Gustave Moro Diomed pożerający z jego koni. Dziesięć zgrywania obrazów od znanych artystów, którzy nie wszyscy chcą powiesić w domu

Zwykle malarze tworzą zdjęcia, które chcesz ponownie rozważyć, podziwiając piękno transmitowane na płótnie. Ale nie wszystkie płótno wybitnych artystów powodują tylko pozytywne emocje. Istnieją również takie zdjęcia w kolekcjach muzealnych, po oglądaniu, które krew jest zablokowana w żyłach i istnieje nieprzyjemne uczucie niepokoju. W tej recenzji, arcydzieła malarstwa światowego, co niemożliwe jest spojrzenie bez druby.

Artemisia Gezheliski "Judith, beheads of Oolferna

Obraz "Judith, ścięcie Oloferna" zgłasza działkę biblijną, w której wdowa, uwodziły Asyryjskiego dowódcę-najeźdźcę, zabija go po łóżku Jice. W przypadku włoskiej Artemisia Artemisia Jegeniski była płótnem wynikającym z osobistymi doświadczeniami. W wieku 18 lat został zdyskontowany przez artystę Agostino Tassy, \u200b\u200bktóry pracował w warsztacie ojca. Dziewczyna musiała odłożyć upokarzającą 7-miesięczną próbę, po której został zmuszony do przeniesienia się z Rzymu do Florencji, gdzie napisał słynny słynny obraz.

Heinrich Fusli "Nightmare Nightmare"

Prawie wszystkie płótno szwajcarskiego artysty Heinrich Fusli zawierają komponent erotyczny. W obrazie "Night Mountain" Artysta przedstawił demona inkuba, który pojawił się do kobiety, aby ją uwieść. Według średniowiecznych przekonań, przygnębione pragnienia seksualne objawiły się u ludzi w postaci koszmarów.

Gustav Mora "Diedowany, pożerany przez jego konie"

Francuski artysta Gustav Moro w swojej pracy często stosuje się do tematu mitologicznego. Jego obraz "Diomed, pożerany przez jego konie" służy jako odniesienie do 12 exploitów Herkulesa. Bohater miał iść do króla Diiseda w Traci, aby zdobyć zaciekłe konie, które właściciel karmił ludzki mięso. Hercules okrutnie rozpatrywali się królem i rzucił go na zwierzę zmieszane.

Jerome Bosch "Ogród ziemskich przyjemności"

Tryptyk "Garden of Earthly Pleasures" jest uważany za najbardziej znany obraz Jerome Bosch. Jego centralna część jest poświęcona grzechowi rozpuszczalników. Różnorodność dość dziwnych obrazów przytłaczają obraz, jak gdyby ostrzegł widz, co może się zdarzyć, jeśli może wystąpić pokusa.

Peter Paul Rubens "Saturn, pożerając syna"

Pęknięty płótno Petera Paul Rubens przechodzi mitologiczną działkę o Bogu Saturn (w mitologii greckiej - Kronos), która karmiła, że \u200b\u200bjeden z jego dzieci zniszczy Ojca. Dlatego Saturn pożerał każdy z jego potomstwa.

Hans Memling "Fur zabawny"

Nie najbardziej przyjemne wrażenia powodują lewy panel tryptyk "Justa Ziemi". Na nim autor przedstawił swoją wizję piekła. Patrząc na straszne płótno, mężczyzna, który mieszkał kilka wieków, było pomyśleć o bardziej sprawiedliwym życiu, aby nie dostać się do piekielnego kotła po śmierci.

William Bugro "Dante and Vergili w piekle"

Pierwsze krok za tworzenie pracy "Dante i Vergil In Hell", francuski malarz William Bugro został zainspirowany przez wiersz "boskiej komedii". Działanie na zdjęciu odbywa się w 8. kręgu piekła, gdzie ukarani są podróbki i falsery. Przeklęte dusze i po śmierci nie może się uspokoić, gryząc się nawzajem. Hypostrofagorowe pozuje grzeszników, napięcie mięśni - wszystko to zostało zaprojektowane, aby dać widzowi i przerażeniem tego, co dzieje się z widzem.

Francisco goya "katastrofy wojny"

W okresie od 1810-1820 francisco Goya utworzył 82 rycin, którzy później otrzymali nazwę "katastrofy wojny". W swoich pracach artysta nie skupiła się na heroizmu dowódcy, ale na cierpienia zwykłych ludzi. Goya zamierza spełnić pracę w odcieniach czarno-białych, aby "nie rozpraszać" widza od głównej idei, że nie ma wymówek.

Ze względu na sztukę Gustave Moro. Dobrowolnie samodzielnie samodzielnie od społeczeństwa. Tajemnica, którą otoczył swoim życiem, zamienił się w legendę o artystę.

Moro urodził się 6 kwietnia 1826 r. W Paryżu. Jego ojciec, Louis Moro, był architektem, którego obowiązki włączone do utrzymania budynków publicznych i zabytków miejskich w odpowiedniej formie. Śmierć jedynej siostry Moreau, Camillas, zebrała rodzinę. Matka artysty, Polina, była związana z synem i, Ovadov, nie rozstał się z nim aż do śmierci w 1884 roku.

Od wczesnego dzieciństwa rodzice zachęcili zainteresowanie dziecka do rysowania i dołączył do niego do klasycznej sztuki. Gusti czytaj dużo, uwielbiałem rozważyć albumy z reprodukcjami arcydzieł od kolekcji Luwry, aw 1844 r. Pod koniec szkoły otrzymał stopień licencjata, a nie rzadkie osiągnięcie dla młodych burżuazyjnych. Zadowolony z sukcesu syna, Louis Moro zdefiniował go w artystce-neoklasycy artysty francois-eduard Pico (1786-1868), gdzie młodzi Moro ma niezbędne szkolenie w celu przyjęcia do szkoły sztuk pięknych, gdzie w 1846 roku przekazał egzaminy.

Saint George i Dragon (1890)

Griffin (1865)

Szkolenie tutaj było niezwykle konserwatywne i zredukowane do kopiowania żaluzji gipsowych z starożytnych posągów, rysując męską nagą naturę, badanie anatomii, perspektyw i historii malarstwa. Tymczasem Moro stał się coraz bardziej lubiący kolorowy obraz Delacroix, a zwłaszcza jego zwolennikiem Theodore Chasserio. Nie mogłem wygrać prestiżowej nagrody rzymskiej (zwycięzcy tej szkoły konkurskiej na swoim wydatku poszli do studiowania w Rzymie), w 1849 r. Moro opuścił ściany szkolne.

Młody artysta zwrócił uwagę na salon - roczną oficjalną wystawę, na której każdy zaczyna się dostać do nadziei na widzenie krytyki. Obrazy reprezentowane przez Moro w kabinie w latach 50. XIX wieku, na przykład "Pieśń piosenki" (1853), znalazła silny wpływ Sasserio, - wykonane w romantyczny sposób, wyróżniały się one przebijając smak i szalony erotyzm.

Moro nigdy nie zaprzeczył, że bardzo wielu w pracy był zobowiązany do Shazerio, jej przyjaciela, wcześnie od życia (w wieku 37 lat). Zszokowany jego śmiercią, Moro poświęcił go do pamięci na płótnie "Młody człowiek i śmierć".

Wpływ Theodore Chasserio jest oczywisty, aw dwóch dużych płótnach, które Moro rozpoczął pisanie w latach 50. XIX wieku - w "Briangies of Penels" i "Córki Tezay". Pracując nad tymi ogromnymi, z dużą ilością szczegółów, obrazów, prawie nie opuścił warsztaty. Jednak to wysokie wymagające dla siebie później stało się przyczyną, zgodnie z którą artysta pozostawił pracę niedokończoną.

Jesienią 1857 roku, starając się uzupełnić różnicę w edukacji, Moro poszedł na dwuletnią podróż we Włoszech. Artysta był zafascynowany tym krajem i wykonał setki kopii i szkiców z arcydzieł mistrzów renesansu. W Rzymie zakochał się w Michelangelo, we Florencji - w freskach Andrea del Sarto i Fra Angeliko, w Wenecji, Meeshoyo Carpaccio, w Neapolu, studiował słynne freski z Pompei i Herkulanum. W Rzymie młody człowiek spotkał Edgar Degas, razem wielokrotnie poszli na szkice. Inspirowany twórczą atmosferą, Moro napisał do przyjaciela w Paryżu: "Od tego czasu i na zawsze, zamierzam stać się pustelnikiem ... Jestem przekonany: nic nie sprawi, że zminimalizuję się z tego sposobu".

Pary (Sakred Elephant). 1881-82.

Wracając do domu jesienią 1859 roku, Gustave Moro z Zeałem zaczął pisać, ale oczekuje się zmienić. W tym czasie spotkał guwernantkę, która służyła w domu w pobliżu jego warsztatu. Młoda kobieta o nazwie Alexandrin Durou. Moro zakochał się i pomimo tego, że kategorycznie odmówił małżeństwa, była wierna jej ponad 30 lat. Po śmierci Aleksandriny w 1890 r. Artysta poświęcił jej jedną z najlepszych tkanin - "Orpheus na grobowca Eurydiki".

Orpheus na grobowie Euridic (1890)

W 1862 r. Ojciec artysty zginęło i nie wiedział, jaki sukces czeka na jego syn w nadchodzących dziesięcioleciach. W latach 60. XIX wieku Moro napisał serię obrazów (jest ciekawy, że wszystkie były pionowe w formacie), które były bardzo dobrze spełnione w kabinie. Większość laurów poszła na freaty i sphinx płótno wystawione w 1864 r. (Obraz był 8000 franków zakupionych na aukcji księcia Napoleona). To był czas triumfu realistycznej szkoły, która była na czele Kurba, a krytycy zadeklarowali Moro z jednym z Zbawiciela gatunku historycznego obrazu.

Wojna Franco-Prusy, błysnęła w 1870 roku, a kolejne wydarzenia związane z gminą Paryskiej miały głęboki wpływ na Moro. Od kilku lat, do 1876 r. Nie był wystawiony w kabinie, a nawet odmówił uczestniczenia w dekoracji panteonu. Kiedy wreszcie artysta wrócił do salonu, wprowadził dwa obrazy utworzone na jednej działce - kompleks do percepcji płótna napisanego przez olej, "Salome" I duża akwarela "Zjawisko", dezaprobata spełniająca krytykę.

To zdjęcie Moro jest niezwykłą interpretacją sceny biblijnej, w której piękne tańce salome przed królem Heroda, który obiecał, że ten taniec spełnił każdemu. Aby przynieść matkę Matki Iodiada Salometa zapytała króla Jana Chrzciciela. Więc królowa chciała zemścić się na Johna Forerun, który potępił małżeństwo z Herodem. W arcydziele Moro głowa Jana Chrzciciela jest reprezentowana jako wizja, która była salomem w Oleole Niebieskie światło. Niektórzy krytycy uważają, że obraz przedstawia chwilę poprzedzającą celę głowy Jana Forerunnera, a zatem Salome widzi konsekwencje swojego działania. Inni wierzą, że scena, którą przedstawił artysta, dzieje się po wykonaniu świętego. Będą tak, jak może, ale na tym ciemności, nasyconych części płótna, obserwujemy, jak zszokowany salom pływający przez powietrze z strasznym duchem.
Oczy Johna wyglądają prosto na salom, a wzdłuż długich włosów forerunnera płynie do gęstej podłogi krwi przepływy krwi. Jego posiekana głowa jest promem w powietrzu otoczona jasnym blaskiem. Ten halo składa się z promieni promieniowych - więc promieniowanie było świeciło w średniowieczu i w renesansowej epoku był to ostre promienie, które podkreślają alarmującą atmosferę obrazu.

Salome, taniec przed Herodem (1876)

Jednak wielbiciele kreatywności Moro postrzegali swoją nową pracę jako wezwanie do fantazji. Stał się symbolistami idoli, wśród których Gyuismans, Lorren i Peladan. Jednak Moro nie zgodził się z faktem, że został policzony dla symboliturów, w każdym przypadku, gdy w 1892 r. Peladan poprosił Moro, aby napisać pochwalaną opinię o symbolisty symboliści i krzyż, artysta zdecydowanie odmówił.

Saint Sebastian i Angel (1876)

Tymczasem nieprzyjazna chwałę Moro nie pozbawiła swoich prywatnych klientów, którzy nadal kupili swoje małe tkaniny napisane, z reguły, na mitologicznych i religijnych działkach. W okresie od 1879 do 1883 r. Stworzył cztery razy więcej obrazów niż w XVIII wieku (najbardziej dochodowa seria 64 akwarelów, stworzonych na basie Lafontaine dla Marsylii Rich Antoni Roa - dla każdego akwarela Moro otrzymanego od 1000 do 1500 Franki). A kariera artysty poszła pod górę.

W 1888 roku został wybrany członkiem Akademii Sztuk Pięknych, aw 1892 r. 66-letni Moro stał się szefem jednego z trzech warsztatów Szkoły Sztuki Eleganckiej. Jego uczniowie byli młodzi artystami, uwielbiali w XX wieku, - Georges Ruo, Henri Matisse, Albert Mark.

W latach 90. X. Moro pogorszył się, pomyślał o zakończeniu swojej kariery. Artysta postanowił wrócić do niedokończonej pracy i zaprosiła niektórych swoich uczniów do asystentów, w tym zwierzę domowe ruo. W tym samym czasie Moro rozpoczął swój najnowszy arcydzieło "Jowisza i Semele".

Jedyne, że artysta jest obecnie poszukiwany, odwrócić swój dom do Muzeum Pamięci. Spieszył się, entuzjastycznie umieścił przyszłą lokalizację obrazów, argumentowane, oddalone je - ale niestety nie miała czasu. Moro zmarł z raka 18 kwietnia 1898 r. I został pochowany na cmentarzu Montparnasse w jednym grobu z rodzicami. Zapewnił swoją rezydencję wraz z warsztatami, gdzie utrzymywano około 1200 obrazów i akwareli, a także ponad 10 000 rysunków.

Gustave Moro zawsze napisał co chciał. Znalezienie źródła inspiracji na zdjęciach i czasopism, średniowieczne gobeliny, antyczne rzeźby i sztukę orientalną, udało mu się stworzyć własny fantastyczny świat istniejący poza czasem.

Muzyka opuszczająca ojca Apollo (1868)

Jeśli rozważasz kreatywność Moro poprzez pryzmat historii sztuki, może wydawać się nosku i dziwne. Uzależnienie artysty na mitologiczne działki i jego fantazyjny sposób pisania był słabo połączony z erą Kąt dnia realizmu i pochodzenia impresjonizmu. Jednak w trakcie życia Mora jego płótna zostały uznane i odważne i innowacyjne. Widząc Moreau Akwarela "Faeton" Na World Wystawie w 1878 r. Artysta Odon Redon, zszokowany pracą, napisał: "Ta praca jest w stanie wylać nowe wino do futra starej sztuki. Wizja artysty wyróżnia się świeżością i nowością ... w tym samym Czas, podąża za skłonnościami własnej natury. "

Redon, podobnie jak wielu krytyków czasu, zobaczył główne zasługi Moro w fakcie, że udało mu się dać nowy kierunek tradycyjnego malarstwa, przeniesienie mostu między przeszłością a przyszłością. Gyuismans symbolika pisarza, autor kultowej powieści dekadenckiej "wręcz przeciwnie" (1884), uważany za Moro "wyjątkowy artysta", nie posiadający "ani prawdziwych poprzedników lub możliwych zwolenników".

Nie wszystko, oczywiście, pomyślał w ten sam sposób. Krytycy salonu często nazywali się Moro Moro "Eccentric". Z powrotem w 1864 r., Kiedy artysta pokazał "EDIP i Sfinx" - pierwsze zdjęcie, naprawdę przyciągnęło uwagę krytyków, - jeden z nich zauważył, że ten płótno przypomniał mu o "popordzie na tematy Manteny, stworzonej przez niemieckiego studenta, Odpoczynek podczas pracy do czytania Shopenhauer. "

Odyssey bije pan młodych (1852)

Odyssey bije pan młodych (część)

Moro sam nie chciał rozpoznawać ani wyjątkowy ani odebrany od czasu, ani więcej, niezrozumiałej. Widział siebie jako myśliciel artysty, ale jednocześnie, który szczególnie podkreślił, umieścić smak, linię i kształt na pierwszym miejscu, a nie werbalne obrazy. Chcąc chronić się przed niechcianymi interpretacjami, często towarzyszy mu swoje obrazy ze szczegółowymi komentarzami i szczerze żałował, że "nie jest jedną osobą, która mogła poważnie kłócić się o mój obraz".

Hercules i Lernei Hydra (1876)

Moro zawsze zwrócił zwiększoną uwagę na dzieła starych mistrzów, "Stare Furs", w którym, definiując Redon, chciałem wlać swoje "nowe wino". Przez wiele lat Moro studiował arcydzieła artystów zachodnich europejskich, a przede wszystkim przedstawiciele ożywienia włoskiej, ale heroiczne i monumentalne aspekty były zainteresowane nim znacznie mniej niż duchowa i mistyczna strona kreatywności wielkich poprzedników.

Najgłębszy szacunek Moro został przetestowany na Leonardo da Vinci, który był 19 V. uważany za prekursor europejskiego romantyzmu. W domu Moro, reprodukcje wszystkich obrazów Leonardo zaprezentowanych w Luwrze były przechowywane, a artysta często się do nich odwrócił, zwłaszcza gdy musiał przedstawić skalisty krajobraz (np. Na przykład na "Orpheus" i " Prometheus "Płótno) lub koledzy, którzy przypominali Leonardo wizerunek Saint John. "Nigdy nie nauczyłem się wyrazić siebie", mówi Moro, będąc dojrzałym artystą, - bez stałych medytacji przed pracą geniuszy: "Sikstinskaya Madonna" i kilka kreacji Leonarda ".

Traciańska dziewczyna z Orpheus Head na jego lire (1864)

Cześć Moro przed mistrzami renesansu było charakterystyczne dla wielu artystów XIX wieku. W tym czasie nawet artystów katoślicy, którzy lubią ścisk, szukając nowych, nie typowych dla klasycznych działek, a szybki wzrost kolonialnych imperium francuskiego przebudziły zainteresowanie publiczności, zwłaszcza ludzie twórcze, do wszystkich egzotycznych.

Paw, narzekając przez Junon (1881)

Archiwa Muzeum Gustava Moro pozwalają nam oceniać niesamowitą szerokość szerokości interesów artysty - od średniowiecznych gobelinów do antycznego Vaz, z japońskich drewna rycin do erotycznej rzeźby indyjskiej. W przeciwieństwie do Engra, który był ograniczony wyłącznie przez źródła historyczne, Moro śmiało dołączył do obrazów pobranych z różnych kultur i epok na płótnie. Jego "Jednorożce"Na przykład, jakby pożyczył z średniowiecznej galerii malarstwa, a płótno fenomenu jest prawdziwą kolekcją egzotycznego egzotycznego.

Jednororns (1887-88)

Moro celowo starał się zaspokoić swoje obrazy jako niesamowite szczegóły, jak to możliwe, to była jego strategia, którą nazywał "potrzebą luksusu". Dla jego obrazów, Moro pracował przez długi czas, czasami od kilku lat, stale dodawał wszystkie nowe i nowe szczegóły, które pomnożone na płótnie, jakby odzwierciedlało w lustrach. Kiedy artysta nie ma wystarczająco dużo miejsca na płótnie, trwał dodatkowe paski. Tak się wydarzyło, na przykład, z obrazem "Jupiter i Semele" i z nieznaną stroną internetową "Jason i Argonauts".

Postawa Moro do obrazu przypominała stosunek do swoich wierszy symfonicznego jego wielkiego współczesnego Wagnera - obu twórców najtrudniejsze mogą przynieść swoje prace do ostatecznego akordu. Moro Moro Leonardo da Vinci również pozostawił wiele osób niedokończonych. Obrazy przedstawione w ekspozycji Muzeum Muzeum Muzeum są wyraźnie wykazane, że artysta nie mógł w pełni ucierzeć planowanych obrazów na płótnie.

Przez lata, Moro, coraz bardziej uważa, że \u200b\u200bpozostaje ostatnim opiekunem tradycji, a rzadko odpowiedział z aprobatą o współczesnych artystów, nawet tych, z którymi był przyjazny. Moro wierzył, że obraz impresjonistów był powierzchowny, pozbawiony moralności i nie mógł prowadzić tych artystów do śmierci duchowej.

Diomed pożerany przez jego konie (1865)

Jednak połączenia Moro z modernizmem są znacznie bardziej skomplikowane i cieńsze niż wydawały się kochać jego dekady kreatywności. Uczniowie Moro na Szkole Sztuk Pięknych, Matisse i Ruo, zawsze z wielkim ciepłem i aprecjacją odpowiedział o ich nauczyciela, a jego warsztaty często nazywano "modernizm kołyską". Dla radaru modernizm Moro był w swoim "po jego własnej naturze". Jest to ta jakość w połączeniu z możliwością wyrażania wyrażania się w każdym sposobie rozwijania Moro w swoich uczniów. Uczył ich nie tylko tradycyjnych podstaw umiejętności i kopiowania arcydzieła Luwru, ale także twórczej niezależności - a lekcje mistrza nie przechodzi na próżno. Matisse i Roo dokonali jednego z założycieli formizmu, pierwszego wpływowego przepływu artystycznego XX wieku, w oparciu o klasyczne pomysły na temat koloru i formy. Więc Moro, wydawał się intensywnym konserwatywnym, został ojcem chrzestnym kierunku, który otworzył nowe horyzonty w obrazie XX wieku.

Ostatni romans XIX wieku Gustave Moro nazwał swoją sztukę "Namiętną ciszę". W swojej pracy ostry kolor gamma został harmonijnie połączony z wyrazem mitologicznych i biblijnych obrazów. "Nigdy nie szukałem snów w rzeczywistości ani rzeczywistości w snach. Dałem wolność wyobraźni:" Uwielbiałem powtórzyć Moro, biorąc pod uwagę fantazję jednej z najważniejszych sił duszy. Krytycy widzieli w nim przedstawiciela symboliki, chociaż sam artysta wielokrotnie i zdecydowanie odrzucił tę etykietę. I bez względu na to, jak przeniesienie Moro na swojej fantazji, zawsze i głęboko przemyślał smak i skład płótna, wszystkie cechy linii i form i nigdy nie boją się najbardziej śmiałych eksperymentów.

Autoportret (1850)

Ze względu na sztukę Gustave Moro. Dobrowolnie samodzielnie samodzielnie od społeczeństwa. Tajemnica, którą otoczył swoim życiem, zamienił się w legendę o artystę.

Gustava Moro Life. (1826 - 1898), podobnie jak jego praca, wydaje się całkowicie wyrwana od realia życia francuskiego 19 V. Wykazując krąg komunikacji z członkami rodziny i bliskimi przyjaciółmi, artysta poświęcił się całkowicie do malowania. Posiadanie dobrych zarobków z jego płótnach, nie był zainteresowany modyfikacjami na rynku sztuki. Słynny francuski pisarz-symbolisty Gyuismans bardzo dokładnie nazywali Moro "Eremit, osiedlił się w samym sercu Paryża".

OEDIP i SPHINX (1864)

Moro urodził się 6 kwietnia 1826 r. W Paryżu. Jego ojciec, Louis Moro, był architektem, którego obowiązki włączone do utrzymania budynków publicznych i zabytków miejskich w odpowiedniej formie. Śmierć jedynej siostry Moreau, Camillas, zebrała rodzinę. Matka artysty, Polina, była związana z synem i, Ovadov, nie rozstał się z nim aż do śmierci w 1884 roku.

Od wczesnego dzieciństwa rodzice zachęcili zainteresowanie dziecka do rysowania i dołączył do niego do klasycznej sztuki. Gusti czytaj dużo, uwielbiałem rozważyć albumy z reprodukcjami arcydzieł od kolekcji Luwry, aw 1844 r. Pod koniec szkoły otrzymał stopień licencjata, a nie rzadkie osiągnięcie dla młodych burżuazyjnych. Sukces Sonate Syna, Louis Moro zdefiniował go w artystę-neoklasycy artysty francois-eduard Pico (1786-1868), gdzie młodzi Moro otrzymał niezbędne szkolenie w celu przyjęcia do szkoły sztuk pięknych, gdzie w 1846 roku pomyślnie zdał egzaminy

Saint George i Dragon (1890)

Griffin (1865)

Szkolenie tutaj było niezwykle konserwatywne i zredukowane do kopiowania żaluzji gipsowych z starożytnych posągów, rysując męską nagą naturę, badanie anatomii, perspektyw i historii malarstwa. Tymczasem Moro stał się coraz bardziej lubiący kolorowy obraz Delacroix, a zwłaszcza jego zwolennikiem Theodore Chasserio. Nie mogłem wygrać prestiżowej nagrody rzymskiej (zwycięzcy tej szkoły konkurskiej na swoim wydatku poszli do studiowania w Rzymie), w 1849 r. Moro opuścił ściany szkolne.

Młody artysta zwrócił uwagę na salon - roczną oficjalną wystawę, na której każdy zaczyna się dostać do nadziei na widzenie krytyki. Obrazy reprezentowane przez Moro w kabinie w latach 50. XIX wieku, na przykład "Pieśń piosenki" (1853), znalazła silny wpływ Sasserio, - wykonane w romantyczny sposób, wyróżniały się one przebijając smak i szalony erotyzm.

Moro nigdy nie zaprzeczył, że bardzo wielu w pracy był zobowiązany do Shazerio, jej przyjaciela, wcześnie od życia (w wieku 37 lat). Zszokowany jego śmiercią, Moro poświęcił go do pamięci na płótnie "Młody człowiek i śmierć".

Salome, taniec przed Herodem (1876)

Jednak wielbiciele kreatywności Moro postrzegali swoją nową pracę jako wezwanie do fantazji. Stał się symbolistami idoli, wśród których Gyuismans, Lorren i Peladan. Jednak Moro nie zgodził się z faktem, że został policzony dla symboliturów, w każdym przypadku, gdy w 1892 r. Peladan poprosił Moro, aby napisać pochwalaną recenzję o symbolisty symboliści symboliści i krzyż, artysta zdecydowanie odmówił

Tymczasem nieprzyjazna chwałę Moro nie pozbawiła swoich prywatnych klientów, którzy nadal kupili swoje małe tkaniny napisane, z reguły, na mitologicznych i religijnych działkach. W okresie od 1879 do 1883 r. Stworzył cztery razy więcej obrazów niż w XVIII wieku (najbardziej dochodowa seria 64 akwarelów, stworzonych na basie Lafontaine dla Marsylii Rich Antoni Roa - dla każdego akwarela Moro otrzymanego od 1000 do 1500 Franki). A kariera artysty poszła pod górę.

Odyssey bije pan młodych (część)

Moro sam nie chciał rozpoznawać ani wyjątkowy ani odebrany od czasu, ani więcej, niezrozumiałej. Widział siebie jako myśliciel artysty, ale jednocześnie, który szczególnie podkreślił, umieścić smak, linię i kształt na pierwszym miejscu, a nie werbalne obrazy. Chcąc chronić się przed niechcianymi interpretacjami, często towarzyszy mu swoje obrazy ze szczegółowymi komentarzami i szczerze żałował, że "nie jest jedną osobą, która mogła poważnie kłócić się o mój obraz".

Hercules i Lernei Hydra (1876)

Moro zawsze zwrócił zwiększoną uwagę na dzieła starych mistrzów, "Stare Furs", w którym, definiując Redon, chciałem wlać swoje "nowe wino". Przez wiele lat Moro studiował arcydzieła artystów zachodnich europejskich, a przede wszystkim przedstawiciele ożywienia włoskiej, ale heroiczne i monumentalne aspekty były zainteresowane nim znacznie mniej niż duchowa i mistyczna strona kreatywności wielkich poprzedników.

Najgłębszy szacunek Moro został przetestowany na Leonardo da Vinci, który był 19 V. uważany za prekursor europejskiego romantyzmu. W domu Moro, reprodukcje wszystkich obrazów Leonardo zaprezentowanych w Luwrze były przechowywane, a artysta często się do nich odwrócił, zwłaszcza gdy musiał przedstawić skalisty krajobraz (np. Na przykład na "Orpheus" i " Prometheus "Płótno) lub koledzy, którzy przypominali Leonardo wizerunek Saint John. "Nigdy nie nauczyłem się wyrazić siebie", mówi Moro, będąc dojrzałym artystą, - bez stałych medytacji przed pracą geniuszy: "Sikstinskaya Madonna" i kilka kreacji Leonarda ".

Traciańska dziewczyna z Orpheus Head na jego lire (1864)

Cześć Moro przed mistrzami renesansu było charakterystyczne dla wielu artystów XIX wieku. W tym czasie nawet artystów katoślicy, którzy lubią ścisk, szukając nowych, nie typowych dla klasycznych działek, a szybki wzrost kolonialnych imperium francuskiego przebudziły zainteresowanie publiczności, zwłaszcza ludzie twórcze, do wszystkich egzotycznych.

Paw, narzekając przez Junon (1881)

Archiwa Muzeum Gustava Moro pozwalają nam oceniać niesamowitą szerokość szerokości interesów artysty - od średniowiecznych gobelinów do antycznego Vaz, z japońskich drewna rycin do erotycznej rzeźby indyjskiej. W przeciwieństwie do Engra, który był ograniczony wyłącznie przez źródła historyczne, Moro śmiało dołączył do obrazów pobranych z różnych kultur i epok na płótnie. Jego"Jednorożce"Na przykład, jakby pożyczył z średniowiecznej galerii malarstwa, a płótno fenomenu jest prawdziwą kolekcją egzotycznego egzotycznego.

Jednororns (1887-88)

Moro celowo starał się zaspokoić swoje obrazy jako niesamowite szczegóły, jak to możliwe, to była jego strategia, którą nazywał "potrzebą luksusu". Dla jego obrazów, Moro pracował przez długi czas, czasami od kilku lat, stale dodawał wszystkie nowe i nowe szczegóły, które pomnożone na płótnie, jakby odzwierciedlało w lustrach. Kiedy artysta nie ma wystarczająco dużo miejsca na płótnie, trwał dodatkowe paski. Tak się wydarzyło, na przykład, z obrazem "Jupiter i Semele" i z nieznaną stroną internetową "Jason i Argonauts".

Diomed pożerany przez jego konie (1865)

Jednak połączenia Moro z modernizmem są znacznie bardziej skomplikowane i cieńsze niż wydawały się kochać jego dekady kreatywności. Uczniowie Moro na Szkole Sztuk Pięknych, Matisse i Ruo, zawsze z wielkim ciepłem i aprecjacją odpowiedział o ich nauczyciela, a jego warsztaty często nazywano "modernizm kołyską". Dla radaru modernizm Moro był w swoim "po jego własnej naturze". Jest to ta jakość w połączeniu z możliwością wyrażania wyrażania się w każdym sposobie rozwijania Moro w swoich uczniów. Uczył ich nie tylko tradycyjnych podstaw umiejętności i kopiowania arcydzieła Luwru, ale także twórczej niezależności - a lekcje mistrza nie przechodzi na próżno. Matisse i Roo dokonali jednego z założycieli formizmu, pierwszego wpływowego przepływu artystycznego XX wieku, w oparciu o klasyczne pomysły na temat koloru i formy. Więc Moro, wydawał się intensywnym konserwatywnym, został ojcem chrzestnym kierunku, który otworzył nowe horyzonty w obrazie XX wieku.

Ostatni romans XIX wieku Gustave Moro nazwał swoją sztukę "Namiętną ciszę". W swojej pracy ostry kolor gamma został harmonijnie połączony z wyrazem mitologicznych i biblijnych obrazów. "Nigdy nie szukałem snów w rzeczywistości ani rzeczywistości w snach. Dałem wolność wyobraźni:" Uwielbiałem powtórzyć Moro, biorąc pod uwagę fantazję jednej z najważniejszych sił duszy. Krytycy widzieli w nim przedstawiciela symboliki, chociaż sam artysta wielokrotnie i zdecydowanie odrzucił tę etykietę. I bez względu na to, jak przeniesienie Moro na swojej fantazji, zawsze i głęboko przemyślał smak i skład płótna, wszystkie cechy linii i form i nigdy nie boją się najbardziej śmiałych eksperymentów.

Autoportret (1850)