W XVII wieku Holland stał się przykładem kapitalistycznym. Poprowadziła rozległy handel kolonialny, miała potężną flota, stocznia była jednym z wiodących gałęzi przemysłu. Nawet angielscy armiki często składali rozkazy dla stoczni holenderskich. Pracownicze rolnicy, holenderski na stosunkowo małych przestrzeniach Ziemi zarządzał stworzenie takiej farmy mleczarskiej, która była znana na rynku ogólnoeuropejskim. Pod koniec XVII - wczesnym XVIII wieku. Wraz z wprowadzeniem międzynarodowej areny Handlowej Anglii i Francji Holland traci znaczenie gospodarcze i polityczne, ale w całym XVII wieku jest wiodącą moc gospodarczą Europy.

Jednocześnie Holland w tym okresie jest najważniejszym centrum kultury europejskiej. Walka o niezależność narodową, zwycięstwo burgencji określiło charakter holenderską kulturę XVII wieku. Protestantyzm (kalwityzm jako najbardziej ciężką formę), który miał całkowicie wpływ kościoła katolickiego, doprowadziło do faktu, że duchowieństwo w Holandii nie miała takiego wpływu na sztukę jak we Flandrii, a zwłaszcza w Hiszpanii lub Włoszech. Leiden University był centrum FreeWinty. Duchowa atmosfera faworyzowała rozwój filozofii, przyrodniczych nauk przyrodniczych, matematyki. Brak bogatego patrycjusza i duchowieństwa katolickiego miały ogromne konsekwencje dla rozwoju holenderskiej sztuki. Holenderscy artystów mieli innego klienta: hamburgery, holenderski sędzia, który zdobił pałace i wille oraz skromne mieszkania lub budynki publiczne, - dlatego obrazy w Holandii tego porów nie mają takich rozmiarów jak płótno Rubensa lub Jordanii i rozwiązały głównie maszyny, a nie monumentalne zadania dekoracyjne. W Holandii Kościół nie odgrywał roli klientów dzieł sztuki: świątynie nie zostały urządzone z obrazami ołtarzowych, ponieważ kalwinizm odrzucił luksusową podpowiedź; Kościoły protestanckie były proste w architekturze i nie ozdobione w środku.

Głównym osiągnięciem holenderskiej sztuki malarstwa sztalugowego XVIII V. Mężczyzna i przyroda były objętych obiektami i obrazówami holenderskich artystów. Diligence, staranność, miłość do zamówienia i czystości znalazła odzwierciedlenie w obrazach przedstawiających holenderskie życie. Malarstwo domowe staje się jednym z wiodących gatunków, których twórcy, których w historii mają nazwę "małego holenderskiego" lub na skłonność działek lub ze względu na niewielki rozmiar obrazów, a może dla drugiego. Holendrzy chciał zobaczyć cały świat wielokształtny w obrazach. Stąd szeroką gamę malowania tego wieku "wąska specjalizacja" dla niektórych rodzajów przedmiotu: portret i krajobraz, martwa natura i gatunek zwierząt. Wewnątrz gatunku była nawet specjalizacja: wieczorne i nocne krajobrazy (Art Van Der Rod), "nocne pożary" (Ekbert van der Poul), krajobrazy Zima (Avery-Kamp), statki na Raid (Ya. Portsellis), zwykły krajobraz (F. Konink); Nadal życia - "Śniadania" (P. Clas i V. Hedda) lub wizerunek kwiatów i owoców (B. Van der Aste, Ya. Van Haisum), wnętrza kościelne (A. de Lorm) itp. Malowanie na Ewangelii i biblijne Działki są również reprezentowane, ale nie w takiej objętości, jak w innych krajach, a także antyczne mitologię. W Holandii nigdy nie miałem połączeń z Włochami i sztuką klasyczną nie odgrywać takiej roli, jak we Flandrii. Opanowanie realistycznych trendów, dodanie pewnego kręgu tematów, zróżnicowanie gatunków jako pojedynczego procesu uzupełnia 20. XVII wieku. Ale w jakim rodzaju gatunku holenderski mistrzowie pracowaliby, wszędzie, gdzie znajdą poetyckie piękno w codziennym, wiedzą, jak inspirować i podnieść świat rzeczy materialnych.

Historia holenderskiego malarstwa XVII wieku. Doskonale pokazuje ewolucję kreatywności jednego z największych portretów Holland Hals Hals (około 1580-1666). W latach 10-30s Hals dużo działają w gatunku portretu grupowego. Jest to głównie wizerunek gildii karabinu - korporacji oficerów dla obrony i kampusu. Burgery chcieli być utrwalone na płótnie, dokonali pewnej opłaty za prawo do przedstawienia, a artysta był zobowiązany do zapamiętania równej uwagi na każdy model. Ale nie portret podobieństwa przechwytuje nas w tych dziełach Hals. Są one wymawiane ideałami Young Republic, uczucie wolności, równości, partnerstwa. Z brezentami tych lat wyglądasz wesoły, energiczny, przedsiębiorczych ludzi, pewności w swojej mocy iw przyszłości ("Gildia karabinowa św. Adriana", 1627 i 1633; "Gildia karabinowa św. George'a", 1627). Hale przedstawia je zwykle w przyjaznej porushkiej, w wesołej uczcie. Duże wymiary kompozycji rozciągnięte poziomo, szeroki przekonany list, intensywny, nasycony kolorów (żółty, czerwony, niebieski itp.) Utwórz monumentalny charakter obrazu. Artysta działa jako histkistę całej epoki.

Indywidualne portrety badaczy CHALS są czasami nazywani gatunkiem ze względu na specjalną specyfikę obrazu, pewnego przyjęcia cech. W pozie haythheisen kołysanie się na krześle jest coś niestabilnego, wyraz twarzy, jakby to się zmienić. Portret pijanej starej kobiety, "Harlem Witch", siodła Kharchevni Malli Babbe (początek 30s), z sową na ramieniu i kubek piwa w dłoni, nosząc cechy malarstwa gatunku . Szkic Hals, jego pogrubiony list, gdy wymaz rzeźbie i forma oraz objętość i przesyła kolor; Rozmaz jest gruby, pasto-stary, gęsto obejmujący płótno, co pozwala na śledzenie tonu gleby, podkreślając jedną część i nieaktywną drugą, wewnętrzną dynamikę, zdolność do określenia całej podpowiedzi - to typowe cechy pisma Hals .

F. Hals. Gildia karabinowa św. Jerzy. Fragment. Harlem, Hals Museum

F Hals. Portret Villel Van Haythhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhthen. Bruksela, Muzeum Sztuk Pięknych

Terbor. Koncert. Berlin, Muzeum

W portretach Khals późnego okresu (50-60), beztroski usuwa, energia, presja w postaciach przedstawionych osób znikają. W portrecie mężczyzny Ermitażu, ze wszystkimi wrażeniami z figury, nawet pewną ilością śladu śladowego i smutku. Cechy te są jeszcze bardziej wzmocnione w genialnym malarskim portrecie mężczyzn w szerokim kapeluszu z muzeum w Kassel (60.). Hale w tych latach przestaje być popularne, ponieważ nigdy nie miga i okazuje się uduszenia, stracił demokratycznego ducha gustów bogatych klientów. Ale właśnie w późnym okresie kreatywności, Hale osiąga szczyt umiejętności i tworzy najgłębsze prace. Kolorowanie jego obrazów staje się prawie monochromatycznym. Jest to zazwyczaj ciemne, czarne ubrania, z białym kołnierzem i mankietami oraz ciemnoliwkowego koloru oliwek. Lakoniczna malownicza paleta jest jednak zbudowana na najlepszych gradacjach.

Dwa lata przed śmiercią, w 1664 roku Khala ponownie wraca do portretu grupowego. Pisze dwa portrety - Regentów i niedawne schronienie dla osób starszych, w jednym, z którego sam znalazł schronisko pod koniec życia. W portrecie Regent nie ma ducha partnerstwa poprzednich kompozycji, modele są rozdzielone, bezsilne, mają mętne widoki, dewastacja jest napisana na ich twarzach. W ponurym kolorze (czarny, szary i biały) napięcie specjalne sprawia, że \u200b\u200bróżowawo czerwone miejsce tkaniny na kolanie jednego z regentów. Tak więc dziewiątym kilkunastu lat pacjent, samotny i biedny artysta tworzy najbardziej dramatyczną i najbardziej wyrafinowaną pracę na temat umiejętności.

V. HEDD. Śniadanie z czarnym ciastem. Drezno, Galeria

Sztuka Hals miała ogromne znaczenie dla swojego czasu, miał wpływ na rozwój nie tylko portret, ale także gatunek gospodarstwa domowego, krajobrazu, martwego życia.

Gatunek krajobrazu Holland XVII wieku jest szczególnie interesujący. Nie ma to wcale natury, pewnego ogólnego obrazu wszechświata, i krajobraz jest holenderski krajobraz, którego uczymy się w nowoczesnej Holandii: słynne wiatraki, puste wydmy, kanały z przesuwanymi na nich łodzie w lecie iz łyżwiarem - w zimowy. Powietrze jest nasycone wilgocią. Szare niebo zajmuje wspaniałe miejsce w kompozycjach. Jest to dokładnie takie jak przedstawiające Holland Jan Wang Goyen (1596-1656) i Salomon Van Reydal (1600/1603-1670).

Kwitnienie malowania krajobrazu w holenderskiej szkole odnosi się do środka XVII wieku. Największym mistrzem realistycznego krajobrazu był Jacob Van Reydal (1628/29-1682), artysty niewyczerpanej fantazji. Jego prace są zwykle pełne głębokiego dramatu, niezależnie od tego, czy przedstawia lasy ("bagno lasowe"), krajobrazy z wodospadami ("wodospad") lub romantyczny krajobraz z cmentarzem ("Cmentarz żydowski"). Natura w locie pojawia się w dynamice, w wiecznej aktualizacji. Nawet najprostsze motywy natury są nabywane przez monumentalny charakter pędzla artysty. Lot ma charakterystyczny, aby połączyć staranną emisję z dużą integralnością życia, z obrazem syntetycznym.

P. De Hach. Dziedziniec. Londyn, Galeria Narodowa

Tylko sceneria morska (marina) była zaangażowana w Yang Portsellis (około 1584-1632). Obok realistycznego, czysto holenderskiego krajobrazu istniał w tym czasie i inny kierunek: włoskie krajobrazy przyrody, żywiołowe mitologiczne postacie, postacie ludzi i zwierząt.

W ścisłym połączeniu z holenderskim krajobrazem znajduje się gatunek zwierzęcy. Słynny motyw Albert Cape - Krowy do narzędzi wodnych ("Zachód słońca nad rzeką", "Krowy na brzegu potoku"). Paul Potter, oprócz ogólnych planów, uwielbia przedstawić jeden lub więcej zwierząt z bliska na tle krajobrazu ("Pies na łańcuchu").

Genialny rozwój osiąga martwa natura. Holenderska martwa natura jest w przeciwieństwie do skromnej flamandzki w rozmiarze i motywach intymnego charakteru. Peter Clas (około 1597-1661), Bill Hed (1594-1680 / 82) Najczęściej przedstawiają tak zwane śniadanie: naczynia z szynką lub kołkiem na stosunkowo skromnie serwowanym stole. W umiejętnym układzie, przedmioty są pokazane, aby wewnętrzne życie rzeczy było odczuwane (nic dziwnego, że holenderski zadzwonił do martwego życia zniesionego - "ciche życie", a nie "Nature Morte" - "Martwa natura". Prawda, jak Vernozameno IV Linnik, "Ciche Life" to późniejsze tłumaczenie poetyckie. W języku XVII wieku oznaczało to "stały model", który więcej odpowiada praktycznej surmie i podejściu biznesowego holenderskiego czasu). Smak jest powściągliwy i wyrafinowany (Hed. "Śniadanie z Omar", 1648; Clas. "Martwa natura ze świecą", 1627).

Vermer Delftsky. Głowa dziewczyny. Fragment. Haga, Mauritshais.

Z zmianą życia holenderskiego społeczeństwa w drugiej połowie XVII wieku, z stopniowym wzrostem pragnienia burżuazji do arystokratycznej i utraty dawnego demokratyzmu, charakter wciąż zmienia się zmiany. "Śniadania" głowa są zastępowane luksusowymi "deserami" Kalfy. Stoły marmurowe, obrusy wykładziny, srebrne kubki, naczynia z muszli z pereł, kryształowe okulary przychodzą, aby zastąpić proste naczynia. Kalf osiąga uderzającą wirtuozę w transmisji tekstury brzoskwiń, winogron, powierzchni kryształowych. Pojedynczy ton nieruchomych życia, dawny okres jest zastąpiony bogatą gradlamentem najbardziej wykwintnych kolorowych odcieni.

Holenderska martwa natura jest jednym z artystycznych narzędzi najważniejszego tematu Sztuki - tematy prywatnego życia zwykłej osoby. Ten temat w pełni otrzymał przykład wykonania na obrazku. W lat 20-30 XVII wieku. Holenderski stworzył specjalny typ małego obrazu małego zdjęcia. 40-60. - kwitnące malarstwa gloryfikujące spokojne hamburgery Holandii, mierzone codzienne istnienie. Ale nawet w kręgu Francji Khals, gdzie powstała adrian barwnik, flamandzki malarz, powstała wyraźne zainteresowanie tematami z życia chłopskiego. Adrian van Odete (1610-1685) przedstawia najpierw po stronie cienia życia chłopstwa ("walka"). Od 40 lat, w swojej pracy notatki satyryczne są coraz częściej zastępowane ("w rustykalnej Zucchkiej", 1660). Czasami te małe obrazy są pomalowane z dużym uczuciem lirycznych. Prawo, jego "malarz w warsztacie" (1663) jest uważany za arcydzieło malarstwa (1663), w którym artysta rozważa kreatywną pracę bez uciekania się do deklaracji lub tupot.

Ale głównym tematem "małego holenderskiego" wciąż nie jest chłopstwem, ale życie Burgershi. To zazwyczaj obrazy bez ekscytującego Fabul. Na zdjęciach tego gatunku tak, jakby nic się nie dzieje. Kobieta czyta list, Cavalier i Lady Musice. Albo właśnie się spotkali, a między nimi rodzi się pierwsze uczucie, ale jest to tylko zaplanowane, widz otrzymuje prawo do budowy domysłów.

Najbardziej rozrywkowym gawędziarzem w obrazach tego rodzaju był Jan Stan (1626-1679) ("Fucks", "Grania Trick-Tric"). Zwolnił rytm życia, kolejność rutyny dnia, niektóre monotonię istnienia doskonale zgłasza Gabriel Metshu (1629-1667, "śniadanie", "pacjenta i lekarza"),

Jeszcze więcej rzemiosła osiągnęło ten Gerard Terbor (1617-1681). Zaczął się od najbardziej demokratycznych działek ("szlifierka"), ale ze zmianą gustów holenderskiej mieszczania, przeniósł się do modeli bardziej arystokratycznych i miał wielki sukces tutaj.

Specjalna poezja "małego holenderskiego" nabywa wnętrze. Życie holenderskiego przystąpiło głównie w domu. Peter de stooche (1629-1689) stał się prawdziwym piosenkarzem (1629-1689). Jego pokoje z półprzekotym oknem, z opuszczonymi butami lakierunkowymi lub uszkodzonym lewym, często przedstawionym bez ludzkiej postaci, ale osoba tutaj jest niewidocznie obecna, między wnętrzem a ludźmi zawsze jest połączenie. Kiedy przedstawia ludzi, a potem celowo podkreśla jakiś zamarznięty rytm, przedstawia życie, jakby zmartwiony, jako nieruchomy, jak same rzeczy ("dziedzizna i sługa", "dziedziniec").

Rembrandt. Anatomia dr Tulpy. Haga, Mauritshais.

Nowy etap malarstwa gatunkowego zaczyna się w latach 50-tych i jest związany z tak zwaną szkołą Delft, z nazwą artystów, takich jak Karel Fabrichius, Emmanuel de Witte i Yang Vermer, znany w historii sztuki jako Verver Delft (1632 -1675). Vermer był jednym z tych artystów, którzy ustalali wiele kolorystycznych poszukiwań XIX wieku, utwardzony na wiele sposobów drogi dla impresjonistów, chociaż obraz widzącej wydaje się być oryginalny. Są to te same obrazy zamrożonego życia Burgher: czytając list, konsekwentną kawalier i damę, słudzy zaangażowani w hodowlę niezacunkowej, amsterdamu lub gatunków Delft. Wczesny obraz Vermera "Sumy" (1656) jest niezwykle (dla "małych holenderskich") jest duży rozmiar, monumentalny kształt, brzmiący w kolorze dużych lokalnych plamek: czerwona odzież cavalier, żółta sukienka i biała dziewczyna.

Później Vermer odmówi dużych rozmiarów i napisze te same małe płótna, które zostały wykonane w malarstwie gatunku tego czasu. Ale są one nieskomplikowane przez zdjęcie zdjęcia: "Dziewczyna, czytając literę", "Cavalier i pani na Speake", "oficer i roześmiana dziewczyna", itp, są pełne umysłowej innej firmy, milczenia i spokoju. Główne zalety artysty - w transmisji światła i powietrza. Łączy szeroką szczotkę małym rozmazem, współrzędnymi światłem i kolorami. Rozpuszczone elementy w środowisku lekkim powietrzu, możliwość tworzenia tej iluzji przede wszystkim ustalono rozpoznawanie i sławę wersety znajdują się na sześciOx. Później wersja Leera stała się bardziej skondensowana, gładka, zbudowana na łagodnych kombinacjach niebieskiego, żółtego, niebieskiego, połączonego przez niesamowitą pearl, a nawet pearl-szary ("głowa dziewczyny").

Vermer zrobił coś, czego nikt nie zrobił w XVII wieku: napisał krajobrazy z natury ("Stretch", "Typ Delft"). Mogą być nazywane pierwszymi próbkami malarstwa plenarnego. Dojrzały, klasyczny w swojej prostocie, sztuka wiertacza miała ogromne znaczenie dla przyszłych epok.

Szczyt holenderskiego realizmu, wynikiem malowniczych osiągnięć holenderskiej kultury XVII wieku jest praca Rembrandta. Ale znaczenie Rembrandt, jako każdy pomysłowy artysta, wykracza poza holenderską sztukę i holenderską szkołą.

Harmens Wang Rhine Rembrandt (1606-1669) urodził się w Leiden, w rodzinie raczej zamożnego właściciela młyna, a po szkole łacińskiej studiował na Uniwersytecie Leiden, ale opuścił go do malowania najpierw z mało znanego lokalnego mistrza , a potem w Amsterdamie Artist Peter Londman.

Okres treningowy był krótki, a wkrótce Rembrandt pozostawia jego rodzinny obraz do własnego malowania we własnym warsztacie. Dlatego 1625-1632 są zwykle nazywane okresem Leiden jego kreatywności. Jest to czas tworzenia artysty, największym hobby jego karawaggio, mistrza Mistrza w tym okresie był nadal suchy, a interpretacja działek jest często melodramatyczna. Jest to okres, w którym najpierw zmienia się do etch.

W 1632 r. Rembrandt pozostawia dla Amsterdamu, centrum artystycznej kultury Holandii, która, naturalnie przyciągnęła młodego artysty. 30s - czas najwyższej chwały, której ścieżka została odkryta do malowania dużego zamykanego obrazu 1632 G. Group, znany jako "anatomia Dr. Tulpa" lub "Lekcja anatomii". W Rembrandt Canvas ludzie są połączonymi ze sobą, wszystkie są reprezentowane w naturalnych pozach, ich uwaga jest przyciągnięta do głównej osoby działającej - Tulpa, która pokazuje strukturę mięśniową z "Cranked" zwłoki. Jako prawdziwy Dutchman, Rembrandt nie boi się realistycznych szczegółów, jak wielki artysta, wie, jak uniknąć naturalizmu. W 1634 r. Rembrandt poślubia dziewczynę z bogatej rodziny - Saskiy Van Eyyborh - a z tego pora dostaje się do kręgów patrycjuszyjskich. Najszczęśliwszy okres jego życia zaczyna się. Staje się słynnym i modnym artystą. Jego dom przyciąga najlepszych przedstawicieli arystokracji Ducha i bogatych klientów, ma duży warsztat, gdzie jego liczne uczniowie z powodzeniem pracują. Znaczny dziedzictwo Saskowie i jego własnej pracy dają materialną wolność.

Cały ten okres jest romantyczny. Malarz, jak to było, specjalnie dążyły do \u200b\u200bswojej pracy, aby uciec od słabego mieszczającego codziennego życia i pisze siebie i Saskovia w luksusowych strojach, w fantastycznych ubraniach i głowach, tworząc spektakularne kompozycje, wyrażając w złożonych skrętach, pozach, ruchach, różnych Stany, w których zwykła - radość przeważa Genesis. Ten nastrój wyraża się w tym samym autoportrecie zespołu Louvras 1634 iw portrecie Sasquii z Muzeum w Kassel (w tym samym roku), a także w pustelni obraz Sasquii w obrazie flory. Ale być może najjaśniejszy światem Rembrandt z tych lat zgłasza słynny "autoportret z Sasquią na kolanach" (około 1636). Szczerze mówiąc radość życia, kłamstwo jest przeniknięte przez całe płótno. Te uczucia są przenoszone do niewinnej ekspresji błyszczącej powierzchni samego artysty, który osiągnął, jakby wszystkie towary ziemskie; wszystko, z bogatych ubrań do uroczyście podniesionego kryształu szkła w ręku; Rytm masy tworzyw sztucznych, bogactwo kolorowych niuansów, modelowania czarno-białego, który stanie się głównym ekspresyjnym lekami w malarstwie Rembrandt. Czarujący, wspaniały świat ... Barokowy język jest najbliżej wyrazu podniesionego nastroju. A Rembrandt w tym okresie jest w dużej mierze pod wpływem włoskiego baroku.

W trudnych osobach pojawiają się fragmenty zdjęcia 1635 "poświęcenia Abrahama" przed nami. Od ciała Isaac, prostaty na pierwszym planie i wyrażając pełną bezradność ofiary, widok widza rysuje głębokość - na postać starszego Abrahama i posłańca z chmur Boga - anioła. Skład jest wysoce dynamiczny, zbudowany przez wszystkie barokowe reguły. Ale na zdjęciu jest coś, co wyróżnia się w nim przez Rembrandta o charakterze kreatywności: przenikanie stanu psychicznego Abrahama, który nie miał czasu czuć radość z powodu pozbycia się strasznej ofiary, ani dzięki, a tylko zmęczenie i oszołomienie. Najbogatsze możliwości psychologa Rembrandta zadeklarują się w tym zdjęciu oczywiście.

W tym samym 19 lat Rembrandt najpierw zaczyna angażować się w grafikę, przede wszystkim. Dziedzictwo wykresu Rembrandt, który pozostawił zarówno dzieła grawerowania, jak i unikalnych rysunków, nie mniej istotne niż malownicze. Technice Rembrandta są głównie czarne i ewangeliczne działki, ale na rysunku, jako prawdziwie holenderski artysta, często odnosi się do gatunku. Prawda, talent Rembrandta jest taki, że każda praca gatunkowa zaczyna brzmi pod ręką jako filozoficzną uogólnienie.

Na przełomie wczesnego okresu kreatywności artysty i jego kreatywnej dojrzałości, jeden z najbardziej znanych jego malowniczych dzieł, znanych jako "Night Watch" (1642), jest grupowym portretem grupy karabinowej Kapitana Banning Coca.

Ale portret grupy jest tylko formalną nazwą pracy wynikającą z pragnienia klienta. Rembrandt odszedł od zwykłej składu grupy portretu Pirushki, podczas którego "reprezentacja" każdego przedstawiona. Rozszerzył ramy gatunku, reprezentującym historyczny obraz raczej: wzdłuż alarmu, zakazujący kwadratowe wystaje. Niektórzy są spokojni, pewni siebie, inni są podekscytowani w oczekiwaniu na nadchodzące, ale wszystkie wyraz całkowitej energii, patriotyczny wzrost, obchody Ducha Cywilnego.

Obraz ludzi wychodzących z niektórych łuków na jasnym świetle słonecznym, pełnym echa heroicznej ery rewolucji Holenderskiej, czas triumfów Republiki Holandii. Portret grupy pod pędzlem Rembrandt ścieranie do bohaterskiego wizerunku ery i społeczeństwa.

Ale ten nastrój był obcy do Holandii Burger w połowie stulecia, nie spełniał gustów klientów, a malownicze techniki były sprzeczne z ogólnie przyjętym. Spektakularny, niewątpliwie nieco teatralny, wysoce wolny skład, jak już wspomniano, nie zamierza przedstawić każdego z klientów. Wiele osób jest po prostu źle "czytania" w tym ostrym oświetleniu, w tych kontrastach grubych cieni i jasnego światła słonecznego, który wychodzi z oddziału (w XIX wieku. Zdjęcie już zaciemnił, że został uznany za zdjęcie sceny nocnej , stąd jej złe imię. Cień, kapitan kapitana leżącego z figury na jasnych ubrań poruczniku, dowodzi, że nie jest to noc, a dzień).

Niewłaściwy i śmieszny wydawał się widzowi, pojawieniu się outsiderów na tej scenie, zwłaszcza małą dziewczynką w złoto-żółtej sukni, strzelając w tłumie bojowskich mężczyzn. Wszystko tutaj spowodowało oszołomienie i rozdrażnienie opinii publicznej i można powiedzieć, że konflikt artysty i społeczeństwa zaczyna się od tego zdjęcia i pogłębia. Z śmiercią Sasziy, w tym samym roku, 1642 jest naturalna przerwa Rembrandt z jego obcego do niego przez kręgi patrycjuszy.

40-50S jest czasem kreatywnej dojrzałości. Zmienił się nie tylko życie zewnętrzne Rembrandt, zmienił pierwszy ze wszystkich sam. Jest to czas tworzenia swojego systemu kreatywnego, z którego wiele pójdzie do przeszłości i w którym można uzyskać inne nieocenione cechy. Często odnosi się do tych samych prac, aby je zrealizować w nowy sposób. Było więc, na przykład, z Danay, który napisał już w 1636 r., A potem został wyrażony w ten sposób główną rzeczą: zmysłowy początek, pogan, w pewnym stopniu "Tizianovskoye" był tylko częścią całkowitej w wyrażeniu złożonych duchowych doświadczeń, pojedynczego impulsu duchowego. Wyrażanie istotnej prawdy, jasnej indywidualności magazynu fizycznego, przyszedł zmienić klasyczne, piękne, ale także abstrakcyjne w jego pięknie. To brzydkie ciało zostało przeniesione niezwykle realistyczne. Ale Rembrandt nie pasował do zewnętrznej prawdy. Włączanie do zdjęcia w latach 40. artysta wzmocnił stan emocjonalny. Przepisał centralną część z bohaterką i pokojami. Biorąc pod uwagę nowy gest podniesiony, poinformował jej większe emocje, wyraz radości, nadziei, zadzwoń. Sposób pisania się zmienił. W nietkniętych częściach, obraz zimnych odcieni, forma jest starannie wypracowana; W przepisanym, ciepłym, złotym brązowym przeważającym, list jest odważny, wolny. Światło odgrywa ogromną rolę: strumień światła jest jak zdobycie postaci Danai, wszystko świeci z miłością i szczęściem, to światło jest postrzegane jako wyraz ludzkiego uczucia.

W 40-50s umiejętności Rembrandt stale rośnie. Wybiera interpretację najbardziej liryczne, poetyckie imprezy człowieka, potem człowieka, który jest niezwykle, pomyślnie: Miłość macierzyńska, współczucie. Jego święte pismo daje mu największy materiał, a od niej sceny życia świętej rodziny, działki z Tovia. Nie ma efektów zewnętrznych w dziełach tego okresu. Rembrandt przedstawia proste życie, zwykli ludzie, jak w płótnie "Świętej rodziny": tylko aniołowie maleją do zmierzchu złego mieszkania, przypominają nam, że nie jest to zwykła rodzina. Gest ręki matki, składając baldachim, aby spojrzeć na śpiącego dziecka, skoncentruj się na postaci Józefa - wszystko jest głęboko przemyślane. Prostota życia i wygląd ludzi nie zmielą tematu. Rembrandt może zobaczyć codzienne życie życia, a nie zwykłe, ale głębokie i rosnące. Spokojna milczenie życia pracy, świętość macierzyństwa robi z tej płótnia. Ogromna rola w obrazach Rembrandta jest rozgrywana przez światło jego artystycznej struktury. Smak jest zdominowany przez związek tonalny, w którym Rembrandt uwielbia wprowadzić silne plamy czystego koloru. W "Świętej rodzinie" czerwony koc na kołysce służy jako łącząca plama.

Duże miejsce w dziełach Rembrandt bierze krajobraz, zarówno malownicze, jak i graficzne (trawienie i rysunek). W obrazie prawdziwych zakątków kraju wie, jak wspinać się nad zwykłym ("krajobrazem z młynem").

Ostatnie 16 lat, najbardziej tragiczne lata życia Rembrandt; Jest zrujnowany, nie ma rozkazów, nie ma własnego domu, stracił wszystkich bliskich, ulubionych ludzi, a nawet uczniów zdradzają go. Ale te lata są pełne niesamowitej siły twórczej aktywności, w wyniku których powstają malownicze obrazy, wyjątkowe cechy charakterystyki i duchowości, prace są głęboko filozoficzne i wysokie etyczne. Na tych zdjęciach REMBrandt wszystko jest oczyszczone przez przejściową, losową. Szczegóły są zminimalizowane, starannie przemyślane i znaczące gesty, pozy, stoki głowy. Dane są powiększone, blisko przedniej płaszczyzny płótna. Nawet małe dzieła Rembrandt w tych latach tworzą wrażenie o niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Główne środki ekspresyjne nie są liniami i masami, ale lekkimi i kolorami. Kompozycja jest w dużej mierze zbudowana na kolorze równowagi. W smaku odcienie czerwonych i brązowych są zdominowane od wewnątrz.

Kolor przejmuje solidność i intensywność. Lepiej byłoby powiedzieć o późnym Rembrandt, że jego kolor "fala światła", ponieważ w jego płótnie, światło i kolor są jednym, jego farby wydają się emitowane. Ta złożona interakcja koloru i światła nie jest końcem sama, tworzy pewne środowisko emocjonalne i charakterystykę psychologiczną obrazu.

Portrety późnego Rembrandta są bardzo różne od portretów 30, a nawet 40s. Te niezwykle proste (talia lub generyczne) obrazy ludzi w pobliżu artysty w ich krytych, są zawsze figuratywnym wyrazem wielopoziomowej osobowości człowieka, wpływając na zdolność mistrza do przeniesienia niepodstawionych, nieuchwytnych ruchów psychicznych.

Rembrandt wiedział, jak stworzyć biografię portretową; Podświetlanie tylko twarzy i rąk, wyraził całą historię życia ("Portret starego człowieka na czerwonym", około 1654 r.). Ale najwyższe subtelności funkcji Rembrandt osiągnął autoportów, które przybyły do \u200b\u200bnas około stu, na których nieskończona różnorodność aspektów psychologicznych, różnorodność charakterystyki Rembrandt, jest idealnie śledzona. Po świątecznych portretach z 1930 roku kolejna interpretacja obrazu pojawia się przed nami; Pełen wysokiej godności i niezwykłej prostoty osoby w headyday sił w portrecie z montażu Wiedeńskiego 1652; Cechy te będą dominujące czas, a także wyraz siły ducha i twórczej mocy (portret 1660).

Ostatecznym w historii portretu Grupy był wizerunek Rembrandt Ellders Sukchikovskiki Sklep - tzw. "Sindics" (1662), gdzie wykup Rembrandt stworzył żywy i jednocześnie różne rodzaje ludzkie, ale co najważniejsze, zarządzane Aby przekazać poczucie Duchowego Unii, wzajemne zrozumienie i relacje ludzi zjednoczyli jedną rzecz i zadania, które nie powiodły się nawet Halsa.

W latach dojrzałości (głównie w latach 50.) Rembrandt stworzył swoje najlepsze trawy. Jako trawienie nie wie, że w sztuce globalnej. Niezwykle komplikuje i wzbogacali technikę trawienia. Do trawienia dodaje sprzęt "Sucha igła", na różnych sposobach farby do druku podczas drukowania, czasami wprowadza zmiany w tablicy po otrzymaniu pierwszych penetracji, dlatego wiele trawień jest znanych w kilku stanach. Ale we wszystkich z nich obrazy mają głębokie znaczenie filozoficzne; Opowiadają tajemnice bycia, o tragedii ludzkiego życia. I jeszcze jedna cecha fiktowców Rembrandt tego okresu: wyrazili współczucie z cierpiącym, w niekorzystnym z nich, niezniszczalne uczucie artysta sprawiedliwości i dobre.

W harmonogramie Rembrandt demokracja jego światopoglądu była w pełni manifestowana ("ślepy tovit", "Usuwanie z krzyża", "pozycja w trumnie", "Cześć pasterzy", "Trzy Krzyż", 1653 i 1660).

Jest zaangażowany na dużo rysunku. Rembrandt pozostawił za 2000 rysunków. Są to etiudy z natury, szkiców do obrazów i przygotowania do trawień. Technicznie genialne, nieskazitelne rysunki Rembrandt demonstrują swoją zwykłą ewolucję: od treningu w szczegółach i złożoności kompozytowej do zdumienia lakonizmu i klasycznie dorywczo majestatycznej prostocie.

Epilog kreatywności Rembrandta można uznać za jego słynny obraz "marnotrawny syna" (około 1668-1669), w którym wysokość etyczna i malownicze umiejętności artysty objawiły się największą kompletnością. Działka biblijnej przypowieści o Syna Błogosławieństwa, po wielu wędrujących, którzy wrócili do domu Ojca, przyciągnęła Rembrandt wcześniej, ponieważ mówią jedno z jego wczesnych trawień i kilka rysunków. W tej grupie, na postaci złamanego młodego człowieka, który upadł na jego jasnych głowach i opanowali ręce na ogolonej głowie - ostateczne napięcia uczuć, duchowego szoku, szczęścia powrotu i zyskującego, bezdennej miłości rodzicielskiej, ale także Gorycz rozczarowania, straty, upokorzenia, wstyd i pokuta. Ta nieludzkość sprawia, że \u200b\u200bscena zrozumiała dla różnych ludzi wszechczasów i mówi jej nieśmiertelność. Szczególnie uderzająca jedność kolorystyczna. Od pomarańczowo-czerwonych tonów tła - to jest cały samotny malowniczy strumień, postrzegany jako wyraz pojedynczego uczucia.

Rembrandt miał ogromny wpływ na sztukę. Nie było w Holandii jego pory malarza, który nie doświadczyłby wpływu wielkiego artysty. Miał wielu uczniów. Nauczyli się, że system oświetlenia Rembrandtsky, ale Rembrandt zrozumienia osoby ludzkiej, naturalnie nie mogła się asymilować. Dlatego niektórzy z nich nie poszli dalej do zewnętrznej naśladowania nauczyciela, a większość go zmieniła, idą na stanowisko akademicdy i naśladując modną do flamis, a potem francuski.

W ostatnim kwartale XVII wieku. Spadek holenderskiej scenicznej szkoły rozpoczyna się, utrata swojej tożsamości narodowej, a od początku XVIII wieku, koniec wielkiej epoki holenderskiego realizmu.

Holandia. XVII wiek. Kraj przeżywa bezprecedensowe kwitnące. Tak zwany "złoty wiek". Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju osiągnęło niezależność od Hiszpanii.

Teraz Simplate Holandia poszedł na drogę. I katolickie Flandria (obecna Belgia) pod skrzydłem Hiszpanii - własna.

W niezależnej Holandii, malarstwo religijne prawie nikt konieczne. Kościół protestancki nie zatwierdził luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność "grał na ręce" malarstwa świeckiego.

Miłość do tego rodzaju sztuki obudziła dosłownie każdego mieszkania nowego kraju. Dutchman chciał zobaczyć swoje życie na zdjęciach. A artyści chętnie chodził, żeby się z nimi spotkać.

Nigdy nigdy nie przedstawił otaczającej rzeczywistości. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najbardziej zwykłe śniadanie obywatela.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem na akademii z jego nimfami i greckimi boginami.

Ci artyści nazywają "małym" holenderskim. Dlaczego? Zdjęcia były małe, ponieważ zostały stworzone dla małych domów. Tak więc prawie wszystkie zdjęcia Jana Vermeera w wysokości nie więcej niż pół metra.

Ale lubię inną wersję więcej. W Holandii w XVII wieku mieszkał i pracował Wielkiego Mistrza, "Duży" Dutchman. I wszyscy inni w porównaniu do niego był "małym".

Oczywiście mówimy o Rembrandte. Od niego i zacznij.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 National London Gallery

Rembrandt był w stanie doświadczyć szerszej gamy emocji podczas jego życia. Dlatego w jego wczesnych dzieła tyle zabawy i braworów. I tak wiele złożonych uczuć - w późniejszym czasie.

Tutaj jest młody i rozczarowany obrazem "Niewidomy syn w tawernie". Na kolanach - ukochana żona Saskovia. Jest popularnym artystą. Zamówienia wlej rzekę.

Rembrandt. Syn marnotrawny w tawernie. 1635 Galeria starych mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie po 10 latach. Sasquia umrze z konsumpcji. Popularność rozpuszcza się jako dym. Wielki dom z unikalną kolekcją zostanie zabrany na długy.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie w wieku. Wielkie uczucia bohaterów. Ich najbardziej intymne myśli.

2. France Hals (1583-1666)

Francja Hals. Autoportret. 1650 Muzeum Metropolitan, Nowy Jork

Francja Hals jest jednym z największych portretów wszech czasów. Dlatego też uważałbym za "duży" holenderski.

W Holandii w tym czasie było zwyczajowe, aby zamówić portrety grupowe. Tak wiele podobnych dzieł pojawiło się z wizerunkiem ludzi pracujących razem: strzały tej samej gildii, lekarzy jednego miasta, zarządzając domem opieki.

W tym gatunku Hals przydzielono przede wszystkim. W końcu większość z tych portretów była jak pokład kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu oglądać. Hals mieli inaczej.

Spójrz na jego grupę portret "strzałkowej gildii św. Jerzy.

Francja Hals. Hild Gildia Strzałki Jerzy. 1627 Muzeum Francji Hals, Garel, Holandia

Tutaj nie znajdziesz jednego powtórzenia w pozycji lub ekspresji twarzy. W tym samym czasie nie ma chaosu. Jest wiele znaków, ale nikt nie wydaje się być zbędny. Ze względu na zaskakująco poprawne umieszczenie liczb.

Tak, a na jednym portrecie Hals przekroczył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z najwyższego społeczeństwa w jego obrazach są pozbawione wymyślonych powiększeń, a model z dna nie wygląda upokorzeni.

A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją się, gestykulując. Jak na przykład, jest to "Cygan" z luźnym wyglądem.

Francja Hals. Cygański. 1625-1630.

Hals, jak Rembrandt, skończył życie w ubóstwie. Z tego samego powodu. Jego realizm przyszedł na gusta klientów. Kto chciał, aby ich wygląd upiększył. Hals nie chodził do szczeliny Frank, a tym samym podpisali zdanie - "zapomnienie".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Autoportret. 1668 Galeria Royal Mauritshais, Haga, Holandia

Terboro był czarnakiem gatunku domowego. Bogaty, a nie bardzo mieszczani powoli rozmawiają, panie czytają listy, a pionier jest ogląda zaloty. Dwa lub trzy ściśle rozmieszczone figury.

To był ten mistrz, który pracował z kanonami gatunku domowego. Który następnie pożyczył Yang Vermeer, Peter de Heh i wiele innych "małych" holenderskich.

Gerard Terboro. Kieliszek lemoniady. 1660.. Stan Hermitage, Petersburg

"Szkło lemoniady" jest jednym ze znanych dzieł Terborch. Może zobaczyć jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz tkaniny ubierania.

Jest Terboro i niezwykła praca. Co mówi o jego pragnieniu wykraczającego poza wymagania klientów.

Jego "szlifierka" pokazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Jesteśmy przyzwyczajeni do widzenia przytulnych dziedzińców i czystych pokoi na zdjęciach "mały" holenderski. Ale Terboro odważył się pokazać brzydkie Holandia.

Gerard Terboro. Szlifierka. 1653-1655. Muzea rządowe Berlin

Jak rozumiesz, takie prace nie były pożądane. I są rzadkim zjawiskiem nawet w Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Artysta warsztaty. 1666-1667. Muzeum Historii Sztuki, Wiedeń

Jak wyglądał Yang Vermeer, nie jest niezawodnie znany. Oczywiste jest tylko, że przedstawił się w obrazie "Warsztaty artysty". Prawda z tyłu.

Dlatego jest zaskakujące, że nowy fakt z życia Mistrza ostatnio znany jest ostatnio. Jest związany z jego arcydziełem "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Muzeum Rządu w Amsterdamie

Okazało się, że dzieciństwo Vermeera przeszedł na tę ulicę. Przedstawiony dom należał do swojej ciotki. Podniosła w nim pięcioro dzieci. Być może znajduje się na progu z szyciem, a dwie dzieci bawią się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawił wewnętrzną sytuację tych domów i ich mieszkańców. Wydaje się, że działki obrazów są bardzo proste. Oto miloidalna dama, zabezpieczona Townoor, sprawdza pracę moich skal.

Jan Vermeer. Kobieta z ciężarami. 1662-1663. National Art Gallery, Waszyngton

Co Vermeer wyróżnił się wśród tysięcy innych "małych" holenderskich?

Był niezrównanym mistrzem światła. W obrazie "Kobieta z ciężarkami" lekko otocza twarz bohaterki, tkaniny i ścian. Dawanie nieznośnej duchowości przedstawionej.

A kompozycje obrazów Vermeer są starannie odzyskane. Nie znajdziesz żadnych nadmiaru szczegółów. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz "kruszy", a magia odejdzie.

Wszystko to zostało przyznane Vermeleu nie jest łatwe. Taka oszałamiająca jakość wymagała żmudnej pracy. Całkowite 2-3 zdjęcia rocznie. W rezultacie niezdolność do karmienia rodziny. Vermeer pracował jako dealer sztuki, sprzedając pracę innych artystów.

5. Peter de Heh (1629-1684)

Peter de heh. Autoportret. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam.

Hoha często w porównaniu z Vermeer. Pracowali w pewnym momencie, nawet był okres, który w jednym mieście. Oraz w jednym gatunku - krajowym. W Hoha widzimy również jedną lub dwie postacie w przytulnych holenderskich dziedzińców lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów wielowarstwowych i zabawnych. A dane liczby są bardzo harmonijnie wpisane w tę przestrzeń. Jak na przykład na jego zdjęciu "Sługa z dziewczyną na dziedzińcu".

Peter de heh. Pokojówka z dziewczyną na dziedzińcu. 1658 London National Gallery

Do XX wieku Hech został wyceniony bardzo wysoko. Ale małe dzieła jego konkurenta Vermeera są nieliczni, którzy zauważyli.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Słowiana Hoha Faming. Jednak jego osiągnięcia w malarstwie trudno nie rozpoznawać. Niewielu, którzy mogliby łączyć otaczające otaczające środowisko i ludzi.

Peter de heh. Gracze na mapie w pokoju słonecznym. 1658 Royal Art Assembly, Londyn

Należy pamiętać, że w skromnym domu na "graczy na mapach" może zawiesić zdjęcie w zakręcie ramki.

To ponownie mówi o tym, jak wśród zwykłego holenderskiego malarstwa był popularny. Obrazy ozdobiono każdy dom: zarówno dom bogatego burgera, jak i skromny obywatel, a nawet chłop.

6. ściany Yang (1626-1679)

Ściany Yang. Autoportret z lutnią. 1670s. Muzeum Tissen-Bornemis, Madryt

Murów Yang, być może najbardziej wesoły "mały" Dutchman. Ale kochający moralność. Często przedstawił tawerny lub biedne domy, w których było imadło.

Jego główni bohaterowie - spacery i panie łatwego zachowania. Chciał zabawiać widza, ale na dużej ostrzegł go z błędnego życia.

Ściany Yang. Kavardak. 1663 Muzeum Historii Sztuki, Wiednia

Jest ściana i cisza praca. Jak na przykład "rano toaleta". Ale tutaj artysta zaskakuje za widz zbyt Frank. Tutaj i ślady z pończochy gumy, a nie pusty nocny garnek. Tak, a w jakiś sposób w jaki sposób pies leży na poduszce.

Ściany Yang. Poranna toaleta. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam.

Ale pomimo całego fryvolizmu, kolorowe rozwiązania ściany są bardzo profesjonalne. W tym, był lepszy od wielu "małych holenderskich". Spójrz na to, ile czerwona pończocha jest idealnie połączona z niebieską kurtką i jasnym beżowym dywanem.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1682)

Portret Raisdale. Litografia z XIX-wiecznej książki.

Podbił zwycięstwo w walce z Hiszpanią za ich niezależność, Burgeois Holland stał się najbardziej rozwiniętym ekonomicznie stanem w Europie Zachodniej. Głównym holenderskim miastem Amsterdamu zdecydował się jako jeden z największych centrów handlowych w Europie.

Wraz z gospodarką rozwija się holenderski obraz. W przeciwieństwie do innych krajów Europy Zachodniej w Holandii, barokowe obrazy pałaców i zamków były popularne - słabość szlachty służyła jako przeszkoda w rozwoju sztuki dekoracyjnej. Kościół Kalwinistyczny Holandii również nie starał się udekorować swoich świątyń przez malowanie.

Niemniej jednak malowanie w Holandii rozkwitło: Artyści otrzymali liczne zamówienia od osób indywidualnych. W obudowie mały obraz może mieć nawet holenderskich chłopów - więc tanio kosztować te kreacje artystów.

W XVII wieku W małej Holandii pracował ponad dwa tysiące artystów. Umieścili produkcję obrazów na strumieniu, wykonane na płótnie z całych stron i przeszły sprzedawców. Prawie każdy kreator wykonany od dwóch do pięciu piosenek.

Często produkcja obrazów wyprzedziła popyt, więc do karmienia, artystów musieli jednocześnie angażować się w inne prace. Taki słynnych mistrzów takich jak Ya. Ściany, M. Gobbehama, Ya. Van Goyen i wiele innych, w tym samym czasie byli pracownicy, ogrodnicy, pojemniki restauracji.

Zwykle malarze specjalizujący się na jednym konkretnym temacie. Na przykład H. Aberkp napisał gatunki zimowe, E. Van Der Poul przedstawia nocne pożary, Terebrzy i Metasy - sceny domowe, P. Clas i V. K. Hedd - Martwa śniadanie.

Bardzo często artyści łącznie pracowali na tym samym obrazku: Jeden pomalował niebo, druga jest trawa i drzewa, trzecia - ludzkie postacie. Najbardziej udane prace, które odnoszą sukcesy wśród społeczeństwa skopiowane i służył jako model do tworzenia niezliczonych opcji.

Chociaż sztuka utalentowanych malarzy i była podporządkowana celom komercyjnym, mistrzowie zazwyczaj udało się uniknąć fałszywych. Większość z tych płótnach wyróżnia się realizmem, uczciwością i jasnością kompozycji, świeżością smaku i doskonałej techniki wydajności.

Szeroka dystrybucja w holenderskim obrazie otrzymała gatunek portretowy. Różne organizacje (społeczeństwo karabinowe, grupy przedstawicieli sklepów korporacji i handlowych), którzy przyczyniły się do pojawienia się grupy portret publicznych, odegrali główną rolę w życiu kraju.

Długoterminowa walka z hiszpańskich kolonizatorów pogorszyła poczucie narodowej samoświadomości, więc w malarstwie, oprócz realizmu, wizerunek charakterystycznych cech krajowych była szczególnie przywitana. Artyści napisali morze i statki, bydło, kwiaty. Oprócz portretu, takie gatunki opracowane jako krajobraz, martwa natura. Był religijny obraz, ale nie miało elementu mistycyzmu; Przedstawione działki biblijne.
Artysta jest bardziej jak sceny krajowe.

Francja Hals.

Francja Hals urodził się około 1581 w Antwerpii w rodzinie herbaty. W młodym wieku przybył do Harlema, gdzie mieszkał prawie do śmierci (w 1616 r. Odwiedził Antwerpię, aw połowy 1630 r. - Amsterdam). O życiu Chalów zna trochę. W 1610 r. Wszedł do Gildii św. Luki, aw 1616 r. - do izby ryturów (amatorskich aktorów).

Bardzo szybko, Hals stały się jednym z najbardziej znanych portretów Harlema. W XV-XVI stuleci. W obrazie Holandii była tradycja piszenia portretów tylko przedstawicieli kręgów rządzących, znanych ludzi i artystów. Sztuka Hals jest głęboko demokratyczna: na jego portretach widzimy arystokrat, bogatego obywatela, rzemieślnika, a nawet osoby z najniższej osoby. Artysta nie próbuje idealizować tych przedstawionych, główną rzeczą dla niego jest ich naturalność i wyjątkowość. Jego Venomazb trzyma się tak stosunkowo, jak przedstawiciele niższych warstw społeczeństwa, które w malakach Khals są przedstawione przez radosnych ludzi, którzy nie są pozbawione poczucia własnej wartości.

Dużym miejscem w pracy malarza jest portretem grupy. Najlepsze dzieła tego gatunku były portrety oficerów firmy karabinowej St. George (1627) i firma karabinowa St. Adriana (1633). Każda postać w obrazach ma jasną indywidualność, a jednocześnie prace te charakteryzują się integralnością.

Hals również napisali na zewnątrz portrety, na których zamożne mieszczania i ich rodziny są publikowane w przypadkowych pozach ("Portret Isaac Massa", 1626; "Portret Hatheysena", 1637). Hals obrazy są żywe i dynamiczne, wydaje się, że ludzie na portretach rozmawiają z niewidzialnym rozmówcem lub obrócić się do widza.

Wyróżniają się przedstawiciele środowiska ludowego na portretach Hals. Na zdjęciach chłopców ulicznych, rybaków, muzyków, odwiedzających Kabakov czuli współczucie i szacunek dla autora. Cudowny jego "Cyganka". Niespodziewanie żywy wydaje się być uśmiechniętą młodą kobietą, której obolały widok jest skierowany do niewidzialnych widzów rozmówcy. Hals nie idealizuje swojego modelu, ale wizerunek wesoła, rozczochrała Cygańska przysmak z jego berkym urokiem.

Bardzo często portrety CHALS obejmują elementy sceny gatunkowej. Są to obrazy dzieci śpiewających lub grających na instrumentach muzycznych ("Singing Boys", 1624-1625). W tym samym duchu, słynny "Mallet Babbe" został spełniony (początek lat 1630), który przedłożony w Kharchevni słynie w Harlem, który odwiedzający ich oczy nazywali się nękającą czarownicą. Artysta prawie groteska przedstawiła kobietę z ogromnym kuflem i sowami na ramieniu.

W 1640 roku. W kraju są oznaki złamania. Tylko kilka dekad minęło po zwycięstwie rewolucji, a burżuazja przestała już być stopniową klasą opartą na demokratycznych tradycjach. Prawdomówność dziedziny malarstwa nie przyciąga już bogatych klientów, którzy chcą zobaczyć siebie na portretach lepiej niż oni są. Ale Hals nie odmówili realizmu, a jego popularność spadła ostro. W malowaniu tego okresu pojawiają się notatki smutku i rozczarowania ("Portret mężczyzny w szerokim piersiach kapeluszu"). Jest surowca i spokojnie staje się jego paletą.

W wieku 84 lat Hals tworzy dwa arcydzieła: portrety grupowe Rewagers (Powiernicy) i schronisko pielęgniarskie (1664). Te ostatnie dzieło holenderskich mistrzów wyróżniają się emocjonalnością i jasną indywidualnią obrazów. Z obrazów czynszów - starych ludzi i starej kobiety - Idzie na smutku i śmierci. To uczucie podkreśla i kolor, wyblakły w kolorze czarnym, szarym i białym.

Hals zginęli w 1666 r. W głębokim ubóstwie. Jego prawdziwy, sztuka potwierdzająca życie miała wielki wpływ na wielu holenderskich artystów.

Rembrandt.

W 1640-160s. Malowanie Holland Martwi się kwitnący. Najważniejszym artystą tego czasu był Rembrandt.

Rembrandt Harmens Van Rhine urodził się w 1606 r. W Leiden. Jego ojciec był trudnym młynkiem. Rodzice marzyli o dobrej edukacji syna i zidentyfikowali go w szkole łacińskiej, po zakończeniu, którego Rembrandt weszła w Leiden University. Ale młody człowiek przyciąga sztukę. Opuścił Uniwersytet i zaczął uczyć się od malarza Yakov Svannenburg. Trzy lata później młody artysta poszedł do Amsterdamu, gdzie zaczął brać lekcje z Petera Lastmana.

W 1624 r. Rembrandt wrócił do Leidena. Tutaj, wraz z malarzem Jan Laven wziął warsztaty. Artysta dużo działa z natury, pisze nie tylko w warsztacie, ale także na ulicy i na bazarze miasta.

Pod koniec 1620 roku. Rembrandt zdobył popularność wśród mieszkańców Leiden. Miał wiele zamówień i pierwszego ucznia - Gerard Dow, który później został raczej znanym malarzem.

Wczesne obrazy Rembrandta charakteryzują się dokładnością kompozycji, bony FIDE wykonania. Jednocześnie charakteryzuje się pewną sztywnością ("męka św. Sebastiana", 1625).

W 1631 r. Rembrandt osiadł w Amsterdamie. Chwała o nim bardzo szybko rozprzestrzeniła się wokół miasta, a zamówienia spadły na malarz. Życie osobiste Rembrandt odniosło sukces: w 1634 roku poślubił Sasquia Wang Eilenburg, dziewczyno z słynnej rodziny burżuazyjnej. Małżeństwo przywiozło artysta znaczący stan, który zapewnił mu kreatywną niezależność i pozwoliło podjąć kolekcję dzieł sztuki i antyków.

Rembrandt cieszył się szczęściem w społeczeństwie jego ukochanej żony, którą przedstawił wiele razy na portretach. Często Saskovia służył jako model i obrazy z najbardziej zróżnicowanymi tematami ("Flora", 1634; "autoportret z Sasquią na kolanach", ok. 1639).

Kreatywność Rembrandta wyróżnia się różnorodnością w tym okresie, pisze historyczne, mitologiczne i religijne kompozycje, portrety, sceny domowe, krajobrazy, martwe życie, obrazy z obrazami zwierząt. Ale głównym obiektem jego uwagi jest osobą. Nie tylko w portretach, ale także w innych dziełach artysta stara się przekazać naturę i wewnętrzny świat swoich bohaterów.

Wspaniały mistrz gatunku portretu, tylko w 1630 roku. Rembrandt wykonał więcej niż sześćdziesiąt zarejestrowanych portretów. Najważniejszą rzeczą dla malarza nie jest podobieństwem zewnętrznym z modelem, a głębokość świata wewnętrznego, siła ruchów duchowych i doświadczeń. Z radością, grupa portret "anatomii lekarza Tulp" (1632) była spełniona przez współczesnych. Artysta przyczynił się do tradycyjnej składu klasycznej grupy portret zmiany, umieszczając figurę, a nie z rzędu, jak zwykle, ale swobodnie. Taka konstrukcja wyraziła wizerunek żywotności i naturalności.

Pod koniec 1630 roku. Rembrandt stał się najbardziej znanym mistrzem w Holandii. W tym okresie, jego arcydzieło należy - słynna "Dana" (1636), której umiejętność egzekucji przekracza wszystko, co zostało stworzone przez współczesnych
artysta. Uderza doskonałości jej kompozycji i bogactwo gamy kolorów ustawionych w złotym odcieniach. Wydaje się, że w tej pracy nie ma zbieży, każdy przedmiot jest starannie przemyślany przez autora. Za pomocą swobodnego i żywych rozmazów mistrz przekazuje lekkość narzutu, fałdy ciężkich zasłon i draperii. Elastyczne tworzywo sztuczne młodej kobiety leżącej na łóżku, delikatnie złote odcienie ciała, oświetlone miękkim światłem. Chociaż nie gówno idealnego piękna, jej obraz podziwia widza z żywym urokiem i świeżością.

W latach 1630. Artysta dużo działa i w trawieniu. Przyciąga się motywy gospodarstwa domowego ("sprzedawca trucizny szczurów", 1632). Elementy zgodzie są nieodłączne i współpracują z motywami biblijnymi ("powrót syna marnotrawnego", 1636). Jedną z najlepszych trawień tego okresu jest "śmierć Maryi" (1639), emocjonalna i czując uczucie głębokiego żalu. Złożoność składu i monumentalna wartość obrazów jest inna i wspaniały produkt "Chrystus, lecznicze pacjenci" (t. N. "Lista w stu gulderiach" - ta nazwa mówi o kosztach pracy).

W 1640 roku. Rembrandt staje się najbardziej znanym i najbardziej wysoce płatnym malarzem Amsterdamem. Zamówiono portrety, kompozycje do pałacu holenderskiego statgaltera w Hadze. Wielu początkujących artystów starają się studiować w warsztacie. Chwała o sztuce Rembrandta wykracza poza granice Holandii. Kilka obrazów słynnego mistrza jest przechowywany w pałacu angielskiego króla Karola I.

Rembrandt talent przejawiający się w realistycznych i ekspresyjnych martwym życiu ("ciężarówka byka") i krajobrazy ("krajobraz z młynem", ok. 1650). Cienki liryzm jest nieodłączny w nieautoryzującym holenderskim krajobrazie, wpływając na widza z niemal namacalną rzeczywistością.

Śmierć jego ukochanej żony w 1642 roku usunęła Rembrandta od szlachetnych krewnych. Artysta przestał komunikować się i ze swoim znajomym z arystokratycznego społeczeństwa. Zmiany w życiu mistrzów znalazły odzwierciedlenie na jego obrazie, który staje się głębszy i skupiony. Jeśli wczesne prace Rembrandta wyróżniają się spokojną i płynną konfiguracją, teraz notatki niepokoju i wątpliwości błagały w jego obrazach. Paleta jest zmieniana, w którym dominują czerwone i złote odcienie.

Żywa ekspresywność wyróżnia się płótnem "Davidem i Jonafanem" (1642, Hermitażu, Petersburga), wykonywane w odcieniach złotych różowych i złotych niebieskich.

Wszystkie te nowe funkcje w malarstwie Prambrandt nie spełniały zrozumienia współczesnych. Niezadowolenie spowodowało dużą monumentalną kompozycję "Nocny zegarek" (1642). Ten tytuł zdjęcia otrzymany w XIX wieku. W rzeczywistości akcja odbywa się nie w nocy, aw ciągu dnia, z światłem słonecznym, co potwierdza naturę cieni.

Z czasem farby zaciemniały, a tylko przywrócenie przeprowadzone w 1946-1947, pokazały, że gama kolorów tej pracy była tak lżejsza.

Zdjęcie przedstawia strzałki firmy Kapitan Banning Coca. Klient spodziewa się zobaczyć tradycyjny portret parady (scena uczty lub reprezentacji przez dowódcę widza swoich podwładnych). Rembrandt również stworzony
Płótno poico-historyczne przedstawiające wydajność strzelanek na rozkaz kapitana. Znaki są podekscytowane i dynamiczne; Dowódca daje zamówienia, banamery podnosi baner, perkusista bije w bębnie, strzałki ładująca bronią. Nie jest jasne, że mała dziewczynka z kogutem w pasek pędzi.

W tych latach Hendencine Stalfffels pojawia się w życiu Rembrandta, najpierw pokojówka, a potem żona, która stała się wierną dziewczyną i asystentem. Artysta wciąż dużo pracuje. Stwarza słynną "Świętą rodzinę" (1645), w której temat religijny jest interpretowany jako gatunek. Wraz z biblijnymi kompozycjami malarz wykonuje realistyczne krajobrazy z wizerunkami wsi ("Widok zimy", 1646). Jego portrety tego okresu wyróżniają się pragnieniem pokazywania poszczególnych cech modeli.

W 1650 roku. Liczba zamówień jest znacznie zmniejszona. Rembrandt przeżywa duże trudności materialne. Twarze pełną ruinę, ponieważ dług jest nadal nie zapłacony, związany z zakupem domu podczas pierwszej żony Saskowie. W 1656 r. Artysta został ogłoszony niewypłacalny, a jego zbiór dzieł sztuki i wszystkie nieruchomości zostały wyprzedane z aukcją. Rodzina Rembrandt musiało przenieść się do słabej dzielnicy Amsterdamu.

Pomimo wszystkich przeciwnościach talent Wielkiego malarza nie wysycha. Ale teraz kryterium jego umiejętności jest zupełnie inna. W późniejszych dziełach Rembrandt pojawiają się kolorowe uderzenia ostro na powierzchni płótna. Teraz kolory w jego obrazach są nie tylko do przeniesienia wyglądu bohaterów i wizerunku wnętrza - jest to kolor zabiera obciążenie pracą semantyczną pracy. Tak więc uczucie napiętego dramatu na zdjęciu "Assore, Aman i Esphyr" (1660) jest tworzony za pomocą złożonego tonalnego gamma i specjalnych efektów świetlnych.

Zmniejszone zamówienia żyjące w głębokim ubóstwie, Rembrandt nigdy nie przestaje pisać. Tworzy ekspresyjne i duchowe portrety, modele, dla których krewni i przyjaciele służą ("portret żony brata artysty", 1654; "portret starego człowieka w czerwonym", 1652-1654; "portret syna tytu do czytania ", 1657;" Portret Hendrikier Stalffels Windows ", ok. 1659).

Syn Titusa, który w końcu otrzymał warunek swojej zmarłej matki, próbuje chronić ojca przed materialnych niestabroniarzy i stworzyć go warunki dla cichej pracy. Ale nieszczęścia nadal realizują artystę: w 1663 roku umiera z Hendrikem, a po kilku latach podążył za Timusem.

Jest w tym tragicznym czasie, gdy stary samotny artysta tworzy swoje arcydzieła, charakteryzujące się monumentalną i duchowością (David i Uriah, 1665-1666; "Powrót syna marnotrawnego", ok. 1668-1669).

Rembrandt zmarł w 1669 roku, wszystkie zapomniane. Tylko w XVIII wieku. Jego sztuka została ostatecznie zrozumiała i doceniona.

W 1640-160s. Wiodący w holenderskim malarstwie był gatunkiem domowym. Zdjęcia przedstawiające najczęstsze chwile rzeczywistości, niezwykle poetyckie i liryczne. Głównym obiektem uwagi malarzy jest człowiek i świat wokół niego. Większość kompozycji gatunków wyróżnia się spokojną narracją i brakiem dramatu. Opowiadają o domowej opieki nad gospodynią domową (kupowanie przepisów, opieki nad dziećmi, zajęcia rękodzieła), o rozrywce holenderskiego burgera (gra kart, przyjęcie gości, koncerty). Artyści przedstawiają wszystko, co dzieje się w domu bogatego obywatela, omijać publiczną stronę ludzkiego życia.

Genwizół używali bardzo popularności: Dow, którego obrazy zostały sprzedane w bardzo wysokiej cenie, A. Wang Odete, pisząc sceny życia chłopskiego ("koncert wiejski"), Ya. Ściany, ulubione tematy były scenami zabawy i święta ("Merry Society"), G. Terbor, którego wdzięczny obraz reprezentował życie bogatej rodziny mieszczańskiej ("szklankę Lemonady"), Metsu z jego narracją częstotliwością ("Chore dziecko"), P. de Hookh, stworzył kontemplację Lyrical Canvasy ("Mistress and Maid").

Aby rozszerzyć ramy gatunku domowego poszukiwanego K. Fabrichiusa, który żył krótkimi życiem (zmarł w Delft w eksplozji magazynu proszku). Jednym z jego najlepszych prac jest "zmartwychwstanie Lazarusa" (ok. 1643), wyróżniające się dramatem i niemal monumentalnym zakresem. Jego portrety i autoportrety, umieszczając artystę w jednym rzędzie z F. Khals i Rembrandt.

Los E. De Fabrichius, utalentowany mistrz sceny gospodarstwa domowego i współpracuje z wizerunkiem wnętrz kościelnych ("Rynek w Porto", "Wnętrze z kobietą w Clavsin"). Artysta nie starał się oddać gustów publicznych burżuazyjnych, więc jego prace, które nie miały sukcesu w współczesnych, były sprzedawane dla groszeń. Często Fabrichius został zmuszony dać im na długie właścicielom właścicieli. W zimie w nocy, 1692, siedemdziesiątoletni artysta, który został wybrany przez właściciela domu, powieszony na poręczy mostu. Taki los był charakterystyczny dla wielu holenderskich malarzy, którzy nie chcą porzucić realistycznych tradycji na rzecz społeczeństwa.

Jan Vermer Delftsky.

Jasnym przedstawicielem malarstwa holenderskiego gatunku jest Yang Vermer, zwany w miejscu urodzenia i działalności Delftsky. Malarz urodził się w 1623 r. W rodzinie malaków handlowych i jedwabiu. Niewiele wiadomo o życiu wersecznika. Być może jego nauczycielem był K. Fabrichius. W 1653 r. Artysta stał członkiem Gildii św. Luki i poślubiła córkę bogatego obywatela Katerina Kozalusa. W Delft cieszył się szacunkiem i chwałą, żył w dużym domu położony na rynku.

Vermer pracował nad swoimi obrazami bardzo powoli i dokładnie, starannie pisząc każdy szczegół. Malarstwo nie mogło zapewnić rodzinie artysty bezdusznej egzystencji, chociaż jego płótno i cieszył się wielkim sukcesem. Prawdopodobnie, dlatego Vermer i zaczął handlować z obrazami, kontynuując przypadek ojca.

Już w pierwszych dziełach wersecznika, połączenie realizmu i niektóre udział w idealizacji obrazów ("Diana z Nimfy", pojawiają się "Chrystusa i Mary" - zarówno przed 1656 r. Poniższa praca jest dużą spalającą tkaniną "Sumani" (1656), napisane na działce używanej przez wielu malarzy, wyróżnia się oryginalnością wykonania. Zwykła scena gospodarstwa domowego przez artystę nabywa niemal monumentalne znaczenie. Obraz wyróżnia się między innymi pracami z podobnymi przedmiotami z pogrubionym smakiem, wyblakły w czystych kolorach żółtych, czerwonych, czarno-białych kolorach i jasnych ekspresyjnych obrazach.

W przyszłości Vermer odwołał się do tradycyjnego dla holenderskich kompozycji komory malarskiej. Podobnie jak inne holenderskie mistrzowie, przedstawia wydarzenia odbywające się w bogatych domach Burgome. Ulubionym obrazem artysty to dziewczyna czytająca zaletę literową lub dopasowującą naszyjniki. Jego płótno reprezentuje niepłodność krajowe sceny: pokojówka daje jego kochankę, kawalier przynosi damę kieliszek wina. Ale te zdjęcia, proste na kompozycji, są uderzane przez całość, harmonia i liryzm, ich obrazy przyciągają naturę i odprężającą poezję.

W drugiej połowie 1650 roku. Artysta stworzył najwspanialsze prace. Ciepłe uczucie znalazło głęboko liryczne "śpiące dziewczyno", "kieliszek wina", "Dziewczyna z listem". Wielu holenderskich malarzy tego czasu w ich obrazach zostało przedstawione przez pracę sług, ale tylko Vermer, wizerunek kobiety z ludu ma cechy prawdziwej piękności i wielkości ("Maulus z dzbankiem mleka").

Vermer jest prawdziwym wirtuozem w przeniesieniu istoty świata rzeczy za pomocą funduszy funduszy. Wciąż życie są wypełnione wielką umiejętnością w jego obrazach. Zaskakująco piękne i naturalnie wygląda jak naczynie z jabłkami i śliwkami, stojąc na wzorzystym tablelloth stole w płótnie "Dziewczyna z listem".

W obrazie "Maulus z dzbankiem mleka" podziwia jego świeżość chleb i mleko, gruby strumień dzbanka.

Lekkie odgrywa dużą rolę w dziełach Verm. Wypełnia przestrzeń płótna, tworząc wrażenie niezwykłego bezpodstawnego; Modele tworzą i przenikają w farbie, zmuszając ich do blasku od wewnątrz. Wynika to z takiej liczby światła i powietrza powstaje specjalna emocjonalna atrakcja większości prac.

Wspaniały mistrzostwo malarza objawił się w malarstwie krajobrazowym. Niewielki róg miasta osłonięty mokrą atmosferą pochmurnego dnia jest odtwarzany przezroczysty i prosty na kompozycji "oleju" (ok. 1658). Czyste i świeże wydaje się, że miasto na zdjęciu "Widok Delft" (między 1658 a 1660). Poprzez delikatne srebrzyste chmury sprawiają, że promienie słońca, tworząc wiele jasnych atrakcji na powierzchni wody. Sonny smak z subtelnymi przejściami kolorów daje ekspresyjność obrazu i harmonię.

W 1660 roku Obraz wieca staje się bardziej wyrafinowany i elegancki. Paleta jest również zmieniająca się, w którym są obecnie zdominowane przez zimne kolorowe odcienie ("Dziewczyna z Pearl"). Głównymi bohaterami wstęgi stają się otoczone bogatymi damami i kawalerem ("List miłosny", ok. 1670).

Jan Vermer Delftsky. Pokojówka z dzbankiem mleka. Między 1657 a 1660 rokiem.
Jan Vermer Delftsky. Warsztaty malarza. DOBRZE. 1665.

W ostatnim okresie życia wersecznika staje się powierzchowna i nieco wymyślona ("alegoria wiary"), a paleta traci nasycenie i soniczność. Ale w tych latach indywidualne dzieła artysty uderzają w dawną siłę ekspresyjną. Takie jest jego "warsztat malarzowy" (1665), w którym Vermer przedstawił się w pracy, a obrazy astronoma i geograf, który zdobyli naukowców.

Los Verser, podobnie jak wielu innych holenderskich mistrzów, jest tragiczna. Pod koniec życia bolesny artysta, który stracił większość poprzednich klientów, został zmuszony do transportu swojej wielkiej rodziny ze starego domu w tańszym domu. W ciągu ostatnich pięciu lat nie napisał jednego zdjęcia. Malarz zmarł w 1675 roku. Jego sztuka została zapomniana przez długi czas i tylko w środku XIX wieku. Vermer został doceniony i umieszczony w jednym rzędzie z takimi holenderskimi mistrzami jak Rembrandt i F. Hals.

XVII wiek był w Europie "Złoty wiek malarstwa". We Włoszech, Holandii, Flandrii, Hiszpanii i we Francji są znaczące szkoły artystyczne. Wśród nich sztuka Holandii zajmuje specjalne miejsce. Siedem prowincji Northern Holandia, zjednoczenie wokół największych z nich, Holland, wygrał Hiszpanów. Historyczne losy tych ziem były określone po zakończeniu Utrecht Unia w 1579 r., Które dało organowi ustawodawczym państwom ogólnym, zadeklarowaną przemoc, zapewnił specjalne warunki polityczne i gospodarcze do bogatych prowincji Holandii i Zelandii. Zostały one one złożone fundamenty Republiki Propercyjnej, która otrzymała status państwa w 1609 r. Po zakończeniu rozejmu z Hiszpanią.

Połączone prowincje stały się pierwszym na świecie przez państwo burżuazyjne, moc personelu była nominalna, przedstawiciele pomarańczowego domu byli przede wszystkim dowódcą. Ich dziedziniec w Hadze nie został wyróżniony specjalną pompą i nie miało zauważalnego wpływu na rozwój kultury w kraju. Zasada w Holland Burgertism jest przedsiębiorczym, obliczającym, praktycznym. Inwestuje handel kapitałowy i stocznia, połknął drogę do odległego krajów Azji i Ameryki i założył tam kolonię. "Ta garstka ludzi" napisała szef Royal Rady Francji, Kardynała Richelieu, który posiada ziemię, składającą się z wód i Grazerów, dostarcza europejskie narody większość potrzebujących towarów ".

Kalwinizm stał się dominującą religią w kraju, najbardziej radykalny kierunek ruchu reformacji stuleci XVI-XVII. Kościół kalwinistyczny był znakiem "republikańskim". Jego głównymi cechami była doktryna absolutnej predestynacji, przeprosin przedsiębiorczości i sukcesu zawodowego, wymóg światowego ascetyzmu - obliczania burżuazyjnych opartych. Względna robaczę W początkowym okresie Republiki Republiki stworzyła korzystną atmosferę w zakresie kreatywności naukowej i filozoficznej. Kraj stał się sławny ze swoich przyrodników, przedstawił słynnych prawników i historyków. Słynny filozof Rene Descartes został wyemigrowany z Francji, opracowano materialistyczne widoki Spinezy. Najbardziej skromnym był wkład Holandii do literatury europejskiej, nie było tu dużych architektów i rzeźbiarzy. Główny postęp wypadł przez malarzy małego kraju północnego. Stworzyła jasną krajową malowniczą szkołę, która jest jego tematami, malowniczy sposób, ideologiczne aspiracje były specjalnym rozdziałem w dziedzinie sztuki XVII wieku, pozostawił niezatarty znacznik w świecie kultury artystycznej.

Kościół holenderski wyrzucił wspaniały kult z jego świątyń, które nie miały świętych obrazów, kościoły katolickie były niewiele. Dzieła sztuki były przeznaczone głównie do publicznych budynków świeckich i prywatnych obudowy, ich poddanych, choć odzwierciedlenie moralności protestanckiej, miała świecki charakter. Zdjęcia na działkach biblijnych i antyków były postrzegane jako historyczne. Prawdziwe powołanie holenderskich artystów stało się szklanym obrazem. Artyści byli dużo. Rzadko napisali na zamówienie, większość obrazów została sprzedana na rynkach. "Targi w Rotterdam", powiedział, że angielski podróżnik XVII wieku, - został przeładowany obrazami (zwłaszcza krajobrazami i scenami gatunkowymi) ... Wszystkie domy utknęły z obrazami, a holenderski sprzedał je dużym locherem. "

Do 20 lat XVII wieku zakończono głównie formację gatunków malarstwa holenderskiego. Specjalizacja artystów gatunków jest charakterystyczna dla Holandii. Na początku XVII wieku gatunek portret był najpopularniejszy w Holandii, krajowy temat brzmiał szeroko w holenderskim krajobrazie, w 1630 roku był też gatunek chłopski. Jednym z najbardziej charakterystycznych gatunków holenderskiego malarstwa było wciąż życie. W środku XVII wieku pozycja dominująca w malarstwa holenderskiego wziął gatunek gospodarstwa domowego.

Dodanie holenderskiej sztuki wystąpiło w kilku ośrodkach, które, rywalizując ze sobą, w różnych czasach, zerwały do \u200b\u200bprzodu, wycofali się, na początku był Harlem, od lat trzydziestych, po przeniesieniu tam Rembrandt, zaczął zdobywać swoją wiodącą pozycję Amsterdam , a następnie uniwersytecki Leiden i spokojny arystokratyczny deft. Mansion była Haga, gdzie dziedzińca Tatganger był.

Pokaż pełny tekst

Złoty wiek holenderskiego malarstwa jest jednym z najwybitniejszych epok w historii całego świata. Rozważa się, że złoty wiek holenderskiego obrazu XVII wieku. W tej chwili najbardziej utalentowani artystów i malarzy opracowali ich nieśmiertelne prace. Ich obrazy są nadal uważane za niezurportowane arcydzieła, które są przechowywane w słynnych muzeach świata i są uważane za nieocenione dziedzictwo.

Na początku 17. wiek W Holandii rozkwitł całkiem prymitywna sztuka, która została uzasadniona przez stałe gusta i preferencje bogatych i potężnych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych, holenderski sztuka ostro zmieniła się ostro. Jeśli przedtem, artyści próbowali oddawać się holenderskimi burszendami, przedstawiającymi ich życie i życie, pozbawiony dowolnego języka wysokiego i poetyckiego, a także pracował dla Kościoła, który zamówił artystów dość prymitywnego gatunku z długotrwałymi działkami, Początek XVII wieku stał się prawdziwym przełomem. W Holandii dominacja protestantów panował, którzy praktycznie przestali zamawiać obrazy artystów na temat religijnych. Holandia stała się niezależna od Hiszpanii i auto potwierdzona w Generalist Fiuum. Artyści z ich zwykłego wcześniejszego wcześniej przeniósł się do wizerunku scen domowych, portretów, krajobrazów, wciąż trwania i tak dalej. Tutaj, w nowym dziedzinie artystów Złotego Wieku wydawali się nowym oddychaniem, a prawdziwy geniusz sztuki zaczął się pojawiać.

Holenderscy artystów XVII wieku wprowadzili realizm w malarstwie. Oszałamiający się składnik, zgodnie z realizmem, w głębokości i niezwykłych obrazach zaczęły cieszyć się kolosalnym sukcesem. Zapotrzebowanie na malowanie dramatycznie wzrosło. W rezultacie zaczęli pojawiać się coraz więcej nowych artystów, co zaskakujące szybko opracowały fundamenty malarstwa, opracowały nowe techniki, style i gatunki. Niektórzy z najbardziej znanych artystów Złotego wieku byli :, Jan Vermeer, Cornelis Cornef, Mattias Stom, Peter Bruegel Senior, Esayas van de Velda, Francja Hals, Andrian Bruver, Cornelis de Man, Antonis Wang Dyk i wielu innych.

Zdjęcia holenderskich malarzy

Cornelis de Man - Manufaktury do przetwarzania tłuszczu wielorybów

Cornelis Koszt - zabawa w parku

Lyudold Bucheizen - Dock OST-Indie Kampania w Amsterdamie

Peter Breygel Senior - Alchemist Catastrophe