Dekoracyjny rysunek martwa natura czarna biała. Czarno-białe życie i jego konkretne cechy

Słowo "martwa natura" pochodzi z francuskiego frazy "Nature Morte" i oznacza sortowanie lub martwy charakter. Ale wydaje mi się, że istota tego typu sztuki daje angielskiemu wyrażeniu "martwa natura" - "stałe, mrożone życie". W końcu, w swojej istocie, martwa natura - nic innego jak wybór kawałka życia.

Zbieranie materiału do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka zdejmij życie, łatwiej niż prosta. Umieść kubek na stole, dodał do niego szczegóły, ustaw światło i kliknij migawkę. Modele modele są zawsze pod ręką, nieograniczony czas na fotografowanie. Wygodne i koszty są minimalne. Dlatego kochają tego gatunkowego nowicjusza fotografów. A niektóre osiągają bardzo interesujące wyniki. Przejdź do dowolnego miejsca fotograficznego, wybierz odpowiedni sekcję i podziwiaj naprawdę eleganckie zdjęcia. Ale przechodzi czas, a wiele pytań powstaje: "Dlaczego musisz go strzelać? Kto go potrzebuje? Co zrobię z tego?" Bez znalezienia odpowiedzi na te pytania, wiele przełączy się na ślub, fotografie dla dzieci lub zwierząt, które dają pewne dochody. Martwa natura nie lubi tego specjalnego szacunku i zdjęć mistrzów. Nie opłacalny tej firmy. Jeśli coś może przynieść, jest to tylko estetyczna satysfakcja. Od czasu do czasu strzelają do czasu, więc mówiąc, aby dogonić swoją umiejętnością.

Ale są jednostki, które widzą w martwym życiu, coś więcej niż tylko piękne zdjęcie. Więc poświęcam mój artykuł do tego mistrzów.

Przyznaję, na początku chciałem dokonać wyboru fotografów, którzy mnie lubią, a które słusznie zajmują pierwsze miejsca w ratingach na różnych zdjęciach. A potem pojawiło się pytanie: "dlaczego?" Wszyscy wiedzą, jak korzystać z Internetu, większość NED raz pokazała zdjęcia, zaznajomieni z najlepszymi pracami, a informacje o zainteresowanej fotografie można zawsze znaleźć w wyszukiwarce. Postanowiłem opowiedzieć o specjalnych fotografów - tych, których kreatywność zamienia rozpoznawane kanony z nóg na głowie, która naprawdę zrobiła coś nowego, który udało się zobaczyć coś niezwykłego w codziennych sprawach. Na różne sposoby można traktować za ich pracę: podziwiać lub, przeciwnie, nie bierz. Ale jednoznacznie ich praca nie może pozostawić nikogo obojętnego.

1. Kara barer.

Kara Berr (1956), fotograf z Stanów Zjednoczonych, wybrał jeden obiekt na filmowanie - książka. Przekonując go, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografie. Rozważmy, że zdjęcia mogą być nieskończone. W końcu każda rzeźba książki niesie pewne znaczenie i niejednoznaczne.

2. Gwido Mocafico (Guido Mocafico)

Szwajcarski fotograf Guido Mokafiko (1962) w swojej pracy nie jest ograniczony do jednego tematu. Interesuje się różnymi obiektami.

Ale nawet biorąc pojedynczy kawałek, dostaje niesamowitą pracę. Jego słynna seria "ruch" ("ruch"). Wydaje się po prostu podejmowane przez mechanizmy godzin, a przecież wszyscy, jeśli spojrzysz, własną postać.

Wciąż, jak wiesz, "Natura śmiertelna" jest usunięta. W swojej serii "Węże", Guido, MOCAFIKO naruszył tę zasadę, a dla przedmiotu martwego życia wzięła żywą istotę. Węże, walcowane przez jedzenie, tworzą niesamowity, jasny i wyjątkowy obraz.

Ale fotograf tworzy tradycyjne martwiałe natężenia, usuwając je w stylu holenderskim i wykorzystując takie niemieszkalne przedmioty jako szczegóły.

3. Carl Kleiner (Carl Kleiner)

Szwedzki fotograf Karl Kleyper (1983) dla jego nieruchomych natężeniach używa najczęstszych przedmiotów, dzięki czemu w dziwacznych zdjęciach. Zdjęcia Karl Kleiner kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Fantazja jest nieograniczona, wykorzystuje zupełnie inne materiały z papieru do jaj. Wszyscy, którzy mówią, idą w biznesie.

4. Charles Grogg (Charles Grogg)

Wciąż życie American Charles Grogg jest wykonane w czerni i bieli. Fotograf do filmowania wykorzystuje również zwykłe przedmioty domowe dostępne w każdym domu. Ale eksperymentować z ich lokalizacją i łączeniem w niezwykłych kombinacjach, fotograf tworzy prawdziwie fantastyczne obrazy.

5. Co madoz (chema madoz)

Jestem pewien, że prace Madoz (1958), fotografa z Hiszpanii znanych wielu. Jego czarno-białe martwe życie, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnego. Unikalny wygląd fotografa na zwykłych rzeczach podziwia. Prace Madosa są pełne nie tylko humoru, ale także w głębokim znaczeniu filozoficznym.
Sam fotograf mówi, że jego zdjęcia są wykonane bez żadnej cyfrowej przetwarzania.

6. Martin Klimas (Martin Klimas)

W dziełach Martin Klimas (1971), fotografa z Niemiec, również nie Photoshopa. Tylko krótki, a raczej supercore, fragment. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkową chwilę, że ludzki wygląd nie może nawet zobaczyć. Usuwa Martin Klimas jego wciąż życie w całkowitej ciemności. Korzystanie z specjalnego urządzenia w momencie złamania elementu na podziale sekundy, wybuch jest włączony. A kamera rejestruje cud. Tutaj po prostu masz wazony z kwiatami!

7. John Chervinsky (John Chervinsky)

Amerykański John Cervinsky (1961) jest naukowcem pracującym w dziedzinie fizyki stosowanej. A jego nieruchomy wątroba jest mieszanką nauki i sztuki. Tutaj i nie zrozumiesz: lub wciąż życia lub instrukcji nauczania w fizyce. Podczas tworzenia ich martwego życia John Cervinski korzysta z praw fizyki, otrzymując niezwykle interesujący wynik.

8. Daniel Gordon (Daniel Gordon)

Daniel Gordon (1980), fotograf z Ameryki, nie dotyczy problemów naukowych. Po fotografowaniu wciąż trwa, wybrał inny sposób. Wydruki na drukarce Kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu, te kawałki papieru, a następnie zawija w nich różne przedmioty. Okazuje się coś w rodzaju rzeźb papierowych. Jasny, piękny, oryginalny.

9. Andrew Myers (Andrew B. Myers)

Andrew Myers (1987), fotograf z Kanady, nie mylisz z żadnym innym - są zawsze rozpoznawalne. Proste delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, która tworzy uczucie obrazu wypełniacza ze światłem i powietrzem. Najczęściej tworzyć nieruchomych natężenia, przedmioty z lat 70. i 80. XX wieku. Jego prace są graficzne, stylowe i powodują pewną nostalgię.

10. Regina Decomis (Regina Deluise)

Aby stworzyć swoje prace, Regina Curisis (1959), fotograf z Stanów Zjednoczonych nie używa lustrzanej inżynierii fotograficznej. Wybrała inny sposób - wydrukowane negatywy z filmu na specjalnym papierze. Jego poetyckie obrazy zawierają dużą gamę odcieni i różnych tekstur. Wciąż życie są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra światła i cieni.

11. Bochcong Koo (Bohnchang Koo)

Bochchang Ku (1953), fotograf z Korei Południowej, woli biały kolor. Stworzył martwa natura - biały na białym - po prostu niesamowity. Są nie tylko piękne, ale także mają pewne znaczenie - zachowanie antycznej koreańskiej kultury. W końcu fotograf jest specjalnie podróżujący po całym świecie, szukając obiektów dziedzictwa kulturowego w muzeach.

12. Chen Wei (Chen Wei)

Chen Wei (1980), fotograf z Chin, wręcz przeciwnie, znajduje inspirację do swojej pracy w pobliżu domu. Wyświetlono dziwne przestrzenie, sceny i obiekty, wykorzystuje rekwizyty, rzucane przez innych na wysypiska.

13. Alekandra Laviada (Alejandra Laviada)

Aleukandra Laviada, fotograf z Meksyku, wykorzystuje zniszczone i opuszczone budynki za jego filmowanie, tworzenie nieruchomych trwałości z znalezionych tam obiektów. Jej martwa natura mówi prawdziwym opowieściom o ludziach, które mieszkały w tych budynkach i cieszyli się rzeczy pozostawionymi za niepotrzebnymi rzeczami.

Jak każdy inny gatunek fotografii, wciąż życie jest niemożliwe bez kompozycji. Ponadto, martwa natura jest dokładnie gatunkiem, w którym skład odgrywa najważniejszą rolę i wymaga szczególnej uwagi od fotografa. W końcu rama reportażowa może być wybaczona, jeśli autor złapał naprawdę dobry czas. I homemade zdjęcia - zauważyłeś, jak zmarły mama, widząc na zdjęciu, choć talentless, ich dziecko? Jest mało prawdopodobne, że będziemy czekać na te same kondesję od publiczności, sfotografował pomarańczową butelką. Aby mieć pozytywny wpływ, będziesz musiał spróbować. I początek, oczywiście wynika z kompozycji pojętych ramki.

Wymaganie, kompozycja w martwym powietrzu jest harmonijną kombinacją i interakcją obiektów w ramce. Poprzez kompozycję można konsekwentnie pokazać widz, że chciałeś stworzyć nastrój, przekazać pomysł, a nawet opowiadał historię.

Kompozycja w martwym powietrzu może być podzielona na kilka typów:

• geometryczny
  
• przestrzenny
  
• kolor

Skład geometryczny

Nie jest tajemnicą, że wszystkie obiekty mają formularz geometryczny (lub przybliżony do geometrycznego). Nie jest to również tajemnicę, że osoba jest charakterystyczna dla powiązania każdej postaci z jej cechą jej charakterystyki. Na przykład kąty są podświadomie związane z wskaźnikami. Kiedy spojrzysz na kwadratowy lub prostokąt przez długi czas, pojawia się uczucie stabilności (może, ponieważ nasz podświadomie rysuje stabilny budynek). A krąg tworzy poczucie komfortu i łagodzenia. Warto pamiętać, że poziome linie (leżące człowieka) są znacznie spokojniejsze niż pionowy (człowiek stojący). Jeśli chodzi o przekątne, linie rosnące prowadzą z najwyższego dolnego rogu na prawy górny - wyglądają naprężająco malejąco: czytamy wszystko pozostawione w prawo, a nasz widok musi "gotować" wokół zdjęcia, aby dotrzeć do samego szczytu. Ale to jest ukryte i pewne poczucie zwycięstwa, prawda?! Downstream linie pochodzące z lewego górnego kąta po prawej dolnej prawej, przeciwnie, są tradycyjnie związane z relaksacją, smutkiem lub nawet spadkiem.

Wszystkie te małe sztuczki mogą być używane do własnych celów - w celu przeniesienia koncepcji, pomysłów na zdjęcia.

Wybór przestrzeni

Jeśli istnieje potrzeba podświetlenia pewnego przedmiotu w martwym stopniu, usuwając go do roli głównego bohatera, tutaj możesz grać na kompozycji przestrzennej. Na przykład umieść główny obiekt na czołówce, przed wszystkimi innymi. Lub ustaw światło, aby wiodący element został zapalony przez jaśniejszy niż wszyscy, a te obiekty, które się skończyły, a przed nim były słabsze. I możliwe jest, aby przebiegłe - zapalić różdżkę kadzidła lub zwolnić dym papierosowy, w ten sposób rysując w ramie do pasa powietrza: Fokus będzie koncentruje się na przednich obiektach, ponieważ daleko utopiony w romantycznej mgiełce .

Możesz także grać w aspektach technicznych aparatu: Jeśli chcesz pokazać go szczegółowo każdy element, w tym tło lub draperia, a następnie fotografowanie należy przeprowadzić za pomocą zamkniętej membrany. Ale jeśli ważne jest, aby wybrać jeden jeden element, membrana musi być ujawniona jak najwięcej. Nie ma potrzeby ignorowania funkcji optyki: na ramkach wykonanych przy użyciu soczewek szerokokątnych, elementy są znacznie zniekształcone, a bliżej aparatu obiekt, tym większy wydaje się w stosunku do pilota. I odwrotnie, duże długości ogniskowe "Zbieraj" perspektywę, przestrzeń jest znacznie bardziej płaski.

Skład kolorów.

Jeśli fotografia jest prowadzona w B / W, nie będziemy korzystać z wiedzy na temat właściwości narażenia koloru. Ale w przypadku zaplanowania fotograficznego koloru - nie powinieneś ignorować tego zakresu badań. Odwracając umysł na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz oryginalnego koloru, własnego ładunku semantycznego. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) przypominają nam o lato, słońce, ciepło. Jest to pierwszy stowarzyszenie, który występuje, patrząc na zdjęcie, rozwiązany w tych kolorach. Ponadto, z przebiegu malarstwa, możesz dowiedzieć się, że takie przedmioty wydają się bliżej wizualnie. Nie można powiedzieć o zimnych kolorach: niebieski, zielony, różowy, fioletowy - te kolory Lekko usuwają obiekt z widza i są powiązane jako reguła z zimą, zimną, wodą.

Ważne jest, aby pamiętać o kontraście, czasami można go odtwarzać, ale często nieskompresowane kombinacje kolorów odpychają lub zniekształcają znaczenie całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się robić zdjęcia ogórka na pomarańczowym tle, pomyślaj, czy będzie tło, aby przeciągnąć uwagę? Czy naprawdę chciałeś to osiągnąć? Należy również pamiętać, że każdy element ma możliwość odzwierciedlenia lub absorbowania odcieni kolorów obiektów w pobliżu, a nawet dwa z tego samego w kolorze obiektu na jednym tle może wyglądać inaczej ze względu na różnice w ich teksturach.

Wpływ na widza ma również nasycenie koloru: kompozycja w miękkich pastelowych kolorach stworzy poczucie odpoczynku i nostalgii, a jasne, krzyczące farby, wręcz przeciwnie, nadają się do przyciągnięcia uwagi, transmisji ekspresji, fabryk. Dlatego jasne kolory są tak kochane przez reklamujących fotografów, podczas gdy zdjęcie sztuki jest często dotykane wyciszonym, spokojnym tonem.

Oczywiście każda kompozycja musi być w pełni skompilowana wspólnym smakiem, prawem wewnątrz zdjęcia - w przeciwnym razie się rozpada. Dlatego powinieneś być ostrożny z kontrastami kolorów, mogą mieć poważny wpływ - jak sprawić, by pracować bardziej interesujące i zniszczyć, wprowadzając niepotrzebne akcenty.

Czarny i biały

Pomimo braku koloru, w czarno-białej martwej życiu, ich prawa panuje, a kontrast tutaj również odgrywa ważną rolę. Ten sam kolor w tym przypadku jest zastępowany przez tone - inna gra, ale istnieją również reguły!

Z pewnością zauważyłeś, że pełne kobiety bardzo rzadko idą w kolorze białym. Faktem jest, że biały kolor wydaje się być objętością czerni. Na czarno-białym obrazie oczu najpierw chwyta najjaśniejsze plamy i tylko wtedy porusza się do ciemności. Istnieje wiele zdjęć wizualnych na tym efekcie: jeśli spojrzeć na arkusz w gładkiej czarno-białej taśmie, z pewnością wydaje się, że białe paski są szersze. Zawsze należy wziąć pod uwagę tę zasadę podczas sformułowania kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały temat będzie w czołówce lub w tle, z pewnością wydaje się w tej kompozycji głównie, a wygląd spadnie przede wszystkim na nim.

Kontrasty

Jak już wspomniano, kontrasty odgrywają specjalną rolę. Istnieją w tej samej kompozycji na obrazie, mogą podświetlić obiekty i, przeciwnie, ukryj je. Praca zbudowana na ledwie zauważalnych wahań w świetle i cieniu bez podkreślania uwagi plam widzów wydaje się być monotonny, monotonny, niewyrażający. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.

Zasada tratta.

Oczywiście, w rozmowie o kompozycji, niemożliwe jest nie wspominać o zasadę trzeciej. Mając w umyśle przez ramę cztery linie - dwa, dzieląc je na trzy równe części poziomo, a dwa pionowe pionowe - można obliczyć najskuteczniejsze strefy ramowe: są w punktach skrzyżowania czterech linii ze sobą. W tych strefach najlepiej umieścić główny obiekt kompozycji.

W rzeczywistości zasada trzeciej jest uproszczona zasada złotej sekcji, która będzie nieco bardziej skomplikowana. W tym celu rama musi być podzielona na osiem części poziomo i pionowe. A następnie wydać po prawej i po lewej stronie, a także od dołu i na górze, linia wynosi 3/8. Na skrzyżowaniu tych linii i pojawi się punkty złotej sekcji. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejsze niż osiem części, więc częściej stosuje się w kompozycji: różnica widza nie jest tak zauważalna, a harmonia w ramce z zastrzeżeniem któregokolwiek z tych zasad jest oczywista.

Rytm

Rytm, czyli powtórzenie tych samych lub podobnych linii jest bardzo potężnym narzędziem kompozytowym, który umożliwia manipulowanie widoku przeglądarki. Według "ścieżki" przemiennych obiektów możesz bardzo daleko zranić. Ale nie jest konieczne, aby odtworzyć - rytm może i zabić całą kompozycję, pozbawiając jej dynamikę i monotonną.

Połączenia wewnętrzne

Podczas tworzenia konfiguracji dla fotografii konieczne jest zapewnienie połączenia między obiektami w ramce. Przedmioty mogą być powiązane z formą (jajko i żarówki), w kolorze (pomidorowym i czerwonym papryce), w znaczeniu (jabłko i cynamon). Przedmioty muszą być zgłaszane, aby przekazać widz, który tłumaczy spojrzenie z jednego przedmiotu w martwym życiu do drugiego. Takie podejście daje integralność kompozycji, czyni go interesującym, zrozumiałym i jednocześnie tajemniczym - nie jest wcale niezbędne do ujawnienia wszystkich połączeń wewnętrznych jednocześnie, najciekawsza może być ukryta wewnątrz kompozycji lub na chwilę Od widza, na przykład światło.

W kompozycji możesz mówić nieskończenie przez długi czas, ale co najważniejsze, co wciąż zbudowane jest na (jak jednak i zdjęcie w dowolnym innym gatunku) jest pomysłem, działką i prysznicem obrazu. A skład jest tym samym narzędziem w rękach fotografa, jak sama kamera. Pamiętaj, że chcesz przekazać widzowi! I użyj wszystkich dostępnych technik kompozytowych dla własnych celów.

Czarno-białe martwa natura może być rysowana na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem, a także ciekawą ilustrację plam lub liter. Dziś opowiadamy o różnych technikach, które można łatwo powtórzyć w domu.

Spots.

Czarno-biały martwa natura najczęściej robi ozdobna. Dlaczego? Tak, ponieważ wygląda tak wygrywać. Realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś takiego, wielokrotnego modelu. Realistyczne martwa natura nie jest bardzo interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów i preferuje pracę z dekoracyjnymi. Martwa natura czarno-biała czerpie bardzo proste. Najpierw musisz zbudować piosenkę. Możesz wyciągnąć z natury, który będzie łatwiejszy lub wymyślić preparat w wyobraźni. W naszym przypadku znajduje się dzbanek i miska z jabłkami na stole. Na ściance wiszące cebuli i draperii. Kiedy wszystko jest znalezione, właściwe miejsce znajduje się na arkuszu, a szczegóły są opracowane, możesz przejść do oddzielenia obiektów na części. Ponadto nie jest konieczne wykonywanie tego w porządku chaotycznym, ale wyraźnie myśląc, że białe części są przylegające do czerni i żaden z przedmiotów nie zostaną utracone.

Rysunek liniowy

Martwa natura czarno-biała może być rysowana w różnych technikach. Jeden z nich jest obrazem rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty, które mają wyraźnie wymawiane tekstury. Jeśli tak nie jest, relief będzie musiał wymyślić. Zacznij rysować czarno-biały martwa natura z konstrukcją kompozycji. Najpierw planujemy wszystkie przedmioty. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Po tym, jak wszystkie przedmioty zabrały swoje miejsce, zaczniemy ćwiczyć formularz, a następnie szczegóły. Ostateczna akcja jest obraz faktury. Okrąg nabywa poziome paski, kwiaty i jabłka - czarna i zielona granica. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. Pożądane jest łączenie linii poziomej i pionowej w martwym powietrzu, dzięki czemu przedmioty nie scalają, ale opłacalnie wyróżniają się przeciwko wzajemnie.

Postać z liter

Ten obraz będzie wyglądał jak czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie poruszają się do słów, a nawet w sugestie. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Po pierwsze, powinieneś przedstawić szkic. Zarys kubek i gazetę, która będzie leżeć w tle. Po tym musisz podzielić wzór przez tonów. Na przykład, kawa w kręgu powinna być najbardziej nasyconym tonem, drugie miejsce jest zajęte przez spadający cień, a trzeci jest własny. Tak więc możliwe jest podzielenie całego szkicu z liniami. Następnie, jeśli jesteś przekonany w swoich umiejętnościach, możesz pomalować rysunek za pomocą pióra żelowego, a jeśli się martwią, że coś powiedzie się, najpierw zrobić pionowe litery ołówkiem. Prawda, w tym przypadku konieczne jest koło litery. Uchwyt żelowy nie maluje ołówka. Zastosuj litery podążają za formą elementów. I baw się grać z wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, a kolejne dwa lub trzy razy więcej. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazie, a można napisać dowolne słowa.

Szachy stylizacji martwa. Master Class ze zdjęciem

Elena Alekseevna Najanskaya, Nauczyciel Sztuk Pięknych Mou Arsenyevskaya Sosh, P.ARSENYEVO, Tula region.
Opis: Materiał będzie interesujący dla nauczycieli sztuk wizualnych, pedagogów, wychowawców edukacji dodatkowej, kreatywne dzieci mają 10-12 lat.
Cel, powód: Wykorzystanie w lekcjach sztuki dziełowej, praca może służyć jako dekoracja wnętrz, doskonała prezent lub wystawa wystawa.
Cel, powód: Martwa natura z wykorzystaniem członkostwa obrazu na częściach (komórkach)
Zadania:
- wiedzieć z różnorodnymi technikami dekoracyjnymi wciąż życiem;
- Rozwijaj poczucie składu, wyobraźni, rozwijają zdolności twórcze;
- poprawić umiejętności pracy gwaszu; Ćwiczyć w zdolności do pracy z pędzlem o różnych rozmiarach zgodnie z zadaniem,
- edukować zainteresowanie podstawami sałaty wizualnej.
- Dokładność sektora, smocza do wizualnej kreatywności.
Materiały:
-Guchny czarny (możesz używać tuszu do rzęs)
-Chist numer 2, №5
-ołówek
-Lineca.
-gumka do mazania
Olej A3.

Martwa natura- Jest to gatunek dzieł sztuki poświęcony obrazowi towarów domowych, owoców, warzyw, kolorów itp.
Jako niezależny gatunek, wciąż życie otrzymało swój rozwój w XVII wieku. W pracy holenderskich artystów. A obecnie gatunek jest dość szeroko stosowany przez nowoczesnych artystów i projektantów. Wraz z realistycznym wizerunkiem jest bardzo często możliwe, aby spotkać się z koncepcją "dekoracyjnej martwej życia".
W przypadku dekoracyjnego życia, warunkowy, uproszczony wizerunek form, stylizacji.
Wiele uwagi jest wpłacana na decyzję kolorów, kolorystyka - ukwiecona kombinacja stosowana w kompozycji. Częste jest stosowanie kontrastujących kolorów. Kombinacja harmonijnych kontrastu jest stosunek czerni i bieli. Ta kombinacja jest aktywnie stosowana w grafice, odzieży, wnętrzach itp.
Spróbujemy naszej dzisiejszej kompozycji wciąż życia przy użyciu kombinacji czerni i bieli, ale do koloru, dodamy również koncepcję partycji płaszczyzny do komórek. Przypomnijmy lokalizację kolorowych pola komórek na szachownicy, zwrócimy uwagę na fakt, że te same pola kolorowe pola nigdy nie są łączone z całkowitą stroną, dotykają tylko w jednym punkcie. Spróbujemy tej funkcji, aby użyć w pracy nad kompozycją martwej natury.

Postęp
1. Myśląc o kompozycji, wybierz lokalizację arkusza. Planujemy lokalizację przedmiotów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy - spróbuj skomplikować kompozycji, stosując formę jednego tematu do innego.

2. Planujemy projekt obiektów z uszkodzonymi liniami. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna - nie jest konieczne do dążenia do przesyłania objętości, będzie płaska konstrukcja.

3. Umożliwiamy konturów formy obiektów. Dostarczamy kontury wazonu, kubków, rysujemy łodygi kwiatów, owoców o bardziej gładkich linii. Usuń linię konstrukcji.

4. Planujemy cienie incydentów. Oddzielimy płaszczyznę arkuszową do tej samej komórki w wielkości przy użyciu linijki. Optymalna wielkość komórki do arkusza krajobrazu (A4) wynosi 3 cm, jeśli większy arkusz (A3), wówczas można zwiększyć długość strony komórkowej do 5 cm. Jeśli nie ma doświadczenia w takim obrazie nieruchomy Życie - staraj się nie skomplikować problemu zmniejszającego rozmiar komórki.

5. Rozpoczynamy obraz komórek z czarnym gwaszem. Próbując farby, aby wziąć gruby, aby warstwa farby była dość gęsta i jednorodna. Jeśli forma obiektów wchodzi w komórkę, nie jest to malowane. Rozpoczęcie pracy lepiej od ekstremalnych komórek, stopniowo poruszając się w środku kompozycji.

6. Zwracamy się do obrazu komórek w środku kompozycji, bez przechodzenia do konturów przedmiotów.

7. Po zakończeniu barwienia tła zaczynamy ćwiczyć kolor części obiektów, które uderzyły w białe komórki.

8. Kontynuując pracę nad barwieniem poszczególnych elementów podejść do zakończenia pracy. Uwzględniamy linie kształtu obiektów, poprawić nieścisłości i kontury niekonkurencyjne komórek.

Praca jest gotowa.

Dziękuję za uwagę! Życzę całego kreatywnego sukcesu!