Era sztuki ożywienia w Holandii. Sztuka Niemiec i Holandia XV-XVI stuleci malarstwa XVI wieku

Rozdział "Sztuk Pięknych XVI wieku", sekcja "Sztuka Holandii". Historia sztuki uniwersalnej. Tom III. Sztuka renesansu. Wysłany przez: e.i. Rothenberg; W ramach ogólnej edycji YU.D. Kolpinsky i e.i. Rothenberg (Moskwa, Publishing House "Art", 1962)

W pierwszych dziesięcioleciach XVI wieku. Malowanie w Holandii przeszedł złożone zmiany, w wyniku czego zasadniczo opisano zasady art. 15 V. I zostały rozwinięte (jednak jest nieporównywalnie mniej owocny niż we Włoszech) cechy wysokiego odrodzenia. Chociaż artystyczne zalety malarstwa 16 w., Z wyjątkiem Bruegla, nie osiągają poziomu XV wieku, w historycznym i ewolucji jego rola była bardzo istotna. Przede wszystkim jest określony przez podejście do sztuki do bardziej bezpośredniego, bezpośredniego odbicia rzeczywistości.

Samowystarczalne odsetki w określonej rzeczywistości było równie doprowadziło do odkrycia nowych, obiecujących ścieżek i metod oraz zawęzić horyzonty malarza. Tak więc koncentrując pomysł każdej rzeczywistości, wielu malarzy przyszło do rozwiązań pozbawionych szerokiego uogólniającego znaczenia. Jednakże, gdzie artysta był ściśle związany z głównymi problemami czasu, co jest rozsądne w swojej pracy głównymi sprzecznościami ERA, ten proces dał wyjątkowo istotne wyniki artystyczne, przykład którego praca Peter Bruegel Senior może służyć jako przykład.

Zapoznanie się z obrazem obrazowym XVI wieku, konieczne jest pamiętać o ostrym znaczeniu ilościowym w produktach artystycznych i jego penetracji na szeroki rynek, który przejawia się przez wpływ nowych warunków historycznych i społecznych.

W ekonomicznym życiu Holandii na początku stulecia charakteryzuje się szybkim kwiatem. Otwarcie Ameryki położyło kraj w centrum handlu międzynarodowego. Aktywnie traktowany przez proces przemieszczenia rzemiosła sklepowego przez manufaktury. Opracowany produkcja. Antwerpia, na wschód od Brugge, stał się największym centrum handlu transitem i operacji pieniężnych. W miastach Holandii żył prawie połowa całej populacji tej prowincji. Przywództwo gospodarki przeszedł do rąk tzw nowych bogatych twarzy wpływowych nie należących do miejskiego patrycjusza, końcówki sklepowej, ale tylko przez ich przedsiębiorstwo i bogactwo.

Burgeois rozwój Holandii stymulował życie społeczne. Widok największego filozofa, nauczyciela itp. Eashma Rotterdamsky jest konsekwentnie racjonalny i humanistyczny. Różne protestanckie sztuczki i przede wszystkim kalwinizm z duchem praktycznego racjonalizmu są bardzo udane. Rola osoby w ewolucji publicznej jest coraz częściej ujawniona. Narodowe trendy wyzwolenia są wzmocnione. Aktywowano protest i niezadowolenie z mas, a ostatni trzeci stulecie jest naznaczony potężnym wzrostem - holenderską rewolucję.

Fakty te całkowicie zmodyfikowały światopogląd artystów.

Malowanie 16 w. Rozważymy w trzech jego etapach. Początkowy, ekscytujący przez pierwsze trzy dekady wiąże się z złożonymi procesami świadomości nowej pozycji osoby w życiu, z wyższym etapem dodania wczesnego kapitalizmu i charakteryzuje się ekstremalną różnorodnością misji i rozbiórki metod . W stadionu, odpowiada wysokim odrodzeniu we Włoszech.

Drugi etap, zakończony przez 1570, został oznaczony terminem zapadalnością nowego światopoglądu i najbardziej zauważalnego sukcesu realistycznych trendów, awraz z faktem, że aktywacja przeciwnych kierunków i otwarty kontrastującej tych dwóch linii w rozwoju art. Zasadniczo jest to czas kryzysu renesansowego.

Trzeci okres, przytulanie ostatniej trzeciej stulecia, jest określony przez całkowite zniknięcie ożywionych zasad i pojawienia się fundamentów XVII-wiecznej sztuki.

Jeden z największych mistrzów pierwszej trzeciej wieku - Quentin MassAis (urodził się w 1465 lub 1466 w Lupee, Umysł. W 1530 r. W Antwerpii).

Wczesne dzieła Quentin MassAis niesie wyraźny odcisk stare tradycje. Pierwsza znacząca praca jest trifty, poświęcona św. Anna (1507 - 1509; Bruksela, Muzeum). Sceny na zewnętrznych bokach klapek bocznych wyróżniają się przytomnym dramacie. Kilka uprawianych obrazów majestatycznych, liczby są powiększone i ściśle kompilowane, przestrzeń wydaje się zagęszczona. W ujawnionym ołtarzu ołtarz jest bardziej harmonijny - lokalizacja osób działających jest wolna, spokojny wymiar rytmu i kompozycji jest ujawniony. Podstawą koncepcji masowego producenta jest pragnienie pośrednio, najczęściej przy pomocy środków artystycznych i formalnych, podnieś wizerunek osoby.

W następnej pracy - "żałobno" (1509-1511; Antwerpia, Muzeum) Nie jest już ograniczony do ogólnej ekspozycji obrazów; Próbuje wprowadzić działanie w składzie, bardziej konkretnie ujawnić doświadczenia bohaterów. Nie widząc jednak, co jest prawdziwa wielkość człowieka, nie może organicznie rozwiązać tego zadania i łączyć swoją decyzję z korzyściami ołtarza św. Ania.

Artysta przychodzi do rozwiązań, jest zdenerwowany i zdezorientowany, który zwykle jest wyjaśniony przez gotyckie pozostałości. Jest jednak bardziej poprawny, aby zobaczyć wynik fuzji dwóch nieruchomo niewystarczających trendów: pragnienie wywyższenia wizerunku osoby i innego trendu związanego z próbami przedstawienia sytuacji w jego życiu naturalności. W każdym razie ten sam ołtarz reprezentuje zarówno te tendencje, jak i osobno; Obrazy są uogólnione w sąsiedztwie charakterystyki groteskowej.

Żywotny początek doprowadził do masowego producenta, aby stworzyć jedną z pierwszych w dziedzinie nowego czasu gatunku, obrazy domowe. Mamy na myśli "Zmiana z żoną" (1514; Paryż, Luwr). Jednocześnie zainteresowanie, że artysta stale utrzymywał się w artysty, który go skłonił (być może pierwszy w Holandii), aby odwołać się do sztuki Leonardo da Vinci ("Maria i Baby"; Poznań, Muzeum), choć tutaj możesz Mów więcej o pożyczaniu lub naśladowaniu.

W pracy Massa oba nazywane trendy są wspólnie lub dominującym powyżej drugiego. W tych samych przypadkach, gdy dominuje pragnienie konkretności, można zauważyć, że wyjątkowe lub pojedyncze zjawiska przyciągają go w rzeczywistości. Są to ekstremalne przejawy lub deformacje lub cechy (portret starego człowieka; Paryż, Jacmar andre Museum).

W tych samych przypadkach, gdy oba trendy są syntetyzowane, one lub służą jako wyraz istotnej energii ludzi (która wydarzyła się już w "żałobie"), lub są stosowane do przekazywania ludzkiej sfery mentalnej ("St. Magdalene"; Antwerpia, Muzeum) .

Taka synteza była szczególnie powszechnie osiągnięta przez masowe wydarzenie w obszarze portretowym. Portrety Eashma Rotterdam (Rzym, Pałac Corsini) i jego przyjaciel Peter Egidia (Salisbury, Radnor Spotkanie), Portret Etienne Gardiner z Galerii Liechtenstein w Vaduets, a drugi - głęboko, z kompleksowym stanem wewnętrznym - z Stander Institute we Frankfurcie należą do daty najlepszych próbek tego gatunku. W portrecie, jak w wielu innych dziełach, masowo osiąga szczególny sukces podczas przeniesienia wspólnego, nie demontażu dla indywidualnych uczuć i jakości, duchowości obrazu.

W swoim przetwarzaniu fundamenty Masscy malarskiej Holandii w dużej mierze uwzględniają tradycję. Jednocześnie pracowali mistrzowie, którzy wolali bardziej decydującą aktualizację sztuki - tzw. Divelists.

Wybrali jednak sposób, które ostatecznie zdyskredytowały wszystkie swoje przedsięwzięcia. Byli trochę zainteresowani rzeczywistością jako taką, starali się monumentalizować wizerunek osoby. Ale ich idealne obrazy nie bardzo odzwierciedlały nowej koncepcji pokoju i mężczyzny oraz wysoki pomysł na osobę, ponieważ był rozproszony fantazji na temat tematów starożytnych mitów, rodzaju uwarunkowanego artystycznego wyrażania siebie. W swojej pracy nieobecność prawdziwie poglądy humanistyczne była szczególnie wyraźnie dotknięta, a stały odwołanie do sztuki włoskiej (określona nazwa tego kierunku) nie podążyła za pustą pożyczką. Nowiściami malarstwa jest żywym dowodem na nowe zrozumienie miejsca człowieka na świecie i nie mniej jasnym dowodem impotencji na Holandii Glebie, aby rozwiązać ten problem w postaci włosko. Paszewiczne formuły nowiściami zasadniczo pozostały wynikiem czystej preparatu.

Największym przedstawicielem Nomanizmu pierwszej trzeciej wieku był Yang Gossart na pseudonimu Mabuse (urodził się w 1478 roku w pobliżu Utrechta lub Marezhe, umysł. Między 1533 a 1536 w Middelburg).

Wczesna praca (ołtarz w Lisabone) Szablony i archaiczny, jak jednak i wykonywane natychmiast po powrocie z Włoch (Ołtarz w Muzeum Narodowym w Palermo "Wolf Whale" w Galerii Narodowej Londynu).

Przesunięcie w dziedzinach Gossarth występuje w środku 1510 wieku, kiedy wykonuje wiele obrazów na mitologicznych działkach. Naga natura pojawia się tutaj, a później działa nie jako prywatny motyw, ale jako główna zawartość pracy (Neptuna i Amphitryte, 1516, Berlin; "Hercules i Omfala", 1517, Richmond, Spotkanie Cook; "Wenus i Amur", Bruksela, Muzeum; "Dana", 1527, Monachium, Pinakotek, a także liczne obrazy Adama i EVA). Jednak wszystkie te prace cierpią na nieprzekonujące. Triumfalna postawa bohatera, wąski schemat kompozytowy i drzwi, martwe modelowanie łączy się z niemal naturalistyczną dokładnością poszczególnych szczegółów.

Gossart prowadził z ograniczonego schematu humanistycznego. Jego odmiany na jednej lub dwóch nago postaciach zawsze pozostają dość warunkową konstrukcją. Obserwacje Fatur nie ożywiają nawet ich i tylko podejmują pomyślanie sprzeczne autora.

Bliskość kreatywności Gossarta z wąskimi ramkami jest szczególnie odczuwana w tych rzadkich przypadkach, gdy mistrz udało się przezwyciężyć tę strukturę w pewnym stopniu.

W "St. Luke, pisanie Maryja "(Praga, Galeria Narodowa) Gosart, wycofanie się z własnego systemu, próbował związać postacie z kompleksową przestrzenią architektoniczną i stworzył nieco fantastyczną, ale imponującą koncepcję człowieka i medium.

Wręcz przeciwnie, w wcześniejszym "usunięciu z krzyża" (Ermitaż), stanęł przed niezdolnością do odtworzenia dramatycznej narracji ze swoimi metodami - i w dużej mierze odmówił widzenia dowodu ich nieodpowiedniej do rozwiązania dużych zadań.

Wreszcie trzeci i najważniejszy dowód ograniczenia nowościch systemów Gossarta jest jego portrety (DiptTech przedstawiający kanclerz Carondel, 1517, Paryż, Louvre; Sashes portret w Muzeum w Brukseli; Męski portret, Berlin); Dla ich wysokich cech artystycznych osiąga się cenę znanego wyjazdu z tych systemów. Rekreacja prawdziwego wyglądu przedstawiony, mistrz jest monumentalizuje, a brak szczegółowych charakterystyk psychologicznych sprawia, że \u200b\u200bte portrety są jeszcze bardziej imponujące. Wola gatunku zmuszona do przylegania do natury, States Uwagi sięga tutaj stawki obrazu, który jest tak pozbawiony prac, w których obserwował swój system ze wszystkimi rygorem.

Inny duży powieściopisarz - Bernard Wang Oreley (OK. 1488-1541) System systemu państwowego rozszerzyło się. Już na jego wczesnym ołtarzu (Wiednia, muzeum i Bruksela, muzeum), wraz z prowincjonaloznawcą szablonem i scenerią w duchu Włosi, widzimy elementy szczegółowej, dokładnej historii.

W tak zwanej pracy ołtarzu (1521; Bruksela, Muzeum) Orel dąży do dynamiki ogólnej decyzji i narracji. Niski mrożone bohaterowie Gosselty, aktywnie obejmuje. Wykorzystuje wiele obserwowanych części. Pilnie, charakterystyczne figury naturalistycznie (wizerunek paskudnej wspinaczki) są przylega do bezpośredniego pożyczek włoskich próbek (bogatych w piekło), a tylko w drugorzędnych, prywatnych odcinkach, artysta postanowił połączyć je w prawdziwą scenę życia (lekarz uważa Umywanie moczu). Lubi obejmować architekturę wszelkiego rodzaju wzorów, a kontury ołtarzy dają niesamowitą nieustanność.

Druga połowa jego pracy jest związana z próbami bardziej ekologicznego rozwoju włoskiego malarstwa. Był to znaczny stopień znajomości kartonowej Rafael wysłanej, aby spełnić Steller w Brukseli, gdzie mieszkał Orel. Główną dziełem tego okresu, "strażalny sąd" (1525; Antwerpia, Muzeum), jest pozbawiony ekscesów ołtarz Iova, a wprowadzenie obserwacji polowych jest bardziej organicznie.

Orel jest jednym z uwagi portretu jego czasu. W swojej najlepszej pracy tego gatunku, portret Medica Georg Van Keller (1519; Bruksela, Muzeum), nie wywiera bramki głębokiej penetracji w sferę duchowej modelu. Pochodzi z ekspresji dekoracyjnej; Funkcje twarzy są regulowane pod pewną formułą stylistyczną. Jest jednak jasny, ekspresyjny cały mistrz wie, jak wprowadzić drobno obserwowane szczegóły. Inne jego portrety są tak samo dekoracyjne, ale bardziej stylizowane. W tych dziełach jest bardziej artystyczna ekspresja niż odkrywa prawdziwy obraz.

Podobnie jak wszyscy nowiściami (a, być może bardziej intensywni inni), Orel był zainteresowany sztuką dekoracyjną, w której okolicy pracował i owocnie. Jego praca jest znana z Manufactory Car Bruksela, witrażowych okien (na przykład w Kościele Świętego Guadula w Brukseli).

Jeśli masaes i nowicjales (Gossart, Orel) próbowali zdecydowanie aktualizować malarstwo niderlandzkie, wtedy przytłaczająca większość współcześni była bardziej tradycyjna w swoich pracach. Jednak ich kreatywność należy pamiętać, ponieważ charakteryzuje różnorodność trendów w dziedzinie Holandii.

Wśród współczesnych Antwerpii Massa znajdujemy Mistrzowie, nawet szczelnie związane z 15 V. (Mistrz z Frankfurtu, Mistrza Morrison Triptycha) i artystów próbujących złamać byłych kanonów, wprowadzając dramatyczne (Magistrz "Magdalen" Anuluje Manzi) lub narracje (Master of Home-Ochrona) elementów. Niezależność w preparacie nowych problemów łączy się z tymi malarzami z bezwarunkowym zainteresowaniem. Uważne więcej - trendy do dosłownego, dokładnego obrazu natury, eksperymenty na ożywienia dramatu w formie przekonującej historii codziennej i próbują zindywidualizować dawne obrazy liryczne.

Te ostatnie, z reguły, scharakteryzowała najmniej radykalni rzemieślników i jest bardzo istotna, że \u200b\u200bten trend stał się decydujący dla Brugii, miasto, które spadły zarówno w ekonomicznym, jak i kulturowym. Tutaj prawie nieustraszająco zdominował zasady Gerarda Davida. Byli posłuszni jak mistrzowie na poziomie artystycznym przeciętnym i większym, drutem Yang (ok. 1465-1529) i Adrian Isorebrandt (umysł w 1551 roku). Zdjęcia Isaenbrandt z ich powolnym zanikającym rytmem i atmosferem koncentracji poetyckiej (Maryja na tle siedmiu pasji, Brugge, Kościół Notre Dame; Męski Portret, Nowy Jork, Metropolitan-Museum) - Być może najcenniejsze w produktach Brugge. W tych rzadkich przypadkach, w których artyści próbowali złamać wąskie limity tradycji w Brugii (praca Lombarde Ambrosiusa Bensona, umysłu. W 1550 r.) Nieuchronnie okazało się być w ekleksycyzmie energetyki, czy podejmowanie twardych prozaicznych lub, na Wręcz przeciwnie, nie pozbawiony imponującego nawigacji.

Inne twórcze aspiracje charakteryzowały północne prowincje. Tutaj rozwój przebiegał bardziej powściągliwy, nie tak kosmopolityczny, a czasem ekstrawagancki formularze, jak w Antwerpii, a jednocześnie było pozbawione stagnacji charakterystyki Brugge. Lifestyle, a jednocześnie kultura była skromna i demokratyczna.

Prace starszych pokoleń holenderskich malarzy jest raczej niezręcznie, ale są już narażone na niewinną obserwację swoich autorów i ich zaangażowania w konkretne życie (Master od Delphta, Master of Amsterdam "Śmierć Maryi"). Ta jakość utworzyła podstawę całej holenderskiej sztuki XVI wieku.

Wyróżnione w 15 V. Zainteresowanie ludzkim wzajemnym związkiem (Gerggen) zaczyna przynosić owoce. Czasami łączy się z żywym sensem ludzkiej indywidualności i określa osobliwości portretu (męski portret Yana Mostarta (ok. 1475-1555/56) w Muzeum Brukseli. Części częściej manifestuje się w wzmacnianiu trendów gatunków - Na przykład w Iostu Calca (ok. 1460-1519) między 1505 a 1508. Ołtarz Kościoła św. Mikołaja w Captare. W pracy Master z Alcmary (pracował po 1490 r.), Raczej się w Prawdziwie miejskie, domowe, narracyjne gatunek. W cyklu "siedmiu przypadków miłosierdzia" (1504; Amsterdam, Reixmuses) Akcja została przeniesiona na ulicę - jest reprezentowany wśród holenderskich domów, z udziałem losowych przechodniów-przez, w Cała dokładność dziennego przepływu.

Zatem ogólna panorama malarstwa Holandii pierwszej trzeciej stulecia przyjmuje następujące kontury: powieściopeleps starają się zakończyć stare tradycje i w poszukiwaniu formalnego monumentalizacyjnego naśladowania Włosi, Massa próbuje poinformować wizerunek wysokości, Bez rezydowania w tym samym czasie z żywą rzeczywistością i twórczo rozwijają się w nowych warunkach tradycji realistycznej sztuki drugiej połowy XV wieku. Wreszcie małe mistrzowie reagują na nowe prośby na swój własny sposób - tutaj i różnorodność poszukiwania mistrzów Antwerpii oraz archaicznych tekstów Brajżtów oraz decydującemu odwołaniu się do krajowego początku holenderskiego. Należy dodać, że w tym czasie mistrzowie 15 V.- Bosch, Gerard David, nadal żyją i pracują.

Z wyjątkiem nowiściami (i biorąc pod uwagę redukcję gospodarstw domowych o ich zewnętrznie heroizowanych rozwiązań, a następnie razem), Holandia Art doświadcza okresu aktywnej specyfikacji jego metody twórczej, odnosi się do bezpośredniego i samokonalizowanego obrazu rzeczywistości.

Grupa tak zwanych "Manerystów Antwerpii" zajmuje specjalną pozycję. (Termin ten jest całkowicie uznawany i powinien wskazywać pewną osobowości osobowości osobowości. Nie powinniśmy mieszać z manieryzmem w zwykłym znaczeniu tego słowa.). Żywa rzeczywistość obrazu i dokładność obrazu nie przyciągnęła ich. Ale także warunkowe, retoryczne i zimne dzieła nowiściami były również obce. Ich ulubionym tematem jest "kult Magi". Wyrafinowane fantastyczne postacie, mylący efekt wieloifigure, umieszczony wśród ruin i kompleksowej scenerii architektonicznej, wreszcie obfitość akcesoriów i niemal bolesnych uzależnienia od wielokrotności (znaki, części, plany przestrzenne) są charakterystycznymi różnicami w ich obrazach. Przez to wszystko, pchnięcie dużych, uogólniających rozwiązań, które pozostały poczucie nieograniczonego wszechświata. Ale w tym jej pragnienie "Manherista" niezmiennie opuścił betonowe życie. Bez możliwości nasycenia swoich ideałów z nową treścią, bez sił, aby oprzeć się trendom ich czasu, stworzyli sztukę, fantazyjną łączenie rzeczywistości i fikcji, uroczystość i fragmentację, wellness i anegdotyzm. Ale kurs jest objawowy - wskazuje, że konkretność gospodarstwa domowej przyciągnęła daleko od wszystkich malarzy Holandii. Ponadto wielu mistrzów (zwłaszcza w Hollandii) używało "mulanistycznych" technik w specjalny sposób - aby ożywić ich kompozycje narracyjne i zgłosić je bardziej dramatu. W ten sposób Cornel Engelbrechteste (urodzony w 1468 r. W Leiden jest umysłami. W 1535 r. W tym samym miejscu; Altari z "krucyfiksem" i "żałobą" w Muzeum Leiden), Jacob Cornelis Wang jest Ostezanen (ok. 1470- 1533) I inne.

Wreszcie znany kontakt z zasadami "manieryzmu" jest przechwycony w pracy jednego z największych mistrzów swojego czasu Joachim Patinir (ok. 1474-1524), artysty, który można uznać za kompletne prawo Główne generatory europejskiego malowania krajobrazu nowego czasu.

Większość prac stanowi szeroko zakrojone widoki, w tym skały, doliny rzeczne itp., Pozwolenie jednak na przestrzeni przestrzennej nieorganicznej. Patinir umieszcza również małe postacie znaków różnych scen religijnych w swoich obrazach. Prawda, w przeciwieństwie do "manurystów", jego ewolucja jest zbudowana na stałej konwergencji z rzeczywistością, a krajobrazy stopniowo pozbywają się dominacji tematu religijnego (patrz "Chrzest" w Wiedniu i "Krajobraz z lotem do Egiptu" w Antwerpii). Budowa krajobrazu, wysoki punkt widzenia, a zwłaszcza roztwór kolorów (od brązowego pierwszego planu przez zielony i zielony i żółty pośredni do niebieskiego DALA) miał duży wpływ na kolejnych mistrzów. Od mistrzów blisko czasu Patinir należy nazywać Herrimmet de Blis (OK. OK. 1550), a także już wspomniane w innym połączeniu Jan MostART, scena z Conquest of America (Harlem, Muzeum France Gals) który tradycja Bosch wykrywa również.

W pierwszej trzeciej XVI wieku - z jego łamaniem dawnych zasad i mocowanie nowych ścieżek - charakterystyki i eklektyczne połączenie różnych trendów i. Wręcz przeciwnie, prawie fanatyczna wytrwałość w świadomości i rozdzielczości artystycznych zadań.

Pierwsza z tych funkcji dewalues \u200b\u200bkreatywność dość profesjonalnie, czasami mistrzowie pracował iOS Van Kleve (jest mistrzem "Wniebowzięciem Maryi", ok. 1464-1540); Jego poetyckie obrazy Maryi z dzieckiem i Józefem, a także późnym portretami, identyfikując charakter modelu. Ale druga nazwa funkcja określa wewnętrzne patosy największego czarodzieja porównującej porów - Lutensky (ok. 1489-1533). Jego sztuka kończy i wyczerpuje obraz pierwszego trzeciego wieku.

W wczesnych grawerowaniach (został uwielbiony jako mistrzowinę rycin, a dzięki swojej działalności są połączone przez pierwsze duże sukcesy cięcia "ryctwa w Holandii), jest nie tylko dokładne w przeniesieniu rzeczywistości, ale także dąży do stworzyć holistyczną i ekspresyjną scenę. W tym samym czasie, w przeciwieństwie do swoich holenderskich współczesnych (na przykład mistrzowie z Alcmary), Luka dąży do ostrego wyrażenia psychologicznego. Są to jego arkusze "Magomet z martwym mnicha" (1508), a zwłaszcza "David i Saul "(około 1509). Wizerunek Saula (w drugim z nazwanych dzieł) wyróżnia się wyjątkową złożonością na ten czas: tutaj i szaleństwo - nawet ostatni, ale także zaczynają pozwalać żołnierzy wyczerpani duszę i samotność i tragiczna skazana na skazanie. Emotcjonalność tego rozwiązania jest bardziej tworzona przez formalne środki - skład (Saul wydaje się być izolowane i skompresowane linie kompozytowe), stopień konkretności w wyniku istniejących osób, goth z tyłu do Dawida idzie wzrost cech gospodarstwa domowego, tak że na obrazie Saul zmienił się dramatycznie Stresujący dramat) i wreszcie, porównywanie odwrotnych danych naprzeciwko ich ekspresji (jedno oko Saula jest uderzającą odległość, agresywny, pogląd na kolejne tętniące życiem, powodując, ciemny, zamknięty).

Cebula cebularz tego okresu powinna być uznana za decydującą odwołanie do rzeczywistości, a jednocześnie wzmocnione podporządkowanie swojej artystycznej koncepcji pracy. Motywy czystego gatunku służą jako specjalne zadanie - próba podkreślenia ruchów duszy, aby przedstawić je w skrajności, do granicy wyrażenia zaostrzeń. Ten ostatni daje eksperymenty psychologiczne Łukasza dziwnego dualności: ich ekscytująca ekspresyjność łączy się z robakiem, czasami nawet twardą karą. Nie ma innej sztuki tworzenia poszczególnych znaków, zamienia jego, wydaje się, że dość prawdziwy bohaterowie w środkach do przykładu wykonania pewnych emocji. W swoim zainteresowaniu motywami psychologicznymi - pragnienie dokonania oczywistej obiektywnej siły ruchu umysłowego jako takiego złożoności i niespójności.

Ogromny krok naprzód w podejściu do konkretnej rzeczywistości jest widoczny w swoich dziełach porządek genre ("gra w szachy", Berlin; "Żona przynosi ubrania Potifary Josepha", Rotterdam, Muzeum Bumansvan Bainingen), ale także tutaj Start gospodarstwa domowego jest podkreślony przez artystę raczej jako rodzaj rozproszonej, niezależnej kategorii.

Podobny do problemu z portretem. W autoportretu Luke Leidensky (Brown-Schpet, Museum) stworzył jeden z najbardziej istotnych obrazów epoki. A wyżej wymienione krendecilation, podkreślił prawdziwy start powiedział ten obraz i inną cenny jakość - jego charakter mieszczający jest zatwierdzony przez artystę z oprogramowaniem powodującym patos.

Ale ze specjalną siłą "pojęcie realistyczne" Luke, objawił się w jednej z jego najgłębszych prac - grawerowanie Korownica (1510). Zagraniczne wrażenia są wyrażone z prawdomówką brutto. Ale geometrycznie jasny, rytmiczny układ krów i złożone podporządkowanie wszystkich części przez system osi pionowej przynosi ducha nienagannego rygoru do tego arkusza i proporcjonalności. Poważnie imponująca postać faceta i szorstka, ale nie pozbawiona łaski Korownice odpowiedniego środowiska rytmicznego - w pierwszym przypadku jest prosty i wyraźny, w drugim zbudowanym na zakrzywionych formach.

Ich figury zamarły, a gesty są stabilne. Niemniej jednak Luke Leidensky przekazuje relację swoich bohaterów - przy pomocy gładkiej linii biegnącej odległych gór i kilku innych technik kompozytowych, udało mu się wyrazić facet i współtwórkę dziewczyny i nawiązać kontakt między nimi, wydawałoby się całkowicie rozłąkowane figury .

Luke Leidensky, z rzadką ostrością przenoszącą jego otaczającą rzeczywistość, unika rozwiązań gatunkowych i próbuje monumentalizację rzeczywistości. W Korownicach osiąga słynną harmonię - uogólnienie rzeczywistości daje mu cechy monumentalności, ale nie prowadzi do konwencji.

Następujące dziesięć lat swojej kreatywności tej harmonii są pozbawione.

Jest bardziej organiczny wprowadza prywatne obserwacje, zwiększa element narracyjny, ale natychmiast neutralizuje go do uporczywy alokacji każdej osoby działającej - zanurzonej sam w sobie i jakby wyłączył się z środowiska domowego.

Podekscytowany i nerwowy ton emocjonalny "St. Anthony "(1511; Bruksela, Muzeum), Wprowadzenie, wydawałoby się, codziennie" karta gier "(ok. 1514; Wilton Hauz, spotkanie Pembrok), tajemnicze w swoim abstrakcyjnym, niepewnym stanie centralnej postaci, w końcu zmiana" Madonna z dzieckiem i aniołami "memblorowania, gdzie na idealnym obrazie 15 V. Uwagi beznadziejności (Berlin) są wykonane - wszystko wskazuje na nowy etap w sztuce Luke'a.

Naturalna jedność chwil gospodarstwa domowego i uogólniona nabywa napięcia. Artysta wzmacnia w swoich pracach rola konkretnej rzeczywistości. Jednocześnie wzrost nerwowości interpretacji obrazów mówi o utracie dawnej jasności światopoglądu. Nie można jednak zauważyć innych - w dziełach tego okresu pomysł rzeczywistości jako sam w sobie, izolowany gęsty jest gorszy od poczucia życia jako holistyczne, głębokie i złożone zjawisko. I dzieła 1510.. Wyróżnia nie tylko wzbudzenie, ale także odcień bezpośredniej ludzkości.

Najbardziej kompletnym wyrazem tych diabła niesie "kazanie w kościele" (Amsterdam, Reynxmuses). Master wyraźnie wyróżnia trzy składniki: scena domowa kazania, przestrzeń kościoła jest pusta, nasycona emocjonalnie, ciągnięcie i kształt mężczyzny z kapeluszem w ich rękach, co przyciąga uwagę widza z powściągliwym, rozproszonym przez wyrażenie i wysokie godność. Obraz i gatunek tutaj są zaostrzone, nago i połączone sztuczną konstrukcją całej sceny. Tutaj i prawie interesy badawcze w życiu, a słynne zamieszanie, wahania spowodowane pytaniem, które nie zrozumieli współczesnych artysty w tak wyraźnej formie, jest to, co istotna jest istotna ludzka.

"Kierownictwo w kościele" znajduje się w pobliżu męskiego portretu (ok. 1520; Londyn, Galeria Narodowa), gdzie zimna zdecydowanie widzenia otrzymała cień skrajnej, wzburzonej szczerości. W tym portrecie jest jeszcze bardziej widoczny niż w "kazań w kościele", że Luka jest już zainteresowana nie wąską lub statycznie stała rzeczywistość, ale życie jako kompleks, który jest procesem. Wizerunek załączonej intonacji, nie do pomyślenia z poprzedniego zrozumienia rzeczywistości (kolor gamma odpowiada w dużym stopniu: zielone tło, zimną bezkrwawą twarz, bezbarwne usta).

Jednak tutaj Luten Lutensky spali zadania, na tym etapie kultury holenderskiej praktycznie trudnej intractu. Jego poczucie istotnego procesu w końcu doprowadziło do wyrównywania osoby; Dla jej heroicznej egzaltacji sam nie widział fundacji, a na samodzielną zgodę, brakowało idei holistycznego duchowego świata indywidualności. Mistrz był w martwym końcu, a trzeci okres swojej pracy, 1520. jest tragiczna próba znalezienia wyjścia.

W "Zwiastowaniu" (część DiptTecha, 1522; Monachium, Pinakotek) i "Maryi z dzieckiem" (Amsterdam, Reyxmuses), figury są zaangażowane w nieokreślony, wszechstronny ruch wyrażający nie może natębiać płynność, ale tylko irracjonalna, brudna troska. Wraz z rozwojem nerwowości, notatki są sarkastyczne, prawie szykowane (tak samo "Zwiastowanie", grawerowanie 1525 "Vergilia w koszyku"). Dostarczanie w poprzednich wyszukiwach, mistrz apeluje do romanizmu.

W ołtarzu z "straszliwym boiskiem" (1521-1527; Leiden, Muzeum), postacie grzeszników i sprawiedliwych ludzi niewątpliwie mają znaczenie (dalsze od nich - aż do komicznego jego krajowego charakteru małego ojca - - tym szybciej ma znaczenie). Ale nie jest przypadkiem, że artysta przesuwa te figury do bocznego skrzydła, aw środku kompozycji pozostają tylko opuszczone miecze ziemi. Próby monumentalnie heroizowanych rozwiązań znosi upadek. Leiden Ołtarz, będący jednym z najbardziej znanych dzieł malarstwa Holandii, jednocześnie wskazuje na zagładę poszukiwania jego twórcy.

Ostatnie dwie dzieła, Luke Leidensky Porozmawiają o kryzysie psychicznym: "Maria z dzieckiem" (Oslo, Muzeum) jest czysto formalną idealizacją, "uzdrowienie ślepy" (1531; Ermitaż) jest połączeniem mulistnych przesadnych i naturalistycznie szczegółów .

Kreatywność Lutensky Lutensky zamyka sztukę pierwszego trzeciego wieku. Już na początku 1530 roku. Malarstwo Holandia dołącza do nowych sposobów.

W tym okresie scharakteryzowano szybki rozwój realistycznych zasad, równolegle aktywacji nawityzmu i ich częstej kombinacji.

1530-1540S. - Są to lata dalszego sukcesu w burżuazyjnym rozwoju kraju. W nauce jest to czas ekspansji i systematyzacji wiedzy. W historii cywilnej - reformowanie religii w duchu racjonalizmu i praktyczności (kalwicinizmu) i powoli, wciąż niedaleko upadek rewolucyjnej aktywności mas, pierwsze konflikty między rosnącą krajową samoświadomością a dominacją władzy wentylnej feudalnej absolutistowej habsburskich.

W sztuce najbardziej znatule jest szeroko rozpowszechniona dystrybucja gatunku domowego. Trendy krajowe podejmują formę dużego gatunku lub małego obrazu lub manifestować pośrednio, określając specjalny charakter portretu i malarstwa religijnego.

Duży gatunek został dystrybuowany w Antwerpii. Jego główni przedstawiciele - Yang Sanders Wang Hemessen (OK. 1500-1575) i MARINUS VAN ROYMERS-VALE (około 1493 - być może 1567) - polegał na tradycji Quentin MassAis (różne opcje "zmieniły" Roimmerssvale i "Merry Society" Z Karlsruhe Hemessen). W istocie całkowicie zniszczyli granicę między wzorem domowym a religijnym. Dla obu groteseków charakteryzuje się wzrostem rzeczywistych obserwacji. Ale zasady Hemsense są trudniejsze - podkreślając dwa lub trzy duże dane statyczne na pierwszy rzut oka, w głębokościach umieszcza małe sceny gatunkowe, grając rolę komentarza. Tutaj możesz zobaczyć próbę zaangażowania krajowej sprawy we wspólną witalność, pragnienie dania konkretnego faktu bardziej ogólne znaczenie. Te wąskie obrazy na temat (zmiana, dziewczęta z domów publicznych) i odzwierciedlają całkowity brak idei społeczności ludzkiej.

To ostatnie znajduje przykład wykonania w języku holenderskim i określa jego oryginalność. Było jaśniejsze niż wszystko w pracy Yana Van Amstel ("wspaniałe nasycenie pięciu tysięcy" z Muzeum Brownshwea (autor tej pracy był nieznany i został nazwany Brunshweigsky Monogramist. Jednocześnie przypisano mu hemassen.). Amstel (rodzaj. Ok. 1500; pracował w Antwerpii do 1540 r.) Gatunek nie pojawia się w formie pojedynczej sceny przeniókowej do widza, ale jako panorama z wielu uczestników, opracowany krajobraz itp. Ten typ obrazu był bardzo obiecujący I do pewnego stopnia wpłynął na dodanie malarstwa Bruegla. Amstel widzi fakt domowy w swoim bezpośrednim zakresie ważnym.

Jeszcze wyraźniej, trendy domowe objawili się w portrecie, a portret holenderskiego - w Holandii burżuazja była bliżej warstw ludowych i była silna w duchu społeczności korporacyjnej.

W dziełach malarzy w Amsterdamie, Dirk Jacobs (ok. 1497-1567) i Cornelis Tainissen (pracował od 1533 do 1561), indywidualny wizerunek jest już zrozumiały w swojej codziennej rzeczywistości. Wybierają zwykłą postawę, dają naturalny gest do przedstawienia i, co jest szczególnie ważne, dokonać znaczącego kroku w kierunku bardziej określonego zrozumienia duchowej abis danej osoby. W swoich pełnych obrazach mieszczańczy Jacob stara się przenieść wysoką samoświadomość modelu (męski portret z Turynu), a nie ma już śladu tego podporządkowania koncepcji autora, co było tak typowe dla pierwszej trzeciej wiek.

Wyszukiwanie gospodarstwa domowego naturalności obrazu portretu zamknięte z poczuciem społeczności mieszczaninowej, w innym połączeniu, objawiającym się z Amstel, aw rezultacie był całkowicie oryginalny gatunek - holenderski portret grupy. Jego najlepsze próbki powstały później, ale pierwsze sukcesy są związane z pracą tego samego D. Jacobsa (Portret 1532 w Hermitacji) i K. Tainissen (Portret 1533 w Amsterdamie). Byli oni, którzy przedstawili dwa główne rodzaje portretów grupowych - jako ilość izolowanych pół-obrazowania iw postaci schematycznie reprezentowanego posiłku. Te portrety są dość prymitywne, ale w nich, jak również na samotnych obrazach, wyraźnie wydaje się pchnięciem konkretnym obrazem i sukcesem w opanowaniu ich. Do pewnego stopnia artysta celowo wprowadził nawet elementy charakterystyki społeczno-domowej przedstawionych znaków.

Trendy te nie przejmowały nawigacji, ostro zmieniło ich twarz. Monumentalizację obrazu w romanizmie późnych 1520 i 1530. Nie przypomina już o metodach państwowych.

Jednak nomanism tego czasu jest heterogeniczny. Peter Cook Wang Alst (1502-1550) przyciąga naszą uwagę nie tak bardzo ze swoimi pracami, ile szerokości interesów i edukacji humanistycznej: odwiedza Turcję, wykonuje wiele dzieł dekoracyjnych, tłumaczy traktat serlio itp. Ręk Yang (1495-1562 ) był również wieloastecznymi osobowościami - duchowny, inżynier, muzyk, rytualizator, opiekun zbiorów Adrian VI itd., Ale dodatkowo i bardzo duży malarz.

Już w najwcześniejszych dziełach jest to niemożliwość obrazu (ołtarza z Ober-Vellaha, 1520) oraz do silnych, kontrastujących porównań człowieka i krajobrazu (Van Lochorst; Utrecht, Muzeum). Ujawniono tutaj ideę "ukrzyżowania" (Detroit, Institute of Art).

Kompozycja opiera się na porównaniu Jana, wspierania Maryi i rodzaju dalekiej Jerozolimy. Oba te komponenty są łączone: u stóp magdaleny, skorelowany w dużej mierze do John Group, a wojownik z kobietą należącą do przestrzeni krajobrazu. Dlatego figury pierwszej firmy są związane z tłem, ale w kształcie skoku, przerywany charakter tego połączenia jest wypełnione dramatem. Gruba ekspresję liczb (silna John, "Menzizijskiego" Chrystusa) znajduje nieoczekiwany mecz w szybko wdrażającym, podekscytowaną panoramę krajobrazu. W dramatyzmie "Krucyfikacji" Ralls szukają komunikacji z życiem, koncentrują obraz i informuje o tym śmiałym, powodując ekspresję.

W tych warunkach stoi w obliczu doświadczenia Włochów. Świadomość relikwii obrazu prowadzi do idei możliwości, aby osoba znaleźć jedność harmoniczną ze światem.

Artysta zmienia sposób. Gdzieś na krawędzi 1520-1530. Tworzy kilka bezosobowych, ale zrównoważonych, naturalnie łączących ludzi i scenerię decyzji. A jeśli początkowo krajobraz sprowadza się do roli akompaniamentu nowości-retorycznego (Novonidenny przez radzieckich historyków sztuki "Madonna z dzieckiem"), a obrazem jako całość wydaje się nieco warunkowa, choć nie pozbawiona Pafosu ("Geaching John ", Haga, spotkanie Turków;" Chrzest ", Harlem, Muzeum Ghortarzy França), jego dalsze eksperymenty odzwierciedlają wysoką ideę osoby (" przynosząc do świątyni "; Wiednia). W tym samym latach Rawls ciężko pracują na portret, szukając imponatywności jednego obrazu: Portret Agatha Van Shothonhoven (1529; Rzym, Galeria Doria Pamphili), męski portret, z którym wyżej wymieniona Madonna była Raz DiPTech ( Berlin), "shkolyar" (1531; Rotterdam, Muzeum Bumans-Van Bainingen). Portrety wąwozów są pozbawione tych żywych funkcji, które przyciągają Jacobs i Teinissen w dziełach Jacobs, jest mniej zainteresowany indywidualnym cechem modelu, ale niewątpliwie jest w stanie podać obraz monumentalnego podnoszenia. Ten ostatni potwierdza portrety grupowe wąskiego, posiadające formę friezes składających się z dość równoważnego, ale imponującego pół-obrazowania. Jest szczególnie zauważalny dla braku poczucia ogólności, który był wewnętrznym trzonem kompozycji Jacobs i Tainissen. Każdy obraz myśli na białym tle; Kilka rozproszonych monumentalizacji tutaj zamienia się w negatywną stronę - pozbawia portrety rajdów tych publicznych, cech społecznych, że holenderskich współczesnych artysty złapali i tylko w tych latach wprowadziły w dziedzinie malarstwa. Jednak nabycie znaczenia osoby nie jest w ogóle, a osoba jego czasu - nie przejdzie bez śladu. Martin van Chemskerk (1498-1574), student, bardzo kontrowersyjny mistrz, próbował obrazy nauczyciela, aby przełożyć się na inny, bardziej towarzyski. W rodzinnym portrecie (Kassel, Muzeum) i portret Anny Codda (Amsterdam, Reixmuses), Pafos hamburgerów samokontroli brzmi wyraźnie. W obu zwanych portretach Nomommism jest wystarczająco blisko do realistycznego skrzydła malarstwa Holandii. Jednak sytuacja ta istniała na krótki czas.

Przez następne dwa do trzech dziesięcioleci aktywacja nawigacji i zysku w nim, przeciwstawiając się w nim artystów artystów. Z kolei realistyczne trendy nabywają ludzi, których cechy domagały się tylko w dziełach Mistrzów pierwszej trzeciej XVI wieku. W tym samym czasie, jeśli w latach 1530, nowość doświadczył najsilniejszego wpływu realistycznych zasad, teraz raczej mówi o procesie odwrotnym.

Szczególnie ważne jest zwrócenie się o wystąpienie zjawisk związanych z kryzysem Renaissance Worldview. Pod wieloma względami przypominają odpowiednie procesy, które miały miejsce we Włoszech, a także, a także, określać dodanie trendów mulanistycznych. Te ostatnie w Holandii w większości przypadków wzrosły na podstawie nawityzmu.

Jednak kryzys renesansowy system ideologiczny przystąpił w Holandii w znacznie mniej wyraźnej formie niż we Włoszech. Jednoczesny wzrost hiszpańskiego ucisku i, w przeciwieństwie do tego, szybki wzrost aspiracji patriotycznych i pokojowych, którzy ukoronowali holenderską rewolucję Burgeois, miał bezpośredni wpływ. Ta złożona sytuacja historyczna nie spowodowała mniej złożonych konsekwencji w dziedzinie kultury. Jeśli 1540-1560s. - jest to czas ważnych odkryć naukowych w dziedzinie geografii, matematyki, nauki przyrody, czas aktywności Mercatora, Ortelusa, Cornert i innych, a następnie w tym samym czasie jest to również okres reakcji (na przykład , Publikacja w 1540 r. W Brukseli lista zakazanych książek, zakazu erasmy i gratisów. P.).

Wszystkie te zjawiska zidentyfikowały specjalne ścieżki rozwoju malarstwa. Przede wszystkim postępuje, że wielu mistrzów zmienia swoją orientację artystyczną (ten proces, jednak rozpoczął się wcześniej). Martin van Chemskerk, który jest nam znany przez portret (rodzina i A. Kodda) może być najbardziej uderzającym przykładem. Teraz panowanie w swojej pracy staje się Altari z wieloma pionem, uderzającym na krzyże, gestykulujące figury niemal groteski lub płótno warunkowo monumentalizowane, imponujące, ale puste i nieprzyjemne z ich własną stereoskopową ("St. Luca pisze Maria"; Harlem, Muzeum Francji Gals). W pracy niektórych artystów-powielniści (na przykład Lombert Lombard, OK. 1506-1566) Jest możliwe, aby pamiętać o zwiększonej penetracji idealnych, harmonicznych motywów włoskiego wysokiego renesansu, co prowadzi do zwiększenia przemieszczenia prawdziwych obserwacji i po pojawieniu się manieryzmu.

Najwyższa huśtawka Ten proces sięga student Lombard, Antwerpię Francji Floris (De Veriendt, 1516/20-1570). Wycieczka artysty do Włoch doprowadziła wiele funkcji jego malowania - zarówno pozytywne, jak i negatywne. Pierwsze powinno obejmować bardziej organiczne (niż na przykład lombard) posiadające uogólnione formy, znany artyzm. Drugi obejmuje przede wszystkim naiwne próby rywalizacji z Michelangelo, zobowiązaniem do kanonów mulanistycznych.

W wielu dziełach flori, funkcje manierowe wydają się wyraźnie ("ładowanie aniołów", 1554, Antwerpia, Muzeum; "Straszny sąd", 1566, Bruksela, Muzeum). Stara się do kompozycji w napięte, bogaty ruch, wykonywany przez całe ramię, prawie surrealistyczne wzbudzenia. Zasadniczo, Floris jeden z pierwszych w XVI wieku próbował zwrócić sztukę treści ideologicznej. Jednak brak głębokiej myśli i silnej komunikacji z życiem zwykle pozbawia go prawdziwego znaczenia. Odmowa określonego wyświetlania rzeczywistości, nie osiąga heroicznej monumentalności, bez koncentracji. Charakterystycznym przykładem jest jego "zapętlące anioły": Boding, zbudowany na najbardziej złożonych kątach, tkane z figury idealnej i naiwnej fikcji, kompozycja ta wyróżnia się kruchością, niewyraźną suchość koloru i nieodpowiednie miejsce pracy poszczególnych części ( Ogromna mucha siedzi na udach jednej z apostate aniołów).

Dzieło Floris (i jego sukces współczesnych) sugeruje, że główne stanowiska w holenderskim Holandii przenosi się do późnego romanizmu, romanizmmy, już otwarcie przypominając manieryzm. Jednak zjawisko to powinno zobaczyć nie tylko cechy kryzysu poprzedniego światopoglądu, ale także pojawienie się warunków dla bardziej dojrzałego etapu rozwoju malarstwa Holandii.

Ten sam Floris sprawia, że \u200b\u200bpróby stworzenia zmiażdżonego obrazu osoby (portret mężczyzny z salolem, 1558; Braunschweig), aw niektórych pracach z pomocą złożonej jedności figur ma na celu wyrazić uczucia duchowego ciepła, łącząc ludzie. W tych ostatnich, nawet kurortuje się do specjalnego kolorowego sposobu - bardziej malownicze, miękkie, przezroczyste (patrz ucznia żeńskiej głowy w Hermitage). Najwyższa ekspresja zwana trendem sięga w "kultu pasterzy" (Antwerpia, Muzeum). W tym dużym wielofuriniowym płótnie, napisane w lekkiej żółtawo-cytrynie i brązowawym brzmienie, temat wzajemnej bliskości ludzi, ich ludzkość nabiera prawdziwej szczerości, a zwykłe wzbudzenia flori jest ekscytującą głębokością.

Niemniej jednak konieczne jest uznanie, że miejsce flori w holenderskiej sztuce nie jest określone przez te prace. Raczej należy go zdefiniować jako główny, wyraźny zjawisko kryzysowe w sztuce 1540-1560.

Okoliczne odzwierciedlenie specyfiki malarstwa Holandii z lat znajdujemy w portrecie. Wyróżnia się mieszaniem i połowę różnych tendencji. Z jednej strony jest określona przez rozwój holenderskiego portretu grupy. Jednak, chociaż złożona lokalizacja liczb stała się freer, a obrazy modeli są bardziej żywe, prace te są daleko od dotarcia do gatunku i witalności charakterystycznej dla dzieł tego rodzaju, spełnione później w 1580 roku. Jednocześnie tracą już proste patosy obywatelstwa Burgher, typowe dla 1530 roku. (Późne portrety D. Jacobs - na przykład 1561, Ermitaż i wczesny Dirk Bentse - 1564 i 1566, Amsterdam).

Istotne jest, że najbardziej utalentowany portret tego czasu jest Antonis Mor (Van Dashorst, 1517/19 -1575/76) - okazuje się być związany z korzyścią z arystokratycznymi kółkami. Inną rzeczą jest najbardziej stworzenie sztuki Mora: jest mistrzem ostrych rozwiązań psychologicznych, ale mają elementy saleki (portret Wilhelma Orange, 1556, portret I. Gallusa; Cassel), jest największym przedstawicielem Korpus, portret sądowy, ale daje ostre społecznie malowane cechy z modeli (portrety gubernatorów Philip II w Holandii Margarita Parm, jego doradca kardynała Granvella, 1549, Wiedeń i innych).

Autoportrety Mora wskazują ostry wzrost samoświadomości artysty Holenderskiego, ale podstawą tej samoświadomości jest w dużej mierze zdeterminowany przez oficjalne uznanie jego sukcesu (Mor odwiedził Rzym, Anglia, Hiszpanii, Portugalia, wykonały zamówienia Philip II i Duke Alba). Jednocześnie należy powiedzieć, że pod koniec życia Mistrza, który miał najsilniejszy wpływ na przedni portret i Holandię i Hiszpanii (Sanchez Coelho, Patoha de la Cruz), w jego pracy, w swej pracy, delikatnie napisany Przemyślane zadumane portrety (portrety Grassham - Amsterdam, Reynxmuses i Gubernator Golzius - Bruksela, Muzeum).

W dziełach innych portretów 1550-1560. (Willem Kay, Cornelis Wang Kleve, Francja Puburbus) można zauważyć pochodzenie obrazu, czasami - zwiększone zainteresowanie duchowym stanem modelu.

Aktywacja kryzysu, późnego silnika i manierycznych, trendów ilościowo zwężonych kręgu mistrzów biznesowych, ale jednocześnie wystawił społeczny początek w dziełach tych, którzy stały na stanowiskach obiektywnych odbicia rzeczywistości. Realistyczne malowanie gatunku 1550-150s. Zastosował do bezpośredniego odbicia życia mas i, w istocie, po raz pierwszy stworzył wizerunek osoby od ludzi. Osiągnięcia te są powiązane z dziełem Piotra Artesny (1508/09-1575).

Tworzenie jego sztuki przystąpiło w południowych Holandii - w Antwerpii. Tam spełnił zasady nowiściów Antwerpii, a w 1535 r. Otrzymał tytuł Mistrza. Jego dzieła 1540 roku. Dystrybutorzy: Prace w pobliżu powieliści Antwerpia są mieszane z medyczną fonę i w przyrodzie, w których koncepcja Van Amstel jest wyraźnie przeoczywa. I. Być może tylko "chłop" (1543; Lille, Muzeum) niesie próbę monumentalizowania typu ludowego.

W 1550 roku. Arsen od czasu do czasu kurortu się do małych złośliwych kompozycji ("Apostołowie Piotr i John uzdrowi pacjentów"; Hermitage), ale głównie odnosi się do potężnych, dużych rozwiązań. Większość z nich przyciąga gatunek chłopski i martwa natura, zwłaszcza w ich kombinacji. Kilka niegrzecznych rzeczywistych postaci; Przeniesiony ze znaną suchość, ale zgodnie z przekonującą prostotnością, łączy się z takimi prawdziwymi obrazami warzyw, mięsa itp. Jednak na początku 1550 roku. Naturalne połączenie gatunku i nadal rozpoczęło się artsen. Najczęściej jeden z nich ma decydujące rozpowszechnienie. Tak więc, jeśli w "Wakacje chłopskie" (1550; Wiedeń, Muzeum) Martwa natura odgrywa odpowiednią rolę, a następnie w "Sklep mięsny" (1551; Uppsali, Muzeum Uniwersytetu) przedmioty, całkowicie pchnął osobę.

Krótkie kwitnące sztuki Arsena występuje w środku 1550 roku. W "Chłopie z paleniska" (1556; Antwerpia, Muzeum Mayer Van Den.berg) i "Dance wśród jaj" (1557; Amsterdam) zabytki artysty zwykłe epizody ego chłopa. Jednak w pierwszym z nazwanych wstęgi uczestnicy działań nadal wydają się wystarczająco związek i wszystkie realistyczne niezawodność - bez twarzy. Zasadniczo zatwierdzenie Pafos ma na celu wydarzenie, na scenie, a nie na jego bohaterach. Allowant Gatunek Fakt, Artsen pozbawia go żywą codzienną łatwość. Chłopi przedstawili jako typowych przedstawicieli swojej klasy wydają się całkowicie wyrównani i pozbawione indywidualnego znaczenia.

W "Taniec wśród jaj" Arsen narusza równoważność osób działających i demonstracyjnej statiom sceny. Podejmuje głęboką część obrazu do festiwalu chłopskiego, podczas gdy postać mężczyzny jest umieszczona na czele w pozie, musi być świadkiem jego beztroskiej radości. Chociaż, Arsen nie pozostawia zwykłej statuty gestów, stanów i obrazów, aw zasadach kompozytowych, wykrywa połączenie z gatunkiem Antwerpii, ale przydział głównego bohatera świadczy o jego pragnieniu przedstawienia chłopstwa i bardziej osobiście (podświetlona liczba bardziej niezależna niż ktokolwiek z "chłopów na palenisku") i bardziej majestatycznie.

W tych latach praca Arsena wykrywa różne trendy. Wykonuje to czysto gatunkowe prace (najbardziej oczywiste, ale także jedynym przykładem jest "matka z dzieckiem"; Antwerpia, antyki), prace, monumentalizujące oddzielny obraz chłopa ("chłopów na rynku"; Wiedeń, Muzeum) lub Martwa natura chłopska ("kuchnia"; Kopenhaga, Państwowe Muzeum Sztuki), a ponadto dzieła tematów religijnych.

"Matka z dzieckiem" jest interesująca do oczekiwania z zasad holenderskiej sztuki XVII wieku, ale w dziele artssen ma miejsce raczej wyjątkowe. Ale "kuchnia" i "chłopi na rynku" są ważnymi powiązaniami jego artystycznej ewolucji.

Obie te obrazy są poświęcone gloryfikacji chłopstwa (w tym względzie są ściśle związane z "taniec wśród jaj"). Ale w "kuchni" ten cel jest osiągnięty pośrednio, z pomocą martwej natury, aw "chłopów na rynku" - wywyższenie oddzielnego obrazu.

W pierwszym z nich cały pierwszy plan był podany wciąż życia i martwa natura definiuje centralną oś obrazu. Scena gatunków w głębi lewej przynosi nasz widok na rodzinę chłopskiej, przedstawia po prawej stronie, z kolei od niej (dzięki widoku mężczyzny i ruchu jego dłoni, wskazując na martwa natura), apelujemy do martwego życia przedniej. Taka sekwencja kontemplacji obrazu jest ściśle z góry określona przez artystę i pozwala na bezpieczanie obrazów ludzi i przedmiotów charakteryzujących się sferę ich istnienia. Nie jest przypadkiem, że scena na głębokości najbardziej gatunku - odgrywa rolę usług; Dane po prawej stronie są monumentalizowane, a w gęstej zrównoważonej grupie zaczyna brzmieć wciąż styl życia (statyczne, niektóre pozasy sztuczne, skład czterech wzajemnych rąk); Wreszcie na pierwszym planie wciąż dominuje. Taka konstrukcja daje Arsen możliwość stopniowego nasycenia martwego życia cech chłopa, ludu.

W "Chłopie na rynku" artysta poszedł inaczej. To zdjęcie zdumiewające jest realizm cech i konsolidacji formularzy. Arsen starał się podkreślić chłopski pół-figure. Jednak, jak w poprzednich pracach nie może wyrazić wizerunku swojego bohatera cechy znaczenia wewnętrznego, a on ponownie kurortuje się do złożonego schematu kompozytowego. Ostry, demonstracyjny ruch kobiety po lewej stronie chłopa koncentruje się na nim naszą uwagę, pani z pokojówki jest na nim wskazana. Ten sam efekt przyczynia się do szybkiego wzrostu (prawie stereoskopowych) woluminów z tła na pierwszy plan (który jest ostatecznie na postać chłopskiego). W takim przypadku możemy porozmawiać o uporczywym pragnieniu artysty, aby stworzyć monumentalny obraz chłopa.

Jednak konieczne jest jednak, aby powiedzieć, że Arsen, z reguły, ujawnia wielkość osoby od osób, gdy tylko da ją taką jakość swojej jednostki, granica wybranych przedstawicieli. Przeglądarka nie czuje kontaktu artysty ze swoimi bohaterami. Stąd nieprzekonujący się wielu kompozycji, czasami niemal bolesne zamknięcie, alienacji obrazów.

Jest głęboko objawowy, że za przykład wykonania jego realistycznych i demokratycznych ideałów artssen prawie stale uciekał się do przyjęć nawigacji. Uszczelnianie, wygładzanie form w obrazie ludzkiej twarzy, towarzyszenie postaci pierwszej płaszczyzny z małymi, przestrzennie rozdartych z nich z nich postacią tła, niektóre wydłużenie liczb - wszystko to ma wiele wspólnego z nawityzmem, a czasami z manieryzmem.

Sztuka artssena pośrednio odzwierciedlała zarówno aktywację mas, jak i ostre wzmocnienie reakcji publicznej. Niemniej jednak w uważnych dziełach, rola wizerunku osoby od ludzi stale rośnie. Wierzchołki tego trendu sięgają na samym końcu 1550 roku, kiedy mistrz tworzy szereg pojedynczych heroisalskich obrazów chłopskich (dwóch "kucharzy", 1559, Bruksela, Muzeum, "Dich's Trader", Hermitage, i "Chłop", 1561 , Budapeszt, Muzeum, Inne). Tutaj również używał nowości. Ale celem jest wywyższenie przedstawiciela ludzi, jego heroiczną demonstrację i apoteozą - nie tylko sprawiły, że te idealizowane momenty formalne istotne, ale również dokonały w nich nowym znaczeniu. Zasadniczo nazwy są jedyną integrowaniem zasad realistycznych i listopad w Holenderskiej Sztuce. W tym względzie rozwijają zdrowe ziarno portret rodzinny Kassel i portret Anny Codda Chemaster.

Muszę powiedzieć, że w 1559-1560s. Demokratyczne nastroje w kraju przeszły ostre aktywację. Opinia publiczna była oburzona przez Hiszpanów (zwłaszcza ze względu na fakt, że po zakończeniu świata w Kato-Kammbreze (1559) Hiszpanów nie przyniósł swoich żołnierzy z Holandii, a także w związku z intencjami Hiszpanii, Aby utworzyć 14 nowych biskupów w Holandii, aby służyć jako twierdza katolicyzmu.). Możliwość, że wewnętrzny protest artysty i wzmocnienie swoich sympatii ludowych wydawało się przyczyną tworzenia tych prac.

W dziełach takich jak nazwany Arsen znalazł się niezrównaną niespójnością związaną z jego poprzednimi rzeczami. Ale w nich, ze wszystkimi postępującymi znaczeniem tych prac, zachowane jest wyobcowany stosunek do jego bohaterów. W rezultacie szybko przesunął się od kręgu heroicznych obrazów ludowych (charakterystyczne jest, że odpady odpowiadały godzinie w czasie w życiu publicznym kraju - w Holandii Hiszpanów przełączyli się na terror i tymczasowo stłumowali odporność. ). Jego późna praca jest naznaczona pełną dominacją zaczęła się martwa. Istnieje założenie, że w ostatnich latach życia rzucił malowanie.

Sztuka Arsena była ważnym kamieniem milowym w rozwoju realistycznego strumienia Holandii. A jednak można argumentować, że nie te ścieżki były najbardziej obiecujące. W każdym razie kreatywność studenta i bratanek Arseny, Joachim Beikelary (ok. 1530 - ok. 1574), zgubienie ograniczone cechy obrazu Arsen, jednocześnie jego sensowność. Monumalalizację poszczególnych rzeczywistych faktów był już niewystarczający. Przed sztuką był świetny zadanie - odzwierciedlać krajową, historyczną zasadę w rzeczywistości, nie ograniczającym się do wizerunku jego przejawów prezentowanych jako rodzaj izolowanych eksponatów, dają potężną uogólnioną interpretację życia. Złożoność tego zadania została obciążona przez charakterystykę późnych cech odrodzonych kryzysu starych pomysłów. Ostre poczucie nowych form życia połączone z tragiczną świadomością jej niedoskonałości i dramatyczne konflikty gwałtownie i spontanicznie rozwijające się historyczne procesy doprowadziły do \u200b\u200bidei niewinności oddzielnej osoby, poprzednie pomysły na temat związku między jednostką I otaczające środowisko społeczne, świat. Jednocześnie, w tym samym czasie sztuka jest świadoma znaczenia i estetycznej ekspresywności ludzkiej masy, tłum. Ten jeden z najbardziej informacyjnych w dziedzinie okresów Holandii jest związany z pracą Breygel.

Peter Bruegel S., zgodnie z pseudonimem, Menzitsky (między 1525 a 1530-1569) powstała jako artysta w Antwerpii (studiował w P. Bric Van Alsta), odwiedził Włochy (w 1551-1552), był blisko radykalne myśliciele Holandii.

W najwcześniejszym malowniczym i graficznym pracownikom łączył alpejskie i włoskie wrażenia i motywy ich rodzimej przyrody, artystyczne zasady malarstwa Holandii (przede wszystkim Bosch) i pewne manierowe cechy. We wszystkich tych dziełach, oczywiste pragnienie przekształcenia małego zdjęć w Grandiose Panorama (Harbor Opiektytariański ", Rzym, Galeria Doria-Pamphili, Grawerowane Rysunki I. Kok Koki).

Celem artysty jest wyraz nieskończonej długości, kompleksowości świata, jakby pochłonie ludzi. Kryzys dawnej wiary w osobę wpłynęło również tutaj, a nieograniczona rozbudowa horyzontu. W bardziej dojrzałym "siewniku" (1557; Waszyngton Galeria Narodowa), natura jest interpretowana z większą naturalnością, a liczba osób nie wydaje się być przypadkowym dodatkiem. PRAWDA, siewca przedstawii ptaki, otwarty przez ziarno wrzucone do ziemi, ale ta ilustracja przypowieści Ewangelii jest momentem tej historii, a nie artystycznej. W "Falling of Ikara" (Bruksela, Muzeum), jest też alegoria: świat żyje jego życie, a śmierć oddzielnej osoby nie przerywa jego dalaktywności. Ale tutaj scena orki i panoramy przybrzeżnej oznaczają więcej niż ta myśl. Obraz jest imponujący poczucie mierzonego i majestatycznego życia świata (zależy od spokojnej pracy Paharu i wzniosłego budynku natury).

Niedługo jednak byłoby zaprzeczyć filozoficznym i pesymistycznym cieniu wczesnych dzieł Bruegla. Ale leży nie tak wiele w literackiej i alegorycznej stronie jego obrazów, a nawet w moralizacji wzorów satyrycznych wykonywanych dla grawerowania ("wicep cykli" - 1557, "cnota" - 1559), ale w cechach Ogólny widok artysty na świat. Rozważając pokój z góry, z zewnątrz, malarz, jakby pozostałby z nim jeden na jednym, wyobcowany od ludzi przedstawionych na zdjęciu.

Istotne jest jednak, że jego pomysł ludzkości jako majestatycznego zestawu znikomych wielkości jest uosabia się na przykładzie elementów miejskich, życia ludowego.

Te same pomysły Bruegel rozwija się na zdjęciach przysłów flamandzkich (1559; Berlin), a zwłaszcza "Gry dla dzieci" (1560; Wiedeń, Muzeum). W tym ostatnim, ulica została przedstawiona, objęta grając dzieci, ale perspektywa tego nie ma limitu niż w jaki sposób należy twierdzić, że śmieszne i bezsensowne dzieci są rodzajem symbolem równie absurdalnych działań całej ludzkości. W pracach pod koniec 1550 roku. Bruegel z nieznaną dawną sztuką odnosi się do problemu miejsca osoby na świecie.

Okres uważany na nagle włącza się w 1561 r., Kiedy Bruegel stwarza sceny, ich złowrogą fantastyczność znacznie przekraczającą Bosch. Szkielety zabijają ludzi, a oni są na próżno próbując znaleźć schronienie w gigantycznej myszy na myszy, oznaczone znakiem krzyża ("triumf śmierci"; Madryt, Prado). Niebo jest dokręcone czerwonymi marines, Miriadę wspaniałych i strasznych stworzeń czołgać się do ziemi, z ruin pojawiają się głowy, które ujawniają ogromne oczy, a z kolei generując brzydkie potwory, a ludzie nie szukają już zbawienia: złowieszczy olbrzymia krzycząc z siebie, a ludzie się stawiają, biorąc to za złoto ("Mad Greta", 1562; Antwerpia, Muzeum Mayer Van Den Berg).

W tym samym czasie, w nazwanych dziełach Bruegla pojawia się osobisty odcień - potępienie ludzkiego szaleństwa, chciwego i okrucieństwa rozwija się w głębokich odbiciach na losie ludzi, prowadzi Mistrzów do obrazów przez Grand i Tragi. A ze wszystkimi fantazją noszą ostre uczucie rzeczywistości. Rzeczywistość ich jest w niezwykle natychmiastowym uczuciu ducha czasu. Uprzedniej, celowo ucierają tragedii prawdziwego, nowoczesnego artysty życia. I wydaje się naturalne, że oba te zdjęcia pojawiły się na początku 1560 roku. - W dniach, w których ucisk, przez Hiszpanów w Holandii, osiągnął najwyższy limit, gdy popełniono więcej egzekucji śmierci niż kiedykolwiek w historii kraju (przypominamy sobie, że sztuka Arsena została podziwiana w ciągu tych lat. Bruegel, Najwyraźniej z powodu hiszpańskich represji musiałem przenieść się do Brukseli.). Tak więc w 1561-1562. Bruegel po raz pierwszy w języku holenderskim stworzył kompozycje, w pośredni sposób, figuratywnie odzwierciedlając określone konflikty publiczne ich czasu.

Stopniowo tragiczna i ekspresyjna kulista artysty zastępuje gorzki filozoficzny odbicie, nastrój smutku i pocierania. Bruegel ponownie odwołuje się do prawdziwych form, ponownie tworzy obrazy z odległymi, niekończącymi się krajobrazami, ponownie prowadzi widza do nieskończonej, ogromnej panoramy. Teraz, w swojej pracy, notatki są zdominowane przez miękkość umysłową, samotność i powinny być powiedziane, dobre obiekty dla świata. Są w jego łańcuchu rudowłosej "małpy" (1562; Berlin), odwrócił się od przestronnego stroju rzeki i nieba, rzeźbione przez powietrze delikatnie i ciepły. Są to - ale w przypadku niewdruntowych mocniejszych skalach - w "Babylonian Tower" (1563; Wiedeń, Muzeum). Chociaż druga z tych dwóch prac jest nadal alegoria (zalecasz nowoczesne życie biblijnego Babilonu), obraz w swojej wielkiej i razem poetyckiej formie jest podawane przez uczucie życia. Jest na niezliczonych figurach budowniczych, w ruchu wózków, w krajobrazie (zwłaszcza na obrazie dachów emitujących po bokach wieży morskiej - małe, stały się osobno, a jednocześnie blisko, blisko nawzajem, rzucając delikatne odcienie). Charakterystyczne jest, że na zdjęciu na tym samym działce wcześniej (najwyraźniej ok. 1554-1555; Rotterdam), wieża całkowicie stłumiła ludzki początek. Tutaj Bruegel nie tylko unika takiego efektu, ale idzie dalej -, dla którego natura była niezrównana piękniejsza niż osoba, szuka człowieka początku w nim.

Życie, oddech ludzkich mieszkań, działalność ludzi pokonują myśli o szaleństwie ich myśli, o zwalczaniu ich prac. Bruegel najpierw ujawnia nowy, jeszcze nie znany, ani nie współczesnych wartości życia, choć wciąż jest ukryty pod obroną jej dawnych - kosmicznych i nie-humanistycznych - poglądy. Te same wnioski prowadzą "samobójstwo Saula" (1562; Wiednia, Muzeum) i "Krajobraz z lotem do Egiptu" (1563; Londyn, kolekcja Zeiler). Ale szczególnie krzyż (Wiedeń, muzeum), gdzie ta tradycyjna fabuła ewangelii jest interpretowana jako ogromna scena masowa z udziałem wielu ciekawskich - żołnierzy, chłopców i chłopów.

Wszystkie te prace zostały przygotowane przez wygląd (w 1565 r.) Cykl krajobrazów, otwierając nowy okres kreatywności Bruegla i należący do najlepszych dzieł świata. Cykl składa się z obrazów poświęconych czasach roku (uważa się, że jest to rozproszona seria dwunastu (lub sześciu) obrazów. Autor tego rozdziału pochodzi z założenia, że \u200b\u200bbyło ich cztery z nich, a "Senokos" (Praga, Galeria Narodowa) nie ma zastosowania do cyklu.).

Prace te zajmują w historii sztuki. Miejsce jest dość wyjątkowe - nie ma żadnych obrazów natury, gdzie kompleksowy, prawie przestrzenny aspekt wdrożenia byłby tak organicznie połączony z poczuciem życia.

"Groomatyczny dzień" (Wiedeń, muzeum) z jego wstążkami, opuchnięte chmury, powoli migające czerwono-brązowe dźwięki ziemi, ożywiając nagie gałęzie i surowe wiatry wszechwiedzące; Jakby przyciemnił Zhvat (Nowy Jork, Metropolitan Museum); "Powrót stadniny" (Wiedeń, muzeum) z powoli wypłaty z klinem, ostatnie spalanie czerwonych zielonych kolorów jesiennych i surowej ciszy natury; Wreszcie, "Snow Hunters" (Wiedeń, muzeum) - Męskie miasto, żywe figurki na łyżwach figurowych na zamarzniętych stawach, ciche życie, ciepłe ciepło ludzkiej przytulności, jest tak zdarzenie cyklu natury, jego oddawanie się zmienia , jego wewnętrzny rytm.

Utrzymywanie wszechstronnej natury panoramów, Bruegel zasadniczo stawia podstawę, a ostatecznie konkretne poczucie rzeczywistości. Wystarczy przypomnieć rozmowę w przestrzeni sceny poświęconej wiosny, równowagą spokojnych rytmów "żniwa", innej przestrzeni przestrzenności - jak to było, cięte, ściskanie - jesień krajobraz i łącząc wszystkie kompozytowe linie wokół spokoju Miasto w "Łowców", aby czuć się jak bardzo stworzenie, struktura składowa tych obrazów ma na celu wyrażanie stanu natury.

To samo sens rzeczywistości definiuje konstrukcję kolorów - na pierwszym zdjęciu, czerwono-brązowe dźwięki ziemi, wchodząc do kolizji z zimnymi, zielonymi odcieniami tylnego planu, stają się bardziej intensywne, rozszerzone; Ale w drugim dominuje kolor brązowo-żółty - gorący i gładki; W "Powrót Stad" nabywa zaczerwienienie i reddings, co wydaje się natychmiast przekazać miejsce martwej niebiesko-szarej gamma; W "Łowców" ogólny kolor zimno-zielonkawy wydaje się ogrzany z ciepłymi brązowymi odcieniami domów i ludzkich postaci.

Charakter Bruegel i Grand Cinema i całkowicie blisko osoby, niezawodnej. Ale byłoby źle widzieć w cyklu "sezony" życie jednego natury. Odtworzony przez Bruegel MIR jest zaludniony przez ludzi.

Ci ludzie są trudne do powiedzenia więcej, że są fizycznie fizycznie, są aktywne, pracowity. Ale wzorce cyklu nie pozostawiają wątpliwości, że istnienie ludzi jest wypełnione prawdziwym znaczeniem, że jest podporządkowany prawidłowości najwyższego, głęboko naturalnego porządku. To przekonanie rodzi się przez świadomość pełnej fuzji ludzi i natury. Jest w tym zbiegu pracy, a dni ludzi zdobią system znaczący i wysoki. Ludzkie postacie nie są po prostu przekierować widoku, dokonują specjalnej zasady, związane naturalne, ale także inne od niego. I nie jest przypadkiem, że figury chłopów są skupieniem wszystkich kolorów i linii kompozytowych (główne kolory pierwszego wzoru cyklu są wyraźnie wyrażone w ubraniach chłopów, a moment przebudzenia natury znajduje równolegle Na początku pracy chłopskiej; w "Powrót stada" handlarze są w sobie wszystkie żywe istoty i aktywną rzeczą, która jest w tym krajobrazie, wszystkie linie kompozytowe zbiegają się do ich grupy, z kolei, poruszając się w kierunku widocznych pobliskich domów ich rodzimej wioski).

Bruegel i wcześniej starał się przekazać ruch życia, starali się znaleźć jedyną prawidłową proporcję w stosunku na dużą skalę pokoju i człowieka. Dotarł do celu, biorąc oryginalny punkt swojego życia w swoim naturalnym, pracującym, ludowym aspektem. Świat, wszechświat, nie stracił majestatycznego Grandeura, nabyte betonowe cechy kraju ojczystego. Osoba otrzymała znaczenie istnienia w naturalnej pracy, w inteligentnym i harmonijnym życiu zespołu ludzkiego, w połączeniu tego zespołu z naturą.

Właściwie to określa wyłączność krajobrazów "sezonów". Byli wyjątkowe w pracy Bruegel. Otwierając drogę do konkretnego wizerunku życia ludzi, Bruegel w jego przyszłym rozwoju porusza się z majestatycznych motywów krajobrazowych i traci naturalną jedność natury i mężczyzny.

Utworzono po "porę roku", w 1566 r., Obrazy - "Spis ludności w Betlejem" (Bruksela), "Beating Babies" (Wiedeń, Muzeum), "Geaching John Baptist" (Budapeszt, Muse) - co oznacza narodziny sztuki , główny temat, którego to jest życie parodii, nie jest w jej ponadczasowym, jak było, uniwersalny aspekt, ale w społecznym i konkretnym planie społecznym. Wszystkie są imponujące przez świadomość dokładności tego, co się dzieje, a fabuła Ewangelii jest zasadniczo służy tylko przez przebranie (w "Beatings" przedstawiono atak hiszpańskich żołnierzy do wioski flamandzkiej).

Fakt stworzenia, być może pierwszy historyczny, a jednocześnie obrazy domowe na nowoczesnej działce i pojawienie się nie tylko istotnych i krajowych, ale także publicznych, społecznych, momenty społeczne wyjaśnione są przez wydarzenia historyczne z tych lat: czas tworzenia Pracuje - czas rozpoczęcia rewolucji Holandii, początek aktywnej walki Holandia wobec hiszpańskiego feudalizmu i katolicyzmu. Począwszy od 1566 r. Kreatywność Bruegla rozwija się w najbardziej bezpośrednim połączeniu z tymi wydarzeniami.

Najwyraźniej w 1567 r. Bruegel wykonał jedną z jego większości prac kapitałowych "Peasant Dance" (Wiedeń, Muzeum). Jego fabuła nie zawiera alegorii, silne figury Cargo Silne figury chłopów są przedstawiane w skali broiga na dużą skalę, a ogólna postać wyróżnia się Pafos zamykany w sobie.

Artysta interesuje się nie tak dużą atmosferą festiwalu chłopskiego lub malarstwa poszczególnych grup, ale sami chłopi są ich mili, cechy twarzy, nawyków, charakteru gestu i poruszania się.

Każda figura jest umieszczona w żelazie, przenikając cały obraz systemu osi kompozytowych. A każda liczba wydaje się zatrzymana - w tańcu, sporze lub pocałunku. Dane są tak, jakby rosną, przesadzone na ich skalach i znaczeniu. Okrążając niemal pilną perswazyjność, są one wypełnione niegrzecznymi, nawet bezwzględnymi, ale nieważnie imponującą monumentą, a scena jako całość jest realizowana w pewnej grupie charakterystycznych cech chłopii, jej spontaniczna, potężna siła.

Na tym zdjęciu rodzi się szczególny gatunek chłopski w swojej metodzie. Ale w przeciwieństwie do późniejszych dziełach tego rodzaju Bruegel informuje swoje podeszwy wyjątkową moc i patos społeczny.

Gdy ten obraz został napisany, najsilniejszy bunt mszy został wyłączony - ICONOBOR. Stosunek do niego Breygel jest nieznany. Ale ten ruch był od początku do końca ludzi, zszokowani współczesnością z świadkiem swojej klasy, i konieczne jest uwierzyć, że pragnienie Bruegla skoncentrowania się na jego obrazie główne, charakterystyczne cechy ludzi stojących z tym Fakt w komunikacji bezpośredniej (znacząca jest znacząca, że \u200b\u200bzniszczył to, co zniszczył -To rysunki, najwyraźniej, polityczny charakter).

Jest to związane z ikoną i innymi dziełami Bruegel - "Wedding Wedding" (Wiedeń). Tutaj ciężkość wizji natury ludowej wzrosła jeszcze więcej, główne figury zyskały jeszcze większe, ale już kilka przesadnych władzy, a zatoczka alegoryczna została odrodzona w tkaninie artystycznej (trzech chłopów z horrorem lub w oszołomiony, rzekomo rzekomo rzekomo przed obrazem. Być może jest to wskazówka biblijnej historii o Pira Valstasar, kiedy słowa przewidywające śmierć tych, którzy porwali świątynię skarbów na ścianie i chciała wydostać się z jego nieznacznego stanu. Przypomnijmy, że buntownicy chłopów walczyli z Kościołem katolickim i katolickim.). Odcień pewnej idealizacji i niezwykłą miękkość chwytaka jest nawet smak Gorky żalu i dobrej ludzkości - cech, które nie były w czystym i konsekwentnym "tańcu chłopskim". Niektóre odejście z zasad i pomysłów "Peasant Dance" można znaleźć na rysunku "Lato" (Hamburg), na pierwszy rzut oka, ściśle nazywa się zdjęciem.

Jednak całkowite odejście z poprzednich nadziei zostało zrealizowane nieco później, kiedy mistrz stworzył wiele ponurych i okrutnych obrazów ("Misantrop", 1568, Neapol; "Malowanie", 1568, Louvre; "Intief Gniazds", 1568, Wiedeń , Muzeum), w tym słynnego "ślepego" (1568; Neapol, Capodimont Museum). Pośrednio są one związane z pierwszym kryzysem w rozwoju rewolucji Holandii.

Twarze spontanicznego materiału ślepoty są nieludzkie brzydkie, a jednocześnie są prawdziwe. Widok przeglądarki, jakby je wyprzedzanie, skakanie na innej postaci do drugiej, łapie ich konsekwentną zmianę - z głupoty i nosych zwierząt przez chciwość, przebiegłość i gniew do szybko rosnącej znaczenia, a także z nią i obrzydliwą deformacją duchową zniekształconych osób . A tym dalej, najwyraźniej ślepota duchowa bierze szczyt nad wrzodami fizycznymi i duchowymi, są coraz bardziej coraz częściej tymczasowo. Zasadniczo Bruegel wymaga rzeczywistego faktu. Ale przynosi go do takiego koncentracji figuratywnej, którą zyskał uniwersalność, wzrasta do tragedii bezprecedensowej siły.

Tylko jeden, opadający oślepiający rysuje twarz do nas - zrujnowała usta i zły wygląd pustych mokrych oczodołów. To spojrzenie kończy ścieżkę ślepego człowieka - ścieżka życia ludzi.

Ale tym bardziej czyste jest niepotrzebne i czyste - krajobraz, przed którym jeden ślepy mężczyzna napotykał, a który już nie przynosi już innych. Rustykalny kościół, łagodne wzgórza, delikatne zieleń drzew są pełne ciszy i świeżości. Tylko suchy żywy bagażnik zjada ruch zakrętów upadku. Świat jest spokojny i wieczny.

Ludzka natura, nie ludzie. Bruegel tworzy niefilozoficzny wizerunek świata, ale tragedia ludzkości. I chociaż próbuje dać jego obraz, system jest jasny i zimny, jego kolor jest stalowy, ale z delikatnym bryzgowym chipem - daje jej tragiczne i napięte beznadziejność.

Po "ślepy" Bruegel wykonał tylko jedno zdjęcie - "Daramstadt, muzeum), gdzie ostatnie rozczarowanie artysty i pragnienie powrotu do dawnej harmonii i świadomości niemożliwości takiego powrotu (bardzo spójne z Widok świata, chłopi, frywolnie zwisające belki olbrzymich bram olbrzyma, krajobraz, rzeźbione przez przezroczysty pył słoneczny, odległe, niezrozumiałe).

Kreatywna ścieżka twórczej ścieżki Bruegla z mentalnym wyglądem, należy uznać, że skoncentrował się w jego sztuce wszystkie osiągnięcia malarstwa Holandii poprzedniego porów. Nieudane próby późnego nowości do odpychania ich życia w uogólnionych formach, bardziej udane, ale ograniczone eksperymenty Arsen na wywyższeniu wizerunku ludzi wszedł do Bruegla do potężnej syntezy. Właściwie, co znaczy na początku stulecia, pragnienie realistycznej konkretyzacji metody twórczej, posypiące głębokie ideologiczne wskaźniki mistrza, przyniosło wspaniałe owoce.

Następna generacja malarzy Holandii jest bardziej inna niż Bruegel. Chociaż główne wydarzenia z rewolucji Holandii spadają na ten okres, rewolucyjne patos w dziedzinie ostatniej trzeciej XVI wieku. Nie znajdziemy. Jego wpływ wpływa pośrednio w tworzeniu światopoglądu odzwierciedlającego burżuazyjne rozwój społeczeństwa. Dla artystycznych metod malarstwa, ostre konkretyzacja i zbliża się do natury są charakterystyczne niż zasady XVII wieku są przygotowywane. Jednocześnie rozkład renesansowej uniwersalności, uniwersalności w interpretacji i odbiciu zjawisk życia daje te nowe metody cechy drobnych i duchowych wąskich.

Ograniczenia percepcji świata na różnych sposobach wpłynęły na powieści i realistyczne przepływy malarstwa. Nomommism, pomimo jego rozpowszechnionego, przenosi wszystkie oznaki degeneracji. Najczęściej działa w sposób manieryczny, sądowo-arystokratyczny i wydaje się być wewnętrznie zdewastowany. Jest to objawowe i bardziej - rosnące penetrację do momanowych schematów gatunku, najczęściej naturalistycznie zrozumiałe elementy (K. Cornelinsen, 1562-1638, K. Van Mandender, 1548-1606). Słynne znaczenie było tutaj bliską komunikację holenderskich malarzy z flamandzką, z których wiele w 150 roku. Wyemigrował z południowych Holandii z powodu gałęzi północnych prowincji. Tylko w rzadkich przypadkach łącząc obserwacje pola z ostrą podmiotowością ich interpretacji, nowiściami udaje się osiągnąć imponujący efekt (A. Blumart, 1564-1651).

Realistyczne trendy znajdują przede wszystkim wyraz twarzy w bardziej szczegółowym wykazie rzeczywistości. Niezwykle w tym sensie jest orientacyjny zjawisko rozważenia wąskiej specjalizacji poszczególnych gatunków. Istnieje również zainteresowanie tworzeniem różnych sytuacji wykonywanych (zaczynają odgrywać rosnącą rolę w artystycznej tkaninie pracy).

Malowanie gatunku w ostatniej trzeciej wieku doświadcza kwitnienia (co jest również wyrażone w wspomnianej penetracji w nawigacie). Ale jego prace są pozbawione znaczenia wewnętrznego. Tradycje Bruegla są pozbawione głębokiego stworzenia (przynajmniej jego syn P. Bruegel Jr., nazywany piekłem, 1564-1638). Scena gatunku jest zazwyczaj lub podwładna krajobraz, takich jak Lucas (do 1535-1597) i Martin (1535-1612) Valkenborkhov lub działa w mocy nieistotnego epizodu gospodarstwa domowego życia miejskich, reprodukowanych dokładnie, ale z niektórymi Zimna arogancja - Martin Van Kleve (1527-1581; zobacz jego "święto św. Martina", 1579, Hermitage).

Portret dominuje również w drobnym zasadzie gatunku, który jednak przyczynił się do rozwoju 1580 roku. Kompozycje grupowe. Najbardziej znaczące wśród tych ostatnich - "Wioślarskie Stowarzyszenie Kapitana RosenCranse" (1588; Amsterdam, Reyxmuses) Cornelis Ketyl i Rifle Company (1583; Harlem, Muzeum) Cornelis Cornelissen. W obu przypadkach artystów starają się złamać suchą arytmetyczność dawnych konstrukcji grupowych (ketyl - uroczysta parada grupy, Corneelissen - jego ofiary). Wreszcie, w ostatnich latach 16 w. Nowe rodzaje portretów grupy korporacyjnej pojawiają się na przykład "Reget" i "Anatomia" Peter i Art Peters.

Malarstwo krajobrazowe jest bardziej mylące całe - było silniejsze tutaj i miażdżące na oddzielnych gatunkach obrazów. Ale drobne, niezwykle przeciążone dzieła Ruilanda UARASH (1576/78-1679), a potężniejsze Giliss Van Koninksloo (1544-1606) i romantyczne ioS de Matka (1564-1635) i nasycone subiektywną emocją Abraham Bloumerrt - wszystko, chociaż w różnych stopniach na różne sposoby odzwierciedlają wzrost osobistego początku w postrzeganiu natury.

Cechy gatunku, krajobrazu i rozwiązań portretowych nie pozwalają im mówić o ich wewnętrznym znaczeniu. Nie należą do liczby dużych zjawisk dzieł sztuki. Jeśli oceniają je korelować do pracy wielkich malarzy Holandii w wysokości 15 i 16 wieków, wydają się być widocznymi dowodami pełnego odrzucenia najbardziej zasadnych zasad renesansu. Jednak obraz ostatniej trzeciej XVI wieku. Ma dla nas w dużym stopniu zainteresowanie pośrednie - jako etap przejściowy i jako korzeń ogólny, z którego uprawiają szkoły krajowe Flandria i Holandia XVII wieku.

W pierwszym trzecim XV wieku prawie jednocześnie z początkiem renesansu we Włoszech przychodzi złamanie w rozwoju sztuki krajów północnych - Holandia, Francja, Niemcy. Pomimo poszczególnych cech krajowych, sztuka tych krajów charakteryzuje się w XV wieku obecność wielu funkcji, szczególnie wyraźnie mówienia w porównaniu z Włochami. Najbardziej jasne i konsekwentnie to złamanie występuje w malarstwie, podczas gdy rzeźba zachowuje gotyckie cechy przez długi czas, a architektura aż do pierwszych dziesięcioleci XVI wieku nadal rozwija się jako część stylu gotyckiego. Wiodącą rolą w rozwoju obrazu XV wieku należy do Holandii, które mają znaczący wpływ na Francję i Niemięci; W pierwszym kwartale XVI wieku Niemcy są przedstawieni w pierwszej kolejności.
Wspólny dla sztuki odrodzenia we Włoszech i na północy jest pragnienie realistycznego wizerunku osoby i otaczającego świata. Zadania te zostały jednak rozwiązane, inaczej, zgodnie z różną naturą kulturową.
Uwaga Mistrzów Holandii przyciągnęła niewyczerpane bogactwo formy przyrody i różnorodność indywidualnego wyglądu ludzi przed spojrzeniem. Charakterystyka i specjalna przeważa w pracy artystów krajów nordyckich o wspólnym i typowym. Są obce do poszukiwania artystów włoskich renesansu, mających na celu ujawnienie wzorców przyrody i percepcji wizualnej. Do XVI wieku, kiedy wpływ Włoch, zarówno w wspólnej kulturze, jak iw sztuce odgrywa ważną rolę, ich uwaga nie przyciągnie teorii perspektywy ani doktryny proporcji. Malarze Holandii rozwinęli się jednak czysto empirycznie przez techniki, które pozwalają im nie mniej przekonujące niż Włoszech, przekazują wrażenie głębokości przestrzeni. Obserwacja ujawnia z wieloma funkcjami światła; Są one szeroko stosowane przez różne efekty optyczne - załamane, odzwierciedlone i rozproszone światło, przechodząc, gdy wrażenie rozszerzenia dał krajobraz i powietrze wypełnione powietrzem i światłem, a najlepsze różnice w materialnych cechach rzeczy (kamień, metal, szkło, futro itp.). Odtwarzanie z ekstremalną dokładnością najmniejszych szczegółów, odtwarzają błyszczące bogactwo farb o tym samym obciążonym jądro. Te nowe malownicze zadania mogą być rozwiązane tylko za pomocą nowej malowniczej technologii obrazu olejnego, "odkrycia", którego historyczne atrybuty legendy Jan Van Eica; Od połowy XV wieku ten nowy "flamandzki" wypiera starą technikę temperatu i we Włoszech.
W przeciwieństwie do Włoch w krajach nordyckich nie było warunków dla jakiegokolwiek znaczącego rozwoju monumentalnego obrazu; Zalecalne miejsce należy do XV wieku we Francji i w Holandii miniatury książki, które miały tutaj solidne tradycje. Istotną cechą sztuki krajów północnych był brak warunków wstępnych zainteresowania w starożytności, co miało taką wielką wagę we Włoszech. Starożytność przyciągnie uwagę artystów tylko w XVI wieku, wraz z rozwojem studiów humanistycznych. Głównym miejscem w produktach warsztatów sztuki należy do obrazów ołtarzowych (rzeźbione i malownicze fałdy), których klapy po obu stronach były pokryte obrazami. Sceny religijne są przenoszone do prawdziwej sytuacji, działanie często nadchodzi do krajobrazu lub we wnętrzu. Znaczący rozwój otrzymuje w Holandii w XV wieku, aw Niemczech, na początku XVI wieku malarstwo portretowe.
W XVI wieku pojawia się stopniowy alokacja malarstwa domowego, krajobrazu, martwego życia, mitologicznych i alegorycznych obrazów. W XV wieku istnieje nowy typ sztuki wizualnej - grawerowanie na drzewie i na metalu, osiągając szybką godzinę na koniec wieku i pierwszej połowy XVI wieku; Szczególnie wspaniałe miejsce zajmują się w dziedzinie Niemiec, które wpływa na rozwój Holandii i francuskiej grafiki.

Interesujące jest zauważenie, że w księgowym miniaturze obserwuje się pierwsze kiełki nowej sztuki ożywiającej w Holandii, wydawałoby się najbardziej związane z średniowiecznymi tradycjami.

Holandia Odrodzenie w malarstwie zaczyna się od "Ołtarz Gentsky" z braci Gubert (zmarł w 1426 r.) I Yana (około 1390-1441) Wang Eykov, wykończony przez Jana Eyka w 1432 Genta ołtarzu (Gent, Kościół św Bawonie) jest prycz Fold, na 12 płytach (w formie otwartej) reprezentowane są 12 sceny. Na szczycie Chrystus jest przedstawiony na tronie z nadchodzącym Marią i Janem, śpiewającym animitizującą aniołami i Adama i Eve; Poniżej na pięć desek - scena "kult jagnięce". Istnieją inne, nie mniej ważne funkcje dla sztuki: Mistrzowie Holandii wydają się patrzeć na świat, który przekazują z niezwykłą dokładnością i szczegółami; Każdy pęcherz, każdy kawałek tkaniny jest dla nich wysoki przedmiot sztuki. Wang Eyki Poprawiła technikę olejową: olej umożliwił bardziej odwrócenie blasku, głębokości, bogactwa obiektywnego świata, przyciągając uwagę artystów Holenderskich, jego kolorowej soniczności.

Z licznych Madonn Yana Van Eyka jest najsłynniejszą "Madonna Rollenancellor" (około 1435 r.), Imieniem, ponieważ zanim Madonna przedstawia donator przed nią - kanclerz Rollinlin. Yang Van Eyer i pomyślnie zaangażowany w portret, zawsze pozostaje niezawodnie dokładny, tworząc głęboko indywidualny wizerunek, ale nie traci szczegółów ogólnej cechy osoby w ramach części Wszechświata ("Człowiek z goździkiem"; "Człowiek w turbanie "1433; Portret żony artysty Margarita Van Eyka, 1439). Zamiast aktywnych działań, który jest charakterystyczny dla portretów włoskiego renesansowego, Van Eyka podkreśla kontemplację jako jakość determinowanie miejsca osoby na świecie, pomagając zrozumieć piękno jego nieskończonego kolektora.

Sztuka Brothers Van Eykov, która posiadała wyjątkowe miejsce w nowoczesnej kulturze artystycznej, miała ogromne znaczenie dla dalszego rozwoju renesansu Holandii. W latach 40. XV wieku W holenderskiej sztuce, panteistyczna wielokolorowa i harmoniczna jasność, specyficzna dla Van Eyka, stopniowo znika. Ale ludzka dusza ujawnia głębiej we wszystkich jej tajemnicach.

Bardzo w rozwiązywaniu takich problemów Holandia jest zobowiązany przez Rogir Van Der Waitsen (1400? -1464). Pod koniec lat 40., Rogir Van Der Waitsen podróżował do Włoch. "Usuwanie z krzyża" jest typową dziełem Vaden. Kompozycja została zbudowana po przekątnej. Rysunek jest trudny, dane są prezentowane w ostrych kątach. Ubrania są certyfikowane, są skręcone z wirami. Osoby są zniekształcone przez żal. Każdy ma druk obserwacji zimnej analitycznej, niemal bezwzględny oświadczenie.

Na drugiej połowie XV wieku. Prowadzą prace Master of Exclusive Nurkowanie Gogo Van Der Gus (około 1435-1482), którego życie minęło głównie w Gandawie. Centralna scena wielkiego rozmiaru i monumentalna na obrazach ołtarza Portinari (według nazwy klientów) jest scena kultu niemowlęcia. Artysta przekazuje duchowy szok pasterzy i aniołów, wyrażanie osób, których osoby mówią, że wydają się przewidzieć prawdziwe znaczenie imprezy. Smoutfulful i delikatny wygląd Maryi, niemal fizycznie poczuł nieważność przestrzeni wokół figury niemowlęcej, a klon nastrój do niego jeszcze bardziej podkreślił nastrój niezwykłości tego, co się dzieje. Malowanie Gogo Van Der Gus miał pewien wpływ na florencko. Spóźnione dzieła Gusa coraz częściej pozyskują funkcje dyskietek diabła, duchowych Dons, tragedii, bez ryzyka ze światem, będąc odzwierciedleniem bolesnego stanu samego artysty ("śmierć Maryi").

Kreatywność Hansa Memling (1433-1494), która uwielbiła się lirycznymi obrazami Madonn, był nierozerwalnie związany z miastem Brugge. Kompozycje wspomnień są jasne i mierzone, obrazy są poetyckie i miękkie. Sublime dogaduje się codziennie. Jedna z najbardziej charakterystycznych prac Membling - Cozer św. Ursula (około 1489 g)

Jerome Bosch (1450-1516), twórca ponurkowych wizji mistycznych, w których odnosi się do średniowiecznego alegoryzmu, a do żywej konkretnej rzeczywistości. Demonologia dogaduje się z Bosch ze zdrowym humorem ludowym, subtelnym poczuciem natury - z zimną analizą ludzkich wad i z bezlitosnym groteskowym obrazem ludzi ("statek głupców"). W jednej z najbardziej wielkich prac - "Ogród Pleasure" - Bosch tworzy obraz obrazu grzesznego życia ludzi. W dziełach późnego bosch ("St. Anthony) wzrasta temat samotności. Rubbrozes między XV a XVI stuleciami w dziedzinie Holandii jest znacznie bardziej zauważalny niż, powiedzmy między Quatrocheto a wysoką ożywieniem we Włoszech, które pojawiły się organiczne, logiczne konsekwencje sztuki poprzedniego porów. Sztuka Holandii XVI wieku. Coraz więcej odmawia użycia średniowiecznych tradycji, które w dużej mierze opierały się na artystów w minionym wieku.

Szczyt Holandii Renesans był niewątpliwie pracą Peter Bruegel Senior, nazywany Menietic (1525 / 30-1569). Z nazwą Bruegel, ostateczny dodatek krajobrazu w Holandii, jako niezależny gatunek jest powiązany. Specjalna sława z potomków zdobyła "zimowy krajobraz" z cyklu "Seasons" (inna nazwa - "Snow Hunters", 1565): Cienka penetracja w przyrodzie, lipryzacja i brzuch smutek wieje z tych ciemnobrązowych drzew sylwetki, myśliwych i psów kształtów Na tle białego śniegu i płynących w odległości wzgórz, malutkie postacie ludzi na lodzie i latającego ptaka, szukając złowieszczy w tym czasie, niemal namacalny wycinek dzwoniący.

Na początku lat 60. Bruegel tworzy szereg tragicznych dzieł, które są lepsze od ekspresywności wszystkich Phantasmagorii Bosch. Allegoryczny język wyrażał tragedię Bruegel współczesnego życia całego kraju, w którym pragnienie hiszpańskich ciemiężców osiągnęło najwyższy punkt. Popatrzono na działki religijne, ujawniając wydarzenia miejscowe "Bicie Bethlehem of Babies" (1566)

W holenderskim odrodzeniu również Włochanie prądu, tzw. Novelism. Artyści tego obszaru przestrzegaj (jeśli to możliwe) tradycje szkoły rzymskiej i przede wszystkim Rafael. W pracy takich mistrzów, takich jak Y. Gossart, P. Cook Wang Alst, Ya. Relorl, F. Floris, itp zaskakująco łączyły pragnienie idealizacji, do włoskich form plastyczności z czysto Holandią uwielbiają szczegóły, narrację i naturalizm. Ponieważ jest to prawda (V. VLASOV), imitacja niskistrzyków Holandii była w stanie pokonać tylko geniusz Rubensa - już w XVII wieku.

Podobne informacje.

Motywy gatunkowe stopniowo przeniknął na działki religijne malarstwa Holenderskiego, w ramach dekoracyjnego i wyrafinowanego stylu sztuki latemickiej, zgromadzono konkretne szczegóły, wzrosły akcenty emocjonalne. Wiodąca rola w tym procesie była rozgrywana przez miniaturę, szeroko rozprzestrzeniając się w 13-15 stuleci z sądami francuskiej i burgundy arystokracji, która zebrała utalentowanych mistrzów z warsztatów miejskich wokół nich. Wśród nich Holandia cieszyła się szeroko sławą (bracia Limburg, Marszałek Beadiko). Charakter (bardziej precyzyjnie Księga godzin - rodzaj modlitów, gdzie modlitwy poświęcone pewnej godzinie znajdują się na miesiące) zaczęły ozdobić sceny pracy i rozrywki w różnych porach roku i ich krajobrazy. Z miłością mistrzów schwytało ich piękno wokół nich, tworząc bardzo artystyczne prace, kolorowe, wykonane łaskę (klasa Turyn-Milan 1400-1450). W historycznych kronikach pojawiły się miniatury przedstawiające wydarzenia historyczne i portrety. W XV wieku malowanie portretowe rozprzestrzenia się. Na XVI wieku malarstwo domowe, krajobraz, martwa natura, obrazy na mitologicznych i alegorycznych działkach są podświetlone w niezależnych gatunkach.

Od lat 40. XV wieku w malarstwie Holandii, z jednej strony, elementy narracji, na inne - dramatyczne działania i nastrój. Z zniszczeniem obligacji patriarchalnych, cementowanie życia średniowiecznego społeczeństwa, poczucie harmonii, porządku i jedności pokoju i mężczyzny znika. Osoba jest świadoma jego niezależnego istotnego znaczenia, zaczyna wierzyć w umysł i woli. Jego wizerunek w sztuce staje się coraz bardziej indywidualnie wyjątkowy, dogłębna, ukryta uczucia i myśli są ujawniane w nim, ich złożoność. Włącza się do centralnej twarzy aktorskiej sceny lub bohatera portretów maszynowych, właściciela cienkiej inteligencji, rodzaj duchowego arystokracji. Jednocześnie osoba odkrywa swoją samotność, tragedię jego życia, jego losu. W jego wyglądzie alarm został uruchomiony, pesymizm. Ta nowa koncepcja pokoju i człowieka, która nie wierzy w siłę ziemskiego szczęścia, znalazła odzwierciedlenie w tragicznej sztuce Rogyr Van Der Vadena (około 1400-1464), w kompozytowych płótnach na działkach religijnych ("usuwanie z krzyża" , Madryt, Prado) i wspaniałe portrety psychologiczne, których największy był Mistrz.

Uczucie tajemnicy i niepokoju, poczucie pięknej, bezprecedensowej i głęboko tragicznej w codziennym, określić kreatywność artysty silnie wyraźnej osobowości i ekskluzywnego gogli Gogo Van Gus (1440-1482), autora potężnego, Fascynujący jego żałosny nastrój i plastikową siłą ołtarza Portinari (1476-1478, Florencja, Uffizi). Gus był pierwszym, który stworzył holistyczny wizerunek czysto ziemskiej egzystencji w swojej materialnej konkretności. Utrzymywanie zainteresowania wiedzą na temat różnorodności życia, skoncentrował się na człowieku, jego duchowej energii i sile, wprowadziła czysto ludowe typy w jego kompozycje, prawdziwy krajobraz i jego emocjonalny dźwięk. Tragedia Ministerstwa była ukryta w swojej odważnej sztuce za zgodą wartości istnienia Ziemi, zauważyła sprzeczności, ale godny podziwu.

W ostatnim kwartale XVII wieku aktywowano życie artystyczne prowincji północnych (w szczególności Holandii). W dziedzinie pracy artystów są silniejsi niż na południu Holandii, istnieje połączenie z popularnymi przekonaniami, z folklorem, pragnieniem charakterystyki, nisko alei, brzydki, do satyry społecznej, ubrany w alegoryczny, religijny lub forma ciemnej fikcji jest ostro wyrażona.

Funkcje te są ostro wyznaczeniowe w nasyceniu z głębokim pesymizmem malowania namiętnego oskarżyciela Jeronimusa Bosch (około 1450 - 1516), który odkrył straszne królestwo zła w otaczającym świecie swojego świata, który kupił smaki z włosami, bezsilny, spędzony w grzechach ludzkości. Leniowate trendy moralizujące jego kreatywności, bezlitosny stosunek do osoby są wyraźnie wyrażone w alegorycznym obrazie "statku głupców" (Paryż, Louvre), małżonki. Ekspresyjność artystycznych obrazów Bosch, jego pracy domowej, tendencja do Grotesca i Sarcazma na obrazie rasy ludzkiej określała imponującą siłę swoich prac, charakteryzujących się wyrafinowaniem i doskonałością wydajności obrazu. Sztuka Bosch odbiła sentyment kryzysowy, który przejął społeczeństwo Holandii w kontekście wzrostu konfliktów społecznych z końca XV wieku. W tym czasie stare miasta Holandii (Brugii, markizy) związane z wąską lokalną regulacją gospodarczą straciły dawną moc, ich kultura była karmiona.

Różnorodne w stosunkach etnicznych, ekonomicznych i politycznych, mówionych w różnych przysłówkach pochodzenia romańskiego i germańskiego, te prowincje i ich miasta nie stworzyły jednego państwa narodowego do końca XVI wieku. Wraz z szybkim podnoszeniem gospodarczym, demokratyczny ruch wolnego handlu i rzemieślniczych miast oraz przebudzenie narodowej samoświadomości kwitnie kulturę, na wiele sposobów podobnych do włoskiej ożywienia. Głównymi ośrodkami nowej sztuki i kultury były bogate miasta południowych prowincji Flandrii i Brabancji (Brugia, Gandawa, Bruksela, Runa, później Antwerpia). Kultura mieszczana w mieście z kultem trzeźwej praktyczności opracowanej tutaj obok wspaniałej kultury książęcej dziedzińca, dorastał na glebie francusko-burgundy. Dlatego też nie jest zaskakujące, że dominujące miejsce wśród północnych europejskich szkół sztuki wzięło XV wieku Hans Memling, Jacques Daré, Gergen, że Sint-Jan i inni malarze (patrz dalej na tekście).

Cechy historycznego rozwoju Holandii doprowadziły do \u200b\u200bosobliwego koloru sztuki. Feudalne fundamenty i tradycje prześladowały tutaj do końca XVI wieku, chociaż pojawienie się kapitalistycznej postawy, która naruszyła zamknięcie klasy, doprowadziło do zmiany oceny osoby ludzkiej zgodnie z prawdziwym miejscem, które zaczęła zajmować w życiu. Holenderskie miasta nie wygrały niepodległości politycznej, że gminy miejskich miały we Włoszech. Jednocześnie dzięki ciągłym ruchom przemysłu do wioski, kapitalistyczny rozwój przejęty w Holandii głębsze zbiorniki społeczeństwa, ustanawiające fundament do dalszych jedności narodowej i wzmocnienie ducha korporacyjnego, który wiąże się między sobą niektóre grupy społeczne. Ruch wyzwolenia nie był ograniczony do miast. Decydująca siła walki była chłopstwem. Walka z feudalizmem nabyła teraz bardziej ostre formularze. Pod koniec XVI wieku włamał się do ruchu potężnego reformacji i zakończył zwycięstwo rewolucji burżuazyjnej.

Holandia nabyła bardziej demokratyczną postać niż włoski. Jest to silne cechy folkloru, fikcji, groteskowskiej, ostrej satyry, ale jego główną cechą jest głębokie poczucie narodowości życia, ludowe formy kultury, życia, moralności, typów, a także pokazu kontrastu społecznych w życiu Różne sektory społeczeństwa. Społeczne sprzeczności społeczeństwa, Królestwo wrogości i przemocy, różnorodność przeciwnych sił pogarszał świadomość jej dysharmonii. Stąd krytyczne trendy renesansowe Holandii, objawiające się w języku ekspresyjnym, a czasem tragicznym groteskowym w sztuce i literaturze, często ukrywają się pod maską żartów ", aby ta prawda królów z uśmiechem mówić" (Erasmus Rotterdamsky. "Eyreshawful Word of Nonsens"). Inną cechą Holenderskiego kultury artystycznej renesansu - trwałość średniowiecznych tradycji, które ustalili charakter realizmu Holenderskiego 15-16 stuleci. Wszyscy nowi ludzie otwierali przez długi okres czasu, stosowane do starego średniowiecznego systemu oglądania, co ograniczyło zdolność do niezależnego rozwijania nowych poglądów, ale jednocześnie zmuszeni do przyswojenia cennych elementów zawartych w tym systemie.

Zainteresowanie dokładnymi naukami, starożytnym dziedzictwem i włoskim ożywieniemi objawił się w Holandii już w XV wieku. W XVI wieku, przy pomocy ich "powiedzeń" (1500), Erazm Rotterdamu "złamał tajemnicę" erudyty i wprowadził życie, wykonywane przez wolność i zabytkowa mądrość w stosowaniu szerokich kręgów "niezasłodnionych ". Jednak w sztuce, odnosząc się do osiągnięć starożytnego dziedzictwa i włoskich renesansowych, artystów Holenderskich szli drogę. Intuicja zastąpił podejście naukowe do obrazu natury. Rozwój głównych problemów sztuki realistycznej jest rozwój proporcji ludzkiej postaci, budowy przestrzeni, objętości itp. - został osiągnięty przez ostrą bezpośrednie obserwację konkretnych zjawisk indywidualnych. W tym, czarodziejów Holandii byli z narodowej tradycji gotyckiej, które z jednej strony zostały przezwyciężone, a z drugiej strony zostały przetrwani i rozwinęli się w kierunku świadomego, celowego uogólnienia obrazu, powikłania poszczególnych cech. Sukcesy osiągane przez Holandia Sztuka w tym kierunku przygotowali osiągnięcia XVII wieku realizmu.

W przeciwieństwie do Włoch, Holandia Sztuka Renaissance nie dotarła do zatwierdzenia nieskończonej dominacji obrazu idealnego człowieka tytanu. Podobnie jak w średniowieczu, osoba wydawała się niderlandzkimi integralną częścią wszechświata, tkane do jego złożonego duchownego całkowitego. Renesansowa istota osoby została określona tylko przez fakt, że został uznany za największą wartość między wieloma zjawiskami wszechświata. Dla holenderskiej sztuki charakteryzuje się nową, realistyczną wizją świata, zatwierdzenie wartości artystycznej rzeczywistości jest taka, jak jest ona ekspresja komunikacji organicznej osoby i jego otaczającego środowiska, zrozumienia tych możliwości, które ludzkiej natury i Życie daje. W obrazie osoby artystów są zainteresowani cechą i specjalną, sferą zwykłego i duchowego życia; Słusznie uchwycić Malarzy Holandii z XV wieku przez różnorodność osób indywidualnych ludzi, niewyczerpany kolorowy bogactwo natury, jego różnorodność materiału, delikatnie poczuć poezję codziennej, niewidzialnej, ale blisko osoby rzeczy, przytulne zapomnienia wnętrza. Te cechy percepcji świata objawiają się w malarstwie Holandii i wykresie 15 i 16 wieków w gatunku krajowym, portret, wnętrze, krajobraz. Znaleźli one typowe dla Holandii Uwielbiam szczegóły, specyfikę ich wizerunku, narracji, subtelności w przeniesieniu nastrojów, a jednocześnie uderzający zdolność do odtwarzania holistycznego obrazu wszechświata z przestrzenną nieskończonością.

Nowe trendy nierównomiernie objawiają się w różnych typach sztuki. Architektura i rzeźba do XVI wieku rozwinęła się jako część stylu gotyckiego. Złamanie popełnione w dziedzinie pierwszej trzeciej XV wieku, najbardziej dotkniętych obrazami. Jego największym osiągnięciem jest związany z pojawieniem się malowania maszyn w Europie Zachodniej, która przybyła, aby zastąpić obrazy ścienne Kościołów Romansowych i gotyckich witrażów okien. Malewki na temat tematów religijnych były pierwotnie dzieł malowania ikony. W postaci malowanych folderów z ewangeliami i działkami biblijnymi zdobiącym ołtarze kościołów. Stopniowo kompozycje ołtarza zaczęły się zawierać świeckie historie, później otrzymali niezależne znaczenie. Szklany obraz oddzielony od Iconopus, zamienił się w integralną należącą do wnętrz bogatych i arystokratycznych domów.

Dla holenderskich artystów, głównym sposobem ekspresji artystycznej - kolor, który otwiera możliwości odtwarzania wizualnych obrazów w ich kolorowych bogactwie z ograniczającą namacalność. Holandia uciekła z najdrobniejszych różnic między obiektami, odtwarzającą teksturę materiałów, efekty optyczne - metalowy połysk, przezroczystość szkła, odbicie lustra, cechy odbicia odzwierciedlonego i rozproszonego światła, wrażenie atmosfery powietrza w odległości w odległości scenerii. Podobnie jak w gotyckim witrażowym oknach, której tradycja odegrała ważną rolę w rozwoju obrazowego postrzegania świata, kolor służył jako główne środki nadawania emocjonalnego nasycenia obrazu. Rozwój realizmu spowodował przejście z farby olejowej w Holandii, co pozwoliło na istotną ilość światu.

Poprawa techniki obrazu olejnego znanego w średniowieczu, rozwój nowych kompozycji przypisuje się Janowi Van Eyce. Stosowanie farby olejowej i żywicznych substancji w malarstwie sztalugowym, nakładając go za pomocą przezroczystej, cienkiej warstwy na piankowaniu i białej lub czerwonej kredowej gleby podkreślone nasycenie, głębokość i czystość jasnych kolorów, rozszerzonych możliwości malarskich - pozostawiono do osiągnięcia bogactwa i różnorodności w kolorze , cieńsze przejścia tonalne. Malowanie malowania Yana Van Eyka i jego metoda nadal mieszkała prawie niezmieniona w 15-16 stuleci, w praktyce artystów Włoch, Francji, Niemiec i innych krajów.