Nazwiska najsłynniejszych francuskich artystów renesansu. Figury renesansowe: lista i osiągnięcia

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu była poprawna geometrycznie konstrukcja obrazu. Artysta zbudował obraz wykorzystując opracowane przez siebie techniki. Najważniejsze dla malarzy tamtych czasów było obserwowanie proporcji przedmiotów. Nawet natura wpadła w matematyczne sztuczki obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.

Innymi słowy, artyści w okresie renesansu starali się przekazać dokładne przedstawienie np. osoby na tle natury. Jeśli porównamy to z nowoczesnymi technikami odtwarzania widzianego obrazu na jakimś płótnie, to najprawdopodobniej fotografia z późniejszymi korektami pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansowi wierzyli, że mają prawo korygować wady natury, to znaczy, jeśli dana osoba ma brzydkie rysy twarzy, artyści korygowali je w taki sposób, aby twarz stała się urocza i atrakcyjna.

Leonardo da Vinci

Epoka renesansu stała się taką dzięki licznym twórczym osobowościom, które żyły w tym czasie. Światowej sławy Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt szacowany jest na miliony dolarów, a koneserzy jego sztuki gotowi są długo kontemplować jego obrazy.

Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwszym płótnem, napisanym około 1478 roku, jest "Madonna Benois". Potem były takie kreacje jak „Madonna w grocie”, „Mona Lisa”, wspomniana „Ostatnia Wieczerza” i wiele innych arcydzieł, pisanych ręką tytana renesansu.

Surowość proporcji geometrycznych i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka - to jest to, co charakteryzuje malarstwo Leonarda da Vinci. Zgodnie z jego przekonaniami, sztuka przedstawiania pewnych obrazów na płótnie to nauka, a nie hobby.

Rafał Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) znany w świecie sztuki jako Raphael tworzył swoje prace we Włoszech. Jego obrazy są przepojone liryzmem i wdziękiem. Rafał to przedstawiciel renesansu, który portretował człowieka i jego życie na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.

Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalne odpowiedniki przestrzeni i obrazów, eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszym obrazem Matki Bożej jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez znanego artystę w 1513 roku. Portrety stworzone przez Rafaela odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.

Sandro Botticellego

Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest również malarzem renesansowym. Jedną z jego pierwszych prac był obraz „Adoracja Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego początkowymi obyczajami w przekazywaniu obrazów artystycznych.

Na początku lat 80. XV wieku wielki artysta namalował ściany Kaplicy Watykańskiej. Freski wykonane jego ręką wciąż uderzają.

Z biegiem czasu spokój starożytnych budowli, żywotność przedstawionych postaci, harmonia obrazów stały się nieodłączną częścią jego obrazów. Ponadto znane jest hobby Botticellego do rysunków do słynnych dzieł literackich, które również dodawały tylko chwały jego pracy.

Michał Anioł Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) to włoski malarz, który pracował również w okresie renesansu. Czego ta osoba znana wielu z nas nie zrobiła. I rzeźbę, malarstwo, architekturę, a także poezję. Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany świątyń watykańskich. Przecież tylko najzdolniejsi malarze tamtych czasów zajmowali się tak odpowiedzialną pracą, jak rysowanie obrazów na ścianach katolickich katedr. Musiał pokryć ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej freskami przedstawiającymi różne tematy biblijne. Najsłynniejsze dzieło w tym stylu znane jest nam jako „Sąd Ostateczny”. Sens historii biblijnej jest w pełni i jasno wyrażony. Taka dokładność w przekazywaniu obrazów jest charakterystyczna dla całej twórczości Michała Anioła.

Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wieki. Wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i wpływowi gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze prowadzą codzienne rozmowy ze swoimi patronami. Przez chwilę wydawało się, że ludźmi rządzą mędrcy, tak jak chciał tego Platon.

Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Który również zbudował społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością jest osoba (nie licząc oczywiście niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest zamieszanie. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i duchowość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.

To był tylko błysk. Wysoki renesans ma około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed złupieniem Rzymu.

Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy okazały się zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat określiło główne cechy malarstwa europejskiego na 500 lat do przodu! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (gdy osoba jest głównym bohaterem i bohaterem). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Krajobraz…

Niesamowicie, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Które innym razem rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie można nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów florenckiego renesansu”. Początek XVI wieku. ...

XIV wiek. Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, raczej by nie nadeszła.

Przed Giottem były ikony i freski. Zostały stworzone według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. Płaskie figury. Nieprzestrzeganie proporcji. Zamiast pejzażu jest złote tło. Jak na przykład w tej ikonie.

Guido da Siena. Adoracja Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają trójwymiarowe figury. Twarze szlachetnych ludzi. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Lament nad Chrystusem. Środek: Pocałunek Judasza (szczegół). Po prawej: Zwiastowanie św. Annie (Matce Marii), szczegół.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegni w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, tłumy ludzi wlewały się do niego. Bo nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. W pewnym sensie przetłumaczył biblijne historie na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.

Giotta. Adoracja Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegni w Padwie we Włoszech.

To będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Obrazy lakoniczne. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale nie rozwinęli dalszych jego innowacji. Moda na międzynarodowy gotyk zawitała do Włoch.

Dopiero 100 lat później pojawi się mistrz, godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę liniową. Zaprojektował go jego przyjaciel architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek to już przeszłość.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast grudkowatych postaci Giotta, są to pięknie zbudowani ludzie. Tak jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wygnanie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio żył krótko. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu zwolenników. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do kaplicy Brancaccich, aby uczyć się z jego fresków.

Tak więc innowacje Masaccio zostały przejęte przez wszystkich wielkich tytanów wysokiego renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie, Włochy.

Leonardo da Vinci jest jednym z tytanów renesansu. Co w kolosalny sposób wpłynęło na rozwój malarstwa.

To on sam podniósł status artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portretach.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Lakoniczny. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Chertoryskich, Kraków.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na ożywienie obrazów… żywych.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były ostre. Wszystkie szczegóły są dokładnie śledzone. Malowany rysunek nie mógł być w żaden sposób żywy.

Ale wtedy Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zacienił linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być pokryci ledwo dostrzegalną mgiełką. Postacie ożyły.

... 1503-1519 Luwr, Paryż.

Od tego czasu sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często uważa się, że Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie wiedział, jak cokolwiek dokończyć. I często nie kończył malowania. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). I ogólnie został wrzucony do medycyny, a potem do muzyki. A kiedyś lubiła nawet sztukę serwowania.

Pomyśl jednak sam. 19 obrazów. I jest największym artystą wszechczasów i narodów. A niektórzy nie są nawet bliscy wielkości. W tym samym czasie napisał w swoim życiu 6000 płócien. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.

Przeczytaj o najsłynniejszym obrazie mistrza w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterrę. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był wszechstronnym mistrzem. Jak jego inni koledzy z renesansu. Dlatego jego dziedzictwo malarskie jest nie mniej imponujące.

Rozpoznawalny jest przede wszystkim dzięki swoim fizycznie rozwiniętym postaciom. Ponieważ przedstawił idealną osobę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszyscy jego bohaterowie są tak muskularni i odporni. Nawet kobiety i starzy ludzie.

Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Michał Anioł często malował postać nago. A potem kończyłem na ubraniach. Aby ciało było jak najbardziej widoczne.

Sam pomalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu pocierać farby. Tak, był samotnikiem. Posiada fajny i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z... siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przeżył wyginięcie renesansu. To była dla niego osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i smutku.

Ogólnie ścieżka twórcza Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesna praca jest gloryfikacją ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak jego David.

W ostatnich latach jego życia są to obrazy tragiczne. Celowo szorstki ociosany kamień. Jakby przed nami były pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego Pietę.

Rzeźby Michała Anioła na Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555 g.

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w swoim życiu przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku. Co powinny zrobić następne pokolenia? Cóż, idź własną drogą. Uświadomienie sobie, że poprzeczka została ustawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

... 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Raphael nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany. I za życia. A po śmierci.

Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To on jest słusznie uważany za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich zewnętrzne piękno odzwierciedla również duchowe piękno bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. ... 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

Fiodor Dostojewski wypowiedział słynne słowa „Piękno ocali świat” ks. To był jego ulubiony obraz.

Jednak zmysłowe obrazy nie są jedyną siłą Raphaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był wytrawnym architektem malarstwa. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że inaczej być nie może.

Rafał. Szkoła Ateńska. 1509-1511 Fresk w zwrotkach Pałacu Apostolskiego, Watykan.

Rafał miał zaledwie 37 lat. Zmarł nagle. Od przeziębienia i błędu medycznego. Ale jego dziedzictwo jest trudne do przecenienia. Wielu artystów uwielbiało tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy w tysiącach obrazów…

Tycjan był wytrawnym kolorystą. Dużo eksperymentował też z kompozycją. Ogólnie był odważnym i błyskotliwym innowatorem.

Za taką jasność talentu wszyscy go kochali. Nazywając go „Królem Malarzy i Malarzem Królów”.

Mówiąc o Tycjanie, po każdym zdaniu chcę postawić wykrzyknik. W końcu to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasna kolorystyka. Blask kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja.

Pod koniec życia opracował niezwykłą technikę pisania. Szybkie, grube pociągnięcia. Farbę nakładał pędzlem, potem palcami. Z tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.

Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia.

Czy to ci nic nie przypomina? Oczywiście jest to technika. Oraz technika XIX-wiecznych artystów: Barbizonity i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w swoim życiu przejdzie 500 lat malowania. Dlatego jest geniuszem.

Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.

Artyści renesansowi to artyści o wielkiej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy z ich obrazów skłania do myślenia. Do czego jest przedstawiony? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Dlatego prawie nigdy się nie mylili. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystując cały bagaż swojej wiedzy.

Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Objaśnianie nam świata poprzez malowanie.

Dlatego zawsze będziemy się nimi głęboko interesować.

Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi kreatywności. Z renesansem kojarzą się nazwiska wielu wielkich artystów. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio to tylko niektóre z nazwisk ówczesnych twórców.

Z tym okresem wiąże się pojawienie się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach z tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.

Historycy wyróżniają kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.

Gotyk - 1200s... Popularny styl na dworze. Wyróżniał się przepychem, pretensjonalnością, przesadnym kolorem. Używany jako farby. Obrazy przedstawiały tematy ołtarzowe. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego nurtu są włoscy artyści Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticellego

Protorenesans - 1300s... W tym czasie następuje restrukturyzacja obyczajów w malarstwie. Tematy religijne schodzą na dalszy plan, a świeckie zyskują coraz większą popularność. Obraz zajmuje miejsce ikony. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, mimika twarzy i gesty stają się ważne dla artystów. Pojawia się nowy gatunek sztuki. Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Wczesny renesans - 1400... Rozkwit malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach ożywiają się – nabierają ludzkich cech. Artyści z wcześniejszych okresów próbowali malować pejzaże, ale służyły one jedynie jako tło dla głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu staje się niezależnym gatunkiem. Portret nadal się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy linearnej i na tej podstawie artyści budują swoje obrazy. Na ich płótnach widać poprawną trójwymiarową przestrzeń. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Wysoki Renesans - Złoty Wiek... Spojrzenie artystów staje się jeszcze szersze - ich zainteresowania rozciągają się w przestrzeni Kosmosu, uważają człowieka za centrum wszechświata.

W tym czasie pojawili się "tytani" renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. Najwybitniejszym przedstawicielem był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko znakomitym malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem, dramatopisarzem. Stworzył fantastyczne techniki w malarstwie, np. „gładkie” – iluzję zamglenia, z której powstała słynna „La Gioconda”.

Leonardo da Vinci

Późny renesans- wygaśnięcie renesansu (połowa XVI wieku, koniec XVII wieku). Tym razem wiąże się ze zmianami, kryzysem religijnym. Kończy się kwitnienie, linie na płótnach stają się nerwowe, indywidualizm odchodzi. Tłum coraz częściej staje się obrazem obrazów. Utalentowane dzieła tamtych czasów należą do pióra Paolo Veronese, Jacopo Tinoretta.

Paolo Veronese

Włochy dały światu najzdolniejszych artystów renesansu, są najczęściej wymieniani w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwijało się również malarstwo, które wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo innych krajów w tym okresie nazywane jest renesansem północnym.

Epoka renesansu spowodowała głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która coraz bardziej uniezależnia się od religii, przestaje być „sługą teologii”, choć do pełnej niezależności jest jeszcze daleka. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odżywają nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył we Florencji Akademię Platońską, tłumacząc dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W okresie renesansu, według Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna czyli filozofia przyrody. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Ich prace rozwijają ideę, że filozofia powinna studiować nie nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że przyroda przestrzega swoich własnych, wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią przyrody.

Rozpowszechnianie naturalnych poglądów filozoficznych ułatwiło: naukowy odkrycia. Głównym było teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w postrzeganiu świata.

Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów pozostają pod wpływem religii i teologii. Ten rodzaj poglądu często przybiera formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, ale rozpływa się w naturze, jest z nią utożsamiany. Do tego należy jeszcze dodać wpływ tzw. nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet z takim filozofem jak D. Bruno.

Najistotniejsze zmiany, jakie przyniósł renesans w kultura artystyczna, sztuka. To na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.

W średniowieczu sztuka była w dużej mierze stosowana w przyrodzie, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W okresie renesansu sztuka po raz pierwszy nabiera samoistnej wartości, staje się samodzielnym obszarem piękna. Jednocześnie po raz pierwszy w spostrzegającym widzu powstaje uczucie czysto artystyczne, estetyczne, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie dla celu, któremu służy.

Jeszcze nigdy sztuka nie cieszyła się tak dużym szacunkiem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji twórczość artysty była wyraźnie gorsza od pracy polityka i obywatela pod względem społecznego znaczenia. Jeszcze skromniejsze miejsce zajmował artysta w starożytnym Rzymie.

Ale już miejsce i rola artysty niezmierzony wzrost w społeczeństwie. Po raz pierwszy jest postrzegany jako niezależny i szanowany profesjonalista, naukowiec i myśliciel, wyjątkowa osobowość. W renesansie sztuka postrzegana jest jako jeden z najpotężniejszych środków poznania iw tym zakresie jest utożsamiana z nauką. Leonardo da Vinci postrzega naukę i sztukę jako dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo to nauka i pełnoprawna córka natury”.

Sztuka jest jeszcze bardziej ceniona jako kreatywność. Pod względem zdolności twórczych renesansowy artysta utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. Stąd jest jasne, dlaczego Raphael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów Komedia Dantego została również nazwana Boska.

W samej sztuce zachodzą głębokie zmiany. W decydujący sposób zmienia się od średniowiecznego symbolu i znaku do realistycznego obrazu i wiarygodnego przedstawienia. Środki artystycznego wyrazu stają się nowe. Opierają się teraz na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka stara się we wszystkim być wierna rzeczywistości, osiągnąć obiektywność, rzetelność i witalność.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Inne kraje też mają świetne nazwiska, ale Włochy są poza konkurencją.

We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku - XIV wiek.
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza trzecia XVI wieku.
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami protorenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantemu wiele prób. Za udział w walce politycznej był prześladowany, wędrował, ginął na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą czasów nowożytnych. Te dwie zasady – stara i nowa – są w jego twórczości bardzo ściśle splecione.

Pierwsze utwory Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne poematy o treści miłosnej, poświęcone jego ukochanej Beatrice, którą spotkał kiedyś we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował swoją miłość do końca życia. W swoim gatunku teksty Dantego wpisują się w główny nurt średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie wizerunek „Pięknej Pani” jest przedmiotem pochwały. Jednak uczucia wyrażane przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, naznaczonymi wyjątkową osobowością.

Szczytem kreatywności Dantego było "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Dzięki swojej konstrukcji wiersz ten wpisuje się również w główny nurt tradycji średniowiecznych. Opowiada o przygodach człowieka, który wpadł w zaświaty. Wiersz składa się z trzech części - Piekło, Czyściec i Raj, z których każda ma 33 pieśni, napisane w trzywierszowych zwrotkach.

Powtarzana liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej doktryny o Trójcy. W trakcie tej historii Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie dopuszcza swego towarzysza przez dziewięć kręgów piekielnych i czyśćcowych – rzymskiego poety Wergiliusza – do raju, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Tutaj poecie towarzyszy jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w jego myślach i osądach, w jego stosunku do przedstawianych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco odbiega od nauczania chrześcijańskiego. Więc. zamiast chrześcijańskiej krytyki miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest włączona w samą naturę życia. Dante współczuje miłości Franceski i Paolo. chociaż ich miłość wiąże się ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu wygrywa z Dantem także w innych przypadkach.

Wśród wybitnych poetów włoskich są również Francesco Petrarca. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swojego sonety. Był jednocześnie wielkim myślicielem, filozofem i historykiem. Jest słusznie uważany za twórcę całej kultury renesansowej.

Praca Petrarki jest również częściowo w ramach średniowiecznych tekstów dworskich. Podobnie jak Dante, miał ukochaną Laurę, której zadedykował swoją „Księgę Pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa związki z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia - miłość, ból, rozpacz, tęsknota - wydają się znacznie ostrzejsze i nagie. Mocniej brzmi w nich zasada osobowości.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był: Giovanni Boccaccio(1313-1375). autor światowej sławy " Dekameron ”. Zasadę konstruowania jego zbioru opowiadań i fabułę Boccaccia zapożyczył ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami opowiadań są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie ma w nich nudnych wykładów, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie mieni się miłością do życia i zabawy. Fabuły niektórych z nich mają charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także nowelę Fiametta, uważaną za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu w sztukach wizualnych. Jej głównym gatunkiem było malowanie fresków. Wszystkie są napisane na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych tematów wyraźnie dominuje zasada renesansu. W swojej pracy Giotto porzuca średniowieczną konwencję i zwraca się ku realizmowi i wiarygodności. To dla niego doceniana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.

W jego pracach naturalny krajobraz jest przedstawiony dość realistycznie, na którym wyraźnie widoczne są drzewa, skały, świątynie. Wszystkie zaangażowane postacie, w tym sami święci, jawią się jako żywi ludzie, obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasnym kolorem i malowniczością, subtelną plastycznością.

Głównym dziełem Giotta jest obraz Capella del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Najmocniejsze wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Pozycja ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną przekonywaniem. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma niepowtarzalny klimat.

Tak więc w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” wypełniony jest burzliwym dynamizmem, ostrymi i zdecydowanymi akcjami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i oczami prowadzili pojedynek.

Scena „Lamentacja Chrystusa” naznaczona jest szczególnym dramatem. Przepełnia go tragiczna rozpacz, nieznośny ból i cierpienie, niepocieszony żal i smutek.

Ostatecznie zatwierdzono wczesny renesans nowe estetyczne i artystyczne zasady sztuki. Jednocześnie opowieści biblijne są nadal bardzo popularne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele już zostało w niej ze średniowiecza.

Ojczyzna Wczesny renesans został Florencją, a „ojcami renesansu” są architekt Philippe Brunelleschi(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny pod architekturę renesansu, odkrył nowe formy, które przetrwały wieki. Zrobił wiele, aby rozwinąć prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną budowlą katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stało przed nim niezwykle trudne zadanie, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromna - około 50 m średnicy. Przy pomocy oryginalnego projektu znakomicie wychodzi z trudnej sytuacji. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby szybowała nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej wspaniałym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielki, prostokątny budynek przykryty pośrodku kopułą. Wewnątrz jest wyłożony białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, wdziękiem i wdziękiem.

Dzieło Brunelleschiego jest niezwykłe, ponieważ wykracza poza budynki religijne i tworzy wspaniałe struktury architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec zbudowany w kształcie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w wielu różnych gatunkach, wszędzie pokazując prawdziwą innowację. W swojej pracy Donatello wykorzystuje starożytne dziedzictwo, opierając się na głębokim studium natury, odważnie aktualizując środki artystycznego wyrazu.

Uczestniczy w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia portret rzeźbiarski i przedstawienie nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Swoją pracą Donatello wywarł wielki wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Pragnienie Donatello do idealizowania przedstawionej osoby było wyraźnie widoczne w: posąg młodego Dawida. W tej pracy David pojawia się jako młody, piękny, pełen psychicznej i fizycznej siły młodych mężczyzn. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiło się wiele nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Bohaterski początek jest mocny i wyraźny w figura św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów kreatywności Donatello. Tutaj w pełni udało mu się ucieleśnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, smukły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby antycznej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowy posąg dowódcy Gattamelatty - pierwszy pomnik konny w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom artystycznego i filozoficznego uogólnienia, co zbliża tę pracę do starożytności.

W tym samym czasie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, przejrzysty i precyzyjny plastik, naturalna pozy jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judith ukazana jest w momencie, gdy unosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby to wykończyć.

Masaccio uważany jest za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy płynące od Giotta. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele zdziałał. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego, współczesnego renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie zbliżył się do współczesnych mistrzów tak blisko, jak Masaccio”.

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie historie biblijne – „Upadek” i „Wypędzenie” z raju".

Chociaż freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń jawią się jako ludzie całkowicie ziemscy. Posiadają indywidualne cechy i zachowują się w sposób całkowicie naturalny i ludzki. Szczególnie w scenie chrztu ukazany jest zaskakująco rzetelnie nagi młodzieniec, drżący z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję nie tylko za pomocą perspektywy linearnej, ale także powietrznej.

Z całego cyklu zasługuje na szczególną uwagę fresk „Wypędzenie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niejasnego pejzażu wyraźnie widoczne są postacie Adama i Ewy, którzy opuścili bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupia się na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa zdołał tak przekonująco i rzetelnie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonujący i żywo wyrażony jest stan wewnętrzny bohaterów. Idąc szeroko, Adam pochylił głowę ze wstydu i zakrył twarz dłońmi. Szlochając, Ewa odrzuciła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

Wykonane przez Masaccio było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431-1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwszy zasłynął przede wszystkim swoimi obrazami, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakub - procesja do egzekucji i sama egzekucja. Botticelli wolał malarstwo sztalugowe. Jego najsłynniejsze obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiąga najwyższy wzrost, zaczyna się Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozczłonkowany, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, przeżywa bezprecedensowy rozkwit. To właśnie w tym czasie robią tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu wiąże się z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zdeterminował rozwój architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namaluje swój słynny fresk „Ostatnia Wieczerza”. Jego sława zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie i stał się rodzajem „manifestu” wysokiego renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia ją prostota środków architektonicznych, harmonia części i rzadka wyrazistość. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem kreatywności Bramante jest odbudowa Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem opracowania projektu katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie wdrażać.

Zobacz też:, Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, znacząco różniła się od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie skłaniali się ku radykalnej odnowie. To na tych szkołach oparł się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm kolejnych wieków.

Szkoła wenecka była ich rodzajem przeciwwagi i antypody. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych włoskich szkół Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tam jego pasja poszukiwania i eksperymentowania mogłaby znaleźć właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze między „starymi i nowymi” artystami ci ostatni powoływali się na przykład Wenecji. Tu zaczęły się trendy, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I choć romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Veronese. W Wenecji El Greco otrzymał swoją twórczą opiekę, co pozwoliło mu wstrząsnąć hiszpańskim malarstwem. Velasques przejechali przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich malarzach Rubensie i Van Dycku.

Wenecja jako miasto portowe znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Była pod wpływem Niemiec Północnych, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Durer był tu dwukrotnie - pod koniec XV wieku. i początek XVI wieku. Odwiedził ją Goethe (1790). Tu Wagner słuchał śpiewu gondolierów (1857), pod inspiracją których napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza wywoływała płynne i ruchome kształty, zamiast wyraźnych struktur geometrycznych. Wenecja skłaniała się nie tyle do rozumowania swoimi surowymi regułami, ile do uczuć, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. W centrum tej poezji była natura – jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta – fascynujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z urzekających dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej nie preferowali formy i rysunku, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się przekazać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w samym żywym i czującym ciele.

Realistyczna wiarygodność i niezawodność im nie wystarczały. Starali się ukazać bogactwo tkwiące w samym malarstwie. To właśnie Wenecja zasługuje na odkrycie czystego początku malarskiego, czyli malowniczości w najczystszej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązania problemów malarstwa za pomocą jednego koloru, środków czysto malarskich, możliwość potraktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i ekspresji, pójdą tą drogą. Według niektórych ekspertów można przejść od Tycjana do Rubensa i Rembrandta, potem do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne'a itd.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy działał jak prawdziwy innowator. W końcu wygrywa z zasadą świecką i zamiast na tematy biblijne woli pisać na tematy mitologiczne i literackie. W jego twórczości afirmowany jest obraz sztalugowy, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy przenosi nacisk na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To właśnie Giorgione zaczął szukać sekretu malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, działając jako poprzednik Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła o różnych gatunkach i tematach – „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było: Śpiąca Wenus”. Ten obraz jest pozbawiony jakiejkolwiek fabuły. Wychwala piękno i urok nagiego kobiecego ciała, reprezentując „nagość dla nagości”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansowej. Znaczna część jego długiego życia przypada na późny renesans.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowacyjność Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Cechują się niezwykłą zmysłowością, dzięki której silnie oddziałują na widza. Twórczość Tycjana jest niezwykle muzyczna i melodyjna.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało własnego smaku, a według Delacroix i Van Gogha – muzyki. Jego płótna malowane są otwartą kreską, która jest jednocześnie lekka, swobodna i przeźroczysta. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza i wchłania formę, a zasada malarska po raz pierwszy nabiera autonomii, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości przeradza się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan wychwala beztroską radość życia, cieszenie się dobrami ziemskimi. Wysławia zasadę zmysłowości, zdrowe ciało ludzkie, wieczne piękno ciała, fizyczną doskonałość człowieka. Jego płótna takie jak „Miłość ziemska i niebiańska”, „Uczta Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis” są temu poświęcone.

Na zdjęciu dominuje zmysłowa zasada. „Magdalena pokutująca””, Chociaż jest poświęcony dramatycznej sytuacji. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, rumiane policzki i złote włosy. Obraz „Chłopiec z psami” przepełniony jest uduchowionym liryzmem.

W pracach drugiego okresu zasada sensoryczna jest zachowana, ale uzupełnia ją rosnący psychologizm i dramat. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od fizycznego i zmysłowego do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcielaniu wątków i wątków, ku którym wielki artysta zwracał się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego, opuszczonego cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i fizycznym pięknem. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera tragicznych rysów.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem jest wersja obrazu „Ukoronowanie cierniem”, poświęconej epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywany w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie piękny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć gwałcicieli. W wersji monachijskiej, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam odcinek jest oddany znacznie głębiej, bardziej złożony i bardziej wymowny. Chrystus przedstawiony jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenia. Teraz najważniejsze nie jest koronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychologiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych utworach Tycjana tragiczny dźwięk jest coraz bardziej nasilany. Świadczy o tym obraz „Lamentacja Chrystusa”.

Renesans urzeczywistniał się z klasyczną pełnią we Włoszech, w których wyróżnia się okresy kultury renesansowej: protorenesans czyli czasy zjawisk przedrenesansowych ("epoka Dantego i Giotta", ok. 1260-1320), częściowo pokrywające się z okresem z Duchento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.) i Cinquecento (XVI w.). Bardziej ogólne okresy to wczesny renesans (14-15 wieków), kiedy nowe trendy aktywnie wchodzą w interakcję z gotykiem, przezwyciężając go i twórczo przekształcając.

A także wysoki i późny renesans, którego szczególną fazą był manieryzm. W epoce Quattrocento, szkoła florencka, architekci (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino i inni), rzeźbiarze (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio) i malarze, Filippo Lippi, Andrea del Castagno , Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), która stworzyła plastycznie integralną koncepcję świata z wewnętrzną jednością, która stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech (praca Piero della Francesca w Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa w Ferrarze Mantegna w Mantui, Antonello da Messina i bracia Gentile i Giovanni Bellini w Wenecji).

Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralną wagę do „równej Bogu” twórczości ludzkiej, wysuwał w sztuce jednostki, które – z całym bogactwem ówczesnych talentów – stawały się personifikacją całych epok kultury narodowej (osobowości „tytanowych”, jak ich później romantycznie nazwano). Giotto stał się uosobieniem protorenesansu, przeciwne aspekty Quattrocento - konstruktywna surowość i uduchowiony liryzm - zostały wyrażone odpowiednio przez Masaccio i Angelico i Botticellego. "Tytani" średniego (lub "wysokiego") renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł to artyści - symbole wielkiej granicy nowej ery jako takiej. W dziełach F. Brunelleschiego, D. Bramante i A. Palladio ucieleśniają się monumentalnie najważniejsze etapy włoskiej architektury renesansowej – wczesne, średnie i późne.

W renesansie średniowieczną anonimowość zastąpiła indywidualna, autorska twórczość. Teoria perspektywy liniowej i lotniczej, proporcji, problemów anatomii i modelowania odcięcia ma duże znaczenie praktyczne. Centrum renesansowych innowacji, artystyczne „zwierciadło epoki” było malarstwem obrazowym o charakterze iluzorycznym, w sztuce religijnej wypiera ikonę, a w sztuce świeckiej daje początek niezależnym gatunkom pejzażu, malarstwa codziennego, portretu ( ten ostatni odegrał pierwszorzędną rolę w wizualnym potwierdzeniu ideałów humanistycznego virtu). Sztuka drzeworytu drukowanego i grawerowania w metalu, która stała się naprawdę powszechna w okresie reformacji, zyskuje ostateczną wartość samoistną. Rysowanie z roboczego szkicu zamienia się w osobny rodzaj kreatywności; indywidualny styl obrysu, obrysu, a także faktura i efekt niepełności (non-finito) zaczynają być doceniane jako samodzielne efekty artystyczne. Malarstwo monumentalne staje się też malarskie, iluzoryczno-trójwymiarowe, zyskując coraz większą wizualną niezależność od masy muru. Wszystkie rodzaje sztuk wizualnych teraz, w taki czy inny sposób, naruszają monolityczną syntezę średniowieczną (gdzie dominowała architektura), zyskując względną niezależność. Powstają typy absolutnie okrągłego posągu, pomnika konnego, popiersia portretowego (które pod wieloma względami ożywia starożytną tradycję) oraz powstaje zupełnie nowy typ uroczystego nagrobka rzeźbiarsko-architektonicznego.

W okresie Wysokiego Renesansu, kiedy walka o humanistyczne ideały renesansu nabierała napiętego i heroicznego charakteru, architekturę i sztuki wizualne cechowała rozpiętość społecznego rezonansu, syntetyczne uogólnienie i moc obrazów pełnych duchowej i fizycznej aktywności. W budynkach Donato Bramante, Rafaela, Antonio da Sangallo apogeum osiągnęły idealna harmonia, monumentalność i wyraźne proporcje; humanistyczna pełnia, śmiały lot artystycznej wyobraźni, rozpiętość rzeczywistości są charakterystyczne dla dzieł największych mistrzów sztuk wizualnych tej epoki – Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Giorgione, Tycjana. Od drugiej ćwierci XVI wieku, kiedy Włochy weszły w okres kryzysu politycznego i rozczarowania ideami humanizmu, twórczość wielu mistrzów nabrała złożonego i dramatycznego charakteru. W architekturze późnego renesansu (Giacomo da Vignola, Michał Anioł, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) wzrosło zainteresowanie przestrzennym zagospodarowaniem kompozycji, podporządkowanie budynku szerokiej koncepcji urbanistycznej; w bogatym i złożonym rozwoju budynków użyteczności publicznej, świątyń, willi, palazzo wyraźną tektonikę wczesnego renesansu ustąpił miejsca intensywnemu konfliktowi sił tektonicznych (budynki Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malarstwo i rzeźbę późnego renesansu wzbogaciło zrozumienie sprzecznej natury świata, zainteresowanie przedstawieniem dramatycznej akcji masowej, dynamiką przestrzenną (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); psychologiczna charakterystyka obrazów w późniejszych dziełach Michała Anioła i Tycjana osiągnęła bezprecedensową głębię, złożoność, wewnętrzną tragedię.

Szkoła wenecka

Szkoła Wenecka, jedna z głównych szkół malarskich we Włoszech, której centrum znajduje się w Wenecji (częściowo także w małych miejscowościach Terraferma - obszarach lądu przylegającego do Wenecji). Szkoła wenecka charakteryzuje się przewagą malarskiego początku, szczególną dbałością o problematykę koloru, pragnieniem ucieleśnienia zmysłowej pełni i blasku bytu. Ściśle związana z krajami Europy Zachodniej i Wschodu Wenecja czerpała z obcej kultury wszystko, co mogło być jej ozdobą: elegancję i złocisty blask bizantyjskich mozaik, kamienne otoczenie mauretańskich budowli, fantastyczną naturę gotyckich świątyń. Jednocześnie wykształcił się tu własny, oryginalny styl w sztuce, skłaniający się do ceremonialnego blasku. Szkoła wenecka charakteryzuje się świecką, afirmującą życie zasadą, poetyckim postrzeganiem świata, człowieka i natury, subtelnym koloryzmem.

Szkoła wenecka osiągnęła swój największy rozkwit w epoce wczesnego i wysokiego renesansu, w twórczości Antonello da Messina, który otworzył przed współczesnymi, twórcami idealnie harmonijnych obrazów Giovanniego Belliniego i Giorgione, ekspresyjne możliwości malarstwa olejnego. największy kolorysta Tycjan, który uosabiał w swoich płótnach barwną pogodę tkwiącą w weneckim malarstwie i mnogości. W dziełach mistrzów szkoły weneckiej z drugiej połowy XVI wieku wirtuozeria w przekazywaniu wielobarwności świata, zamiłowanie do świątecznych spektakli i wieloaspektowego tłumu współistnieje z jawnym i ukrytym dramatem, niepokojącym poczuciem dynamika i nieskończoność wszechświata (obrazy Paolo Veronese i Jacopo Tintoretta). W XVII wieku tradycyjne zainteresowanie szkoły weneckiej problematyką koloru w twórczości Domenico Fettiego, Bernardo Strozziego i innych artystów współistniało z technikami malarstwa barokowego, a także realistycznymi tendencjami w duchu karawagizmu. Malarstwo weneckie XVIII wieku charakteryzuje się rozkwitem malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (Giovanni Battista Tiepolo), gatunkowego (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentalnego trafnego pejzażu architektonicznego - ołowiu (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) i codziennego życie pejzażu Wenecji (Francesco Guardi).

Szkoła florencka

School of Florence, jedna z wiodących włoskich szkół artystycznych renesansu, skupiona w mieście Florencja. Powstaniu szkoły florenckiej, która ostatecznie ukształtowała się w XV wieku, sprzyjał rozkwit myśli humanistycznej (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola itp.), która zwróciła się ku dziedzictwu starożytności. Założycielem szkoły florenckiej w dobie protorenesansu był Giotto, który nadał swoim kompozycjom plastyczną perswazję i życiową autentyczność.
W XV wieku założycielami sztuki renesansowej we Florencji byli architekt Filippo Brunelleschi, rzeźbiarz Donatello, malarz Masaccio, a następnie architekt Leon Battista Alberti, rzeźbiarze Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano i inni mistrzowie. W architekturze szkoły florenckiej w XV wieku powstał nowy typ renesansowego palazzo, rozpoczęto poszukiwania idealnego typu budynku świątynnego, który odpowiadałby humanistycznym ideałom epoki.

Sztukę plastyczną szkoły florenckiej XV w. charakteryzuje fascynacja problematyką perspektywy, pragnienie klarownej plastycznie konstrukcji postaci ludzkiej (prace Andrei del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) wielu jego mistrzów - szczególną duchowość i intymną liryczną kontemplację (malarstwo Benozzo Gozzoli, Sandro Botticellego, Fra Angelico, Filippo Lippi,). W XVII wieku szkoła florencka podupadła.

Dane referencyjne i biograficzne Galerii Malarstwa „Small Bay Planet Painting Gallery” są przygotowywane na podstawie materiałów z „Historii sztuki obcej” (red. MT Kuzmina, NL Maltseva), „Encyklopedia sztuki zagranicznej sztuki klasycznej”, „Wielki rosyjski Encyklopedia".