. Kilka lat później, po dodaniu akademismu Bologna, innego, jeszcze więcej sprzeciwu w odniesieniu do saleki, jest kursem artystycznym, który wyróżnia wyraźne poszukiwanie realizmu obrazów i jest w dużej mierze demokratyczne. Przebieg tego jest niezwykle ważny w ogólnej historii rozwoju realizmu, jest zazwyczaj wskazany przez termin "karawagizm" pochodzący z imienia jego głowy - Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Otrzymał szeroką sławę o nazwie ojczyźnie, Caravaggio rozwinął się jako malarzec pod wpływem sztuki północnych Włoch. Inny młody człowiek, który dostaje do Rzymu, gdzie przyciąga uwagę na wiele obrazów gatunkowych. Przedstawione półpłęgi dziewcząt i młodych mężczyzn, Cyganów i Kulturarki są obdarzone nieznaną istotnością Dotole. Szczegóły kompozytów są jako opisane finansowo: kosze kwiatów i owoców, instrumenty muzyczne. Obraz "masło" (1594-1595, Ermitaż), należący do najlepszych dzieł tego kręgu, daje pomysł rodzaju takiej pracy. Jest to charakterystyczne dla wczesnej karawaggio i wyraźny liniowy sposób malowania.

Prosty obraz, pozbawiony całej idealizacji, zdecydowanie różni się od wyrafinowanych obrazów Carragechci, daje Caravaggio w jego "Vakt" (1596-1597, Florencja, Uffizi),

Pod koniec 1502 roku Caravaggio otrzymuje pierwsze główne nakaz na stworzenie trzech obrazów do kościoła San Luigi-de-francist w Rzymie. Na obrazku ołtarzu "Honor Apostoła Matveya, ręka, której prowadzą anioła" (1597-1598, zdjęcie zmarło podczas II wojny światowej) Caravaggio odmówili idealizacji apostoła, przedstawiając go za pomocą nieprzerwanej prawdziwości forma osoby od ludzi. Taki obraz spowodował ostre potępienie klientów, którzy żądali wymiany obrazu do drugiej, bardziej akceptowalną opcję dla nich. W jednej z następujących kompozycji o tej samej kolejności reprezentującej "Wezwanie Apostoła Mateusza" (1598-1599) karawaggio dał pierwszym przykładzie tak zwanej "piwnicy" malarstwa. Na tym zdjęciu przeważa ciemną tonalność, sprzeciwia się ostro podświetlane części, szczególnie ważne dla kompozycji: głowice, kontury figur, gestów dłoni. Technika ta miała szczególnie określony wpływ na europejski obraz pierwszej trzeciej XVII wieku.

Pierwsze lata XVII wieku (1601-1603) otrzymuje jeden z najsłynniejszych arcydzieł malarskich Caravaggio - "pozycja w trumnie" (Rzym, Pinakotek Watykan). Zbudowany po przekątnej wysokości, kompozycja ta charakteryzuje się ekspresywnością awaryjną i żywotnością obrazów; W szczególności liczba przechylających studenta, który popiera nogi martwego Chrystusa, został przeniesiony do ostatecznego realizmu. Ten sam realizm nieidealizowania wyróżnia się kilka lat później "Wniebowzięcie Maryi" (1605-1606, Louvre). Przez lekko dotknięty przepływem kłamliwego ciała Madonny w głębokim smutku, uczniowie Chrystusa stoją. Genre domowy charakter obrazu, w którym artysta zdecydowanie wycofał się z tradycyjnego transferu tematu, ponownie spowodowało skargi Kościoła.

Odbawalny temperament Caravaggio stale prowadził go do kolizji ze środowiskiem. Zdarzyło się tak, że podczas kłótni zabił przeciwnika na grę piłki i został zmuszony uciekł z Rzymu. W biografii magisterskiej otwarto nowy etap, naznaczony stałą różnorodnością tego miejsca. Po krótkim pobycie okazuje się, że znajduje się na wyspie Malta, gdzie w służbie Brandmistrza Maltańskiego Zamówienia ma duży sukces, jest wbudowany w rangę szlachcic, ale wkrótce po nowym Kłótnia, przychodzi do więzienia. Następnie pojawia się ponownie w Neapolu, po czym otrzymuje pozwolenie na powrót do Rzymu, ale ze względu na błąd władz, które podejmują go nad drugą, nieruchomość jest pozbawiona nieruchomości, spada na opuszczony brzeg i umiera z gorączki.

W tym późnym okresie kreatywności Master stworzył kilka wspaniałych dzieł. Najbardziej wybitne można sklasyfikować jako wpływ realizmu obrazu "Portret Brandmaster Maltańskiego Zamówienia na Aloof De Vinyakura" (1608), a także wyjątkowy dla prostoty historii i głębokiej ludzkości " Cześć pasterzy "(1609, Mesyna).

Praca Mistrza, różnej nowości mapowania życia i specyfiki malowniczych technik, miał najsilniejszy wpływ na wielu artystów, zarówno Włochów, jak i tych, którzy pracowali w Rzymie w Rzymie. W ten sposób była to najważniejsza zachęta rozwoju realizmu w paneluku europejskim obrazie XVII wieku. Wśród Włosi najbardziej znani zwolennicy Caravaggio należy do Orazio Dustlezki (1565 do 1647).

Domenicino. Jeśli chodzi o najbliższych uczniów i ciągłych sztuki Karratycznej, dominicino jest szczególnie wybitny wśród nich. Domenico Callele, nazywany Domenicino (1582-1641), jest największym przedstawicielem monumentalnego obrazu fresku narracyjnego w XVII wieku. Łączy lupę wyidealizowanej, ale zachowując naturalność formularzy z powagą transmisji treści. Funkcje te są głównie dotknięte muralem rzymskiego kościoła św. Andrea-delli Dalle (1624-1628), gdzie na końcu Aksida wśród sztukaterii, biały ze złotem, ornament domenicino przedstawiony sceny narracji ewangelicznej z Życie apostołów Andrei i Piotra, a na żaglach z kopuły - czterech aniołów ewangelicznych otoczonych aniołami. Z Mistrzów Masters Master jest najsłynniejszą "ostatnią komunią świętego Jerome" (1614, Rzym, Watykan). Klasyczne formy spowodowane przez częściowo przez pasję Rafaela łączy się w interpretacji osób z głębokim uczuciem religijnym. Prace Domenicino są często oznaczone lirycznym charakterem obrazów. W tym względzie jego wczesna "dziewczyna z jednorożcem", napisana nad frontowymi drzwiami galerii Palazzo Farneza, a zwłaszcza obraz, warunkowo nazywany "Hunt Diana" (1620, Rzym, Galeria Galerii Borghese). Obraz przedstawia konkurencję satelitów Diana w łucznictwie i odcinku wyglądu wśród nich. Naturalność drenażu jest wzmożona świeżością interpretacji obrazów.

Francesca Albani. Francesco Albani (1578-1660) był głównie artystą-stankistą i interesującą, przy okazji, wprowadzając nowy rodzaj tkaniny - małe, tak zwane obrazy "szafki", zaprojektowane, aby ozdobić pomieszczenia ograniczonych woluminów. W nich Albani zazwyczaj przedstawiiły idylliczne krajobrazy, na tle, z których rozwala i tańczą figurki Amurova.

GUADO RENI. Guido Ren (1575-1642), który kierował się po przełomie, szef szkoły Bologna, we wczesnym okresie jego kreatywności doświadczył efektu sztuki Caravaggio. Objawia się przy braku idealizacji obrazów i cięcia kontrast oświetlenia ("Ukrzyżowanie apostoła Piotra", ok. 1605, Rzym, Watykan). Wkrótce jednak Rena produkuje swój własny styl reprezentujący najbardziej żywy wyraz jednej z prądów obserwowanych w dziedzinie Włoch XVII wieku. Jest to tak zwany "klasyczny" kierunek wczesnego baroku charakteryzuje się ograniczeniem języka artystycznego, a także surowości wyidealizowanych form. Ze wszystkimi kompletnością sposobu Guido Rena ujawnia po raz pierwszy w słynnej "Aurora" (1613-1614, Rospillosis Palazzo), napisany w technice fresków na flafonie Roman Palazzo Rospillosis. Na tle złotego żółtego nieba, Apollo na rydwale pędzi wokół radości. Latający przed nim kwitnie z Pilotem Aurora na ziemi i ołowiu morzu, który jeszcze nie dotknął promieni słońca. Linearo-plastikowa interpretacja form, zrównoważona kompozycja, zbudowana jak obraz wykonany maszynowo, a także ucisk różnych, ale obliczonych farb, sprawiają, że fresk jest niezwykle orientacyjny dla wczesnego etapu rozwoju barokowego malowania dekoracyjnego. Te same funkcje, ale z większą ilością wytłaczania, pozytywne i pojawiają się na późniejszym obrazie sztalugi - "Atalanta i Ippomen" (ok. 1625, Neapol). W swoich obrazach religijnych Rena często sprawia, że \u200b\u200bcechy sentymentalizmu i przepraszam. Obraz Hermitage "Youth Madonna" (1610) przyciąga intymność transferu osób zaangażowanych w szycie ładnych dziewczyn. W wielu innych dziełach, idealizacja obrazów nie wyklucza ich naturalności i głębokości uczuć ("żałoba Chrystus", Bolonia, Pinakotek, 1613-1614; "Madonna z dzieckiem", Nowy Jork, kolekcja prywatna, koniec 1620s.).

Trzecia dekada XVII wieku otwiera nowy etap sztuki barokowej, objętych koncepcją "wysokiej lub dojrzałej, baroku". Jego podstawowymi cechami są wzmocnienie dynamiki i ekspresywności form, ich obraz ich transferu i awaryjnego wzmocnienia dekoracyjności. W obrazie do oznaczonych funkcji dołącza do intensywnej kolorowości.

Giovanni Lanfranco. Jeden z mistrzów twierdzących dominacji w nowym stylu, Giovanni Lanfranco (1580-1641), opartych głównie na monumentalnej sztuce Korredjo, do 1625 r. Stwarza swoje malarstwo Kopuła św. Andrea-della Valle, przedstawiająca "raj" . Mając koncentryczne koła niezliczone figury - Madonna, święci, anioły, podejmuje oko widza w nieskończoną przestrzeń, w środku którego przedstawiono świetlną postać Chrystusa. Dla tego artysty charakteryzuje się również łączeniem danych na szerokie masy tworzące malownicze przepływy światła i cienia. Te same techniki malowania powtarzają się w obrazach maszynowych Lanfranco, wśród których jeden z powyższych jest "wizja Świętej Margarita Cortonskaya" (Florencja, Palazzo Pitti). Stan ekstazy i budowa grup po przekątnej jest niezwykle charakterystyczna dla sztuki barokowej.

Zrzędliwie. Konwencjonalna iluzja barokowa widzów widzów przestrzeni jest nadal zdecydowanie zdecydowanie określona niż Lanfranco, wyrażona przez jego współczesny Francesco Barbieri, który jest nazywany (1591-1666). W Plafonu Palazzo, Ludovisi w Rzymie (1621-1623), a także w wyżej wymienionym Flafone, Gvido Reni, jest przedstawiony Aurora, tym razem niosąc rydwanę wśród pochmurnego nieba. Kompozycje przedstawione wzdłuż krawędzi wierzchołków ścian i szalejących cyprysów podczas rozważania z pewnego punktu widzenia tworzą iluzję kontynuowania rzeczywistej architektury pokoju. Grobrikino, który, jak to było związek między manierami artystycznymi CarlaGechi i Caravaggio, pożycza przy pierwszym charakterze jego postaci, drugi - techniki jego czarno-białego obrazu. "Pogrzeb św. Petronillo" (1621, Rzym, Galeria Capitol) jest jednym z wizualnych przykładów malowania wczesnego braterstwa, w którym naturalność obrazów jest łączona z szerokością i energią egzekucji obrazkowej. W "wykonaniu SV. Catherine "(1653, Hermitage), jak w innych późniejszych pracach Master, prawdziwość obrazów jest zastępowana elegancją kompozycji.

Domenico fetty. Innych artystów tego czasu należy również wspomnieć o Domenico Fetty (1589-1624). W swoich kompozycjach elementy realistycznego gatunku gospodarstwa domowego dogadują się z bogatą kolorową palety, której sztuka Rubensa miała wpływ. Jego obrazy "Madonna" i "Healing Tobit" (1620s., Ermitaż). Różne niż dźwięk i miękkie błyski, pozwalają na dokonanie pewnego pomysłu kolorowych misji artysty.

Lorenzo Berniniego. Centralną postacią Sztuki Barokowej jest genialny architekt i rzeźbiarz Lorenzo Bernini (1599-1680). Rzeźba Mistrza reprezentuje wyjątkowe połączenie wszystkich charakterystycznych cech w stylu barokowym. Organicznie połączył granicę realistycznego obrazu z ogromnym szerokością dekoracyjnej wizji. Dołącza to do niezrównanej własności techniki marmuru, brązu, terakoty.

Syn rzeźbiarza, Lorenzo Berniniego należy do mistrzów, bardzo wcześnie z językiem sztuki i prawie z pierwszych kroków dotarcia do dojrzałości. Przez około 1620 roku Bernini stworzył kilka marmurowych rzeźb należących do niekwestionowanych arcydzieł. W 1623 r. Jego posąg "David" (Rzym, Galeria Borghese) z powrotem. Wyróżnia się niezwykłą umiejętnością realistycznej transmisji napięcia duchowych i fizycznych siły biblijnego bohatera przedstawionego w momencie rzucania kamienia Prasha. Dwa lata później, APOLLO Group, realizuje Daphne (1620., Rzym, Galeria Borghese). Malowanie form stawiających figur i wyjątkową doskonałość obróbki powierzchni uzupełniają rzadką troskliwość wyrażania wyrażania Daphne, który nie odczuwał jeszcze wykonywania metamorfozy (obracając go do drzewa laurowego), a Apollo, który to rozumie Oferta wyprzedstwowa jest bezpowrotnie zagubiona.

XVII wieku lat XVII wieku - policjantowy czas miejskich VIII - wzmocnić pozycję Berniniego jako wiodącego artysty Rzymu. Oprócz licznych dzieł architektonicznych tworzy szereg monumentalnych rzeźb, portretów, a także dzieła czysto dekoracyjnej przyrody. Z tego ostatniego najbardziej doskonałym należy do fontanny w Rzymie Triton (1637). Bizarre kontury ogromnej skorupy, którą utrzymuje się delfiny, a drzewa oszukane powyżej są zharmonizowane z strumieniami spadającej wody.

Najbardziej wyraźną dekoracją większości dzieł kreatora może być przeciwny najważniejsze kroki działalności Berniniego niesamowitego w realistycznej ostrości cech związanych z 1630 portretami Constance Buonarelli (Florencja, Muzeum Narodowe) i Cardinal Scipiona Borghese (Rzym , Galeria Borghese).

Wpis w 1640 r. Na papieskim tronie niewinnego X doprowadziły do \u200b\u200btymczasowego usuwania Berniniego z wiodącej roli w budowie i dekoracji Rzymu. W krótkim okresie oddzielając go od niedawno nadchodzącego oficjalnego uznania Bernini wykonuje wiele nowych wspaniałych dzieł. Mając na uwadze tymczasowe nie rozpoznawanie jego artystycznej zasługi, tworzy allegoryczną grupę "Prawdę, która ujawnia czas". Postać czasu pozostaje niespełniona, ale siedząca alegoryczna postać kobieta uderza w skrajną ekspresję realistycznych form.

Arcydzieło monumentalnej rzeźby Barok był słynną grupą "Ecstasy St. Teresa ", Andorning Cornaro Cornaro Corno Church-Vittoria Church (1645-1652), anioł ze strzałką w ręku poza świętą ekstazą. Uczucia Teresy wyrażają całą niewyrozumiałość realistycznej transmisji. Interpretacja jego szerokiej odzieży i figura anioła obejmuje cechy dekoracyjne. Biały kolor marmurowej grupy umieszczonej na tle złotych promieni, łączy się z kolorowymi odcieniami kolorowych środowiska architektonicznego marmuru w eleganckim kolorze zespołu. Temat i wykonanie są bardzo charakterystyczne dla stylu włoskiego baroku.

1628-1647 podaje się przez kolejną z remontów stworzeń Bernini - Gravestone Papieża Urban VIII w katedrze św. Piotr w Rzymie. Zgodnie z wielkością ekspresywności planu i umiejętności roztworu z tworzywa sztucznego, ten pomnik należy do wspaniałych dzieł rzeźby Grobowca. Na tle kolorowego marmuru marmuru, biały piedestal z ekspresyjną z brązu taty jest podniesiony. Jego ręka podniesiona na raporty błogosławieństwa postanowiły straszną wielkość. Poniżej po bokach zielonej marmurowej sarkofażu są białe postacie, usytuowanie cnoty miejskiego VIII - Mądra Sprawiedliwości i Miłosierdzie. Rosnące z powodu sarkofagu z brązu pół-obrazowanie skrzydlaty szkielet przywiązuje do pokładu cokołów z wpisaną nazwą zmarłego.

Okres tymczasowego braku rozpoznawania Berniniego zostaje wkrótce wymieniany z tym samym niewinnym rozpoznaniem X przez oficjalną głowę szkoły rzymskiej i prawie z większą sławą niż wcześniej. Z rzeźbiarskich dzieł drugiej połowy Berniniego, dziwny departament z brązu katedry św. Piotr w Rzymie, postać cesarza Konstantina (tamże), a zwłaszcza stworzenie nowego rodzaju portretu, najlepszy sposób, w jaki marmurowy popiersie Louis XIV, wypełnione mistrzem podczas pobytu w 1665 r. (Na zaproszenie Sąd francuski) w Paryżu. Podczas budowy ekspresji, cechy twarzy, główna uwaga koncentruje się na dekoracyjności całości, osiągniętej przez malowniczą interpretację ogromnej peruki z malowniczej interpretacji loków i jak wspiął się przez wiatr fruwającego draperii.

Obdarzony wyjątkową ekspresyjnością, oryginalnością stylu wizualnego i doskonałości umiejętności technicznych, sztuka Bernini znalazła niezliczonych fanów i naśladowców, którzy wpływają na sztukę plastikową Włoch i innych krajów.

Petro tak Norton. Od malarzy, najważniejsze dla stylu wysokiego baroku jest Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Początkowo nominowany z wielofunkcjonowanymi obrazami maszynowymi ("Victory Aleksander Macedonsky nad Darim", "uprowadzenie Sabinjanok" - 1620., zarówno - Muzeum Kapitolu, Rzym), w którym znalazł głęboką wiedzę o materialnej kultury starożytnej Rzym, nabywany w wyniku badania zabytków antyków. Ale główne podboje norty należą do dziedziny monumentalnych obrazów dekoracyjnych. Między 1633 a 1639 r. Spełnia Grand Plafof w Palazzo Barberini (Rzym), który jest jasną próbką barokowego malowania dekoracyjnego. Plafof uwielbia głowę domu Barberini Papież Urban VIII. W przestrzeni objętych ciężką prostokątną ramą jest przedstawiony otoczony zestawem znaków alegorycznych na postać boskiej mądrości. Po lewej powyżej zabiera się do nieba szczupła dziewczyna z koroną gwiazd w ramionach podniesiona, uświadamiająca nieśmiertelność. Nawet powyżej, potężne kształty MUZ, które służą jako przypomnienie poetyckiej aktywności Urban VIII, niosą ogromny wieniec, w środku którego trzy pszczoły ramię Barberini latają. Na ramkach ramy, na rondzie przejścia do ścian, sceny mitologiczne są przedstawione, w formie dołączenia o twierdzeniu o działaniach papieża. Bogactwo malowniczych motywów, różnorodność i witalność obrazów odpowiada soniczności całości.

Charakterystyka fuzji ekologicznej w stylu monumentalnym jest organiczna łączenie do pojedynczego dekoracyjnego systemu architektonii kompozycji, malarstwa i tworzyw sztucznych, znalazł najbardziej kompletny wyraz w obrazie wielu sal pitazo w Florencji (1640S), oznaczonych nazwami bogów Olympusa. Gloryfikacja Medici w domu wyróżnia się niezwykłą różnorodnością kompozycji. Najbardziej interesującym jest sufit, który zdobi sala Marsa i czyta o zaletach wojskowych właścicieli Palazzo. Nieodłączy się na tym obrazie dynamiki, asymetria konstrukcji, a także irracjonalność kompozycji, wyrażony w fakcie, że płuca wspierają ogromną herb kamienny Medici, należą do skrajnych wyrażeń Styl barokowy, który osiągnął jego kompletność.

Jednocześnie rozwinięto realistyczne tendencje w pracy wielu włoskich mistrzów, najlepiej pracował poza Rzymem.

ROSE SALVATOR. Najbardziej oryginalni artyści w połowie XVIII wieku należy do Rosa Salvator (1615-1673), który był nie tylko malarzem, ale także poetą, broszurą i aktorem. Neapol, gdzie wpływ Szkoły Karavago był szczególnie odporny, Rose jest blisko najnowszej rzeczywistości obrazów i sposobu malowania z ciemnymi cieniami. Przedmiotem kreatywności tego artysty jest niezwykle zróżnicowany, ale najważniejsze dla historii sztuki jest liczne sceny bitwy i krajobrazów. W kompozycjach bojowych przeprowadzono szybki temperament artysty w pełnej sile. Podobny gatunek bitwy, zebrany przez naśladowników, będzie szeroko rozpowszechniony we wszystkich sztukach europejskich. Krajobrazy magisterskie przedstawiające skaliste wybrzeża morskie, ze względu na motywy na zdjęciu, dynamika kompozycji, ostry kontrast oświetlenia i emocjonalności ogólnego rozwiązania można nazwać romantycznym. W ten sposób mogą być przeciwni klasyczni krajobrazom szkoły Carlagejevsky i wszystkie straszne krajobrazy północnych szkół. Wśród dużych obrazów róże są przydzielane przechowywane w Hermitage "Odyssey i Navykaya" (1650.) i "Demokrata, zaskoczony zwinnością Protagodu" (w tym samym czasie). Służą jako doskonałe przykłady stylu narracyjnego i malowniczych mistrzów.

Od lat sześćdziesiątych ostatniego XVII wieku ostatnie, najdłuższą fazę rozwoju sztuki barokowej, tzw. "Późniejszy barok". Charakteryzuje się mniejszym rygorem kompozycji konstruowania, większa łatwość figur, szczególnie zauważalnych w żeńskich obrazach, rosnących odpływom kolorowym i wreszcie, dalsza zwiększona dekoratywność.

Giovanni Battista Gauli. Głównym wyrazem nowych tendencji malarstwa jest Giovanni Battista Gauli (1639-1709), znany jako Stankist i jako artysta, który stworzył szereg fresków. Jego sztuka ściśle przylega do sztuki późnego Berniniego. Na najlepsze prace Gauli należy do jego wcześniejszego, wyblakły w jasnych kolorach pakowanych żagli z Sant Anise-In-Piazza-Navona w Rzymie (ok. 1665). Zamiast ewangelicals, najczęstszą architekturą kościoła w tych miejscach, Gauli przedstawiła łatwość alegorycznych scen chrześcijańskich cnoty. Szczególnie atrakcyjna jest ta, w której reprezentowane są dwie młode dziewczyny, z których jeden umieszcza wieniec kwiatowy do drugiego. Prace dojrzałego stylu Gauli są obrazy Plafonu, kopuły i królów Absidy Głównego Kościoła Jezuitów Il-Jesu w Rzymie (1670-E-wczesne 1680). Ten sufit, znany jako "kult imię imienia Jezusa", jest bardzo orientacyjny dla stylu późnego baroku. Wśród pisemnej architektury, która kontynuuje prawdziwe formy kościoła, przedstawione na głębokości przestrzeni niebiańskiej, wypełnionej niezliminowanymi figurami, jak fale przepełnione z ciemności do wszystkich lżejszych grup. Innym widokiem na malownicze dzieła Mistrza są jego pozbawione różnego rodzaju ozdobnych rękawiczek, psychicznie znakomicie scharakteryzowane portrety współczesnych ("papieża IX", Rzym, Galeria St. Luki; "Portret Bernini", Rzym, Galeria Corsini) .

Andrea Pozzo. Porozumienie do iluzji konstrukcji architektonicznej osiąga najwyższy rozwój w pracy Andrei Pozzo (1642-1709). Jego produkt kapitałowy jest powódź fresk kościoła Saint-Ivacio w Rzymie, pomijona z Centralnego NEF, pokazana na niej przez poziomy tarasów, arcade, kolumnadę ścian wyścigowych, nad którymi Ignati Loyola wyróżnia się wśród wielu liczb, tworzy iluzja przestrzeni architektonicznej. Podobnie jak inne podobne Plasfony, lekkość i poprawność konstrukcji są natychmiast naruszane, gdy tylko widz odsuwa się od punktu, do którego została obliczona.

Neapolitan Luke Jordano (1632-1705) należy również do najsłynniejszych mistrzów malarstwa dekoracyjnego (1632-1705). Utalentowany i niezwykle płodny mistrz, był nadal pozbawiony wewnętrznej siły i oryginalności i często naśladowali innych artystów. Dla najlepszych prac należy do Glorificing Rodzina Medici Florentine Palazzo Ricardee.

W dziedzinie malowania maszynowego od współczesnych tych artystów, rozróżnia się rzymska szkoła końca XVII wieku Carlo Maratta (1625-1713) (1625-1713). Zabrał miejsce największego przedstawiciela późnego baroku. Jego obrazy ołtarza charakteryzują się gładkością linii i wspaniałego spokoju kompozycji. Jako silny artysta odkrył się w dziedzinie portretu. Wśród jego prac jest przydzielany przez charakterystyczny i wspaniały obraz Hermitagon "Portret papieża Clement IX" (1669). Francesco Solima (1657-1749), którzy pracowali w Neapolu w swoich obrazach biblijnych i alegorycznych o ostrych kontrastach światła i cienia prowadzi do pamięci technik Caravaggio, ale używa ich w czysto ozdobnych kompozycjach. Późna bolonia Giuseppe Maria Kressee (1664-1747), który jest jednym z uzdolnionych artystów w rozważanym okresie, miał silny wpływ na obraz XVIII wieku. Masters charakteryzują silną wyraźną orientację realistyczną. Objawia się w kompozycjach religijnych, więc bardziej wizualnie w swoich obrazach domowych ("koniec św. Józefa", ok. 1712, Hermitage; "Seria tajemnic", 1710., Galeria Dresden).