Holland dał nam ogromną liczbę najsłynniejszych, największych artystów w całej historii sztuki. Holland i Flandria XV - XVII wieku. To była prawdziwa żyzna gleba dla malarzy. Teraz znamy je jako wielcy holenderskie artyści, Wielkich holenderskich i flamandzkich artystów. Jest ich wiele z nich, że trudno im wymienić nawet na piśmie. Każde samo-szanujące muzeum uważa jego obowiązek nabycie ekspozycji artystów przeszłości, imigrantów z tych miejsc. Można powiedzieć, że stały się założycielami wielu gatunków malarstwa, opracowali specjalne techniki obrazu, które są używane nawet w naszym czasie. Holandia Szkoła malarstwa była jedną z najsilniejszych w Europie. Oto tylko niektóre nazwiska, które są znane całym świecie i którzy nawet znają tych, którzy w ogóle nie są zainteresowani światowym malarstwem: Rodzina Breyget, Yang Vermeer, Peter De Heh, Hugo Van Gus, Paulus Potter, Bread Adrian, Jan Van Eyka i wielu innych innych. To nawet trudno sobie wyobrazić, jak to było sztukę malarstwa, wykresów, jeśli nie było to dla tego bogate w artystów formacji w historii ludzkości.

Adrian van Ostay. Handlarka ryb

Jerome Bosch. Pokusa św. Anthony'ego

Potllus Potter. Młody byk.

Peter de heh. Dvorik w Dalphte.

Peter Clas. Martwa natura z kraba

Rembrandt. Nocny zegarek

Francja Hals. cygański

Hugo Van Der Gus. Spadek

Jan Vermeer. Pośredniczka

Peter Bruegel Senior. Snow Hunters.

Chcesz uzupełnić kolekcję swojego albumu fotograficznego z profesjonalnymi obrazami? Rodzina studio zaprasza na sesje fotograficzne rodziny i dzieci. Profesjonaliści wykonają takie zdjęcia, które będą prawdziwą dekoracją dla każdego albumu.

Historia dowolnego kraju znajduje wyrażenie w sztuce i jest szczególnie wskazujące na ten wzór na przykładzie malowania. W szczególności, na przykładzie obrazu Holandii, który przetrwał rewolucję, co znacznie wpłynęło na dalszy los państwa niegdyś jednolitego. W wyniku rewolucji w XVII wieku Holandia dzielili się na dwie części: W Holandii i Flandrii (terytorium nowoczesnej Belgii), które pozostały pod rządami Hiszpanii.

Historyczny ich rozwój poszedł na różne sposoby., a także kulturalne. Tak więc możliwe było podzielenie niegdyś ogólnej koncepcji Niderlandy malarstwa na holenderskim i flamandzkim.

Malarstwo holenderskie

Kultura Holandii XVII wieku jest żywą osobą uroczystością państwa, który zyskał niezależność. Artyści, pokryte smakiem swobody, wypełnione tym razem przez Pafos społecznych, duchowych aktualizacji i po raz pierwszy zwrócił szczególną uwagę na otaczające środowisko - Natura, ludzki obraz.Inspirowani holenderscy genranistów sordness małe codzienne epizody, Co staje się jedną z charakterystycznych cech holenderskiego realizmu.

Ponadto główni klienci sztuki stały się nie tylko przedstawicielami elitarnych szczytów, ale także kupców, chłopów. Jest to częściowo i wpłynął na rozwój malarstwa jako podmiotu wewnętrznego, a także przyczynił się do wzrostu interesu publicznego w tematych życia codziennego.

Sztuka Holland XVII wieku jest znana obszerny system malarstwa.

Na przykład wśród graczy krajobrazowych byli marinistów, artystów przedstawiających gatunki zwykłych miejsc lub wieków lasów były również mistrzami krajobrazów zimowych lub obrazów z blaskiem księżyca; Były gatunki specjalizujące się na figurach chłopów, mieszczaninach, na domowej roboty scenach; Byli mistrzowie różnych rodzajów życia - "Śniadania", "Desery", "Sklepy".

Ściśle skupiając się do malarza na jednym podsystemie gatunku przyczynił się do szczegółów i poprawy całego malarstwa holenderskiego jako całości.

XVII wieku jest naprawdę prawdziwie złota era holenderskiego malarstwa.

Funkcje artystyczne

Lekkie i cienkie kolorowe uczucie Graj na zdjęciach holenderskich artystów główną rolą.

Na przykład, jak na zdjęciach Rembrandt -artysta, który stał się personifikacją całej ery obrazu Holandii. Rembrandt nie bał się Realistyczne szczegółyW przeciwieństwie do kanonów wizerunku rzeczywistości i z powodu współczesnych wyszedł w górę "malarza brzydoty".

Rembrandt najpierw dołączony szczególne znaczenie Światło gry, Co pozwoliło mu wymyślać różne od reszty list Manera. Według Andre Felibiena. "... Często obniżył tylko szerokie uderzenia pędzla i wyruszył grube warstwy farb jeden po drugim, nie pozwalając sobie niewiele pracy, aby dokonać bardziej płynnych i miękkich przejść od niektórych dźwięków do innych."

"Powrót syna marnotrawstwa", 1666-1669

Jan Vermeer.(Vermeer / Delftsky Vermer ) - Malarz Harmonia i jasność świata. Sławny z siły decyzje symboliczne i tendencja do obrazu opoetowana atmosfera codzienności, Zwrócił szczególną uwagę kolorowy Nuance.Co umożliwiło przesyłanie charakteru światła przestrzeni.

"Młoda kobieta z dzbankiem wody", 1660-1662

Jacob van Ryutsdal.napisał monumentalne krajobrazy w zimnych kolorachktóry ucieleśli swoje subtelne poczucie dramatycznego, a nawet ponury zmienność świata.

"Cmentarz żydowski", 1657

Albert Cape. sławny z niezwykłego spojrzenia Kompozycja Krajobraz - ma to na celu, z niskim punktem widzeniaco pozwala przenieść rozszerzenie rozszerzonej przestrzeni.

"Krowy na brzegu rzeki", 1650

Francja Hals (Gals / Hals) znany wyjątkowy gatunek i portrety grupowePrzyciąganie własnej charakteru.

"Tsygana", 1628-1630

Obraz flamandzki

W Flandrii tło kulturowe było zauważalnie odmienne od holenderskiego. Feudalna szlachta i kościół katolickinadal odgrywał główną rolę w życiu kraju, będąc głównymi klientami sztuki . Dlatego główne rodzaje pracy malowania flamandzkiego pozostały obrazy do zamków, do domów miejskich bogatych i majestatycznych obrazów ołtarzowych dla kościołów katolickich. Sceny zabytkowej mitologii i biblijnych historii, ogromne wciąż trwania, portrety wybitnych klientów, wizerunek bujnych festiwali - główne gatunki sztuki Flandrii XVII wieku.

Flamandzki sztuki baroku (wesoły, tworzył i zmysłowy, bujny w obfitości form) znaleziono z cech renesansu włoskiego i hiszpańskiego w załamaniu ich krajowego smaku, zwłaszcza w malowaniu.

Flamandzka żywotność jest inna monumentalne formy, dynamiczny rytm i obchody dekoracyjne. Szczególnie jasno objawiono w kreatywności Peter Paul Rubens,kto stał się centralną postacią malarstwa flamandzkiego.

Jego styl charakteryzuje się bujnym, jasnym wizerunkiem Duże ciężkie kształty w szybkim ruchu. Rubens charakteryzują się ciepłymi bogatymi farbami, ostry kontrasty światła i cienia, ogólnego ducha zwycięskiego święta. Eugene Delakroix powiedział:

"Jego główna jakość, jeśli wolał wielu innych, - To jest duch przed przenikliwym duchem; Bez tego, żaden artysta nie może być świetny ... Titysta i Paolo Veronesewydaje się, że są strasznie pokorni obok niego. "

Wszystko nieodłączne w jego szczotkach i stało się wspólnymi cechami całej szkoły.

"Związek Ziemi i Wody", 1618

Sztuka Jacob Yordans. Przyciąga radość, monumentalność, ale jednocześnie szczerze, miłość Yordans do obrazu bogate święta (Powtarzające się powtórzenie działki "Króla Bean" jest potwierdzona. Przy okazji, król fasoli na ucztach głosował na kawałku ciasta z bębenką, a bohaterami legend chrześcijańskich jako fantastyczne zdrowie flamaderów ucieleśniają ducha kultury Flandrii XVII wieku.

"Wakacje Bobov King", 1655

Antonis Wang Dyk. - Portretysta, który stworzył rodzaj arystokratycznego portretu, wykonywany przez najlepszego psychologii, wyrażony z uwagą na dynamikę sylwetki i ogólnej ekspresywności typów.

"Portret Karola I na polowaniu", 1635

Francja Sneders. Znany wizerunkiem zmysłowej natury rzeczy reprezentowanych przez kolorność i monumentalność dekoracyjnych martwego życia, płótnach zwierzęcych.

"Sklep owocowy", 1620

Jan Bruegel Jr. - Wnuk artysty Peter Bruegel Senior, który pamiętał o wiązanej mieszaniu krajobrazu i malarstwa domowego, krajobrazu i alegorycznego mitologicznego działek, a także utalentowaną transmisję efektu panoramy ze względu na wysoką lokalizację horyzontu.

"Flora na tle krajobrazu", 1600-1610

Główne różnice malarstwa holenderskiego i flamandzkiego

1. W Holandii Główny klient staje się warstwa robocza, w Flandrii - Royal Yard i wiedzą.
2. Działki. Różni klienci proszą o różne rzeczy. Proste ludzie. zainteresowany obrazami przedstawiającymi otaczający codziennie wśród narodów Oczekiwany na żądanie antyczne i biblijne działki, luksusowa demonstracja.
3. Mistrz pisania. Charakterystyka cecha malarstwa holenderskiego staje się subtelnym uczuciem oświetlenia. Od teraz jest to główne narzędzie, które pozwala odzwierciedlić obraz brzydkiej rzeczywistości. W obrazie flamandzkim zajmuje się centralną pozycjącharakterystyczne środki barokowe ekspresyjności artystycznej - formy, genialny smak, obfitość i luksus.

Koniec epoki holenderskiej i malarstwa flamandzkiego można nazwać podobną - pod wpływem wpływu francuskich smaków, a poglądów i holenderów i flamandzkiej świadomości narodowej stopniowo osłabiają, a zatem koncepcja obrazu flamandzkiego i holenderskiego staje się historycznym przeszłość.

Wydarzenia XVII wieku w Holandii i Flandrii zaprezentowały świat wybitnych autorów i świeży spojrzenie na ogólny rozwój tendencji malarstwa świata.

Źródła:

1. Historia małej sztuki. Zachodnia sztuka europejska XVII.

2. Flamandzki i holenderski sztuka XVII wieku. Podobnie jak dwa słupy miesiąca interesu dnia // Banauka.ru/6067.Html.

3. Era renesansu w Holandii // http://m.smallbay.ru/article/lar_renaiss_niderland.html.

Malarstwo holenderskie do końca XVI wieku jest nierozerwalnie związane z flamandzką i ma ogólną nazwę szkoły Holandii. Obaj, będąc oddziałem niemieckim malarstwa, rozważ bracia Van Eykova z własnymi wydatkami i przejść przez długi czas w jednym kierunku, rozwijają tę samą technikę, więc artyści Holandii nie różnią się od ich boków i brabanów odpowiedników .

Kiedy holendrzy ludzie pozbyli się ucisku Hiszpanii, malarstwo holenderskie nabywa charakter narodowy. Holenderski artystów rozróżnia reprodukcję natury ze szczególną miłością w całej swojej prostocie i prawdzie oraz subtelne uczucie koloru.

Holendrzy był pierwszym, który zrozumieć, że nawet w nieożywionej naturze oddycha jego życie, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie spowodować myśl i podniesienie ruchu serca.

Wśród graczy krajobrazów, którzy zinterpretuje ich krajową naturę, są szczególnie szanowani przez Jana Wang Goyena (1595-1656), który wraz z Ezaias Van de Veld (ok. 1590-1630) i St. Peter Mole Senior (1595-1661), jest uważany za założyciela holenderskiego krajobrazu.

Ale artystów Holandii nie mogą być dystrybuowane do szkół. Wyrażenie "holenderska szkoła malarstwa" jest bardzo warunkowa. W Holandii zorganizowani towarzystwami artystów, którzy prezentowali darmowe korporacje, które bronił prawa swoich członków i nie wpłynęły na działalność twórczą.

Nazwa Rembrandt (1606-1669) świeci szczególnie jasno, w osobowości, z których wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego skoncentrowane, a jego wpływy znalazły odzwierciedlenie we wszystkich jego porodach - w portrecie, obrazy historyczne, sceny domowe i krajobraz.

W XVII wieku malarstwo domowe pomyślnie opracowano, których pierwsze eksperymenty są odnotowane w starej szkole Holandii. W tym gatunku imiona Cornelis Bega (1620-64), Richard Brannyburg (1650-1702), Cornelis Duezart (1660-1704), Cornellis Duezart (1660-1704), Henric Rockies, Nazywane przez Cherg (1621-82) ,

Do kategorii gatunku można ocenić artystów, którzy napisali sceny życia wojskowego. Głównym przedstawicielem tej branży malarstwa jest słynnym i niezwykle płodnym Phillips of Hoove (1619-68)

W specjalnym wyładowaniu mistrzowie można wyróżnić, co w swoich obrazach łączyli krajobraz z wizerunkiem zwierząt, słynnej w wielu takich malarzach wiejskich idylli - Poulus Potter (1625-54); Albert Cape (1620-91).

Wraz z największą uwagę artystów Holandii należały do \u200b\u200bmorza.

W pracy Villem Wang De Velte Senior (1611 lub 1612-93), jego słynny syn Villem Wang De Velte Jr. (1633-1707), Lyudold Bakmaisena (1631-1708), obraz gatunków morskich wyniosły ich specjalność.

W dziedzinie martwa, Yang-Davids de Gem (1606-83), jego syna Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gundecter (1636-95), Maria Osterweik (1630-93 ).

Genialny okres malarstwa holenderskiego od dawna rozciągnięte - tylko w wieku.

Z początkiem XVIII wieku. Jego spadek przychodzi, powód smaku i poglądów o rozpylonej ery Louis XIV. Zamiast bezpośredniego stosunku do natury, miłość do krajowej i szczerości, dominacji stronniczych teorii, konwencji, imitacji centrów szkoły francuskiej. Głównym dystrybutorem tego godnego ubolewania zostało rozliczone w Amsterdam Flamandes Gerard De Materies (1641-1711),

Słynny Adrian Wang de Verff (1659-1722) również przyczynił się (1659-1722), matowy smak zdjęć, których obrazy nie było czasem jako doskonałość jazdy.

Zagraniczny wpływ na dwudziestych XIX wieku.

Następnie holenderscy artyści zwrócili się do swoich starych dni na ścisłą obserwację natury.

Szczególnie bogaty w najnowszym holenderskim obrazom krajowami. Andreas Selffut (1787-1870), Barn Kookkuk (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Johannes Weissengruh (1822-1880) itp.

Pomiędzy najnowszymi marinistami Mistrzostw Palm Netherlands należy do Johannesu Schotel (1787-1838).

W obrazie zwierząt wielka sztuka Worthurów Vershur (1812-74).

Możesz kupić reprodukcje obrazów holenderskich artystów w naszym sklepie internetowym.

Z obchodami burżuazyjnych budynków i kalwityzmu złodzieja sztuki monumentalno-dekoracyjnej i kościoła w Holandii. Zadania na obraz pałaców i zamków, które umieszczają barokowe artyści w monarchiach, prawie nie miały miejsc w Holandii. Szlachta była zbyt słaba, aby zapewnić istnienie dużej sztuki dekoracyjnej. Z drugiej strony Kalwinizm był przeciwko obrazom w jego świątyniach.
Zapotrzebowanie na prace malarskie było jednak niezwykle świetne. Szedł zaletą osób, a ponadto w dużej mierze od kręgów, które nie miały poważnej dostawy materiałowej. Rozwija się i staje się dominującym typem małych obrazów maszynowych przeznaczonych do powiedzenia w skromnych przestrzeni. Wraz z rozkazami obrazy były jeszcze częściej wykonywane na rynku sztuki, a handel był powszechny. Wielki zapotrzebowanie na obrazy doprowadziły ogromne produkty, a ze względu na ich nadprodukcję, wielu artystów musiało być widzianych z wyjątkiem bezpośredniego zawodu, innych źródeł istnienia. Wybitni malarze często okazują się ogrodnikami, potem dealerami dealerów, potem pracownikami (Goyen, ściany, gobba itp.).
W odniesieniu do tematu i technik wizualnych w holenderskim obrazie XVII wieku, początek realizmu jest całkowicie zdominowany. Artysta był wymagany przede wszystkim przez prawdziwy transmisję zewnętrznych form otaczających w całej różnorodności jego zjawisk.
Znaczenie osobowości w nowym społeczeństwie burżuazyjnym miało konsekwencję niezwykle dystrybucję portretu. Długi okres walki, gdzie zwycięzca poczuł swoją siłę, przyczynił się do tego procesu. Główną rolą odgrywanie różnych organizacji i przede wszystkim stowarzyszenia karabinu, spowodowały specjalny rodzaj grupy publicznej grupy, która uzyska powszechny rozwój i staje się jednym z konkretnych zjawisk malarstwa holenderskiego. Po licznych portretach strzelców są podobny charakter grupy przedstawicieli niektórych warsztatów handlowych, korporacji lekarzy (tzw. "Anatomia"), menedżerowie są ostre.
Naprężenie oporowe Ingoing najeźdźcy nasilają się poczucie narodowego. Od tej dziedziny rozpoczął nie tylko prawdziwość - powinna być przedstawiona, ludowi ludzie i sytuacja dzisiejszego dnia, nieuważni zdjęcia ich rodzimej natury, cała świadomość dumna i co było używane do zobaczenia oka: statki, piękne bydło, Obfitość psa, kwiaty. Gatunek, krajobraz, obrazy zwierząt i martwa natura stały się dominującymi typami tematów. Obraz religijny odrzucony przez kościół protestancki nie został wyłączony, ale nie odgrywał żadnej głównej roli i nabyło zupełnie inną postać niż w krajach własności katolicyzmu. Mistyczny początek został w nich superowany z realistyczną interpretacją działek, a obrazy tego kręgu cieszyły się korzyścią z formy malarstwa domowego. Sceny z historii starożytnej znajdują się wyjątek i są wykorzystywane do wskazówek na bieżących wydarzeniach politycznych. Jako wszystkie alegorię odnoszą sukcesy w wąskich kołach zaangażowanych w interesy literackie i humanitarne.
Typowa cecha holenderskiej szkoły tego czasu jest wąska specjalizacja na niektórych typach przedmiotów. Specjalizacja ta prowadzi do zróżnicowania gatunków: Niektórzy artyści rozwijają prawie wyłącznie sceny domowe z życia średniej i wyższej warstwy burżuazji, cała uwaga innych jest skierowana do życia chłopskiego; Wśród graczy krajobrazu wiele z trudem może znaleźć coś innego niż równiny, kanały, wioski i pastwiska; Inni zażywiają motywy lasu, inne specjalizują się w obrazie morza. Holenderskie artyści nie tylko zadanie dokładnego przeniesienia przedstawionych obiektów i zjawisk, ale starają się dać wrażenie przestrzeni, a także wpływ na formy otaczające ich atmosferę i światło. Problem transmisji światła i powietrza jest wspólnym i głównym malowniczym zadaniem dla XVII wieku holenderskiej szkoły. Zatem malowanie mimowolnie nabywa początek emocjonalności, powodując pewne nastroje od publiczności.
Pierwszy kwartał XVII wieku jest na obraz Holandii w okresie przejściowym, gdy tylko zaznaczone funkcje nie otrzymały jeszcze pełnego rozwoju. Od strony tematycznej główne typy malarstwa holenderskiego - krajobraz i życie - podczas stosunkowo niewielu zróżnicowanych. Oraz elementy gatunku i krajobrazu w obrazach tego czasu są często równoważne. W obrazach czysto gatunków istnieje wiele konwencji zarówno w ogólnej konstrukcji krajobrazu i smaku.
Wraz z kontynuowanymi lokalnymi tradycjami realistycznymi, Włochy są silnie pod wpływem Włoch, w szczególności zarówno jego manierane przepływy, jak i realistyczna sztuka karawaggio. Typowym przedstawicielem ostatniego kierunku był Honthorst (1590-1656). Wpływ na holenderczyk pracował na początku XVII wieku przez niemieckiego artysty Adama Elsheimera (1578-1610) jest również bardzo zauważalne. Romantyzm interpretacji tych wybranych z Biblii lub ze starożytnej literatury, a także znanego orientalizmu (atrakcją na wschód), który został wyrażony w wyborze typów, szatach i innych częściach, są łączone w swojej pracy ze zwiększonym pragnieniem efektów dekoracyjnych. Jako największy artysta tej grupy, Peter Londman nominowany (1583-1633).
Francja Hals. Po raz pierwszy przez artystę, wraz z pracą, której szkoła holenderska wchodzi w okres kompletny, jest frans Hals (ok. 1580-1666). Jego aktywność odbyła się prawie całkowicie w Harlemie. Tutaj na około 1616 roku jest przedstawiony jako zaawansowany największy portret i zachowuje swoją rolę w tej dziedzinie do końca życia. Wraz z pojawieniem się Hals ściśle realistyczny i bardzo indywidualny portret holenderski osiąga dojrzałość. Wszystkie nieśmiały, małe, naturalistyczne, wyróżniające swoje poprzedniki są przezwyciężone.
Początkowa faza sztuki Hals nie jest wyjaśniona. Natychmiast widzimy mistrz zdizywania problemu z portretem macierzystego. Pisze jeden po kolejnym obrazie przedstawiający strzał korporacji św. Adriana i św. George (Garlem, Museum of France Hals), gdzie zatłoczony pomnożone montaż i jasność każdego z tych obecnych jest również przekazywana z niepowtarzalną łatwością. Malownicze umiejętności i zaradność kompozycji grup wchodzą w te portrety w parze z niezwykłą ostrością. Hals nie jest psychologiem: jego modele zwykle mijają do niego. I pisze w większości ludzi, których całe życie wpływa w warunkach intensywnych, aktywnych działań, ale nie zbyt pogłębiania porządku psychicznego. Ale Hals, jak nikt, łapie wygląd tych ludzi, wie, jak chwycić najbardziej przelotne, ale jednocześnie najbardziej charakterystyczne dla wyrazu twarzy, w pozie, w gestach. Wesoły w naturze, stara się uchwycić każdy wizerunek w chwili odrodzenia, radości i nikt z taką subtelnością i różnorodnością, jak on, nie przechodzi śmiech. Portret oficera (1624, Londyn, Kolekcja Wallace), kołysząc się na krześle "Getygeisen" (koniec 1630, Bruksela, Galeria Sztuki), "Cygan" (koniec 1620, Louvre), lub tak zwany "Harlem Czarownica "- Mallet Bobbe (Berlin) może być nazywany jako charakterystyczne przykłady jego ostrej i często faul. Mężczyźni, kobiety, dzieci są przedstawieni przez niego z tym samym uczuciem ożywionego obrazu ("Portret młodego mężczyzny z rękawicą", ok. 1650, Hermitage). Sama technika Hals przyczynia się do wrażenia żywotności, niezwykle wolny i rosnących przez lata na szerokości. Ozdobna kolorowość wczesnej pracy jest następnie zmarła, smak staje się srebrem, wolność posiadania odcieni czarno-białych mówi o umiejętnościach, które mogą pozwolić sobie na zdrogą doniesienia sceniczne. W niektórych pracach zaplanowano techniki impresjoniczne. Hals pisze niezliczone poszczególne portrety do ostatnich lat życia, ale znów spłukiwane przez portrety grupowe. Uogólnione przez kolor, odkrywając starszą słabość dłoni na rysunku, jednak pozostają niezwykle ekspresyjne. Ich postacie reprezentują grupy Laddle Elders (1664, Harlem, Museum of France Hals), gdzie osiemdziesiątoletni artysta znalazł sobie ostatnie schronienie. Jego sztuka była zbyt zaawansowana w swoim czasie, aby zapewnić materialne sukces w środowisku wówczas społeczeństwa burżuazyjnego.
Rembrandt. Wytwarzanie jest późniejsze niż Hals, na tle zatwierdzonego holenderskiego realizmu rośnie przez gigantyczną figurę Rembrandt (1606-1669). Jego kreatywność jest największą dumą Holandii, ale znaczenie tego mistrza nie ogranicza się do ram jednej narodowości. Rembrandt jest reprezentowany przez jednego z największych artystów realistycznych wszechczasów, a jednocześnie jednym z największych mistrzów malarstwa.
Rembrandt Harmens Wang Rhine urodził się w 1606 r. W Leiden i był synem dostatni właściciela młyn mąki. Wcześnie odkrył atrakcję do malowania i po krótkim pobycie w Leiden University został całkowicie oddany sztuce. Po zakończeniu zwykłego trzyletniego okresu szkolenia Rembrandt udał się poprawić w Amsterdamie, który stał się studentem Londmana. Po uzyskaniu wielu technik tego ostatniego, postrzegał i wpływ realistycznego kierunku Karavagist.
Wracając do Leidena, Rembrandt rozpoczął pracę jako niezależny mistrz, miał wielki sukces, a ten sukces skłonił go do przeniesienia do Amsterdamu, gdzie osiedlił się od 1631 roku. Tutaj Rembrandt bardzo szybko stał się modnym artystą, wypełnioną rozkazami i otoczony przez wielu uczniów. Jednocześnie ujawniono i najjaśniejszy czas w swoim życiu osobistym.
W 1634 roku poślubił młodą, milovoid Girl Sasquia Wang-Ulena Borg, należącego do widocznego burżuazyjnego nazwiska Amsterdamu i przyniósł go do stanu Dowry Major. Zwiększył już rosnący bogactwo prosperującego mistrza, dostarczył mu niezależności materialnej, a jednocześnie zezwolił pasję do zbierania dzieł sztuki i różnego rodzaju zabytkowych rzeczy.
Już podczas pobytu Rembrandta w Leiden, a zwłaszcza po przeniesieniu w Amsterdamie główne cechy jego sztuki wpływają na całą pewność. Okrąg jego obrazów obejmuje historie religijne, historię, mitologię, portret, gatunek, świat zwierząt, krajobraz, martwa natura. Ostrość Rembrandt nadal ma osobę, psychologicznie poprawną transmisję znaków i ruchów psychicznych. Zainteresowanie problemami psychologicznymi objawiają się w niezliczonych portretach, a także w ulubionych tematach biblijnych REMBrandt, dając mu pożądany powód obrazu relacji ludzkich i znaków. Wspaniały niesamowity prezent narracji pozwala na przenoszenie publiczności nie tylko ekspresywność obrazów, ale także hamowania zgłoszenia wybranej działki.
Obrazy Rembrandt wykrywają głęboko realistyczne zrozumienie zadań sztuki. Ciągle studiuje naturę i energicznie wpatrując się w wszystkie formy otaczającej rzeczywistości. Jego uwaga jest przyciągana do wszystkiego, co jest wyraźna charakterystyczność: wyraz ludzi, gestów, ruchów, kostiumów. Naprawia swoje obserwacje na rysunkach, a potem w malowniczych eterach. Te ostatnie są głównie wczesnym okresie. Nabyta wiedza o formie i jej wyrazistości staje się integralną częścią wszystkich kompozytowych dzieł REMBRANDT i informuje o niezwykłą prawdziwość.
Równolegle ze zwracaniem uwagi na istotę zjawisk, Rembrandt jest całkowicie wchłaniany w czysto malownicze problemy, a głównie problem oświetlenia. Wyjątkowość i umiejętności jej decyzji przyniosły mu chwałę największego malarza. Wyrafinowanie światła Rembrandt w połączeniu z skutkami kolorystycznymi jest wysoką wartością artystyczną w obrazach Mistrzów. Ale to nie tylko samowystarczalna wartość dekoracyjna. Interpretacja efektów oświetlenia Rembrandty jest jednocześnie jeden z głównych środków identyfikacji natury obrazów. Jego kompozycja opiera się na stosunku planów oświetlonych i cieniowych. Ich dystrybucja przypisuje niektóre formy, a nachylenie innych przyciąga uwagę widza do tego, co jest szczególnie niezbędne do narracji lub cech, a tym samym zwiększa ekspresję. Strona malownicza jest organicznie związana z treścią.
Aktywność artystyczna Rembrandta od początku do końca jest nasycona jednością wewnętrzną. Ale jego ścieżka twórcza pozwala odróżnić liczbę wyraźnych wyraźnych etapów charakteryzujących się pewnymi konkretnymi funkcjami.
Po latach praktyk zawodowych i pierwszych niezależnych kroków, taki nowy etap to 1630. W tym okresie Rembrandt jest silny, z jednej strony, romantyczne elementy i fantazję, z drugiej strony - formalne cechy sztuki barokowej. Wrażenie fikcji jest spowodowane głównie wpływem oświetlenia, daleko od zawsze uzależnionego od pewnego źródła, ale generowane przez zdolność promieniowania samych przedmiotów. Dla barokowych trendów Rembrandt Sztuki tego okresu inicjatywa języka artystycznego, dynamiki i patosów kompozycji, w części, ostrość smaku. Na tym etapie Rembrandt jest stale tendencją do teatralizacji obrazów, skłoniając mistrzów do napisania siebie i jego bliski w bujnych płaszczach płaszczach, kaskach, turbansach, belach lub przedstawia Saskoviah w postaci biblijnych bohaterów, potem starożytnej bogini.
Na zewnątrz, oczywiście jest odpowiedni. Charakterystyka wyróżniają ich żywotność, umiejętność formowania form, poszukiwania elegność, a jednocześnie słynna rygor uzasadnia jego chwałę jako portreta. Portret grupy znany jako "anatomia lekarza tulipanu" (1632, Haga, Mauritzheis), gdzie zdolność do zjednoczenia zwróciła uwagę na wykład na wykładzie, czytana przez tulelita w stole anatomicznym, została połączona przez funkcje, był pierwszym Szczególnie głośny sukces Rembrandt.
Z skrajną obfitością prac portretowych spadających na rozważany dziesięć lat, Rembrandt znalazł czas na fascynujące figura, obraz narracyjny. "Anioł pozostawiający rodzinę Tovia" (1637, Louvre) może służyć jako przykład oznaczonych barokowych cech tego okresu. Fabuła wypożyczona z Biblii, gdzie w tym momencie jest złożony, gdy anioł, który pomógł synowi Tovia uzdrowić swojego ojca, pozostawia rodzinę rodzinną, jest nasycony elementami gatunku. Inny zdecydowanie podejście genomu do tematu jest przechwytywane w obrazie Hermitage "Pareable o winapeters" (1637). W tym przypadku przypowieść ewangeliczna zamienia się w czysto realistyczną scenę obliczania bogatego właściciela pracownikami. Lojalność gestów i wyrażeń osób nie jest mniej charakterystyczna dla Rembrandta niż malownicza problem transmisji światła, płynąca do małych okien i służy w głębokości wysokiej pomieszczenia samoprzylepnego.
Malownicze umiejętności i charakterystyczne dla Rembrandta w 1630 r. Zagielisko-złoty manifestuje się z całą pełnią w jednym z najsłynniejszych zdjęć - Hermitage "Dana" (1636). Na uczucie życia w przeniesieniu ciała, w geście, w wyrażaniu twarzy, jest to niezwykle jasno ujawnione przez realizację artystycznej koncepcji Mistrza w tym czasie jego kreatywnego rozwoju.
Od początku 1640 roku kreatywność Rembrandta łączy nową fazę, trwając do środka następnej dekady. Niezależność zrozumienia mistrza zadań sztuki, jego pragnienie głębokiej prawdy życia, zainteresowanie problemami psychologicznymi, przez lata miałem coraz bardziej, ujawnione w Rembrandet największej osobowości kreatywnej, daleko kultury Towarzystwo burżuazyjne otaczające go. Głęboka zawartość sztuki Rembrandt była tajemna niedostępna. Chciał sztuki realistycznej, ale bardziej powierzchownej. Oryginalność malowniczych technik Rembrandta z kolei poszła nie tak z ogólnie przyjętym ostrożnym, nieco schudnym sposobie listu. Ponieważ czasy krajowej walki heroicznej o niezależność została przeniesiona do przeszłości, w gustach dominującego środowiska, trendy holowniane do elegity i znanej idealizacji obrazu. Zmiana poglądów Rembrandta, wspierany przez jego materialną niezależność, poprowadził go do całkowitej rozbieżności ze społeczeństwem. Ta przerwa z burżuazyjnym medium dotkniętym całą pewnością ze względu na porządek mistrza dużej grupy portret gildii strzelców w Amsterdamie. Obraz (1642, Amsterdam), wykonany w wyniku tego zamówienia, nie zadowalał klientów i pozostał niezrozumiałe nawet kręgów artystycznych. Zamiast mniej lub bardziej zwykłej grupy portretowej Rembrandt dał obrazek przemówień zbrojnego składu, jazda na dźwiękach bębna za swoich przywódców. Portret charakterystyka przedstawiona wycofał się na tle przed dynamiczną sceny. Szeroko poczęty obraz kontrastu oświetlenia zgłosiło zdjęcie romantycznego charakteru, toru i jego warunkowej nazwy - "Nocny zegarek".
Konflikt z dominującym medium i ostry ze względu na ten spadek zamówień nie wpłynął na kreatywną energię Mistrza. Nie wpłynął również na zmianę warunków rodzinnych Rembrandt, który stracił swoją ulubioną żonę, która miała trwałą inspirującą jego żeńskie obrazy, nie znalazł się na nim. Kilka lat później jej miejsce zajmuje inne. Pojawiając się najpierw w skromnej roli Servant, Gendrick Stoffels staje się wierną dziewczyną życia mistrza i zapewnia mu pokój i ciszę komfortu rodzinnego.
Nadchodzący okres był korzystny dla rozwoju sztuki Rembrandta. Młodzież Zador znika z pracy. Staje się skoncentrowany, zrównoważony, a nawet głębszy. Złożoność kompozycji i patosów zastępuje się prostotą. Szczerość uczuć nie jest naruszana przez wyszukiwanie efektów zewnętrznych. Problem oświetlenia nadal jest właścicielem mistrzów. Kolorystyka staje się gorąca. Dominują złote żółte i czerwone dźwięki. Religijny w naturze tematu, ale czysto gatunkowy na interpretację działki, obraz Hermitage "Święta Rodzina" (1645) jest niezwykle charakterystyczna tego czasu.
Wraz z biblijnymi kompozycjami gatunków, ten okres jest pełen nowego wizerunku obrazu rzeczywistości - krajobrazy dla Rembrandty. Po wystawieniu w niektórych przypadkach do hołdu ich romantyczni przedsiębiorcy, tworzy wraz z nim ekscytującą surowy realizm podejścia przywiązania do nieprzerwanej holenderskiej wioski. Mały "Widok zimy" (1646, Kassel), w świetle wyraźnego mroźnego dnia, chłopskiego dziedziniec i kilku postaci na stroce zamrożonego kanału, zgodnie z subtelnościami uczuć i prawdziwości percepcji wizualnej, służy jako Jedna z najbardziej doskonałych próbek realistycznego krajobrazu holenderskiego.
W portRuight Rembrandt jest teraz wolny przy wyborze modeli i pisze korzyść osoby o wyraźnej indywidualności. Jest to głównie starsze kobiety i orzeł - Żydzi. Ale z taką samą ostrości okazuje się być w stanie przenieść urok młodej osoby lub uroku młodzieńczego wyglądu. Cały drobny jest gorszy w tych portretach uogólniony, ale jednocześnie nadzwyczajne ostre złożenie obrazu. To w dużej mierze przyczynia się do rosnącej szerokości geograficznej realizacji technicznego.
Pomimo szerokości i wartości artystycznej Rembrandt utworzonej w tym okresie sytuacja finansowa Rembrandta była niezwykle trudna dla połowy 1650 roku. Ze względu na spadek liczby zamówień, trudnej sprzedaży obrazów, aw szczególności niedbalstwo mistrza w prowadzeniu ich spraw Rembrandt doświadczył dużych trudności z materiałami. Dług związany z nabyciem w okresie życia Saskiya jest drogi w domu, zagrożony pełną ruiną. Próby wyjść z długu mogłyby tylko zatrzymać katastrofę, ale wciąż się wybuchła. Latem 1656 r. Rembrandt został ogłoszony niewypłacalny, a całe jego nieruchomość została sprzedana z aukcji. Podwyższone znane łóżko, został zmuszony do ruszyć ze swoją rodziną do biednej dzielnicy kapitału obrotu, a tutaj w ostro poczuł brak jego ostatnich dni.
Te straty, a także kompleksowy Rembrandt, a następnie nieszczęście - śmierć Gendrika, śmierć jedynego syna Tytusa, była bezsilna, aby powstrzymać dalszy wzrost jego geniuszu. Koniec lat 1650 i 1660 jest najbardziej ambitną fazą kreatywności Rembrandta. Reprezentuje syntezę wszystkich poprzednich psychologicznych i malowniczych zadań. Wyjątkowa siła obrazów, prostota konstrukcji, intensywność gorącego smaku i zakresu malowniczej tekstury stanowią główne cechy tego okresu. Te cechy są równie przejawiające zarówno na portretach, jak iw kompozycjach biblijnych. Utworzono w tym czasie portret grupy "Sindics" (starsi w pochmurnym sklepie, 1662, Amsterdamie) słusznie uważane za jednego z wierzchołków kreatywności Rembrandta). Ostra charakterystyka psychologiczna, prostota konstrukcji, która jest nieskomplikowana przez rytm linii i mas, a także skromna pod względem liczby kolorów, ale intensywny kolor podsumowano całą poprzednią ścieżkę Rembrandt-portraity. W dziedzinie obrazu biblijnego ta sama rola należy do "powrotu syna marnotrawstwa", zlokalizowaną w pustelni. Scena pojednania wyrzekła się w jego niepłodności syna i przyjaznego ojca na prostotę, dramat i subtelność transferu doświadczeń ludzkich pozostaje niezrównana w świecie świata. Trudno jej znaleźć coś równego nasycenia tonu i szerokości piórowej litery.
"Syn prodigal" jest jednym z najnowszych obrazów przez Mistrza i, najwyraźniej sięga 1669 - rok śmierci Rembrandta. Ta śmierć minęła całkowicie niezauważony, a tylko wiele lat później, w XVIII wieku, rozumiejąc sztukę tego wielkiego artysty zaczął rosnąć.
Wartość Rembrandta wynika z malowania mistrza jego ogromnego dziedzictwa jako grafiki. Wszystkie powyższe właściwości robót Rembrandta wpłynęły na grafikę nie są mniej jasno jasne niż w malarstwie, a ponadto zarówno na oryginalnych rysunkach, jak iw dziedzinie drukowanych grafiki, ryctwach. Niedawno Rembrandt jest największym mistrzem Etch.
Dla jego cech, trawienia nie mają mniej znaczenia niż obrazy. Wyróżniona głębokość analizy psychologicznej, ekspresyjny realizm obrazów i doskonałość własności technika sztuki wpłynęła na długi rząd wspaniałych arkuszy, tematycznie bardziej zróżnicowanych niż obraz Mistrza. Szczególnie sławny należy do "Chrystusa, leczenia pacjentów" (tzw. "Arkusz w stu florinach", ok. 1649), "Trzy krzyże" (1653), portrety Lutma (1656), Harling (1655), sześć ( 1647), a także krajobrazy znane jako "trzy prawdziwe (1643) i" Złoty Dwór Waighera "(1651).
Nie ma mniej istotnego miejsca w graficznym dziedzictwie Rembrandta robienie zdjęć. Ostrość i osobliwość percepcji Rembrandta otaczającego świata wpłynęła na te liczne i zróżnicowane arkusze ze specjalną siłą. Sposób rysowania, jako malowniczy sposób Rembrandta, ewoluuje wyraźnie w całym kreatywnym rozwoju kreatora. Jeśli wczesne rysunki REMBRANDT są przepracowane w szczegółach i są dość złożone w składzie, potem w bardziej dojrzałym okresie wykonał je szerokim malowniczym sposobem, niezwykle zwięzły i prosty. Rembrandt zwykle malowany z gęsią lub trzcinowej pióra i był w stanie osiągnąć z najprostszymi technikami wyjątkowej ekspresyjności. Jego rysunki, nawet gdy są to drobne szkice jakiegoś zwykłego motywu, są kompletnym całkowitym, dość przekazującą całą różnorodność natury.
Sztuka Rembrandta jako całość pozostała niezrozumiałymi współczesnymi. Podczas sukcesu uczniów, z których bólu Ferdinanda (1616-168-1680), Herbrandan Van Den Den, nabył największą sławę (1621-1674) i Art De Helder (1645-1727). Po dowiedzieniu tematu, technik kompozytowych i typów nauczycieli, nie pójdą tak samo w swoim obrazie malarstwa na zewnętrznej naśladowaniu przyjęć Rembrandta. Żywy wpływ mistrza, przeciwieństwem, że zdecydowanie wpłynęło na licznych graczy krajobrazowych przylegających do niego - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) i innych. Niezależnie od tego, że jego rozwój problemu światła stał się kamieniem węgielnym dla rozwoju całego kolejnego malarstwa holenderskiego.
Pełne rozpoznawanie kreatywności Rembrandta jest jednak tylko w XIX wieku. I od teraz, nie przestaje być jedną z najwyższych próbek realistycznych, a jednocześnie malowniczej ucieleśnienia obrazów.

Holandia. XVII wiek. Kraj przeżywa bezprecedensowe kwitnące. Tak zwany "złoty wiek". Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju osiągnęło niezależność od Hiszpanii.

Teraz Simplate Holandia poszedł na drogę. I katolickie Flandria (obecna Belgia) pod skrzydłem Hiszpanii - własna.

W niezależnej Holandii, malarstwo religijne prawie nikt konieczne. Kościół protestancki nie zatwierdził luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność "grał na ręce" malarstwa świeckiego.

Miłość do tego rodzaju sztuki obudziła dosłownie każdego mieszkania nowego kraju. Dutchman chciał zobaczyć swoje życie na zdjęciach. A artyści chętnie chodził, żeby się z nimi spotkać.

Nigdy nigdy nie przedstawił otaczającej rzeczywistości. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najbardziej zwykłe śniadanie obywatela.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem na akademii z jego nimfami i greckimi boginami.

Ci artyści nazywają "małym" holenderskim. Dlaczego? Zdjęcia były małe, ponieważ zostały stworzone dla małych domów. Tak więc prawie wszystkie zdjęcia Jana Vermeera w wysokości nie więcej niż pół metra.

Ale lubię inną wersję więcej. W Holandii w XVII wieku mieszkał i pracował Wielkiego Mistrza, "Duży" Dutchman. I wszyscy inni w porównaniu do niego był "małym".

Oczywiście mówimy o Rembrandte. Od niego i zacznij.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 National London Gallery

Rembrandt był w stanie doświadczyć szerszej gamy emocji podczas jego życia. Dlatego w jego wczesnych dzieła tyle zabawy i braworów. I tak wiele złożonych uczuć - w późniejszym czasie.

Tutaj jest młody i rozczarowany obrazem "Niewidomy syn w tawernie". Na kolanach - ukochana żona Saskovia. Jest popularnym artystą. Zamówienia wlej rzekę.

Rembrandt. Syn marnotrawny w tawernie. 1635 Galeria starych mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie po 10 latach. Sasquia umrze z konsumpcji. Popularność rozpuszcza się jako dym. Wielki dom z unikalną kolekcją zostanie zabrany na długy.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie w wieku. Wielkie uczucia bohaterów. Ich najbardziej intymne myśli.

2. France Hals (1583-1666)

Francja Hals. Autoportret. 1650 Muzeum Metropolitan, Nowy Jork

Francja Hals jest jednym z największych portretów wszech czasów. Dlatego też uważałbym za "duży" holenderski.

W Holandii w tym czasie było zwyczajowe, aby zamówić portrety grupowe. Tak wiele podobnych dzieł pojawiło się z wizerunkiem ludzi pracujących razem: strzały tej samej gildii, lekarzy jednego miasta, zarządzając domem opieki.

W tym gatunku Hals przydzielono przede wszystkim. W końcu większość z tych portretów była jak pokład kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu oglądać. Hals mieli inaczej.

Spójrz na jego grupę portret "strzałkowej gildii św. Jerzy.

Francja Hals. Hild Gildia Strzałki Jerzy. 1627 Muzeum Francji Hals, Garel, Holandia

Tutaj nie znajdziesz jednego powtórzenia w pozycji lub ekspresji twarzy. W tym samym czasie nie ma chaosu. Jest wiele znaków, ale nikt nie wydaje się być zbędny. Ze względu na zaskakująco poprawne umieszczenie liczb.

Tak, a na jednym portrecie Hals przekroczył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z najwyższego społeczeństwa w jego obrazach są pozbawione wymyślonych powiększeń, a model z dna nie wygląda upokorzeni.

A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją się, gestykulując. Jak na przykład, jest to "Cygan" z luźnym wyglądem.

Francja Hals. Cygański. 1625-1630.

Hals, jak Rembrandt, skończył życie w ubóstwie. Z tego samego powodu. Jego realizm przyszedł na gusta klientów. Kto chciał, aby ich wygląd upiększył. Hals nie chodził do szczeliny Frank, a tym samym podpisali zdanie - "zapomnienie".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Autoportret. 1668 Galeria Royal Mauritshais, Haga, Holandia

Terboro był czarnakiem gatunku domowego. Bogaty, a nie bardzo mieszczani powoli rozmawiają, panie czytają listy, a pionier jest ogląda zaloty. Dwa lub trzy ściśle rozmieszczone figury.

To był ten mistrz, który pracował z kanonami gatunku domowego. Który następnie pożyczył Yang Vermeer, Peter de Heh i wiele innych "małych" holenderskich.

Gerard Terboro. Kieliszek lemoniady. 1660.. Stan Hermitage, Petersburg

"Szkło lemoniady" jest jednym ze znanych dzieł Terborch. Może zobaczyć jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz tkaniny ubierania.

Jest Terboro i niezwykła praca. Co mówi o jego pragnieniu wykraczającego poza wymagania klientów.

Jego "szlifierka" pokazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Jesteśmy przyzwyczajeni do widzenia przytulnych dziedzińców i czystych pokoi na zdjęciach "mały" holenderski. Ale Terboro odważył się pokazać brzydkie Holandia.

Gerard Terboro. Szlifierka. 1653-1655. Muzea rządowe Berlin.

Jak rozumiesz, takie prace nie były pożądane. I są rzadkim zjawiskiem nawet w Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Artysta warsztaty. 1666-1667. Muzeum Historii Sztuki, Wiedeń

Jak wyglądał Yang Vermeer, nie jest niezawodnie znany. Oczywiste jest tylko, że przedstawił się w obrazie "Warsztaty artysty". Prawda z tyłu.

Dlatego jest zaskakujące, że nowy fakt z życia Mistrza ostatnio znany jest ostatnio. Jest związany z jego arcydziełem "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Muzeum Rządu w Amsterdamie

Okazało się, że dzieciństwo Vermeera przeszedł na tę ulicę. Przedstawiony dom należał do swojej ciotki. Podniosła w nim pięcioro dzieci. Być może znajduje się na progu z szyciem, a dwie dzieci bawią się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawił wewnętrzną sytuację tych domów i ich mieszkańców. Wydaje się, że działki obrazów są bardzo proste. Oto miloidalna dama, zabezpieczona Townoor, sprawdza pracę moich skal.

Jan Vermeer. Kobieta z ciężarami. 1662-1663. National Art Gallery, Waszyngton

Co Vermeer wyróżnił się wśród tysięcy innych "małych" holenderskich?

Był niezrównanym mistrzem światła. W obrazie "Kobieta z ciężarkami" lekko otocza twarz bohaterki, tkaniny i ścian. Dawanie nieznośnej duchowości przedstawionej.

A kompozycje obrazów Vermeer są starannie odzyskane. Nie znajdziesz żadnych nadmiaru szczegółów. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz "kruszy", a magia odejdzie.

Wszystko to zostało przyznane Vermeleu nie jest łatwe. Taka oszałamiająca jakość wymagała żmudnej pracy. Całkowite 2-3 zdjęcia rocznie. W rezultacie niezdolność do karmienia rodziny. Vermeer pracował jako dealer sztuki, sprzedając pracę innych artystów.

5. Peter de Heh (1629-1884)

Peter de heh. Autoportret. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam

Hoha często w porównaniu z Vermeer. Pracowali w pewnym momencie, nawet był okres, który w jednym mieście. Oraz w jednym gatunku - krajowym. W Hoha widzimy również jedną lub dwie postacie w przytulnych holenderskich dziedzińców lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów wielowarstwowych i zabawnych. A dane liczby są bardzo harmonijnie wpisane w tę przestrzeń. Jak na przykład na jego zdjęciu "Sługa z dziewczyną na dziedzińcu".

Peter de heh. Pokojówka z dziewczyną na dziedzińcu. 1658 London National Gallery

Do XX wieku Hech został wyceniony bardzo wysoko. Ale małe dzieła jego konkurenta Vermeera są nieliczni, którzy zauważyli.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Słowiana Hoha Faming. Jednak jego osiągnięcia w malarstwie trudno nie rozpoznawać. Niewielu, którzy mogliby łączyć otaczające otaczające środowisko i ludzi.

Peter de heh. Gracze na mapie w pokoju słonecznym. 1658 Royal Art Assembly, Londyn

Należy pamiętać, że w skromnym domu na "graczy na mapach" może zawiesić zdjęcie w zakręcie ramki.

To ponownie mówi o tym, jak wśród zwykłego holenderskiego malarstwa był popularny. Obrazy ozdobiono każdy dom: zarówno dom bogatego burgera, jak i skromny obywatel, a nawet chłop.

6. ściany Yang (1626-1679)

Ściany Yang. Autoportret z lutnią. 1670s. Muzeum Tissen-Bornemis, Madryt

Murów Yang, być może najbardziej wesoły "mały" Dutchman. Ale kochający moralność. Często przedstawił tawerny lub biedne domy, w których było imadło.

Jego główni bohaterowie - spacery i panie łatwego zachowania. Chciał zabawiać widza, ale na dużej ostrzegł go z błędnego życia.

Ściany Yang. Kavardak. 1663 Muzeum Historii Sztuki, Wiednia

Jest ściana i cisza praca. Jak na przykład "rano toaleta". Ale tutaj artysta zaskakuje za widz zbyt Frank. Tutaj i ślady z pończochy gumy, a nie pusty nocny garnek. Tak, a w jakiś sposób w jaki sposób pies leży na poduszce.

Ściany Yang. Poranna toaleta. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam

Ale pomimo całego fryvolizmu, kolorowe rozwiązania ściany są bardzo profesjonalne. W tym, był lepszy od wielu "małych holenderskich". Spójrz na to, ile czerwona pończocha jest idealnie połączona z niebieską kurtką i jasnym beżowym dywanem.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Portret Raisdale. Litografia z XIX-wiecznej książki.