Jakie są główne wartości semantyczne terminu impresjonizmu. Znaczenie słowa impresjonizmu

IMPRESJONIZM(Fr. ImpressionNisme, z wrażenia - wrażenie) - kierunek w sztuce lata 1860 roku - na początku 1880 roku, którego głównym celem był przeniesienie przeniesienia, zmienne wrażenia. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryć optyki i teorii kolorów; W tym, był spółgłoską z duchem analizy naukowej charakterystyki do końca 19 V. Najbardziej jasny impresjonizm przejawia się w malarstwie, gdzie zwrócono szczególną uwagę na przeniesienie koloru i światła.

Impresjonizm pojawił się we Francji pod koniec latach 60. XIX wieku. Jego wiodący przedstawiciele - Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berta Morizo, Alfred Sisley i Jean Frederick Basil. Wraz z nimi, Eduar Grzywa i Edgar Degar, chociaż styl ich prac nie można nazwać impresjonizmem. Słowo "impresjonizm" pochodzi z nazwy obrazu Wrażenie. Wschodzące słońce(1872, Paryż, Muzeum Marmottan), prezentowany na wystawie 1874. Nazwa dorozumiana, że \u200b\u200bartysta przekazuje jedynie jego przelotne wrażenie krajobrazu. Teraz termin "impresjonizm" jest rozumiany szerszy niż tylko subiektywna wizja artysty: jako dokładne badanie przyrody, przede wszystkim pod względem koloru i oświetlenia. Koncepcja ta jest zasadniczo przeciwieństwem do tradycyjnego, pochodzącego z ery ożywienia zrozumienia głównego zadania malowania jako przeniesienie formy obiektów. Celem impresjonistów był obraz natychmiastowy, jakby "przypadkowe" sytuacje i ruchy. Przyczyniła się to asymetria, fragmentacja kompozycji, stosowanie złożonych kątów i plasterków liczb. Obraz staje się oddzielną ramą, fragmentem walcowania.

Krajobrazy i sceny z życia miejskiego - być może najbardziej charakterystyczne gatunki obrazu impresjonistycznego - napisał "na pleniarzu", tj. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjonowalilici na krótko spojrzeli do przyrody, zauważając kolory i odcienie, zazwyczaj niewidoczne, takie jak niebieski w cieniu. Ich metoda artystyczna była w rozkładzie złożonych dźwięków do ich czystego widma kolorów. Kolorowe cienie i czyste jasne malarstwo z trudem. Impresjonowcy narzucili farby z oddzielnymi pociągnięciami, czasami używając dźwięków kontrastu na jednej sekcji obrazu, rozmiar zmienia się rozmazy. Czasami, na przykład, na obraz wyraźnego nieba, wygładzali szczotką do bardziej gładkiej powierzchni (ale nawet w tym przypadku podkreśla się wolny, nieostrożny malowniczy sposób). Główną cechą obrazów impresjonistycznych jest efekt żywym migotania farb.

Camille Pissarro, Alfred Sisley i Claude Monet w ich pracy preferowane krajobrazy i sceny miejskie. Auguste Renoir napisał ludzi na kolanach przyrody lub we wnętrzu. Jego kreatywność doskonale ilustruje tendencję do wymazywania twarzy między gatunkami charakterystyczną impresjonizmem. Takie zdjęcia jak Piłka w Moulin de la Gaette (Paryż, muzeum d "rudy) lub Rowers śniadaniowy (1881, Waszyngton, Galeria Phillips), są kolorowymi wspomnieniami radości życia, miejskich lub rustykalnych.

Podobne wyszukiwania przenoszenia medium lekkiego, rozkład złożonych odcieni na jasnych kolorach widma solarnego miała miejsce nie tylko we Francji. James Whistler (Anglia i USA), Max Lieberman, Corintov (Niemcy), K. Korovina, I.e. Grabar, K.a. Korovina, tj. Gabar (Rosja) są liczone do impresjonistów.

Impresjonizm w rzeźbie implikuje bezpłatne modelowanie miękkich form płynów, które tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności. W pozach, moment ruchu, rozwój jest dokładny; Dane wydają się usunięte przy użyciu ukrytej kamery, takich jak na przykład, w niektórych dziełach E.dega i O. Emina (Francja), Medroad Rosso (Włochy), strpetry TRubetsky (Rosja).

Na początku XX wieku W malarstwie istniały nowe trendy, wyrażone w odmowie realizmu i odwołanie się do abstrakcji; Byli powodem, dla którego młodsi artystów odwrócili się od impresjonizmu. Jednak impresjonizm pozostawił bogate dziedzictwo: przede wszystkim zainteresowanie problemami kolorów, a także przykład pogrubionej przerwy z tradycją.

Do najważniejszych obszarów modernizmu, które wpłynęły na kurs i rozwój sztuki XX wieku. odnosić się kubizm, sztuka abstrakcyjna, Dadaizm, Surrealizm, Kostruitivism w architekturze dodecafonia i leisorica. w muzyce. Kluczowym wpływem na rozwój literatury była praca J. Joyce'a i M. Prousta. Niezbędna uwaga jest wypłacana na impresjonizm jako pierwszy etap tworzenia modernizmu. Ponieważ kubizm i sztuka abstrakcyjna są dobrze znane, nie są szczególnie rozpatrywane.

Nawet krótki opis głównych kierunków i szkół modernizmu pozwala wizualnie przedstawić wewnętrzną heterogeniczność, a jednocześnie poczuć jego wewnętrzną, głęboką jedność.

Jest to konieczne, oczywiście, aby wziąć pod uwagę, że kultura artystyczna ubiegłego wieku nie jest zmniejszona tylko do modernizmu. Wraz z nim była też sztuka, która kontynuowała tradycje poprzedniej kultury, w szczególności tradycję realizmu, a zjawisko typu pośredniego, który łączył modernizm z tradycyjnymi formami sztuki. Na początku lat 30.. Było też zupełnie inne niż modernizmu, można powiedzieć, że można powiedzieć, że można powiedzieć, że sztuka zamkniętego społeczeństwa można powiedzieć.

Impresjonizm

Impresjonizm przewiduje się modernizmu. Jest to początek ruchu sztuki z obrazu obiektów zewnętrznych do obrazu zmysłów danej osoby, a następnie do wizerunku jego pomysłów.

Impresjonizm (od fr. wrażenie - Wrażenie) jest kierunkiem sztuk wizualnych, literatury i muzyki koncernu XIX - XX wieku. Rozwinął się w francuskim obrazie 60-70. XIX wiek. Nazwa kursu powstała po pierwszej wystawie artystów w 1874 roku, na której obraz K. Monte "wrażenie. Wschód". Rdzeniem pierwszej grupy impresjonistów był O. Renoir, K. Monte, K. Pissero, Sisley, Degas i inne.

Założony znak jodu romantyzmu, impresjonizm nigdy nie zniknął całkowicie z ideałów. Na impresjonistów takie przedstawienia romantyzmu zostały wydane bezpośrednio lub pośrednie, takie jak odmowa przepisów i praw w sztuce, pogrubioną proklamację wolności przez główne i jego jedyne prawo, całkowite ograniczenie poczucia, wprowadzenie Koncepcje czasu i ruchu, idea niepodległości i indywidualizmu artysty, romantyczne pomysły na temat zakończenia dzieła sztuki, pomysły dotyczące człowieka, kreatywności, pięknej i brzydkiej itp. Impresjonizm był trzeźwy niż romantyzm, ale nadal było romantyczne ubóstwo za tym trzeźwością.

Impresjonizm jest linkiem i systemem mobilnym, połączenie romantyzmu i "naturalizm", rozumowania i uczuć, subiektywnych i obiektywnych, poezji oraz nauki, wolności i twardej prawa, niepohamowany impuls i ograniczenie jego ram.

Jednym z źródeł, które karmione impresjonizm było japońskie barwiące grawerowanie, szeroko pokazane w 1867 r. W Paryżu. Nie ma nic dziwnego: wciąż romantyzm ponownie (po Rococo) przyciągnął uwagę Europejczyków na wschód. Pasja dla sztuki japońskiej była jednocześnie zarówno moda, jak i jeden z czasów, który wpłynęła na smak epoki. Baudelaire, Hangra, Mana, Degas, Whistler byli pierwszymi koneserzy i kolekcjonerów japońskich rycin, kimono, fanów, porcelany. Jako japońskie tugyandhold pisze, w japońskich rycinach na, była liniowa perspektywa geometryczna, której nauczono Akademię Europejską - ale mieli w nich perspektywę powietrza, promienie słońca płynąły do \u200b\u200bnich, rano mgła płynąca, Poranna mgła była śmieszna. Japońskie pierwsze wielkie instynkty rozumieją, że natura nie była całością ciał, ale niekończącą się łańcuchem wiecznego zmieniającego się zjawisk. Po raz pierwszy zaczęli przedstawić całą serię tego samego krajobrazu o różnych oświetleniu i w różnych porach roku. Takie były "100 gatunków Mount Fuji" Hokusai, "53 gatunków stacji tokaido" Hirosziga. Akademia nauczała zbudować kompozycję, jakby artysta rozważał przez niego scenę, siedząc Pas na balkonie teatru i widząc go w linii poziomych. Japończycy interpretowali kompozycję, jakby artysta był osobą aktorską z przedstawionej sceny. Dlatego przeważają nachylone linie na poziomie; Dlatego są na pierwszym planie Często kwitnąca gałąź jest często naładowana lub innymi szczegółami, niejasność całości, choć harmonijnie związana z nim. Korzystając z przykładu japońskich, francuskich artystów rozumieli całe piękno asymetrii, wszystkie urok niespodzianek, cała magia perswazji. Na przykładzie japońskich byli przekonani o przysmakach szkiców lekkich, migawek wykonanych przez kilka linii i kilka plam.

Wpływ japońskiej sztuki na impresjonizm nie powinien być przesadzony. Japończycy, w przeciwieństwie do impresjonistów, nigdy nie napisali bezpośrednio z natury. Wrażenia impresjonistów poszły od bezpośrednio zmysłowego percepcji, podczas gdy japońskie - z doświadczenia emocjonalnego, połączone ze stałymi konsekwencjami tradycyjnych technik.

T. Mann zwany obrazem impresjonistów "Zaczarowany ogród", podkreślając swoje oddanie ideałom ziemskiego życia. W przypadku odkryć estetycznych impresjonici mieli skromny róg przyrody, brzegów Sekwany, ulice Paryża. Codzienne życie, wierzyli, piękni, a artysty na potrzeby wyrafinowane lub wyjątkowe.

Impresjonici konturenowali salon sztuki i oficjalny, piękno każdej rzeczywistości - pompatyczne i strach piękna malowania salonu na podstawie zasad akademickich. Odmówili pisania mitologicznych działek, obcych "krajów literackich" (wtedy to słowo zostało zawarte w użyciu), związane z nimi z fałszywym salonem, gdzie, według G. de Maupassant, ściany wypełniły obrazy Duchschchalnaya i romantyczne, Historyczne i niedyskretne obrazy, które i są opowiedziane, i odzyskują, i nauczają, i moralizują, ale także skorumpowane. Impresjonici unikali sentymentalizacji, ścieżki, która jest rozrzedzoną wysokością obrazu. Przyjazd nowej wizji świata, demokratyzowali ideę pięknej.

Porównując impresjonistów z rosyjskiego telefonu komórkowego, który również walczył z sztuką salon-akademicką, możemy powiedzieć, że wyniki okazały się zupełnie inne. Rosyjskie koszmary odrzucone razem z pięknym salonem i pięknem malarstwa, podkreślając przede wszystkim na moralnej i rewolucyjnej wartości sztuki. Impresjonowalilici, którzy odrzucili dobrze korzystne, mózgowe piękne piękno, nie odmówił znalezienia piękna jako takiego, ale już w innych formach.

Przed impresjonistami artystami, nawet najbardziej "malownicze", zawsze uzupełnione widoczne widoczne na płótnie. Impresjonici starali się złapać latającego, zbliżając się do czystej widoczności. Wiedza ustąpiła wrażenie. Impresjonizm ma przede wszystkim zmienność i ruch. Aby przenieść chwilowe transfiguracje świata, impresjonowaliliści zmniejszyli czas tworzenia obrazu, jak najbliżej w czasie rzeczywistym obrazu natury. Wraz z koncepcją szybkości tworzenia pracy wymagania dotyczące stopnia jego zakończenia zostały podłączone.

Impresjonizm zmienił prezentację nie tylko waga malarstwo, ale także najbardziej obrazek.

Artyści-Impresjonowaliści NA Ustawić szczególny cel niekompletności, szkicu obrazu i nagości malowniczej technologii. Jednocześnie z punktu widzenia wymagań dotyczących stopnia dekoracji możemy porozmawiać o podwójnej niekompletności pracy impresjonistów. Po pierwsze, jest to zewnętrzna ostrość wykończenia, która często spowodowała współczesny niezadowolenie. Po drugie, niekompletność jako otwartość całego obrazu obrazkowego, stała duszność, czas, więc mówić na końcu frazy. Ze względu na osobliwą perswazję obrazu impresjonistów, trudno jest opisać jednoznacznie, ale w nim - ich ekscytująca atrakcyjność. Jeśli konieczne było wycofanie prostej formuły impresjonizmu, może to być: "zmienność, dwoistość, odwracalność, niedrogi".

Zmiana idei malarstwa, impresjonizm osiągnął szczególny stopień aktywacja widza (Nawet przez jego irytację "niekompletność"). Widz stał się jak wspólnik stworzyć obraz i współautor artysty.

W połowie lat 80-tych. XIX wiek. Rozpoczął się kryzys impresjonizmu. Wielu artystów, przed przyczynami przepływu, znaleźli jego ramy zbyt wąskie. Chodziło o to, że zasady impresjonizmu pozbawiają obraz elementów intelektualnych i moralnych. I chociaż w latach 90-tych. Szeroki uznanie przyszedł do impresjonizmu, zbiegł się z początkiem jego rozkładu jako holistycznego kursu i jądrowania w ramach PEGO innych obszarów. Niektórzy z nich chcieli w jakiś sposób modernizować impresjonizm, inni ogólnie szukali nowych ścieżek. Poetycki obraz impresjonistów, ich podniesione, jasne postrzeganie codziennego życia, zdolność do podawania kolorowego koloru z zmiennym, przelotującym jego manifestacjami zaczęli ustąpić do innych trendów i uczuć.

Do prądów próbujących zmodernizować impresjonizm, w szczególności neo-sympresjonizm. (lub pointelizm). J. Serem opracował niezwykłą technikę, a P. Xinyak próbował teoretycznie uzasadnić nowy kurs. Niezbędne były różnice między neo-sympresjonizmem z impresjonizmu. Oddzielne uderzenia charakterystyczne dla impresjonistów zmniejszyło się do punktów; Musiałem porzucić fiksację chwili, od malowania, starając się naprawić chwilę, jest mało prawdopodobne, aby nie mówić o wiecznym; Spontaniczność i naturalność wizji i wizerunku, zainteresowanie starannie zbudowaną i przemyślaną, a nawet kompozycją statyczną, priorytetem kolorowym nad światłem jest przeniesiony do tła. Pointelist artysta, tworzenie dowolnej formy lub cienia za pomocą ogromnej liczby rozmazów punktowych, nie potrzebuje linii, PI w konturach. Głębokość obrazu jest osiągnięta ze względu na fakt, że obiekty są z przodu, są większe i stopniowo zmniejszają się, gdy usuwają perspektywę. W pewnej odległości punkty kolorów są optycznie scalone, dając zaskakująco naturalne wrażenie światła, cienia, przejścia z jednego tonu do drugiego. Według sylaur, a nie artysta z jej pędzlem, ale oko widza powinno mieszać kolorów w stosunku do żywego zakresu optycznego.

Neo-sympresjonizm istniał długo. Okazało się, że nowa technika tald w sobie i negatywnych momentów. Wyrównała indywidualność artysty. Ponadto neo-sympresjonizm ogłosił niespójność artysty, odrzucił charakterystykę spontaniczną dla impresjonizmu. Prace poinformatorów są trudne do odróżnienia siebie. Uczucie tego, K. Pisserro, początkowo poniesione przez ten system, a następnie zniszczył wszystkie swoje ubrania w ten sposób.

Okres, który trwał od około 1886 do 1906 r przez Postresjonizm. Ten dość warunkowy termin oznacza okres czasu, z których granice są określane, z jednej strony, ostatnia wystawa impresyjskich, z drugiej, czas pojawienia się pierwszych faktycznie nowoczesnych przepływów, takich jak formizm i kubizm.

Paul Cesann miał bardzo ważny wpływ na tworzenie sztuki modernizmu. Będąc współczesnym impresjonistami, głosił o diametralnie przeciwnym podejście do natury: nie wychwytywanie swoich ulotnych państw, ale zidentyfikować stałą esencję. Intressistist Nadpstantia, impresjonistyczny "Doskonały moment" Cezanne Cezanne skontrastował materialność skondensowaną, czas trwania stanu i podkreślonej konstruktywności. Malowanie Cesanna jest Wolicjonalny, buduje zdjęcie świata, jako budowanie budynku. Elementy są podane: kolor, forma luzem, głębokość przestrzenna i płaszczyzna obrazu. Z tych zwykłego pierwotnie, Cesann buduje swoje własne światy, w których jest coś imponującego, wspaniałego, pomimo małych rozmiarów swoich płótnach i skąpego zestawu działek (Mountain Saint-Victor w Exca, staw z mostem, domy, skały , jabłka i słoik na obrusie).

Cezanne był głównie artystą dla artystów. Żaden z następujących artystów uniknęła swojego wpływu, chociaż dla większości widzów-nieprofesjonalistów jest trudny, a na pierwszy rzut oka i jest nudny w jego zewnętrznej monotonii: nie ma żadnych ciekawych działek, ani lirism, ani oko palety.

W stabilnym, grubym pomarańczowo-zielonym niebiesko-niebiesko Cezannym rzeźbiają swoje krajobrazy. Nie mają "nastroju", ale rzadki krajobraz innego artysty może wytrzymać sąsiedztwo na tej samej ścianie. W krajobrazach Cezanny preferują wysoki horyzont, więc przestrzeń ziemi pokrywa się z płótnem; Przesuwa plany, podsumowuje mas. Nawet refleksje w wodzie tworzy ogromną, architektonię. Nie rozpoznaje amorfousity i włącza charakter potężnych form. Obraz dla Cesanna to plastikowa koncepcja widocznego, koncepcji, a nie naśladowanie. Koncepcja powstaje z rozdzielczości sprzeczności między właściwościami natury a właściwościami obrazu. Natura jest w ciągłym ruchu i zmiana, obraz jest w naturze statyczni, a zadaniem artysty jest prowadzenie ruchu do stabilności i równowagi. W naturze - nieskończona różnorodność kapryśnych form, ludzki duch jest zazwyczaj zmniejszony do trochę, prostsze. Cezanne doradza: "... Uwaga przewodu przez cylinder, piłka, stożek". Woluminy Cezanny naprawdę chcą uprościć, ponieważ nie chce iluzyjnie niszczyć samolotu. Jego celem jest przetłumaczenie zjawisk natury do języka malowniczych kategorii, troszcząc się, że odczucie samolotu pozostaje, syntetyzowane z poczuciem objętości i głębokości. Osiąga tę specjalną organizację przestrzeni, czasem uciekania się do deformacji i zmian i łączenia kilku punktów widoku w tej samej kompozycji na przedstawionych przedmiotach.

W martwym obszarze powierzchnia stołu jest ściśnięta na widza, zapewniając płaszczyźnie obrazu, a owoce leżące na stole są pokazane pod innym kątem widzenia. "Stopniowe" do samolotu, położone jak sobie nawzajem, przeklinanie woluminów owocowych są postrzegane z podwójną intensywnością, a same owoce wyglądają monumentnie, dziewiczy. Jednocześnie artysta zaniedbuje teksturę obiektów: jego jabłka nie są od tych, które chcesz jeść, wydają się być wykonane z substancji stałej, zimnej i gęstej, a także dzbanek, a nawet obrus.

W przeciwieństwie do impresjonistów, Cezanna bardziej przyciągnęła istotność i wielkość formularza, a nie zmienić grę światła i cieni. Impresjonowani wyznaczają wymóg, aby zakończyć obraz w jednym odbiorze, aby mieć czas na naprawę na płótnie "Instant". Cezanne preferował powrót do wybranego miejsca kilka razy, tworząc bardziej pracował i "sztuczny" obraz. Impresjonowaliści, szukając "złapania MIG", uciekł się do miękkich, pociągów powietrza Cezanne cieszyły się silnymi pewnymi uderzeniami, dzięki czemu jego płótno jest bardziej obszerne. W odmowie ślepy po prawach perspektywy liniowej Cezanne poszło jeszcze bardziej. W celu przedstawienia światowego świata na płaskiej płótnie, zniekształcił proporcję i perspektywę, jeśli wymagana jest szczególna zasada składowa.

Cezanna udało się stworzyć specjalny język artystyczny. Pomysł, że obraz nie jest otwarty w światowym oknie (renesansowy), a dwuwymiarowy samolot z własnymi przepisami języka wizualnego, stał się centralny w awangardowym obrazie centralnej XX. Nie jest przypadkiem, że Picasso nazwał siebie "Wnuk Cesanna".

Malowanie Cezanny trend rozbieżności między wartościami tworzyw sztucznych (wizualnych) a wartościami człowieka w rzeczywistości: pod względem wyszukiwania, była równa góra, jabłko, arlekin, palacz itp Cezann nie rozpoznał postaw artystycznych, które odłączyły się z własnymi. Nie miał najmniejszego zainteresowania sztuką japońską. Dekoracje, stylizacja, otwarty kolor, kontur, który zafascynował wielu swoich współczesnych, spowodował negatywną postawę. Podobnie jak "duch literacki" i genreizm, pod wpływem Cezanny, artysta "może uniknąć jego prawdziwego powołania - konkretnego badania natury". Nie podobał mu się, ani Gogen, ani Van Gogh, wydawał się nie zauważyć Tuluzy - Lotroida w ogóle.

Twórczość Toulouse-Lotrek ironicznie, ale także humanitarna. Nie "klapy marki", ale także nie przedstawia go jako pikantnego dania: jest również wykluczony przez poczucie przestrzegania, zaangażowania tego świata artysty - jest też jak oni, "ani gorzej, ani lepiej". Język artystyczny lottera jest nieodłączny: jasna charakterystyka obrazu, wyrażenie, ograniczający lakoniczność. Chętnie zaangażował się na rysowanie plakatu. Jego ozdobny prezent, wyrażenie Lapidar podniosło ten gatunek na wysokość prawdziwej sztuki. Wśród założycieli "Stosowanej grafiki" nowoczesnego miasta - plakatu, plakatów, reklamy - Lotrek należy do pierwszego miejsca.

W ciągu zaledwie pięciu lat pracy V. Van Gogh stworzył około 800 obrazów i niezliczonych figur; Większość z nich powstała w ciągu ostatnich dwóch lub trzech lat życia. Ta historia malarstwa nie wiedziała. Van Gogh przeciągnął inspirację Na tylko w idei impresjonizmu, ale także na japońskiej grawerowaniu, co pomogło mu opuścić naturalizm bardziej wyrazisty i wyraźny sposób. Stopniowo, kolor w jego obrazach staje się coraz bardziej odważny, a sposób jest bardziej wolny, energiczny, pomagając artystom, aby przenieść swoje uczucia na płótno. W przeciwieństwie do symboliści i P. Gogen, w których pracy wpłynął na symbolikę, Van Gogh nigdy nie napisał fikcyjnego świata: Po prostu nieinteresowała pisanie "nieprawdziwych stworzeń", jego obrazy zawsze miały solidne realistyczne podstawy. Wang Gogh pracował zawsze z natury, kilka płótnach, które napisał, po radach Gauguen, na memoriszu lub wyobraźni, były słabsze. "Wyraź siebie" dla Van Gogha, aby wyrazić uczucia, Duma, stowarzyszenia, urodzone, w tym widział i oglądał: ludzie, przyroda, rzeczy.

Nigdy nie opuścił Van Gogh intensywny szuka najwyższego poczucia życia Określ rzadkie połączenie dramatu i święta, które oznaczało jego dojrzałą kreatywność. Nazywany jest cierpiec zachwytem przed pięknem świata, wykonał kontrasty emocjonalne. Znajduje wyrażenie w malowniczym języku zbudowanym na kontrastowych kolorowych spółgłoskach i więcej niż kiedykolwiek ekspresyjne. Malownicza ręcznie Van Gogh pozwala wprowadzić bezpośredni kontakt z artystą, poczuć jego pasję i wysoki suszenie duszy. Przyczynia się to również do wysokiego tempa pracy - wieje szczotką, jak bat, kolorowe skrzepy, rozpowszechnianie zygzaków, brzmiąc jak łamanie wykrzykniku. Zdjęcia świadczą również o ostrych zmianach w nastroju artysty; Bycie osobą religijną, zauważył, że świat stworzony przez Boga jest tylko jego nieudaną etiudą.

• Cm:. Dmitrieva N. A. Krótka historia sztuki. M., 1993. Wydanie III. P. 55-56.
• Zobacz: Ibid. P. 83.

Impresjonizm w malarstwie

ŹRÓDŁA

Pojawienie się nazwy

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 r. W warsztacie fotografa Nadara. Było 30 artystów, tylko 165 prac. Canvas Monet - "Wrażenie. Wschodzące słońce " ( Wrażenie, Soleil Levant) Teraz w Muzeum Marmote, Paryż, napisany w 1872 r. Urodził się do terminu "Impresjonizm": mało znany dziennikarz Louisa Leraa w swoim artykule w magazynie "Le Charivari" wyraża jego zaniedbanie zwane "Impresjicyistów". Artyści, od wyzwania, zaakceptowali tę epithite, potem zabrał korzeń, stracił swoje oryginalne negatywne znaczenie i stał się aktywny.

Nazwa "Impresjonizm" jest dość nieumyty, w przeciwieństwie do nazwy "Szkoła Barżowska", gdzie przynajmniej istnieje wskazanie położenia geograficznego grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasności z niektórymi artystami, którzy formalnie nie są wliczone w kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki techniczne i fundusze są całkowicie "impresjonistyczne", Edward Mana, Eugene Budy itp.) Ponadto, techniczne środki impresjonistów były Znany na długo przed XIX w stuleciach i ich (częściowo, ograniczone), były używane jeszcze Titian i Velasquez, bez rezygnacji z dominującymi pomysłami ich Ery.

Był inny artykuł (autor emil Cardon) i inna nazwa - "Wystawa buntownika", absolutnie dezaprobata i potępiona. Dokładnie było to, jak dokładnie odtworzył depozytową postawę burżuazyjnej publiczności i krytykowania artystów (impresjonistów), które zdominowały lata. Impresjoniści natychmiast oskarżyli o niemoralność, buntownicze nastroje, niewypłacalność do szanowania. W tej chwili jest zaskakujące, ponieważ nie jest jasne, że niemoralne w scenerii Camille Pissarro, Alfred Sisley, sceny domowe Edgar Degas, wciąż życie Monet i Renuara.

Istnieją dziesięciolecia. A nowa generacja artystów przyjdzie do obecnego upadku form i zubovij zawartości. Wtedy krytyka i opinia publiczna, zobaczyła w skazanych impresjonistów - realistów, a trochę później i klasyki sztuki francuskiej.

Specyficzność filozofii impresjonizmu

Francuski impresjonizm nie podniósł problemów filozoficznych i nawet nie próbował przeniknąć na kolorowej powierzchni codziennego. Zamiast tego impresjonizm koncentruje się na powierzchowności, pędu momentu, nastroju, oświetlenia lub węgla wizualnego.

Podobnie jak sztuka renesansowa (odrodzenie), impresjonizm opiera się na osobliwościach i umiejętnościach perspektywy. Jednocześnie wizja renesansowa jest eksplodowana przez udowodnioną subiektywność i względność percepcji człowieka, która tworzy kolor i formę autonomicznych elementów obrazu. W przypadku impresjonizmu nie jest tak ważne, aby pokazano na rysunku, ale ważne jest, jak przedstawiono.

Ich obrazy były reprezentowane tylko przez pozytywne boki życia, bez wpływu na problemy społeczne, w tym takie jak głód, choroba, śmierć. To doprowadziła później do podziału wśród samych impresjonistów.

Zalety impresjonizmu

Korzyści z impresjonizmu jako przepływu odnosi się demokratyzmu. Według bezwładności, sztuki i XIX wieku uważano za monopolistów arystokratów, wyższe segmenty ludności. Wykonali głównych klientów na malarstwie, zabytki, to są one - głównymi nabywcami obrazów i rzeźb. Działki o trudnej pracy chłopów, tragicznych stron nowoczesności, haniebne boki wojen, ubóstwo, skondensowane zawirowania społeczne, nie zostały zatwierdzone, nie zostały zakupione. Krytyka bluźnierczego moralności społeczeństwa w obrazach Theodore Zhriko, Francois Mill znalazło recenzję wyłącznie od zwolenników artystów i kilku ekspertów.

Impresjonowaliści w tej kwestii zajmowali dość kompromisowe, pozycje pośrednie. Biblijne, literackie, mitologiczne, historyczne działki związane z oficjalnym akademicdy zostały odrzucone. Z drugiej strony zniszczyli rozpoznawanie, szacunek, nawet nagrody. Aktywność Eduar Man Mane jest orientacyjny, które lata osiągnęły uznanie i nagrody z oficjalnego salonu i jego administracji.

Zamiast tego była wizja życia codziennego i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub odpoczynku, przedstawił gatunek określonego miejsca z określonym oświetleniem, motywem ich pracy była również natura. Flirt działki zostały zrobione, tańczyć, przebywając w kawiarni i teatrze, łodzią spacery na plażach i ogrodach. Jeśli oceniasz zdjęcia impresjantów, życie jest obrotem małych wakacji, imprez, przyjemnych wypieków na zewnątrz miasta lub w przyjaznym środowisku (wiele obrazów Renua, Mana i Claude Monet). Impresjonowaliści niektórzy z pierwszych zaczęli rysować w powietrzu, bez modyfikowania ich pracy w warsztacie.

Technika

Nowy kurs wyróżnił się z malarstwa akademickiego zarówno w warunkach technicznych, jak i ideologicznych. Przede wszystkim Impresjonici porzucili kontur, zastępując go małymi oddzielnymi i kontrastującymi pociągnięciami, które narzucone zgodnie z teoriami koloru Chevreil, Helmholtz i Ore. Sunbeam jest podzielony na elementy: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest rodzaj niebieskiego, a następnie ich liczba jest zmniejszona do sześciu. Dwie farby położyły się w pobliżu wzajemnie i, przeciwnie, gdy mieszano, tracą intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na pierwotne lub podstawowe i podwójne lub pochodne, a każda podwójna farba jest dodatkowa do pierwszego:

• Niebieski - pomarańczowy
• czerwony zielony
• Żółty - fioletowy

Tak więc było możliwe, aby nie mieszać farb na palecie i uzyskać żądany kolor przez prawidłowe nałożenie ich na płótnie. To później stało się powodem nienormalnego.

Impresjonowani są następnie przestali koncentrować całą pracę na płótnach w warsztatach, teraz wolą Lata, gdzie jest wygodne, aby chwycić mruknące wrażenie z tego, co wydawało się, że możliwe było zamknięcie wynalazku do rurki stalowej, która, W przeciwieństwie do skórzanych toreb, może być zamknięta, aby farba nie była sucha.

Artyści stosowali także farby schroniste, które słabo tęsknią za światło i są nieodpowiednie do mieszania, ponieważ są szybko szare, pozwoliło im na tworzenie zdjęć nie z " wewnętrzny", ale " zewnętrzny»Światło odbite od powierzchni.

Różnice techniczne przyczyniły się do osiągnięcia innych celów, przede wszystkim impresjonici starali się złapać naśladujące wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym pacjencie, w zależności od oświetlenia i godziny, najwyższego przykładu wykonania cykli pokoju Monta "Stos sen", "Katedra Ruenana" i "Parlament Londynu".

Ogólnie rzecz biorąc, styl impresjonizmu pracował wielu mistrzów, ale podstawą ruchu był Eduar Grzywa, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederick Basil i Berta Morizo. Jednak Manne zawsze nazwał siebie "niezależnym artystą" i nigdy nie uczestniczył w wystawach, a Degi, chociaż uczestniczył, ale nigdy nie napisał swojej pracy na Plenicu.

Chronologia przez artystów

Impresyści

Wystawy

• Pierwsza wystawa (15 kwietnia - 15 maja)

• Druga wystawa (Kwiecień)

Adres: ul. Lepellet, 11 (Galeria Durane). Uczestnicy: Bazil (pośmiertnie, artysta zmarł w 1870 r.), Belior, Bureau, Debiuten, Degas, Kaojt, Calc, Dźwignia, Lepik, Lepik, Mille, Monet, Morizo, L.Ten, Pissarro, Renoir, Rouer, Sisley, Tillan, Francois.

• Trzecia wystawa (Kwiecień)

Adres: ul. Lepellet, 6. Uczestnicy: Guillaumen, Degas, Kaojt, Calk, Corte, Dźwignia, Lyami, Monet, Morizo, Moro, Piett, Pisserro, Renoir, Rouer, Cezanne, Sisny, Tilla, Francois.

• Czwarta wystawa (10 kwietnia - 11 maja)

Adres: Avenue Opera, 28. Uczestnicy: Weekend, pani Praemon, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaojt, Calc, Cassat, Leger, Monet, Piett, Pissarro, Rouer, Somm, Tilla, Forew.

• Piąta wystawa (1 kwietnia - 30 kwietnia)

Adres: ul. Piramidy, 10. Uczestnicy: Weekend, pani Praemon, Vidal, Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaojt, Cassat, Lebour, Dźwignia, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tillan, Forene.

• Szósta wystawa (2 kwietnia - 1 maja)

Adres: Kapuchin Boulevard, 35 (Atelier Fotograf Nadar). Uczestnicy: Vidal, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassat, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tilla, Forene.

• Siódma wystawa (Marsz )

Adres: Foburg-Sent-Onorov, 251 (U Dura-Ruyel). Uczestnicy: Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Kaibott, Monet, Morizo, Pisserro, Renoir, Sisley.

• Ósma wystawa (15 maja - 15 czerwca)

Adres: ul. Luffitt, 1. Uczestnicy: Pani Pambone, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Kaseta, Morizo, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouer, Syra, Signc, Tilla, Foreland, Shiffenecner.

Impresjonizm w literaturze.

W literaturze impresjonizm nie działał jako osobny kierunek, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizm i symbolikę.

Przede wszystkim charakteryzuje się wyrazem prywatnego wrażenia autora, odmowa obiektywnego obrazu rzeczywistości, wizerunku każdej chwili, co miało wiązać się z brakiem działki, historii i wymiany myśli według percepcji, i powód - instynkt. Główne cechy stylu impresjonistycznego sformułowały bracia Gangur w swojej pracy "Diary", gdzie słynna fraza " Zobacz, czuć, wyrażaj - to jest sztuka"Stało się centralną pozycją dla wielu pisarzy.

W naturalizmu główną zasadą była prawdziwość, lojalność natury, ale jest pod wrażeniem, a zatem pojawienie się rzeczywistości zależy od każdej indywidualnej osobowości i jej temperamentu. Jest on najbardziej wyrażony w powieściach Emila Zol, szczegółowych opisów zapachów, dźwięków i postrzegania wizualnych.

Symbolizm, wręcz przeciwnie zażądał odmowy świata materialnego i powrócić do ideału, jednak przejście jest możliwe tylko poprzez mruknące wrażenia, ujawniając tajną istotę w widocznych rzeczach. Żywy przykład poetyckiego impresjonizmu jest zbiorem dziedzin Vilna "Romanse bez słów" (). W Rosji efekt impresjonizmu był doświadczony przez Konstantin Balmont i Innocent Annensky.

Również te uczucia dotknięte dramatem (dramatem impresjonistycznym), pasywne postrzeganie świata atakuje sztukę, analizę nastrojów, państw psychicznych, całą kompozycję rozpada się rzędu scen wypełnionych liryzmem, a fragmenty mimoletowe są skoncentrowane w oknach dialogowych . Dramat staje się jednym aktem, przeznaczony do intymnych teatrów. Znaki te znalazły całkowitą refleksję w dziełach Arthura Schnitzera.

Impresjonizm w muzyce

Impresjonizm muzyczny był jedną z prądów muzycznych nowoczesnych. Charakteryzuje się przeniesieniem mrocznych wrażeń, nastrojów, subtelnych niuansów psychologicznych.

Założycielem impresjonizmu w muzyce jest francuski kompozytor ERIC SATI, opublikowany w 1886 r. "Trzy melodie", aw 1887 r. - "Trzy sarabands" przeprowadza wszystkie główne cechy nowego stylu. Pogrubione otwory Erica Sati pięć i dziesięć lat później zostały odebrane i opracowane przez dwóch przyjaciół, najzdolniejszych przedstawicieli impresjonizmu, Claude Debussy i Maurice Ravey.

Literatura

• Jean-Paul Cellrel. Casualowe życie impresjonistów 1863-1883, Moskwa "Młoda straż",
• Maurice Sororural i Artlete Serilla. Encyklopedia Impresjonizm, Moskwa "Republic",
• "Impresjonizm", Brodskaya.n.n. St. Petersburg, Aurora, 2002 (254 stron, 269 Il., 7 auth. Arkusze tekstowe)

Spinki do mankietów

• Impresjonizm, N.V. KRODSKAYA, ED.AHRORA 2010

Impresjonizm
Przedstawiciele
Amerykański impresjonizm
Kolekcjonerów.
Muzea
Inny

Fundacja Wikimedia. 2010.

franz.-wrażenie): kierunek artystyczny wynikający we Francji w latach 60. - 70. 19 V. i otrzymał najbardziej żywy przykład wykonania w maszynie do sztuki. Impresjonowaliści opracowali nowe malownicze techniki - kolorowe cienie, kolory mieszające, fragmentarzysty smak, a także rozkład złożonych odcieni na czystych tonach (nakładanie je na płótnie z indywidualnymi rozmazami generowały ich optyczne mieszanie w oczach widza). Starali się przekazać piękno ulotnych stanów natury, zmienności i mobilności otaczającego życia. Techniki te pomogły przenieść uczucie musującego światła słonecznego, wibracji światła i powietrza, stworzyło wrażenie święta bycia, harmonii świata. W innych typach sztuki stosowano techniki impresjonistyczne. W muzyce, na przykład przyczynili się do przeniesienia najbardziej subtelnych ruchów psychicznych i przelotnych nastrojów.

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓

Impresjonizm

z Franza. Wrażenie to wrażenie) kierunek w sztuce, który pojawił się we Francji w ostatniej trzeciej części XIX wieku. Główni przedstawiciele i.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camill Pissarro, Alfred Sisley, Berta Morizo, a także Adukent Mae, Edgar Dega i innych artystów. Rozwój nowego stylu I. Odbył się w latach 60-70., a po raz pierwszy jako nowy kierunek, przeciwstawiając się salonie akademickim, impresjoniści zadeklarowali się na pierwszej wystawie w 1874 roku. W szczególności obraz wrażenia K.Mona ". Soleil Levant "(1872). Oficjalna krytyka artystyczna negatywnie zareagowała na nowy kierunek, aw kulacji "Ongoretal" jego przedstawicieli "impresjoniści", przypominając o szczególnie denerwującym obrazie Monet. Jednak nazwa odzwierciedla istotę kierunku, a jej narzędzia przyjęły go jako oficjalne oznaczenie ich metody. Jako holistyczny kierunek I. istniał przez długi czas - od 1874 do 1886 r., Kiedy organizowane przez impresjoniści mają 8 wspólnych wystaw. Oficjalne uznanie tych samych koneserów sztuki i krytyki artystycznej przyszedł znacznie później - tylko w połowie lat 90-tych. I. Pod warunkiem, że najwyraźniej stało się w następnym stuleciu, ogromny wpływ na cały późniejszy rozwój sztuki dziełowej (i kultury artystycznej jako całości). W rzeczywistości rozpoczęła się zasadniczo nowy etap kultury fikcyjnej, która doprowadziła w SER. Hchw. Do kultury (patrz: post-), \u200b\u200btj. Do przejścia kultury do pewnej fundamentalnej innej jakości. O.Shpengler, który rozprzestrzenił koncepcję I. do kultury, uważał go za jeden z typowych oznak "Zachód słońca Europy", to znaczy zniszczenie integralności światopoglądu, zniszczenie tradycyjnie ustalonej kultury europejskiej. Wręcz przeciwnie, awangardowi (patrz: Avangard) rozpoczął XX wieku. Widzieliśmy w I. Jego FORRUNNER, który otworzył nowe horyzonty przed sztuką, która uwolniła go przed niezwykle wyrafinowanymi zadaniami, od dogmatów pozytywizmu, akademicdy, realizmu itp., Dzięki której nie można się nie zgodzić. Sami impresjonistów, takich jak czyste malarze, nie myślą o tak globalnym znaczeniu ich eksperymentu. Nie dążą nawet do specjalnej rewolucji w sztuce. Właśnie widzieli świat otaczający je nieco inaczej niż widział swoich oficjalnych przedstawicieli salonu, i próbowali skonsolidować tę wizję czysto malownicze środków. Jednocześnie polegają na artystycznych znalezisk swoich poprzedników - przede wszystkim francuskim malarzami XIX wieku. Delakroix, Coro, Kourbe, BarbizonDev. Na K. Monet, który odwiedził Londyn w 1871 roku, praca została wykonana przez pracę W.Ternera. Ponadto samych samych impresjonistów nazywają swoich poprzedników i francuskich klasycystów z Poussin, Lorrena, Sharden i japońskiego grawerowania kolorów XVIII wieku, a historycy sztuki widzą cechy bliskość impresjonistów i angielskich artystów T.geensboro i J. Konstable, nie wspominając o .tener. Impresjonowani absolteresowniają wiele malowniczych technik tych bardzo różnych artystów i stworzyli holistyczny system stylu na tej podstawie. W antyaukóści Impresjonici odmówili specyfika tematycznego (filozoficznego, moralnego, religijnego, społeczno-politycznego itp) sztuki, od przemyślanego, z wyprzedzeniem o znaczących i wyraźnie wyciągniętych kompozycjach z działki, tj. Zaczął walczyć z "rynkiem literackim "W malarstwie, koncentrując główną uwagę na specjalnie malowniczym środku - na kolor i światło; Wyszli z warsztatów w koleżerze, gdzie szukali jednej sesji, aby rozpocząć i pracować w konkretnej pracy; Porzucili ciemne kwiaty i skomplikowane dźwięki (ziemisty, "asfalt" kwiaty), charakterystyczne dla sztuki nowego czasu, zamieścić jasne kolory (paleta z nich była ograniczona do 7-8 farb), układana na płótnie często oddzielona Uderzenia, świadomie licząc na ich mieszanie optyczne już w psychice widza, co osiągnął efekt specjalnej świeżości i natychmiastowej; Po delakroe opanowali i absolowali cień koloru, gra kolorowych odruchów na różnych powierzchniach; Dematerializował temat widocznego świata, rozpuszczenie go w środowisku lekkim powietrzu, który był głównym tematem ich uwagi jako czystych malarzy; Faktycznie porzucili podejście gatunkowe w sztukach wizualnych, koncentrując się na malowniczym przeniesieniu ich subiektywnego wrażenia na szansę losowo widzianego fragmentu rzeczywistości - częściej krajobraz (jak Monet, Sisley, Pissarro), mniej często wykreślić sceny (jak Renua, Dega). Jednocześnie starali się częściej przekazać wrażenie, z niemal iluzjonistą dokładnością dopasowania kolorowej atmosfery powietrza przedstawionego fragmentu i momentu widocznej rzeczywistości. Wypadek kąt widzenia na artystyczną wizję fragmentu przyrody, dbałość o malownicze środowisko, a nie podlegającego obiektowi, często podawano pogrubione rozwiązania kompozytowe, ostre nieoczekiwane kąty widzenia, cięcia, aktywujące postrzeganie postrzegania Przeglądarka itp. Efekty, z których wiele zostało wykorzystywane przez przedstawicieli różnych awangardowych. I. stał się jednym z kierunków "czystej sztuki" w Tryce. Xihv., Których przedstawiciele głównego w sztuce uważali za jego artystyczną i estetyczną zasadę. Impresjoniści doświadczyli piękna światła-kolorowego środowiska świata materialnego ze słowami i próbowali prawie z dokładnością dokumentalną (są one czasami oskarżone o naturalizm, co jest trudno uzasadnione), aby uchwycić go na swoich płótnach. W malarstwie są rodzajem optymistycznymi panteistami, najnowszymi śpiewakami nieostrożnej radości ziemskiej, płyt słonecznych. Jako Neo-Simpresjonista P. Sigak został napisany z podziwem, mają "światło słoneczne powodzi całego obrazu; Powietrze w nim kołki, lekkie otoczki, pieszczoty, rozprasza kształt, wnikają wszędzie, nawet w obszarze cienia. " Funkcje stylu I. W malarstwie, zwłaszcza pragnieniem wyrafinowanego artystycznego wizerunku przelotowych wrażeń, główny szkic, świeżość bezpośredniej percepcji itp. Okazało się, że są blisko i przedstawiciele innych rodzajów sztuki czasu, które doprowadziły do \u200b\u200brozprzestrzeniania się tej koncepcji na literaturze, poezji, muzyce. Jednak w tych typach sztuki nie było specjalnego kierunku I., chociaż wiele jego funkcji znajduje się w dziełach wielu pisarzy i kompozytorów ostatniej trzeciej XIH. XX wiek Takie elementy impresjonistycznego estetyki jako rozmyte formularza, utrwalenie uwagi na jasne, ale losowe detale flotingowe, niedrogie, mgliste wskazówki itp., Nieodłączne w kreatywności G. De Moopassana, AP. Czechowa, wczesne T.mann, Poezja R.- M. Rileka, ale szczególnie - bracia zh. I E. Gekrur, przedstawiciele tak zwanych "psychologicznych i\u003e częściowo - K. Gamsun. Techniki impresjoniczne opierały się, zasadniczo rozwijając je, m.Prust i pisarzy "przepływu świadomości". W muzyce, francuskich kompozytorów K. Trydsevi, M. Iravel, P. Dyuk i kilka innych, którzy korzystali z stylu i estetyki I. W swojej pracy rozważ impresjonistów. Ich muzyka jest wypełniona natychmiastowymi doświadczeniami piękna i lirykty krajobrazu, prawie naśladując grę fal morskich lub szelestem liści, świszczącego uroku starożytnych mitologicznych działek, radość chwilowego życia, duchowość Ziemskie istnienie, ciesząc się niekończącymi się przepełnieniami dźwięku. Podobnie jak malarzy, rozmazują wiele tradycyjnych gatunków muzycznych, wypełniając je inną treścią, wzmacniają uwagę na czysto estetyczne skutki języka muzycznego, znacznie wzbogacając palety ekspresyjnych i wizualnych mediów. "Notywa to przede wszystkim" Muzykolog I. pisze V.Nestev, - do sfery harmonii ze swoją techniką równoległości i kapryśne ryzyko nierozwiązanych kolorowych spotów konsoniance. Impresjonici znacząco rozszerzyli nowoczesny system tonalny, otwierając drogę do wielu harmonijnych innowacji XX wieku. (Chociaż został zauważalnie osłabiony przez jasność stosunków funkcjonalnych). Powikłanie i obrzęk CHORD Compleels (Nonaksord, UncoCorcords, Quarters) są połączone z uproszczeniem, archeizacją myślenia Lade (naturalne wolności, pentatoniczne, kompleksy sensowe). W orkiestrzeni, kompozytors-impresyści przeważają czyste farby, kapryśny blask; Solo z drewnianych wiatrów często stosuje się, przejście harfy, kompleksowy ciąg Divisi, efekty Con Sordino. Typowe i czysto dekoracyjne, równomierne stroje płynkowe. Rytmika poza Sybka i nieuchwytna. Brak zaokrąglonych konstrukcji są charakterystyczne dla melodii, ale krótkich ekspresyjnych symboli fraz, prostota motywów. Jednocześnie znaczenie każdego dźwięku, barw, Chord, nieskończone możliwości rozbudowy Lady ujawniły niezwykle w muzyce impresjonistów. Specjalna świeżość muzyki impresjonistów dała częste odwołanie się do gatunków tańca piosenek, subtelną realizację Lyady, rytmicznych elementów zapożyczonych w folklorowi narodów Wschodu, Hiszpanii, we wczesnych formach Negro Jazz "(Muzyka Encyklopedia. T. 2, M., 1974. STB. 507). Uwzględniając uwagę artysty artysty na reflektor i koncentrując się na hedonistycznej funkcji sztuki, I. ujawnił nowe perspektywy i możliwości przed kulturą artystyczną, którą skorzystała (a nawet czasem nadmiernie) w XX wieku. Oświetlone: \u200b\u200bVenturi L. od Many do Lotter. M., 1938; Revalad J. Historia impresjonizmu. L.-M., 1959; Impresjonizm. Litery artystów. L., 1969; SerallZ M. Encyclopedie de LimpressionNisme. P., 1977; Montieret S. LimpressionNisme et Son Epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Lipsk. 1957. L.B.

ks. Wrażenie to wrażenie) - kierunek w dziedzinie ostatniej trzeciej trzeciej XIX - NCH. XX wieku, których przedstawiciele zaczęli pisać krajobrazy i sceny gatunkowe bezpośrednio z natury, starając się być bardzo czyste i intensywne farby do przekazywania blasku słońca, wiatru, wiesząc trawę, tłum miejski. Impresjoniści szukali najbardziej naturalne i niepotrzebne, aby uchwycić prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, przenieść swoje przelotne wrażenia.

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓

IMPRESJONIZM

franz. ImpressionNisme, z wrażenia - wrażenie), kierunek w sztuce Con. 1860 - NCH. 1880. Najbardziej jasno objawiony obraz. Wiodący przedstawiciele: K. Monte, O. Renoir, K. Piserro, A. Guillaomen, B. Morizo, M. Kassat, A. Sisley, Kaibott i J. F. Bazil. Wraz z nimi, E. Mane'a i E. Degi są stawiane, chociaż styl ich prac nie może być nazywany całkowicie impresjonistym. Nazwa "Impresjonici" została zakorzeniona za grupą młodych artystów po pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itp.), Co spowodowało gwałtowne zaburzenie społeczeństwa i krytyków. Jeden z zdjęć przedstawionych przez K. Monte (1872) nazywano "wrażeniem. Wschód słońca "(" Wrażenie. Soleil Levant "), a recenzent w kpiny o nazwie artystów" Wrażenia "-" wrażeniem ". Malarze działali na podstawie tego tytułu na trzeciej wspólnej wystawie (1877). Jednocześnie zaczęli produkować magazyn "Impresjonistę", z których każda liczba była poświęcona pracy jednego z uczestników Grupy.

Impresjoniści starali się uchwycić świat wokół niego w swojej stałej zmienności, płynności, bezstronnie wyrażają swoje natychmiastowe wrażenia. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryć optyki i teorii kolorów (spektralna rozkład wiązki słonecznej na siedmiu kolorach tęczy); W tym, był spółgłoskiem z duchem analizy naukowej charakterystyki Con. 19 wiek Jednak same impresjonistów nie próbowali określić teoretycznych podstaw swojej sztuki, nalegając na elementarność, intuicyjną kreatywność artysty. Artystyczne zasady impresjonistów nie były jednolite. Monte napisał krajobrazy tylko w bezpośrednim kontakcie z naturą, na zewnątrz (na pleniach), a nawet zbudował warsztaty w łodzi. Degas pracował w warsztacie na temat wspomnień lub używających zdjęć. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych przepływów radykalnych, artyści nie wykraczali poza renesansowy systemowy system przestrzenny na podstawie korzystania z perspektywy bezpośredniej. Są mocno przyklejone do metody pracy z naturą, która została wzniesiona przez nich do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się "napisać to, co widzisz" i "jak widzisz". Spójne stosowanie tej metody doprowadziło do transformacji wszystkich podstaw ustalonego scenicznego systemu: zapalenie kolorów, kompozycji, konstrukcji przestrzennej. Clean Farby stosowano na płótnie z małymi oddzielnymi uderzeniami: wielokolorowe "punkty" leżały w pobliżu, mieszając w kolorowym widowce nie na palecie, a nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli bezprecedensową soniczność smaku, bezprecedensowy bogactwo odcieni. Rozmaz stał się niezależnym środkiem ekspresyjności, napełniając powierzchnię żywą migotliwą wibracje cząstek kolorów. Płótno porównano przez transfuzjące cenne kolory mozaiki. W dawnym malarstwie, czarnym, szarym, brązowym odcieniem przeważały; W płótnach impresjonistów farba jasno świeciła. Impresjonowani nie zastosowali lekkości do transmisji woluminów, porzucali ciemne cienie, cienie w ich obrazach były również kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe kolory (czerwony i zielony, żółty i fioletowy), co zwiększyło intensywność koloru koloru. W obrazach Monet farba była leniwy i rozpuszczony w promieniowaniu promieni słonecznych, lokalne kolory nabyły wiele odcieni.

Impresjoniści przedstawili świat na całym świecie w ruchu wiecznym, przejście z jednego stanu do drugiego. Zaczęli napisać serię obrazów, chcących pokazać, jak ten sam motyw różni się w zależności od pora dnia, oświetlenia, stanów pogodowych itp. (Cykli "Boulevard Montmartre" K. Pissarro, 1897; "Katedra Ruenana", 1893- 95, a "London Parlament", 1903-04, K. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie ruchu chmur (A. Sisley. "Luan w Saint-Mamma", 1882), gra jest blask słońca (O. Renoir ". Huśtawka", 1876), porywy wiatrowe (K. Monet. "Terrace in Saint Adres", 1866), Jets Rain (Kaibott. "Ier. Efekt deszczowy", 1875), spadający śnieg (K. Pisserro. "Opera Pass. Efekt śniegu", 1898), szybkie konie (E. Mana. Wyścigi w Lonzhan ", 1865).

Impresjoniści opracowali nowe zasady budowy kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu była porównana na platformie scenicznej, teraz przechwycone sceny przypominały migawkę, fotokatę. Wymyślony w 19 V. Zdjęcie miało znaczący wpływ na kompozycję obrazu impresjonistycznego, zwłaszcza w pracy E. DEGI, który sam był namiętnym fotografem, a według własnych słów, starał się złapać balerinę baleriny, zobaczyć je "jak gdyby Przez dziurkę od klucza, "gdy ich pozy, linie ciała naturalne, ekspresyjne i niezawodne. Tworzenie obrazów na świeżym powietrzu, pragnienie uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia wymuszonych artystów, aby przyspieszyć pracę, napisz "alla prima" (w jednym recepcji), bez wstępnych szkiców. Fragmentalność, "wypadek" kompozycji i dynamiczny sposób obrazowy stworzyły poczucie specjalnej świeżości na zdjęciach impresjonistów.

Ulubiony impresjonistyczny gatunek był krajobrazem; Portret przedstawił również rodzaj "krajobrazu twarzy" (O. Renoir ". Portret aktorki J. Samari", 1877). Ponadto artyści znacznie rozszerzyli krąg działek malarskich, skontaktowanie się z tematami, wcześniej uważane za niegodne uwagi: folk uroczystości, skoki, pikniki artystyczne Czechy, za kulisami teatrów itp. Jednak nie ma szczegółowej historii na ich obrazach; Życie ludzkie rozpuszcza się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjonici napisali imprezy, ale sentyment, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucili tematy historyczne i literackie, uniknął przedstawienia dramatycznych, ciemnych stron życia (wojna, katastrofa itp.). Starali się uwolnić sztukę z realizacji zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku oceny przedstawionych zjawisk. Artyści zakwestionowali piękno świata, w stanie zamienić najbardziej krajowy motyw (naprawa pokoju, szarej mgły w Londynie, dym lokomotyw parowych itp.) Do czarującego spektaklu (Kaibott. "Parquetters", 1875; K. Monet . "Stacja Saint-Lazar", 1877).

W 1886 r. Nastąpiła ostatnia wystawa impresjonistów (O. Renoir i K. Monet uczestniczył w nim). W tym czasie odkryto znaczące różnice między członkami grupy. Możliwości metody impresjonizmu zostały wyczerpane, a każdy z artystów zaczął szukać własnego sposobu sztuki.

Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza była zjawiskiem głównie sztuki francuskiej, ale praca impresjonistów miała wpływ na całe europejskie malarstwo. Pragnienie zaktualizowania języka artystycznego, zła kolorowej palety, ekspozycji technik obrazowania, od teraz mocno wszedł do arsenału artystów. W innych krajach J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Cornint (Niemcy), H. Srima (Hiszpania) znajdowały się w pobliżu impresjonizmu. Wpływ impresjonizmu był doświadczony przez wielu rosyjskich artystów (V. A. Serowa, K. A. Korovin, I. E. Grabar itp.).

Oprócz malowania, impresjonizm został wykonany w pracy niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Roden we Francji, M. Rosso we Włoszech, PP Trubetskoy w Rosji) w żywym wolnym modelowaniu miękkich form, które tworzy kompleks gra światła na powierzchni materiału i poczucia niekompletności pracy; W pozycjach zdobył moment ruchu, rozwoju. W muzyce bliskość impresjonizmu jest odkryta przez prace K. Debussy ("żagle", "mgła", "Refleksje w wodzie" itp.).

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓