Publikacje sekcji Muzeów

Starożytna rzymska tragedia, która stała się triumfem Carl Bryullovem

23 grudnia 1799 r. Urodził się Karl Bullosp. Syn rzeźbiarza francuskiego pochodzenia pola Bullet, Karl był jednym z siedmiu dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Ivan i Fedor również stali się malarzem, a brat Aleksander - architekt. Jednak najbardziej znany był Karl, który napisał tkaninę "Ostatnim dniem Pompei" w 1833 roku - główne dzieło jego życia. "Culture.RF" przypomniałem sobie, jak został stworzony przez płótno.

Karl Bromlov. Autoportret. 1836.

Historia stworzenia

Obraz został napisany we Włoszech, gdzie w 1822 r. Artysta poszedł na wycieczkę emerytową z Imperial Academy of Arts przez cztery lata. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej rzymskiej tragedii - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położona u stóp Vesuvia: 24 sierpnia, 79 n. mi. Erupcja wulkanu wziął życie dwóch tysięcy mieszkańców.

W 1748 r. Inżynier wojskowy Rockke de Alcubierre rozpoczął ekskawacje archeologiczne w miejscu tragedii. Otwarcie Pompeje stało się uczuciem i odzwierciedlenie w pracy różnych ludzi. Tak więc, w 1825 r. Pojawiła się opera Giovanni Pacini, aw 1834 r. - Historyczna rzymia Anglika Edwarda Bullver-Litton, poświęcony śmierci Pompeje.

Bulllov najpierw odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Idąc do ruin, 28-letniego artysty i nie podejrzewał, że ta podróż byłaby dla niego fatu? "Nie możesz przekazać tych ruin, bez uczucia w sobie kilka nowych uczuć, zmuszając wszystko do zapomnienia, z wyjątkiem strasznego incydentu z miastem SIM"- Napisał artysta.

Uczucia, które Karl Bulllov doświadczył na wykopach, nie zostawiły go. Więc urodził się pomysł na płótno na temat historycznego tematu. Praca na działce, malarz studiował źródła archeologiczne i literackie. "Wziąłem tę scenerię z natury, nie wycofując się w ogóle i nie dodawanie, stojąc do bramy miasta z powrotem, aby zobaczyć część Vesuvia jako głównego powodu".. Włosi stały się modeli dla postaci - potomków starożytnych mieszkańców Pompeje.

Na skrzyżowaniu klasycyzmu i romantyzmu

W tej pracy Bryullov nie jest tradycyjnym klasykistą, ale artystą romantycznego kierunku. Więc jego historyczna fabuła jest poświęcona nie jednym z bohaterów, ale tragedii całego ludzi. A jako fabuła postanowiła nie wyidealizowany wizerunek ani pomysł, ale prawdziwy historyczny fakt.

Prawda, skład malarstwa Broullova buduje się w tradycjach klasycyzmu - jako cykl indywidualnych epizodów zamkniętych w trójkącie.

W lewej części obrazu w drugim planie przedstawiono kilka osób na temat kroków dużego budynku grobowca scowa. Kobieta wygląda prosto na widza, w której przerażenie jest czytane w oczach. A za nim - artysta z szufladą farb na głowie: jest to autoportret bullowa, który martwi tragedii wraz z jego postaciami.

Bliżej widza - małżeństwo z dziećmi, która próbuje uciec od lawy, a na pierwszym planie kobieta naciska jego córki ... obok niej - kapłana chrześcijańskiego, który już zarezerwował swój los i z powodu spokoju. W głębi obrazu widzimy pogański rzymski kapłan, który próbuje uciec, niosąc wartości rytualne. Tutaj, Bryullov Wskazówki na upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i ofensywy z ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie obrazu na drugim planie, jeździec jest przedstawiony na koniu, który stał na rapie. I bliżej widz - pan młody objęty horrorem, który próbuje utrzymać pannę młodą na ręce (na nim wieniec z róż), która straciła świadomość. Na pierwszym planie - dwóch synów noszą ojca starego mężczyzny w ramionach. A obok nich - młody człowiek, błagając swojej matce, aby wzrosnąć i biegać dalej z tego samopuszczonego elementu. Nawiasem mówiąc, ten młody człowiek nie jest nikim innym, jak Pliny młodszy, naprawdę uratowany i opuścił wspomnienia tragedii. Oto fragment swojej litery TACIS: "Patrzę wstecz. Gęsta czarna mgła, płynąca wokół ziemi, wyprzedziła nas. Była noc, w przeciwieństwie do bezksiężyca lub chmury: zdarza się tak ciemno tylko w pokoju lokomotywowym podczas wygaszonych świateł. Słyszano krzyki damskie, pisk dziecięcy i krzyk mężczyzn, niektórzy zwisają rodziców, innych dzieci lub żon i próbowali poznać je w głosach. Niektórzy opłakiwali ich śmierć, inną śmierć bliskich, niektórzy w strachu przed śmiercią modlił się o śmierć; Wielu poszło dłoń do bogów; Najbardziej wyjaśnił, że nigdzie i żadnych bogów i na świat jest ostatnią wieczną nocą ".

Nie ma głównego bohatera na zdjęciu, ale są centralne: dziecko zbożowe w pobliżu otwartego ciała jego zmarłej matki w żółtej tuniku - symbol upadku Starego świata i narodzin nowego, tej opozycji Życie i śmierć jest w najlepszych tradycjach romantyzmu.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się i jako innowator, używając dwóch źródeł światła - gorące czerwone światło w tle, przekazując uczucie zbliżającej się lawy, a zimno zielonkawo-niebiesko na pierwszym planie, dodając wykres dodatkowych dramaturg.

Jasny i nasycony smak tego obrazu narusza również klasyczne tradycje i pozwala mówić o artystę jako romans.

Triumfalny wzór marca.

Karl Bryullov pracował w sieci przez sześć lat - od 1827 do 1833 roku.

Po raz pierwszy obraz był reprezentowany przez publiczność w 1833 roku na wystawie w Mediolanie - i natychmiast wyprodukował Furore. Artysta został uhonorowany jako triumfant rzymski, prawidłowe recenzje w prasie napisał o obrazie. Bryullov został obchodzony na ulicy z brawa, a podczas swoich ruchów na granicach włoskich central nie wymagały paszportów: Uważano, że każdy Włochy już zna go na jego twarzy.

W 1834 r. Zaprezentowano "Ostatni dzień Pompei" w Salonie Paryżu. Francuska krytyka nie była przykładem na przykładzie. Ale profesjonaliści docenili pracę na godności, przekazując złoty medal francuskiej Akademii Sztuk Bullylov.

Płótno złożyło uczucie w Europie, i czekał na niego w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Widząc zdjęcie Nikolai Wyrażałem pragnienie osobiście spotkać się z autorem, ale artysta poszedł z wykresem Vladimir Davydovem na wycieczce do Grecji i wrócił do ojczyzny tylko w grudniu 1835 roku.

W dniu 11 czerwca 1836 r. W okrągłej hali Rosyjskiej Akademii Sztuki, gdzie obraz "Ostatni dzień Pompeje" był wykazywani, uhonorowani gośćmi, członkowie Akademii, artystów, a tylko fani malarstwa zostały zebrane. Autor płótna, "Veliky Karla", przywieziony do hali na rękach pod entuzjastyczni krzyki gości. "Tłumy odwiedzających, możesz powiedzieć, włamał się do sal w Akademii, aby spojrzeć na" Pompei ": "Współczesne pisze i świadectwo tego sukcesu równą, do których nie wiedział żadny rosyjski artysta.

Klient i właściciel malarstwa Anatoliy Demidov przedstawił go cesarzem, a Nikolai, które umieściłem ją w pustelni, gdzie znajdowała się od 60 lat. A w 1897 roku został przetłumaczony na Muzeum Rosyjskie.

Obraz dosłownie uzgodnił wszystkie rosyjskie społeczeństwo i najlepsze umysły tego czasu.

Sztuka pokojowych trofeów
Przyczyniłeś się do modelu DECEO.
I był "ostatni dzień pompeje",
Dla rosyjskiego pędzla pierwszego dnia! -

wysłany o obrazie Poeta Yevgeny Bratansky.

Alexander Puszkin poświęcił także wiersze:

Vesuvius Zev otworzył - Dym zawieszony klub, płomień
Szeroko rozwinięty jako baner bojowy.
Ziemia się martwi - z gównymi kolumnami
Idole spadają! Ludzie prześladowali strach
Pod kamiennym deszczem, pod wypadkiem,
Tłumy, stare i młode, kończy się ocen.

Wymień "Ostatni dzień Pompeii" i Michaił Lermontov w powieści "Princess Ligovskaya": "Jeśli kochasz sztukę, mogę powiedzieć bardzo przyjemne wiadomości: zdjęcie Bullov" Last Day Pompeii "przejażdżki w Petersburgu. Wiedziałem o niej wszystkie Włochy, Francuzi zostali zmiażdżonym "- Lermontov wyraźnie wiedział o recenzjach prasy Paryża.

Rosyjski historyk i podróżnik Alexander Turgenew powiedział, że to zdjęcie było chwałą Rosji i Włoch.

A Nikolay Gogol poświęcił duży artykuł, pisząc: "Pędzel trzyma go samą poezję, którą po prostu czujesz i zawsze możesz wiedzieć: nasze uczucia zawsze znają i widzą nawet charakterystyczne znaki, ale nigdy nie powiedzą swoich słów. Kolorowanie go tak osobno, które nigdy wcześniej nie było prawie nigdy wcześniej, jego farby płoną i opadają. Będą nie do zniesienia, jeśli artysta miał stopień poniżej Bryullova, ale opierał się w tej harmonii i oddychał w wewnętrznej muzyce, które były wykonywane przez żywych przedmiotów przyrody ".

3 grudnia 1961 r. Wystąpił ocenę w Nowym Jorku Muzeum Sztuki Współczesnej - obraz Matisse "Łódź", który 46 dni opierał się w odwróconej formie zewnętrznej, odwrócił się prawidłowo. Warto powiedzieć, że to nie jest pojedynczy zabawny przypadek związany ze zdjęciami wielkich artystów.

Pablo Picasso wyciągnął jednego ze swoich słynnych portretów w mniej niż 5 minut

W jakiś sposób jeden z znanych Pablo Picasso, biorąc pod uwagę jego nowe prace szczerze powiedział artystę: "Przepraszam, ale nie mogę tego zrozumieć. Takie rzeczy po prostu nie istnieją. " Co Picasso Parried: "Ty i Chińczycy nie rozumieją. Ale nadal istnieje. Jednak Picasso nie rozumiał wielu. W jakiś sposób zaproponował Ehrenburga do rosyjskiego pisarza, jego dobrego przyjaciela, napisz swój portret. Z radością zgodził się, ale nie miałem czasu, aby pozostać na krześle do pozowania, ponieważ artysta powiedział, że wszystko jest gotowe.

Ehrenburg wyraził niespodziankę do szybkości wykonania pracy, ponieważ nie było to 5 minut, dla których odpowiedział Picasso: "Znam cię 40 lat. A wszystkie te 40 lat nauczyłem się pisać portrety za 5 minut. "

Ilya repin pomógł sprzedać zdjęcie, które nie pisze

Jedna pani zdobyła na rynku tylko 10 rubli całkowicie talent, na którym podpis "I. Rupin dumnie został zablokowany. Kiedy ziarno malarstwa wykazało tę pracę Ilya Efimovich, roześmiał się i dodał "Nie jest repin" i umieścił autograf. Po pewnym czasie przedsiębiorcząca pani sprzedała obraz nieznanego artysty z autografem Wielkiego Mistrza na 100 rubli.

Niedźwiedź na słynnym malarstwie Shishkin narysował inny artysta

W środowisku artystów istnieje nieznana prawa - profesjonalna wzajemna wykonanie. W końcu każdy z nich ma nie tylko ulubione działki i mocne strony, ale także słabości, więc dlaczego nie pomagać sobie nawzajem. Jest więc znany z pewnych, że do malowania "Puszkina na brzegu morza" o postaci Aivazovsky wielkiego poety pomalowanego powtórzeniem, a na obraz Levitan "Jesienny dzień. Sokolniki "Dama w kolorze czarnym malowane Nikolai Chekhov. Gracz krajobrazowy Shishkin, który mógłby narysować każde ostrze i żucie w jego obrazach, podczas tworzenia obrazu "rano w pine Bor", niedźwiedzie nie zostały uzyskane. Dlatego niedźwiedzie do słynnej płótna Shishkin malowała Savitsky.

Kawałek fibrolitu, nad którym po prostu rozlali się w farbie, stały się jednym z najdroższych obrazów

Najdroższe zdjęcie na świecie w 2006 roku było płótno Jackson Poloki "Numer 5, 1948". Na jednej z aukcji obraz poszedł na 140 milionów dolarów. Może wydawać się zabawny, ale ponad stworzeniem tego malowania artysta szczególnie "nie zawracał sobie głowy": po prostu rozlał farbę na kawałku fibrolitu rozłożonego na podłodze.

Rubens zaszyfrowały obraz na gwiazdach

Historycy sztuki i naukowcy przez długi czas nie mogli ustalić daty stworzenia jednej z najbardziej znanych fasoli Rubensa - zdjęcia "Święta Bogów na Olympus". Tajemnica była dozwolona dopiero po tym, jak astronomowie spojrzeli na zdjęcie. Okazało się, że znaki na zdjęciu dokładnie w takiej samej kolejności, jak planety znajdowały się na niebie w 1602 roku.

Logo "Chupa Chups" namalowały światową sławną surrealistę

W 1961 roku, Enter Bernata, właściciel firmy "Chupa Chups", zwrócił się do artysty El Salvador Dali z prośbą o pojawienie się obrazu w opakowaniu Candy. Dalited przeprowadzony wniosek. Dziś jest to obraz, choć w nieco zmodyfikowanym formie, rozpoznawalny na lizakach tej firmy.

Należy zauważyć, że w 1967 roku we Włoszech z błogosławieństwem Papieża Romana, unikalna wersja Biblii została wydana z ilustracjami Salvador.

Najdroższy wzór mąki przynosi nieszczęście

Obraz błota "Creek" został sprzedany na aukcji za 120 milionów dolarów i jest dziś najdroższym obrazem tego artysty. Mówi się, że chrupać, którego ścieżka życia - tragedia kredytowa, umieścić tak wiele płonących w niej, że obraz wchłonęło negatywną energię i zabiera przestępców.

Jeden z personelu Mulka Muzeum w jakiś sposób przypadkowo upuścił zdjęcie, po czym zaczął cierpieć na straszne bóle głowy, które doprowadziły tej osoby do samobójstwa. Inny pracownik muzealny, który nie zdołał utrzymać obraz, dosłownie przez kilka, wszedł do strasznego wypadku samochodowego. A gościel Muzeum, który pozwolił sobie dotknąć obrazu, po pewnym czasie spalonym w ogniu żyje. Jednak nie jest wykluczone, że po prostu zależy.

Malewicz "Black Square" ma "starszego brata"

"Black Square", który jest chyba najsłynniejszy obraz Kazimir Malewicza, jest szmatką 79.5 * 79,5 centymetry, na której czarny plac jest pokazany na białym tle. Malewicz napisał jego zdjęcie w 1915 roku. W 1893 roku, 20 lat do Malewicza, Alla Alla, francuski pisarz humorysty, przyciągnął swój "czarny plac". To prawda, że \u200b\u200bnazywano obraz Alla "Bitwa Blacks w głębokiej jaskini w nocy".

Ostatni wieczór. Leonardo da Vinci.

Jakoś na ulicy, artysta widział pijak, który nie powiódł się, próbował wyjść z Cesspool. Da Vinci zabrał go do jednej z instytucji peetic, usiadł i zaczął rysować. Jaka była niespodzianka artysty, kiedy, palenie, pijak przyznał, że kilka lat temu już go podniósł. Okazało się, że jest to najbardziej sing.

Płótno, olej. 144 o 162 cm

Po raz pierwszy zobaczyłem zdjęcie ... Dokładniej, muszę oczywiście powiedzieć, więc: dowiedziałem się o istnieniu tego obrazu od pana Bean z udziałem Rowan Atkinsona. Mówimy o pełnej długości produkcji filmowej z 1997 roku, a nie o serii telewizyjnych 14 odcinków (od 1990 do 1995 r.). Tak więc, według fabuły filmu, zdjęcie James Whistler został zakupiony od Francuski Muzeum Francji z jednym bogatym i przekazanym do Galerii Sztuki Los Angeles. Strażnik królewskiej brytyjskiej galerii Pan Bean jest niewłaściwy, ale rozpaczliwie zepsuł głowę matki artysty. Powyżej okoliczności tego horroru wciąż się śmiała i wciąż śmieją się setki milionów ludzi na całym świecie. I byłem tak ogólnie, byłem nie mniej niż najbardziej nieszczęśliwy pan Bina.

Rena Magritte "Zamek w Pirenejach"

Obraz nie nazywa się zamkiem powietrza! I dlaczego powinno być tak zwane, ponieważ zamki powietrza są czymś efemerycznym, niemożliwe na sprzedaż, z obszaru niezrealizowanych snów i próżnych nadziei. A przed nami przykład wykonania wielkiej grawitacji, masywności, kamiennego zamku-asteroid. Zawieś go nad morzem i zdejmij, dlatego tylko mowaby mogła tylko surrealistyczna. W końcu surrealizm, jest ponad, pod, z boku ... gdziekolwiek, ale nie sama rzeczywistość! Cóż, nawet jeśli sam Magritte powiedział, że surrealizm jest rzeczywistością, uwolnioną od banalnego znaczenia. Zagraj w słowa i mogę i mogę powiedzieć wiele rzeczy ... ale nie wiem jak rysować. A Rena Magritte postanowiła odłączyć się na ziemię na cokolwiek i wyciągnęła jego Le Château des Pyrénées - Zamek w Pirenejach. Jest to możliwe, że inny artysta James Cameron, ale za 50 lat wypełnia swoje znaczenie do istnienia bezważnych kamiennych mieszkań

Wasily Ivanovich Surikov "Boyajna Morozova". Płótno, olej. 304 przy 587,5 (1887)

"Boar morozova" - Jedna ze słynnych historycznych kontanwie surikovy. W wielu parametrach przypomina mi zdjęcie "", napisane za 6 lat przed "Boyari Morozova", choć pomysł na wyciągnięcie chłopaka przybył do Surikowa w 1881 roku, w roku pisania "porannej egzekucji". Nie będę mówić o technice egzekucji, porozmawiam o fabule. I tam i oto próbę światopoglądów. W 1881 r. Surikow opisuje zniszczenie klasy Streetsky, aw 1887 r. - do masakry nad starannością. I są świadkowie sądu - ludzie, miasto, budynki. W "rano wykonaniu streślicy" katedra Basilu Błogosławiona wisi nad łucznikami, w "Boyaryn Morozova" Cuda klasztoru przyjmuje znak bismite z rozdzielacza. I tam i są dwie prawdy: prawda Streltsova i reformistów Pravda Peter I; Prawdziwy Patriarcha Nikon, Reformator Kościoła i Prawda Raskolnikova. Te różne rosyjskie prawdy, zatkając się nawzajem, a nie do życia, ale na śmierć. Srowew, a więc dzisiaj znaliśmy tylko jedną prawdę - Peter I był Wielkim Rosyjskim Królem, Emperor Reformer, a starym wierzącym, które dziś są tylko milion osób, nie więcej niż egzotyczne ortodoksji.

Płótno, olej. 199,5 o 254 cm

Inny tytuł obrazu - " Ivan Straszny zabija jego syna" Jeśli spojrzysz na zdjęcie Ilya Repin "Nieuzbrojony" oko, widać dużą tragedię. W ramionach ojciec umiera, od śmiertelnej rany, jego ukochanego syna. Oczy króla są pełne żalu i rozpaczy, strachu i bólu dla osoby natywnej. Ojciec tak, jakby chwyciła głowę Tsarevicha od uderzeń, próbuje uratować syna z nieznanego zła, który dotyczył życia. A oto morderstwo? Co nazwa obrazu "Ivan Grozny zabija syna"? Czy tak zabije?! Czy naprawdę król w gniewie uderzył syna, a więc zmarł na miejscu?

Płótno, olej, 1533, 207 o 209 cm

Po raz kolejny jestem przekonany, że czas artysty, ludzi, jego otaczających, politycznych i religijnych ruchów w społeczeństwie - wszystko to bezpośrednio wpływa na jego pracę, odzwierciedlenie w pracach. Ta myśl wydaje się oczywista, ale wielu artystów twierdzi, mówią, że nie robią na zewnątrz, główną rzeczą dla nich jest stworzenie. Jest to bardziej napisane bardziej szczegółowo, a temat spowodował znaczną dyskusję.

Więc, Hans Golbien Jr. (1497 - 1543), niemiecki artysta i jego obraz "Ambasador".

W 1529 r. Król angielski Heinrich VIII odwrócił się do papieża z prośbą o zakończenie małżeństwa, aby mógł poślubić innego, Anna Boleyn. Tata odmówił, to król wyrwał relację z Watykanem, aw 1534 roku sam stał się szefem angielskiego kościoła. Więc podział kościoła rozpoczął się w Anglii lub w inny sposób - reformacja.

Olej, temperatura, pastelowy, karton, 91 x 73,5 cm

Obraz "potok" Najbardziej znany obraz norweskiego artysty Edward Munka. (1863 - 1944), jedna z najbardziej wyrazistych uprawnień ekspresjonizmu. Taki obraz nowoczesnych wydawców literatury masowej może być pewnie umieścić w doborze z tytułem "dziesięć najbardziej przerażających obrazów w historii".

Praca jest wykonana przez artystę, przynajmniej w pięciu wersjach (dwie opcje - obraz olejny, dwie opcje - pastel, jedna opcja - litografia) i jest kręconym przykładem zrozumienia malowania z szerokim kręgiem widzów. Obraz złożonej emocjonalnej kulki, malarstwo nie jest zewnętrznymi formami i kolorami, a wewnętrzny splash, przesyłany przez pędzel i farby, jest wyraźnie i jednoznacznie odczuwalne przez ludzi. Co chciałeś powiedzieć Edward Munk.? Moim zdaniem, po prostu chciałem, powiedziałem! I wszyscy słyszeli: dużo odniesień w kulturze masowej, emocje wśród kolekcjonerów, apeluje do "krzyku" innych artystów, masę interpretacji historyków sztuki, psychiatrzy, socjologów, tylko dużych pieniędzy na aukcjach, a także jest słusznie świętowała, pieniądze nie są opłacane tak bardzo za imię malarza, ile jest dla samej pracy. A wszystko to jest jedna strona sprawy ...

Podręcznik kolorów kolorów, 23,9 × 18,8 cm

Obraz rośnie

"Spacer, w przeciwnym razie wpadniesz do taśmy i zapomnienia ... Pamiętaj, że musisz spełnić misję, że opatrzność wyznaczyła Cię. Kiedy nadejdzie czas, otworzy twoje oczy i bezpośrednio na żądanej ścieżce. Bądź zawsze gotowy na to ... Słuchaj uważnie, a usłyszysz, gdy połączenie brzmiało! .. "

Starożytni astrologowie o Saturn

Skrzydlata kobieta siedzi na myśli, otacza przedmioty: pomiaru, narzędzia stolarskie. W pobliżu znajduje się piłka (być może jest drewniana, ogrzewana ostatnio). Obfitość części nie odwraca uwagi ze skrzydlaty. Wyróżnia się ogólnymi warunkami, jakby jest na zewnątrz (lub wyżej?) Otaczający świat. Wydarzenia, życie odbywa się bez jej udziału. Klepsydra na ścianie wzmacnia to uczucie. I wszystko to się nazywa melancholiaCzym jest jasne z napisu, że nietoperz niesie (nazywa się to historykami sztuki, chociaż rozpoznam trochę nietoperza w tym ogonowym stworzeniu).

Ile postaci, alegorii, które są przemyślane do najmniejszej kompozycji! Dla osób mieszkających w tamtych czasach (1514), takie zarzuty były mniej lub bardziej zrozumiałe. Co to jest dla nas grawerowanie? Jeśli nie wchodzisz do interpretacji, mając tylko obraz tak przed oczami?

Tonowany papier, olej, 1510 g. 28 × 22,5 cm

Obraz rośnie

W epoce mieszkało wiele setek pokoleń ludzi, które mamy najbardziej niejasne pomysły. Kto wie, jaka jest różnica między życiem miasta początku XIV z jego pobytu pod koniec wieku? Co więcej, trudno nam rozróżnić życie a moralności początku i końca długości tysiąca lat! Całe wieki są dla nas niewyraźne, ponuro i dzikie. Średniowiecze.

Taka nazwa została przyznana historycznym okresie renesansu, oznaczająca okres od upadku starożytnego Rzymu przed ich czasem, które naturalnie nazywają nowe. Oczywiście, naturalnie cała kultura wczesnego odrodzenia interpretują życie i dziedzictwo najbliższej przeszłości.

Płótno, olej, 1825-1827 g. 76 o 68 cm

Obraz wzrasta.

W drugiej połowie XIX wieku powstała nowy prąd - impresjonizm. Najważniejsze było to: przeniesienie chwilowego uczucia, chwili, bez pogłębiania się w filozofii i rozumowaniu. Zdjęcia impresjonistów są zazwyczaj wesoły (lub ładne nostalgicznie smutne). Są łatwe i naturalne.

W 1808 r. Napoleon wszedł w Hiszpanię, długoterminowe krwawe bitwy rozpoczęły się w miastach. Hiszpańscy ludzie gwałtownie opierali najeźdźcę. "Numer błędu One to wędrówka w Hiszpanii" Napoleon napisał na wyspie St. Helena (jaki będzie drugi błąd, myślę, że jest jasne). Konsekwencje wojny później, po wydaleniu wojen francuskich, opisują Francisco Goyia.

Obraz wzrasta. Widać, że obraz pęknięty i połknięty; Początkowo jest to gładka czarna płótna.

Rozważ malowanie Casimir Malevich "czarny suprematyczny kwadrat" Jest to możliwe tylko w ramach Malevich stworzonych w obrazie zatytułowanym suprematyzm.. Jedyny sposób. W przeciwnym razie rozmowa o tej pracy nie wyjdzie poza banalny "król nagi" lub "dziecko z przedszkola nie może narysować gorzej". Nie zamierzam również omówić wartość monetarną obrazu z ludnością światowej populacji historyjskich ekspertów (zachodnich naturalnie) przeciwko zdrowie zdrowia populacji pracy planety.

W prawie każdej znaczącej dziele sztuki istnieje tajemnica, "podwójna dno" lub tajemna historia, którą chcesz ujawnić.

Muzyka na pośladkach

Jerome Bosch, "Ogród Ziemi zachwyca", 1500-1510.

Fragment części tryptyk

Spory dotyczące znaczeń i ukrytych znaczenia najbardziej znanego dzieła holenderskiego artysty nie ustępuje od momentu jego wyglądu. Na prawym skrzydła tryptyk o nazwie "Mu Music Hell" są przedstawili grzesznicy, którzy tortują w podziemiach za pomocą instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki na pośladkach. Student uniwersytetu chrześcijańskiego Oklahoma Amelia Hamrick, który studiował obraz, przesunął notację XVI w nowoczesny sposób i nagrał "piosenkę z dupy z piekła, co było 500 lat".

Nude Mona Lisa.

Słynny "joconda" istnieje w dwóch wersjach: Wersja Nude nazywa się "Monta Bath", napisała jej mnóstwo artysta Salaya, który był studentem i symulatorem Wielkiego Leonardo da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonany, że był to model do obrazów Leonardo "John Baptist" i "Bakhus". Istnieją również wersje, że Salaya ubrana w suknię damską służyła jako sama Mona Lisa.

Stary rybak

W 1902 r. Węgierski artysta Tivadar Kostya Chongwari napisał zdjęcie starego rybaka. Wydawałoby się, że na zdjęciu nie ma nic niezwykłego, ale Tivar położył w nim podtekst, w trakcie życia artysty i nieujawnionego.

Niewiele osób nastąpiło, aby zastosować lustro na środek obrazu. Każda osoba może być jak Bóg (praworęczny ramion starego człowieka) i diabeł (lewe ramię starego człowieka jest powielane).

I był zestawem?

Hendrik Van Antonissen "Scena na brzegu".

Wydaje się, że zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i opuszczone morze. A tylko badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie zebrani na brzegu są tak samo - w oryginale uważali za tuszy Chin, rzucony na brzeg.

Jednak artysta zdecydował, że nikt nie chciałby spojrzeć na martwego wieloryba i przepisał obraz.

Dwa "śniadanie na trawie"

Eduard Mana, "Śniadanie na trawie", 1863.

Claude Monet, "Śniadanie na trawie", 1865.

Artyści Eduard Mana i Claude Monet są czasami mylić - w końcu byli zarówno francuskimi ludźmi, mieszkali w jednym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet nazwa jednego z najbardziej znanych obrazów Mana "śniadanie na trawie" Monet zapożyczył i napisał swoje "śniadanie na trawie".

Podwaja się na "ostatni wieczór"

Leonardo da Vinci, "Ostatnia kolacja", 1495-1498.

Kiedy Leonardo Da Vinci napisał "tajny wieczór", załączył szczególne znaczenie do dwóch postaci: Chrystusa i Judy. Szukał dla nich symulatorów przez bardzo długi czas. Wreszcie udało mu się znaleźć model obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Aby odebrać symulator dla Judah Leonardo, nie był w stanie przez trzy lata. Ale pewnego dnia natknął się na ulicę na pijak, który leżał w ściekach. To był młody człowiek, który był trawieniem. Leonardo zaprosiła go do restauracji, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijący przyszedł do siebie, powiedział artystę, że jeden dzień go już stwarzył. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w chórze kościoła, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

"Nocny zegarek" lub "dzień"?

Rembrandt, "Night Watch", 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandt "Spółka karabinowa Captain France Banng Coca i porucznik Vill Vall Ryuteitbürga" Około dwieście lat sprawdził w różnych salach i odkryto przez historyków sztuki tylko w XIX wieku. Ponieważ wydawało się, że postacie występują na ciemnym tle, nazywano ona "Night Watch", a pod tym tytułem wszedł do Skarbu Państwa świata.

I tylko podczas przywrócenia spędzonego w 1947 roku odkryto, że w hali obraz zdołał być pokryty warstwą sadzy, zniekształcając jej smak. Po wyczyszczeniu oryginalnego malarstwa okazało się, że scena reprezentowana przez Rembrandt rzeczywiście występuje w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej strony kapitana Coca pokazuje, że czas działania nie jest więcej niż 14 godzin.

Odwrócona łódź.

Henri Matisse, "łódź", 1937.

W Nowym Jorku Muzeum Sztuki Współczesnej w 1961 roku wystawiono zdjęcie Henri Matisse "Boat". Dopiero po 47 dniach ktoś zwrócił uwagę na fakt, że obraz wisi do góry nogami. Na płótnie przedstawione 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Dwa żagle, artysta namalowany nie tylko tak, drugi żagiel jest odbiciem pierwszej wody.
Aby nie popełnić błędu, jak obraz powinien zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel musi być górną częścią obrazu, a szczyt wzoru żagla powinien być skierowany do prawego górnego kąta.

Oszukiwanie autoportret

Vincent Van Gogh, "autoportret z rurką", 1889.

Fakt, że Van Gogh rzekomo odciął ucho, idź legendami. Teraz najbardziej niezawodna jest wersja, że \u200b\u200bucha Van Gogha uszkodzona w małym stuffle z udziałem innych pól artystycznych - gogen.

Autoportret jest interesujący, który odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta jest przedstawiony za pomocą bandażowego uchu, ponieważ użył lustra podczas pracy. W rzeczywistości poniosł lewe ucho.

ALIENS MISHKI.

Ivan Shishkin, "Rano w lesie sosnowym", 1889.

Słynny obraz należy nie tylko szczotki Shishkin. Wielu artystów, którzy byli przyjaźni, wśród siebie często uciekali się do "pomocy przyjaciela", a Ivan Ivanovich, miał całe życie z krajobrazami, obawiając się, że dotykające niedźwiedzie nie działałyby z nim, jak to było konieczne. Dlatego Shishkin odwołał się do znanego artysty animalistowego Konstantin Savitsky.

Savitsky Malowała prawie nie najlepiej niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tryceakow rozkazał jej nazwisko z płótna, ponieważ wszystko na zdjęciu "Od planu i zakończenie spełnieniem, wszystko mówi o sposobie malowania, o twórczej Metoda Shishkin. "

Niewinna historia "Gothic"

Grant Wood, "American Gothic", 1930.

Praca dotacji z drewna jest uważana za jedną z najdziwniejszych i przygnębiających w historii amerykańskiego obrazu. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na nasilenie, oczyszczanie i retrograde ludzi przedstawionych.
W rzeczywistości artysta nie myśli o przedstawieniu jakiegokolwiek horroru: podczas podróży do Iowa i zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealnie przyjść jako mieszkańcy. W formie znaków, które są tak obrażane przez mieszkańców Iowa, siostrę dotacji, a jego dentysta są uwiecznione.

Zemsta Salvador Dali

Obraz "Rysunek przy oknie" został napisany w 1925 r., Kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy artysta jeszcze nie napisał Gali, a jego muzeum była siostrą Ana Marią. Relacja brata i sióstr pogorszyła się, gdy napisał na jednym z zdjęć "czasami pluję na portret mojej matki i daje mi przyjemność". Ana Maria nie mogła wybaczyć taka szoku.

W swojej książce z 1949 r. Salvador dał oczami swojej siostry "pisze o swoim bratu bez większej pochwały. Książka prowadziła Salvador do wściekliznę. Kolejny dziesięć, był zły na siebie. I tak, w 1954 roku obraz "Młoda Dziewica, oddająca się grzech Sodomsky z pomocą rogów swojej własnej czystości." Pozę kobiety, jego loki, krajobraz poza oknem, a obrazy schematu kolorów wyraźnie echronicznie z "rysunkiem". Istnieje wersja, którą otrzymałem dąską siostrę dla swojej książki.

Podwójna Dana.

Rembrandt Harmens Wang Rhine, "Dana", 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednej z najbardziej znanych obrazów Rembrandt ujawniono dopiero w latach 60. XX wieku, gdy płótno oświeceni promieniowanie rentgenowskie. Na przykład strzelanie wykazało, że we wczesnej wersji, oblicze księżniczki, która wszedł do relacji miłosnej ze Zeusa, była podobna do twarzy Saskiy - małżonka malarza, który zmarł w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczęła przypominać twarz Herges Dirks - Lovers Rembrandt, z którym artysta żył po śmierci żony.

Żółta sypialnia van gogh

Vincent Van Gogh, "Sypialnia w Arles", 1888 - 1889.

W maju 1888 r. Van Gogh zdobył małe warsztaty w Arle, na południu Francji, gdzie uciekł, nie rozumiejąc swoich artystów i krytyków Paryżu. W jednym z czterech pokoi Vincent umieszcza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe, a postanawia narysować "sypialni Van Gogha w Arles". Dla artysty był bardzo ważny dla smaku, komfortu pokoi: wszystko powinno być wykonane do myśli na wakacjach. W tym samym czasie obraz wytrzymuje w niespokojnych żółtych tonach.

Kreatywność Van Gogha naukowcy wyjaśniają to przez fakt, że artysta wziął rozprysk - środek zaradczy na padaczkę, co powoduje poważne zmiany w pacjencie w postrzeganiu kolorów: Cała otaczająca rzeczywistość jest malowana w odcieniach zielonych żółtych.

Bezzębna perfekcja

Leonardo da Vinci, "Portret pani Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

Ogólnie przyjętą opinią jest to, że Mona Lisa jest doskonałością, a uśmiech jest piękna z jego tajemnicą. Jednak historyk amerykański artystyczny (i dentysta w niepełnym wymiarze godzin) Joseph Borkowski wierzy, że, oceniając przez wyraz twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiowanie powiększonych zdjęć arcydzieła, Borkovski odkrył również blizny wokół ust. "Uśmiecha się tak, z powodu tego, co się z nią stało", wierzy ekspert. - Wyrażenie jej twarzy jest zazwyczaj dla osób, które straciły przednie zęby. "

Major na Facingontrol.

Pavel Fedotov, "major major", 1848.

Społeczeństwo, który po raz pierwszy zobaczył zdjęcie Major "Watchów", roześmiał się z duszy: Artysta Fedotowa wypełnił ironiczne szczegóły, zrozumiałe widzów tego czasu. Na przykład, major wyraźnie nie zaznajomił z zasadami szlachetnej etykiety: pojawił się bez ułożonych bukietów dla panny młodej i jej matki. I sam panna młoda, jej rodzice kupców odprowadzani do wieczornej sukni balowej, choć w dniu jardu (wszystkie lampy w pokoju wygasają). Dziewczyna wyraźnie po raz pierwszy spróbowała sukienkę, zdezorientowaną i próbuje uciec w jego bel.

Dlaczego wolność jest naga

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Wolność na barykadach", 1830.

Według historyka sztuki Etienne Juli, Delacroix napisał twarz kobiety ze sławnymi parisianami rewolucjonistami - Missure Anna-Charlotte, który poszedł do barykadów po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabili The Nicner Glowismen. Artysta przedstawił go nagi piersi. Według niego jest to symbol nieustraszenia i poświęcenia, a także obchody demokracji: klatka piersiowa Nagaya pokazuje, że wolność, jako prosty kapelusz, nie jest gorsetem.

Unquantant Square.

Kazimir Malevich, "Czarny Suprematyczny Square", 1915.

W rzeczywistości "Black Square" nie jest wcale czarny, a nie w ogóle kwadratowy: żadna z boków czworokąt nie jest równoległa do żadnej innej boku, a nie jednej z boków kwadratowej ramki, którą obraz jest oprawiony . A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie była czarna. Uważa się, że nie był to zaniedbanie autora, ale podstawową pozycję, pragnienie stworzenia dynamicznej, ruchomej formy.

Specjaliści galerii TryTEKOV znaleźli napis autora na słynnym obrazie Malewicza. Stany napis: "Bitwa pod czarnymi w ciemnej jaskini". Ta fraza wysyła do nazwy żartowania francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alla Alla "Bitwa pod czarnymi w ciemnej jaskini głębokiej w nocy", który był absolutnie czarnym prostokąta.

Melodrama Austrian Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portret Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Na jednym z najważniejszych klimatów, żona austriackiego cukru Magnate Fetinad Bloch został schwytany. Wszystkie Wiedeń omówiło burzliwego Romana Adella i słynnego artysty. Wrażliwy mąż chciał zemścić się na miłośników, ale wybrał bardzo niezwykły sposób: postanowił zamówić portret Portret Adeli i sprawi, że wykonuje setki szkiców, dopóki artysta zacznie się odwrócić.

Bloch Bauer chciał pracować, aby trwać przez kilka lat, a symulator mógł zobaczyć, jak uczucia Clima mogły się zamieszać. Zrobił artysta hojnej propozycji, z której nie mógł odmówić, a wszystko rozwinęło się na scenariuszu zmartwionego męża: Praca została ukończona przez 4 lata, kochankowie długo ochłodzą do siebie. Adel Bloch Bauer nigdy nie dowiedział się, że jej mąż był świadomy jej związku z Clima.

Obraz, który zwrócił gogen do życia

Paul Gajen, "Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?", 1897-1898.

Najbardziej znanym płótnem Hogen ma jedną funkcję: to jest "czytanie" bez lewej do prawej, ale po prawej do lewej, jak Kabalistyczne teksty, które zainteresowany artysta był zainteresowany. Jest to w tej kolejności, że zaułek życia duchowego i fizycznego osoby rozwija się: z pochodzenia duszy (śpiąc dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazurach w lewy dolny róg).

Obraz został napisany przez gogen w Tahiti, gdzie artysta biegał kilka razy od cywilizacji. Ale tym razem życie na wyspie nie określono: Łączne ubóstwo doprowadziło go do depresji. Po zakończeniu płótna, które powinno stać się jego duchowym Testamentem, Gauguen wziął pudełko z arsenami i poszedł do gór, aby umrzeć. Jednak nie obliczył dawki, a samobójstwo nie powiodło się. W następnym rannym, huśtawce, nie znał chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. W 1898 r. Jego sprawy poszły pod górę, aw pracy rozpoczął swój jasny okres.

112 Przysłów na jednym obrazie

Peter Bruegel - Senior, "Przysłów Holandii", 1559

Peter Bruegel - Senior przedstawiał ziemię, zamieszkany przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów w tych dniach. Na piśmie, istnieje około 112 uznanych idiomów. Niektóre z nich są przyzwyczajeni do tego dnia, na przykład, takie jak: "Fly Against obecne", "walczyć z głową o ścianie", "zbrojony na zęby" i "Duża ryba zjada małą".

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzkie bzdury.

Podmiotowość art

Paul Gogen, "Breton Village pod śniegiem", 1894

Malowanie gogenu "Breton Village w śniegu" został sprzedany po śmierci autora w zaledwie siedmiu franków, a ponadto zwany Niagara Falls. Mężczyzna, który spędził aukcję przypadkowo odłożył zdjęcie nóg, widząc w nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

W 2008 r. Promieniowanie podczerwone wykazało, że "niebieski pokój" był ukryty inny obraz - portret mężczyzny ubrany w garnitur z motylem i położył głowę na ręce. "Gdy tylko Picasso pojawił się nowy pomysł, został zabrany na szczotkę i ucieleśnił. Ale nie miał okazji kupić nową płótno za każdym razem, gdy odwiedził muza, wyjaśnia możliwy powód do tej krytyki artystycznej Patricia Favero.

Niedostępna marokcanika.

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Kiedy Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę - przejść do twórczej podróży, aby przedstawić nagi figury wschodniej dev. Okazało się, że w tych miejscach, aby znaleźć symutery po prostu niemożliwe. Tłumacz Zinaida przybył na ratunek - poprowadził jej siostry i pannę młodą do niej. Nikt przed tym, a potem nie zdołał uchwycić zamknięte orientalne kobiety nago.

Spontaniczna iluzja

Valentin Serov, "Portret Nicholasa II w presji", 1900

Przez długi czas Serov nie mógł napisać portretu króla. Kiedy artysta w ogóle się poddał, przeprosił Nikolai. Nikolai był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, rozciągając ręce przed nim ... a potem artysta namalowany - tutaj jest to obraz! Proste wojsko w bulwie oficerskim czystym i smutnym oczami. Ten portret jest uważany za najlepszy obraz ostatniego cesarza.

Ponownie podwójny

© Fedor Reshetnikov.

Słynny obraz "znowu dwa" jest tylko drugą częścią trylogii artystycznej.

Pierwsza część jest "przybyła na wakacje". Oczywiście zabezpieczona rodzina, wakacje zimowe, radosny student studencki.

Druga część jest "znowu Deuce". Biedna rodzina z obrzeżników roboczych, pośród roku szkolnego, Puraden Obalala, znów chwycił dwa. W lewym górnym rogu widoczny był obraz "przybył na wakacje".

Trzecia część to "ponowne badanie". Wiejski dom, lato, cały spacer, jedna szkodliwa nierówności, niepowadła egzamin roczny, jest zmuszony do siedzenia w czterech ścianach i narzędziach. W lewym górnym rogu widoczny jest obraz "dwa ponownie".

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, "Deszcz, pary i prędkość", 1844

W 1842 r. Pani Simon podróżował pociągiem w Anglii. Nagle rozpoczął silny prysznic. Starszy dżentelmen, który siedział naprzeciwko jej, wstał, otworzył okno, utknął głowę i spojrzał na dziesięć minut. Nie można utrzymać ciekawości, kobieta otworzyła okno i zaczął patrzeć w przyszłość. Rok później znalazła zdjęcie "deszczu, pary i prędkości" na wystawie w Royal Academy of Arts i był w stanie rozpoznać ten sam epizod.

Lekcja anatomii z Michelangelo

Michelangelo, "Stworzenie Adama", 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii wierzą, że Michałaangelo faktycznie opuścił pewne anatomiczne ilustracje w jednym z jego najbardziej znanych prac. Wierzą, że we właściwej części zdjęcia przedstawia ogromny mózg. Jest zaskakujące, ale można znaleźć nawet skomplikowane elementy, takie jak móżdżku, nerwy optyczne i dżdżownica przysadki. A odlewana zielona wstążka doskonale pokrywa się z lokalizacją tętnicy kręgowej.

"Ostatnia kolacja" van gogh

Vincent Van Gogh, "Night Terrace Cafe", 1888

Explorer Jared Baxter uważa, że \u200b\u200bna płótnie Van Gogh "Night Terrace Cafe" jest szyfrowany przez poświęcenie "Secret Evening" Leonardo Da Vinci. Na środku obrazu znajduje się kelner z długimi włosami i białą tuniką, przypominając ubrania Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 odwiedzających do kawiarni. Również Baxter zwraca uwagę na krzyż, znajduje się tuż za powrotem kelnera w kolorze białym.

Pamięć Dali.

Salvador Dali, "Konstytucja pamięci", 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli uczestniczące w DALI podczas tworzenia swoich arcydzieł były zawsze w formie bardzo realistycznych obrazów, które artysta przeniesiony do płótna. Tak więc, zgodnie z samym autorem obraz "stałość pamięci" została napisana w wyniku stowarzyszeń wynikających z postaci stopionego sera.

Co krzyczy Munk.

Edward Munk, Creek, 1893.

Munk, więc opowiadał o pojawieniu idei jednej z najbardziej tajemniczych obrazów na świecie: "Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce usiadłem - nieoczekiwanie nieoczekiwanie stało się krwawe-czerwone, zawieszone Wyczerpany i pochylony o ogrodzeniu - spojrzałem na języki krwi i płomień nad niebieskawo-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc przed podnieceniem, czując niekończący się krzyk, przebijającą naturę. Ale jaki rodzaj zachodu słońca może przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że \u200b\u200bidea "krzyku" urodził się w Mill w 1883 roku, kiedy wystąpiło kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau - tak potężny, że zmienili temperaturę atmosfery Ziemi do jednego stopnia. Obfita ilość pyłu i popiołu rozprzestrzenił się na całym świecie, pochodzącym nawet do Norwegii. Kilka wieczorów z rzędu, zachody słońca wyglądały tak, jakby apokalipsa byłaby - jedna z nich była źródłem inspiracji artysty.

Pisarz w ludziach

Alexander Ivanov, "Zjawisko Chrystusa", 1837-1857.

Dziesiątki symulatorów stwarzały Alexander Ivanov na jego głównym zdjęciu. Jeden z nich jest znany z nie mniej niż artysta. W tle, wśród traversów i jeźdźców rzymskich, którzy jeszcze nie słyszeli głoszenia Jana Forrerunnerów, widzisz postać w Korchin Chiton. Jego Ivanov napisał z Nicholasa Gogola. Pisarz ściśle przekazał artystę we Włoszech, w szczególności w kwestiach religijnych i dał mu porady w procesie pisania obrazu. Gogol wierzył, że Ivanov "Long zmarł na cały świat, z wyjątkiem pracy".

Jele Michelangelo.

Rafael Santi, School Ateny, 1511.

Tworzenie słynnej freski "Athens School", Rafael poświęcił swoich przyjaciół i znajomych w obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonotti "w roli" Henite. Kilka wieków Fresco utrzymywała tajemnice życia osobistego Michelangelo, a nowoczesni badacze założyli, że dziwnie zły kolano artysty świadczy o obecności chorób stawów.

Prawdopodobnie rozważy cechy stylu życia i warunków pracy artystów renesansowych i przewlekłego workholizmu Michelangelo.

Lustro para Arnolphini.

Yang Van Eyk, "Portret Arnolphin Fau", 1434

W lustrze za małżonkami Arnolfina można zobaczyć odbicie dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecne na zakończenie umowy. Jednym z nich jest Van Eyape, o czym świadczyła napis łaciński, umieszczony, wbrew tradycji, powyżej lustra w środku kompozycji: "Jan Van Eyka było tutaj". Tak zwykle zapinane umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens Wang Rhine, "autoportret w wieku 63", 1669.

Badacz Margaret Livingston studiował wszystkie portrety autoportretów Rembrandt i okazało się, że artysta poniósł jako murnik: w obrazach jego oczy patrzą na różne kierunki, które nie obserwuje się na portretach szczotek innych ludzi. Choroba doprowadziła do faktu, że artysta może lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż ludzie z normalną wizją. To zjawisko nazywa się "stereo" - niezdolność do zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, to był ten niedobór Rembrandta, który może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Na pewno Wenus.

Sandro Botticelli, "Narodziny Wenus", 1482-1486.

Przed pojawieniem się "narodziny Wenus" obraz nagich ciele żeńskiej w obrazie symbolizowało tylko ideę grzechu pierwotnego. Sandro Botticelli Pierwszy z europejskich malarzy nie znaleźli w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są przekonani, że pogańska bogini miłości symbolizuje na fresku.

Butterist lub rzeźnik?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Przez długi czas obraz został wystawiony w pustelnie zwanym "Butcher". Tylko na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że kanapa nadal pokazuje młodego mężczyzny (prawdopodobnie Caravaggio pozował swojego znajomego artysty Mario Minni): na notatkach przed muzykiem, nagranie impreza basowego Madrigala Jacob Arcaader " Wiesz, że cię kocham ". Kobieta nie mogłaby mieć takiego wyboru - to tylko trudne do gardła. Ponadto lutni, jak skrzypce na samej krawędzi obrazu, uznano za narzędzie męskie w erze karawaggio.

Dziś w każdym muzeum możesz słuchać wspaniałych przewodników, które będą szczegółowo szczegółowo omówić spotkania i artystów. Jednocześnie wielu rodziców wie, że większość dzieci jest trudna do spędzenia nawet godziny w muzeum, a historie o historii malarstwa są bardzo zmęczone. Tak więc dzieci w Muzeum nie znudziły się, oferujemy "łóżeczko" dla rodziców - dziesięć zabawnych opowieści o obrazach z Galerii Tretyakowskiej, które będą interesujące zarówno dla dzieci, jak i dorosłych.

1. Ivan Kramskaya. "Syreny", 1871

Ivan Kramskaya jest przede wszystkim znany jako autor obrazu "nieznanego" (często jest błędnie nazywany "obcym"), a także wiele pięknych portretów: Lion Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleeev. Ale dzieci są lepiej, aby rozpocząć znajomość swojej pracy z magicznym obrazem "Mermaid", które są związane z jaką historią.
W sierpniu 1871 r. Artysta Ivan Kramskaya znajdował się na wsi swojego przyjaciela, miłośników sztuki i słynnego patrona Pavel Stroganova. Spacer po wieczorach podziwiał księżyc i podziwiał jej magiczne światło. Podczas tych spacerów artysta postanowił napisać nocny krajobraz i spróbuj przenieść cały urok, całą magię nocy księżycowej, "złap księżyc" - według własnego wyrazu.
Kramskaya zaczął pracować na zdjęciu. Wybrzeże rzeki w nocy księżycowej, hillock i dom na nim, otoczony topoli. Krajobraz był piękny, ale brakowało czegoś - magia na płótnie nie urodziła się. Artysta Książka Nikola Gogola przyjeżdżała do artysty "w gospodarstwie w pobliżu Dikanka", dokładniej historia o nazwie "Maj Night, Lub Pijana" - fantastyczny i trochę szalony. I tutaj zdjęcia pojawiły się dziewczyny oświetlone światłem księżyca.
Artysta pracował tak ostrożnie na obrazie, że zaczęła marzyć, a on stale chciał ukończyć coś w nim. Rok po tym, jak kupiła założyciel Galerii Tretyakowskiej - Pavel Tretyakov, - Kramskoy po raz kolejny chciał zmienić coś w nim i zrobił małe edycje w sali wystawowej.
Karmsky Canvas stał się pierwszym "wspaniałym" obrazem w historii rosyjskiego malarstwa.

2. Wasily Vereshchain. "Apoteoza wojny", 1871


Tak się stało, że ludzie zawsze walczyli. Ekspercje ze stuleciami dzielnych przywódców i potężni władcy wyposażyli swoje armie i wysłali je do wojny. Oczywiście, że chcieli dowiedzieć się o swoich exploits wojskowych, dlatego poeci zostali stworzeni wiersze i piosenki, a artyści stworzyli piękne obrazy i rzeźby. W tych obrazach wojna zwykle przypominała wakacje - jasne farby, nieustraszone wojownicy zamierzają bitwy ...
Artysta Wasily Vereshchagin wiedział o wojnie, po raz pierwszy - wielokrotnie wziął udział w bitwach - i napisał wiele obrazów, które przedstawił to, co widział swoje własne oczy: nie tylko odważni żołnierze i przywódcy wojskowi, ale także krew , ból i cierpienie.
Kiedyś pomyślał o tym, jak pokazać wszystkie okropności wojny na jednym obrazie, jak dać publiczności do zrozumienia, że \u200b\u200bwojna jest zawsze żal i śmierć, jak dać innym spojrzeć na jej obrzydliwe szczegóły? Uświadomił sobie, że nie wystarczy napisać zdjęcie z polem bitwy, martwych wojowników, były wcześniej płótno. Vereshchagin wymyślił symbol wojny, obraz, po prostu patrząc, na który każdy może sobie wyobrazić, jak okropna jest jakąkolwiek wojnę. Napisał wypaloną pustynię, w środku, którego piramida z ludzkich czaszek jest wieże. Wokół - tylko suche, martwe drzewa i tylko roroni peacer na uczcie. Zniszczone miasto można zobaczyć w odległości, a widza może łatwo odgadnąć, że nie ma tam życia.

3. Alexey Savrasov. "Graci Flew", 1871


Obraz "Graci przeleciał" wszyscy wiedzą z dzieciństwa, a na pewno wszyscy napisali na jej esejach szkolnych. A dziś nauczyciele z pewnością powiedzą dzieciom o lirycznych krajobrazach Savrasowa i o tym, że w samym imieniu tego obrazu słyszy radosny na zawsze rano roku i wszystko w nim jest spełnione głęboko, blisko serca znaczenie. Tymczasem niewielu ludzi wie, że słynne "gardłańcy ...", a także całą resztę Savrasowa, nie mogli być w ogóle.
Alexey Savrasov był synem małej moskiewskiej pasażera. Pragnienie chłopca do angażowania się w malarstwa nie spowodowało rodzica rozkoszy, ale mimo to, w Moskwie School of Malarda i Rzeźby Kondrat Savrasov Sona Puść. Zarówno nauczyciele, jak i koledzy z klasy uznali talent młodego artystki i skierowali do niego świetną przyszłość. Ale to było tak, że bez zarabiania i lat, Alexey, najwyraźniej, ze względu na chorobę matki, został zmuszony przestać się studiować. Jego nauczyciel Karl Rabus zwrócił się do Moskiewskiego Maulast-Politzmer Maulatory Ivan Luzhin, który pomógł utalentowanym młodym człowiekowi, aby otrzymać edukację sztuki.
Jeśli Luzhin nie wzięł udziału w losie młodego artysty, jeden z najbardziej znanych obrazów w historii malarstwa krajowego nigdy nie pojawiłyby się.

4. Wasily Polenov. "Moskovsky Dvorik", 1878


Czasami, w celu napisania wspaniałego zdjęcia, artysta podróżuje dużo, przez długi czas i wybredne najpiękniejsze gatunki, na końcu znajduje się ceniony miejsce i raz na czas przychodzi na szkicu. I tak się zdarza, aby stworzyć wspaniałą pracę, wystarczy, aby po prostu podejść do własnego okna, spojrzeć na całkowicie zwykły dziedziniec Moskwy - a cud zdarza się, że niesamowity krajobraz, wypełniony światłem i powietrzem.
To był taki cud, który stało się z artystą Wasily Polenovyov, który spojrzał przez okno swojego mieszkania na początku lata 1878 roku i dość szybko napisał. Chmura łatwo przesuwa się na niebie, słońce jest podniesione powyżej, ogrzewanie ziemi ciepłem, oświetlenie kościołów z połyskiem, skracając grube cienie ... wydawałoby się - nieskomplikowany obraz, do którego sam artysta początkowo nie był Poważnie: napisał i prawie zapomniałem o niej. Ale tutaj został zaproszony do wzięcia udziału na wystawie. Nie miał nic znaczącego, a Polenov postanowił wystawiać Moskwa Dvorik.
Dziwnie wystarczająco, to było to "nieistotne zdjęcie", które przyniosło wasilię Polenova i chwałę - zakochała się w opinii publicznej, a krytycy: ma ciepłe i jasne farby, a jej bohaterów można oglądać nieskończenie, wymyślając historię o każdej z nich im.

5. Ivan Shishkin. "Rano w lesie sosnowym", 1889

"Rano w lesie sosnowym" Ivan Shishkin jest prawdopodobnie najsłynniejszym zdjęciem z kolekcji Galerii Tretyakowskiej. W naszym kraju wie, że wszystko, dzięki reprodukcji w podręcznikach szkolnych, a może dzięki czekoladowcom "niedźwiedź Kosolapiy".
Ale nie wszyscy wiedzą, że sam Shishkin napisał tylko rano las w mglistej mgiełce, a związek nie ma związku. To zdjęcie jest owocem wspólnej kreatywności Shishkin i jego przyjaciela, artysty Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin był niezrównanym mistrzem, aby przedstawiać wszystkie rodzaje botanicznych subtelności - krytyk Aleksander Benua jego ładna rzuciła go do dokładności fotograficznej, zwanej jego obrazami z martwymi i zimnymi. Ale z zoologią artysta nie był przyjazny. Mówią, że dlatego Shishkin odwołał się do Savitsky z prośbą o pomoc w niedźwiedziach. Savitsky Buddy nie odmówił, ale nie był poważnie do pracy - i nie umieścił podpisu.
Później, Pavel Tretyakow nabył ten materiał przed Shishkinem, a artysta zasugerował Savitsky opuszczenie podpisu na zdjęciu - w końcu pracowali nad nią razem. Savitsky zrobił, ale Tretyakow go nie podobało. Stwierdzając, że kupił zdjęcie z Shishkina, ale o Savitsky i nic nie wie, zażądał rozpuszczalnika, a jego własne ręce usunęły "dodatkowy" podpis. Tak się wydarzyło, że dziś w Galerii Tretyakowskiej wskazuje autorstwo tylko jednego artysty.

6. Victor Vasnetsov. "Bogatyri", 1898


Najbardziej "wspaniałym" artystą w historii rosyjskiego malarstwa jest Viktor Vasnetsov - to jego pędzle należą do takich znanych dzieł, jak "Alenuska", "Vityaz na skrzyżowaniu", "Bogatyr Skok" i wielu innych. Ale jego najsłynniejszym obrazem jest "Bogatyry", który pokazuje główne bohaterowie rosyjskiej epoperek.
Sam artysta opisał taki obraz: "Bogatyi Dobrynya, Ilya i Alyosha Popovich na Bogatlishway - zawiadomienie w tej dziedzinie, jeśli nie ma miejsca, nie obrażaj nikogo?".
W środku na kruczach konia Ilya muromety wyglądają w oddali od dłoni dłoni, w jednej ręce na bohatera włóczni, w innym kutasie bukietowym. Po lewej stronie na białym konie Dobrynya Nikitich wyjmuje miecz z pochwy. Po prawej stronie na konia Red-Masting Alyosha Popovich, posiada cebulę w rękach ze strzałami. Z bohaterami tego obrazu - dokładniej z ich prototypami - podłączony jest ciekawa historia.
Victor Vasnetsov długą myśl przez długi czas, jak powinien wyglądać jak Ilya Murometh, i przez długi czas nie mógł znaleźć "dobrej" twarzy - śmiałego, uczciwego, wyrażającego zarówno siłę, jak i dobroć. Ale pewnego dnia spotkał się z chłopem Ivan Petrow, który przyszedł do Moskwy za zarobki. Artysta był zdumiony - zobaczył prawdziwe muromety Ilya na ulicy Moskwy. Chłop zgodził się pozować Vasnetsov i ... pozostał w stuleciach.
Nikitich's Dobrynyna Nikitich Hadnons, ale z jakiegoś powodu osoba w średnim wieku jest przedstawiona na zdjęciu Vasnetsov. Dlaczego artysta rozwiązywał tak wiele wspólnego z opowieściami ludowymi? Tłumienie jest proste: Na obrazie Dobryni Vasnetsov przedstawił się, wystarczy porównać zdjęcie z portretami i fotografami artysty.

7. Valentin Serov. "Dziewczyna z brzoskwiniami. Portret V. S. Mammoth ", 1887

"Dziewczyna z brzoskwiniami" jest jednym z najbardziej znanych portretów w historii malarstwa rosyjskiego, napisanego przez artystę Valentin Serov.
Dziewczyna w portrecie - Verochka, córka Matsenna w Savva Mamontov, w domu, którego artysta często odwiedził artysta. Co ciekawe, brzoskwinie leżące na stole nie zostały przywiezione z ciepłych krawędzi, i wzrósł w pobliżu Moskwy, w mieście Abramtsevo, które w XIX wieku było dość niezwykłe w XIX wieku. Mamontov pracował przez Kreatora ogrodnika - w swoich umiejętnych rękach, drzewa owocowe kwitły nawet w lutym, a zbiory zebrano na początku lata.
Dzięki portrecie Serowskiego Vera Mamontov weszła do historii, ale sam artysta przypomniał, jakim rodzaj pracy warto przekonać się, aby stanowić 12-letnią dziewczynę, która została wyróżniona rzadkością niespokojnej postaci. Serov pracował na zdjęciu przez prawie miesiąc, a każdy dzień wiary przez kilka godzin siedział sędziego w jadalni.
Postępowanie nie było na próżno: Kiedy artysta wprowadziła portret na wystawie, naprawdę lubiłem obraz. A dziś, ponad sto lat później, "dziewczyna z brzoskwinami" podziwia odwiedzających Galerii TryTEKOV.

8. Ilya repin. "Ivan Straszny i Syn Jego Iwana 16 listopada 1581", 1883-1885.


Patrząc na jeden lub inny obrazek, często zadawano pytanie, które służyło jako źródło inspiracji dla artysty, co pchnął go do pisania takiej pracy? W przypadku obrazu Ilya Repin "Ivan Straszny i Syn Jego Iwana w dniu 16 listopada 1581 r." Aby odgadnąć prawdziwe przyczyny, trudne.
Zdjęcie przedstawia legendarny epizod z życia Iwana strasznego, kiedy w napadzie gniewu uderzył syna do syna Tsarevich Ivana. Jednak wielu historyków wierzy, że w rzeczywistości morderstwo nie było i Tsarevich zmarł na chorobę, ale nie w ogóle jego ojca. Wydawałoby się, że może sprawić, że artysta zwróci się do takiego historycznego epizodu?
Jako sam artysta przypomniał, myśl o pisaniu obrazu "Ivan Grozny i jego syn Ivan" pojawił się od niego po ... koncercie, na którym usłyszał muzykę kompozytora rzymskiego Corsakowa. To był Symphonic Suite "Antar". Dźwięki muzyki przejął artystę, a on chciał ucieleśniać w malowaniu nastroju, który został stworzony pod jego wpływem tej pracy.
Ale nie tylko muzyka stała się źródłem inspiracji. Podróżowanie w Europie w 1883 roku, repin odwiedził walkę byków. Wygląd tego krwawego spektaklu był pod wrażeniem artysty, który napisał, że "Schroniony ... Ten krwawy, w domu przyjazdu, teraz rozpoczął się za krwawą scenę" Ivan Grozny i Syn ". A obraz krwi miał wielki sukces. "

9. Mikhail Vrubel. "Demon Siedzi", 1890


Jak czasami wiele oznacza nazwę obrazu. Co widzi widza na pierwszy rzut oka na płótnie Michaiła Vrubel's "Demon Sitting"? Mięśniowy młody człowiek siedzi na skale i patrząc na zachód słońca z smutkiem. Ale jak tylko wymawiamy słowo "Demon", wystąpi wizerunek magicznego nieżyczonego stworzenia. Tymczasem demon Michaił Vrubel nie jest zły duch. Sam artysta wielokrotnie powiedział, że demon - duch "nie jest tak dużo zła, jak cierpienie i smutek, ale z całą drogą Duch dominuje, ... wspaniały".
To zdjęcie jest interesujące dla jego malowniczej techniki. Artysta stawia farbę na płótnie, nie zaznajomionego pędzlem, ale cienką płytką stalową - mastyno. Taka technika pozwala podłączyć metody malarza i rzeźbiarza, dosłownie ", aby wygrać" obraz za pomocą farb. Osiąga się to efekt "mozaiki" - wydaje się, że niebo, skały i bardzo ciało bohatera nie są napisane w farbie, ale są opublikowane z starannie polerowanego, być może nawet klejnotów.

10. Alexander Ivanov. "Zjawisko Chrystusa do ludzi (zjawisko Mesjasza)", 1837-1857.


Obraz Alexander Ivanova "Zjawisko Chrystusa do ludzi" - wydarzenie jest wyjątkowe w historii malarstwa krajowego. Trudno jest o nią porozmawiać z dziećmi, zwłaszcza 6-7-latek, ale zobaczyć ten monumentalny płótno, nad którym artysta pracował przez ponad 20 lat i który stał się kwestią jego życia, muszą koniecznie.
Wykres malowidła opiera się na trzecim rozdziale Ewangelii z Mateusza: John The Forerunner, zabijając naród żydowskich na brzegu Jordanii, w imię oczekiwanego Zbawiciela, nagle widzi następny, w imię imienia chrzcił ludzi. Na cechach kompozycji obrazu, o swoich symbolach oraz o języku artystycznym, dzieci będą się nauczyć później. Podczas pierwszego znajomego warto mówić o tym, jak jedno zdjęcie stało się dziełem życia artysty.
Po ukończeniu studiów w Petersburgu Akademii Sztuk Pięknych Aleksander Ivanov został wysłany "na staż" do Włoch. "Fenomen Christ Chrystus" powinni stać się pracą raportowania. Ale artysta jest bardzo poważna o swojej pracy: starannie studiuje Pismo Święte, historię, miesiące jest w poszukiwaniu pożądanego krajobrazu, nieskończoną ilość czasu szuka obrazu dla każdego bohatera obrazu. Pieniądze zakończyły się z nim do pracy, Ivanov prowadzi istnienie żebraka. Kontekstowa praca na zdjęciu doprowadziła do faktu, że artysta zepsuł wzrok i został zmuszony do traktowania przez długi czas.
Kiedy Ivanov ukończył swoją pracę, włoska publiczność z radością wziął zdjęcie, było to jedno z pierwszych przypadków europejskiego uznania rosyjskiego artysty. W Rosji nie doceniono natychmiast - dopiero po śmierci artysty, przyszła do niego prawdziwa chwałę.
Praca na zdjęciu Ivanov stworzył ponad 600 szkiców. W holu, gdzie jest wystawiony, możesz zobaczyć niektóre z nich. Interesujące jest to na tych przykładach, aby śledzić, jak artysta pracował nad kompozycją, krajobraz, nad obrazami bohaterów obrazu.

Wybór rekordów.