Kreatywność B. Brecht. Epic Brecht Theatre. "Momash odwaga".

Bertold Brecht. (1898-1956) Urodzony w Augsburgu, w dyrektorowi rodziny fabryki, badano w sali gimnastycznej, był zaangażowany w medycynę w Monachium i został wezwany do armii jako sanitarne. Piosenki i wiersze młodego sanitory przyciągnęły uwagę na ducha nienawiści wojny, do pruskiego wojska, do niemieckiego imperializmu. W rewolucyjnych dniach listopada 1918 r. Brucht został wybrany członkiem Rady Soldier Augsburg, która zeznała do autorytetu całkowicie młodego poety.

Już w najwcześniejszych wierszach Breht, widzimy kombinację chwytliwej, zaprojektowanej do natychmiastowej zapamiętywania haseł i złożonych wzorców, które powodują stowarzyszenie z klasyczną literaturą niemiecką. Stowarzyszenia te nie są naśladowanie, ale nieoczekiwane przemyślenie starych sytuacji i technik. Brecht wydaje się przenieść je w nowoczesne życie, sprawia, że \u200b\u200bspojrzysz na nich w nowy sposób, "Myślę". Tak więc w najwcześniejszych tekstach Brecht rośnie jego słynne (* 224) dramaturalny odbiór "obserwacji". W wierszu "Legend of the Dead Soldier", techniki satyryczne przypominają romantyczne techniki: żołnierz wchodzący do bitwy na wroga, od dawna był duch, ludzie, którzy go napływają, są remontów FILI, która niemiecka literatura od dawna narysowana w guise zwierząt. W tym samym czasie wiersz Brechta jest miejscowym - w nim i intonacji i obrazach, a nienawiść pierwszej wojny światowej. Niemiecki militaryzm, Magnifier Brecht Wojny i Wiersz z 1924 r. Ballada o matce i żołnierzach "Poeta rozumie, że Republika Weimar nie wyeliminowała jeszcze bojowego panterownika.

W latach Republiki Weimarskiej rozszerza się poetycki świat Brecht. Rzeczywistość pojawia się w ostrych wstrząsach klasowych. Ale Brecht nie jest zadowolony z odtwarzania tylko obrazów ucisku. Jego wiersz jest zawsze rewolucyjny wezwanie: są to "piosenka jednego frontu", "Forky Glory of New York, Giant Cities," Piosenka o klasie wroga ". Wiersze te są wyraźnie pokazane, podobnie jak pod koniec lat 20. Brecht dochodzi do komunistycznego światopoglądu, ponieważ jego spontaniczna młodzież rue rośnie w rewolucjonizm proletariański.

Teksty Brecht są bardzo szerokie w swoim zasięgu, poeta może uchwycić prawdziwy obraz niemieckiego życia we wszystkich jego historycznej i psychologicznej konkretności, ale może stworzyć wiersz - myśl, gdzie efekt poetycki jest osiągnięty przez nie opis, ale Dokładność i głębokość filozoficznej myśli związanej z wykwintnym, w żadnym wypadku znale alegorii. Poezja dla Brechta jest przede wszystkim dokładnością myśli filozoficznej i cywilnej. Brecht uważał za poezję nawet filozoficzni traktaty lub cywilny akapit puzzlowy proletariackich gazet (na przykład styl wiersza "przesłanie towarzyszy Dimitrov, który dołączył do Lipsk z Faszystowskim Trybunałem" - próba przynoszenia języka poezji i gazet) . Ale te eksperymenty ostatecznie przekonały Brecht, że sztuka powinna mówić daleko od języka codziennego. W tym sensie Brecht Lirik pomógł Brehtu-Dramie.

W latach 20-tych Brecht odnosi się do teatru. W Monachium staje się dyrektorem, a potem Dramaturg Teatru Miejskiego. W 1924 r. Brucht porusza się do Berlina, gdzie działa w teatrze. Działa jednocześnie jako dramaturg i jako teoretyka - reformator teatralny. Już w tych latach estetyka BRECHT, jego innowacyjny spojrzenie na zadania dramatu i teatru, został opracowany w jego decydujących cechach. Brucht przedstawił swoje teoretyczne poglądy na lata dwudziestce w poszczególnych artykułach i przemówieniach, później zjednoczeni w kolekcji "przeciwko procedurę teatralnej" i "w drodze do nowoczesnego teatru". Później, w latach 30. Brecht systematyzował swoją teorię teatralną, wyjaśnienie i rozwój (* 225), w traktach "na neoistotelean dramacie", "Nowe zasady dzieł sztuki działającej", "mały organon na teatr", "Zakup miedzi" i Jacyś inni.

Brecht nazywa estetykę i dramaturgową "Epic", teatr "bliskoBotherevsky"; Dzięki tej nazwie podkreśla jego niezgodę z najważniejszymi, według Arystotelesa, zasada starożytnej tragedii, postrzegana później w większym lub mniejszym stopniu przez całą światową tradycję teatralną. Parewright sprzeciwia się arystotelesów nauk o Qatarsis. Catharsis jest niezwykłym, wyższym napięciem emocjonalnym. Ta strona Qatarsis Brecht rozpoznała i zachowała dla swojego teatru; Emocjonalna moc, patos, otwarta manifestacja pasji, widzimy w jego grach. Ale oczyszczanie uczuć w Qatarsis, zgodnie z Brehtem, doprowadziła do pojednania z tragedią, ważny horror stał się teatralny, a zatem atrakcyjny, widza nie będzie nawet niechętny, by przetrwać coś podobnego. Brecht stale próbował rozwiać legendy o pięknie cierpienia i cierpliwości. W "Życie Galileo" pisze, że głodny nie ma prawa do zniesienia głodu, co "Gwiazda" jest po prostu nie tam, a nie wykazywać cierpliwości, przyjemne niebo. Brecht chciał tragedii, aby wzbudzić refleksje na ścieżkach zapobieganie tragedii. Dlatego uważał tę wadę Szekspira, że \u200b\u200bna pomysłach jego tragedii jest nie do pomyślenia, na przykład "dyskusja na temat zachowania króla Lira" i wrażenie jest stworzona, jak gdyby Góra Lyra jest nieunikniona: "To było zawsze, że jest naturalny. "

Idea Katarsa, wygenerowana przez starożytnego dramatu, był ściśle związany z koncepcją śmiertelnej predestynacji ludzkich przeznaczenia. Szerownia swoich talentów ujawniły całą motywację ludzkiego zachowania, w minutach Qatarsis, jak gdyby błyskawica obejmowała wszystkie przyczyny działań ludzkich, a moc tych powodów okazała się absolutna. Dlatego Brecht zadzwonił do Aristotelbian Theatre Fatalistic.

Brecht widział sprzeczność między zasadą reinkarnacji w teatrze, zasada rozpuszczenia autora w bohaterach i potrzebę natychmiastowej, agitacyjnej wizualnej identyfikacji pozycji filozoficznej i politycznej pisarza. Nawet w najbardziej udanej i skłonności w najlepszym znaczeniu słowa tradycyjnych dramatów, stanowisko autora, zgodnie z Brucht, był związany z figurami rezonansów. Tak więc sprawa była również w dramatach Schillera, której Brecht docenił swoje obywatelstwo i patosy etyczne. Dramaturg słusznie uważa się, że postacie bohaterów nie powinno być „sposoby pomysłów”, co zmniejsza efekt artystyczny spektaklu:”... Na scenie teatru realistycznego, miejsce żyje tylko ludzie, ludzie w ciele i krew, ze wszystkimi ich sprzeczności, pasji i czyny. scena nie jest zielnik a nie muzeum, gdzie nadziewane nadziewane ... "

Brecht znajduje rozwiązanie tego sprzecznego pytania: teatralne wyniki, akcja sceniczna nie pokrywa się z nim z kawałkami. Fabul, historia działających osób jest przerywana bezpośrednim komentarzami praw autorskich, urządzeń lirycznych, a czasem nawet demonstracja doświadczeń fizycznych, gazet i osobliwy, zawsze istotnej konferencji. Brucht łamie iluzję ciągłego rozwoju wydarzeń w teatrze, niszczy magię skrupulatnej reprodukcji rzeczywistości. Teatr - prawdziwa kreatywność, znacznie przekraczająca prostą prawdę. Kreatywność dla Brechta i gry podmiotów, dla których tylko "naturalne zachowanie w proponowanych okolicznościach" jest całkowicie niewystarczające. Rozwijanie estetyki Brecht wykorzystuje tradycje poświęcone zapomnianiu w krajowym, psychologicznym teatrze późnego XIX - wczesnego XX wieku, wprowadza chór i zooms nowoczesnego kabaretu politycznego, liryczne odchylenia charakterystyczne dla wierszy i traktaty filozoficzne. BRECHT umożliwia zmianę komentowania rozpoczęcia, gdy odnowiły swoje gry: czasami ma dwa warianty stref i chórów do tego samego Fabul (na przykład różne prokowie w produkcji "Opery Three Chin" w 1928 r. I 1946 r.).

Sztuka Reinkarnacji Brecht uznała obowiązkowe, ale całkowicie niewystarczające dla aktora. Jest znacznie ważniejszy, niż wierzył, że możliwość pokazania, wykazuje swoją osobowość na scenie - zarówno w warunkach cywilnych, jak i kreatywnych. W grze reinkarnacja musi być alternatywna, która ma być łączona z demonstracją danych artystycznych (deklamacja, tworzywa sztuczne, śpiewu), które są interesujące do ich wyjątkowości, a co najważniejsze, z demonstracją osobistego stanowiska cywilnego aktora, jego ludzki kredo.

Brecht wierzył, że osoba zachowuje zdolność swobodnego wyboru i odpowiedzialnej decyzji w najtrudniejszych okolicznościach. W tym przekonaniu, dramaturg objawia się w osobie, głębokim przekonaniem jest to, że społeczeństwo burżuazyjne, ze wszystkimi jego rozkładającymi się wpływami, nie może zablokować ludzkości w duchu jej zasad. Brecht pisze, że zadaniem "Epic Theatre" jest zmuszenie widzów do "odmówić ... z iluzji, że wszyscy w miejscu postaci bohatera również działają". Dramaturg jest głęboko rozumiany dialektem rozwoju społeczeństwa, a zatem szaleje rozbić wulgarną socjologię związaną z pozytywizmem. Brucht zawsze wybiera złożone, "niedoskonałe" sposoby wystawiania stolicy kapitalistycznej. "Prymityw polityczny", zgodnie z dramaturgiem, jest niedopuszczalny na scenie. Brecht chciał życia i działań bohaterów w sztukach z życia (* 227) zastrzeżonego społeczeństwa zawsze zwrócił wrażenie nienaturalności. Stawia to bardzo trudne zadanie przed reprezentacją teatru: porównuje widza z hydrosttroilerem, który "jest w stanie zobaczyć rzekę w tym samym czasie iw jej ważnym kierunku, a w tym wyimaginowanym, zgodnie z którym mogła płynąć, jeśli może płynąć, jeśli Nachylenie płaskowyżu i poziom wody byłyby inne..

Brecht uważał, że prawdziwy obraz rzeczywistości nie ogranicza się do reprodukcji społecznych warunków życia, że \u200b\u200bistnieją uniwersalne kategorie, które nie mogą być w pełni (miłość bohaterki Kaukaski Cretaceous Circle "Gruszka do bezbronnego zaniechanego dziecka, nieodparty impuls shen de na dobre). Ich obraz jest możliwy w formie mitów, symbolu, w gatunku placówek lub grach-paraboli. Ale pod względem realizmu społecznego i psychicznego, dramat Brechta można umieścić w jednym rzędzie z największymi osiągnięciami The World Theatre. Parewright starannie śledziła podstawowe prawo realizmu X1X wieku. - historyczna konkretność motywacji społecznych i psychologicznych. Rozumienie jakościowego kolektora świata zawsze było dla niego podstawowym zadaniem. Podsumowując swoją ścieżkę dramaturg, Brecht napisał: "Musimy dążyć do coraz bardziej dokładnego opisu rzeczywistości, a to, z estetycznego punktu widzenia, coraz bardziej subtelne i bardziej skuteczne zrozumienie opisu".

Innowacja Brecht objawiła się również w fakcie, że udało mu się spieszyć się w nieistotne harmoniczne całe tradycyjne, pośrednie techniki ujawniania zawartości estetycznej (znaków, konfliktów, Fabul) z abstrakcyjnym startem odblaskowym. Co daje niesamowita integralność artystyczna, wydaje się, że sprzeczne połączenie Fabul i komentarza? Słynna zasada Brehtora "obserwacji" - przenika nie tylko sam komentarz, ale także cały stadul. "Zatrudnienie" Breht i narzędzie logiki i samej poezji, kompletne niespodzianki i blask. Brecht sprawia, że \u200b\u200b"obserwacja" najważniejszej zasady znajomości filozoficznej świata, najważniejszego stanu realistycznej kreatywności. Patrząc na rolę, w okolicznościach nie przełamuje się przez "obiektywną widoczność", a zatem mniej służy realizm niż "przeszkoda". Brecht nie zgodził się z faktem, że jazda i reinkarnacja jest drogą prawdy. K. S. Stanisławski, który twierdził to, był jego zdaniem "niecierpliwy". Dla dziennika nie wyróżnia się prawdą a "obiektywną widocznością".

Epic Teatr - reprezentuje historię, stawia widza na stanowisku obserwatora, stymuluje działalność widza, zmusza widza do podejmowania decyzji, przedstawia widz inny stop, podnieca zainteresowanie widzem do kierunku działania, odnosi się do umysłu widza, a nie do serca i uczuć !!!

W emigracji dramatyczna kreatywność Brechta kwitła w walce z faszyzmem. Był bardzo bogaty w treści i zróżnicowany kształt. Wśród najsłynniejszych miejsc emigracji - "odwaga matki i jej dzieci" (1939). Ostrzejszy i tragiczny konflikt, tym bardziej krytyczny powinien być, według Brechta, myśl człowieka. W warunkach lat trzydziestych brzmiało "odwaga matki", oczywiście, jako protest przeciwko demagogicznej propagandzie wojny z faszystami i została skierowana do części ludności niemieckiej, która uległa temu demagogu. Wojna jest przedstawiona w sztuce jako element, organicznie wrogi ludzkiej egzystencji.

Istota "Epic Theatre" staje się szczególnie jasna ze względu na "odwagę matki". Komentarz teoretyczny jest połączony w sztuce z bezlitosnym w realistyczny sposób. Brucht uważa, że \u200b\u200brealizm jest najbardziej niezawodnym sposobem ekspozycji. Dlatego w "odwagi matki" tak spójnej i przyprawionej nawet w małych szczegółach "prawdziwa" oblicze życia. Należy pamiętać, że należy pamiętać o hacku tej gry - estetyczną zawartość znaków, tj. Reprodukcja życia, gdzie dobro i zło są mieszane, niezależnie od naszych pragnień i głosu Brechta, nie zadowolony z takiego zdjęcia próbując zatwierdzić dobro. Pozycja Brechta jest bezpośrednio objawiana w procesach. Ponadto, jak wynika z instrukcji reżyserskich Breht do gry, dramaturg udostępnia teatry szerokie możliwości zademonstrowania autora za pomocą różnych "przeszkód" (fotografiami, projektów filmowych, bezpośrednio apel do publiczności).

Znaki postaci w "odwagi matki" są przedstawione we wszystkich ich złożonych sprzeczności. Najbardziej interesującym jest obraz firmy Anny, nazywanej odwagi matki. Wielopłaszczyzna tej postaci powoduje szereg zmysłów widzów. Heroina przyciąga trzeźwo zrozumienie życia. Ale jest produkcją Mercantile, okrutnego i cynicznego ducha wojny trzydziestoletniej. Odwaga jest obojętna z powodów tej wojny. W zależności od dołuszczenia losu podlewa się nad jej furgonetką, potem luteran, a następnie katolicki baner. Odwaga idzie do wojny w nadziei na duże barary.

Konflikt, który obchodzi Brucht między praktycznych mądrości a porywami etycznymi infekuje całą grę pasji sporu i energii kazania. Na obrazie Katarzyny dramaturg malował antipodę odwagi matki. Ani zagrożenie, ani korona, ani śmierć nie spowodowała, że \u200b\u200bKatarzyna porzuciła rozwiązanie podyktowane jej pragnieniem przynajmniej pomocy ludziom. Rząską odwagę sprzeciwia się wyciszonej Catherine, cichy wyczyny dziewczyny, ponieważ okazuje się wszystkie obszerne argumenty swojej matki.

Realizm Brechta objawia się w sztuce nie tylko w wyniku głównych bohaterów oraz w histościie konfliktu, ale także w życiu niezawodności osób epizodycznych, w wieloetapowym Szekspirowym, przypominającym "tło falstfovsky". Każda postać, wycofająca się w dramatyczny konflikt sztuki, żyje jego życie, zgadujemy o swoim losie, o przeszłości i przyszłym życiu, a tym, jakby wszyscy głos w dziwnym chórze wojny.

Oprócz ujawnienia konfliktu, przez zderzenie postaci, Breht uzupełnia obraz życia w sztuce, w którym podano bezpośrednie zrozumienie konfliktu. Najbardziej znaczącą stacją jest "piosenka o wielkiej pokorze". Jest to złożony widok na "obserwację", gdy autor działa jak z jego twarzy jego bohaterki, ostrzenie jej błędnych przepisów, a tym samym twierdzi z nią, inspirując wątpliwości czytelnika w mądrości "wielkiej pokory". Cyniczna ironia matka odwaga Brecht spotyka się z własną ironią. A ironia Brecht prowadzi widza, całkowicie iersowona filozofia biorąc pod uwagę, jak jest zupełnie innym spojrzeniem na świat, do zrozumienia podatności i zapachu kompromisu. Pieśń pokory jest rodzajem zagranicznego kontrahenta, co pozwala zrozumieć prawdziwość, przeciwstawiając się mądrości Breht. Cała sztuka, krytyczna dla praktycznego, pełnego kompromisu "mądrości" bohaterki, jest ciągłym sporem z "piosenką o wielkiej pokorze". Matka odwaga nie włącza się w grę, przetrwała szok, będzie wiedziała "o jego naturze nie jest już więcej niż eksperymentalnym królikiem na temat prawa biologii". Tragiczne (osobiste i historyczne) doświadczenie, wzbogacając widz, nie nauczył matki odwagi i nie zranił jej w ogóle. Catharsis, doświadczył ją, okazało się całkowicie bezowocne. Więc Brecht twierdzi, że postrzeganie tragedii rzeczywistości jest tylko na poziomie reakcji emocjonalnych sam w sobie nie wiedzą o świecie, niewiele różni się od pełnej ignorancji.

Bertold Brecht był wybitnym reformatorem Teatru Zachodniego, stworzył nowy rodzaj dramatu i nową teorię o nazwie "Epic".

Jaka była esencja teorii Brechta? Według autora, miał być dramatem, w którym główną rolą nie była działaniem, które leżały na podstawie "klasycznego" teatru i historii (stąd nazwa "Epichny"). W procesie takiej historii scena miała pozostać sceną, a nie "wiarygodną" imitacją życia, charakter - rolę, jaką aktor wykonuje (w przeciwieństwie do tradycyjnej praktyki "reinkarnacji" aktora Do bohatera), przedstawiony - wyłącznie malowniczy szkic, specjalny niechętny z iluzji "podobieństwa" życia.

W celu odtworzenia "historii", Brucht zastąpiła klasyczną oddzielenie dramatu na działaniach i czynności, kompozycję kroniki, wzdłuż której działki utworzyła chronologicznie powiązane obrazy. Ponadto wprowadzono różnorodne komentarze do epickiego dramatu, który również przyniósł go do "historii": nagłówki, które opisały zawartość obrazów; Piosenki ("dźwięki"), które dodatkowo wyjaśniły, co dzieje się na scenie; apelować do publiczności publicznej; Napisy zaprojektowane na ekranie itp.

Tradycyjny teatr ("Dramatyczny" lub "Aristotelsian", ponieważ jego prawa były nadal sformułowane przez Arystotelesa) zniewolić widza, zgodnie z Bruchtem, iluzją wiarygodności, w pełni zanurza go do empatii, nie pozwalając na okazję zobaczyć, co jest dzieje się z zewnątrz. Brecht, który posiada czubek socjalizacji, uważany za główne zadanie teatru wychowania w biegłym biegłym świadomości i gotowości do walki politycznej. Takie zadanie, jego zdaniem, może wykonać "epicki teatr", stosowany, w przeciwieństwie do tradycyjnego teatru - nie do uczuć widza, ale do jego umysłu. Wprowadzony przez innowację na scenie wydarzeń, ale opowieść o już zaangażowanym, zachowuje odległość emocjonalną między sceną a holem, zmuszając nie tak bardzo empatyzująca się, co dzieje się, ile go przeanalizować.

Podstawową zasadą Epic Teatre jest "efektem wymiany", zestaw technik, z którymi znane i znane zjawisko "jest wyobcowane", "usunięty", to znaczy niespodziewanie pojawia się z nieznanym, nową stroną, powodując "Niespodzianka i ciekawość" na widza, stymulująca "krytyczna pozycja w stosunku do wydarzeń przedstawionych", zachęcając do działań społecznych. "Wpływ alienacji" w sztukach (a później w występach Breht) został osiągnięty przez kompleks ekspresyjnych środków. Jednym z nich jest odwołanie do już znanych działek ("Opera Three-Chiny", "odwaga mamy i jej dzieci", "Kaukaski koło", itd.), Która koncentrująca uwagę widza nie jest na tym, co się dzieje, ale w jaki sposób będzie miał miejsce. Inne - dźwięki, piosenki wprowadzone do tkaniny sztuk, ale nie są kontynuacją działania, ale zatrzymaj go. Stacja tworzy odległość między aktorem a postacią, ponieważ wyraża stosunek do tego, co dzieje się nie ma charakteru, a autora i wykonawcą roli. Stąd specjalne, "na Brechtu", metoda istnienia aktora w roli, zawsze przypomina widz, który przed nim jest teatr, a nie "kawałkiem życia".

BRECHT podkreślił, że "efekt wymiany" nie jest cechą tylko jej estetyki, ale początkowo charakterystyczny dla sztuki, która zawsze nie jest identyczna z życiem. W rozwojem teorii Epic Teatru polegał na wielu stanach estetyki oświecenia i doświadczenia Teatru Wschodniego, w szczególności Chińczyków. Główne tezy tej teorii zostały ostatecznie sformułowane przez BRECHT w dziełach 1940 roku: "Zakup miedzi", "Scena uliczna" (1940), "Mały Organon" dla Teatru "(1948).

„Efektu obcości” był pręt, który przenikał wszystkie poziomy „epickiego dramatu”: działki, system obrazów, części artystycznej, języka, itp, do dekoracji, wyposażony w działający sprzęt i oświetlenie sceniczne.

"Ensemble Berliner"

Teatr "Berlin Ensemble" został stworzony przez Bertolt Brecht późną jesienią 1948 roku. Po powrocie do Europy z USA, człowieka bez obywatelstwa i bez stałego miejsca zamieszkania Brechta i jego żony - aktorka Helena Wasegla w październiku 1948 r. Była serdecznie spełniona we wschodnim sektorze Berlina. Teatr na Schiffbauerdamie, który Brecht i jego współpracownik Erich Enich został spalony na końcu 20s (w tym teatrze, w szczególności, w sierpniu 1928 r. Engel przeprowadził pierwszy etap Trechgros Opery Brecht i K. Weil, był zajęty przez Polksbün „, którego budynek okazał się być całkowicie zniszczone; Brecht nie uważa za możliwe, aby przetrwać z teatru na Schiffbauerdam kierowana przez Fritza Viston zespołu, a przez następne pięć lat jego trupa osłonięte niemieckiego teatru.

"Ensemble Berliner" został stworzony jako teatr studyjny w teatrze niemieckim, który, krótko wcześniej, nagłówek Wolfgang Langhof wrócił z emigracji. Opracowany przez Breht i Langhof „Teatr Studio” założono w pierwszym sezonie, aby przyciągnąć znanych aktorów z emigracji „przez trasy krótkoterminowego”, w tym Teresa Giza, Leonard Shtkekel i Peter Lorre. W przyszłości przypuszcza się stworzenie na tę podstawę jej zespołu ".

Aby pracować w New Teatr Brecht przyciągnął swoich długotrwałych współpracowników - dyrektor Erich Engel, artysty Kaspar Neuer, kompozytorzy Hansa Eisler i Paul Dessau.

O potem Niemiecki Teatr Brecht odpowiedział bezstronnie: "... Efekty zewnętrzne i fałszywą wrażliwość stały się główną wizją aktora. Próbki, przyzwoite imitacja, zastąpiono podkreśloną pompą i prawdziwą pasją - ciasnym temperamentem. " Walka o ochronę świata, Brecht uważał najważniejsze zadanie dla każdego artystę, a godło teatru umieszczonego na jego zasłonie, stał się gołąbem świata Pablo Picasso.

W styczniu 1949 r. Premiere sztuki Brechta "Odwagi Momash i jej dzieci", wspólnych produkcji Erich Engel i autora; Helena Wayegel, Catherine grała Angelik Hurwitz, Catherine - Paul Bildt. " Praca na temat gry Brecht rozpoczął się w emigracji w przeddzień II wojny światowej. "Kiedy napisałem:" Wyznał później "Ostrzeżenie o dramaturce będzie zabrzmieć z kulisami kilku dużych miast, ostrzeżenie, że kto chce zjeść śniadanie z piekłem, powinno być gorsze niż długa łyżka. Może pokazałem naivety ... występy, o których marzyłem, nie miały miejsca. Pisarze nie mogą pisać z taką prędkością, którą rząd jest uwolniony przez wojnę: W końcu, aby skomponować, konieczne jest myśleć ... "Mama odwaga i jej dzieci" - późno. " Rozpoczął się w Danii, który Brecht zmuszony wyjechać w kwietniu 1939 roku, gra została ukończona w Szwecji jesienią w tym samym roku, kiedy wojna już chodzi. Ale pomimo zdania samego autora, wydajność miała wyjątkowy sukces, jego twórcy i kierownictwo głównych ról zostało przyznanych Nagrodę Narodową; W 1954 roku, MOMASH odwaga, już z zaktualizowaną kompozycją (kucharz grał Ernst Bush, kapłan - Erwin Geshonnek) został zaprezentowany na Światowym Festiwalu Teatru w Paryżu i otrzymał pierwszą nagrodę - za najlepszą grę i lepszą produkcję (Brecht i Engel ).

W dniu 1 kwietnia 1949 r. Politaburo SEPG zdecydował się na: "Stwórz nową drużynę teatralną pod kierownictwem Eleny Vaigel. Ten zespół rozpocznie swoje działania w dniu 1 września 1949 r. I będzie zagrać w trzech grach progresywnych w sezonie 1949-1950. Przedstawienia zostaną odegrane na scenie niemieckiego teatru lub Theater Theatre w Berlinie i włączyć się w ciągu sześciu miesięcy w repertuarze tych teatrów ". 1 września i były oficjalne urodziny zespołu Berlinera; "Trzy sztuki progresywnej natury", dostarczone w 1949 r., Okazało się, że jest "odwaga Mamasha" i "Pan Puntila" Breht i Vassa Zagronnova. A. M. Gorky, z Giza w roli ołowiu. Występy Brecht Tupe dał na etapie niemieckiego teatru, wiele wycieczek w NRD i innych krajach. W 1954 r. Zespół otrzymał do dyspozycji budynek Schiffbauerdamm.

Lista używanych literatury

http://goldlit.ru/bertolt-brecht/83-brecht-epic-teatr.

https://ru.wikipedia.org/wiki/brecht, _bertolt.

http://to-name.ru/biography/bertold-breht.htm.

http://lib.ru/inproz/breht/breht5_2_1.txt_with-big-pictures.html.

https://ru.wikipedia.org/wiki/mamasha_cour_i_eyu_deti.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/bse/68831/berliner.

Bertold Brecht i jego "Epic Teatr"

Bertolt Brecht jest największym przedstawicielem niemieckiego Lee-Taras XX wieku, artysty wielkiej i wieloaspektowej TA Lanta. Jego Peru posiada sztuki, wiersze, powieści. Jest postacią teatralną, dyrektorem i teoretykiem sztuki realizmu strumieniowego strumieniowego. Gra Brechta, prawdziwie innowacyjna w swojej treści i formie, obejściowa teatry wielu krajów świata, a wszędzie znajdują rozpoznawanie z najszerszego kręgu widzów.

Brecht urodził się w Augsburgu, w bogatej rodzinie dyrektora fabryki wiadra. Tutaj studiował w gimnazjum, potem studiował medycynę i przyrodnicze naukę na Uniwersytecie w Monachium. Brucht zaczął pisać w sali gimnastycznej. Od 1914 roku w gazecie Augsburg Volksville zaczęły się pojawiać, wyścigi, recenzje teatralne.

W 1918 roku Brucht został powołany do armii i przez około rok służył jako sanitarna w szpitalu wojskowym. W szpitalu Brecht był słyszany historie o okropnościach wojny i napisał swoje pierwsze korytarze antywojenne i piosenki. Sam skomponował do nich proste melodie i pod gitarą, wyraźnie wymawiałem słowa, mówił na strachach przed ranami. Wśród tych prac podświetlanie "Ball Ladao martwym żołnierzu "potępił niemiecki region wojskowy nałożony przez pracowników.

Kiedy w 1918 r. Rewolucja rozpoczęła się w Niemczech, Brucht miał w nim aktywny udział, choć nadal inie dość wyraźnie wyobrażało sobie swoich celów i zadań. Został wybrany członkiem Rady Soldier Augsburg. Ale największe wrażenie na poecie wiadomości o rewolucji proletariackiej wRosja, o wyznaczeniu pierwszych państw i chłopów na świecie.

Było w tym okresie, że młody poeta w końcu pękł ze swoją rodziną posiadaćklasa i "dołączyli do szeregów ubogich".

Wynik pierwszej dekady poetyckiej kreatywności była zbiorem wierszy Brecht "Home Sermons" (1926). Przez większość wierszy zbioru zbiornika, rozmyślne niegrzeczność w obrazie brzydkiej moralności burżuazji, a także beznadziejności i pesymizm spowodowany przez porażkę rewolucji listopada 1918

Te idean Politycznycechy wczesnej poezji Breht charakterystyczny I.dla jego pierwszych prac dramatycznych - "Baal","Bębny w nocy" i innych. Moc tych sztuk - w szczerym pogardzie ipotępienie społeczeństwa burżuazyjnego. Pamiętając o tych grach w dojrzałych latach, Brecht napisał, że był "bez żalepokazał, jak wielka powódź wypełnia burżuazyjnie pokój".

W 1924 r. Słynny reżyser max Renahardt.zaprasza Brecht przez Dramaturg w swoim teatrze w Berlinie. Tutaj Brucht Suki. zprogresywni pisarze F. Wolf, I. Becher, z twórcą rewolucyjnej pracy teatrE. Panitor, aktor E. Bush, kompozytor G. Eisler i inne w pobliżu Kimi przezartyści duchowi. W tej atmosferze Brecht stopniowopokonywanie pesymizmu, pojawiają się bardziej odważne intonacje w swoich dziełach. Młody dramat-Turg tworzy satyryczne utwory miejscowe, w których praktyka społeczna i polityczna imperialistycznej burżuazji jest ostra krytyka. Taka jest antywojenna komedia "że żołnierz, że to" (1926). jestzostał napisany w tym okresie, gdy niemiecki imperializm po redukcji rewolucji stał się energicznie przywrócić przemysł za pomocą amerykańskich bankierów. Reakcja ele-mentant.wraz z nazistami byli zjednoczeni w różnych "bunktach" i "Fera", promowali pomysły hodowlane. Układy teatralne były coraz częściej wypełnione zrównoważonymi nurkami i bojownikami.

W tych warunkach Brecht świadomie dąży do sztuki, blisko ludzi, sztuki, która obudzi świadomość Lu-dei, aktywuje ich wolę. Odrzucenie Decadent PlayWrigs, prowadząc widza z najważniejszych problemów nowoczesności, Brecht stoi na nowym teatrze, zaprojektowany, aby stać się miłym asteriorem, dyrygentem zaawansowanych pomysłów.

W pracach "w drodze do nowoczesnego teatru", "dialektyka na teatrze", "na neoistotelean dramatu", a inni, opublikowane pod koniec lat 20. i wczesnych latach 30., Brecht krytykuje nowoczesną sztukę współczesną i wyznacza główne Postanowienia jego teorii "epicka teatr.Przepisy te dotyczą gry działającego, budynek dramatycznyprace, muzyka teatralna, sceneria, przy użyciu filmów itp., Brecht dzwoni do "Nearlyotelian", "Epic". Nazwa ta wynika z faktu, że zwykły dramat opiera się na przepisach sformułowanych przez Arystotelesa w swojej pracy "Poetykę" i wymaga obowiązkowego stwardnienia aktora emocjonalnego do obrazu.

Karmierbowy jego teorii Brecht ma umysł. "Epic teatr", mówi Brecht, "nie odwołuje się tak wiele, aby czuć się widza do umysłu". Teatr powinien zostać pomyślał SHKO, pokaż życie z prawdziwie naukowej pozycji, w szerokiej perspektywie historycznej, promując najważniejsze pomysł, pomóż widzowi zrozumieć zmieniający się świat i zmienić się. BRECHT podkreślił, że jego teatr powinien stać się teatrem "dla ludzi, którzy postanowili wziąć własne ręce", że powinien on nie tylko wyświetlać wydarzenia, ale także aktywnie wpływać na nich, stymuluj, obudzić aspekt widza, aby zmusić, aby nie wczuł wczucie, ale argumentować, hamują pozycję krytyczną w sporze. Jednocześnie Brecht nie rezygnuje z pragnienia wpływu również na sens, emocje.

Aby wdrożyć postanowienia "Epic Theatre", Breht wykorzystuje w swojej twórczej praktyce "Wpływ wymiany", tj. Wezwanie artystyczne, którego mianowanie - pokazać zjawiska życia z niezwykłej strony, aby wymusić patrzeć na Krytycznie oceniają wszystko, co dzieje się na scenie. W tym celu Brecht często wprowadza prace domowe i solowe piosenki do ich sztuk, wyjaśniając i oceniając zdarzenia o wydajności, które są zwykle zwykle od nieoczekiwanej strony. "Efekt wymiany" jest również osiągnięty przez system aktorski, zdobioną scenę, muzykę. Jednak Brucht nigdy nie uważał swojej teorii ostatecznie sformułowanej i przed końcem życia Ra-Botal nad jego poprawą.

Mówiąc jednak z odważnym innowatorem, Brecht, jednak używany wał najlepiej, który został stworzony przez The German i World Theatre w przeszłości.

Pomimo kontrowersji niektórych obiektów teoretycznych, Brecht stworzył naprawdę innowacyjną, bojową dryft-miturgy, która ma ostrą orientację ideologiczną i bolesne korzyści artystyczne. Brecht Arts walczył o wyzwolenie swojej ojczyzny, dla jej socjalistycznej przyszłości i w najlepszych pracach wykonywanych jako największy przedstawiciel socjalistycznego realizmu w literaturze non-Metsk i światowej.

Pod koniec lat 20-tych - wczesne 30-tych. Brecht stworzył serię "sztuk nauczania", który kontynuował najlepsze tradycje teatru i przeznaczone do mieszania i propagandy zaawansowanych pomysłów. Obejmują one "Badenskaya Leading Play", "Wyższy środek", "Mówiąc" tak "i mówiąc" Pet "i inni

W latach emigracji umiejętność sztuki Bruchta osiąga jego heyday. Stwarza swoje najlepsze prace, które było wielkim wkładem w rozwój literatury niemieckiej i światowej realizmu socjalistycznego.

Satyryjska broszura "głowa okrągła i ostrogol" - z parodią REAT Hitlera; Usłona narodowisko de-Magotele. Nie oszczędza Brecht i Niemieccy zwykłych ludzi, którzy byli zafascynowani faszystami, aby oszukać sami z fałszywymi obietnicami.

W tym samym znacznie satyryczny sposób, gra "Kar-Era Arthur Ui, która nie mogła być"

W grę alegorycznie odtwarza historię pojawienia się faszystowskiej dyktatury. Oba sztuki kompozycji były rodzajem antyfaszystowskim dyforem. Obfitują te techniki "efektu wymiany", fantastyczne i groteskowe w duchu teoretycznych przepisów "Epic Teat Teater".

Należy zauważyć, że mówiąc z tradycyjnym dramatem Aristotelbian, Brecht w swojej praktyce nie zaprzeczył jej całkowicie. Tak więc w duchu tradycyjnego dramatu napisano 24 pojedyncze antyfaszystowskie sztuki, wchodząc do kolekcji "strach i ramy w trzecim imperium" (1935-1938). W nich Brecht odmawia ulubionego konwencjonalnego tła i bardzo bezpośrednich, realistycznych ma-nere.rysuje tragiczny obraz życia niemieckich ludzi w największych faszystów kraju.

Kawałek tej kolekcji Teresa Carrrar "w ideologicznymrelacja kontynuuje określoną linię na scenie"Matka" Gorky. W centrum gry - aktualne wydarzenia z wojny Gus-Delta w Hiszpanii i obalanie szkodliwych złudzeń apolilacji i ingerencji w czasie historycznego narodu Testaniya. Prosta hiszpańska kobieta z Andalusia Rybankka Carrara.stracił męża, a teraz boi się stracić syna, w każdą stronęzapobiega mu wolontariuszy, aby być rozbite przeciwko faszystom. Naiwnie wierzy w certyfikację mnie - generalicjaco chcesz nieneutralne spokojne siły pokojowe. Odmawia nawet wydawania republikanów karabinyukryty w PSE. Tymczasem syn, spokojnie złowione ryby, fa-shesives są zastrzelone ze statku z pistoletu maszynowego. Następnie ma miejsce w konsystencji Carrary i Oświecenie. Heroina jest zwolniona z szkodliwej zasady: "Moja chata z krawędzi" - ido ciebie przychodzi do wody o potrzebie ochrony narodowego szczęścia z bronią w twoich rękach.

Brecht wyróżnia dwa rodzaje teatru: Dramatyczne (Ol "Aristoteliev-Sky") i Epic. Dramatyczny stara się podbić emocje widza, tak że doświadczył katharsis przez strach i współczucie, aby otrzymał całą swoje stworzenie na scenie na scenie, fali - upadł, straciła poczucie różnicy między akcją teatralną a Podcenione życie i czuł, że nie będzie spektaklem, a twarz zaangażowana w ważne wydarzenia. Teatr Epic, wręcz przeciwnie, powinien odwołać się do umysłu i uczyć się, musi, opowiadając widzowi o pewnych sytuacjach i problemach w sytuacjach życiowych, aby przestrzegać warunków, w których zachowałby się, jeśli nie spokój, a następnie w całej kontroli przypadkowej Jego uczucia i w spełnieniu jasnej współpracy i krytycznej myśli, nie pozostawiając złudzeń malowniczych działań, patrzył, pomyślał, określiłby jego podstawową pozycję i podjęły decyzje.

Aby wyraźnie ujawnić różnice między teatrem dramatycznym i epickim, Brecht zaplanował dwa rzędy znaków.

Nie mniej wyraziste i porównawcze cechy teatru dramatycznego i epickiego, sformułowane przez BRECHT w 1936 r.: Przeglądarka teatru dramatycznego mówi: tak, jestem już uczuciem - wałem .-- to jest. - Jest całkiem naturalne .-- Więc zawsze będzie. - cierpienie tej osoby będzie mnie wstrząsnąć, ponieważ nie ma dla niego wyjścia. - To jest dużo sztuki: wszystko pójdzie bez powiedzenia w nim. - płaczę z płaczem. , Śmieję się ze śmiechem.

Widz epicka teatr mówi: że nie pomyślałbym .-- Więc nie powinieneś zrobić. - Jest to wyjątkowo uderzające, prawie nigdy, prawdopodobnie ... To powinno zostać zakończone. - Cierpienie tej osoby Will Shook Me, dla niego, nadal można wyjść .-- To jest wspaniała sztuka: nic w tym nie przychodzi. ... Śmieję się z planu, płacę za śmiechem.

Aby utworzyć pomiędzy widzem a sceną, odległość wymagana dla widza może szukać, jak to była, "z boku", aby obserwować i skutkować, że "śmiałby się, że" śmieje się z płaczem i płaczem przez śmiech ", to znaczy, że on widział dalej i zrozumiał, jakie malownicze postacie, tak że jego stanowisko w odniesieniu do działań była pozycja duchowych przedprzepościowych i aktywnych decyzji .-- Tak jest zadanie, które według Theo RII Teatru Epickiego musi wspólnie rozwiązać dramaturg, dyrektor i aktor. Na ten ostatni wymóg ten jest szczególnie wiążący taras. Dlatego aktor powinien pokazać pewną osobę w okolicznościach obronnych, a nie tylko nie tylko. Musi na kilka chwil jego pobytu na scenie stoją obok niegdyś stworzonego przez niego, tj. Bądź nie tylko jego przykładem wykonania, ale także jego sędzią. Nie oznacza to, że Brecht jest całkowicie zaprzeczony w praktyce teatralnej "Educing", tj. Połączenie aktora z wizerunkiem. Ale uważa, że \u200b\u200btaki stan może wystąpić tylko do chwil i ogólnie musi być podporządkowana rozsądnie przemyślana i świadomość roli roli.

Brecht teoretycznie uzasadnia i wprowadza do swojej kreatywnej praktycznej Tika jako zasadniczo obowiązkowy punkt tzw. "Wpływ obserwacji". Uważa go za główny sposób na stworzenie odległości między widzem a sceną, tworzenie planowanej teorii Epic Teatru of Atmosfery w liczbie publicznych do akcji scenicznej; Zasadniczo "efekt efektu" jest pewną formacją formalizacją przedstawionych szpilki, ma na celu argumentowanie bezmyślnego automatyzmu publiczności dla publiczności. Przeglądarka rozpoznaje temat obrazu, ale jednocześnie postrzeganie jego wizerunku jako coś niezwykłego, "bardzo myślę" ... innymi słowy, przy pomocy "efektem apelacji", dramaturg, dyrektor , Aktor pokazuje pewne zjawiska życia i ludzkie typy, które nie są w ich zwykłym, znajomym i ukrywając formularz, a od nieoczekiwanej i nowej twarzy, zmuszając widza do zaskoczenia, patrzeć na nowy sposób, wydawał się. Stare i znane rzeczy są bardziej aktywne w interesach. Iść głębiej, aby je zrozumieć. "Znaczenie tej techniki" efekt zatrudnienia "- wyjaśnia Breht - jest zainspirowanie widza z litą, krytyczną pozycją w odniesieniu do zdarzeń zdarzenia" 19\u003e /

W sztuce Brecht we wszystkich jego sferach (dramaturgia, dyrektor itp.), "Obserwacja" stosuje się niezwykle szeroko w najbardziej w różnych kształcach formach.

Ataman Robbing Shayiki jest tradycyjną romantyczną figurą starej literatury - przedstawione po zginaniu przez książkę przyjazdową, w której operacje finansowe jego "firmy" są reprezentowane we wszystkich zasadach rachunkowości włoskiej. Nawet w ostatnich godzinach przyjmuje debet z pożyczką. Taka niespodziewana i nie opracowana perspektywa wizerunku świata przestępczego, w wizerunku świata karnego, intensywnie aktywuje świadomość widza, przynosi go do myśli, którą nie przychodzi do głowy: Gangster - te same burżuazyjne, więc kto jest burżuazyjna - nie gangster, czy?

W przykładzie wykonania swoich sztuk BRECHT kurortu się również do "EF-FEKTS operacji". Przedstawia, na przykład w pracach domowych i piosenkach solowych, tzw. "Songi". Te piosenki nie zawsze są wykonywane jak "w trakcie działania", naturalnie pasują do tego, co dzieje się na scenie. Przeciwnie, często są one podkreślane wypadnięcie z działań, przerywają i "znaleźć" go, wykonywane na wybitnych i zwróconych bezpośrednio do audytorium. Brucht podkreśla nawet to sposób, że w ten sposób przełamuje działanie i przenoszenie wydajności do innej płaszczyzny: podczas wykonywania utworów z rusztu, specjalny emblemat jest opuszczony lub specjalne oświetlenie "komórkowe" nie jest wliczone. Piosenki, z jednej strony mają na celu zniszczenie hipnotycznego wpływu teatru, nie pozwalając na wymianę złudzeń scenicznych, a z drugiej strony są one komentowane przez wydarzenia na scenie, oceniają je, przyczyniają się do rozwoju Krytyczne osądy publiczności.

Wszystkie techniki wystawione w teatrze Breht jest pełne "efektów obserwacji". Perestroika na scenie jest często produkowana, gdy kurtyna jest przesunięta; Projekt jest "wskazujący" w naturze - jest niezwykle herbaty, zawiera "tylko niezbędne", tj., Przynajmniej minimalne dekoracje, które przesyłają charakterystyczne oznaki miejsca iczas iminimalne wymagania, używane i uczestniczące w akcji; obowiązują maski; Akcja jest czasami towarzyszy inskrypcje przewidywane na zasłonie lub z powrotemi nadajniki w niezwykle wskazywanej formie aforystycznej lub paradoksalnej społecznyznaczenie fabuli.itp.

Brecht nie rozważył "efekt obserwacji" jako cechy charakterystyczną dla jego twórczej metody wyłącznie. Wręcz przeciwnie, pochodzi z faktu, że ta technika jest mniej lub bardziej nieodłączna ogólnie w naturalnym charakterze całej sztuki, ponieważ nie jest to najbardziej rzeczywistość, ale tylko jego wizerunek, który, bez względu na to, jak blisko życia, nadal nie może być identycznie dla niej idlatego stwierdza, że \u200b\u200blub inny środekkonwencje, I.e. Występność, "przeszkody" z obrazu obrazu. Brecht znalazł i zademonstrował różne "efekty obserwacji" w starożytnym i azjatyckim teatrze, w życiu Bruegel-Senior i Cezanny, w dziełach Szekspira, Goethe, Feichthanger, Joyce i innych. Ale w przeciwieństwie do innych artystów, W jakich kotach "znalezienie" mogą się oddać spontanicznieBrecht - Artysta realizmu Co-Cylalyst - świadomie prowadził tę technikę w bliskim związku z obiektami publicznymi, które realizował z jego pracą.

Kopiuj rzeczywistość, aby osiągnąć największą zewnętrzną podobieństwo, aby zachować w maksymalnym przybliżeniu bezpośrednio zmysłowego wyglądu lub "organizowania" rzeczywistości w pro procesie jego artystycznego wizerunku, aby w pełni i zgodnie z prawdomównie przekazać swoje podstawowe cechy (oczywiście, w Specjalnie ukształtowane dywaniki chmielu), są taką dwoma biegunami w kwestiach estetycznych nowoczesnych świata. Brecht zajmuje całkowicie określony, pozycję raportu w stosunku do tej alternatywy. "Zwykła opinia o TA-Cup", pisze w jednym z notatek. - że dzieło sztuki jest bardziej realistyczne niż, tym łatwiej jest dowiedzieć się rzeczywistością. Contuj to do definicji, że dzieło sztuki jest bardziej realistyczne niż wygodniejsze dla wiedzy o tym, rzeczywistość jest opanowana. " Najwygodniejsze dla wiedzy na temat rzeczywistości Bruchtu uważane za warunkowe "Parony", które obejmowały wysoki stopień uogólnienia formy realistycznej sztuki.

Istota artystamyśli i mocowanie wyjątkowego znaczenia Ra-Tsionalist Start w procesie twórczym, BRECHT zawsze jednak odrzucił schematyczną, rezonansową, niewrażliwą sztukę. On - mogę - Chiye poeta scena p. Odwrócenie się do umysłu widzjednocześnie wyglądający iznajduje Szvuk w swoich uczuciach. Wrażenie wyprodukowane przez sztuki i produkcje Breht można określić jako "kąpiel przeciwciała intelektualna", tj. Takim stanem duszy ludzkiej, w której wschód-raj i intensywna praca myśli ekscytuje, jakby indukcja nie jest mniej poważna reakcja emocjonalna.

Teoria epickiego teatru i teorii "obserwacji" są kluczem do całej literackiej pracy Brecht we wszystkich gatunkach. Pomagają zrozumieć i wyjaśnić najważniejsze i zasadniczo ważne funkcje oraz jej poezję oraz prozą, nie wspominając o dramatu.

Jeśli indywidualna oryginalność wczesnej kreatywności Brchta w znacznym stopniu wpłynęła na jego stosunek do ekspresjonizmu, w drugiej połowie lat 20s, wiele z najważniejszych cechami światopoglądu i stylu Brecht nabywa specjalną jasność i pewność, konfrontując "Nowa Bezpieczeństwo". Znacznie niewątpliwie podłączony pisarz z tym kierunkiem - chciwe uzależnienie od oznak współczesnych w życiu, aktywne zainteresowanie sportem, zaprzeczenie sentymentalnego snu, archaicznego "piękna" i psychologicznej "głębokości" w imię zasad praktyczności, Konkretność, organizacja itp. W ogóle z tym, że wiele była oddzielona przez Brecht z "Nowej Businesslikeness", zaczynając od jego ostro krytycznego stosunku do amerykańskiego stylu życia. Coraz bardziej penetrujący marksistowski światopogląd, pisarz wszedł do konfliktu nie równego równego z jednym zgłówne postulaty filozoficzne "nowej Businesslikeness" - z religią techniczną. Zbuntował się przeciwko tendencji do zatwierdzenia prymatu technologii spadł społeczność ihumanistyczna lamina. Życie:doskonałość nowoczesnej technologii nie oślepiła go, tak że nie pasuje do niedoskonałości współczesnego społeczeństwa napisał w przeddzień II wojny światowej. Przed wzrokiem psychicznym pisarza zidentyfikowano już złowrogie kontury zbliżającego się Kata-Stanza.

"Teatr Epic"

brecht Dramatyczny Epic Teatr

W pracy "W drodze do nowoczesnego teatru", "dialektyka na teatrze", "na neoistotelean drama" i innych opublikowanych pod koniec lat 20. XX wieku, Brecht skrytykował nowoczesną sztukę współczesną i przedstawił główne przepisy jego teoria "epickiego teatru". Niektóre postanowienia dotyczą działających, budującą dramatyczną pracę, muzykę teatralną, scenerię, wykorzystanie filmów itp. Brecht o nazwie "Nearvotelevskaya", "Epic" nazywany jego dramatem. Nazwa ta wynika z faktu, że tradycyjny dramat opiera się na przepisach formułowanych przez Arystotelesa w swojej pracy "Poetyka". Domagali się obowiązkowych loków emocjonalnych aktorów do obrazu.

Podstawa jego teorii Brechta. "Teatr Epicki odwołuje się nie tak wiele do uczucia jako widza do umysłu", napisał Bertold Brecht. Jego zdaniem teatr było stać się szkołą myśli, aby pokazać życie przed prawdziwą pozycją naukową, w szerokiej perspektywie historycznej, promować zaawansowane pomysły, pomóż widzowi zrozumieć zmieniający świat i się zmienić. Brecht podkreślił, że jego teatr powinien stać się teatrem "dla ludzi, którzy postanowili wziąć ich los we własne ręce", że nie powinien tylko wyświetlać wydarzenia, ale także aktywnie wpływać na nich, stymulować, obudzić aktywność widza, aby nie zmusić tego Aby wczuć się, ale kłócić się, zajmować krytyczną pozycję, wziąć środki do życia. Jednocześnie sam pisarz nie był wcale od pragnienia wpływać na uczucia i emocje.

Jeśli dramat oznacza aktywne działanie i pasywny przeglądarkę, wówczas EPO, wręcz przeciwnie, oznacza aktywny słuchacz lub czytnik. Po prostu z tego zrozumienia teatru i pomysł Brechta o aktywny widz, gotowy do myślenia. I myślenie, jak powiedział Brecht, jest coś, co poprzedza działania.

Jednak za pomocą samej pomocy estetyki istniejący teatr był niemożliwy. Brecht napisał: "Aby wyeliminować ten teatr, to znaczy znieść go, usunąć, sprzedać z rąk, jest już konieczne, aby przyciągnąć naukę, podobnie jak w przypadku eliminacji wszelkiego rodzaju przesądów, przyciągnęliśmy również naukę". B. Brecht "Rozmowa w radiu w Kolonii". A taka nauka, według pisarza, powinna być socjologią, czyli doktryna na temat postawy osoby dla osoby. Musiała udowodnić, że dramat Szekspira, który jest podstawą całego dramatu, nie ma więcej praw do istnienia. Wyjaśnia to fakt, że te relacje, które dały możliwość wydawania dramatu, sama została zawieszona historycznie. W artykule "Czy nam wyeliminuj estetykę?" Brecht bezpośrednio wskazywał, że sam kapitalizm niszczy dramat i powoduje warunki wstępne dla Nowego Teatru. "Teatr powinien zostać zmieniony jako całość - nie tylko teksty, nie tylko aktorzy, a nawet cały charakter występu, ta restrukturyzacja powinna obejmować widza, musi zmienić swoją pozycję", pisze Brecht w artykule "Dramat dialektyczny". W Epic Theatre, jednostka przestaje być centrum występu, więc są grupy osób, w których oddzielna osoba zajmuje pewną pozycję. Jednocześnie Brecht podkreśla, że \u200b\u200bnie tylko teatr powinien stać się kolekcjantem, ale sam publiczność. Innymi słowy, Epic Teatr powinien obejmować całe masy ludzi. "Więc" kontynuuje Brecht "oddzielna osoba i jako widz przestaje być centrum teatru. Nie jest już osobą prywatną, która "honoruje" teatr do jego wizyty, pozwalając aktorom grać coś przed nim, spożywając pracę teatru; Nie jest już konsumentem, nie, on musi produkować. "

W celu wdrożenia postanowień "Epic Teatr", Brucht stosowany w swojej pracy "Wpływ wymiany", czyli powołanie artystyczne, którego mianowaniem - pokazać zjawiska życia z niezwykłej strony, aby ich zmusić Spójrz na nich, krytycznie oceniają wszystko, co stało się na scenie. W tym celu Brecht często wprowadza prace domowe i solowe do ich sztuk, wyjaśniając i oceniając zdarzenia wydajności, ujawniając zwykle od nieoczekiwanej strony. "Efekt wymiany" jest również osiągnięty przez system aktorski. Dzięki temu aktor przedstawia tzw. "Gest społeczny" w formie "aliennowane". Pod "gestem społecznym" Brecht rozumie wyraz twarzy w wyrazie twarzy i gestem stosunków społecznych, które istnieją wśród ludzi pewnej epoki. Aby to zrobić, musisz przedstawić dowolne wydarzenie jako historyczne. "Wydarzenie historyczne jest przejściowym wydarzeniem, wyjątkowym, związanym z pewną epoką. W trakcie jego relacji ludzi, a te relacje nie są tylko uniwersalnym, wiecznym charakterem, charakteryzują się swoimi specyfika i są skrytykowane z punktu widzenia kolejnej epoki. Ciągły rozwój zasiedza nas z działań ludzi, którzy żyli do nas "b. Bracht "Krótki opis nowego technika działania, powodując tak zwany" efekt wymiany ". Taki wpływ, zgodnie z Brehtem, pozwala na dokonanie tych wydarzeń życia codziennego, które wydają się naturalne i znajome.

Według teorii Brehtu Teatr Epic powinien powiedzieć widzowi o pewnych sytuacjach życiowych i problemów, aby przestrzegać warunków, w których przeglądarka zachowa, jeśli nie spokój, a następnie kontrolować swoje uczucia. Więc że widz nie zrezygnuje z złudzeń działania scenicznego, pomyślałbym, zdefiniowałbym moją prytyczną pozycję i podjęli decyzje.

W 1936 r. Brucht sformułował cechy porównawcze teatr dramatycznego i epickiego: "Przeglądarka Dramatycznego Teatru mówi: Tak, już to poczułem. To ja. Jest dość naturalny. Będzie to na zawsze. Cierpienie tej osoby mnie potrząsa, dla niego nie ma wyjścia. To świetna sztuka: w nim wszystko idzie bez powiedzenia. Płakuję z płaczącym, śmieję się ze śmiechem. Przeglądarka Teatru Epicka mówi, że nie pomyślałoby. Więc nie rób. Jest bardzo uderzający, prawie niesamowity. Należy to położyć. Cierpienie tej osoby podejmie mnie, ponieważ nadal można wyjść. To świetna sztuka: nic w tym powiedzieć. Śmieję się z tych, którzy płaczą, płacę przez tych, którzy śmieją się "B. Brecht" Teoria Epic Teatr ". Aby stworzyć takie teatr, wymagane są wspólne wysiłki dramaturgi, dyrektor i aktora. Co więcej, dla aktora, ten wymóg jest wyjątkowy. Aktor powinien pokazać pewną osobę w pewnych okolicznościach, a nie tylko być. Musi na kilka chwil jego pobytu na scenie stoją obok sposobu stworzonego przez niego, to znaczy, nie tylko jego przykład wykonania, ale także jego sędzią.

Nie oznacza to, że Bertold Brecht całkowicie zaprzeczył w teatralnej praktyce uczucia, czyli połączenie aktora z wizerunkiem. Uważał jednak, że taki stan może wystąpić tylko do chwil i ogólnie powinien być podporządkowany racjonalnie przemyślany i świadomość ustalonej ról określonej interpretacji.

BigTold Brecht zwrócił dużą uwagę na dekoracje. Od budowniczego sceny zażądał dokładnie zbadania sztuk, biorąc pod uwagę życzenia podmiotów i stale eksperymentować. Wszystko to służyło jako gwarancja kreatywnego sukcesu. "Budowniczy sceny nie powinno czasami umieścić niczego czasami i na zawsze stały miejsce" - powiedział Brecht, "ale nie powinno nie być w stanie zmienić ani nie poruszać niczego, ponieważ daje mapowanie świata, a świat się zmienia zgodnie ze zmianami Przepisy, nie w pełni "B. Brecht" na temat konstrukcji sceny w teatrze Blisko Blisko Beastbheelevsky. " W tym samym czasie, budowniczy sceny należy pamiętać o krytycznym widoku widza. A jeśli przeglądarka nie posiada takiej spojrzenia, zadaniem budowniczego sceny jest dać im widz.

Ważne znaczenie w teatrze ma muzykę. Brecht wierzył, że w epoce walki o socjalizm, jego znaczenie społeczne znacznie wzrasta: "Ktokolwiek wierzy, że masy, które wzrosły do \u200b\u200bwalki z przemocą w niekorzystnej sytuacji, ucisku i działania, są również poważne i jednocześnie przyjemne i racjonalne Muzyka jako środek propagandy pomysłów społecznych, nie rozumiem jednej bardzo ważnej strony tej walki. Jednak jasne jest jednak, że wpływ takiej muzyki w dużej mierze zależy od tego, jak jest wykonywane "B.brcht" na temat wykorzystania muzyki w "Teatrze Epickim". Dlatego wykonawca musi zrozumieć sens społeczny muzyki, co spowoduje odpowiednie podejście do działania na scenie.

Kolejną cechą prac Brecht jest to, że mają dość Frank Subtekst. Tak więc, jedna z najsłynniejszych sztuk "Odwaga Momash i jej dzieci" została stworzona na raz, kiedy Hitler nie stanął ustalenia II wojny światowej. I choć historyczna podstawa tej pracy była wydarzenia z wojny trzydziestoletniej, sama sztuka, a zwłaszcza obraz jej głównego bohatera, nabywają ponadczasowy dźwięk. W istocie jest to praca o życiu i śmierci, o wpływie wydarzeń historycznych w życiu ludzkim.

W centrum gry - Anna Furching, która jest słynna jako odwaga Mamy. Dla niej wojna jest sposobem istnienia: ciągnie po armii jego furgonetki, gdzie każdy może kupować niezbędne towary. Wojna przyniósł jej troje dzieci, które urodziły się od różnych żołnierzy z różnych armii, wojna była normą dla odwagi Mamasha. Dla niej, obojętne przyczyny wojny. Nie ma znaczenia, kto stanie się zwycięzcą. Jednak ta sama wojna bierze wszystko, co ma masy odwagi: jeden z tych samych dzieci umiera jeden na jeden, a ona sama pozostaje sama. Gra Brechta kończy się sceną, w której odwaga MILF już sama ciągnie ją za furgonię po armii. Ale nawet w finale Matka nie zmieniła myśli o wojnie. Dla Brechta ważne jest, aby wgląd nie przyszedł do bohatera, ale do widza. Jest to znaczenie "Teatru Epickiego": sam widz musi potępić lub wspierać bohatera. Tak więc, w sztuce "Odwaga Momash i jej dzieci" autor prowadzi do głównej bohaterki, aby potępić wojnę, ostatecznie zrozumiał, że wojna jest destrukcyjna i bezlitośna dla wszystkich. Ale "wgląd" odwagi nie otrzymuje. Ponadto sama odwaga MOMASH nie istnieje bez wojny. Dlatego, pomimo faktu, że wojna zabrała jej dzieci, odwaga Mamaszy potrzebuje wojny, wojna jest jedynym sposobem jego istnienia.

Termin "Epic Theatre" został po raz pierwszy wprowadzony przez E. Pizer, ale otrzymał szeroki rozkład estetyczny dzięki dyrekcjalnym i teoretycznym dziełom Bertolt Brecht. Brecht dał termin "Teatr Epic" Nowa interpretacja.

Bertolt Brecht (1898-1956) - Niemiecki dramaturg, poeta, publicysta, dyrektor, teoretyka teatru. Jest uczestnikiem w niemieckiej rewolucji 1918 roku. Pierwsza gra została napisana w 1918 roku. Brecht zawsze zajmuje aktywną pozycję publiczną, która objawiła się w swoich grach wypełniona duchem antywiążkowym. "Mamash odwaga i jej dzieci", "życie Galilea", "Wejście Arthura Ui", "Kaukaski Cretaceous Circle" - najsłynniejszy i repertuar jego sztuk. Po przybyciu Hitlera Brecht wyemigrował z kraju. Mieszkał w wielu krajach, w tym w Finlandii, Danii, Stanach Zjednoczonych, tworząc w tym czasie jego antyfaszystowskie prace.

Teoretyczne widoki Brehtty są określone w artykułach: "Szerokość i różnorodność realistycznego sposobu pisma", "Natura i realizm", "Mały Organon na Teatr", "Dialektyka na teatrze", "Okrągłe i złowrogo " i inni. Brecht nazwał jego teorii "Epic Theatre". Głównym zadaniem Teatru Brucht widział zdolność przekazywania publicznych praw rozwoju ludzkich akademików. Jego zdaniem był byłały dramat, zwany "Arystotelesem", kultywował uczucia litości i współczucia dla ludzi. Zamiast tych uczuć Brecht zachęca teatr, aby spowodować emocje porządku społecznego - gniew przeciwsłodom i podziwiać heroizm bojowników. Zamiast dramaturgii, który policzył na empatię publiczności, Brecht przedstawia zasady budowania sztuk, co spowodowałoby zaskoczenie i skuteczność w społeczeństwie, świadomość problemów społecznych. Brecht wprowadza recepcję wezwaną przez nich "efektem wymiany", który jest dobrze znany, przedstawiono publicznie z nieoczekiwanej strony. W tym celu uciekają się do naruszenia malowniczego iluzji "autentyczności". Stara się ustalić uwagę widza na najważniejszych przemyśleniach autora przy użyciu wprowadzenia piosenki (więzienia), Chora. Brecht uważał, że głównym zadaniem aktora była publiczna. Zaleca, aby aktor podejdzie do obrazu stworzonego przez dramaturkę, z punktu widzenia świadka w sąsiadnym, namiętnie zainteresowany odkryciem prawdy (metoda "z świadka"), czyli, aby kompleksowo przeanalizować akty istniejącego osoba i ich motywy. Brucht przyznaje działanie reinkarnacji, ale tylko w okresie próbie "Wyświetlacz" obrazu jest "pokazuje" na scenie. Wisanessen musi być niezwykle ekspresyjny i nasycony - aż do metafory, symbol. Brucht, pracujący nad wydajnością, zbudował go na zasadę filmu. W tym celu użył metody modelu "Model", czyli, naprawiając na folii najbardziej jasnych i indywidualnych plakatów pozach, aby je skonsolidować. Brecht był przeciwnikiem złudzenia, odtworzony na scenie medium, przeciwnika "atmosfera nastrojów".

W teatrze Brucht w pierwszym okresie głównym sposobem pracy była metoda indukcyjna. W 1924 r. Brucht po raz pierwszy działał jako reżyser, wprowadzenie w Monachium "Theater Theatre" The Play "Life of Eduard II English". Tutaj całkowicie pozbawił swoje wyniki zwyczajowe do sformułowania tego rodzaju pompuszczalności i pomdry. Dyskusja na temat preparatu klasycznych sztuk w tym czasie w niemieckim teatrze była w pełnym huśtawce. Kresystornicy rozmawiali o radykalną zmianę sztuk, ponieważ zostały napisane w innej epoce historycznej. Brecht uważał również, że nie można uniknąć, że kandydacja klasyki nie można uniknąć, ale uwierzył, że gra nie może być całkowicie pozbawiona historyzmu. Płaciła dużą uwagę na elementy teatru Folklorystycznego, z ich pomocą ożywienia jej występy.

W grze "Życie Edwarda ..." Brecht tworzy całkiem surową i prozaiczną atmosferę na scenie. Wszystkie znaki były ubrane w kostiumy na płótnie. Razem tron \u200b\u200bna scenie znajdował się niegrzecznie cholerowany krzesło, a blisko niego - pospieszny trybune dla głośników parlamentu angielskiego. Król Edward w jakiś sposób niezgrabnie niezręcznie i był niewygodny na krześle, a wokół niego było panów, zamawiając w buncie. Walka obecnych liderów państwowych w wydajności zamieniła się w skandale i gryzienie, zachęcające i myśli obecnych osób w ogóle nie różniły się. Każdy z nich chciał otoczyć twój lakier. Brucht, skoordynowany materialny, wierzył, że współczesni dyrektorzy nie zawsze uwzględniają istotne zachęty w zachowaniu osób działających. Wręcz przeciwnie był nacisk na nich. W tej pierwszej preparatu Brehtora realizm sztuki urodził się ze szczegółowego, bliskiego patrzenia na najmniejsze i nieistotne (na pierwszy rzut oka) i szczegóły. Głównym elementem wydajności był ściana z zestawem okien, umieszczona na drugim planie sceny. Kiedy, wzdłuż sztuki, zaburzenie ludzi osiągnęło apogee, wszystkie okiennice otwarte, pojawiły się w nich wściekłe twarze, płacze, słyszano repliki oburzenia. A wszystko to połączone w ogólny szum oburzenia. Zbliżała się popularne powstanie. Ale jak mógłbyś rozwiązać sceny bojowe? Brechtu zasugerował słynny klaun w swoim czasie. Brecht zapytał Valentine - co jest żołnierz podczas bitwy? A klaun odpowiedziała mu: "Bel, jak kreda, nie zabije - będzie nienaruszona". Wszyscy żołnierze wykonania wykonywane w solidnej białej Grima. Stwierdzono, że udane odbiór Brechu będzie wielokrotnie powtarzane w różnych odmianach.

Po przeprowadzce do Berlina w 1924 roku Brucht pracuje przez jakiś czas w części literackiej "Doykely Theatre", marzy o otwarciu jego teatru. W międzyczasie, w 1926 roku, z młodymi aktorami "Doyces Theatre" kładzie swoją wczesną grę "Waal". W 1931 roku pracuje na scenie "Pesteater", gdzie wytwarza wydajność na swojej grze ", że żołnierz, który ten," aw 1932 r., Na scenie "Theatre AM Schiffbau-Erdamm" stawia grę "Matka".

Budynek teatralny na nasypie Schiffbauerdam poszedł przez Brechtu przez szansę. W 1928 roku wynajmuje młody aktor Ernst Aufricht i zaczyna zbierać swoją trupę. Artysta Kaspar Neeer wprowadza Brecht z teatrem najemcy i zaczynają pracować razem. Z kolei Brecht zaprasza dyrektora Erich Engel (1891-1966), z którymi pracował w Monachium, który wraz z Brechtem opracował Stylistę Teatru Epickiego.

"Teatr am Schiffbauerdam" otworzył "Trzy-Chiny Opera" Brecht w preparacie Erich Engel. Wydajność, w opisie Yurecht, miał następujący wygląd: "... W głębi sceny było wielki urok targowy, jazz znajdował się na krokach. Kiedy grała muzyka, kolorowe żarówki na scarmer błysnął jasno. Prawa i w lewo umieszczono dwa gigantyczne ekrany, dla których zostały rzutowane po lewej stronie Zniszczenie z nowością, luksusem z Bogiem, kurtyna była małym, niezbyt czystym kawałkiem Boshi, poruszając się po drutach. " Dyrektor dla każdego odcinka znaleźli dość dokładną formę teatralną. Użył szeroko stosowanej metody instalacji. Ale jednak Egnel wziął scenę nie jedną socjalną maską i pomysłami na scenie, ale psychologiczne motywy zachowań widziały w prostych działaniach ludzkich i nie tylko społecznych. W tej wydajności muzyka napisana przez Kurta Vaile była niezbędna. Były to ZOY, z których każdy był osobny numer i był "usuwając monolog" gry autora i dyrektora wykonania.

Podczas wykonywania stacji aktor sprzeciwił się własnym imieniu, a nie w imieniu jego charakteru. Wydajność okazała się ostra, paradoksalna, jasna.

Trupa teatralna była raczej heterogeniczna. Zawierał aktorów różnych doświadczeń i różnych szkół. Niektórzy rozpoczęła karierę artystyczną, inni byli już przyzwyczajeni do chwały i popularności. Ale nadal dyrektor stworzył pojedynczy zespół działający w jego występie. Brecht bardzo cenił tę pracę Engel i uważał "Opera Three-Chip" ważny praktyczny przykład wykonania idei Epicka.

Jednocześnie z pracą w tym teatrze Brecht próbuje siłę i inne sceny, z innymi aktorami. W preparacie odniesienia z 1931 r. Jego sztuki ", że żołnierz, że ten" Brecht ułożył na scenie Balaganu - z ubieraniem się, maskami, cyrkowymi numerami. Szczerze korzysta z przyjęć teatru targowego, wdrażania przed przypowieścią publiczną. "W scenie poszliśmy, przyklejając drut, aby nie wypadać z nadziewanych w spodnie, gigantyczne żołnierze, przestraszone bronią, węzły, rozmazane przez wapno, krew i odchody ... Dwóch żołnierzy , pokryty klejem i wisząca uciskiem maski gazowej, przedstawionej na przednim słonie ... Ostatnia scena występu - ze złamanego tłumu na eksterminie uciekają się z nożem w zębach, przestraszony granatami, w Mundur, śmierdzący błotem bezgłowym, wczorajszym nieśmiałym i dobrze zamontowanym człowiekowi, dzisiejszy samochód na morderstwo ludzi - powiedział krytyk o sztuce. Brecht przedstawił żołnierz jako niechciany gang. Oni, z ruchem występu, stracił swój ludzki wygląd, zamieniły się w brzydkie potwory, z nieproporcjonalnymi proporcjami ciała (długotrwałych rąk). W tym pozorzeniu zwierząt obrócili je na Bruchcie, niezdolność do myślenia i oceny ich działań. To był czas - Weimar Republice umiejętności przed wszystkimi. Naprzód był faszyzm. Brecht powiedział, że zatrzymał się w swoich miesiącach czasowych urodzonych w ciągu 20 lat, ale wzmocnił je przez porównanie z nowoczesnością.

Ostatni dzieło dyrektora BRECHT ten okres był przetwarzaniem play nowatorskiego Gorky'ego "Matki" (1932). To była próbę po raz kolejny uosabiać zasady epickiego teatru na scenie. Napisy, plakaty, które skomentowały przebieg wydarzeń, analizę przedstawionej, odmowa ochłodzenia do obrazów, racjonalna konstrukcja całej wydajności, mówił o jego kierunku - wydajność zwana nie do uczuć, ale do umysłu widza. Wydajność była asceta w relacji obrazowej, dyrektor nie chciał myśleć, że coś uniemożliwiłoby coś. Trenował Brecht - nauczał przy pomocy jego rewolucyjnej pedagogii. Ta wydajność po kilku oświadczeniach została zakazana przez policję. Cenzura oburzyła ostatni etap wydajności, gdy matka z czerwoną flagą w jego ręce była w szeregach swoich towarzyszy do walki. Kolumna demonstrantów dosłownie przeniosła się do publiczności ... i zatrzymała się na linii rampy. Była to ostatnia rewolucyjna wydajność pokazana w przeddzień przybycia Hitlera. W okresie od 1933 do 1945 r., W Niemczech, w istocie były dwa teatry: jedna - organ propagandowy reżimu Hitlera, drugi - mieszkający w Miseles, projekty i plany wszystkich, którzy zostali odcięte z ich gleby, Teatru Exyles. Niemniej jednak doświadczenie epico-teatru Brecht wszedł do skarbonka pomysłów teatralnych XX wieku. Nie będą skorzystać więcej niż raz, w tym na naszym etapie, zwłaszcza w teatrze na Taganka.

B. Brecht powróci do Niemiec Wschodnich i stworzy jeden z największych teatrów GDR - Ensemble Berliner.