Sztuka dekoracyjna i stosowana i muzyka XVIII wieku. Dekoracyjna i stosowana sztuka XVIII - pierwsza trzecia część XIX wieku rosyjska sztuka z XVIII wieku XVII wieku krótko

Rozwój i sztuka stosowana Poprawa techniki produkcji rękodzieła i produkcji manufaktury, pochodzenia przemysłu artystycznego (produkcja stelaży, szkła sztuki, faience, fairmentacja kamienia, produkcji jedwabiu i tkaniny), Produkowanie modnych rzeczy, towarów luksusowych, otwarcia i rozwoju miedzi , Cyna, srebrna, kolorowa kamień, wysokiej jakości glina.

Rola Akademii Nauk w "dobrobycie darmowej sztuki i manufach", odzwierciedlając nowe przyrodnicze nauki i interesy techniczne w sztukach dekoracyjnych i stosowanych, jest znaczący. W pierwszej połowie XVIII wieku pojawiają się nowe formy szkolenia i treningów mistrzów artystycznych; Obchody rzemieślników w Rosji powstaje, która nie anuluje szerokiej dystrybucji zagranicznych mistrzów w różnych dziedzinach sztuki dekoracyjnej i stosowanej.

W sztukach dekoracyjnych i stosowanych (elementy wnętrz, meble, wystrój) aktywnie dyktuje styl mody. W rezultacie pojawiają się nowe typy obiektów, estetyczne pomysły są aktualizowane w sztuce dekoracyjnej i stosowanej. W dekoracyjnej i stosowanej sztuce Mid-XVIII wieku planowane jest tendencja syntezy sztuki, gdzie architektura, rzeźba, malarstwo, zastosowane rzemiosło są połączone razem w dekoracyjnym zespole.

W rezultacie sztuka projektu wnętrz staje się specjalnym rodzajem działalności artystycznej w dziedzinie architektów XVIII wieku. Ten rodzaj działalności artystycznej powoduje pojawienie się nowych rodzajów pomieszczeń (szafki, parada, sypialnie, pokoje dzienne, "zdjęć") i ich podmiotowe wypełnienie (pałac lato, pałac A.d. Veshikova, duży Pałac Peterhof, Montplpir).

Wszystko to przyczynia się do opracowywania mebli, nowych typów i form mebli, materiałów i sposobów na udekorowanie jego dekoracji. Istnieje bardzo wpływ na meble angielskiego i holenderskiego. Pod wpływem Europy w Rosji, nawet styl baroku i rokoków w meblach.

Meble klasyzmu ma charakterystyczne i formularze. Antyczne motywy można śledzić w dużej mierze w postaciach i wykańczaniu mebli. W środku XVIII wieku architekci są zaangażowani w rozwój nowych rodzajów mebli, sztuka meblowa pojawia się w Rosji i mebli autora (Brenna, Lwów, Cameron, Voronichin). W drugiej połowie XVIII wieku pojawiają się pierwsze warsztaty mebli (warsztaty Gamba i I.otta). W tym okresie w sztuce meblarskiej styl "Jacob" jest charakterystyczny. Na drugą połowę XVIII wieku materiały zmieniają się w sztuce meblowej: są czerwone drewno, pozłacane drzewo, topola, brzoza Karelian; Coraz częściej tkanina i haft są stosowane w produkcji mebli.

Specjalne miejsce w sztuce dekoracyjnej i stosowanej jest zajmowane przez ceramikę i faję. Dzieje się tak na początku ze względu na rozbudowę importu produktów Faience z Anglii i Holandii. Jednak pierwsza prywatna manufaktura A. Grebenchikowa w Moskwie pojawia się wytwarzanie rosyjskiego cienkiego faja. Później styl paradarnego naczyń z grawerowaniem matowym jest uformowany i dystrybuowany jest moda kryształu wraz z obiektem wnętrza. Pociąga to za sobą otwarcie pierwszego prywatnego szkła i kryształowej fabryki Maltsov w Mozhaisk Urytu.

W XVIII wieku znacznie ze względu na wzrost popularności sztuki dekoracyjnej i stosowanej, wystrój pomieszczeń, zużycie szkła wzrasta, co przetwarza tworzenie różnych luster i urządzeń oświetleniowych.

Rzeźba i malowanie drugiej połowy XVIII wieku.

Rozegrano dużą rolę w rozwoju malarstwa XVIII wieku kreacja Vladimir Lukich Borovikovsky. Pomimo faktu, że artysta nie został oficjalnie wymieniony przez studenta Akademii, bez wątpienia, cieszył się radą swoich nauczycieli, a przede wszystkim Levitsky. Naturalny talent i wytrwałość żelaza młodego artysty przyniósł wkrótce, że Borovikovsky nominowali pierwszych mistrzów późnego XVIII wieku. Stworzył serię doskonałych portretów swoich współczesnych, w tym G. Kedzhavin, V.ARSENYEVA, M. HALLINA, O. FILIPPOVA i wielu innych. Stałe zainteresowanie ludzkimi doświadczeniami psychicznymi, podkreśloną lirycznością i kontemplacją, sporządzoną przez uderzenie sentymentalności, tak charakterystyczną dla epoki, jest charakterystyczny dla większości prac Borovikovsky. Artysta nigdy nie szedł ścieżką zewnętrznej, charakterystyki powierzchniowej obrazu, stale dąży do przeniesienia najlepszych ruchów psychicznych przedstawionych osób.

W swojej pracy przeważa portret kameralny. Borovikovsky stara się zatwierdzić wewnętrzną czystość człowieka osoby (portret "Lysyanki i Dashinki", portret e.n.arsenyeva itp.). Na przełomie XVIII-XIX wieku Borovikovsky przyciąga silną, energiczną osobowość, koncentruje się na obywatelstwie, szlachcie, godności przedstawionej. Wygląd jego modeli jest powstrzymywany, tło krajobrazu zastępuje się obrazem wnętrza (portrety A.a. Dolgodukova, M.I. Dolgruk itp.).

Borovikovsky jest również uznanym mistrzem portretowych miniatur. Kolekcje rosyjskiego sklepu Muzeów działają należące do jego szczotek - portrety A.a. Romelas, V.v. Kapcinda, N.I. Lwowa i inne. Jako podstawa do miniatury artysta często używana cyny.

Prawdziwy szczyt rosyjski portret malarstwo XVIII wieku sięga w pracy D.g.levitsky. . Już w jednej z najwcześniejszych dzieł - portret architekta A. Kokorinova - Levitsky pokazał wyjątkowe umiejętności malarza. Wysokie korzyści artystyczne są portret Wielkiego Francuski Filozofer-Materialist D. Didro, napisany przez Levitsky w Petersburgu w 1773 r., A seria portretów uczniów Instytutu Smolnego stworzony przez artystę. Obrazy tych dziewcząt są oznaczone szczerością i ciepłem, kreatywność każdego z nich jest delikatna.

Portrety następujących lat - Lwowa, ojciec artysty, Bakuuni, Anna Davia i wiele innych arcydzieł Levitsky - jasny świadectwo jego genialnego talentu.

Levitsky stworzył bogatą galerię portretów swoich współczesnych, nadrukowane szeroko i w pełni, jak żadne inne, żywych obrazów epoki ludzi. Sztuka Levitsky kończy historię rosyjskiego portretu malarstwa w XVIII wieku. Należy jednak zauważyć, a niektóre historycznie określone ograniczenia jego kreatywności: jak inni wspaniałych artystów swojego czasu, Levitsky nie mógł odzwierciedlać społecznych sprzeczności rzeczywistości. Ludzie przedstawione przez artystę zgodnie z dominującymi pomysłami estetycznymi są zawsze nieco pozami, wydają się pokazać widzowi w świetle "przewoźnika". Jednak w wielu ich pracy artysta osiąga niesamowitą prostotę i witalność.

Levitsky's Legacy jest ogromny i nadal powoduje odbiorców poczucie bezpośredniej przyjemności estetycznej. Profesjonalna doskonałość jego dzieł i ich realistyczna koncentracja przedstawiła artystę dla jednego z najbardziej honorowych miejsc w całej historii sztuki rosyjskiej.

Wśród najsłynniejszych dzieł D.G.levitsky są następujące: "Portret E.A. Vorontsova", "Portret architekta A.F. Kocorinova", "Portret N.a. Lwowa", "Portret M.a.dyakova", "Portret Ursula Mnsek," "Portret Córka Agashi w rosyjskim kostiumu "itp.

W dziedzinie malarstwa portretowego rosyjscy artystów drugiej połowy XVIII wieku również powiedział swoje nowe słowo. Uważność charakterystyki psychologicznej, która oznaczyła wiele portretów tego czasu, jest uderzająca - pędzel najlepszych rosyjskich mistrzów coraz częściej w stosunku do prawdziwej transmisji obrazu osoby. Jest istotne, że w tym czasie już portrety są stworzone nie tylko dla szlachty i "silnego świata tego", ale także wiele progresywnych postaci publicznych. W tych portretach nie ma elementów parady i połysku zewnętrznego; Artyści szukają uwagi na przeniesienie wewnętrznej treści osoby, aby ujawnić siłę jego umysłu, szlachty jego myśli i aspiracji.

Rozwój rosyjskiego portretu znalazł wyrażenie kreatywność F. Crotov.

Fedor Stepanovich Rokotov. - jeden z najlepszych rosyjskich portretów. Po otrzymaniu edukacji artystycznej pod kierunkiem L.-ZH. Le Lorrena i policz Pietrotari, pracował w ten sposób, ale miał więcej w przyrodzie i był pilnie wykonany. W 1762 r. Przyjęto adiunkt do Novo-Conganenerepa. Akademia Sztuki dla filmu "Wenus" i na portret cesarza Piotra III.

Cienka malownicza umiejętność wyróżnia portrety tego artysty. Intymna duchowość obrazu, zwłaszcza w portretach damskich, Rockoty przynosi dużą ekspresję i siłę. Techniczna doskonałość pracy artysty jest scharakteryzowanie z nim rysunek i malowniczej umiejętności, możliwe jest porównanie z jednym levitsky. Portrety stworzone przez kołysek charakteryzują się udoskonaleniem wzoru i łaski koloru.

Najsłynniejsze dzieła Rokotowa obejmują: "Portret nieznanego w różowej sukience", "Portret A.i. Vorontsova", "Portret G. Vorlova w Łatwie", "Koronacyjny portret Catherine II", "Portret A.P. Strusaya" : "Portret poety Vi Maikov", "Portret Surovtsevaya" itd.

W drugiej połowie XVIII wieku. W rosyjskim obrazie zaczął się rozwijać gatunek gospodarstwa domowego. Jednakże malarstwo gatunkowe uznano przez kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych i preferowanych warstw społeczeństwa, jako coś nizin, niegodni szczotki artysty. Pomimo tego, po wojnie chłopskiej pod kierownictwem E. Pugacheva, zarówno w literaturze, teatrze, jak i muzyce, jak i malarstwa 1770-1780 G.g. Zaczął manifestować zainteresowanie chłopstwem, jego życiem, stylem życia. Często były to sentymentalne obrazy idyllicznych pasterzy i pasterzy, które nie mają nic wspólnego z prawdziwym życiem chłopskim. Jednak były wyjątki.

Jeden z pierwszych w języku rosyjskim Motyw chłopski rozwinął Książę Twierdzy G. A. Potemkin Michaił Shibanov. . Były to napisane obrazy "chłopski lunch", "Festiwal Zmody ślubnej" i innych. W obrazach Shibowej nie ma przypadku Serfdom, ale nie ma idealizacji życia chłopskiego w imionami płótna. Artysta wyróżnia wiedzę i zrozumienie życia i charakteru rosyjskiego chłopa.

Motyw chłopski znajduje odzwierciedlenie w dziele artysty im Tancova (1739 - 1799), autor obrazu "wakacje we wsi" i Ia Ermenheva (1746 - po 1792 r.), Pisanie akwarela "chłopski lunch", "śpiewacy żebraków "I Dr). Po raz pierwszy w historii sztuki domowej artysta wydał ciemne boki życia ludzi, ubóstwo ubóstwa.

W drugiej połowie XVIII wieku. Rozpoczyna się prawdziwe kwitnące rosyjskiej rzeźby. Rozwinęli się powoli, ale rosyjska myśl edukacyjna i rosyjski klasyzm były największymi zachętami do rozwoju sztuki dużych pomysłów cywilnych, problemów na dużą skalę, które wymagały zainteresowania wahając się w tym okresie. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - Każdy sam był najjaśniejszą osobowością, opuścił swój znak w sztuce. Ale wszyscy byli zjednoczeni ogólnych zasad twórczych, których nauczyli się od profesora Nicolasa, od 1758 do 1777 r. Odnotował klasę rzeźby w Akademii, wspólnych pomysłów obywatelstwa i patriotyzmu, wysokie ideały starożytności.

Wyszukiwanie dla uogólniania - wspaniałe nie wyklucza całej głębokości zrozumienia ludzkiej natury, pragnienie przeniesienia jego wszechstronności. To pragnienie jest zauważalne w monumentalnej ozdobnej rzeźbie plastikowej i sztalualnej drugiej połowy wieku, ale zwłaszcza w gatunku portretu.

Jego najwyższe osiągnięcia są związane przede wszystkim z kreatywnością. Fedot Ivanovich Schubina. (1740-1805), Countryman Lomonosov, który dotarł do Petersburga przez artystę, rozumiany przez subtelności schłodzonego przypadku. Pierwsza praca Schubin w domu - biust A.m. Golitsyn jest już zeznawany na pełną dojrzałość Mistrza. Wszystkie wielofunkcyjne cechy modelu ujawniono wraz z inspekcją kołową, chociaż nie ma wątpliwości, że główny punkt obserwacji rzeźby.

Shubin pracował nie tylko jako portretystyczny, ale także jako dekorator. Wykonał 58 owalnych marmurowych portretów historycznych dla Pałacu Chesme (znajduje się w zbrojowni), rzeźby do marmurowego pałacu i Peterhof, posąg Catherine II - przepisy (1789-1790). Nie ma wątpliwości, że Shubin jest największym zjawiskiem w rosyjskiej kultury artystycznej XVIII wieku. Wraz z krajowymi mistrzami w Rosji, francuski rzeźbiarz Etienne-Maurice Falcone pracował w Rosji, który w pomniku Petera I na placu Senatu w Petersburgu wyraził zrozumienie osobowości Piotra, jego historycznej roli w losie Rosji .

Fedor Fedorovich Shchedrin. (1751-1825). Przekazał te same etapy szkolenia w Akademii i emerytach we Włoszech i Francji jako Shubin. Wykonane przez niego w 1776 r. "Mariji" jest pełen szybkiego ruchu i tragicznej minigue. Podobnie jak wszyscy rzeźbiarzy epoki klasycyzmu, generin jest realizowany przez antyczne obrazy ("Sleeping imdimion"; Wenus), pokazując szczególnie poetycką penetrację do ich świata.

W ramach uroczystości 35. rocznicy w we wszystkich rosyjskich Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, zaktualizowaną stałą ekspozycję "dekoracyjną i stosowaną sztuką Rosji XVIII - pierwszej trzeciej XIX wieku".

"Peter wielka kwestionowana Rosja, a ona odpowiedziała mu Pushkin," Skrzydlata fraza A. N. Herzen Accucturally określa znaczenie i granice epoki, która jest poświęcona ekspozycji tych hal. Przedstawione tutaj przedmioty są kamieniami milowymi, które oznaczały formację i kwitnące kultury krajowej we wsi europejskiej tradycji kulturowej nowego czasu. Są przechwycani przez zmiany w tekście życia i artystycznych zabytków, transformacji starego i pojawienia się nowych form merytorycznych, technika, a nawet gatunków sztuki dekoracyjnej i stosowanej.

Projekt nowej ekspozycji opiera się na zasadzie demonstracji eksponatów jako unikalnych obiektów artystycznych, które są łączone w blokach tematycznych, stylistycznych i typologicznych. Takie rozwiązanie pozwala oszacować wartość każdego elementu z punktu widzenia czasu, stylu, rozwoju odrębnego rodzaju sztuki dekoracyjnej i koncentruje się na jego artystycznej wewnętrznej wewnętrznej.

Scenariusz inspekcji opiera się na przestrzennym rozwiązaniu ekspozycji, nie tylko znacząco (według typologii, tematu, stylistyki i chronologii), ale także wizualnie - od czasu Petrovsky do Bidermeier.

Terry (garnitury) z pokrywką 1795

Centralne tematy nowej ekspozycji: "EPOP o zmianach: światła XVII -XVIII wieku", do którego tak zwane "Prymitywy XVIII wieku" przylegają do rzeczywistości nowego czasu w formach sztuki tradycyjnej; "Klasyko z rosyjskiego XVIII wieku", reprezentujące erę Piotra do Pawła w wysokich próbkach sztuki sądowej, a także "rosyjskiego ampire" i "w pokojach", pokazując dwa otwory kultury rosyjskiej pierwszej trzeciej XIX wieku - genialny styl cesarski i tworzenie kultury życiowej prywatnej, odpowiadającej zjawiskowi niemieckiej bidermayera. Jednocześnie ekspozycja pozwala nam rozważyć prace i w zwykłym rzędzie - według sztuki sztuki, podświetlanie mebli, metalu artystycznego, szkła, porcelany, ceramiki, sztuki kamiennej, kości i koralików.

Szczególną uwagę zwraca się na takie unikalne przedmioty kościelne jako Keyboard i Panagia, która z powrotem do XVII wieku. Są one wykonane w koszowej techniki w tym czasie, skanując. Wśród najwcześniejszych eksponatów znajdują się skrzynie z metalem z metalowym i dekoracyjnym wykończeniem, inkwell, mosiężne dania w Uralu XVII - wczesne XVIII wieku. Jasną próbkę z przodu dania kuchni biurowej do serwowania stołu są mosiężne odpływy zakładu Demidow w Uralach.

Tabela obsługuje przedmioty i podajniki wykonano w inny sposób w różnych technikach. Na przykład, dwa szklane, ciemnoniebieskie kubki z EML i WGS Vensels, produkcję cesarskiej szklanej rośliny, są rzadkim przykładem malowanych produktów do końca XVIII - wczesnym XIX wieku. Łaciński Vensels w kubkach należą do szwedzkiego posłańca w Rosji w 1793 roku przez Vernera Gottobu von Schlenir - "WGS" - i jego matka Ebbe Maria Lagerbrings - "EML". Filiżanki utrzymywano dwa ponad sto lat w zamku Scarhult, Scone (Szwecja), będąc dziedzictwem rodzinnym.

Na wystawie będzie możliwe zapoznanie się z unikalnymi próbkami rosyjskich mebli pałacowych w XVIII-XIX wieku, wśród których szachy i samotne stoły w technice markietowej są szczególnie interesujące. Wśród mebli wykazuje charakterystyczne dla pierwszej połowy XIX wieku, dwa rzadkie zjeżdżalnie w stylu "Jacob" zwracają uwagę. W tym samym czasie jest również dwa krzesła, wykonywane na projekcie łuku OSIPA Ivanovich. Interesujące są zegar kominkowy "Minin i Pozharski" produkowane przez Piarrian Bronzevel Pierre-Philipp Tomir i, odtwarzanie w formacie wnętrz, słynny pomnik Ivan Martos, stojący na placu czerwonym.

Beauvais I.O. Krzesło jest pierwszym kwartałem XIX

Specjalne miejsce w ekspozycji jest zajmowane przez Sperler "Rescue Rybakov", który został przeprowadzony we Flandrii w nieznanym warsztacie w drugiej połowie XVII - wczesne XVIII stuleci. Wszedł do NSDPNI w 1999 r. Z kolekcją Muzeum Sztuki Ludowej. S. T. Morozova. Wykrabiana działka jest wypożyczona z Biblii: jeden z cudów jest przedstawiony w środku kompozycji - "Wniosek wody". Dźwięk jest odnowiony w kilku etapach - został częściowo odrestaurowany przez specjalistów Muzeum Sztuki ludowej. S. T. Morozova, a już w 2014 r. W pełni przywrócenie zostało zakończone przez specjalistów-restauratorów we wszystkich rosyjskich muzeum dekoracyjnej i stosowanej i sztuki ludowej. W ten sposób Slears zyskał nowe życie i zostanie przedstawiony po raz pierwszy na ekspozycji.

W odpowiednich sekcjach tematycznych, urządzenia oświetleniowe wykonane ze szkła i kryształu, produkty wewnętrzne z porcelany i brązu spóźnionego XVIII-XIX wieku. Każda wystawa jest wzorem odniesienia konkretnego stylu, rejestruje ducha swojego czasu i reprezentuje możliwości umiejętności artystycznych i technicznych.

Podobne rozwiązanie ekspozycji przestrzennej pozwoli na najskuteczniejsze i interesujące Muzeum, aby organizować wycieczki i specjalne programy. Adnotacje zaawansowane zostaną przedstawione najciekawsze i znaczące eksponaty, a także wsparcie kodów QR, dzięki czemu odwiedzający będą mogli uzyskać bardziej szczegółowe informacje. Ekspozycja jest wyposażona w nowoczesny system urządzeń oświetleniowych. Ze względu na wysoką interaktywność nowa ekspozycja obiecuje być bardziej żywa i interesująca, a także przyczynić się do kreatywnego dialogu z odwiedzającymi, zwłaszcza z publicznością dla dzieci i młodzieży.

W drugiej połowie XVIII wieku rosyjska sztuka stosowana osiągnęła znaczącą winę. Ułatwiło to rozwój gospodarki, handlu, nauki i technologii oraz znacznego stopnia bliskich powiązań z architekturą i sztuką wizualną. Liczba dużych i małych fabryk, zakładów, warsztatów, tkanin produkcyjnych, szkło, porcelanowe, meble rosły. Właściciele właścicieli w swoich nieruchomościach zorganizowali różne warsztaty oparte na pracy twierdzy.

Humanistyczne pomysły oświecenia były szczególnie odzwierciedlone w sztuce zastosowanej późnego XVIII wieku. Mistrzowie tego czasu wyróżnił uwagę na osobistych gustach i ludzkich potrzebach, wyszukuje wygodę w środowisku.

Nowy styl - rosyjski klasycyzm - na przełomie 1770-170s, stwierdził we wszystkich rodzajach sztuki stosowanej. Architekci M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Kaprengy, Ch. Cameron, A. N. Woronikhin stworzył wnętrza w duchu szlachetnej prostoty i powściągliwości z jasną częścią części, z konstruktywnie uzasadnionym układem zarówno z tworzywa sztucznego, jak i malowniczego wystroju architektonicznego.

W tych samych zasadach, meblach, kandelabrach, żyrandole zaprojektowali na pomieszczeniach pałacowych. W ozdobnych mebli, naczyniach, tkaninach zbudowanych w wyraźnym rytmie, pojawiły się zabytkowe motywy - Akant, Meander, Ioniki, żywe przeszkolone kwiaty, girlandy, obrazy amurystycznych, sfinksów. Gilding, schemat kolorów stał się bardziej miękki i utrzymany niż w środku XVIII wieku.

Pod koniec XVIII wieku pasja do starożytności spowodowała odmowę nawet z kompleksu i bujnego garnituru. Darmowe sukienki z płynących fałd, z wysokim pasem na starożytnym sposobie (V. L. Borovikovsky ". Portret M. I. Lopukhina". 1797).

Synteza sztuk artystycznych w języku rosyjskim opiera się na zasadzie harmonijnej kombinacji wszystkich rodzajów sztuk artystycznych.

Meble. W okresie klasycyzmu jego forma jest prosta, zrównoważona, jasno zbudowana, rytmy są spokojne. Kontury nadal zachowały miękkość, okrągłość, ale pionowe i poziome linie zostały już wyróżnione. Dekoracje (niskie rzeźba, malowanie, podszewki z brązu i mosiądzu) podkreślały ekspresję struktur. Bardziej przejawiające obawy o wygodę. Zaprojektowano na przednie pomieszczenia różnych celów, zestawy słuchawek i zestawów słuchawkowych: salon, szafka, przednia sypialnia, sala. Nowe formy mebli powstały: stoły do \u200b\u200bgry karty, robótki robocze, lekkie przenośne belki belkowe (z pokrywką w postaci BOB), różne typy komody. Sofy oraz w meblach obudowy uzyskano sekretarze, biura z cylindryczną okrągłą pokrywą.

Podobnie jak w poprzednich okresach, rosyjskie meble w porównaniu do zachodniej masywnej, jest uogólnione, łatwiejszymi szczegółowo. Materiał służył jako lokalne gatunki drewna - Linden, brzoza (ze złożeniem i zabarwieniem w jasnych kolorach), nakrętek, dębu, topoli, popiołu, gruszki, nudny dąb. Pod koniec XVIII wieku zaczął używać brzozy Karelian i genialny kolor mahoń, amarantów, Rosewoman i innych ras. Mistrzowie byli w stanie pokazać swoje piękno, strukturę, kolor, połysk, umiejętnie podkreślone przez polerowanie.

Wspaniałe osiągnięcia rosyjscy mistrzowie osiągnęli zestaw (marquetry). Jego istota jest w kompilacji niekolorowych farb ozdobnych (zwykle według ryctwach) na powierzchni drewnianych przedmiotów. Ten rodzaj pracy jest znany nie tylko do mebrowanych mebalii, ale także z dawnych serfów, którzy pracowali w Moskwie i Moskwie: Nikiforda Vasilyeva (Il. 78), Matthew VereTennikova i mistrzowie mistrzów, Arkhangelsk, który włożył w zestaw kości walrutialnej. Próbki rzeźby wysokiej sztuki mebli Pałacu Ostankinsky należą do twierdzy Ivan Mochiline, Gavryle Ninku i innych. W Petersburgu, meble i rzeźbione dzieło mistrzów z OHTE, przeliczane na stolicę z różnych miejsc, były znane z Piotra I. Artystyczny wygląd mebli zakończył tapicerkę z wzorzystymi jedwabami, aksamitnymi, drukowanymi sitami, tkaninami lnianowymi, zharmonizowany z dekoracją ścian.

Tekstylia. Ze wszystkich branż w drugiej połowie XVIII wieku, tkanina (Moskwa, Ivanovo, Yaroslavl, Władimir) była najbardziej opracowana. Jego winda była określona nie tylko duże produkty, ale także małe chłopskie przedsiębiorstwa. Specjalna doskonałość osiągnęła mistrz w nowych wzorowanych tkaninach lnianych z kompleksowymi splotami, z grą naturalnych srebrno-białych odcieni lnianych. Tutaj tradycje tkania chłopskiego, głębokie zrozumienie materiału. Wyprodukowano ogromny tanie flice i trzask. Znacznie poprawiły ozdobne cechy kolorowej tkaniny i wełnianych tkanin.

Produkcja tkanin jedwabnych dla sukienek i tkanin ozdobnych, szalików, wstążków (IL 80) została szybko opracowana. Pod koniec XVIII wieku nie byli gorszej jakości francuskiej - najlepszych w Europie. Rosyjski wyblakły ludzie nauczyli się stosować różne wątki, najbardziej złożone tkania, przypominające haft. Techniki kompozytowe, bogactwo palety w ozdobnych tkaninach osiągnęła transfer przestrzeni, subtelność przejść tonowych, dokładność kolorów kolorów, ptaków, krajobrazów. Takie tkaniny były używane na wykończeniu pałaców, wysyłane jako prezenty za granicą.

W tkankach dla sukienek, zwłaszcza w tkaninach Sarafined, do lat 880-tych - 1790, wzorce złożonych, faliste girlandy, wstążki, koraliki. Ale stopniowo girlandy zostały zastąpione przez zespoły, wzory stały się łatwiejsze, ich rytmy są płynniejsze, schemat kolorów jest lżejszy, miękki.

W 1750-1760 w Petersburgu, a później w Moskwie, w p. Ivanovo (obecnie G. Iwanovo) opracowała produkcję sit (tkanina bawełniana z drukowanym wzorem z kremem, niezrywkowymi farbami i kolejnymi dywanami). W wzorach witryn magisterskich, zwłaszcza Ivanovo, motywy tkanin jedwabnych były osobliwe. Na podstawie audytu ludowego łączyli soczyste malownicze miejsce i cięcie graficzne (kontury wzoru, siatki, punktu tła). Po pierwsze, siedzi były bardzo drogie. Pod koniec XVIII wieku zaczęło tworzyć swoje tanie odmiany.

Porcelana. Pod koniec XVIII wieku rosyjska porcelana staje się jednym z najlepszych w Europie. Pomyślnie pracował w porcelanowej fabryce w Petersburgu. Jego produkty były różną bielą niewielkiej ciepłej tonalności, błyszczące oblodzenia, wysoka jakość techniczna. Formy dań, Vaz, ich obraz nie był gorszy od zachodniej.

Stwarza najważniejsze z ustawień - arabesków do przyjęć sądowych (1784, IL. 77). Dekoracja na pulpicie tej usługi z dziewięciu alegorycznych rzeźb objaśnia przystąpienie Gruzji i Krymu, "Cnoty" Catherine II (rzeźbiarz J. D. Rass). Dominowany jest przez spokojne pozory, lekki charakterystyczny charakterystyczny na koniec XVIII wieku, rygorystyczny na proporcje formy dań serwisowych z malowaniem w postaci arabeska, na podstawie zabytkowych ornamentów.

W latach 1780. tworzone są serię rzeźb "narodami Rosji" (kreatywne przetwarzanie ryctwa) - jasno dekoracyjne, z charakterystycznymi obrazami - przedstawiciele osób (Yakut, Samoyed, Tatar). Wytworzono figurki rzeźbiarskie dostawców uliczni, artisanów pokazanych w ruchu. Rzeźba porcelanowa przez wiele dekad staje się ulubioną dekoracją szlachetnych wnętrz.

Prywatnych fabryk porcelanowych, Franz Gardner (1765) (str. Verbilki w pobliżu Moskwy) jest najbardziej opłacalny. Już pod koniec XVIII wieku służy do domu królewskiego z oryginalnym użyciem rosyjskich zamówień w obrazach. Ładne tanie dania porcelanowe Gardner, charakteryzujące się prostotą form, soczysty obraz kwiatowy w pobliżu tradycji ludowych, odniósł sukces w kapitale iw prowincji (Il. 79).

Szkło. Prawdziwej chwale rosyjskiej szklance ostatniej trzeciej XVIII wieku przynosi kolorowe szkło. M. V. Lomonosov prace nad teorią koloru i technologii kolorowych okularów otworzył nowe sposoby na rosyjskie szklane, wzbogacając palety szklanej, ożywił rosyjską mozaikę. Organizował w miejscowości Ust-Rudica w Petersburgu Fabryka do produkcji smalta, koralików i okularów. Mistrzowie Państwowej Zakładu w Petersburgu Druzhinin i Kirillov odbyły się treningowi kolorowego szkła z Lomonosovem. Roślina mistrzów produkcja szkła głębokich i czystych tonów - niebieski, fioletowy, różowy, szmaragdowy zielony. Teraz w jego produkcji nie jest już wygrawerowany kryształ, ale cienkie szkło kolorowe i bezbarwne. Kieliszki do wina, okulary, dekantowcy uzyskują gładkie formy, w których Tulovo płynnie trafia do nogi, tworząc miękkie, eleganckie kontury. Malowidła ze złotymi i srebrnymi girlandami, łukami, gwiazdami, monogramami są spokojne przez rytm, podkreślają objętości plastikowych statków.

Tzw. Szkło mleko-białe (kubki, dekantatorzy, przedmioty kościelne) są produkowane, przypominające pojawienie się i charakterystykę obrazów droższych porcelany.

Pod koniec XVIII wieku, prywatne szklane rośliny Bakhmetyeva w prowincji Penza, Maltsev w Władimirze i Oryol prowokowcom i wielu innych rozwija się. Ich bezbarwne i kolorowe szkło, krystalicznie rozłożone szeroko w całej Rosji.

Metalowa grafika. Czy biżuterii w Rosji przychodzi do środka XVIII wieku i kontynuuje przez cały wiek. Ma materiały artystyczne niezwykłych piękna: są to diamenty, szmaragdy, szafiry i inne kamienie szlachetne i półszlachetne, malownicze szkliwa, metale nieżelazne (złoto, srebro, platyna, stopy). Sztuka kamieni cięcia osiąga wysoki stopień doskonałości. Wzmocnić grę kamienia, biżutery znajdują różnorodność artystycznych i technik montażu, ruchomych części zabezpieczających. Artyści biżuterii tworzą formy kapryśne, dekoracje wielokolorowe: kolczyki, pierścienie, backacker, klamra do butów, przycisków do luksusowych kostiumów zarówno mężczyzn, jak i żeńskich.

W ostatniej trzeciej XVIII wieku formy biżuterii nabywają saldo, gama kolorów kamieni szlachetnych staje się surowca.

W tym okresie mistrzowie biznesu srebra osiąga wielki sukces. Zgodnie z nowymi smakami formularza srebra, prostych i różańca. Są one ozdobione fletami, antykami ornamentami. Na srebrnych okularach, Tabakake Mistrzowie Wielkiego Ustyug odtwarzają się z wizerunkiem antycznej sceny, zwycięstw rosyjskich wojsk.

Znakomite zjawisko w sztuce zastosowanej XVIII wieku - stalowe artykuły artystyczne Tula Masters: meble, caskety, świeczniki, przyciski, klamry, backbacker. Dekoracyjny efekt jego prac buduje się na opozycji do gładkiej lekkiej stali i dekoracji w postaci feceptorów kawałków, musującego jak diamenty. Mistrzowie używają wiązania (termiczne obróbki w górach w różnych temperaturach) metalu, który daje różne odcienie - zielony, niebieski, fioletowy, z gruby do płomieni. Tradycje sztuki ludowej wpływają na miłość jasnego koloru, w głębokim zrozumieniu materiału.

Kolorowy kamień. W drugiej połowie XVIII wieku, depozyty kulków, wiśniowe orlety w Urals, Multicolor Yasme, wsporniku Potrech, Porfyirov Ałtaj, zatoki Baikal Lazurity otwierają się. Oprócz Peterhof (1722-1723) i Yekaterinburg (na początku XXI wieku), w samym sercu Ałtaju zaczyna pracować w 1787 r., Lokalna fabryka (z 1802 zastępuje Kolivan). Istnieje wiele możliwości korzystania z kolorowego kamienia w wykończeniu i dekoracji monumentalnych i dekoracyjnych dzieł wnętrz pałacowych.

Zdolność do identyfikacji jakości materiału estetycznego materiału zawsze wyróżnił rosyjskich mistrzów, ale szczególnie jasno wyrażono w kamiennej sztuce. Praca nad projektami architektów, Kamnerase artystycznie ujawniają wspaniałe piękno kamienia, jego naturalny wzór, niezwykłe odcienie koloru, połysk, zwiększając je z doskonałym polerowaniem. Złocony brąz w postaci uchwytu, który sondy tylko uzupełnia, podkreśla formularz. Projekty dla produktów Klinkier, Obeliskov, Vaz, oparty na antykach, stworzonych kwartałach, Voronikhin.

Kwitnących rosyjskich sztuk stosowanych XVIII wieku był związany z dziełem architektów Kazakowa, Starov, Kaprengy, Cameron, Voronikhina i wielu wyszkolonych artystów ludowych. Ale jego prawdziwa chwała została stworzona dla większości pozostałych niezarejestrowanych mistrzów twierdzy - producentów mebli, Carvers, Weale, Kamień-Hodowców, jubilerów, Glasswer, Ceramistów.

Historia Rosji późnego XVII - pierwszy kwartał XVIII wieku jest nierozłączny w imieniu jednego z największych polityków Rosji - Piotra I. Znaczące innowacje najeżdżają tym razem nie tylko w dziedzinie kultury i sztuki, ale także w przemyśle - Metalurgia, stocznia itp. Początek XVIII wieku pojawiają się pierwsze mechanizmy i maszyny do obróbki metali. Wiele w tej dziedzinie wykonuje się przez rosyjską mechanikę Narlę, Surno, Dogian itp.

Jednocześnie położone są podstawy systemu państwowego edukacji ogólnej i specjalnej. W 1725 r. Ustanawia się Akademię Nauk, w których oferuje separacja rzemiosła artystycznego.

A. Narow.Tokarka. Era Petrovskaya. XVIII wiek

W XVIII wieku powstają nowe zasady architektury i planowania miejskiego. Okres ten jest oznaczony umocnieniem artykułów charakterystycznych cech zachodniej Europy Baroku (Holland, Anglia).

W wyniku przedsięwzięć Peter I produkty tradycyjnie rosyjskich form szybko znikają z życia Royal and Arystokratyczne, a jednocześnie utrzymują się w mieszkaniach Mszy Masą Ludności Wiejskiej I Miejskiej, a także w użyciu kościoła. W pierwszym kwartale XVIII wieku planowany jest znacząca różnica w stylu rozwoju, która pozostała przez długi czas charakterystyczny dla zawodowej kreatywności i pól artystycznych ludowych. W tym drugim wiek tradycje rosyjskiego, ukraińskiego, estońskiego itp. Sztuki stosowanej są bezpośrednio rozwinięte i rozwinięte organicznie.

Normy życia szlachetnego wymagają demonstracji bogactwa, udoskonalenia i połysku w życiu tej osoby. Formy starego życia, w tym Petrovsky (nawet biznesu, ścisłe), przez środek XVIII wieku, są ostatecznie przesiedlone. Dominujące pozycje w rosyjskiej sztuce bierze tak zwany styl ROCOCO, logicznie ukończyli późne barokowe trendy. Wnętrza Parady tego czasu, na przykład, niektóre pomieszczenia Peterhof i pałaców Tsarskie, prawie całkowicie ozdobione nici sprzęgającymi.

Ogólne cechy rokejów ornamentowania (zakrzywione linie, obfite i asymetryczne układ stylizowane lub w pobliżu natury, liści, muszli, oczu itp.) Są całkowicie reprodukowane w rosyjskiej architekturze i meblach, ceramiki, odzież, opiekun, broni parady i t. D. ale rozwój rosyjskiej sztuki stosowanej wciąż poszła na bardzo niezależną ścieżkę. Pomimo bezwarunkowej podobieństwa form własnych produktów z Europą Zachodnią, nie jest trudno zauważyć różnic między nimi. Tak więc w porównaniu do francuskiego, produkty rosyjskich mebli mają znacznie bliższe formy i bardziej miękkie wzdłuż konturów, rysunek. Mistrzowie wciąż trzymali umiejętności wątku ludowego, większe i uogólnione niż na Zachodzie. Nie mniej charakterystyczna polichromiczność rosyjskich produktów i kombinację złocenia z malarstwem, rzadko występowała we Francji, aw Rosji przyjęła wszędzie.

Od lat 60. XVIII wieku przejście do klasycyzmu ze swoimi zwięzłymi i ścisłymi formami stojącym z starożytnością i zaznaczoną wysoką ograniczeniem rozpoczyna się w rosyjskiej architekturze. Ten sam proces występuje w sztuce zastosowanej.

W planowaniu, sprzęcie i dekoracji miejskich rezydencji i pałaców (architekci Kokorinowa, Bazhenov, Kaprengy, Starov itp.), Clear Symetria pojawia się proporcjonalna do jasności. Ściany pomieszczeń (między oknami lub naprzeciwko ich) są ukryte przez lusterka i panele wykonane z zaworów jedwabnych, tkanin dekoracyjnych bawełny, tkaniny.

.

Sofa - Styl Rococo. Rosja (fragment). Mid XVIII wieku.

Styl krzesło klasyzm. Rosja. Druga połowa XVIII wieku.

Podłogi są rekrutowane z drewna różnych ras, a czasami dokręcone płótnem lub płótnem; Sufity są opisane (na przykład technikę Griezaile, która naśladują wytłoczone modelowanie). Zamiast zestawu parkietu, stosuje się bojownik jodły "pod woskiem" podłogi. Ściany i sufity są często przytłoczone tkaniną lub przewyższoną tapetą. Jeśli imponujące rozmiary marmurowych kominków są umieszczone w przedniej częścich pomieszczeniach, a następnie bardziej tradycyjne piece na kanapach lub nogach wyłożonych płytkami podwyższone w intymnych komorach. Różnica w lampach jest równie zauważalna: w halach - jest biżuteria i drogie żyrandole, kandelabra, kinkiety, w reszcie - znacznie bardziej skromniejsze posiadacze świecy i lampy. Jeszcze bardziej kontrast w kształtach mebli przednich i domowych. Wszystko to mówi nie tak wiele o pragnieniu właścicieli pałaców i rezydencji, aby uratować, ile o uwzględnieniu badań przez obiektywne środowisko jako ważny czynnik psychologicznie odpowiedniej atmosfery.

Większość mebli i wielu innych produktów na końcu XVIII-pierwszej połowy XIX wieku nie była stale niezbędna; W przypadku braku potrzeby zostały sprzątane, albo zostały przeniesione do nieaktywnych części pomieszczeń. Meble do siedzenia muszą działać. W tym samym połączeniu, duży rozwój uzyskano przez przemienne meble z samolotem roboczym - Tabele do herbaty i kart, składany stół jadalny, stół rękodzieła, systemem różnorodności pasujących do innych tabel i innych. Wszystko to znacznie zwiększyło Komfort życia, subtelne zróżnicowanie jego funkcjonalnego wsparcia i różnych pomieszczeń w różnych codziennych sytuacjach. Jednocześnie podkreślono szereg procesów gospodarstw domowych, utrzymywanych w ciepłym sezonie poza budynkiem - na tarasie iw parku. W rezultacie, nowe rodzaje produktów są dystrybuowane - meble ogrodnicze, markizy parasolowe, lampy parkowe itp. W XVIII wieku są organizowane przez SERF, produkujące dość duże imprezy mebli, porcelany, pałace i innych produktów.

Pod koniec XVIII wieku gałąź projektu produktów (meble, lampy, godziny, opakowania i inne meble, oprawy, zegarki, tase itp., A inne obiekty dekoracji) jest już znacząco dotkniętych w sprzęcie dużych pałaców. Rolą projektantów to głównie architektów i profesjonalni artyści. W produkcji produktów na rynku masowym stosuje się maszyny i metody mechaniczne materiałów przetwarzających, obracając inżynier do wiodącej figury produkcji. Prowadzi to do zniekształceń i utraty wywołanych produktów o bardzo estetycznych cechach, do oddzielenia przemysłu od art. Tendencja ta była naturalna w warunkach kapitalistycznego rozwoju społeczeństwa i jednego z głównych XIX wieku.

W trakcie intensywnego rozwoju kapitalistycznych stosunków w Rosji XIX wieku zwiększa się zdolności produkcji przemysłowej. W środku XIX wieku potrzeba artystycznie profesjonalnego personelu produktów i mistrzów jest już w trabie. Specjalistyczne instytucje edukacyjne w Moskwie (Wykres Stroganova) i Petersburg (Baron Stiglitz) otwierają się na przygotowanie. Ich imię jest "szkoła rysunku technicznego" - wskazuje wygląd artysty nowego typu. Od 1860 r. Opracowana zostanie specjalna formacja robotników wykonawców. Dostępne są wiele książek na technologii przetwarzania różnych materiałów: Drewno, brąz, żelazo, złoto itp. Wyjdź do katalogów komercyjnych, zastąpił wcześniej opublikowany magazyn sklepu gospodarczego. Od połowy XIX wieku nauk związane z problemami higieny pracy i stosowanie obiektów życiowych są utworzone. Jednak w całym XIX wieku wszystkie produkty fabryki masowej w stosunkach artystycznych pozostają całkowicie podporządkowane odpowiednią przewagę piękna jako dekoracyjnej i ozdobnej konstrukcji produktów. Konsekwencją tego została wprowadzona do formularza większości produktów stylowych elementów klasycyzmu: złożone zakończenia profilu, kolumny kannelowane, gniazda, girlandy, ornamentalni do antycznych motywów itp. W niektórych przypadkach elementy te zostały wprowadzone do formularzy nawet urządzeń przemysłowych - maszyny.

W stylu rozwoju sztuki stosowanej i produktów gospodarstwa domowego w XIX wieku, trzy główne okresy są wyróżnione chronologicznie: kontynuacja trendów klasycyzmu w trakcie tak zwanego AmPiru (pierwszy kwartał stulecia); Późny klasycyzm (około 1830-1860) i eklektyzm (po 1860 roku).

Pierwszy kwartał XIX wieku był naznaczony ogólnym wyciągiem zakresu ideologicznego i budowy w rosyjskiej architekturze, co spowodowało znaczące ożywienie w sztuce stosowanej.

Krzesło w stylu Empire. Pierwszy kwartał X1X wieku.

Zwycięstwo w wojnie 1812 przyspiesza do pewnego stopnia i uzupełnia proces tworzenia rosyjskiej kultury narodowej, zdobywając znaczenie ogólnoeuropejskie. Aktywność najsłynniejszych architektów - Voronikhina, Kvarengi, Kazakowa, ściśle związana z klasyzmem poprzedniego porów, jest tylko dla pierwszej dekady wieku. Pleiad o takich wspaniałych mistrzów, jak Rossi, Stasov, Grigoriev, łuk, który przyniósł nowe pomysły do \u200b\u200brosyjskiej sztuki, jest przesunięty nowy pomysł na sztukę rosyjską, jest przesunięty.

Obsługa i monumentalność są charakterystycznymi cechami architektury i form różnych przedmiotów wyciągu w stylu AmPiru. W tym ostatnich motywach znacznie zmienia się motywy dekoracyjne, a ich typologia rozszerza się z powodu stosowania ozdobnych symboli starożytnego Egiptu i Rzymu - Griffins, Sfinkses, Faszy, Atrybuty wojskowe ("Trofea"), wysłane przez wieńce Garlandów itp. W porównaniu z Próbki wczesnego klasycyzmu ogólnie liczby dekoracji, jego "wagi wizualnej" w roztworze produkcji kompozytorskich wzrasta. Monumalistyczne, czasami, jak gdyby formy cięcia, występują ze względu na większą uogólnienie i geometryczność klasycznych motywów ozdobnych - końców, wieńców, lira, zbroi itp, które są coraz bardziej usuwane z ich prawdziwych przedszkolnych. Malownicze (sceny, krajobrazy, bukiety) malowanie obiektów prawie całkowicie znikają. Ornament dąży do plamy, konturu, łączności. Produkty w większości, zwłaszcza meble, stają się duże, masywne, ale różnorodność ogólnej konfiguracji, sylwetka. Waga ampier w elementach meblowych prawie znika w latach trzydziestych 1830.

Od środka XIX rozpoczynają nowe wyszukiwania w dziedzinie architektury, stosowanej i przemysłowej kreatywności.

Paneuropejski kierunek artystyczny, który otrzymał nazwę "BIEDERMEYER", nazwany burżuazją jednej ze znaków niemieckiego pisarza L. Eichrodta (prace zostało opublikowane w latach 70. XIX wieku) ze swoim idealnym komfortem, Intima.

Produkcja fabryki żelaza. Rosja. Druga połowa X1X wieku.

W drugiej połowie XIX wieku istnieje dalsze przemieszczenie pracy ręcznej z produkcji produktów utylitarnych. Przez wieki, składane metody i techniki ich decyzji, zasady tworzenia wchodzą w konflikt z nowymi trendami gospodarczą w masie i rentowności produkcji rzeczy na rynku. Reakcja na zmieniającą się sytuację jest podwójna. Niektórzy mistrzowie są większością ich kompromisów. Biorąc pod uwagę niezniszczalny tradycyjny spojrzenie na wszystkie rzeczy domowe w dziedzinie sztuki dekoracyjnej i sztuki stosowanej, zaczynają enrantee ozdobnych motywów klasycyzmu do maszyn i technologii szeregowych. Pojawiają się "skuteczne" typy wystroju i produktów wykończeniowych. W XIX wieku, w Anglii Henry Kul przedstawia zewnętrznie reformistyczny slogan, aby udekorować produkty fabryczne z elementami "ze świata kształtu". Wielu przemysłowców chętnie podnosi hasło, starając się zmaksymalizować zastosowanie mocowania masowego konsumentów do zewnętrznego zdobione, ozdobne wzbogacone formy wyposażenia domowego.

Inni teoretyki i praktyki sztuki stosowanej (D. Reskin, W. Morris), przeciwnie oferowane są zorganizowanie przemysłu bojkotowego. Ich Credo jest czystości tradycji średniowiecznego rzemiosła.

W krajach Europy Zachodniej i Rosji, najpierw przyciągają uwagę teoretyków i profesjonalnych artystów, arteli i mistrzów rzemieślniczych, w których pracują głębokie tradycje ludowe są nadal zachowane. W Rosji targi Nizhny Novgorod z 1870-180s wykazują żywotność tych tradycji w nowych warunkach. Wielu profesjonalnych artystów - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich, i in. - Entuzjazm do odwołania się do pochodzenia sztuki dekoracyjnej. W różnych dziedzinach i prowincjach Rosji, w takich miastach, takich jak Pskov, Voronezh, Tambov, Moskwa, Kamenets-Podolsk itp. Rzemiosło powstają, podstawa, której opiera się ręczna praca. Warsztaty w Abramteksowie w pobliżu Moskwy, w Talashkin w pobliżu Smoleńska, przedsiębiorstwa P. Vaulin w pobliżu Petersburga, Artel Ceramic "Murava" w Petersburgu, był szczególnie ważny dla ożywienia kreatywnych serwerów.

Samowar. XIX wiek.

Rosja. Druga połowa

Pompa przemysłowa. XIX wiek.

Jednak produkty wszystkich tych warsztatów stanowiły tak małą część w ogólnej konsumpcji, które nie mogą być znacząco pod wpływem środków masowych produktów, chociaż udowodniły zasadność istnienia wraz z produkcją maszyny masowej rzeczy dekoracyjnej kreatywności, która przechowuje tradycje ludowe . W przyszłości potwierdzono to w inwazji maszyn do takich obszarów sztuki dekoracyjnej i stosowanej, jako biżuterię (biżuteria), dywany, krawiectwo, które doprowadziły do \u200b\u200bostrego spadku swojej jakości artystycznej.

W formach głównej masy wyrobów drugiej połowy XIX wieku nic nowego nie zostało jeszcze opracowane. Jednak nowość najbardziej ogólna sytuacja już w tym czasie przyczynia się do dodania wewnętrznych warunków wstępnych innowacyjnych wyszukiwania świadomości stylów wyszukiwań jako ważna potrzeba twórcza, jako przejawy artystycznej osobowości mistrza. Jeśli styl kierunków stylistycznych (gotycka, renesansowa, barokowa, klasykisma) urodziła się i otrzymała dystrybucję, z reguły, w wyniku ogólnego, prawie "globalnego", spontanicznych krystalizowanych trendów estetycznych rozwoju świata, Od środka oryginalności stylu XIX jest uważany za bezpośredni kreatywny osiągnięcie odrębnego artysty, architekta. W związku z tym odsetek dziedzictwa sztuki wszystkich czasów i narodów jest ostro aktywowany. Ten najbogatszy dziedzictwo staje się źródłem imitacji, bezpośredniego pożyczki lub poddanej dziwacznym przetwarzaniu twórczym.

Stół z nowoczesnym krzesłem. Koniec XIX wieku.

W rezultacie większość produktów jest niezwykle o terminowym obrazie, który miga, a następnie intymne remnission starożytności, ery romansowej, gotyckiej, włoskiej lub francuskiej renesansu, sztuki bizantu i starożytnej Rosji, barokowej itp., Często eklektycznie mieszano w rejestracji jednego produktu, wnętrza, budynków. Dlatego ten okres w historii architektury i sztuki zastosowanej otrzymała nazwę eklektycznego. Produkty (lampy, wiadra metalowe, koryta, naczynia, stołki itp.) Zaczynają wprowadzać do życia ludzi i więcej niż jakikolwiek cel artystyczny, często w brzydkich formach i niskiej jakości.

Wyszukiwanie nowego stylu opiera się na rzeczywistej konieczności w warunkach produkcji maszyn, zasadniczo nowe podejście do tworzenia produktów z jednej strony oraz zachowanie tradycji dekoracyjnych przeszłości - z drugiej. Burżuazja, która miała miejsce do końca XIX wieku silne stanowiska w rosyjskiej gospodarce, szukał własnej ideologii artystycznej w architekturze i projekcie - kult racjonalnej, względnej wolności od archaizmy szlachetnej kultury, zachęcające do sztuki, to wszystko mógł się spierać ze stylami przeszłości. Tak więc na końcu XIX wieku, nowoczesny styl był "nową sztuką" w Belgii, Wielkiej Brytanii i USA, "Yighdstil" w Niemczech, "Steelesty Style" w Austrii, "darmowy styl" we Włoszech. Nazwa jest "nowoczesna" (od ks. Moderne) oznaczała "nowy, nowoczesny" - z lat. Modo - "Just, ostatnio". W jego czystej formie, zanikanie i mieszanie z innymi prądami stylów, trwał stosunkowo długi, około 1920 r., I. Około 20-25 lat, jako prawie wszystkie styl wskazówki XVII-XX wieku.

Nowoczesny jest zróżnicowany w różnych krajach iw pracach indywidualnych mistrzów, co komplikuje zrozumienie zadań zawarzonych. Jednak prawie pełne zwalczanie wszystkich wcześniej stosowanych motywów ozdobnych i ozdobnych i technik scharakteryzowano, ich rdzenne aktualizacje. Tradycyjne okapy, gniazda, stolice, flety, paski "przychodzącej fali" i tak dalej. Zastąpiony stylizowanymi roślinami wzrostu lokalnego (lilii, tęczówki, goździk itp.), Głowy damskie z długimi kręconymi włosami itp. Często dekoracja Jest nieobecny w ogóle, a efekt artystyczny uzyskuje się dzięki ekspresywności sylwetki, elementu kształtu, linie, z reguły, są subtelnie malowane, jakby swobodnie aktualny, pulsujący. W formach nowoczesnych produktów, niektóre szalone woli artysty, napięcie szczelnie rozciągnięte ciąg, przesadę proporcji jest prawie zawsze zauważalny. W skrajnych objawach wszystko to jest ostro pogorszenia, podwyższone w zasadzie. Czasami istnieje zaniedbanie konstruktywnej logiki formy, prawie butonoformy pasji do spektakularnej strony problemu, zwłaszcza w rozwiązywaniu wnętrzach, często skutecznie theathylic.

Ze wszystkimi słabościami - zdejmującymi, czasem szydełkowymi formami, nastąpił nowe podejście do rozwiązania budynku, wnętrza, sytuacji z logicznością funkcjonalnego, konstruktywnego i technologicznego.

Nowoczesny styl świecznik. Początek XX wieku

Zestaw dań. Koniec X1X wieku.

Tabela toaletowa trybu nowoczesności. Rozpocznij XX wieku.

Nowoczesny w przytłaczającej części jego próbek nie odmówił udekoracji produktów i zastąpił tylko starych motywów ozdobnych i technik nowych. Już na początku XX wieku, w czasie triumfów nowego stylu, po raz pierwszy, a potem modna moda dla starych stylów jest szeroko zwrócona, która miała słynne połączenie z przygotowaniem do świętowania centralnego Jubileusz z wojny patriotycznej 1812 roku. Wystawa "Sztuka współczesna", zorganizowana w Petersburgu w 1903 r., Wyraźnie pokazała narodziny "klasycznej modernizacji".

Wyniki nowoczesności są złożone. To oczyszczanie sztuki stosowanej i z eklektyzmu, i z "antymashinism" izb rzemiosła ręcznego i z nieudanych prób przywrócenia stylów przeszłości. Jest to pierwsze objawy wyjścia architektury i sztuki stosowanej na ścieżce funkcjonalizmu i konstruktywizmu, na drodze nowoczesnej designu. Jednocześnie wkrótce znajdę tendencję nacjonalizacji stylu, nowoczesny spowodował nową falę czysto dekoracyjnego zadania. Wielu malarzy (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benua, S. Golovin, etc.) stosuje się do stosowanej sztuki i projektu wnętrz, S. Golovin itp.), "Piernik" itp. W przyszłości Następujący proces historyczny, rozwiązania obecnych problemów masowej produkcji przemysłowej, takie eksperymenty nie mogły mieć poważnego znaczenia ideologicznego i artystycznego, chociaż dali impulsowi rozwój innej gałęzi sztuki stosowanej - sztuki rzemiosła, a zwłaszcza sztuki teatralnej i scenerii .

Nowoczesne, jak to było, oczyszczone i przygotowało drogę do zatwierdzenia w dziedzinie tworzenia gospodarstw domowych nowych zasad estetycznych i twórczych, przyspieszył pojawienie się nowego zawodu artystycznego - artystycznego projektu (projektowania).

Rejestracja funkcjonalizmu i konstruktywizmu w specjalnych kierunkach w architekturze i artystycznej konstrukcji krajów zachodnich miała miejsce pod koniec 1910 r. Ze względu na stabilizację życia i sukcesu gospodarki po pierwszej wojnie światowej. Jednak podstawowe zasady nowej nowoczesnej architektury zostały ustalone w okresie przedwojennym w dziedzinie takich architektów, takich jak T. Garnier i O. Perre (Francja), X. Bergrand (Holland), A. Loos (Austria), P. Berens (Niemcy), F. Wright (USA), I. SHECHTEL, I. Reberg (Rosja), itd. Każdy z nich pokonuje wpływ współczesnych i walczących.

W 1918 r. Departament Narkompros powstaje przez specjalne tryby w kwestiach architektury i przemysłu artystycznego. Poważna uwaga jest wypłacana szkoleniu specjalistów. W 1920 r. V.I. Lenin podpisał dekret na temat tworzenia najwyższych warsztatów technicznych i technicznych (VHUTEMAS). Absolwenci stworzyli nowe próbki tkanin, mebli, naczyń itp.

Szkolenie w warsztatach (w 1927 r., Instytut Art-Unii Union został przekształcony w VHutein), prowadzony na wydziałach: architektoniczne, ceramiczne, tekstylne itp. Na Wydziale Obróbki drewna i Metalu pod kierunkiem A. Rodchenko, . Lisitsky, V. Tatlin i inni mistrzowie szukali nowych form i projektów różnych przedmiotów. Wszystkie działania Vhowemas miały na celu utworzenie studentów uczniów w kompleksowym podejściu do projektowania obiektywnego i środowiska produkcyjnego.

W latach dwudziestych przepływ "sztuki przemysłowej", która opracowała zasady funkcjonalizmu i konstruktywizmu, dążąc do zatwierdzenia estetycznego ideału racjonalnie zorganizowanej produkcji materiałowej w świadomości artystów. Wszelkie poprzednie formy sztuki ogłoszono przez burżuazyjne burżuois "Industrialists", niedopuszczalne dla proletariatu. Stąd zaprzeczenia z nich nie tylko "praktycznie bezużyteczne" sztuki wizualne, ale także całą czysto dekoracyjną kreatywność, na przykład biżuteria. W latach dwudziestych, techniczne i ekonomiczne warunki realizacji ich pomysłów nie dojrzewają.

VHUTEMAS I "Produkcja" z lat 20. ideologicznej i estetycznej były ściśle związane z Bauhauz iw wielu ważnych punktach reprezentowanych z nim zasadniczo wspólnym kursem w artystycznej konstrukcji czasu. W ramach tego nowego ruchu powstała estetyka nowoczesnej konstrukcji, pokonywanie sprzeczności w sztuce zastosowanej w poprzednim okresie. Praktyczne działania artystyczne założycieli projektu było również rozwój arsenału artystycznych i ekspresyjnych środków tworzenia rzeczy. W swoich pracach (meble, lampy, naczynia, tkanki itp.), Ciękle uwaga została wypłacona na takich właściwościach materiałów i form, jako tekstury, kolor, ekspresywność tworzywa sztucznego, układu rytmicznego, sylwetki itp., Które nabyło kluczowe Znaczenie w produktach kompozycyjnych bez wpisania konfliktu z wymaganiami logiki strukturalnej i formalności formularza. Inny kierunek, który pomyślnie opracował w naszym kraju w latach 20., projekt inżynierii. W 1925 r. W Moskwie słynny wagon radiowy jest wzniesiony w Moskwie przy projekcie wybitnego inżyniera V. Szukhowa, którego ażurowa sylwetka była symbolem radia radzieckiego przez długi czas. Rok wcześniej, Ya. Gakkel tworzy na podstawie najnowszych osiągnięć techniki, pierwszej radzieckiej lokomotywy oleju napędowego, której nawet dzisiaj wygląda dość nowoczesne. W latach 20. zrealizowane jest potrzeba badań naukowych o działalności człowieka w sztucznie stworzonym przez środowisko przedmiotowego. Zorganizowany jest centralny Instytut Pracy, badania są w trakcie organizacji naukowej pracy, kultury produkcyjnej. Uwaga naukowców i projektantów przyciąga biomechaniki, organoleptyki itp. Wśród niezwykłych dzieł tych lat - projekt miejsca pracy kierowcy tramwajowy (N. Kornstein).

Ya. Gakkel.Lokomotywa. Uruchom 1930.

Weselna klatka piersiowa. Włochy. XVII wieku

Grupa rzeźbiarska "Zima". Z serii "cztery po raz roku". Niemcy. Meissen.

Obiekty serwisowe. Francja. Sevr. 1780-1784. Miękka porcelana, malarstwo. Zamrażarka

Hala artystyczna Francji XVIII-XIX stuleci

Gabinet. Augsburg. XVII wieku. Drewno, rzeźba, biały metal, złocenie, 196x135x61

Biuro cylindra. Rosja. Koniec XVIII wieku.

Wazon. Rosja. Pierwszy kwartał XIX wieku. Szkło, malowanie złota. Wysokość 35,5.

Zamrażarka. Rosja. Cesarska fabryka porcelanowa. Pierwszy kwartał XIX wieku. Porcelanowa, malarstwo. Wysokość 40.

Kolekcje sztuki dekoracyjnej i stosowanej są również związane z nazwą A. P. Bogolyubov, który prezentował 40 obiektami starej porcelany na otwarciu muzeum, głównie Saxon. Różne naczynia i meble numerowane 92 nazwy. W 1897 r. Po śmierci Bogolyubova miała kolejną grupę rzeczy, w tym mebli, szkła, brązu, srebrnych produktów, natknął się na jego świadectwo.

Bogolyubowskie kolekcje, w szczególności porcelanowe, zostały znacznie uzupełniane w pierwszych latach rewolucyjnych z Funduszu Muzeum Państwowego, gdzie gromadzono wszystkie znacjonalizowane dzieła sztuki. W 1970 r. Muzeum otrzymało próbki rosyjskiej i zachodniej porcelany europejskiej (ponad 300 pozycji), przetestowanych przez O. A. Hordeva, słynnego Saratowa Okulistę Doktora.

Historia tej cienkiej i wyjątkowej sztuki idzie głęboko w stuleciach. Porcelanowa powstała na odwróceniu stuleci VII-VIII w Chinach. W Europie dowiedzieli się o nim w XIII wieku. Słynny weneccy podróżnik Marco Polo wyjął kilka naczyń porcelanowych ze wschodu. Europa obejmowała "gorączkę porcelanową", wszyscy chcieli mieć produkty z tego białego genialnego materiału malowane jasnymi, niekrodakowymi farbami. Informacje zachowały, że gdy sprawy z porcelany zostały zepsute, nadal nadal je przechowują, często odłamki zostały wysłane do metali szlachetnych i nosił jako biżuterię. W Chinach, doceniły nie tylko piękno, ale także bezprecedensowe właściwości. Przeszklona powierzchnia porcelanowego nie podlegała skutkom chemicznym, była nieprzenikniona. O Porporated Legends. Sekret jego produkcji nie mógł rozwiązać do początku XVIII wieku. Ale było też wiele nowych materiałów, występujące podobne do chińskich mistrzów. Wenecja w Anglii i Holandii była szkło mleczne w Wenecji, ceramiki hiszpańskiej

Pierwszy w Europie otrzymał porcelanę I. F. Hether, który znalazł depozyty białej gliny (Kaolina) w pobliżu Meisen w Saksonii. Otwarto sekret produkcji porcelanowej, przez którą walczył w Europie od wieków, został otwarty. Wkrótce porcelanowa Manufactory Manufactory stała się znana ze wszystkich Europy. A teraz produkty tej fabryki są popularne wśród miłośników sztuki.

Na posiedzeniu naszego muzeum, porcelana maissena jest prezentowana bardzo dobrze iw pełni. Obejmuje to przedmioty odwiedzające Bogolyubov i produkty porcelanowe z kolekcji O. A. Gordeva, a także inne eksponaty.

Maisen Chiny XVIII wieku jest największym zainteresowaniem. Era ta jest uważana za klasyczny okres w rozwoju porcelany europejskiej. W tym czasie mistrz stara się podkreślić biel i subtelność porcelanowego, materiałów dostarcza materiał, biorąc pod uwagę jego naturalne właściwości.

Specjalna sława Maisny - pierwsza europejska produkcja porcelanowa jest małym plastikiem. W obrazach panie, kawalierów, alegorycznych kompozycji i pastorskich, jedna z jakości stylu rokoków objawiła się specjalną siłą - iluzją ciągłej płynnej linii przepływowej. Nazwy Johanny Joachima Kendler i Petera Reynike są związane z formowaniem plastelu Meisen. Ich prace dołączyły do \u200b\u200belementów rzeźby i rzeczywiście sztuki dekoracyjnej i stosowanej. Kaprysowanie konturów i piękno koloru jest to, że charakteryzuje rzeźby wykonane przez ich modele.

Dwie alegoryczne dane z serii "Cztery czasy roku" - "Zima" i "Wiosna", wykonane według modeli Johann Joachim Kendler, wykrywają charakterystyczne cechy stylu Rococo w Chinach. Pory roku są prezentowane w obrazach starożytnych bogów, ściskając chmurę. Winter Posiada Saturn i Hebii, Spring - Mars i Flora. Grupy rzeźbiarskie są ozdobione cienką pracą ze sztukatem, malowane jasnymi kolorami, w XVIII wieku, mazyńskiego głód słynął.

Wysokie cechy artystyczne wyróżniają się małą kolekcją produktów Berlin. Podlegają one głównie ustawienie tabeli i dekoracji wnętrz. Delikatny purpurowy, który sprawił, że chwałę tej produkcji jest namalowana przez A.Vatto "Karen Cup". Uwielbiałem w XVIII wieku pastorom, ornament kwiatowy zdobione narzędzia czajników, dzbanek do kawy, ozdobnych wazonów.

Grupa przedmiotów Roślin Wiednia jest reprezentowany przez XVIII - początek XIX wieku, kiedy cechy nowego stylu - ampirowy zostały złożone w porcelanie europejskiej. Dbanie o wysoką dekorację, wiedeńscy mistrzowie dali własną wersję obrazu. W lustrze płytek w bogatej złotej ramie ornamentu były najczęściej umieszczone kopie z obrazów renesansowych.

Każdy kraj przebiegał do porcelanowej, produkującej i specjalnej technologii oraz specjalny charakter ornamentu, czasami w tym samym stylu. Na całej Europie francuskie dania były znane z kolorowych tła: turkusowy, różowy, niebieski, z obrazem w medalionach oprawiony przez złocony ornament. Taka porcelana została wykonana w Fabryce Sevra - głównej produkcji porcelanowej Francji.

Jest tak malowany przez niebieskie lody, taca i urządzenie do przypraw włączonych do serwisu należącego do księcia Yusupowa. Ta usługa została wykonana ponad rok i udekorowała największych malarzy w porcelanie. Lody malowane Vensana Jr., autor obrazu w słynnej służbie z kamerami zamówionych przez Severa Catherine II, a teraz przechowywana w pustelni. Zestaw Yusupowa został wykonany z "miękkiej porcelany". Oraz specyficzne właściwości tego materiału, ponieważ jest to niemożliwe, styl ROCOCO jest bardziej dopasowany do łagodnych konturów i falistymi liniami. Specyfiki ciężaru stałego były określone przez naturę malowania: nie ma materiału ceramicznego z takimi dzwonkami z wieloma odcieniami.

W Rosji porcelana została po raz pierwszy uzyskana pośrodku XVIII wieku D. I. Vinogradowa w fabryce cesarskiej porcelanowej (IFS) w Petersburgu. Montaż Muzeum Porcelanowy Russian reprezentuje produkty wielu prywatnych przedsiębiorstw. Muzeum może być dumny z wielkich próbek IFS, Gardner Rośliny, Popov, Cornilov, Gulina, Safronov, posiadający wyjątkowy urok.

Osiągnięcia rosyjskich mistrzów w stylu klasycyzmu początku XIX wieku lub ampir. Rosyjska porcelana w ramach tego stylu, a także inne przemysł przemysłowy, zapewnia doskonałe próbki.

Ampira inspirowana starożytność. W motywach wystroju, wieńców laurowych, lwy, grifów, atrybutów wojskowych itp. W postaciach, monolity masa ujawnia się, ich statyczny charakter. Zgodnie z prawami tego stylu mistrzowie wazonu IPHS dekoracji na pulpicie w postaci dwóch klasycznych postaci, które obsługują owalny kształt miski. Biały kolor postaci wykonanych z herbatnika (bezmózgowej porcelany) są przeciwne niebieskiemu tonowi i złote złocenie. Dotknięta jest miłość do ampry na jasność i kontrast koloru. Kolejny wazon jest również rzeźbiarską grupą: Wenus stawia kołczanu ze strzałkami na amuru. Takie wazony zostały wykonane do dużych ustawień przedniej lub rocznicy i zainstalowany w środku uroczystego stołu.

Cechy tego samego stylu są odmienne w lodach na łapach trzech Lionów ciemnego koloru, pod starym brązem. Jej kolor był pięknie połączony ze złoconym brokatem.

Produkty prywatnych roślin ma większą tożsamość. Możesz mówić o porcelanowym Popovsky, Gardner lub Safronovsky. Rośliny te są reprezentowane przez osoby nie są wyjątkowe, w przeciwieństwie do IFS i tak zwanych zwykłych dań związanych z życiem konkretnej klasy. Społeczna przynależność tzw. "Skomplikowanych" jasnych eleganckich czajników, ozdobionych z tymczasowym malarstwem kwiatowym stworzonym w zakładzie popowemu w 1830-1850, można łatwo odgadnąć.

Źródło, z którego kreatorowie zalało formę potraw, a motywy malarstwa są tradycyjną rosyjską sztuką ludową. Ta ścieżka będzie najbardziej owocna w czasie zbliżającego się interstille, będzie w dużej mierze uratować rosyjskie prywatne rośliny w tym trudnym czasie od straty, ceramiki, "nieuniknione w eklektycznych kościele. W kawiarni garnek rośliny Kornilova, malowane na białym Tło z małymi złotymi liśćmi i różami, w jasnych zielonych kubek wykonanych przez mistrzów rośliny Popovsky nie posiadały żadnej większości: równowagi kształtu i cel funkcjonalny przedmiotu.

Kolekcja radzieckiej porcelany jest stosunkowo niewielka. Jest on reprezentowany przez porcelanę kampanii, która w latach 20. była jednym z środków rewolucyjnej propagandy.

Danie i kubki malowane na rysunkach S. Chehonina i N. Altmana, rzeźby N. Danko, Tarelki A. Shchchatikhina-Pototsky z rewolucyjnych haseł i emblematami młodego państwa radzieckiego - ten pierwszy kraj rady przemówił do języka ich czasu. Został wystawiony w specjalnych oknach sklepowych w Moskwie na Moście Kuznetsky i w Piotrogrodzie w Nevsky. "Ta porcelana była wiadomością ze wspaniałej przyszłości, dla której kraj radziecki walczył w strasznych bitwach z głodem, zniszczeniem, z interwencją", pisząc w swoich wspomnieniach E. Yidanko, artysty i historiografu rośliny Lomonosowa (dawna fabryka porcelany cesarskiej) .

Wyroby szklane przechowywane w Muzeum o nazwie A. N. Radishchev, przyszedł w taki sam sposób jak Chiny: w 1897 r., Willa z A.P. Bogolyubova, przez Fundusz Muzeum Państwowego, z kolekcji prywatnych.

Mała, ale ciekawa kolekcja rosyjskiego szkła późnego XVIII - wczesne XIX stuleci w 1973 roku otrzymało muzeum EP.

Rosyjskie rośliny szklane, publiczne i prywatne, pojawiają się na początku XVIII wieku w Moskwie i Petersburgu, w pobliżu Smoleńska i Kaluga. Wystąpił zapotrzebowanie na przedmioty szklane. Liczba roślin rośnie. Pojawia się na Gus pod rzeką Wladimir, słynną fabryką Maltsteva, pod Penza we wsi Nikolsky, Zakład Bakhmetyeva.

Najwcześniejsze dzieła przemysłu szklarskiego XVIII wieku w naszej kolekcji są produkty roślin prywatnych. Jest to przede wszystkim nachylenie zielonego szkła z niewymianym ornamentem kwiatowym i napisem: "Uczynienie tego w fabryce Gavrilovaya 726 ..." Jest to wczesna próba rosyjskich zwykłych dań, które zrobili w dużych ilościach, nie żałowała tego i nie przeszkadzała. Zamiast zagubionego i złamanego kupionego nowego. Dlatego takie naczynia przetrwały trochę. Shtof jest również interesujący, ponieważ jest subskrybowany. Pokazuje datę i miejsce produkcji. Wiadomo, że w 1724 r. Założono zakład Gavrilov i Loginow w dzielnicy Moskwy. Nie ma informacji o tej produkcji. Nasza SHTOF daje pomysł na charakter produktów. Niewiele do słynnego przedsiębiorstwa.

Szkło w Rosji praktycznie nie jest oznaczone. Tylko począwszy od XX wieku XIX wieku (z epoki Nicholas I) Imperial szklana roślina zaczęła umieścić marki na swoich produktach. Obecność marki, oczywiście, nie jest jedynym sposobem na określenie miejsca i czasu produkcji jednego lub innego przedmiotu. Wspaniałe zabytki z tworzyw sztucznych to XVIII wiek kubki, wysoki, stożkowy kształt, często z pokrywkami, ozdobionych rzeźbionymi herbem panujących próbek lub Vensels. Benzyny były oprawione przez pędów roślinnych i lokówek, które zostały nazwane Rocail. Na szczycie kubków krawędź występuje wzór z wygrawerowanych i polerowanych "dołów" z bronią. Stojaki nóg zostały wykonane w postaci balstra z "jabłkami", które rzuciły się na stojaku czasami do pięciu kawałków. Grawerowanie w tych produktach było płytkie i zamiatanie. Cechy te wyróżniają się rosyjskimi kubkami z Cups Bohemia i Niemcy, przechowywane w Muzeum.

Oczywiście, liczne kolorowe okulary, dekantowanie, fiolki wykonane są na prywatnych fabrykach. Witraż kochany w Rosji. W przeciwieństwie do Europy Zachodniej, naczynia zostały wykonane tutaj z solidnego szkła, które w dużych ilościach pojawiło się w środku XVIII wieku. Wynika to z udanych eksperymentów M.lonosowa.

Na końcu XVIII - XIX XIX dekole pojawiają się z korkami o różnych kształtach, okulary podniesione na cienkich nogach, eleganckich okularów, iskrzastej z krawędziami i dostarczane naczynia, które ozdobione stoliki i dostawy. Faceted naczynia wykonane są z bezbarwnego szkła z dodatkiem ołowiu, dając specjalny połysk. Nazywa się krystalicznie i cmentarzem tzw. "Facet diamentowy". Ta technika jest nadal używana w szkliskach.

Druga połowa XIX wieku była czasem zaostrzonego zainteresowania sztuką dekoracyjną i stosowaną, zwłaszcza jego historią. Szeroka dystrybucja otrzymuje zbiór obiektów starożytnych. Nie przypadek w tym samym czasie określono zwiększone zainteresowanie starymi meblami. Kolekcjonerzy zbierają rzeźbione złote meble XVIII wieku, warsztaty, szafki, włoskie i niemieckie skrzynie weselne, dąb i ogromne szafki w Niemczech XVII wieku. Podobne przedmioty były na posiedzeniu Bogolyubova.

Pasja do zabytkowego mebli generuje podróbki, zalewanie zabytkowe sklepy. Jeden po drugim w Paryżu, Wenecja, St. Petersburg, warsztaty produkcyjne Meble pod starożytnym, czasem nie do odróżnienia od prawdziwego - drzewo jest tak płynnie polerowane, więc proporcje jego części strukturalnych są ważne.

Najwcześniejsi meble z montażu muzeum datują się do XVI-XVII. Meble w Niemczech, Francji, Włochach, Holandii, zebrane przez A. P. Bogolyubova. Oczywiście nasza kolekcja mebli Poru nie daje powody do rozmowy o obecnym wnętrzu, ale pozwala przedstawić krajowe cechy dzieł sztuki mebli różnych krajów w dość szerokich ram chronologicznych.

Meble są krótkotrwałe, materiał do produkcji serwuje drewno, co jest łatwo poddawane różnorodnym wpływom. Zmarł bardzo dużo zarówno z klęski żywiołowych, jak i w wyniku wojen i z przyczyn powiązanych z wpływem mody. Meble odnoszą się do elementów konsumentów. Oznacza to, że z czasem jest zużycie i musi zastąpić nowy. Małe przetrwały meble z obudowy prostych ludzi. Niemniej jednak główne etapy historii sztuki mebli niektórych krajów europejskich można śledzić na tematy naszego spotkania.

We Włoszech XVI wieku wykonano litego drewna krzesło z rzeźbionym tyłu, stoisko ślubne, dostawę weneckiej pracy, ołtarzu. Do wytwarzania tych mebli stosowano orzech brązowego tonu, charakterystyczny dla materiału Włoch, pozwalając mistrzu osiągnąć duży efekt artystyczny. Motywy nici zostały narysowane z dziedzictwa sztuki starożytnej. Na ślubie, oczywiście, florenckie prace niespodzianki rzadkiej jedności formy i ornamentów, które wyróżniały meblardy Włoch XVI - początek XVII wieku.

Meble tej epoki w jego konstruktywnej logiki są podobne do struktur architektonicznych. Ołtarz jest rozwiązany w postaci portalu z kolumnami, winoroślą winoroślą, z podium w niszach na figury Matki Bożej - te elementy architektury są niezwykle charakterystyczne dla mebli XVI-XVII wieku. Jest to szczególnie odczuwane w meblach gabinetowych na południu Niemiec. Szafka zamienia się w podobieństwo dwupiętrowego budynku, każdy poziom piętrowy, który jest oddzielony gzymsem. Poziomy są sporządzane przez kolumny lub pilastry. Szafki składane przypominają portale lub okna zwieńczone plastych lub frontones. Wszystkie te detale architektoniczne są wzmocnione klejem i nadal są w rzeczywistości dekoracją, która ukrywa projekt szafy składa się z dwóch skrzyń. To wrażenie jest wzmocnione przez składane wyzwalacze na jego bocznych fasadach. Jest tak zaprojektowany przez szafę, ozdobioną czapką (uda na drzewie, wada drewna, która daje bogatą piękną teksturę). Szafki były koniecznie dostarczane z półkami, a ubrania w nich były przechowywane w złożone. Mogą również służyć do przechowywania różnych naczyń.

Tradycyjne dla Niemiec XVI-XVII wieku można również uznać za formę składanego, tak zwanego przewodniczącego przewodu. W starożytnych był symbolem mocy. Tylko siedząc na takim fotelu, możliwe było zakończenie sądu i masakry. Taki fotel był zwykle noszony za konsulami, najwyższymi przywódcami wojskowymi, dyktatorami. Gładkie zakrzywione stoiska, wykonane z kilku wąskich listwy, są przekroczone, a siła są połączone poprzecznymi poprzeczkami, a płyta wymienna włożona w górną część krzesła jako drugi.

Od XVI wieku, w Niemczech pojawił się szczególny kształt krzesła, który został dystrybuowany w sztuce meblowej tego kraju w XVII wieku - tzw. Krzesło chłopskie. Cała seria podobnych produktów z różnymi opcjami dla tego samego ornamentu ma nasze muzeum. Prototyp takiego krzesła był pierwszym prostym drewnem, oczyszczonym z gałęzi i wzmacnił stabilność trzech nóg. A dla wygodnych miejskich mieszkań, krzesła wykonano na czterech nogach - próbki wysokiego mistrzostwa. Alternatywnie, mają tylko deskę, która służy. Może to być nie tylko nakrętki, ale z dębu i sosny. Zależy to od miejsca wytwarzania tematu. W gwincie stosuje się motywy ornamentu groteskowego, co jest często fantazi, aby zamienić się w bajeczny wzór.

XVII wieku robi wiele nowych rzeczy w sztuce meblowej. Wynika to przede wszystkim z przemianami społecznymi w Europie, co doprowadziło do zmiany pozycji trzeciej osiedla. Pochodząc do władzy, kultywuje skromność, prostota, świętość rodzinnego paleniska. Meble holenderskie są w dużym zapotrzebowaniu, eksportowane do wszystkich krajów. Na drugim polie - Francja, w sztuce, której wspaniały, uroczysty styl jest triumf.

W naszej kolekcji mebli znajduje się tylko jedna sztuka charakterystyczna dla kreskówki pałacu XVII wieku. Jest to tak zwany szafka - szafa z dużą ilością szuflad, biur, z chowaną deską. Wykonany jest przez mistrzów miasta Augsburg, ozdobione fasadą metalowych nakładek z obrazem zwierząt, skręcone złocone kolumny. Rada wykonana jest z cennych gatunków drewna.

Takie kabiny pojawiły się w XVI wieku. Ich ojczyzna to Hiszpania. Pierwsze szafki były sitkami na prestole. W XVII wieku są to już duże szafki, które stały się częścią dekoracji pokoju zwanego szafką. Szafki utrzymywały medale, listy, klejnoty.

Większość zbioru rosyjskiego mebli, który obejmuje prace przez XVIII-XIX stuleci, jest wykonane w małych prywatnych warsztatach, albo robotników meblowych z Nearchle Estate. Mistrzowie przyczynili się do ich prac Różnorodność smaków artystycznych, cała wiedza i umiejętności zgromadzone przez nich przetwarzanie drewna, dekoracje i wystrój. Odzwierciedlali przede wszystkim na formy mebli domowych w czasie, który doświadczył ogromnego wpływu sztuki ludowej. Objawił to nie tylko w formy i dekoracji, ale w wyborze i przetwarzaniu drewna. Karelian Birch i topola stają się ulubionym materiałem na końcu XVIII wieku. Mają zastosowanie tylko w Rosji.

Każdy kraj w dziedzinie mebli był zatem z tego powodu jakiś styl, takich jak Włochy w renesansowej epoce, lub miejsce narodzin słynnych mistrzów, takich jak T. Chippendal w Anglii lub J.jacob we Francji.

Rosyjskie meble są reprezentowane głównie przez przedmioty szlachetnego wnętrza pierwszej trzeciej XIX wieku. Był to jeden z najbardziej błyskotliwych epok w historii dekoracyjnej i stosowanej sztuki Rosji oraz w szczególności mebli. W sztuce pierwszych dziesięcioleci XIX wieku styl ampira, pochodzący z Francji i stał się własnością całej Europy. Jego specjalna, oryginalna wersja tego stylu jest podana przez Rosję, w której stał się wyrazem wysokich i progresywnych pomysłów. Charakterystyka dekoracyjności Ampira, pragnienie monumentów i uogólnienie formularzy określono w samym mebla i wybór materiału i charakteru jego interakcji z formą i wystrojem. Głównym materiałem rosyjskich mistrzów mebli będzie mahoń i Karelian Birch, który kochał je na piękną teksturę drewna.

Meble przechowywane w naszym Muzeum wytwarza się głównie z rąk mistrzów fortecznych i jest możliwością awaryjnego, który jest szeroko wszedł do życia rosyjskiej szlachty. Jest to prostsze niż meble pałacowe. Meble te weszły do \u200b\u200bmuzeum po wielkiej październikowej rewolucji socjalistycznej z otaczających osiedli, domów miejskich i nie tylko artystycznych, ale także wartości historycznej.

Szczególnie zróżnicowane meble do siedzenia. Dwie sparowane krzesła z ażurowymi rzeźbionymi pleców ozdobionych złoconymi kłamstwami - przykładem rosyjskiego mebli domowych w pierwszym kwartale XIX wieku. Są formularze, prawie pozbawione biżuterii, Fanwood Karelian Brzoza złotego koloru z czarnymi oczami.

W tym czasie wnętrze szlachetnej osiedlu pojawia się inny pokój, a jego niezbędna przynależność jest sofą. Zazwyczaj są to miękkie, prostokątne sofy, przykręcone z tyłu i łokci koryta przez Karelian Birch lub Red Tree, który otrzymał szeroko rozpowszechnione w tych latach. We wnętrzu sofa połączono z fotelem i przeominaną stołem. Takie odmiany znajdują się w naszej ekspozycji i dowodach już o obecnym wnętrzu w epoce amprynowej. Meble te różni się od parady: jest mniej złocenia, zamiast brązu, nakłada się drzewo, złocono w Levvce, zachowuje się jeden z tradycyjnych technik przetwarzania drewna, tak kochany przez rosyjskich mistrzów, rzeźbienia.

Kolekcjonerzy muzeów kontynuuje. W ostatnich latach zbieranie sztuki dekoracyjnej i stosowanej zostało uzupełnione ciekawymi eksponatami, z których najlepsze znaleziono swoje miejsce w ekspozycji.