Wystawił sztukę polskiego dramatopisarza Elżbieta Chovanets Gardenia to historia czterech pokoleń kobiet z tej samej polskiej rodziny. Spektakl obejmuje okres od początku II wojny światowej do współczesności, skupia się jednak nie tyle na wydarzeniach historycznych, ile na osobistych losach bohaterek granych przez m.in.

Nacisk na to, co osobiste, kładzie się w prologu, kiedy kwartet aktorek siada przed widzem i zaczyna przywoływać historie z dzieciństwa. W każdym wzruszającym wspomnieniu pojawia się na swój sposób (najczęściej surowa) matka; tylko Mirel ma sprawę z ojcem i postanawia mu nie mówić. Następnie aktorki rozstawione są po sali scenicznej: mikrofon, stół pod wiszącą lampą, pianino, ekran na ścianie.

W spektaklu mężczyźni są także postaciami spoza sceny - duchami ze wspomnień, do których skręcają monologi Kobieta I, Kobieta II, Kobieta III i Kobieta IV. Z kolei podchodzą do mikrofonu i powtarzają trudne biografie, które następują po sobie. Twarz aktorki jest emitowana na ekranie, gdzie pojawia się w czerni i bieli, jak w kronice; niektóre sceny są odtwarzane jako wizualne, obszerne ilustracje (Ursulak i Lebiediewa mistrzowsko przedstawiają kłótnię między matką a córką w pociągu przy stole).

Podobnie trzy lata temu Serzin wystawił sztukę” SASHBASH. Swierdłowsk - Leningrad i z powrotem”, co przyniosło mu nominację do Złotej Maski. Tam biografia rockmana i poety była dziwnie pomieszana. Aleksandra Bashlacheva, historia klubu rockowego Ural, wspomnienia ze spotkań studenckich i życia starszych obywateli. Gardenie zajmują się także dziedzicznością, przestrzenią osobistą i przede wszystkim pamięcią.

Rozmarzona Urszulak wyszła za mąż na krótko przed wojną, jej mąż poszedł do polskiego ruchu oporu, pomogła mu, urodziła dziecko, po podróży tęsknili za sobą - i założył nową rodzinę. Ich córka (ukrywająca oczy pod czerwoną czapką Lebiediewa) dorasta w przeciwieństwie do matki: surowa, opanowana, pewna siebie i pogardzająca alkoholem (bohaterka Ursulak zaczyna w końcu pić). Jej córka (Elmira Mirel) również dorasta w konflikcie z matką - i wiele przejmuje od babci: kocha, gra na pianinie i nie rozstaje się z butelką. Jej córka (Reva-Ryadinskaya) jest już cichą i nowoczesną dziewczyną, która nie śpieszy się do ślubu i dzieli obowiązki domowe z mężem. Nie tylko wzory postaci, podobne, a jednak różne, jak kwiaty gardenii, jak geny, ale cień tradycji nawiedza rodzinę. W finale cztery pokolenia znajdują się przy tym samym stole i zaczynają awanturować się o ślub najmłodszej kobiety, która nawet o tym nie pomyślała.

Gardenias zbudowane są na odporności na korzenie i idei, że prędzej czy później tradycje i tak będą miały swoje żniwo. I w tej sprzeczności spektakl Serzina bardzo celnie i uczciwie zachowuje nerw nie tylko osobistych tragedii, ale także słodko-kwaśnych relacji rodzinnych.

W połowie zeszłego lata Teatr. Puszkin zapowiedział laboratorium dla reżyserów, którzy mieli składać szkice przedstawień kameralnych dla oddziału teatru. Wśród wymagań - liczba postaci to nie więcej niż osiem i, jeśli to możliwe, gotowy casting z trupy teatralnej. Pierwszym przedstawieniem, które weszło do repertuaru na zakończenie laboratorium, była Gardenia Elżbiety Chowaniec w inscenizacji Siemiona Serzina.

W rzędzie siedzą cztery kobiety: arystokratka z przeszłości z lokami i lisim boa na ramionach (Alexandra Ursulyak), pół-chłopak z zaczesaną krótką fryzurą i metalem w oczach (Anastasia Lebedeva), rudowłosa buntowniczka w tutu i skórzanej kurtce (Elmira Mirel), intelektualistka biurowa w modnych spodniach siedem ósmych (Natalya Reva-Ryadinskaya). Z kolei wspominają: jak moja mama poszła na spotkanie rodziców i dowiedziała się, że jej córka w ogóle nie radzi sobie dobrze, jak jej matka radziła bić grzesznych chuliganów ze szkoły, jak jej mama i babcia dowiedziały się, że jej córka jest nagle spodziewał się dziecka w wieku 22 lat i zabrał ją do kliniki przedporodowej ... W tej chwili sala, która wydaje się być tak zmęczona, najwyraźniej prawdziwymi wspomnieniami aktorek (a kto nie ma takich historii ?), jest prawie wzruszona - ostatnią historię opowiada Ursulyak, która niedawno urodziła (aktorka zagrała pierwsze występy zauważalne w pozycji). W tym momencie rozpoczyna się przejście od niefikcyjnego prologu do tekstu młodej polskiej dramatopisarki Elżbiety Chovanets. Jej sztuka „Gardenia” z jednej strony jest dość typową próbą uporządkowania wszystkiego, co dobre i złe, jakie ma dla ciebie słowo „matka”. Z kolei Gardenia, nazwana tak od kwiatu z tradycyjnych bukietów ślubnych, jak przystało na współczesną polską sztukę, zajmuje się kwestiami tożsamości narodowej i za pomocą historii jednej rodziny zastanawia się nad dziejami kraju – od II wojna światowa do chwili obecnej.

Młody petersburski reżyser, absolwent Veniamina Filshtinsky'ego, Siemion Serzin, wystawia w tej sztuce spektakl o niezwykłej prostocie i dokładności, w którym każda rola okazuje się korzyścią w najlepszym tego słowa znaczeniu i daje okazję do podjęcia świeże spojrzenie na aktorki zespołu. Minimalistyczna sceneria, solo mikrofony z kamerą transmitującą portret aktorki na plecach – reżyser skupia się na różnicy bohaterek i daje aktorkom możliwość odwrócenia się w tej różnicy.

Ursulyak gra prababkę, samotną kobietę (w Khovanec bohaterki są po prostu policzone). Przygarnięty przez żydowskie małżeństwo, poślubił przystojnego polskiego oficera i urodził oficera niemieckiego. Straciwszy oboje rodziców, męża i, jak się wydaje, siebie samą, wychowuje swoją niekochaną córkę i zostaje nałogowym pijakiem – bardzo arystokratycznie. Kobieta jedna Ursulak jest dokładnym przeciwieństwem występów Jurija Butusowa, które gloryfikowały aktorkę. Tutaj aktorka jest ucieleśnieniem miękkości, delikatności i wdzięku, doprawionego luką ironii.

Jej córka, kobieta dwie, jest żelaznym żołnierzem. W Lebedevie, który gra nędznie pracowitego robotnika jako praktycznie ucieleśnienie idealnego Aryjczyka, nie sposób rozpoznać dziewczyny z zakrwawionymi nogami z Dobrego człowieka z Sezuanu. Kobieta druga to ucieleśnienie szarej powojennej Polski, w której trzeba przetrwać.

Elmira Mirel, trzyletnia kobieta, jest albo punkową, albo hipisowską nieformalną dziewczyną, pijącą i hulająca za pieniądze zarobione przez swoją skąpą matkę, Polskę w chwili zmiany. A jej czteroletnia córka (Reva-Ryadinskaya) jest ucieleśnieniem dzisiejszego zjednoczonego świata, w którym medytują o przebaczeniu rodziców, kupują mieszkania w nowych miejscach i pracują w dużych firmach.

Nie ma sensu konkretnie i szczegółowo udowadniać, że kobieta, ze względu na ekskluzywność swojej natury i swojego przeznaczenia, reaguje ostrzej i dokładniej na to, co dzieje się z nią samą, jej bliskimi, w społeczeństwie, w którym ona i jej bliscy relacja na żywo. Jest więc oczywiste, że u podstaw literatury i sztuki z reguły losy kobiet ujawniają się przede wszystkim w ich specyfice, tragedii, ekscentryczności i rezonansie, jaki kojarzy się czytelnikowi, widzowi z historią objawiła mu się konkretna kobieta, która odsłania dzieło sztuki. To rodzaj kamertonu życia społecznego, coś, co w zebranej, czasem surowej i tragicznej formie, oddaje dany czas i jego specyfikę w porównaniu z tym, co było przed i po.

Dlatego historie rodzinne są tak pouczające. Zwłaszcza, gdy tylko kobieta staje się ich centrum. Zwłaszcza i przede wszystkim właśnie wtedy, gdy same kobiety na obrazach swoich bohaterek opowiadają o tym, co może poruszyć zarówno duszę, jak i serce publiczności. Na przykład tak, jak stało się ze sztuką „Gardenia” polskiej pisarki Elżbiety Chovanets (tekst rosyjski Iriny Adelheim).

Wycieczki transferowe

2. Żyj jak człowiek

Spektakl „Gardenia” wystawiany jest w Moskiewskim Teatrze im. Puszkina już po raz dziesiąty (jej premiera odbyła się na początku maja 2017 r.). Ale gra się tak, jakbyś był obecny na pokazie premierowym: łatwy, nieskrępowany, prosty i, jak się wydaje, prawie bezartystyczny. Niesamowita teatralność koegzystencji w kameralnej w każdym sensie przestrzeni Małej Sceny Teatru Stołecznego jest tak organicznie i poufnie zaprezentowana widzom, że zauważając, odbierasz to jako rzecz oczywistą dla opowieści o życiu cztery pokolenia kobiet z jednej polskiej rodziny - od okresu przedwojennego do prawie współczesności (na białym ekranie tła pojawiają się daty, które niczym rozdziały prozy rozpoczynają opowieść o losach jej bohaterów w dziesięcioleciach, a ostatnią liczbą był rok 2007, ale jasne jest, że opowieść o tym, jak radzą sobie ze swoimi nieszczęściami, z kłopotami domowymi i codziennymi, te panie, wyraźnie nie kończy się na tym terminie.)

Wszystko zaczyna się szczęśliwie. Kobieta 1 (Alexandra Ursulyak, grająca babcię) wspomina, co poprzedzało jej małżeństwo z oficerem. A kobieta 4, jej prawnuczka w wykonaniu Natalii Reva-Ryadinskaya, mówi, że pomimo wszystkich wzlotów i upadków kłopotów i trudności, rozczarowań i strat, wszystko w jej życiu układa się dobrze. Ma doskonałe wykształcenie, dobrą pracę, jest zadowolona z życia, bo ma też przyjaciela. Dopiero teraz nie śpieszy mu się ożenić, chociaż kobieta 4 jest w ciąży. I, jak się okazuje, czeka na dziewczynę, to znaczy kobieca historia będzie kontynuowana w następnym pokoleniu, wchłaniając w swoją dziedziczność i pamięć duchową wszystko, co przydarzyło się jej babci, jej córce (Anastasia Lebedeva, grająca kobietę 2), jej córka (Elmira Mirel , grająca rolę Kobiety 3). Wszystko, czego doświadczyli przedstawiciele czterech pokoleń jednej rodziny, stanie się teraźniejszością i przyszłością tej, która jeszcze się nie narodziła. Pomimo tego, że już jej narodziny poprzedza jakaś fatalna predestynacja – nie wiadomo przecież, jej ojciec chce być takim oficjalnie i faktycznie.

W tym miejscu należy wyjaśnić, że kobiety, jak opisała je Elżbieta Chovanets i reżyser Siemion Serzin, który otworzył na uwagę widzów, mają fatalne, można by rzec, pecha. A raczej nie potrafili powstrzymać własnego szczęścia.

Moja babcia chciała wyjść za polskiego oficera, ale wychowała się w biednej rodzinie. Sąsiedzi żydowscy pomogli jej w zorganizowaniu ślubu, ale nie trwało to zbyt długo - jej szczęśliwe małżeństwo. Naziści przybyli do Polski i oczywiście do rodzinnego miasta Babuszki, Krakowa. Potencjalny mąż babci został pracownikiem podziemia, a ona wykonywała określone zadania, które kiedyś prowadziły do ​​zajścia w ciążę u esesmana.

A charakter jej charakteru, a także miłość do pięknego życia, a potem – na skutek jej lub rozstania z mężem – z powodu alkoholizmu, doprowadziły do ​​jej dalszej samotności. Co wcale nie rozjaśniało obecności bliskiej osoby w pobliżu (zresztą babcia nie kochała własnej córki tak bardzo, że nie tylko od młodości narzucała dorosłe troski o dom ostrymi represjami za zaniedbanie obowiązków, ale także traktowała nienawiść do niej, albo dlatego, że widziała w niej ciągły wyrzut za frywolne zachowanie w młodości, albo dlatego, że urodziła ją z mężczyzny, którego nie mogła kochać, a który był wrogiem, nieludzkim).

Muszę powiedzieć, że córka odpowiedziała jej wrogością. Ale będąc poważną, praktyczną i niezależną ponad swoje lata, wcześnie wyszła za mąż za tego, który przyszedł pod rękę. Niewiele zaznała radości z życia rodzinnego, ale urodziła córkę. Mąż jednak był cały czas chory i nie przynosił specjalnie pieniędzy do domu, chociaż jakoś próbował pracować. Tak więc córka babci musiała się nią opiekować, a jej mąż i córka, sto lat, sprawiły, że stała się bardziej zła, bardziej asertywna i pewna swojej stałej osobistej słuszności.

Urodziła także córkę, którą starała się ściśle wychować. I wszystko byłoby dobrze, gdyby nie wpływ babci, która czasami zostawała z nią, gdy mama musiała iść w interesach. (Jakie to było wychowanie, można ocenić po scenie, w której babcia uczy wnuczkę gry w karty, oczywiście, bije ją, zabiera odłożone pieniądze, a następnie pije je w obecności znajomych i nieznajomych.)

Naturalnie jej córka traktowała swoją babcię z ostrością niekochanej osoby. A ponieważ wszystko w domu i nie tylko było na niej, na tej, którą sama urodziła, nie zostało jej ani czasu, ani energii. W końcu skorzystała z lekcji babci (w odwrotnym sensie): pieniądze, które zaoszczędziła - tysiąc złotych, a to, co matka zaoszczędziła na przeprowadzkę do innego mieszkania, zapłaciła młodemu mężczyźnie, żeby się z nią przespał. W odpowiednim czasie ponownie urodziła córkę, nie zwracając uwagi na męża, spędzając czas na imprezach i pijatykach. Ale wnuczka babci, niespodziewanie dla wszystkich lub na przekór wszystkim i wszystkim - ludziom i okolicznościom - wyrosła na całkiem przyzwoitą, odpowiedzialną i myślącą o przyszłości współczesną dziewczynę. Tak, wszystko byłoby dobrze, tylko znowu okazuje się, że coś nie idzie dobrze z małżeństwem. Nie działa tak jak ludzie - z ceremonią w kościele, słowami księdza, z gałązkami gardenii (roślina, która symbolicznie nadała nazwę przedstawieniu - będąc, w tym dekoracyjną, wymaga bardzo starannej pielęgnacji, co można porównać do tego, jak mężczyźni odnosili się do kobiet, które dosłownie mówiły wspomnieniami o tym, jakie było ich niezbyt szczęśliwe życie do tej pory).

Ale i tak prawnuczka przedostała się do ludzi. I prawdopodobnie jest to cecha rodzinna - mimo wszystko, aby poradzić sobie z trudnościami, zawsze walcz z problemami i polegaj tylko na własnych siłach, aby żyć nie gorzej niż inni.

A to pod warunkiem, że każda z czterech kobiet - z charakterem. Babcia z charyzmą świeckiej damy, a wszystko to w poczuciu wakacji i ewentualnej radości w codziennym życiu na miarę swoich sił i środków. Jej córka jest stanowcza, nieugięta, z zasadami i pewnością siebie. Jej córka, jak babcia z pewną frywolnością, ale też elegancją, praktycznością w matce. I tak samo nieostrożny jak moja babcia. A najmłodsza jest zdyscyplinowaną, samodoskonaloną w europejsko-amerykańskim znaczeniu tego słowa, ale nie pozbawioną romantyzmu jej teraz prababki, słodkiej i spokojnej dziewczyny-kobiety.

Zatem nie tylko pokrewnymi uczuciami, ale także faktem, że nie ma nawet predestynacji, ale poczucie światowego dyskomfortu przekazywane z pokolenia i chęć radzenia sobie z nim, przezwyciężenia go - wszystko to łączy cztery samotne kobiety z różnych powodów w tę jedność, która łączy ich w jedną całość. W gruncie rzeczy są samotni, bez względu na to, czy mają mężów, czy nie, bo zarówno gdy polegają tylko na sobie, wysiłkach i środkach, jak i gdy obok nich jest mężczyzna – mąż lub konkubent, co okazuje się prawie tym samym – czekają kochać, mieć na to nadzieję, dążyć do tego na tyle, na ile rozumieją i istotę kobiecego przeznaczenia. Dlatego dana jakby od początku samotność, jakby całkowity brak wyjścia z codziennych problemów, stara się o nich nie myśleć, każdy żyć w przyjemności i dla dobra tylko ego – pogodzić je w trudnych, prawie zawsze tragiczne, na granicy skandalu, wyrzutów i niezgody na współistnienie. O dziwo, to właśnie w tym ich szczęście okazało się dla nich, co wydaje im się normą i na co dzień słusznym z ich punktu widzenia i zdaniem sąsiadów, priorytetowego dla nich kręgu, życia.

Wydawałoby się, że prawdziwe dramaty rozgrywają się na oczach widzów Małej Sceny, są wskazywane bez upiększeń i prób jakoś je obejść. Ale przy tym wszystkim sztuka „Gardenia” okazała się optymistyczna, czasem nawet trochę komiczna, naturalnie, z nutką tragiczną, pod pewnymi względami wręcz natchnioną. Pewnie dlatego, że ujawniając, co było przeszłością dla każdej z kobiet, stała się ona teraźniejszością i ma perspektywę na przyszłość - odległą lub nie, jak się okazuje - uwalniają się od przykrych, pożegnaj się z nim, oczywiście, nie zapominając, co było. Przede wszystkim, że przy wszystkich ich nieporozumieniach – są kobietami, są bliskimi ludźmi. A razem jest im łatwiej, bo powiedzmy, że w razie potrzeby, po wysłuchaniu wyrzutów, mogą uzyskać pomoc starszych spośród nich. Lub - odwrotnie, od młodszych.

I jest bardzo charakterystyczne, że siedząc przy stole, który stał się konceptem scenografii do spektaklu „Gardia” i symbolem drogi nie zaaranżowanej we wszystkim, ale w domu, jak cztery identyczne krzesła, śpiewają fragment „Mama” z Bohemian Rhapsody grupy „Queen”. I przebój mający znaczenie dla każdego imienia, zaśpiewany a cappella tak harmonijnie, że dusza się raduje, a to jest esencja tego, o czym Siemion Serzin wystawił sztukę „Gardenia” – o tym, którzy są w pobliżu, trzeba pielęgnować. Oczywiście przynajmniej, jeśli nie rozwiną się cieplejsze lub bardziej przyjazne stosunki.

Ten numer, który wykonują kobiety siedzące przy stole i zaglądające do sali, z entuzjazmem, czysto, z serca, z pełnym oddaniem - niemal pop, gdyby tak skutecznie i słusznie teatralnie, elegancko i stylowo dopełniając to, co św. Petersburski reżyser wymyślił i wdrożył młode pokolenie Siemion Serzin.

A sztuka „Gardenia” rozpoczęła się poufną intonacją. Alexandra Ursulyak, Anastasia Lebedeva, Elmira Mirel, Natalia Reva-Ryadinskaya (każda reprezentowana przez dokładny kostium, podkreślający postać, istotę granego obrazu - projektant kostiumów Paweł Nikitin), wyszła na pierwszy plan, co jest prawie iluzją w takim mały korytarz, usiadł na krzesłach i zaczął opowiadać historię z życia. Aktorstwo, ale wciąż blisko gatunku dosłownego. I nie od razu było jasne, dlaczego w tłumaczonym z polskiego spektaklu w każdej skrupulatności opisywanych sytuacji i szczegółów są realia Moskwy.

W rzeczywistości był to także prolog do spektaklu i rozpoczętych już spektakli oraz prawdziwe historie ze wspomnień z dzieciństwa każdej z jego bohaterek. To znaczy osobiste, przekształcone w teatralne. Z jakiegoś powodu wszystkie te historie wydawały się być konfliktami z matkami (jedynie Elmira Mirel zauważyła, że ​​ma problemy z ojcem, dlatego nie powie nic o matce). Z jakiegoś powodu zdarzyło się to zimą. I z jakiegoś powodu zakończył się konfliktem z ukochaną osobą. Anastasia Lebedeva, bynajmniej pod względem stażu pracy w ramach podporządkowania bohaterek sztuki, opowiadała o tym, jak jej matka, która pracowała w kilku zawodach, przyszła do szkoły na spotkanie z rodzicami. A po nim uderzyła córkę za kłamstwo, za niepowodzenie w nauce. Aleksandra Ursulyak uznała za konieczne wspomnieć, jak udała się z matką i babcią na drugi koniec miasta, aby umówić się na wizytę u lekarza poradni przedporodowej, znanego starszym kobietom z jej rodziny. A Natalia Reva-Ryadinskaya zlitowała się nad swoją matką, lekarzem z wykształcenia i powołania, najprawdopodobniej, która cierpiała na ciągłe przeziębienia córki i próbowała chronić ją przed chorobami, i okazało się - od dzieciństwa zwykłe radości wczesnego wiek.

Następnie cała czwórka zajmuje swoje miejsca w różnych częściach sceny. A spektakl, oparty na tekście Elżbiety Chovanets, zaczyna się niejako od drugiej próby, choć serdeczne rozmowy między sobą iz publicznością już od początku były takie. Przede wszystkim dlatego, że reżyserka wraz z artystkami wybrała ze swojego dziecięcego światopoglądu to, co opisało konflikt, a co dokładnie i dokładnie odpowiadało tym, co cztery kobiety wybierały krok po kroku i ważne momenty ze swojego życia.

Siemion Serzin w sposób naturalny i delikatny wyznaczył więc perspektywę spektaklu „Gardenia” – dystans między teraźniejszością a tym, co kiedyś było dla każdej z bohaterek.

Skrót perspektywiczny stał się tu jednocześnie techniką spektakularną i klarowną w każdym szczególe.

Przez cały czasowo lakoniczny, ale wymowy i pojemny w znaczeniu i podtekście spektaklu, każdy z jego uczestników zbliżał się do proscenium. I znowu do mikrofonu, jak na scenie, zrelacjonowała to, co uważała za najbardziej potrzebne z tego, co jej się kiedyś przydarzyło, bardzo dawno temu. Albo całkiem niedawno.

W tym momencie kamera skierowana była na aktorki. A ich historia została zduplikowana, powiększony obraz, na białym tylnym ekranie. Ponownie okazało się, że dystans między tym, co zostało powiedziane w sali, a tym, co powstało jako odbicie słów, uczuć i myśli. Zbliżenie twarzy nie przeszkadzało w zabawie, ponieważ sprawiało wrażenie, że gry nie ma w tym miejscu, choć oczywiście nie mogło to być przedstawienie teatralne. Ale tak cicho wyrażone, tak naturalne w mimice, w intonacjach, że stało się wyraźną kontynuacją tych historii, które cztery kobiety wcześniej zamieniły się w salę, opowiadając o tym, co się z nimi stało. Poza sceną iw rzeczywistości.

Taka sceniczna obecność stworzyła wielowartościowy i konkretny efekt obecności. Zarówno artyści, jak i widzowie. Kiedy widzisz i słyszysz tego, który stoi obok siedzących widzów, a także jest na ekranie, obraz nie podwaja się, ale nabiera szczególnej pełni i wyrazistości.

Okazał się przekonujący także dlatego, że przypominał polskie kino okresu powojennego. Zazwyczaj czarno-białe, nawet na kolorowym filmie. I dlatego, że kolory tam były postrzegane jako wyblakłe, a polskie filmy najczęściej są smutne z jakimś wewnętrznym poczuciem bólu i cierpienia. Ale nie tylko projekcja monologów aktorek nadaje spektaklowi „Gardenia” niezbędny narodowy smak w rozsądnych granicach. To piosenka Jerzego Petersburskiego (jego nazwisko jest też inaczej pisane po rosyjsku) „Ostatnia niedziela”, smutne wyjaśnienie, dlaczego młody człowiek nie może pogodzić się z tym, że ukochana dziewczyna woli inną. Sama piosenka, znana w Rosji jako tango „Zmęczone słońce”, w zaskakujący sposób rozwinęła motyw przewodni losu kobiet, które z woli okoliczności i życiowych przekonań nie znalazły prawdziwego szczęścia. A poza tym, towarzysząc przedstawieniu szczegółem, z nutą narodowej barwy, wzmocnił związek między osobistym dla aktorek a tym, co mówi się w twórczości Elżbiety Chovanets, gdzie biografia kompozytora, autorki muzyki nabrał również symbolicznego i nadchodzącego wyrazistego niuansu, dotknięcia chwili w ciele i materiale tego przedstawienia.

Niewątpliwie genialny nauczyciel z Petersburga Filshtinsky, który w zeszłym roku skończył 80 lat, w programie „Inner Circle” kanału „Kultura” (prowadzonym przez Anatolija Malkina) powiedział w sercu i prawdopodobnie nie bez żalu, że w Moskwa nie wiedzą, jak wystawiać spektakle. Pamiętając zapewne, że w jego rozumieniu, w to, co Stanisławski chciał wcielić w teatr, spektakl teatralny nie jest ilustracją jakiegoś tekstu o charakterze prozaicznym czy dramatycznym, ale rodzajem mieszkania, jego ucieleśnieniem według prawa teatru. I nic więcej.

Siemion Serzin, który wystawił „Gardenia” w moskiewskim Teatrze Puszkina i inny spektakl, który pojawił się wcześniej, mógł kwalifikować się do ogólnorosyjskiej nagrody teatralnej „Złota Maska”, przedstawił metropolitalnej publiczności, czym jest prawdziwy teatr. Szczery, profesjonalny, wypełniony obrazami i rzeczywistością, nienaganny w formie, który z niezwykłą wprawą przekazuje treść dzieła literackiego wziętego do interpretacji.

Tutaj wystarczy, że kobieta 2 rytmicznie puka w stół, siedząc naprzeciwko kobiety 1, bo widać, że przed nami pociąg Kraków-Gdańsk, a przed sobą stół, przy którym siedzą dwie kobiety, wykazując umyślne niezadowolenie z wzajemnie w komunikacji, jest jego powozem. Kobieta 2 przechodzi na kobietę 3, a ta 4 jak pałka czerwona, szorstko nawet czerwona czapka z dzianiny. I po prostu zakładając go, każdy zaczyna pamiętać o życiu, stojąc przed mikrofonem. Okazuje się, że nie jest to bajka o Czerwonym Kapturku (lub w oryginale bierze), choć chodzi też o babcię, matkę i wnuczkę. I o pewnym symbolu batuty, przekazywanym w kółko od jednego do drugiego, jak pospolity ból, śmiertelna predyspozycja do żalu i kłopotów.

Takich niezwykłych, zupełnie codziennych i w istocie teatralnych detali jest w Gardenii wiele, żeby nie powiedzieć, że całe przedstawienie, wystawione jakby jednym tchem przez Siemiona Serzina, jest takim detalem, czymś, co daje wszystkim bohaterkom jego siłę i pewność siebie. że wszelkim problemom i przeszkodom można się oprzeć - razem lub osobno. Ale lepiej być razem, aby nie być całkowicie samotnym i niespokojnym psychicznie z pozorem dobrego samopoczucia, przynajmniej nominalnego i zrozumiałego dla innych, opinii publicznej, która w jakiś sposób, choć na różne sposoby, wpływa na światopogląd każdego bohaterek Gardenii.

Przekładalny w swej istocie spektakl, lakoniczny, życzliwy i wrażliwy na ludzkie uczucia, wydaje się być wypowiedzią międzynarodową. Opierając się na gorzkich dziejach Polski, także w XX wieku, zachowując szczegóły jako lokalny smak, opowiada o tym, co międzynarodowe, co jest zrozumiałe, będąc opowieścią o dążeniu do ideału, o stratach, także w planie duchowym . Chodzi o to, co w przekładzie jest zrozumiałe do tego stopnia, że ​​wydaje się autentyczne, dostępne przy tak teatralnie refleksyjnej argumentacji, w takim odczytaniu, które jest odbierane jako oryginalna transkrypcja cudzego doświadczenia na język cudzy. Pozostając oryginalną w szczegółach, ponadnarodową w istocie i dramaturgiczną, że nie może pozostać bez kontrafali akceptacji i empatii ze strony publiczności.

. Gardenia w Teatrze Puszkina prowadzi od intymnych wspomnień do dyskusji o rodzinie i historii ( Wiedomosti, 20.09.2017).

Gardenia. Teatr. Puszkina. Naciśnij o spektaklu

Kommiersant, 11 maja 2017 r.

Rapsodia polska

„Gardenia” w Teatrze Puszkina

W filii Moskiewskiego Teatru Puszkina odbyła się premiera spektaklu „Gardenia” na podstawie sztuki polskiej dramatopisarki Elżbiety Khovanets w reżyserii Siemiona Serzina. Autor: Roman Dolzhansky.

Spektakl młodego petersburskiego reżysera Siemiona Serzina jest owocem pracy laboratoryjnej: w repertuarze Teatru Puszkina praktycznie nie ma rzeczywistej dramaturgii, dlatego kilku młodych reżyserów zostało zaproszonych do wykonania szkiców spektakli na podstawie współczesnych tekstów. I to właśnie „Gardenia” została zamieniona na spektakl repertuarowy: kameralny spektakl dla czterech aktorek w kameralnej przestrzeni filii Teatru Puszkina wygląda odpowiednio i brzmi wyraźnie.

Sztuka Elżbiety Chovanets to historia czterech pokoleń kobiet z tej samej rodziny. Monologi i dialogi w Gardenii są zdecydowanie prywatne, osobiste, ale oczywiście historia kobiet jest nierozerwalnie związana z historią Polski, a każda z bohaterek odpowiada pewnemu okresowi w życiu kraju (to ważne że większość akcji spektaklu nie dzieje się nigdzie, tylko w Krakowie, czyli w mieście będącym symbolem tożsamości narodowej).

Na liście postaci kobiety są po prostu ponumerowane. Pierwsza z nich została przyjęta przez bezdzietne małżeństwo Żydów – jej przybrani rodzice byli ofiarami Holokaustu, ona sama wyszła za mąż za polskiego oficera, ale zaszła w ciążę z oficerem niemieckim. Jej córkę można uznać za uosobienie socjalistycznej Polski: półbiedy, szarej codzienności i przymusowej obojętności na wszystko. Wnuczka ucieleśnia postkomunistyczne przemiany i długo wyczekiwaną wolność, którą trudno właściwie wykorzystać. Wreszcie prawnuczka to nowoczesna Polska, w której rozwija się kapitalizm, można zarabiać i racjonalnie planować karierę.

Oczywiście Gardenię można oglądać bez względu na alegorie społeczne i kontekst współczesnego dramatu polskiego, w którym (prze)myślenie o najnowszej historii, temat historycznej predestynacji i narodowego przeznaczenia zajmują niemal główne miejsce. W końcu Gardenia (kwiat, który w rodzinie był niezmiennie wpleciony w bukiety ślubne) to przede wszystkim historie kobiece, w których publiczność, w większości składająca się z kobiet, zawsze odnajdzie echa własnych przeżyć, niezależnie od czasów i miejsc, o których się opowiada. scena. Aby podkreślić tę bliskość, a także uniwersalność poruszanych tematów, Serzin wymyślił nawet prolog, w którym cztery aktorki, siedzące w rzędzie przed publicznością, na początek opowiadają historie, najwyraźniej ze swojego życia. Dokumentalny (no, pseudodokumentalny) prolog powinien ułatwić przejście aktorek do swoich ról. A jednocześnie jeszcze raz podkreślić, że wciąż mówimy o teatrze rzeczywistym.

Stamtąd, z arsenału znaczenia, jest mikrofon i tylny ekran wideo, na którym kamera wyświetla twarze aktorek podczas ich monologów. Zresztą nagłośnienie i projekcja niewiele wnoszą, bo w maleńkiej sali aktorki już cały czas bawią się w zbliżenia. I te cztery indywidualności są główną rzeczą w sztuce. Każda z bohaterek Gardenii marzy, aby jej życie było szczęśliwsze i rozsądniejsze niż jej matki. W spektaklu pojawia się wątek losu, przeznaczenia, które zdaje się generować, odtwarzać nieszczęścia. Ale w grze rozsądnie stawia się na różnicę w temperamentach, typach i charakterach.

Prababka Aleksandry Urszulak pojawia się jako dama z przeszłości - z manierami i pretensjami, trochę żądna przygód, trochę pijąca arystokratka. Jej córka, grana przez Anastasię Lebiediewę, jest trochę „faszystką” w dziecięcym mundurze wojskowym iz śliskimi, rozjaśnionymi włosami. Wnuczka Elmiry Mirel jest nieformalną dziewczyną w skórzanej kurtce iz czupryną rudych włosów. Wreszcie prawnuczka Natalii Reva-Ryadinskaya to człowiek czasów korporacyjnej etyki, dress code’u i jednolitej emocjonalności. Bohaterowie spektaklu nie są niewolnikami czasu, nie przedstawiają starzenia się i są całkowicie niezależne od codziennych detali i znaków epoki. I dopiero w ostatniej scenie, kiedy cała czwórka zbiera się przy stole, pojawia się mięso codzienności – mąka, woda, ciasto, mięso w maszynce do mięsa – ale jak się okazuje tylko po to, by rozstać się z widzami piosenka „Bohemian Rhapsody” zespołu Queen.

Wiedomosti, 20 września 2017 r.

Elena Smorodinowa

bukiet rodzinny

Gardenia w Teatrze Puszkina prowadzi od intymnych wspomnień do dyskusji o rodzinie i historii

Reżyserowi Siemionowi Serzinowi udało się zamienić laboratorium dla czterech aktorek w teatr dla widzów.

W połowie zeszłego lata Teatr. Puszkin zapowiedział laboratorium dla reżyserów, którzy mieli składać szkice przedstawień kameralnych dla oddziału teatru. Wśród wymagań - liczba postaci to nie więcej niż osiem i, jeśli to możliwe, gotowy casting z trupy teatralnej. Pierwszym przedstawieniem, które weszło do repertuaru na zakończenie laboratorium, była Gardenia Elżbiety Chowaniec w inscenizacji Siemiona Serzina.

W rzędzie siedzą cztery kobiety: arystokratka z przeszłości z lokami i lisim boa na ramionach (Alexandra Ursulyak), pół-chłopak z zaczesaną krótką fryzurą i metalem w oczach (Anastasia Lebedeva), rudowłosa buntowniczka w tutu i skórzanej kurtce (Elmira Mirel), intelektualistka biurowa w modnych spodniach siedem ósmych (Natalya Reva-Ryadinskaya). Z kolei wspominają: jak moja mama poszła na spotkanie rodziców i dowiedziała się, że jej córka w ogóle nie radzi sobie dobrze, jak jej matka radziła bić chuliganów ze szkoły, jak jej mama i babcia dowiedziały się, że jej córka nagle spodziewała się dziecka w wieku 22 lat i zabrała ją do kliniki przedporodowej ... W tej chwili sala, która wydaje się być tak zmęczona, najwyraźniej prawdziwymi wspomnieniami aktorek (a kto takich nie ma historie?), jest prawie wzruszona - ostatnią historię opowiada Ursulyak, która niedawno urodziła (aktorka zagrała pierwsze występy zauważalne w pozycji). W tym momencie rozpoczyna się przejście od niefikcyjnego prologu do tekstu młodej polskiej dramatopisarki Elżbiety Chovanets. Jej sztuka „Gardenia” z jednej strony jest dość typową próbą uporządkowania wszystkiego, co dobre i złe, jakie ma dla ciebie słowo „matka”. Z kolei Gardenia, nazwana tak od kwiatu z tradycyjnych bukietów ślubnych, jak przystało na współczesną polską sztukę, zajmuje się kwestiami tożsamości narodowej i za pomocą historii jednej rodziny zastanawia się nad dziejami kraju – od II wojna światowa do chwili obecnej.

Młody petersburski reżyser, absolwent Wieniamina Filsztinskiego, Siemion Serzin, wystawia w tej sztuce spektakl o niezwykłej prostocie i dokładności, w którym każda rola okazuje się korzyścią w najlepszym tego słowa znaczeniu i daje okazję do świeże spojrzenie na aktorki trupy. Minimalistyczna sceneria, solo mikrofony z kamerą transmitującą portret aktorki na plecach – reżyser skupia się na różnicy bohaterek i daje aktorkom możliwość odwrócenia się w tej różnicy.

Ursulyak gra prababkę, samotną kobietę (w Khovanec bohaterki są po prostu policzone). Przygarnięty przez żydowskie małżeństwo, poślubił przystojnego polskiego oficera i urodził oficera niemieckiego. Straciwszy oboje rodziców, męża i, jak się wydaje, siebie samą, wychowuje swoją niekochaną córkę i zostaje nałogowym pijakiem – bardzo arystokratycznie. Kobieta jedna Ursulak jest dokładnym przeciwieństwem występów Jurija Butusowa, które gloryfikowały aktorkę. Tutaj aktorka jest ucieleśnieniem miękkości, delikatności i wdzięku, doprawionego luką ironii.

Jej córka, kobieta dwie, jest żelaznym żołnierzem. W Lebedevie, który gra nędznie pracowitego robotnika jako praktycznie ucieleśnienie idealnego Aryjczyka, nie sposób rozpoznać dziewczyny z zakrwawionymi nogami z Dobrego człowieka z Sezuanu. Kobieta druga to ucieleśnienie szarej powojennej Polski, w której trzeba przetrwać.

Elmira Mirel, trzyletnia kobieta, jest albo punkową, albo hipisowską nieformalną dziewczyną, pijącą i hulająca za pieniądze zarobione przez swoją skąpą matkę, Polskę w chwili zmiany. A jej czteroletnia córka (Reva-Ryadinskaya) jest ucieleśnieniem dzisiejszego zjednoczonego świata, w którym medytują o przebaczeniu rodziców, kupują mieszkania w nowych miejscach i pracują w dużych firmach.

W finale cała czwórka robi pierogi i śpiewa „Bohemian Rhapsody”. Zapewne o możliwości zaakceptowania zarówno swojej historii, jak i samego siebie. Wydaje się jednak, że chodzi o idealny model nowoczesnego teatru widza – z perfekcyjną obsadą, zrozumiałością artykulacji tematu i gotowością do dialogu zarówno z tymi, którzy są świadomi trendów kulturowych, jak i tymi, którzy przyszli z bulwaru.

Laboratorium młodych reżyserów w Teatrze Puszkina dało pierwsze rezultaty. Sztuka Siemiona Serzina na podstawie sztuki polskiej autorki - Elżbiety Khovanets w tłumaczeniu Iriny Adelheim „Gardenia” nosi imię pięknego kwiatu.

Spektakl dla kobiet. Na sali było wielu mężczyzn, ale nadal treść jest bardziej skupiona na kobietach.

Spektakl rozpoczyna się ciekawym przyjęciem: czwórka performerów usiadła w rzędzie i zaczęła opowiadać historie ze swojego życia „o matce”. I tylko Elmira Mirel powiedziała, że ​​ma historię o swoim tacie, ale to jest nie na temat i dlatego nie będzie żadnej historii!

W centrum fabuły znajdują się losy czterech pokoleń kobiet w jednej rodzinie. Prababka, babcia, matka i córka przekazują sobie pałeczkę: pijaństwo, niezadowolenie z życia, mężczyźni, niewdzięczność dziecka i tak dalej. A jak to się zaczęło? Z tego, że rodzice dosłownie sprzedali dziecko bogatej, bezdzietnej parze żydowskiej. A potem II wojna światowa!

Prababka - Aleksandra Ursulak walczyła z nazistami, brała udział w ruchu oporu. Boa z futra, cudowna twarz, fryzura, duże, płodne ciało… Królewska postawa i wygląd!

Babcia - Anastasia Lebedeva - ciągle zmieniający się obraz od dziecka rozmazanego szminką matki do nastolatka w wełnianym kapeluszu (rodzaj symbolu sztafety, przekazują sobie ten kapelusz) i tak dalej. Od dawna widziałem i podziwiałem tę cechę talentu aktorskiego Anastazji.

Matka – Elmira Mirel również wyrasta z dziecka machającego nogami po polio i niczym babcia oblewa swoje problemy winem. Swoją drogą, w to miejsce trafiło: „po sowieckiej szczepionce zachorowałem na polio”. Kiedyś sowiecka szczepionka uratowała Japonię przed epidemią polio, więc nie ma potrzeby niepotrzebnego horroru!

Córka - Natalia Rewa-Riadinskaja, zdaje się wskazywać drogę wyjścia z tej nieustannej sztafety niezadowolenia i skandali, pijaństwa i niechęci matki do córki i córki do matki. „Czyta Hellingera” i „wybaczyła matce”, ale twierdzi, że „matka musi wybaczyć matce” i tak dalej. (W końcu Hellinger mówi, że dzieci nie powinny wtrącać się w sprawy dorosłych, brać je na siebie, więc i to się nie uda.)

Każdy monolog jest powielany przez zbliżenie twarzy aktorki na tylnym ekranie.

A widzowie stopniowo, w ciągu następnej godziny, zaczynają zagłębiać się w tę rodzinną historię genealogiczną czterech kobiet. A w końcu, gdy cała czwórka zbiera się na domowe święto, wsypuje mąkę, wlewa wodę, zamienia mięso na pierogi – absolutnie bez „teatralnych konwencji”, opowiadają o zbliżającym się ślubie najmłodszej z kobiet. Ogłasza, że ​​jest w ciąży. I znowu wszystko sprowadza się do tego, że starsi krzyczą, że tak bardzo kochali swoją córkę, wnuczkę, a ona jest niewdzięczna i tak dalej.

I przypomniałem sobie niedawny komentarz D. Gabaldon do jednego z fragmentów jej nowej książki z serii Outlander. O czym rozmawiać z dziećmi, a czego nie. Amerykański pisarz uważa, że ​​nie należy mówić dzieciom, ile kosztuje ich życie, zdrowie, wychowanie, nie należy zmuszać do okazywania współczucia za to, co zrobiłeś lub czego nie zrobiłeś dziecku. To nie ich sprawa.

Wdzięczność dziecka wobec rodziców to umiejętność wychowania ich na godnych ludzi. To wynik twojego wychowania, tego, dla którego nie spałeś w nocy i tak dalej.

A w końcu, kiedy te kobiety, które wydają się kochać się nawzajem, znów zaczynają krzyczeć, oskarżać i skandalować, to po prostu histeria zawładnęła widownią. Pewnie w końcu głównie kobiety, bo każda przymierza rozgrywające się dla siebie wydarzenia: jako matka, jako córka, jako ocalała z tego samego lub patrząc z zewnątrz i zastanawiając się, czy to naprawdę możliwe?!

To chyba główne przesłanie spektaklu: pomyśl o tym! Przerwij zaciekły wyścig sztafetowy!

I zrealizowałem swój pomysł. Niebieska hortensja już po półtora roku (więcej!) Znalazła Alexandra Ursulyak! Dałem jej kwiatek. Widz siedzący obok mnie powiedział, że moja hortensja bardzo przyciąga uwagę. A potem zwątpiłem, nagle niegodne było podejść z nią do artystki! Ale widz zgodził się ze mną, że ta hortensja kojarzy się z Aleksandrą Ursulyak!
A Aleksandra, gdy do niej podszedłem, bardzo się ucieszyła, podziękowała jej tak szczerze, że byłam zadowolona z jej wyglądu!

PS o tytule spektaklu.
Zastanawiałem się, jaki to był kwiat. Gardenia to ozdobny kwiat z rodziny madderów. W domu rośnie jako krzew. Ojczyzna - Japonia i Chiny. Subtelny, zmysłowy i egzotyczny.

Ale nie mówię o tym, ale o wszechobecnym Outlanderze. Mało tego, podczas występu przypomniałem sobie przemyślenia Diany Gabaldon o tym, że rodzice nie powinni żądać od swoich dzieci wdzięczności i tak dalej.

Okazało się, że kwiat gardenii nosi imię amerykańskiego lekarza i przyrodnika szkockiego pochodzenia Gardena (1730-1791). A nazwisko to „ogród”.

Jako czytelnik Outlandera, interesujące było dowiedzieć się z Wikipedii, że ten Ogród był zaznajomiony z ojcem i synem Bartrams, ogrodnikami i przyrodnikami z Pensylwanii, Johnem (1699-1777, „zmarł w zeszłym roku”, mówi Clare) i jego synem Williamem (1739 - 1823).

To znaczy, właściwie z Kingsessing w pobliżu wspaniałego miasta Filadelfii. A Claire jest w Kingsessing, w ogrodach Bartrams, i wreszcie połączyła się ciałem i duszą ze swoim ukochanym mężem Jamiem Fraserem, który powrócił z głębin morskich.