Francuscy impresjoniści z XIX wieku. Artystyczne zasady impresjonizmu

Impresjonizm jest kursem fabularnym, który pojawił się w latach 70-tych. XIX wiek w malarstwie francuskim, a następnie objawiając muzykę, literaturę, teatr.

Impresjonizm w malarstwie zaczął rozwijać się długo przed znaną wystawą 1874 roku. Prime przewoźnik impresjonistów jest tradycyjnie uważany za Edward Many. Był bardzo zainspirowany klasycznymi dziełami Titian, Rembrandta, Rubensa, Velasqua. Jego wizja obrazów Many wyrażona na płótnach, dodając uderzenia "wibracyjne", które stworzyły wpływ niekompletności. W 1863 r. Manne stworzył Olympię, co spowodowało duże skandal w społeczeństwie kultury.

Na pierwszy rzut oka zdjęcie zostało wykonane zgodnie z tradycyjnymi kanonami, ale jednocześnie było już noszone i innowacyjne tendencje. Około 87 recenzji napisano w różnych wersjach Paryżu o Olympia. Zgromadzono na niej masa negatywnej krytyki - artysta został oskarżony o wulgarność. I tylko kilka artykułów może być nazywany życzliwym.

Mana w swojej pracy użyła urządzeń nałożonej jednej warstwy farby, która stworzyła efekt plam. Następnie ta metoda stosowania farb została przeniesiona przez artyści-impresjonistów jako podstawa do malowniczych płótnach.

Charakterystyczną cechą impresjonizmu było najlepsze fiksacja mruknących wrażeń, w specjalny sposób odtwarzania medium świetlistego za pomocą złożonej mozaiki czystej farby, uciekającej ozdobnych pociągnięć.

Jest ciekawa, że \u200b\u200bna początku swoich artystów wykorzystał cyjometer - narzędzie do określania błękitnego nieba. Czarny kolor został wykluczony z palety, został zastąpiony innymi odcieniami kolorów, co umożliwiło nie zepsuć słonecznego nastroju obrazów.

Impresjoniści koncentrowali się na najnowszych odkryć naukowych ich czasu. Teoria koloru Tempela i kolor Helmholtz jest zredukowany do następujących: Sunbeam jest podzielony na elementy kolorów, a odpowiednio dwie farby umieszczone na płótnie zwiększają efekt obrazowy, a gdy farba jest mieszana, intensywność traci intensywność intensywności.

Estetyczny impresjonizmu rozwinął się częściowo, jako próba zdecydowania uwolnienia się od konwencji klasycyzmu w sztuce, a także z uporczywy symbolika i głębokości malarstwa o późnym wewnętrznym, który zaoferował wszystkim, aby zobaczyć zaszyfrowane intencje, które potrzebują ostrożnych interpretacja. Impresjonizm twierdził nie tylko piękno każdej rzeczywistości, ale fiksacja kolorowej atmosfery, nie szczegółowej i nie gaszenia, przedstawiając świat jako wieczne zmieniające się fenomen optyczny.

Artyści-impresyści opracowali gotowy system w niewoli. Poprzednikami tej funkcji stylistycznej byli artystami farbami, imigranci z Szkoły Barbizon, których główni przedstawiciele były Camille Coro i John Constable.

Praca w otwartej przestrzeni dała więcej możliwości przechwytywania najmniejszych zmian kolorów w różnych porach dnia.

Claude Monet powstała kilka serii obrazów na tej samej działce, na przykład, katedra rueny (seria 50 obrazów), "stosy" (seria 15 obrazów), "staw z liliami wodnymi" itp. Główny wskaźnik tych Seria była zmiana schematu światła i kolorów na obrazie tego samego obiektu napisanego w różnych porach dnia.

Innym osiągnięciem impresjonizmu jest rozwój oryginalnego systemu malowniczego, w którym odcienie złożone są rozkładane na czystych kolorach transmitowanych przez poszczególne uderzenia. Artyści nie mieli kolorów na palecie, ale wolały nałożenie uderzeń bezpośrednio na płótnie. Taki aparat dołączony do obrazów Specjalnej szacunku, zmienności i ulgi. Prace artystów były wypełnione kolorami i światłem.

Wystawa w dniu 15 kwietnia 1874 r. W Paryżu była wynikiem okresu tworzenia i zgłoszenia do ogółu społeczeństwa nowego kursu. Ekspozycja została wdrożona w fotografie Studio Felix Nadar na bulwarze Kapuchin.

Nazwa "Impresjonizm" pojawił się po wystawie, na której wystawiono zdjęcie Monet "wrażenie. Wschód słońca". Krytyk L. LERUA W Jego przeglądu w publikacji "Charivari" dał żartobliwą charakterystykę wystawy 1874 roku, prowadząc do przykładu Monet. Kolejny krytyk, Maurice Denis, wyrzucony impresjonistów wobec braku indywidualności, uczuć, poezji.

Na pierwszej wystawie, około 30 artystów wykazało swoje prace. Było to największe w porównaniu z kolejnymi wystawami do 1886 roku.

Nie można nie powiedzieć o pozytywnej opinii z rosyjskiego społeczeństwa. Rosyjscy artyści i krytycy-Demokraci, zawsze żywo zainteresowani życiem artystycznym Francji - I. V. Kramskaya, I. E. Repin i V. Stasov - wysoko ocenił osiągnięcia impresyjskich z pierwszej wystawy.

Nowy etap historii sztuki, która rozpoczęła się na wystawie z 1874 roku, nie była nagłą eksplozją trendów rewolucyjnych - była kulminacją powolnego i spójnego rozwoju.

Wraz z tym wszystkim, którzy wszyscy wielcy mistrzowie przeszłości sprawiły, że wkład w rozwój zasad impresjonizmu, natychmiastowe korzenie przepływu mogą być najłatwiej wykryte w dwudziestych poprzedzających wystawę historyczną.

W równoległych wystawach w kabinie zdobyli obrót impresjonistów wystawowych. Nowe trendy w malarstwie wykazano w swoich pracach. Wyrzuciła kulturę salonową i tradycje wystawiennicze. W dalszych artystów - impresjonistów udało się przyciągnąć wielbicieli nowych trendów w sztuce.

Teoretyczna wiedza i brzmienie impresjonizmu zaczęły się rozwijać dość późno. Artyści preferowali więcej praktyk i własnych eksperymentów na temat światła i koloru. W impresjonizmu, przede wszystkim malownicze, prześledził dziedzictwo realizmu, antyademistą, orientację antisaloniczną i montaż obrazu otaczającej rzeczywistości tego czasu są wymawiane w nim. Niektórzy badacze zauważają, że impresjonizm stał się specjalną gałąź realizmu.

Niewątpliwie w impresjonistycznej sztuce, podobnie jak w każdym przepływie artystycznym, wynikające w okresie złamania i kryzysu starych tradycji, były tkane, z całą jego integralnością zewnętrzną, różnymi, a nawet sprzecznymi trendami.

Główne cechy były w przedmiotach dzieł artystów, w środkach ekspresji artystycznej. Księga Iriny Vladimirova na impresjonistów obejmuje kilka rozdziałów: "Krajobraz, przyroda, wrażenia", "Miasto, miejsca spotkań i rozstanie", "Hobby, jako styl życia", "ludzie i postacie", "portrety i autoportrety" , "Martwa natura". Opisuje również historię tworzenia i lokalizacji każdej pracy.

W ciągu dnia dyrektor impresjonizmu znaleźli równowagę harmoniczną między obiektywną rzeczywistością a jego postrzeganiem. Artyści próbowali uchwycić każdy promień światła, ruch wiatru, zmienność natury. Aby zachować świeżość obrazów, impresjoniści stworzyli oryginalny malowniczy system, który był następnie bardzo ważny dla rozwoju sztuki w przyszłości. Pomimo ogólnych trendów w kierunkach malarstwa, każdy artysta znalazł swoją twórczą ścieżkę i główne gatunki w malarstwie.

Klasyczny impresjonizm jest reprezentowany przez artystów jako Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega.

Rozważ wkład niektórych artystów do tworzenia impresjonizmu.

Eduard Mana (1832-1883)

Pierwsze lekcje malarstwa Grzywa otrzymanego od T. Couture, dzięki temu przyszły artysta zdobył wiele niezbędnych umiejętności zawodowych. Ze względu na brak właściwej uwagi nauczyciela grzywa opuszcza mistrza mistrza i zajmuje się samokształceniem. Odwiedza wystawy w muzeach, starzy mistrzowie mieli wielki wpływ na kreatywną formację, zwłaszcza hiszpański.

W latach 60. XIX wieku grzywa pisze dwie prace, w których oglądane są podstawowe zasady jego artystycznego podkreślenia. "Lola z Walencji" (1862) i "Fleetist" (1866) Pokaż Grzywa jako artysta, który ujawnia naturę modelu poprzez przekładnię kolorów.

Jego pomysły na technikę stosowania rozmazów i stosunku do koloru zostały zaakceptowane przez innych artyści-impresjonistów. W latach 70. XX wieku grzywa zbliża się do swoich zwolenników i pracuje na plenia bez czarnego na palecie. Przybycie do impresjonizmu był wynikiem kreatywnej ewolucji samego głosu. Najbardziej impresjonistyczne zdjęcia Many są uważane za "w łodzi" (1874) i "Claude Monet w łodzi" (1874).

Mana napisała wiele portretów różnych świeckich panie, aktorek, symulatorów, pięknych kobiet. W każdym portrecie przeniesiono wyjątkowość i indywidualność modelu.

Krótko przed śmiercią, Mana pisze jeden z jego arcydzieł - "Bar Foli-Berger" (1881-1882). Na tym zdjęciu kilka gatunków jest łączone jednocześnie: portret, martwa natura, scena domowa.

N. N. Kalitina pisze: "Magiczna magiczna magia polega na tym, że dziewczyna sprzeciwia się otoczeniu, tak bardzo wyraźnie ujawnia jej nastrój, a jednocześnie jest częścią całego planu pleców, niejasno zgadywanie, nieokreślony, niepokojący, również rozwiązany w niebiesko-czarny , niebieskawo-białe, żółte dźwięki. "

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet był niewątpliwym liderem i założycielem klasycznego impresjonizmu. Głównym gatunkiem jego malarstwa był krajobraz.

W młodości, mone lubił karykaturę i kreskówkę. Pierwsze modele ich prac były jego nauczycielem, towarzyszami. Dla próbki użył karykatów w gazetach i czasopismach. Skopiował rysunki w "Golua" E. Karzha, poeta i rysownik, przyjacielu Gustava Kouris.

W College Malarstwo Monet nauczał Jacques-Francois Oshar. Ale słusznie zauważ wpływ na Monte Buden, który poparł artystę, dał mu porady, motywowane, aby kontynuować kreatywność.

W listopadzie 1862 r. W Paryżu Monet kontynuował studia w Paryżu w Gleirze. Dzięki temu Monet spotkał go w warsztacie z podstawowym, renoirem, SISTY. Młodzi artyści przygotowują się do przyjęcia do szkoły wdzięku, szanując ich nauczyciela, który wziął mała lekcje na lekcje i w miękkiej formie doradztwo.

Monet stworzył swoje obrazy nie jako historia, a nie jak ilustracja pomysłu lub tematu. Jego obraz, jak życie, nie miał jasnych celów. Widział świat, nie skupiając się na szczegółach, na niektórych zasadach, podszedł do "Wizji krajobrazu" (terminowy historyk sztuki A. A. Fedorova-Davydova). Monet dążył do inkubacji, połączenie gatunków na płótnie. Środki inkarnacji jego innowacji były Etiude, które miały być ukończone obrazy. Wszystkie szkice zostały narysowane z natury.

Napisał łąkę, wzgórza, kwiaty i skały oraz ogrody oraz rustykalne ulice, a morze, plaże i wiele więcej, zwrócił się o wizerunek natury w różnych porach dnia. Często napisał to samo miejsce w różnych czasach, tworząc tym samym całe cykle z ich prac. Zasada jego pracy nie była obrazem obiektów na zdjęciu, ale dokładna transmisja światła.

Daj nam kilka przykładów pracy artysty - "Pole Makov z Argentyni" (1873), "piętro" (1869), "staw z lilią wodną" (1899), "stosy pszenicy" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir odnosi się do wybitnych mistrzów świeckim portretu, oprócz tego, pracował w gatunkach krajobrazu, sceny gospodarstwa domowego, wciąż życia.

Cechą jego pracy jest zainteresowanie osobowością osoby, ujawnienia jego charakteru i duszy. W swoich płótnach Renoir próbuje podkreślić poczucie kompletności bycia. Artysta przyciąga rozrywkę i święta, pisze kulki, spacery ze swoim ruchem i różnymi postaciami, tańcząc.

Najbardziej znane dzieła artysty - "Portret aktorki Zhanna Samari", "parasole", "pływanie na Sekwany" i innych.

Ciekawe, że Renoir wyróżniał się muzykalnością i śpiewał w chórze kościelnym pod kierownictwem wybitnego kompozytora i nauczyciela Karola Guano w Paryżu w katedrze Saint-Estash. Sh. Gunno zdecydowanie polecił chłopiec, aby angażować się w muzykę. Ale jednocześnie Renoir odkrył talent artystyczny - od 13 lat nauczył się już malować potrawy porcelanowe.

Zajęcia muzyczne wpłynęły na tworzenie osobowości artysty. Liczba jego prac jest związana z motywami muzycznymi. Znaleźli swoją grę odbicia na fortepianie, gitarze, mandolinie. Są to obrazy "gitara gitarowa", "młoda hiszpańska kobieta z gitarą", "Młoda dama fortepian", "Kobieta gra na gitarze", "Lekcja fortepianowa" i innych.

Jean Frederick Basil (1841-1870)

Według przyjaciół swoich artystów Bazil był najbardziej obiecującym i wybitnym impresjonistą.

Jego prace wyróżniają się jasnym schematem kolorów i ręcznie włosami. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley i Claude Monet znacznie pod wpływem jego twórczej ścieżki. Apartament Jean Frederica dla Malarzy Początkujący był rodzaj studiów i mieszkań.

Basil najlepiej napisał na pleniach. Główną ideą jego kreatywności była wizerunkiem osoby na tle natury. Pierwsi bohaterowie w obrazach były jego artyści przyjaciółmi; Wielu impresjonistów kochało sobie nawzajem w ich dziełach.

Frederick Basil w bardzo kreatywności zidentyfikowała przebieg realistyczny impresjonizm. Najsłynniejszym obrazem jego zdjęcia jest "Rodzinne spotkanie" (1867) - autobiograficzne. Artysta przedstawia członków swojej rodziny. Ta praca została przedstawiona w salonie i otrzymała ocenę zatwierdzania opinii publicznej.

W 1870 r. Artysta zmarł w wojnie pruskiej-francuskiej. Już po śmierci artysty jego przyjaciele-artyści zorganizowali trzecią wystawę impresjonistów, gdzie wystawiono również jego płótno.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro jest jednym z największych przedstawicieli artystów farb po K. Monet. Jego prace były stale narażone w ekspozycji impresjonistów. W swoich pracach Pissarro preferowali zaorane pola, chłopskie życie i pracę. Jego obrazy charakteryzowały się strukturą form i jasności kompozycji.

Później artysta zaczął pisać obrazy na tematy miejskich. N. N. Kalitina W swojej książce Notatki: "Patrzy na ulice miasta z okien górnych pięter lub z balkonów, bez wprowadzenia ich w kompozycji".

Pod wpływem Georges Pierre Syra artysta wziął poentilism. Ta technika oznacza nałożenie każdego rozmazu oddzielnie, jakby ustawiając punkt. Ale perspektywy kreatywne w tej dziedzinie nie zostały zrealizowane, a Pissarro wrócił do impresjonizmu.

Najbardziej znane obrazy Pissarro stało się "bulwar Montmartre. Popołudnie, słoneczne, "Opera Pass w Paryżu", "Plac Francuski Teatr w Paryżu", "Ogród w Pontoise", "Havita", "Senokos" i inni.

Alfred Sisley (1839-1899)

Głównym gatunkiem malowania Alfred Sisley był krajobrazem. W jego wczesnych dziełach widać głównie pod wpływem K. Coro. Stopniowo, w procesie współpracy z K. Monte, J. F. Bazil, P. O. Renoir, lekkie odcienie zaczynają pojawiać się w swoich dziełach.

Artysta przyciąga grę światła, zmieniając stan atmosfery. Do tego samego krajobrazu Sisleya odwołał się kilka razy, uchwycenie go w różnych porach dnia. Priorytetem w jego pracach artysta dał obraz wody i nieba, który zmienił się co sekundę. Artysta zdołał osiągnąć doskonałość za pomocą koloru, każdy cień w jego pracy nosi rodzaj symbolizmu.

Jego najsłynniejsze prace: "Wiejski aleja" (1864), "Frost in Luveseyne" (1873), "Typ Montmartre'a z Island Flower" (1869), "wczesny śnieg w Luvurekenne" (1872), "Most w Argente" ( 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas jest artystą, który rozpoczął swój kreatywny sposób z uczeniem się w szkole pełen wdzięku sztuki. Zainspirowany przez artystów włoskiego renesansu, który miał wpływ na jego pracę jako całość. Na początku Degas napisał historyczne obrazy, na przykład "Spartan Girls są spowodowane przez Spartan Boys. (1860). Głównym gatem jego obrazu jest portret. W swoich pracach artysta opiera się na tradycji klasycznych. Tworzy prace oznaczone ostrym uczuciem ich czasu.

W przeciwieństwie do jego kolegów, Dega nie dzieli radosnego, odkrytym widokiem na życie i rzeczy wrodzonego impresjonizmu. Artysta jest bliżej krytycznej tradycji sztuki: współczucie losu prostej osoby, zdolność widzenia dusz ludzi, ich wewnętrznego świata, niespójności, tragedii.

Dla dużej roli w tworzeniu portretu, obiektów i wnętrz, otaczający grę. Dajemy kilka prac jako przykład: "Daniosek Dio z orkiestrą" (1868-1869), "Portret kobiet" (1868), "Chet Morbilli" (1867) i innych.

Zasada portretu w dziełach Degi jest przerywana na całej swojej twórczej ścieżce. W latach 70. artysta w całkowitej świetności przedstawia społeczeństwo Francji, w szczególności Paryż w swoich pracach. W interesie artysty - życie miejskie w ruchu. "Ruch był jednym z najważniejszych przejawów życia, a jego zdolność do przekazania jest najważniejszym podboju współczesnego malarstwa" N.N. pisze Kalityn.

W tym okresie, takie zdjęcia są tworzone jako "gwiazda" (1878), "Miss Lola w Circus Fernando", "Wyścigi w Epsoma" i innych.

Nowy skręt kreatywności Degi staje się jego zainteresowaniem baletem. Pokazuje życie kulistą w balerinie, opowiada o ich ciężkiej pracy i upartych treningach. Ale mimo to artysta udaje się znaleźć bezprawność i łatwość przesyłania swoich obrazów.

W serii baletowych Serii DEGI, osiągnięcia w ramach transmisji rampach sztucznych rampami są widoczne, mówią o kolorowych przyznawaniu artysty. Najbardziej znane obrazy "Niebieskie tancerze" (1897), "klasa tańca" (1874), "tancerz z bukietem" (1877), "tancerzy w różowi" (1885) i innych.

Pod koniec życia, ze względu na upośledzenie degenety, stara się swoją siłę w rzeźbie. Jego obiekty to te same baleriny, kobiety, konie. W rzeźbie Degi stara się przekazać ruch, a aby ocenić rzeźbę, musisz rozważyć go z różnych stron.

Impresjonizm (Franz. ImpressionNisme, z wrażenia - wrażenie), kierunek sztuki ostatniej trzeciej XIX - na początku XX wieku, którego mistrz, naprawiając swoje przelotne wrażenia, szukały najbardziej naturalne i niepotrzebne, aby uchwycić prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienność. Impresjonizm powstał w języku francuskim pod koniec latach 60. XX wieku. Eduar Grzywa (formalnie nie jest częścią grupy impresyści), Degas, Renoir, Moneta wprowadziła świeżość i impedię percepcji życia w sztukę wizualną.

Francuscy artyści zwrócili się do wizerunku natychmiastowego, zbieranego z strumienia rzeczywistości sytuacji, ludzkiego życia duchowego, wizerunku silnych pasji, duchowości natury, zainteresowanie przeszłością krajową, pragnienie formy sztuki syntetycznej łączy się z motywami Światowy smutek, badanie i rekreacja "cienia", "Noc" strony duszy ludzkiej, ze słynną "romantyczną ironią", pozwolił, aby romans był bezpiecznie porównywany i wyrównał wysoki i niziny, tragiczne i komiczne, prawdziwe i fantastyczne . Artists-Impresjoniści używali fragmentarycznych sytuacji rzeczywistości, używane na pierwszy rzut oka niezrównoważona konstrukcja kompozycyjna, nieoczekiwane perspektywy, punkty widzenia, plasterki liczb.

W latach 1870-1880 powstaje krajobraz francuskim impresjonizmu: K. Monte, K. Pisserro, A. Sisley opracował spójny system kleniacza, stworzył uczucie słonecznego światła słonecznego, bogactwo kolorów przyrody, rozpuszczając formularze wibracje światła i powietrza. Nazwa kierunku wystąpiła z nazwy obrazu Claude Monet "wrażenie. Soleil Levant"; wystawiony w 1874 roku, teraz w muzeum Marmottan, Paryż). Rozkład złożonych kwiatów na czystych elementach, które zostały narzucone na płótnie z oddzielnymi uderzeniami, kolorowymi cieniami, refleksami i Valeris dał początek niezrównanym świetle, napięciem odciekającego impresjonizmu.

Oddzielne imprezy i techniki tego kierunku w malarstwie były używane przez malarzy Niemiec (M. Lieberman, L. Cornin), USA (J. Whistler), Szwecja (A.L. Tsorne), Rosja (K.a. Korovin, I.e. Grabar) i wiele innych Narodowe szkoły artystyczne. Koncepcja impresjonizmu stosuje się również do rzeźby 1880-1910s, która ma pewne funkcje impresjonistyczne - pragnienie przeniesienia natychmiastowego ruchu, płynności i miękkości, szkicu z tworzywa sztucznego (dzieła O. Roden, brązowe figurki Degiego i in .). Impresjonizm w sztuce wizualnej wpłynął na rozwój ekspresyjnych środków nowoczesnej literatury, muzyki, teatru. W interakcji i kontrowersji z malowniczym systemem tego stylu w kulturze artystycznej Francji, pod koniec XIX - na początku XX wieku były prądy neo-sympresjonistyzmu i postmingu.

Neo-sympresjonizm. (Franz. Neo-ImpressionNisme) - kurs w malarstwie, który pojawił się we Francji około 1885 r., Kiedy jego główni mistrzowie, J. Piosenkarz i P. Sigak, opracował nową malowniczą technikę dywizji. Francuskie neo-wrażenia i ich zwolennicy (T. Van Reiselberg w Belgii, J. Segantini we Włoszech i innych), rozwijając trendy późnego impresjonizmu, starając się stosować nowoczesne odkrycia w dziedzinie optyki do tej sztuki, dając metodowy charakter Techniki rozkładu odcieni do czystych kolorów; Jednocześnie pokonują wypadek, fragmentaryzacji kompozycji impresjonowej, uciekali się w ich krajobrazach i wieloifigurowych panelach paneli do rozwiązań płaskich.

Postresjonizm. (z lat. Post - po i impresjonizm) - zbiorowa nazwa głównych przepływów francuskich malarstwa pod koniec XIX - XX wieku. Kreator postmingu z połowy 1880 roku poszukuje nowych ekspresyjnych leków, które mogłyby przezwyciężyć empiryzm myślenia artystycznego i pozwolić na przeniesienie się z impresjonistycznej fiksacji pewnych momentów życia do przykładu wykonania swoich stałów długoterminowych, materiałów i stałych duchowych. W okresie przystępkowym charakteryzuje się aktywną interakcję poszczególnych kierunków i indywidualnych systemów kreatywnych. Praca mistrzów neympresji, grup Nabi, a także Van Gogh, P. Cesanne, P. Gogen, jest zwykle w rankingu z potmingizmem.

Dane referencyjne i biograficzne "Galerie malarskiego planety Small Bay" przygotowane na podstawie materiałów "historii sztuki zagranicznej" (Ed. Mt Kuzminina, NL Maltseva), "Encyklopedia artystyczna zagranicznej sztuki klasycznej", "duża rosyjska encyklopedia" .

Europejska sztuka końca XIX wieku została wzbogacona o pojawienie się modernisty później, jego wpływ rozprzestrzenił się na muzykę i literaturę. Nazywano go "impresjonizmem", ponieważ opierał się na najlepszych wrażeniach artysty, obrazów i sentymentów.

Pochodzenie i historia występowania

Kilku młodych artystów w drugiej połowie XIX wieku byli zjednoczeni w grupie. Mieli wspólny cel i zbiegły się z zainteresowaniami. Najważniejszą rzeczą dla tej firmy była praca w przyrodzie, bez ścian warsztatów i różnych czynników odstraszających. W swoich obrazach starali się przekazać wszystkie zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Krajobrazy i portrety odzwierciedlały jedność duszy ze świata, ze światem zewnętrznym. Ich obrazy są prawdziwą poezją farb.

W 1874 r. Odbyło się wystawa tej grupy artystów. Wrażenie krajobrazu Claude Monet. Wschód słońca "zatrzymał krytykę, który w razie po raz pierwszy nazwał te twórcy z impresjonistami (z francuskim wrażeniem -" wrażenie ").

Tło narodziny w stylu impresjonizmu, obrazy, których przedstawicieli wkrótce zdobędą niesamowity sukces, pracę wieku renesansu. Praca Hiszpanów Velasqueza, El Greco, Brytyjczyków Turner, konstable był bezwarunkowo pod wpływem francuskim, którzy byli hedlemenami impresjonizmu.

Przedstawiciele w stylu jasnym we Francji stali się Pissarro, Mana, Degas, Sisan, Cesan, Monet, Renoir i inni.

Filozofia impresjonizmu w malarstwie

Artyści, którzy napisali w tym stylu nie ustawili sobie zadania przyciągania uwagi publicznej i kłopotów. W swojej pracy, nie znalezienie działek na złym dniu, niemożliwe jest uzyskanie morałów lub zauważania ludzkich sprzeczności.

Zdjęcia w stylu impresjonizmu mają na celu przeniesienie chwilowego nastroju, rozwój kolorowych rozwiązań tajemniczej natury. W pracach jest tylko pozytywny start w dziełach, zastępcy pomijał impresjonistów przez imprezę.

W rzeczywistości impresyści nie przejmowali się myślami o fabucie i szczegóły. Głównym czynnikiem nie było rysowania, ale przedstawić i przenieść swój nastrój.

Technika pisania zdjęć

Różnica między akademickim sposobem rysowania i techniki impresjonistów. Od wielu metod po prostu odmówili, niektórzy zmienili się poza uznanie. Oto, co przyczyniły się innowacje:

1. Opuszczony kontur. Zdarzyło się, że zastąpi go na rozmazie - mały i kontrastujący.
2. Przestał stosować palety, które zostały wybrane przez kolory, które się uzupełniają i nie wymagają fuzji do uzyskania pewnego efektu. Na przykład żółty jest fioletowy.
3. Przestał rysować czarny.
4. W pełni opuszczona praca w warsztatach. Napisali wyłącznie na naturze, tak że łatwiej było uchwycić moment, obraz, uczucie.
5. Używane tylko farby mające dobre możliwości pokrywające.
6. Nie czekali na nową warstwę. Natychmiast stosowane świeże rozmazy.
7. Utworzono cykle prac, aby śledzić zmiany w świetle i cieniu. Na przykład "stogu siana" pędzla Claude Monet.

Oczywiście nie wszyscy artyści wykonywali dokładnie cechy stylu impresjonizmu. Zdjęcia Eduar Grzywa, na przykład, nigdy nie uczestniczyli w wspólnych wystawach, a on sam ustawił siebie jako odrębny artysta. Edgar Dega pracował tylko w warsztatach, ale nie było szkodliwe dla jakości jego prac.

Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu

Pierwsza wystawa pracy impresjonistów z 1874 roku. Po 12 latach minął ostatnią ekspozycję. Pierwszy produkt w tym stylu można nazwać "śniadaniem na trawie" przez szczotkę E. Many. To zdjęcie zostało przedstawione w "salonie odrzucenia". Poznała się nieprzyjazna, ponieważ bardzo różnił się od kanonów akademickich. Dlatego grzywa staje się postacią, w której gromadzi się krąg wyznawców tego stylistycznego kierunku.

Niestety, współczesne nie korzystały z tego stylu jako impresjonizmu. Zdjęcia i artystów istniali w nieporozumieniu z oficjalną sztuką.

Stopniowo Claude Monet przychodzi do czoła w zespole malarzy, które następnie stał się swoim liderem i głównym ideologiem impresjonizmu.

Claude Monet (1840-1926)

Kreatywność tego artysty można określić jako impresjonizm hymn. To był pierwszy, który był pierwszym, który odmówił używania czerni w swoich obrazach, motywując to przez fakt, że nawet cienie i noc mają inne tony.

Świat na zdjęciach Monet jest niejasne kontury, długie uderzenia, patrząc, na które można poczuć całą gamę gier kolorowych gier i nocy, sezony, harmonii świata Fideeline. Tylko chwila, która została wyciągnięta z witalności, w zrozumieniu Monet i jest impresjonizm. Obrazy wydają się nie posiadać istotności, wszystkie są impregnowane promieniami światła i przepływów powietrza.

Claude Monet powstały niesamowite prace: "Stacja Saint-Lazar", "Katedra Ruenana", cyklu "Most Charning Cross" i wielu innych.

Auguste Renoir (1841-1919)

Trybuny Renair powodują wrażenie niezwykłej lekkości, utrwalania, istotności. Działka rodzi się tak, jak przypadkowo wiadomo, że artysta ostrożnie przemyślany nad wszystkimi etapami pracy i pracował od rana do nocy.

Charakterystyczną cechą kreatywności O. Renuara jest stosowaniem mniejszego, co jest możliwe tylko podczas pisania impresjonizmu w dziełach artysty objawia się w każdym strochu. Osoba jest postrzegana przez niego jako cząstka samej natury, więc zdjęcia z nagimi w przyrodzie są tak liczne.

Ulubiona okupacja Renuara była obrazem kobiety w całym atrakcyjnym i atrakcyjnym pięknie. Portrety zajmują specjalne miejsce w kreatywnym życiu artysty. "Parasole", "Dziewczyna z fanem", "śniadanie wioślarzy" - tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste Renoara.

Georges Sere (1859-1891)

Proces tworzenia obrazu siarki związanej z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środek lekkich powietrza został narysowany na podstawie zależności głównych i dodatkowych dźwięków.

Pomimo tego, że J. Serez jest przedstawicielem ostatniego etapu impresjonizmu, a jego technika jest w dużej mierze różni się od założycieli, stwarza również iluzoryczną reprezentację formularza przedmiotowego za pomocą rozmazów, rozważyć i sprawdzić, co jest możliwe tylko z dystansu.

Arcydzieła kreatywności można nazwać obrazami "Sunday Day", "Kankan", "Software".

Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu

Rosyjski impresjonizm pojawił się praktycznie spontanicznie, mieszano wiele zjawisk i metod. Jednak podstawa, jak francuski, była zębatą wizją procesu.

W rosyjskim impresji, choć zachowały się cechy francuskiego, ale specyfiki narodowej natury i stan duszy dokonały znaczących zmian. Na przykład wizja śniegu lub północnych krajobrazów została wyrażona przy użyciu niezwykłych technik.

W Rosji niewielu artystów pracowało w stylu impresjonizmu, przyciągają widoki na ten dzień.

Okres impresjonistyczny można przydzielić w pracy Valentina Serov. Jego "dziewczyna z brzoskwiniami" jest najjaśniejszym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.

Zdjęcia podbijają świeżość i spółgłoski czyste farby. Głównym tematem kreatywności tego artysty jest obraz osoby w naturze. "Northern Idyll", "w łodzi", "Fiodor Shalapin" - jasne kamienie milowe działalności K. Korowiny.

Impresjonizm w czasach współczesnych

Obecnie ten kierunek w sztuce otrzymał nowe życie. W tym stylu kilku artystów pisze ich obrazy. Współczesne związki wrażeń w Rosji (Andre Kon), we Francji (Laurel), w Ameryce (Diana Leonard).

Andre Kon jest najbardziej uderzającym przedstawicielem nowego impresjonizmu. Jego obrazy napisane przez olej są uderzające z ich prostotą. Artysta widzi piękne w codziennych rzeczach. Stwórca interpretuje wiele przedmiotów poprzez pryzmat ruchu.

Akwarela dzieła Laurent Parseelyell zna cały świat. Jego seria prac "Dziwny świat" został zwolniony w formie pocztówek. Wspaniały, jasny i zmysłowy, wychwytują ducha.

Podobnie jak w wieku 19 lat, artyści pozostają obecnie mnóstwo malarstwa. Dzięki jej, impresjonizm zawsze będzie żył. Artyści są nadal inspirowani, imponującymi i inspirowani.

ks. Wrażenie to wrażenie) - kierunek w dziedzinie ostatniej trzeciej trzeciej XIX - NCH. XX wieku, których przedstawiciele zaczęli pisać krajobrazy i sceny gatunkowe bezpośrednio z natury, starając się być bardzo czyste i intensywne farby do przekazywania blasku słońca, wiatru, wiesząc trawę, tłum miejski. Impresjoniści szukali najbardziej naturalne i niepotrzebne, aby uchwycić prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, przenieść swoje przelotne wrażenia.

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓

IMPRESJONIZM

franz. ImpressionNisme, z wrażenia - wrażenie), kierunek w sztuce Con. 1860 - NCH. 1880. Najbardziej jasno objawiony obraz. Wiodący przedstawiciele: K. Monte, O. Renoir, K. Piserro, A. Guillaomen, B. Morizo, M. Kassat, A. Sisley, Kaibott i J. F. Bazil. Wraz z nimi, E. Mane'a i E. Degi są stawiane, chociaż styl ich prac nie może być nazywany całkowicie impresjonistym. Nazwa "Impresjonici" została zakorzeniona za grupą młodych artystów po pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itp.), Co spowodowało gwałtowne zaburzenie społeczeństwa i krytyków. Jeden z zdjęć przedstawionych przez K. Monte (1872) nazywano "wrażeniem. Wschód słońca "(" Wrażenie. Soleil Levant "), a recenzent w kpiny o nazwie artystów" Wrażenia "-" wrażeniem ". Malarze działali na podstawie tego tytułu na trzeciej wspólnej wystawie (1877). Jednocześnie zaczęli produkować magazyn "Impresjonistę", z których każda liczba była poświęcona pracy jednego z uczestników Grupy.

Impresjoniści starali się uchwycić świat wokół niego w swojej stałej zmienności, płynności, bezstronnie wyrażają swoje natychmiastowe wrażenia. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryć optyki i teorii kolorów (spektralna rozkład wiązki słonecznej na siedmiu kolorach tęczy); W tym, był spółgłoskiem z duchem analizy naukowej charakterystyki Con. 19 wiek Jednak same impresjonistów nie próbowali określić teoretycznych podstaw swojej sztuki, nalegając na elementarność, intuicyjną kreatywność artysty. Artystyczne zasady impresjonistów nie były jednolite. Monte napisał krajobrazy tylko w bezpośrednim kontakcie z naturą, na zewnątrz (na pleniach), a nawet zbudował warsztaty w łodzi. Degas pracował w warsztacie na temat wspomnień lub używających zdjęć. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych przepływów radykalnych, artyści nie wykraczali poza renesansowy systemowy system przestrzenny na podstawie korzystania z perspektywy bezpośredniej. Są mocno przyklejone do metody pracy z naturą, która została wzniesiona przez nich do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się "napisać to, co widzisz" i "jak widzisz". Spójne stosowanie tej metody doprowadziło do transformacji wszystkich podstaw ustalonego scenicznego systemu: zapalenie kolorów, kompozycji, konstrukcji przestrzennej. Clean Farby stosowano na płótnie z małymi oddzielnymi uderzeniami: wielokolorowe "punkty" leżały w pobliżu, mieszając w kolorowym widowce nie na palecie, a nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli bezprecedensową soniczność smaku, bezprecedensowy bogactwo odcieni. Rozmaz stał się niezależnym środkiem ekspresyjności, napełniając powierzchnię żywą migotliwą wibracje cząstek kolorów. Płótno porównano przez transfuzjące cenne kolory mozaiki. W dawnym malarstwie, czarnym, szarym, brązowym odcieniem przeważały; W płótnach impresjonistów farba jasno świeciła. Impresjonowani nie zastosowali lekkości do transmisji woluminów, porzucali ciemne cienie, cienie w ich obrazach były również kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe kolory (czerwony i zielony, żółty i fioletowy), co zwiększyło intensywność koloru koloru. W obrazach Monet farba była leniwy i rozpuszczony w promieniowaniu promieni słonecznych, lokalne kolory nabyły wiele odcieni.

Impresjoniści przedstawili świat na całym świecie w ruchu wiecznym, przejście z jednego stanu do drugiego. Zaczęli napisać serię obrazów, chcących pokazać, jak ten sam motyw różni się w zależności od pora dnia, oświetlenia, stanów pogodowych itp. (Cykli "Boulevard Montmartre" K. Pissarro, 1897; "Katedra Ruenana", 1893- 95, a "London Parlament", 1903-04, K. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie ruchu chmur (A. Sisley. "Luan w Saint-Mamma", 1882), gra jest blask słońca (O. Renoir ". Huśtawka", 1876), porywy wiatrowe (K. Monet. "Terrace in Saint Adres", 1866), Jets Rain (Kaibott. "Ier. Efekt deszczowy", 1875), spadający śnieg (K. Pisserro. "Opera Pass. Efekt śniegu", 1898), szybkie konie (E. Mana. Wyścigi w Lonzhan ", 1865).

Impresjoniści opracowali nowe zasady budowy kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu była porównana na platformie scenicznej, teraz przechwycone sceny przypominały migawkę, fotokatę. Wymyślony w 19 V. Zdjęcie miało znaczący wpływ na kompozycję obrazu impresjonistycznego, zwłaszcza w pracy E. DEGI, który sam był namiętnym fotografem, a według własnych słów, starał się złapać balerinę baleriny, zobaczyć je "jak gdyby Przez dziurkę od klucza, "gdy ich pozy, linie ciała naturalne, ekspresyjne i niezawodne. Tworzenie obrazów na świeżym powietrzu, pragnienie uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia wymuszonych artystów, aby przyspieszyć pracę, napisz "alla prima" (w jednym recepcji), bez wstępnych szkiców. Fragmentalność, "wypadek" kompozycji i dynamiczny sposób obrazowy stworzyły poczucie specjalnej świeżości na zdjęciach impresjonistów.

Ulubiony impresjonistyczny gatunek był krajobrazem; Portret przedstawił również rodzaj "krajobrazu twarzy" (O. Renoir ". Portret aktorki J. Samari", 1877). Ponadto artyści znacznie rozszerzyli krąg działek malarskich, skontaktowanie się z tematami, wcześniej uważane za niegodne uwagi: folk uroczystości, skoki, pikniki artystyczne Czechy, za kulisami teatrów itp. Jednak nie ma szczegółowej historii na ich obrazach; Życie ludzkie rozpuszcza się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjonici napisali imprezy, ale sentyment, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucili tematy historyczne i literackie, uniknął przedstawienia dramatycznych, ciemnych stron życia (wojna, katastrofa itp.). Starali się uwolnić sztukę z realizacji zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku oceny przedstawionych zjawisk. Artyści zakwestionowali piękno świata, w stanie zamienić najbardziej krajowy motyw (naprawa pokoju, szarej mgły w Londynie, dym lokomotyw parowych itp.) Do czarującego spektaklu (Kaibott. "Parquetters", 1875; K. Monet . "Stacja Saint-Lazar", 1877).

W 1886 r. Nastąpiła ostatnia wystawa impresjonistów (O. Renoir i K. Monet uczestniczył w nim). W tym czasie odkryto znaczące różnice między członkami grupy. Możliwości metody impresjonizmu zostały wyczerpane, a każdy z artystów zaczął szukać własnego sposobu sztuki.

Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza była zjawiskiem głównie sztuki francuskiej, ale praca impresjonistów miała wpływ na całe europejskie malarstwo. Pragnienie zaktualizowania języka artystycznego, zła kolorowej palety, ekspozycji technik obrazowania, od teraz mocno wszedł do arsenału artystów. W innych krajach J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Cornint (Niemcy), H. Srima (Hiszpania) znajdowały się w pobliżu impresjonizmu. Wpływ impresjonizmu był doświadczony przez wielu rosyjskich artystów (V. A. Serowa, K. A. Korovin, I. E. Grabar itp.).

Oprócz malowania, impresjonizm został wykonany w pracy niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Roden we Francji, M. Rosso we Włoszech, PP Trubetskoy w Rosji) w żywym wolnym modelowaniu miękkich form, które tworzy kompleks gra światła na powierzchni materiału i poczucia niekompletności pracy; W pozycjach zdobył moment ruchu, rozwoju. W muzyce bliskość impresjonizmu jest odkryta przez prace K. Debussy ("żagle", "mgła", "Refleksje w wodzie" itp.).

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓

"Wystawa impresjonistów", biorąc pod uwagę nazwę obrazu obrazu Claude Monet ". Rosnące słońce "(fr. Wrażenie, Soleil Levant). Początkowo termin ten był nieco lekceważący, wskazując na odpowiednią stosunek do artystów, którzy napisali w nowy "niedbalski" sposób.

Impresjonizm w malarstwie

ŹRÓDŁA

W połowie 1880 roku, impresjonizm stopniowo przestaje istnieć jako jedno kierunek i rozpada się, dając zauważalny impuls do ewolucji sztuki. Na początku XX wieku uzyskano tendencję odmowy od realizmu, a nowa generacja artystów odwróciła się od impresjonizmu.

Pojawienie się nazwy

Istnieją dziesięciolecia. A nowa generacja artystów przyjdzie do obecnego upadku form i zubovij zawartości. Wtedy krytyka i opinia publiczna, zobaczyła w potępionych impresyjach - realistów, a trochę później i klasyki sztuki francuskiej.

Specyficzność filozofii impresjonizmu

Francuski impresjonizm nie podniósł problemów filozoficznych i nawet nie próbował przeniknąć na kolorowej powierzchni codziennego. Zamiast tego impresjonizm, będąc sztuką do pewnego stopnia w sposób i manier, koncentruje się na powierzchowności, pędu momentów, nastroju, oświetlenia lub węgla widzenia.

Podobnie jak sztuka renesansowa (odrodzenie), impresjonizm opiera się na osobliwościach i umiejętnościach perspektywy. Jednocześnie wizja renesansowa jest eksplodowana przez udowodnioną subiektywność i względność percepcji człowieka, która tworzy kolor i formę autonomicznych elementów obrazu. W przypadku impresjonizmu nie jest tak ważne, aby pokazano na rysunku, ale ważne jest, jak przedstawiono.

Zdjęcia impresjonistów nie noszą krytyki społecznej, nie wpływają na problemy społeczne, takie jak głód, choroba, śmierć, reprezentujących tylko pozytywne boki życia. To doprowadziła później do podziału wśród samych impresjonistów.

Impresjonizm i społeczeństwo

Impresjonizm jest nieodłączny w demokratyzmu. Według bezwładności, sztuki i XIX wieku uważano za monopolistów arystokratów, wyższe segmenty ludności. Wykonali głównych klientów na malarstwie, zabytki, to są one - głównymi nabywcami obrazów i rzeźb. Działki o trudnej pracy chłopów, tragicznych stron nowoczesności, haniebne boki wojen, ubóstwo, skondensowane zawirowania społeczne, nie zostały zatwierdzone, nie zostały zakupione. Krytyka bluźnierczego moralności społeczeństwa w obrazach Theodore Zhriko, Francois Mill znalazło recenzję wyłącznie od zwolenników artystów i kilku ekspertów.

Impresjonowaliści w tej kwestii zajmowali dość kompromisowe, pozycje pośrednie. Biblijne, literackie, mitologiczne, historyczne działki związane z oficjalnym akademicdy zostały odrzucone. Z drugiej strony zniszczyli rozpoznawanie, szacunek, nawet nagrody. Aktywność Eduar Man Mane jest orientacyjny, które lata osiągnęły uznanie i nagrody z oficjalnego salonu i jego administracji.

Zamiast tego była wizja życia codziennego i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub odpoczynku, reprezentowali wygląd określonego miejsca z określonym oświetleniem, motywem ich pracy była również natura. Flirt działki zostały zrobione, tańczyć, przebywając w kawiarni i teatrze, łodzią spacery na plażach i ogrodach. Jeśli oceniasz zdjęcia impresjantów, życie jest obrotem małych wakacji, imprez, przyjemnych wypieków na zewnątrz miasta lub w przyjaznym środowisku (wiele obrazów Renua, Mana i Claude Monet). Impresjonowaliści niektórzy z pierwszych zaczęli rysować w powietrzu, bez modyfikowania ich pracy w warsztacie.

Technika

Nowy kurs wyróżnił się z malarstwa akademickiego zarówno w warunkach technicznych, jak i ideologicznych. Przede wszystkim Impresjonici porzucili kontur, zastępując go małymi oddzielnymi i kontrastującymi pociągnięciami, które narzucone zgodnie z teoriami koloru Chevreil, Helmholtz i Ore. Sunbeam jest podzielony na elementy: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest rodzaj niebieskiego, a następnie ich liczba jest zmniejszona do sześciu. Dwie farby położyły się w pobliżu wzajemnie i, przeciwnie, gdy mieszano, tracą intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na pierwotne lub podstawowe, oraz podwójne lub pochodne, a każda podwójna farba jest dodatkowa do pierwszego:

• Niebieski - pomarańczowy
• czerwony zielony
• Żółty - fioletowy

Tak więc było możliwe, aby nie mieszać farb na palecie i uzyskać żądany kolor przez prawidłowe nałożenie ich na płótnie. Następnie stał się powodem porzucenia od czerni.

Impresjonowani są następnie przestali koncentrować całą pracę na płótnach w warsztatach, teraz wolą Lata, gdzie jest wygodne, aby chwycić mruknące wrażenie z tego, co wydawało się, że możliwe było zamknięcie wynalazku do rurki stalowej, która, W przeciwieństwie do skórzanych toreb, może być zamknięta, aby farba nie była sucha.

Artyści stosowali także farby schroniste, które słabo tęsknią za światło i są nieodpowiednie do mieszania, ponieważ są szybko szare, pozwoliło im na tworzenie zdjęć nie z " wewnętrzny", ale " zewnętrzny»Światło odbite od powierzchni.

Różnice techniczne przyczyniły się do osiągnięcia innych celów, przede wszystkim impresjonici starali się złapać naśladujące wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym pacjencie, w zależności od oświetlenia i godziny, najwyższego przykładu wykonania cykli pokoju Monta "Stos sen", "Katedra Ruenana" i "Parlament Londynu".

Ogólnie rzecz biorąc, w stylu impresjonizmu pracował wielu mistrzów, ale podstawą ruchu był Edward Mana, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederick Basil i Berta Morizo. Jednak Manne zawsze nazwał siebie "niezależnym artystą" i nigdy nie uczestniczył w wystawach, a Degi, chociaż uczestniczył, ale nigdy nie napisał swojej pracy na Plenicu.

Chronologia przez artystów

Impresyści

Wystawy

• Pierwsza wystawa (15 kwietnia - 15 maja)

• Druga wystawa (Kwiecień)

Adres: ul. Lepellet, 11 (Galeria Durane). Uczestnicy: Bazil (pośmiertnie, artysta zmarł w 1870 r.), Belior, Bureau, Debiuten, Degas, Kaojt, Calc, Dźwignia, Lepik, Lepik, Mille, Monet, Morizo, L.Ten, Pissarro, Renoir, Rouer, Sisley, Tillan, Francois.

• Trzecia wystawa (Kwiecień)

Adres: ul. Lepellet, 6. Uczestnicy: Guillaumen, Degas, Kaibott, Cal, Corte, Dźwignia, Lyami, Monet, Morizo, Alphonse Moro, Piett, Pisserro, Renoir, Rouer, Cezanne, Sisny, Tilla, Francois.

• Czwarta wystawa (10 kwietnia - 11 maja)

Adres: Avenue Opera, 28. Uczestnicy: Weekend, pani Praemon, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaojt, Calc, Cassat, Leger, Monet, Piett, Pissarro, Rouer, Somm, Tilla, Forew.

• Piąta wystawa (1 kwietnia - 30 kwietnia)

Adres: ul. Piramidy, 10. Uczestnicy: Weekend, pani Praemon, Vidal, Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaojt, Cassat, Lebour, Dźwignia, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tillan, Forene.

• Szósta wystawa (2 kwietnia - 1 maja)

Adres: Kapuchin Boulevard, 35 (Atelier Fotograf Nadar). Uczestnicy: Vidal, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassat, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tilla, Forene.

• Siódma wystawa (Marsz )

Adres: Foburg-Sent-Onorov, 251 (U Dura-Ruyel). Uczestnicy: Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Kaibott, Monet, Morizo, Pisserro, Renoir, Sisley.

• Ósma wystawa. (15 maja - 15 czerwca)

Adres: ul. Luffitt, 1. Uczestnicy: Pani Pambone, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Kaseta, Morizo, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouer, Syra, Signc, Tilla, Ford, Shiffenecker.

Impresjonizm w literaturze

W literaturze impresjonizm nie działał jako osobny kierunek, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizm i symbolikę.

Przede wszystkim charakteryzuje się wyrazem prywatnego wrażenia autora, odmowę obiektywnego obrazu rzeczywistości, wizerunku każdej chwili, co miało wiązać się z brakiem fabuły, historii i zastąpienia myśli według percepcji oraz powód - instynkt. Główne cechy stylu impresjonistycznego sformułowały bracia Gangur w swojej pracy "Diary", gdzie słynna fraza " Zobacz, czuć, wyrażaj - to jest sztuka"Stało się centralną pozycją dla wielu pisarzy.

W naturalizmu główną zasadą była prawdziwość, lojalność natury, ale jest pod wrażeniem, a zatem pojawienie się rzeczywistości zależy od każdej indywidualnej osobowości i jej temperamentu. Jest on najbardziej wyrażony w powieściach Emila Zol, szczegółowych opisów zapachów, dźwięków i postrzegania wizualnych.

Symbolizm, wręcz przeciwnie zażądał odmowy świata materialnego i powrócić do ideału, jednak przejście jest możliwe tylko poprzez mruknące wrażenia, ujawniając tajną istotę w widocznych rzeczach. Żywy przykład poetyckiego impresjonizmu - kolekcja