Znani malowidła gatunków rosyjskich artystów z nazwami. Jakie są główne gatunki malarskie, które znasz
Przeczytaj także.
Wśród rosyjskich artystów istnieje wiele utalentowanych osobistości. Ich kreatywność jest bardzo ceniona na całym świecie i sprawia, że \u200b\u200bwarstwą konkurencję dla takich światowych mistrzów jako Rubens, Michałaangelo, Van Gogha i Picasso. W tym artykule zebraliśmy 10 najsłynniejszych rosyjskich artystów.
1. Ivan Aivazovsky.
Ivan Aivazovsky jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów. Urodził się w Feodozji. Od dzieciństwa Aivazovsky pokazał swoje niesamowite umiejętności twórcze: Uwielbiał się rysować i nauczył się gry na skrzypcach.
W wieku 12 lat młody talent zaczął studiować w Symferopolu w Akademii Malarstwa. Tutaj nauczył się kopiować ryciny i pisać zdjęcia z natury. Rok później udało mu się wejść do Akademii Imperial Petersburg, choć nie osiągnęła wieku 14 lat.
Przez długi czas artysta podróżował w Europie i mieszkał we Włoszech, gdzie jego obrazy zostały również rozpoznawane w godności. Tak więc młody artysta zeodozji stał się raczej znanym i bogatym człowiekiem.
Później Aivazovsky wrócił do ojczyzny, gdzie otrzymał mundur Ministerstwa Morskiego i tytułu akademika. Również artysta odwiedził Egipt i uczestniczył, gdy otworzył się nowy kanał Suez. Artysta opisał wszystkie jego wrażenia w obrazach. W tym czasie opracował już swój wyjątkowy styl i możliwość pisać w pamięci. Wyrafinowane elementy Aivazovsky zwróciły się do notebooka, aby przenieść je później na płótno. Na całym świecie przyniósł obrazy "Odessa", "dziewiąta Val" i "Morze Czarne".
Ostatnie lata życia artysta spędził w Feodozji, gdzie zbudował dom w stylu włoskim. Nieco później Aivazovsky przywiązał do niego małą galerię, aby wszyscy mogli swobodnie cieszyć się swoimi niesamowitymi obrazami i utopić się w oceanie farb. Dziś, ta rezydencja, wszystko służy również jako muzeum, a wielu gości przychodzi codziennie tutaj, aby zobaczyć mistrzostwo marinistę, która żyła długie i szczęśliwe życie.
2. Victor Vasnetsov.
Kontynuuje listę najsłynniejszych rosyjskich artystów Viktor Vasnetsov. Urodził się wiosną 1848 roku w rodzinie kapłana w małej wiosce Lopyal. Pchnięcie do malowania obudziło się na niego w bardzo wczesnym wieku, ale rodzice nie mogli dać mu właściwej edukacji z powodu braku pieniędzy. Dlatego w wieku 10 lat Victor zaczął studiować w wolnym duchowym seminarium.
W 1866 r. Prawie bez pieniędzy poszedł do Petersburga. Vasnetsov łatwo poradził sobie z egzaminem wejściowym i wszedł do Akademii Sztuki. Tutaj jego przyjaźń zaczęła się od słynnego artystki repin, z którą później poszedł do Paryża. Po powrocie do Petersburga Vasnetsov zaczyna pisać swoje najsłynniejsze obrazy: "Trzech bohaterów", "Snow Maiden" i "Boga Savaof".
Artysta był w stanie w pełni ujawnić swój talent dopiero po przeprowadzce do Moskwy. Tutaj jest przytulny i wygodny, a każdy kolejny obraz jest lepszy niż poprzedni. Była w Moskwie, że Vasnetsov napisał takie obrazy jako "Alonyushka", "Ivan Tsarevich i Grey Wilk" i "Nestor Chronicler".
3. Karl Bulllov.
Ten słynny rosyjski artysta urodził się w 1799 roku. Ojciec Carl był znanym malarzem i profesorem Akademii Sztuki św. Petersburga. Dlatego los chłopca został z góry określony z góry. Na szczęście Carlo Bhorryov zdołał odziedziczyć od ojca talentu artysty.
Badanie było bardzo łatwe dla młodego artysty. Ma wiele razy lepszych od reszty uczniów w swojej klasie i ukończył Akademię Sztuki z wyróżnieniem. Następnie Karl poszedł podróżować po Europie, zatrzymał się tylko we Włoszech przez długi czas. Było tutaj, że stworzył swoje arcydzieło - "Ostatni dzień Pompeii", wydatkowania na pisanie przez około sześć lat.
Po powrocie do Petersburga Charles Bryullov czekał na sławę i chwałę. Cieszył się, widząc wszędzie i na pewno podziwiał go z nowymi zdjęciami. W tym okresie artysta tworzy kilka nieśmiertelnych tkanin: "Jeźdźca", "Osad Pskov", "Narcyz" i innych.
4. Ivan Shishkin.
Ivan Shishkin jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów krajobrazowych, którzy mogli przedstawić każdy niepozorny krajobraz w swoich obrazach. Wydaje się, że sama natura gra na płótnach tego artysty z żyjącymi farbami.
Ivan Shishkin urodził się w 1832 roku w Elapiegu, który dziś dotyczy Tatarstanu. Ojciec chciał, aby syn wziął stanowisko urzędnika miejskiego z czasem, ale Ivan został namalowany. W wieku 20 lat poszedł do Moskwy, aby studiować malarstwo. Po udanym zakończeniu Moskwy Szkoły Sztuki Shishkin wszedł do Imperial Academy w Petersburgu.
Później podróżował przez długi czas w Europie, szkicując niesamowite krajobrazy. W tym czasie stworzył zdjęcie "widoku w pobliżu Düsseldorf", który przyniósł mu ogromną chwałę. Po powrocie do Rosji Shishkin nadal robi podwójną energią. Według niego rosyjska natura jest kilkaset razy wyższa niż europejskie krajobrazy.
Ivan Shishkin na jego życie napisał wiele oszałamiających obrazów: "Rano w sosnowym lesie", "pierwszy śnieg", "las sosnowy" i innych. Nawet śmierć wybuchu tego malarza tuż za sztalugą.
5. Izaak Levitan.
Ten wspaniały rosyjski mistrz krajobrazów urodził się na Litwie, ale całe życie mieszkało w Rosji. Wielokrotnie, jego żydowskie pochodzenie spowodowało mu wiele upokorzenia, ale nie uczynił go obrażającym tym krajem, który uwielbiał i chwalony w jego obrazach.
Już pierwsze krajobrazy Levitan otrzymały wysokie szacunki Perowa i Savrasova, a sam Tetyakow kupił nawet zdjęcie "Jesiennego Dnia w Sokolnikach". Ale w 1879 roku Isaac Levitan, wraz ze wszystkimi Żydami, wystawą z Moskwy. Tylko ogromne wysiłki przyjaciół i nauczycieli, które udało mu wrócić do miasta.
W latach 80. artysta napisał wiele oszałamiających obrazów, które sprawiły, że jest bardzo znany. Były to "sosny", "jesień" i "pierwszy śnieg". Ale następny upokorzenie zmusił autora ponownie opuścić Moskwę i idzie na Krym. Na półwyspie artysta pisze szereg niesamowitych prac i znacznie poprawia kondycję finansową. To pozwala mu podróżować w Europie i zapoznać się z dziełem światowych mistrzów. Wierzchołek kreatywności Levitana stał się jego obrazem "nad wiecznym regionem".
6. Wasily tropinin.
Niesamowity los był jednym z Wielkiej Rosyjskiej Pościel-Portret Wasilii Tropinin. Urodził się w rodzinie twierdzy Count Markov w 1780 r. I tylko w wieku 47 lat otrzymał prawo do bycia wolną osobą. Jako dziecko zaobserwowano tendencję do rysowania, ale liczba dała go studiować go. Później nadal jest podawany do Akademii Cesarskiej, gdzie manifestuje swój talent w całym pięknie. Na jego portrety "La View" i "Żebrak Old Man" Vasile Tropinin otrzymał tytuł akademika.
7. Petrov-Vodkin Kuzma
Bogate dziedzictwo w świecie malarskim udało się opuścić słynnego rosyjskiego artysty Petrov-Vienkkin. Urodził się w 1878 roku w Hurlask, a w swoich młodszych latach stanie się kolejką. Jednak los dokonał od niego światowej słynnego malarza.
8. Alexey Savrasov.
Obrazy tego rosyjskiego artysty były już dobrze sprzedawane, prawie miał 12 lat. Nieco później wszedł do Moskwy Szkoły Malarstwa i natychmiast stał się jednym z najlepszych uczniów. Wycieczka na Ukrainę pomogła Savrasovowi przed harmonogramem, aby ukończyć szkołę i uzyskać tytuł artysty.
Zdjęcia "Kamień w lesie" i "Moskwa Kreml" z tego malarza akademika o 24 latach! Młody talent jest zainteresowany rodziną królewską, a sam Tretyakow kupuje wiele swoich prac na Międzynarodowych wystawach. Wśród nich byli "zima", "Graci flew", "Rasolota" i innych.
Śmierć dwóch córek i kolejnego rozwodu silnie wpływa na Savrasov. Dużo pije i wkrótce umiera w szpitalu dla ubogich.
9. Andrei Rublev.
Andrei Rublev to najbardziej znany rosyjski malarz ikony. Urodził się w XV wieku i pozostawił duże dziedzictwo w formie ikony "Trójcy", "Zwiastowanie", "Chrzest Pana". Andrei Rublev wraz z Danielem Czarnym ozdobionym freskami Wiele świątyń i napisał ikony ikonostasis.
10. Mikhail Vrubel.
Uzupełnia naszą listę najbardziej znanych rosyjskich artystów Michaił Vrubel, który za jego życie stworzył wiele arcydzieł w różnych tematach. Był zaangażowany w obraz świątyni Kijowa, a później w Moskwie zaczął tworzyć słynną serię obrazów "Demonic". Kreatywne rzucanie tego artysty nie znalazło właściwego zrozumienia swoich współczesnych. Tylko kilka dziesięcioleci po śmierci Michaiła Vrubela, historycy sztuki dali mu, a Kościół zgodził się z jego interpretacjami imprez biblijnych.
Niestety, osobiste życie artysty było przyczyną rozwijania poważnej formy zaburzeń psychicznych. Ranking akademika wyprzedził go w domu na szalone, skąd nie był już oceniany. Niemniej jednak Michail Vrubel zdołał stworzyć wiele niesamowitych dzieł sztuki, które są godne prawdziwego podziwu. Wśród nich szczególnie warto podkreślić zdjęcia "Demon Sitting", "Tsarevna-Swan" i "Faust".
Dziś prezentujemy dwadzieścia obrazów, które są godne uwagi i uznawania. Obrazy te napisały znanych artystów, a nie tylko osoba, która pracuje jako sztuka powinna być znana, ale także łatwo śmiertelni ludzie, jak kołnierze sztuki nasze życie, estetyka pogłębia nasz widok na świat. Daj swojemu miejscu w swojej sztuce życia ...
1. "Ostatnia kolacja". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498
Monumentalny obraz Leonardo da Vinci, przedstawiający scenę ostatniej maniuremy Chrystusa ze swoimi uczniami. Utworzono w 1495-1498 w Monasterze Dominikanów Santa Maria Delle Grazie w Mediolanie.
Malarstwo zostało zamówione przez Leonardo jego patrona, księcia Lodovico Sforza i jego żony Beatrice D'Est. Herb malowane linii Sforza na obrazie, utworzonym przez sufit z trzema łukami. Obraz został uruchomiony w 1495 r. I został ukończony w 1498 r.; Praca poszła z przerwami. Początek pracy nie jest dokładny, ponieważ "Archiwum klasztoru zostały zniszczone, a nieznaczną częścią mamy dokumentów, z 1497 r., Kiedy obraz był prawie zakończony".
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: reprodukowana głębokość perspektyw zmieniła kierunek rozwoju malowania Zachodu.
Uważa się, że na tym zdjęciu wiele tajemnic i wskazówek jest ukrytych - na przykład, istnieje założenie, że wizerunek Jezusa i Judy jest odpisany od jednej osoby. Kiedy Da Vinci napisał zdjęcie, w jego wizji, Jezus uosadził dobry, podczas gdy Judasz był bardzo złem. A kiedy mistrz znalazł "jego Judasz" (pijak z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak służył jako kilka lat przed prototypem pisania wizerunku Jezusa. W ten sposób można powiedzieć, że obraz zdobył osobę w różnych okresach jego życia.
2. "Słoneczniki". Vincent Van Gogh, 1887
Nazwa dwóch cykli holenderskiego artysty Vincent Van Gogh. Pierwsza seria jest wykonywana w Paryżu w 1887 roku. Jest dedykowany do leżenia kolorów. Druga seria została zakończona w ciągu roku w Arle. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwie obrazy Paryskie nabyły przyjaciela Van Gogha Paul Gajn.
Artysta napisał słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy zostały stworzone w Paryżu w sierpniu - 1887 września. Duże kwiaty cięte kłamają jak jakiś wybitne stworzenia w naszych oczach.
3. "dziewiąta Val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi?, 1850.
Jednym z najsłynniejszych obrazów rosyjskiej marinistę artysty Ivan Aivazovsky trzyma się w Muzeum Rosji.
Malarz przedstawia morze po najsilniejszej burzy nocnej i ludziom, którzy cierpią wrak. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największym jest dziewiąte drzewo - gotowy do upadku na ludzi próbujących uciec na wrakie masztu.
Pomimo faktu, że statek został zniszczony i pozostał tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z elementami. Ciepłe dźwięki obrazu sprawiają, że morze nie są tak surowe i dają widzowi nadzieję, że ludzie zostaną zapisani.
Utworzono na zdjęciu 1850 "Dziewiąta Val" natychmiast stała się najbardziej znana ze wszystkich jego morskich i została nabyta przez Nikolai I.
4. "Mach Nude". Francisco Goya, 1797-1800.
Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goya, napisany około 1797-1800. Tworzy parę ze zdjęciem "Maja Vestida". Zdjęcia przedstawione MAHA - Hiszpańskie miasto i XIII-XIX stuleci, jeden z ulubionych obiektów obrazu artysty. "Mach jest nagie" jest jedną z wczesnych dzieł sztuki zachodniej przedstawiającej całkowicie naga kobieta bez silnych lub negatywnych konotacji.
5. "Latanie w miłości". Mark Chagall, 1914-1918.
Pracując na zdjęciu "nad miastem" rozpoczął się w 1914 roku, a ostatnie uderzenie Mistrza Mistrza było dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella od ukochanego odwróciła się nie tylko do uroczego małżonka, ale także matki ich córki IDIS, na zawsze staje się głównym maksimalnym malarzem. Związek bogatej córki biżuterii przestępczej i prostego żydowskiego młodego człowieka, którego ojciec zdobył życie, rozładunku śledzia, w przeciwnym razie nie zadzwonię do Melrealli, ale miłość była silniejsza i nakłada się na wszystkie konwencje. To ta miłość owinięta wokół nich, wznosząc się do nieba.
Karina przedstawia dwie miłości Shagal - Bella i Drogi Heart Vitebsk. Ulice są prezentowane w formie domów oddzielonych wysokim ciemnym ogrodzeniem. Niezwód, widz zauważą kozę, wypas po lewej stronie środka malarstwa, a prosty człowiek z haczyznymi spodniami w czołówce - Soufold z malarza, zerwając się z ogólnego kontekstu i romantyczny nastrój pracy, ale wszystko jest ...
6. "Twarz wojny". Salvador Dali, 1940.
Obraz hiszpańskiego artysty El Salvador Dali, napisany w 1940 roku.
Obraz został utworzony na drodze do Stanów Zjednoczonych. Wrażeniem tragedii przerwał na świecie, krwiożercy polityków, Mistrz zaczyna pracować na parowcu. Znajduje się w Muzeum Bumanza-Van Beningen w Rotterdamie.
Stracił wszystkie nadzieje na normalne życie w Europie, artysta z ukochanych paryskich liści do Ameryki. Wojna obejmuje stare światło i stara się uchwycić cały pozostały świat. Mistrz nadal nie wie, że pobyt w nowym świecie przez osiem lat sprawi, że będzie naprawdę znany, a jego pracą jest arcydzieła świata malarstwa.
7. "Creek". Edward Munk, 1893
"Creek" (Norv. Skrik) - stworzony w przedziale między 1893 a 1910 r. Seria obrazów norweskich artysta-ekspresjonista Edwarda Minki. Przedstawiają ludzką postać krzyczącą w rozpaczy na tle krwawego czerwonego nieba i niezwykle uogólnionego krajobrazu. W 1895 r. Munch stworzył litografię na tej samej działce.
Czerwony, ognisty gorący niebo zakrywał zimny fjord, który z kolei daje początek fantastycznego cienia, podobnego do północnego potwora. Stres zniekształca przestrzeń, linie pękły, kolory nie są spójne, perspektywa jest zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że \u200b\u200bfabuła obrazów jest owocem chorej fantazji osoby niezdrowej psychicznie. Ktoś widzi koncentrowanie katastrofy ekologicznej w pracy, ktoś rozwiązuje pytanie, o której mumia zainspirowała autora do tej pracy.
8. "Dziewczyna z perłą służą". Jan Vermeer, 1665
Zdjęć "Dziewczyna z Pearl Serving" (Notera ". Het Meisje Met De Parel") został napisany około 1665 roku. W tym czasie przechowywane jest w Muzeum Mauritzheis, Miasto Haga, Holandia i jest wizytą Muzeum. Obraz, który otrzymał pseudonimu Holenderskiej Mony Lisy lub Mona Lisa na północy, został napisany w gatunku Tronie.
Dzięki filmie Peter Webber's Film "z perłą służącą" 2003, ogromna liczba osób daleko od malarstwa, dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artysty Jan Vermeer, a także jego najsłynniejszy obraz "Dziewczyna z obsługą perłową".
9. "Babylonian Tower". Peter Bruegel, 1563
Słynny obraz artysty Peter Bruegel. Artysta stworzył co najmniej dwa zdjęcia na tej działce.
Obraz jest zlokalizowany - Muzeum Historii Sztuki, Wiednia.
Biblia ma historię o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby dostać się na niebo, ale Bóg zrobił tak, że rozmawiali w różnych językach, przestały się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. "Algierskie kobiety". Pablo Picasso, 1955
"Algierskie kobiety" - seria 15 płótnach, stworzonych przez Picassa w 1954-1955 na podstawie obrazu Ezhen Delacroix; Obrazy różnią się przydzielonym artystą z literałami od A do O. "Wersja o" została napisana 14 lutego 1955 r.; Przez chwilę należała do słynnego amerykańskiego montażu sztuki XX wieku Wiktor Gantse.
Wzór Pablo Picasso "Algierskie kobiety (wersja O)" została sprzedana za 180 milionów dolarów.
11. "Nowa planeta". Konstantin Jun, 1921
Rosyjski radziecki malarz, krajobraz mistrza, artysta teatralny, teorysta sztuki. Akademik AH ZSRR. Artysta ludzi ZSRR. Zwycięzca stalinowskiej premii pierwszego stopnia. WCP członków od 1951 roku.
Jest to niesamowite, stworzone w 1921 r. dekada XX wieku. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia po prostu pochodzącego społeczeństwa radzieckiego. Co teraz czeka na ludzkość? Świetlana przyszłość? Jeszcze nie był jeszcze myślał, ale fakt, że Radziecka Rosja i cały świat wchodzi w erę zmian oczywiście, a także szybkie narodziny nowej planety.
12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754
Obraz Rafaela, który od 1754 r. Jest w galerii starych mistrzów w Dreźnie. Należy do liczby ogólnie przyjętych wierzchołków wysokiego odrodzenia.
Ogromny rozmiar (265? 196 cm, rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezno) został stworzony przez Rafaela dla Ołtarza Kościoła Klasztoru Saint Sict w Piacenz przez rozkaz Julii II. Istnieje hipoteza, że \u200b\u200bobraz został napisany w 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad francuskim, którzy zostali najął w Lombardii podczas Wojennych Wojnych, a późniejsze włączenie Piace w regionie papieskim.
13. "Spacer Mary Magdalene". Titysta (Tiziano Titshevero), napisane około 1565 roku
Obraz, napisany w około 1565 roku przez włoskiego artysty Titshevero. Należy do stanu Ermitażu w St. Petersburgu. Czasami data tworzenia jest wskazana jako "1560).
Modelem obrazu był Julia Festin, uderzając w artystę z WOPS odlewaniem złotymi włosami. Gotowe płótno było pod wrażeniem księcia Gonzagu i postanowił zamówić kopię. Później Titian, zmieniając tło i pozytywność kobiety, napisał parę więcej takich prac.
14. "Mona Lisa". Leonardo da Vinci, 1503-1505
Portret pani Liza del Jocondo, (Ial. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - malowanie Leonardo da Vinci, położone w Luwrze (Paryż, Francja), jedna z najbardziej znanych dzieł malarstwa na świecie, która uważa się za portret Lisa Gerardiniego, małżonków kupiec Florentynia Francesco Del Jocondo, napisane około 1503 -1505.
Według jednej z rozszerzonych wersji "Mona Lisa" - autoportret artysty.
15. "Rano w sosnowym lesie", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.
Obraz rosyjskich artystów Ivan Shishkin i Konstantin Savitsky. Savitsky napisał niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paul Tryceakow poruszył podpis, więc obraz przez obraz często wskazuje.
Projektowanie obrazu sugerowano Shishkin Savitsky, który później występował jako współautor i przedstawił dane niedźwiedzia. Niesie te różnice w pozach i ilościach (pierwsze były ich dwa) pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Zwierzęta okazały się z Savitsky tak skutecznie, że nawet podpisał na zdjęciu wraz z Shishkinem.
16. "Nie czekał". Ilya Repin, 1884-1888.
Obraz rosyjskiego artysty Ilya Repin (1844-1930), napisany w 1884-1888. Jest częścią spotkania Państwowej Galerii Tretyakowskiej.
Obraz pokazany na wystawie mobilnej XII jest zawarte w cyklu narracyjnym poświęconych losie rosyjskiej populacji rewolucyjnej.
17. "Piłka w Moulin de la Gaette", Pierre Auguste Renoir, 1876.
Obraz napisany przez francuski artysta Pierre Auguste Renoir w 1876 roku.
Miejsce, w którym obraz jest Muzeum D'Ors. Moulin de la Galette to niedrogi cukinia na Montmartre, gdzie zebrali studenci i młodzież Paryż.
18. "Gwiazdowa noc". Vincent Van Gogh, 1889 lat.
De Sterrennacht. - Obraz w Holandii Vincent Van Gogh, napisany w czerwcu 1889, z widokiem na predestal niebo nad fikcyjnym miastem z wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy de Provence. Od 1941 r. Jest przechowywany w Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku. Jest uważany za jeden z najlepszych dzieł Van Gogha i jednej z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.
19. "Stworzenie Adama". Michelangelo, 1511.
Michelangelo Fresco, napisany około 1511 roku. Fresk jest czwarty dziewięciu centralnych kompozycji sufitu kaplicy Sicastine.
"Tworzenie Adama" jest jedną z najwybitniejszych kompozycji malowania kaplicy Sicstinijskiej. W nieskończonej przestrzeni, boga-ojciec leci, otoczony przez overcall aniołów, z decydującą białą tuniką. Prawa ręka jest rozciągnięta w kierunku dłoni Adama i prawie ją dotknąć. Ciało Adama leżącego na zielonym klifie stopniowo przychodzi w ruchu, budzi się do życia. Cała kompozycja koncentruje się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impulsowi, a dłoń Adama bierze ją, dając całe ciało istotnej energii. Fakt, że ich ręce nie stykają się, Michelangelo podkreślił niemożliwość munduru Boskiej i człowieka. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, a nie wspaniałą zasadą, ale gigantyczną energią twórczą. W formie Adama Michelangelo moc i piękno ludzkiego ciała gonią. W rzeczywistości sam stworzenie osoby pojawia się przed nami, a moment, w którym dostaje duszę, namiętną wyszukiwanie boskiej, pragnienia wiedzy.
20. "Kiss in the Star Sky". Gustav Klimt, 1905-1907.
Obraz Austriacki artysta Gustav Clima, napisany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu kreatywności Clima, zwanej "złotym", ostatnią pracą autora w jego "złotym okresie".
Na skale, na skraju polany kwiatowej, w Złotej Aure, są w sobie w pełni zatapialne, opuszczone z całego świata w miłości. Ze względu na niepewność miejsca tego, co się dzieje, wydaje się, że para przedstawiona na zdjęciu przechodzi poza czas i przestrzeń jest warunkiem kosmicznym, po drugiej stronie wszystkich stereotypów historycznych i społecznych i kataklizmów. Pełna prywatność i odwróciła twarz mężczyzny, podkreślając tylko wrażenie izolacji i przedłużenia w kierunku obserwatora.
Źródło - Wikipedia, Muzei-mira.com, Say-hi.me
Mówiąc o gatunku krajobrazu, nie jest niemożliwe, aby nie zwrócić się do pracy wielkich graczy krajobrazowych. Teraz trudno sobie wyobrazić, że dwieście lat temu, coś takiego jak krajobraz, jeszcze nie istniał. Tradycje malarstwa rosyjskiego krajobrazu zaczęły się tworzyć tylko pod koniec XVIII wieku. Wcześniej artyści zostali napisani pod wpływem włoskich i francuskich mistrzów, grawerowanie natury według akademickich przepisów budowlanych, uważane za obowiązkowe w malowaniu tego czasu.
Ogromny wkład w rozwój rosyjskiego krajobrazu wykonał partnerstwo wystaw mobilnych (mobilnych) pod kierownictwem I. N. Kramsky. Artyści ścigali piękno nieostrożnej natury rosyjskiej, łatwość wiejskich krajobrazów, ogromne przestrzenie Rosji.
Najwięksi mistrzowie krajobrazu:
- Alexey Kondratuvich Savrasov (1830-1897)
- Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)
Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898)
Sztuka I.I. Shishkin jest zaskakująco jasny i przejrzysty. Jego obrazy są hymnem dziką przyrodą, jej pięknem. Stworzył sztukę krajobrazową z gęstych iglaste, z nie-rocjonującym Razl, ze wszystkimi prostotą krajobrazu północnego.
W wieku 12 lat przy naleganiu ojca zdefiniowano w pierwszej gimnazjum Kazańskiej. Pełny kurs nie skończył. W 1852 r. Przeniósł się do Moskwy i wszedł do szkoły malarskiej, przerażającej i architektury. Tutaj A. N. Mokritsky stał się mentorem Shishkin. Po ukończeniu kursu zalecono utalentowany student, aby kontynuować edukację w Petersburgu w Akademii Sztuk. Jego nauka była prowadzona przez S. M. Vorobyova.
Nauczyciele natychmiast zauważyli tendencję Shishkin do malowania krajobrazu. Już w pierwszym roku pobytu w Akademii przyznano mały srebrny medal na "widok w okolicach St. Petersburga". W 1858 r. Artysta otrzymał duży srebrny medal na obraz "Widok na wyspę Valaama".
Sukcesy osiągane pozwoliły Shishkinowi, aby dokonać podróży zagranicznej jako stypendium Akademii. Podróż rozpoczęła się od Monachium (1861), gdzie Ivan Ivanovich uczestniczył w warsztatach popularnych artystów zwierząt B. i F. Adama. W 1863 roku Shishkin przeniósł się do Zurychu, a następnie do Genewy, Pradze, Düsseldorf. Squiroving dla ojczyzny, wrócił do Petersburga w 1866 r., Przed wygaśnięciem jego stypendiów.
W Rosji artysta otrzymał tytuł akademika (1865). Od tego czasu rozpoczął się najbardziej owocny okres malowania kreatywności. Zdjęcia "Dzwonienie lasu" (1867), "żyto" (1878), "Sosny oświetlone przez słońce" (1886), "rano w lesie sosnowym" (1889; Niedźwiedzie napisano przez K. a. Savitsky), "Ship Grove" (1898) i wielu innych.
Shishkin aktywnie pracował na pleniach, często podejmowany z artystycznym celem podróży w Rosji. Prawie rocznie wystawił swoje prace - najpierw w Akademii, a następnie, po założeniu partnerstwa wystaw mobilnych (1870), na tych wystawach.
Ivan Ilyich Levitan (1860-1900)
Urodzony 30 sierpnia 1860 r. W mieście litewskim Cybarciei w rodzinie żydowskiej. Ojciec był małych pracowników w zarządzaniu miejskim. Wkrótce po narodzinach najmłodszego syna rodzina przeniosła się do Moskwy. W wieku 13 lat Isaac wziął udział w Moskwie School of Malarstwa, przerażające i architektury, w klasie A. K. Savrasova i V. D. Polenova. Od samego początku Levitan zdobył lekcje i niestandardowe portrety. Genialny ukończył szkołę, ale z powodu pochodzenia otrzymał dyplom nauczyciela certyfikatu.
Pierwsze główne zdjęcie "cichej siedziby" napisał po podróży w 1890 roku na północy rosyjskiej. Płótno nabyte P. M. Tretyakow za jego galerię. W 1892 r. Artysta został zmuszony opuścić Moskwy, ponieważ Żydzi nie mogli pozostać w stolicach. Osadował w wiosce, położony wzdłuż traktatu Vladimir, zgodnie z którym Catzhan pojechał na Syberię. Artysta uchwycił te miejsca na zdjęciu "Vladimirk" (1892). W latach 90-tych. Levitan zrobił kolejną podróż, tym razem wzdłuż Wołgi. Był zdjęcie "świeżego wiatru. Wołga "(1891-1895). Zaostrzenie gruźlicy spowodowało odejście artysty za granicą, do Francji, a następnie do Włoch, choć kłopoty przyjaciół pomogły mu pozwolić na pomieścić w Moskwie.
Wracając do domu, od 1898 r. Levitan zaczął prowadzić klasę krajobrazu w szkole, który ukończył. Pogłosił swoje zdrowie, aw 1899 r. Artysta na zaproszenie A. P. Czechowa poszedł do Jałty. Wracając ponownie zaczął uczyć, ale zdrowie nadal się pogorszenia, a 4 sierpnia 1900 r. Levitan zmarł.
Krajobrazy piosenkarza rosyjskiej natury to nie tylko fotograficzny wizerunek natury - artysta zdołał przenieść jej żywy oddech. Nic dziwnego krytycznego V. V. Stasov zwany obrazami Luvitan za pierścieniami emocjonalnymi. W tym samym czasie Levitan był nie tylko wspanialym krajobrazem. Jego kreatywne dziedzictwo rysuje również zdjęcia, akwarele, ilustracje książek.
Dla nazwy Isaac Levitan łączy miasto filmu. Levitan przybywa na talerze trzy lata z rzędu, w 1888-1890. W pobliżu filmu nie ma róg i ścieżek, gdzie był Wielki Mistrz. Zainspirowany magicznymi pięknościami filmu, pisze tu prawie 200 obrazów i etiudów! Teraz znane obrazy są "nad wiecznym regionem", "po deszczu. Pchły "," wieczór. Złote pliki, "Birch Grove" i wiele innych - stali się dekoracją kolekcji Galerii Tretyakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i wielu spotkań w Rosji i za granicą.
Wasily Dmitrievich Polenov (1844-1927)
Urodzony 1 czerwca 1844 r. W posiadłości Borok (obecnie Polenovo w regionie Tula) w rodzinie archeologa i bibliografa D. V. Polenova. Po otrzymaniu szkolnictwa średniego, wasilia wszedł do Petersburga Akademii Sztuk Pięknych (1863), a trochę później zaczęła uczestniczyć w wykładach na Wydziale Prawa na Uniwersytecie.
W 1872 r. Ukończył z obu kursów z wyróżnieniem z Polenova przyznała wycieczkę za granicą kosztem Akademii. Od dawna mieszkał w Wiedniu, Wenecji, Florencji, Neapolu, mieszkał w Paryżu przez długi czas. Odwiedzany dom był krótkotrwałym; W 1876 r. Artysta poszedł na wolontariusza w wojnie Serbo-Chernogor-Turkish.
W kolejnych latach, dużo podróżował przez Bliski Wschód i Grecję (1881-1882, 1899, 1909), Włochy (1883-1884, 1894-1895). W 1879 r. Dołączył do Towarzystwa artystów filmowych. W 1882-1895. Nauczał w Moskwie School of Malarstwo, Rzeźby i Architektury.
Stopień Merit Polenov w 1893 roku został wybrany przez ważnego członka Akademii Sztuki. Od 1910 roku był zaangażowany w rozwój teatrów prowincjonalnych, po trzech latach przez szefa specjalnej sekcji w społeczeństwie Moskwy uniwersytetów ludzi.
Polenov jest znany jako autor prac rozwodowych. Zastosował do tematów historycznych i religijnych - "Chrystusa i Sinning" (1886-1887), "na Tivsel Lake" (1888) "wśród nauczycieli" (1896); W 1877 r. Stworzył serię Etiudów Rady Kremla i Chambers Pałacowych; W różnych momentach, taiatralna sceneria zrobiła. Jego szkice zbudowano kościoły w Abramtrzev (we współużywym autorstwa z V. M. Vasnetsov) i w behov pod Tuire (1906). Ale największą chwałę Polenova przyniósł krajobrazy: "Moskovsky Dvorik" (1878), "Babushkin Garden", "Summer" (zarówno 1879), "zarośnięty staw" (1880), "Złota jesień" (1893), przekazując urok poetycki narożników życia miejskiego i dziewiczej rosyjskiej natury.
Ostatnie lata życia artysta spędził w posiadłości Borok, gdzie zorganizował Muzeum Sztuki i kolekcji naukowych. Tutaj od 1927 roku znajduje się muzeum-usadba V. D. Polenova.
Alexey Kondratuvich Savrasov (1830 - 1897)
Artysta urodził się 12 (24) w maju 1830 r. W Moskwie, w rodzinie handlowego 3RD Gildii Kondiya Artemyevich Savrasova. W przeciwieństwie do życzeń Ojca, który marzył o dostosowaniu syna do "Spraw handlowych", chłopiec w 1844 r. Wszedł do Moskwy Szkoły Malarstwa i Vajanii, gdzie studiował w klasie oficera krajobrazowego K.I. Probusa. Podczas treningu, w 1850 roku mieli zdjęcie "kamienia w lesie na wycieku", który historycy sztuki uważają nieco niezdarne wzdłuż kompozycji. W tym samym roku, na obraz "Widok Kremla Moskwy pod księżycem" otrzymał tytuł artysta nie klasy.
Członek założyciela Stowarzyszenia Wystaw Mobilnych (patrz film). We wczesnych dziełach S. Romantyczne efekty przeważają ("Widok Kremla w deszczowej pogodzie", 1851, Galeria TryTEKOV).
W latach 1850-60. Savrasov częściej prowadzi do spokojnych, narracyjnych obrazów, w niektórych przypadkach prac oznaczonych pragnieniem kolorowej jedności robót ("wyspa Losine w Sokolniki", 1869, tam), aby wzmocnić emocjonalny dźwięk oświetlenia. Rezultatem tych wyszukiwań był obraz "Grosei Frew" (1871, Ibid), gdzie Savrasov, przedstawiający zewnętrznie rygorystyczny motyw i podkreślenie w życiu środowiska naturalnego w momencie przejścia (początek wczesnej wiosny), udało się pokazać głęboka nieustliwość jego native natury. Lyric Natychmiastowactwo, odsetki w niewoli, a kolejne dzieła Savrasova ("Rasklok", 1873, "Dvorik", 1870s; "Grobowiec nad Wołgi", 1874, prywatny montaż, Moskwa).
Alexey Savrasov, jeden z największych przedstawicieli lirycznego przeznaczenia w krajobrazie rosyjskim, miał ogromny wpływ na rosyjscy graczy krajobrazowych pod koniec XIX - XX wieku.
Zawarł A.K. Savrasov 26 września 1897 r. Zakopany w Moskwie na cmentarzu Vagankovsky. Aleja, na której jest pochowany, niesie jego imię. Jego ulubionym studentem był Izaak Levitan
Archaka Ivanovich Kinkii (1841-1910)
Urodzony w styczniu 1841 r. W Mariupolu w rodzinie szewca, grecki według pochodzenia. Osapotev, wychowany w rodzinie krewnych. Wcześniej zaczął rysować i opanować obraz w większości niezależnie.
W 1855 r. Poszedł do Feodozji, aby uczyć się od I. K. Aivazovsky. Wpływ słynnego marinisty na młodą Queenji był niewątpliwie. Pod koniec lat 60.. Queenji przybył do Petersburga. Pierwsza praca, artysta prezentowany w 1868 roku na wystawie Akademii Sztuki i wkrótce został zdecydowanie ustalony jako mistrz krajobrazu: "Jesienna Rasolia" (1872); "Zapomniana wioska" (1874); "Tract Chumatsky w Mariupol" (1875) i innych.
W 1870 r. Po raz pierwszy odwiedził wyspę Valaama, gdzie następnie malował. Jak wierzyli współczesny krajobrazy powstały tam, przyciągnęli uwagę odbiorców.
Malarstwo "Ukraińska noc" (1876) została po prostu skradziona publicznie i ustaliła specjalną ścieżkę autora w sztuce. Z nią Quinji rozpoczął swoje "pogoń za światłem" - starał się osiągnąć pełną iluzję naturalnego oświetlenia. W najwyższym stopniu objawił się w obrazie "Noc na Dnieprze" (1880) z musującą ścieżką księżycową w aksamitnej ciemności.
Malarz w nowym sposobie ujawnił możliwości krajobrazu, transformacji, sprzątania i podwyższonej rzeczywistości. Szukał niezwykłej intensywności i jasności farb, nowych rozwiązań kolorowych. Liczne "słoneczne" obrazy i szkice są tego charakterystyczne (wśród nich "Birch Grove", 1879).
Intensywny kontrast nasyconych tonów, efektów świetlnych - wszystko to było niezwykłe do malowania XIX wieku. zjawisko. Niezrozumienie kolegów zmusiło Królestwo w momencie najwyższego sukcesu, aby odmówić udziału w wystawach. Po raz ostatni wykazał swoją pracę w 1882 roku
Artysta żył stado na Krymie, gdzie stworzył serię dużych kalendarzy i setek etiudów, kontynuując eksperymentowanie z farbami i kolorami. Wśród późniejszych prac Queenji jest jedyną historią historii Chrystusa (1901) i oddychanie niezwykłą harmonię "Night" (1905-1908)
W 1909 r. Archup Ivanovich założył społeczeństwo artystów (którzy następnie otrzymali swoje imię), które wspierały ludzi sztuki. To społeczeństwo, malarz zapisał własny stan i był w warsztacie pracy.
W XVII wieku wprowadzono oddzielanie gatunków malarskich na "wysoki" i "niski". Do pierwszego był historyczny, bitwy i mitologiczne gatunki. Drugie rankingowe gatunki malarstwa z życia codziennego, takie jak gatunek gospodarstwa domowego, martwa natura, animalizm, portret, nago, krajobraz.
Historyczny gatunek
Historyczny gatunek w malarstwie przedstawiający określony temat lub osobę, ale pewna chwila lub wydarzenie miało miejsce w historii poprzednich epok. Jest wliczony w główny gatunki malarstwa W sztuce. Portret, bitwa, domowa i mitologiczne gatunki są często ściśle splecione z historycznymi.
"Conquest Siberia Ermacom" (1891-1895)
Wasily surikov.
W historycznym gatunku artystów Nikola Poussin, Tintoretto, Eugene Delakroix, Peter Rubens, Wasilia Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev i wielu innych.
Gatunek mitologiczny
Legendy, starożytne legendy i mitowie, folklor - obraz tych działek, bohaterów i wydarzeń znalazły swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można go przydzielić w obrazie każdego ludzi, ponieważ historia każdego etnsu jest spełniona przez legendy i legendy. Na przykład, taka fabuła mitologii greckiej, jak tajny romans Bogu Areres War i Bogini Beauty Afrodite przedstawia obraz "parnas" włoskiego artysty o imieniu Andrea Manteny.
"Parnas" (1497)
Andrea Mantenya.
Wreszcie, mitologia w malarstwie powstała w renesansowej epoku. Przedstawiciele tego gatunku poza Andreą Manteny są Rafael Santi, Georgeon, Lucas Crane, Sandro Botticelli, Victor Mikhailovich Vasnetsov i inni.
Gatunek bitwy.
Obraz bitwy opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrują różne wędrówki wojskowe, a także morskie i morskie walki. A ponieważ te bitwy są często pobierane z prawdziwej historii, bitwy i gatunków historycznych znajdują tu punkt przecięcia tutaj.
Fragment panoramy "Battle Borodino" (1912)
Franz Rubu.
Malarstwo bitwy wzięło udział w czasach włoskiej renesansji w dziełach artystów Michelangelo Buonaroti, Leonardo da Vinci, a następnie Theodora Zeriko, Francisco Goya, Franz Aleksevich Roubo, Mitrofan Borisovich Grekova i wielu innych malarzy.
Gatunek gospodarstwa domowego
Sceny z życia dziennego, publicznego lub prywatnego zwykłych ludzi są czymś miejskim lub chłopskim, przedstawia gatunek domowy w malarstwie. Jak wiele innych gatunki malarstwaObrazy domowe są rzadko występujące w samofalizacji, stając się częścią portretu lub gatunku krajobrazu.
"Sprzedawca instrumentów muzycznych" (1652)
Karel Fabrichius.
Narodziny malarstwa domowego miało miejsce w XX wieku na Wschodzie i przekazał Europę i Rosję tylko w XVII-XVIII stuleci. Jan Vermeer, Karel Fabrichius i Gabriel Metsu, Michail Shibanov i Ivan Aleksewevich Yermenhev są najsłynniejszymi artystami obrazów domowych w tym czasie.
Gatunek zwierząt.
Głównymi obiektami gatunku zwierząt są zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i praca domowa, a ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo anianizm był częścią gatunków chińskiego malarstwa, ponieważ po raz pierwszy pojawił się w Chinach w VIII wieku. W Europie zwierzęcy powstał tylko w renesansowej ery - zwierzęta były przedstawione w tym czasie jako przykład wykonania wad i cnót osoby.
"Konie na łące" (1649)
Paulus Potter.
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durers, Francja Sneders, Albert Cape - główni przedstawiciele animalistów w sztukach pięknych.
Martwa natura
W gatunku, martwa natura przedstawia przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione w połączeniu z jedną grupą. Takie przedmioty mogą należeć do jednego rodzaju (na przykład, tylko owoce są przedstawione na zdjęciu) i mogą być heterogeniczne (owoce, obiekty naczyń, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).
"Kwiaty w koszu, motyl i dragonfly" (1614)
Ambrosius Boshart Elder.
Martwa natura jako niezależny gatunek przybrał kształt w XVII wieku. Szczególnie przydzielają flamandzką i holenderską szkołę martwego życia. W tym gatunku przedstawiciele różnych stylów napisali swoje obrazy, od realizmu do kubizmu. Niektóre z najsłynniejszych martwego życia napisały malarzy Ambrosive Boshart Senior, Albertus Ion Brandt, Paul Cesanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Villem Clas Heba.
Portret
Portret jest gatunkiem malarstwa, który jest jedną z najczęstszych w sztuce wizualnej. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jego wygląd, a także przenieść wewnętrzne uczucia i nastrój przedstawiony.
Portrety są pojedyncze, sparowane, grupa, a także autoportret, który czasami wyróżnia się oddzielnym gatunkiem. I najsłynniejszy portret wszechczasów, jest może zdjęcie Leonardo da Vinci o nazwie "Portret pani Liza del Jocondo", znany jako "Mona Lisa".
"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci
Pierwsze portrety pojawiły się kolejne tysiąclecia temu w starożytnym Egipcie - były to obrazy faraona. Od tego czasu większość artystów próbowała w jakiś sposób lub w inny sposób w tym gatunku. Portret i historyczne gatunki malarstwa mogą również przecinać się: obraz wielkiej osoby historycznej będzie uważane za pracę historycznego gatunku, przynajmniej w tym samym czasie przeniesie wygląd i charakter tej osoby jako portret.
Nu.
Celem nago jest obraz nagich ludzkich ciało. Okres renesansu jest uważany za moment powstania i rozwoju tego typu malarstwa, a głównym obiektem malowania, który najczęściej stał się korpusem, który ucieleśnił piękno epoki.
"Koncert wiejski" (1510)
tycjanowski
Titian, Amedeo Modigliani, Antonio Tak Corredjo, Georgeon, Pablo Picasso są najsłynniejszymi artystami, którzy napisali zdjęcia w gatunku Nu.
Sceneria
Głównym tematem gatunku krajobrazu jest natura, środowisko - miasto, wiejskie lub pustkowie. Pierwsze krajobrazy pojawiły się w antycznych czasach podczas malowania pałaców i świątyń, tworzących miniatur i ikony. Jako niezależny gatunek krajobraz jest sporządzany w XVI wieku, a od tego czasu jest wliczony w najbardziej popularny gatunki malarstwa.
Jest obecny w pracy wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Alexei Kondratyevich Savrasova, Eduard Mana, kontynuując Izaaka Ilyich Levitan, Pitom Mondriana, Pablo Picasso, Małżeństwo George'a i kończąc wielu nowoczesnych artystów XXI wieku.
"Złota jesień" (1895)
Isaac Levitan.
Wśród malarstwa krajobrazu takie gatunki można wyróżnić jako krajobrazy morskie i miejskie.
Verite.
Ołów jest krajobrazem, którego celem jest przedstawienie rodzaju obszaru miejskiego i przenieść go do piękna i smaku. Później, z rozwojem przemysłu krajobraz miasta idzie do krajobrazu przemysłowego.
"Plac św. Marka" (1730)
Kantelta.
Możesz ocenić krajobrazy miejskie, poznawane dziełami Cantelto, Peter Breygel, Fedor Yakovlevich Alekseeva, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
przystań
Seascape lub marina przedstawia naturę elementu morskiego, jego wielkość. Być może znanym artystą marinistą na świecie jest Ivan Konstantinovich Aivazovsky, którego obrazek "The Ninth Val" można nazwać arcydziełem rosyjskiego malarstwa. Kwitnąca Marina miała miejsce jednocześnie z rozwojem krajobrazu jako takiego.
"Żaglówka podczas burzy" (1886)
James Battersworth.
Katsusik Hokusai, James Edward Battersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lion Feliksovich Lagorio i Rafael Montleon Torres, są również znane ze swoich krajobrazów morskich.
Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o tym, jak pojawiły się gatunki malarskie w sztuce, zobacz następujący film:
Zabierz się, powiedz mi przyjaciół!
Przeczytaj także na naszej stronie internetowej:
Pokaż więcej
W prawie każdej znaczącej dziele sztuki istnieje tajemnica, "podwójna dno" lub tajemna historia, którą chcesz ujawnić.
Muzyka na pośladkach
Jerome Bosch, "Ogród Ziemi zachwyca", 1500-1510.
Fragment części tryptyk
Spory dotyczące znaczeń i ukrytych znaczenia najbardziej znanego dzieła holenderskiego artysty nie ustępuje od momentu jego wyglądu. Na prawym skrzydła tryptyk o nazwie "Mu Music Hell" są przedstawili grzesznicy, którzy tortują w podziemiach za pomocą instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki na pośladkach. Student uniwersytetu chrześcijańskiego Oklahoma Amelia Hamrick, który studiował obraz, przesunął notację XVI w nowoczesny sposób i nagrał "piosenkę z dupy z piekła, co było 500 lat".
Nude Mona Lisa.
Słynny "joconda" istnieje w dwóch wersjach: Wersja Nude nazywa się "Monta Bath", napisała jej mnóstwo artysta Salaya, który był studentem i symulatorem Wielkiego Leonardo da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonany, że był to model do obrazów Leonardo "John Baptist" i "Bakhus". Istnieją również wersje, że Salaya ubrana w suknię damską służyła jako sama Mona Lisa.
Stary rybak
W 1902 r. Węgierski artysta Tivadar Kostya Chongwari napisał zdjęcie starego rybaka. Wydawałoby się, że na zdjęciu nie ma nic niezwykłego, ale Tivar położył w nim podtekst, w trakcie życia artysty i nieujawnionego.
Niewiele osób nastąpiło, aby zastosować lustro na środek obrazu. Każda osoba może być jak Bóg (praworęczny ramion starego człowieka) i diabeł (lewe ramię starego człowieka jest powielane).
I był zestawem?
Scena Hendrik Van Antonissen na brzegu. "
Wydaje się, że zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i opuszczone morze. A tylko badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie zebrani na brzegu są tak samo - w oryginale uważali za tuszy Chin, rzucony na brzeg.
Jednak artysta zdecydował, że nikt nie chciałby spojrzeć na martwego wieloryba i przepisał obraz.
Dwa "śniadanie na trawie"
Eduard Mana, "Śniadanie na trawie", 1863.
Claude Monet, "Śniadanie na trawie", 1865.
Artyści Eduard Mana i Claude Monet są czasami mylić - w końcu byli zarówno francuskimi ludźmi, mieszkali w jednym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet nazwa jednego z najbardziej znanych obrazów Mana "śniadanie na trawie" Monet zapożyczył i napisał swoje "śniadanie na trawie".
Podwaja się na "ostatni wieczór"
Leonardo da Vinci, "Ostatnia kolacja", 1495-1498.
Kiedy Leonardo Da Vinci napisał "tajny wieczór", załączył szczególne znaczenie do dwóch postaci: Chrystusa i Judy. Szukał dla nich symulatorów przez bardzo długi czas. Wreszcie udało mu się znaleźć model obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Aby odebrać symulator dla Judah Leonardo, nie był w stanie przez trzy lata. Ale pewnego dnia natknął się na ulicę na pijak, który leżał w ściekach. To był młody człowiek, który był trawieniem. Leonardo zaprosiła go do restauracji, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijący przyszedł do siebie, powiedział artystę, że jeden dzień go już stwarzył. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w chórze kościoła, Leonardo napisał od niego Chrystusa.
"Nocny zegarek" lub "dzień"?
Rembrandt, "Night Watch", 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandt "Spółka karabinowa Captain France Banng Coca i porucznik Vill Vall Ryuteitbürga" Około dwieście lat sprawdził w różnych salach i odkryto przez historyków sztuki tylko w XIX wieku. Ponieważ wydawało się, że postacie występują na ciemnym tle, nazywano ona "Night Watch", a pod tym tytułem wszedł do Skarbu Państwa świata.
I tylko podczas przywrócenia spędzonego w 1947 roku odkryto, że w hali obraz zdołał być pokryty warstwą sadzy, zniekształcając jej smak. Po wyczyszczeniu oryginalnego malarstwa okazało się, że scena reprezentowana przez Rembrandt rzeczywiście występuje w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej strony kapitana Coca pokazuje, że czas działania nie jest więcej niż 14 godzin.
Odwrócona łódź.
Henri Matisse, "łódź", 1937.
W Nowym Jorku Muzeum Sztuki Współczesnej w 1961 roku wystawiono zdjęcie Henri Matisse "Boat". Dopiero po 47 dniach ktoś zwrócił uwagę na fakt, że obraz wisi do góry nogami. Na płótnie przedstawione 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Dwa żagle, artysta namalowany nie tylko tak, drugi żagiel jest odbiciem pierwszej wody.
Aby nie popełnić błędu, jak obraz powinien zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel musi być górną częścią obrazu, a szczyt wzoru żagla powinien być skierowany do prawego górnego kąta.
Oszukiwanie autoportret
Vincent Van Gogh, "autoportret z rurką", 1889.
Fakt, że Van Gogh rzekomo odciął ucho, idź legendami. Teraz najbardziej niezawodna jest wersja, że \u200b\u200bucha Van Gogha uszkodzona w małym stuffle z udziałem innych pól artystycznych - gogen.
Autoportret jest interesujący, który odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta jest przedstawiony za pomocą bandażowego uchu, ponieważ użył lustra podczas pracy. W rzeczywistości poniosł lewe ucho.
ALIENS MISHKI.
Ivan Shishkin, "Rano w lesie sosnowym", 1889.
Słynny obraz należy nie tylko szczotki Shishkin. Wielu artystów, którzy byli przyjaźni, wśród siebie często uciekali się do "pomocy przyjaciela", a Ivan Ivanovich, miał całe życie z krajobrazami, obawiając się, że dotykające niedźwiedzie nie działałyby z nim, jak to było konieczne. Dlatego Shishkin odwołał się do znanego artysty animalistowego Konstantin Savitsky.
Savitsky Malowała prawie nie najlepiej niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tryceakow rozkazał jej nazwisko z płótna, ponieważ wszystko na zdjęciu "Od planu i zakończenie spełnieniem, wszystko mówi o sposobie malowania, o twórczej Metoda Shishkin. "
Niewinna historia "Gothic"
Grant Wood, "American Gothic", 1930.
Praca dotacji z drewna jest uważana za jedną z najdziwniejszych i przygnębiających w historii amerykańskiego obrazu. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na nasilenie, oczyszczanie i retrograde ludzi przedstawionych.
W rzeczywistości artysta nie myśli o przedstawieniu jakiegokolwiek horroru: podczas podróży do Iowa i zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealnie przyjść jako mieszkańcy. W formie znaków, które są tak obrażane przez mieszkańców Iowa, siostrę dotacji, a jego dentysta są uwiecznione.
Zemsta Salvador Dali
Obraz "Rysunek przy oknie" został napisany w 1925 r., Kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy artysta jeszcze nie napisał Gali, a jego muzeum była siostrą Ana Marią. Relacja brata i sióstr pogorszyła się, gdy napisał na jednym z zdjęć "czasami pluję na portret mojej matki i daje mi przyjemność". Ana Maria nie mogła wybaczyć taka szoku.
W swojej książce z 1949 r. Salvador dał oczami swojej siostry "pisze o swoim bratu bez większej pochwały. Książka prowadziła Salvador do wściekliznę. Kolejny dziesięć, był zły na siebie. I tak, w 1954 roku obraz "Młoda Dziewica, oddająca się grzech Sodomsky z pomocą rogów swojej własnej czystości." Pozę kobiety, jego loki, krajobraz poza oknem, a obrazy schematu kolorów wyraźnie echronicznie z "rysunkiem". Istnieje wersja, którą otrzymałem dąską siostrę dla swojej książki.
Podwójna Dana.
Rembrandt Harmens Wang Rhine, "Dana", 1636 - 1647.
Wiele tajemnic jednej z najbardziej znanych obrazów Rembrandt ujawniono dopiero w latach 60. XX wieku, gdy płótno oświeceni promieniowanie rentgenowskie. Na przykład strzelanie wykazało, że we wczesnej wersji, oblicze księżniczki, która wszedł do relacji miłosnej ze Zeusa, była podobna do twarzy Saskiy - małżonka malarza, który zmarł w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczęła przypominać twarz Herges Dirks - Lovers Rembrandt, z którym artysta żył po śmierci żony.
Żółta sypialnia van gogh
Vincent Van Gogh, "Sypialnia w Arles", 1888 - 1889.
W maju 1888 r. Van Gogh zdobył małe warsztaty w Arle, na południu Francji, gdzie uciekł, nie rozumiejąc swoich artystów i krytyków Paryżu. W jednym z czterech pokoi Vincent umieszcza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe, a postanawia narysować "sypialni Van Gogha w Arles". Dla artysty był bardzo ważny dla smaku, komfortu pokoi: wszystko powinno być wykonane do myśli na wakacjach. W tym samym czasie obraz wytrzymuje w niespokojnych żółtych tonach.
Kreatywność Van Gogha naukowcy wyjaśniają to przez fakt, że artysta wziął rozprysk - środek zaradczy na padaczkę, co powoduje poważne zmiany w pacjencie w postrzeganiu kolorów: Cała otaczająca rzeczywistość jest malowana w odcieniach zielonych żółtych.
Bezzębna perfekcja
Leonardo da Vinci, "Portret pani Liza del Jocondo", 1503 - 1519.
Ogólnie przyjętą opinią jest to, że Mona Lisa jest doskonałością, a uśmiech jest piękna z jego tajemnicą. Jednak historyk amerykański artystyczny (i dentysta w niepełnym wymiarze godzin) Joseph Borkowski wierzy, że, oceniając przez wyraz twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiowanie powiększonych zdjęć arcydzieła, Borkovski odkrył również blizny wokół ust. "Uśmiecha się tak, z powodu tego, co się z nią stało", wierzy ekspert. - Wyrażenie jej twarzy jest zazwyczaj dla osób, które straciły przednie zęby. "
Major na Facingontrol.
Pavel Fedotov, "major major", 1848.
Społeczeństwo, który po raz pierwszy zobaczył zdjęcie Major "Watchów", roześmiał się z duszy: Artysta Fedotowa wypełnił ironiczne szczegóły, zrozumiałe widzów tego czasu. Na przykład, major wyraźnie nie zaznajomił z zasadami szlachetnej etykiety: pojawił się bez ułożonych bukietów dla panny młodej i jej matki. I sam panna młoda, jej rodzice kupców odprowadzani do wieczornej sukni balowej, choć w dniu jardu (wszystkie lampy w pokoju wygasają). Dziewczyna wyraźnie po raz pierwszy spróbowała sukienkę, zdezorientowaną i próbuje uciec w jego bel.
Dlaczego wolność jest naga
Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Wolność na barykadach", 1830.
Według historyka sztuki Etienne Juli, Delacroix napisał twarz kobiety ze sławnymi parisianami rewolucjonistami - Missure Anna-Charlotte, który poszedł do barykadów po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabili The Nicner Glowismen. Artysta przedstawił go nagi piersi. Według niego jest to symbol nieustraszenia i poświęcenia, a także obchody demokracji: klatka piersiowa Nagaya pokazuje, że wolność, jako prosty kapelusz, nie jest gorsetem.
Unquantant Square.
Kazimir Malevich, "Czarny Suprematyczny Square", 1915.
W rzeczywistości "Black Square" nie jest wcale czarny, a nie w ogóle kwadratowy: żadna z boków czworokąt nie jest równoległa do żadnej innej boku, a nie jednej z boków kwadratowej ramki, którą obraz jest oprawiony . A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie była czarna. Uważa się, że nie był to zaniedbanie autora, ale podstawową pozycję, pragnienie stworzenia dynamicznej, ruchomej formy.
Specjaliści galerii TryTEKOV znaleźli napis autora na słynnym obrazie Malewicza. Stany napis: "Bitwa pod czarnymi w ciemnej jaskini". Ta fraza wysyła do nazwy żartowania francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alla Alla "Bitwa pod czarnymi w ciemnej jaskini głębokiej w nocy", który był absolutnie czarnym prostokąta.
Melodrama Austrian Mona Lisa
Gustav Klimt, "Portret Adelie Bloch-Bauer", 1907.
Na jednym z najważniejszych klimatów, żona austriackiego cukru Magnate Fetinad Bloch został schwytany. Wszystkie Wiedeń omówiło burzliwego Romana Adella i słynnego artysty. Wrażliwy mąż chciał zemścić się na miłośników, ale wybrał bardzo niezwykły sposób: postanowił zamówić portret Portret Adeli i sprawi, że wykonuje setki szkiców, dopóki artysta zacznie się odwrócić.
Bloch Bauer chciał pracować, aby trwać przez kilka lat, a symulator mógł zobaczyć, jak uczucia Clima mogły się zamieszać. Zrobił artysta hojnej propozycji, z której nie mógł odmówić, a wszystko rozwinęło się na scenariuszu zmartwionego męża: Praca została ukończona przez 4 lata, kochankowie długo ochłodzą do siebie. Adel Bloch Bauer nigdy nie dowiedział się, że jej mąż był świadomy jej związku z Clima.
Obraz, który zwrócił gogen do życia
Paul Gajen, "Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?", 1897-1898.
Najbardziej znanym płótnem Hogen ma jedną funkcję: to jest "czytanie" bez lewej do prawej, ale po prawej do lewej, jak Kabalistyczne teksty, które zainteresowany artysta był zainteresowany. Jest to w tej kolejności, że zaułek życia duchowego i fizycznego osoby rozwija się: z pochodzenia duszy (śpiąc dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazurach w lewy dolny róg).
Obraz został napisany przez gogen w Tahiti, gdzie artysta biegał kilka razy od cywilizacji. Ale tym razem życie na wyspie nie określono: Łączne ubóstwo doprowadziło go do depresji. Po zakończeniu płótna, które powinno stać się jego duchowym Testamentem, Gauguen wziął pudełko z arsenami i poszedł do gór, aby umrzeć. Jednak nie obliczył dawki, a samobójstwo nie powiodło się. W następnym rannym, huśtawce, nie znał chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. W 1898 r. Jego sprawy poszły pod górę, aw pracy rozpoczął swój jasny okres.
112 Przysłów na jednym obrazie
Peter Bruegel - Senior, "Przysłów Holandii", 1559
Peter Bruegel - Senior przedstawiał ziemię, zamieszkany przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów w tych dniach. Na piśmie, istnieje około 112 uznanych idiomów. Niektóre z nich są przyzwyczajeni do tego dnia, na przykład, takie jak: "Fly Against obecne", "walczyć z głową o ścianie", "zbrojony na zęby" i "Duża ryba zjada małą".
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzkie bzdury.
Podmiotowość art
Paul Gogen, "Breton Village pod śniegiem", 1894
Malowanie gogenu "Breton Village w śniegu" został sprzedany po śmierci autora w zaledwie siedmiu franków, a ponadto zwany Niagara Falls. Mężczyzna, który spędził aukcję przypadkowo odłożył zdjęcie nóg, widząc w nim wodospad.
Ukryty obraz
Pablo Picasso, Blue Room, 1901
W 2008 r. Promieniowanie podczerwone wykazało, że "niebieski pokój" był ukryty inny obraz - portret mężczyzny ubrany w garnitur z motylem i położył głowę na ręce. "Gdy tylko Picasso pojawił się nowy pomysł, został zabrany na szczotkę i ucieleśnił. Ale nie miał okazji kupić nową płótno za każdym razem, gdy odwiedził muza, wyjaśnia możliwy powód do tej krytyki artystycznej Patricia Favero.
Niedostępna marokcanika.
Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928
Kiedy Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę - przejść do twórczej podróży, aby przedstawić nagi figury wschodniej dev. Okazało się, że w tych miejscach, aby znaleźć symutery po prostu niemożliwe. Tłumacz Zinaida przybył na ratunek - poprowadził jej siostry i pannę młodą do niej. Nikt przed tym, a potem nie zdołał uchwycić zamknięte orientalne kobiety nago.
Spontaniczna iluzja
Valentin Serov, "Portret Nicholasa II w presji", 1900
Przez długi czas Serov nie mógł napisać portretu króla. Kiedy artysta w ogóle się poddał, przeprosił Nikolai. Nikolai był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, rozciągając ręce przed nim ... a potem artysta namalowany - tutaj jest to obraz! Proste wojsko w bulwie oficerskim czystym i smutnym oczami. Ten portret jest uważany za najlepszy obraz ostatniego cesarza.
Ponownie podwójny
© Fedor Reshetnikov.
Słynny obraz "znowu dwa" jest tylko drugą częścią trylogii artystycznej.
Pierwsza część jest "przybyła na wakacje". Oczywiście zabezpieczona rodzina, wakacje zimowe, radosny student studencki.
Druga część jest "znowu Deuce". Biedna rodzina z obrzeżników roboczych, pośród roku szkolnego, Puraden Obalala, znów chwycił dwa. W lewym górnym rogu widoczny był obraz "przybył na wakacje".
Trzecia część to "ponowne badanie". Wiejski dom, lato, cały spacer, jedna szkodliwa nierówności, niepowadła egzamin roczny, jest zmuszony do siedzenia w czterech ścianach i narzędziach. W lewym górnym rogu widoczny jest obraz "dwa ponownie".
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, "Deszcz, pary i prędkość", 1844
W 1842 r. Pani Simon podróżował pociągiem w Anglii. Nagle rozpoczął silny prysznic. Starszy dżentelmen, który siedział naprzeciwko jej, wstał, otworzył okno, utknął głowę i spojrzał na dziesięć minut. Nie można utrzymać ciekawości, kobieta otworzyła okno i zaczął patrzeć w przyszłość. Rok później znalazła zdjęcie "deszczu, pary i prędkości" na wystawie w Royal Academy of Arts i był w stanie rozpoznać ten sam epizod.
Lekcja anatomii z Michelangelo
Michelangelo, "Stworzenie Adama", 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii wierzą, że Michałaangelo faktycznie opuścił pewne anatomiczne ilustracje w jednym z jego najbardziej znanych prac. Wierzą, że we właściwej części zdjęcia przedstawia ogromny mózg. Jest zaskakujące, ale można znaleźć nawet skomplikowane elementy, takie jak móżdżku, nerwy optyczne i dżdżownica przysadki. A odlewana zielona wstążka doskonale pokrywa się z lokalizacją tętnicy kręgowej.
"Ostatnia kolacja" van gogh
Vincent Van Gogh, "Night Terrace Cafe", 1888
Explorer Jared Baxter uważa, że \u200b\u200bna płótnie Van Gogh "Night Terrace Cafe" jest szyfrowany przez poświęcenie "Secret Evening" Leonardo da Vinci. Na środku obrazu znajduje się kelner z długimi włosami i białą tuniką, przypominając ubrania Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 odwiedzających do kawiarni. Również Baxter zwraca uwagę na krzyż, znajduje się tuż za powrotem kelnera w kolorze białym.
Pamięć Dali.
Salvador Dali, "Konstytucja pamięci", 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli uczestniczące w DALI podczas tworzenia swoich arcydzieł były zawsze w formie bardzo realistycznych obrazów, które artysta przeniesiony do płótna. Tak więc, zgodnie z samym autorem obraz "stałość pamięci" została napisana w wyniku stowarzyszeń wynikających z postaci stopionego sera.
Co krzyczy Munk.
Edward Munk, Creek, 1893.
Munk, więc opowiadał o pojawieniu idei jednej z najbardziej tajemniczych obrazów na świecie: "Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce usiadłem - nieoczekiwanie nieoczekiwanie stało się krwawe-czerwone, zawieszone Wyczerpany i pochylony o ogrodzeniu - spojrzałem na języki krwi i płomień nad niebieskawo-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc przed podnieceniem, czując niekończący się krzyk, przebijającą naturę. Ale jaki rodzaj zachodu słońca może przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że \u200b\u200bidea "krzyku" urodził się w Mill w 1883 roku, kiedy wystąpiło kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau - tak potężny, że zmienili temperaturę atmosfery Ziemi do jednego stopnia. Obfita ilość pyłu i popiołu rozprzestrzenił się na całym świecie, pochodzącym nawet do Norwegii. Kilka wieczorów z rzędu, zachody słońca wyglądały tak, jakby apokalipsa byłaby - jedna z nich była źródłem inspiracji artysty.
Pisarz w ludziach
Alexander Ivanov, "Zjawisko Chrystusa", 1837-1857.
Dziesiątki symulatorów stwarzały Alexander Ivanov na jego głównym zdjęciu. Jeden z nich jest znany z nie mniej niż artysta. W tle, wśród traversów i jeźdźców rzymskich, którzy jeszcze nie słyszeli głoszenia Jana Forrerunnerów, widzisz postać w Korchin Chiton. Jego Ivanov napisał z Nicholasa Gogola. Pisarz ściśle przekazał artystę we Włoszech, w szczególności w kwestiach religijnych i dał mu porady w procesie pisania obrazu. Gogol wierzył, że Ivanov "Long zmarł na cały świat, z wyjątkiem pracy".
Jele Michelangelo.
Rafael Santi, School Ateny, 1511.
Tworzenie słynnej freski "Athens School", Rafael poświęcił swoich przyjaciół i znajomych w obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonotti "w roli" Henite. Kilka wieków Fresco utrzymywała tajemnice życia osobistego Michelangelo, a nowoczesni badacze założyli, że dziwnie zły kolano artysty świadczy o obecności chorób stawów.
Prawdopodobnie rozważy cechy stylu życia i warunków pracy artystów renesansowych i przewlekłego workholizmu Michelangelo.
Lustro para Arnolphini.
Yang Van Eyk, "Portret Arnolphin Fau", 1434
W lustrze za małżonkami Arnolfina można zobaczyć odbicie dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecne na zakończenie umowy. Jednym z nich jest Van Eyape, o czym świadczyła napis łaciński, umieszczony, wbrew tradycji, powyżej lustra w środku kompozycji: "Jan Van Eyka było tutaj". Tak zwykle zapinane umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmens Wang Rhine, "autoportret w wieku 63", 1669.
Badacz Margaret Livingston studiował wszystkie portrety autoportretów Rembrandt i okazało się, że artysta poniósł jako murnik: w obrazach jego oczy patrzą na różne kierunki, które nie obserwuje się na portretach szczotek innych ludzi. Choroba doprowadziła do faktu, że artysta może lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż ludzie z normalną wizją. To zjawisko nazywa się "stereo" - niezdolność do zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, to był ten niedobór Rembrandta, który może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Na pewno Wenus.
Sandro Botticelli, "Narodziny Wenus", 1482-1486.
Przed pojawieniem się "narodziny Wenus" obraz nagich ciele żeńskiej w obrazie symbolizowało tylko ideę grzechu pierwotnego. Sandro Botticelli Pierwszy z europejskich malarzy nie znaleźli w nim nic grzesznego. Ponadto historycy sztuki są przekonani, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: Jej zjawisko jest alegorią ożywienia duszy, która przeszła obrządek chrztu.
Butterist lub rzeźnik?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.
Przez długi czas obraz został wystawiony w pustelnie zwanym "Butcher". Tylko na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że kanapa nadal pokazuje młodego mężczyzny (prawdopodobnie Caravaggio pozował swojego znajomego artysty Mario Minni): na notatkach przed muzykiem, nagranie impreza basowego Madrigala Jacob Arcaader " Wiesz, że cię kocham ". Kobieta nie mogłaby mieć takiego wyboru - to tylko trudne do gardła. Ponadto lutni, jak skrzypce na samej krawędzi obrazu, uznano za narzędzie męskie w erze karawaggio.