Architektura . Architektura Rzymu jest zasadniczo różni się od greckiego. Grecy zostali stłumieni z jednoczęściowych marmurowych bloków, a Rzymianie wzniesione przez ściany cegieł i betonu, a następnie przy pomocy nawiasów zostały zawieszone marmurowe okładziny, kolumny i profile. Zabytki architektoniczne podbijają ich moc. Zaprojektowany dla ogromnych ilości osób: Bazylika, terminy, teatry, amfitety, cyrk, biblioteki, rynki i apartamenty: świątynie, Altari, Grobowiec. Rzymianie wprowadzili obiekty inżynierskie (akwedukty, mosty, drogi, port, fortece, kanały). Ośrodek ideologiczny był świątynią zlokalizowanym w środku wąskiej strony prostokątnego obszaru na swojej osi głównej. Kwadratowe miasta były ozdobione łukami triumfalnymi na cześć zwycięstw militarnych, posągów cesarzy i wybitnych ludzi publicznych. Arched i sklepione formy zostały dystrybuowane w mostach i akwedelach. Colosseum (75-80 lat. Nr) jest największym amfiteatrem Rzymu, przeznaczony do walki z Gladiatorów i innych konkursów.

Rzeźba . W dziedzinie monumentalnej rzeźby Rzymianie pozostali za Grekami. Najlepszym był portret rzeźbiarski. Rozwinął się od początku I. pne mi. Rzymian uważnie badali twarz osoby z jego unikalnymi cechami. Grecy starali się przedstawić ideał, Rzymian - aby dokładnie przekazać cechy oryginalnych oczu wielu posągów wykonanych z kolorowych emaliowanych Rzymian po raz pierwszy zaczęli stosować monumentalną rzeźbę w celach propagandowych: zostały zainstalowane na forach (kwadraty) jeździeckie i wędrówki Posągi - zabytki wybitnych osobowości.

Obraz . Zachowany trochę. Pałace i budynki publiczne ozdobiono obrazami ściennymi i obrazami, sceny mitologii, szkice krajobrazowe. Ściany malowane pod marmurem kolorowym i jaspisem. Wspólnym widokiem była mozaika i przetwarzanie, metale szlachetne i brązowe artyści przedstawione sceny z życia codziennego i wciąż trwania. Freski, które pokryły ściany domów, znali ozdobne wnętrza malarskie (I wiek pne. Er). Romans malowali meble domowe i naczynia. W 3 c. Sztuka chrześcijańska pojawia się w formie obrazów katakomskich w Rzymie. Według fabuły malarstwa są związane z religią chrześcijańską - działki biblijne, wizerunki Chrystusa i Matki Bożej, ale na formie artystycznej, kontynuowali rozwój monumentalnego obrazu podczas budowy świątyń chrześcijańskich. Freski i mozaiki zdobiących apsydy, kopuła, mosiężne ściany głównej bazylii NefA były szeroko rozwinięte sztuki mozaiki, była ozdobiona ścianami i podłogami w domach bogatych Rzymian, później świątynie chrześcijańskie. Maszyna obrazkowa portret była bardzo powszechna, ale jest to znane tylko przez źródła literackie, ponieważ dzieła artystów Republikańskiej Majowie, Sapolis i Dionisiad oraz dzieła innych nie zostały zachowane. Portrety cytowane w okrągłe ramie i były podobne do medalionów

Jeśli ustawisz główne etapy historii starożytnej sztuki rzymskiej, a następnie można je przedłożyć. Najstarsza (VII - V stulecia BC) i erę republikańską (V c. BC. I B. BC) - okres tworzenia sztuki rzymskiej.

Kwitnąca sztuki rzymskiej spada na wieki I -ii. OGŁOSZENIE Od końca płyty septimia północy rozpoczyna kryzys sztuki rzymskiej.

Sztuka stylu romańskiego

W XIX wieku, na przełomie tysiąclecia, w sztuce, po raz pierwszy pojawił się pojedynczy styl paneuropejski - romański. Pozostał dominujący w średniowiecznej Europie Zachodniej w XI i XII wieku. Termin "romański styl" pojawił się w XIX wieku. (Przez analogię z koncepcją "języków romańskich") i oznaczał "Roman". Romański styl w sztuce dziedziczony z architektury bizantyjskiej. Architektonicznybudowa tego czasu jest głównie kamień, z przechylonymi nakładkami, a w średniowieczu takie struktury uznano za romans (zbudowany zgodnie z metodą rzymską), w przeciwieństwie do drewnianych budynków. Waluta była powszechna w dziedzinie Niemiec i Francji. Raude i bitwy stanowiły elementy życia tego czasu. Ta ostra Era urodziła nastrój bojowej ekstazy i stałą potrzebę samoobrony. To jest twierdza zamkowa lub twierdza świątyni. Koncepcja artystyczna prosta i ścisła. Trzy duże świątynie na Ren są uważane za próbki późnej i doskonałej romańskiej architektury: miejskie katedry w Worms, Speyrier i Mainz. Wystrój architektoniczny jest bardzo powściągliwy, plastik jest ciężki. Ale wchodząc do świątyni w świątyni otwiera się cały świat ekscytujących obrazów, nadrukowi duszy średniowiecza. Sztuka w średniowiecznej Europie stała się rękami ludzi z najniższej klasy. Wprowadzili one religijne uczucie w swoich kreacjach, ale było nierówne od "wyższego" i "niższego". Rozumiemy niewiele w sztuce średniowiecznej, jeśli nie czuję jego związku ze wszystkimi stylem życia "niższych osiedli". Chrystus sympatyzował, ponieważ cierpiał, dziewica kochana, ponieważ widzieli w swoim wstawiennictwie dla ludzi, w strasznym sądzie, widzieli ideał ziemskiego sądu nad tłumiami i oszukaniami.

Straszny sąd. Katedra Timpan Saint Lazar w inny (1130-1140);

Przeddzień. Fragment ulgi do drzwi z brązu kościoła św. Michaił w Guillandesheim (1008-1015)

Królewski portal katedry w Chartres (około 1135-1155)

Zabytki architektoniczne w stylu romańskim są rozproszone w całej Europie Zachodniej, ale większość z nich we Francji. Jest to Kościół Saint Martin w Tour, Kościół Notre Dame w Clermon, arcydzieło romańskiej architektury - Kościół Notre Dame La Grand w Poitiers. W francuskim nominatorze jest kilka lokalnych szkół. Monumalność kompozycji różniła się od szkoły Burgundian, bogatego wystroju rzeźbiarskiego - Szkoła Poitu, ścisła dekoracja - School Norman.

Rzeźbione obrazy świętych w skroniach romańskich są pozbawione Żadnych kanonów, często noncasters i squatystów, mają proste i wyraziste twarze. Ta romańska rzeźba różni się od bizantyjskiej, która stworzyła bardziej wyrafinowane i duchowało obrazy. Wraz z obrazami Ewangelii i scenami w romańskiej rzeźbie, działki historii starożytnej i średniowiecznej sąsiadują z obrazami prawdziwych ludzi. Jednocześnie kompozycje rzeźbiarskie były czasami nasycone owocami fantazji ludowej - wówczas poznali obrazy różnych fantastycznych istot i sił złych (na przykład aspirów).

Z ery romańskiej zachowuje się doskonałe próbki sztuki stosowanej. Honorowe miejsce wśród nich zajmuje słynny 70-metrowy dywan z Baye, który jest związany z nazwą angielskiej Matyldy Queen. Sceny wyszywane na nim są opowiadane przez podbój Anglii przez Normanów w 1066

Obraz Styl romański był kościołem wyłącznie w treści i mieszkaniu, odmawiając trójwymiarowej przestrzeni i liczbach. Ona jak rzeźba, była podporządkowana architekturą. Najczęstszym rodzajem malowniczej techniki była fresk, witraż zaczęły rozprzestrzeniać się (malowanie z kolorowych kawałków szkła).

9. Gotika. -Gotka przyszedł do wymiany stylu romańskiego, stopniowo go opuści. Gothic powstał w środku XII wieku na północy Francji, w XIII wieku rozprzestrzeniła się na terytorium nowoczesnych Niemiec, Austrii, Republiki Czeskiej, Hiszpanii, Anglii. We Włoszech gotyk przeniknął później, z wielką trudnością i silną transformacją, która doprowadziła do wyglądu "włoskiego gotyku". Pod koniec XIV wieku Europa obejmowała tak zwany międzynarodowy gotyk. W krajach Europy Wschodniej gotyk przeniknął później i trwał trochę dłużej - do XVI wieku.

Architektura. Wiodący typ architektoniczny był Radą Miasta: system ramy architektury gotyckiej (łuki łańcuchowe są oparte na słupach; boczne przekładki łuków poprzecznych, przenoszone przez Arkbutanów do korekcji) zezwala na wnętrza katedr niespotykane i rozszerzenie, cięcie ścian o ogromnych oknach z wielokolorowymi witrażowymi oknami. Dążenie katedry wyrażone jest wyrażone przez Openwork Giant Towers, Silicon Windows i Portals, Zakrzywione posągi, złożony ornament. Portale i przeszkody ołtarzowe zostały całkowicie urządzone posągi, grupy rzeźbiarskie, ozdoby. Trzy tematy wystroju rzeźbiarskiego przeważały na portale: straszny sąd, cykl poświęcony Maryi i cykl związany z Chuckim Kościoła lub najbardziej czczonymi lokalnymi świętymi. Na fasadach i dachu były rzeźby fantastycznymi zwierzętami (Chimeras, Harguli). Wszystko to miało najsilniejszy emocjonalny wpływ na wierzących. Loryzm i tragedia, podwyższona duchowość i satyra społeczna, fantastyczne groteskowe i dokładne obserwacje życiowe organicznie spleciały sztukę gotyku. Wyjątkowe dzieła gotyckiej architektury to: we Francji - katedra Paryża Matki Bożej, katedry w Reims, Amiens, Chartres; W Niemczech - Katedra w Kolonii; W Anglii - Abbey Westminster (Londyn) itp.

Rzeźba. Główne cechy charakteryzującego gotycką rzeźbę można zmniejszyć do następujących: po pierwsze, zainteresowanie zjawiskami na świecie rzeczywistego rzeczywistego świata przychodzi zastąpić sztuki prawdziwego świata, motywy religijne zachowują swoją dominującą pozycję, ale jego obrazy się zmieniają, obdarzony diabłami głębokiej ludzkości.

Jednocześnie rola scen świeckich i ważnego miejsca, choć nie natychmiast, zaczyna zajmować działkę, po drugie - pojawia się okrągłe plastikowe plastikowe plastikowe i gra, chociaż także ulga.

Jednym z najczęstszych działek w gotyku pozostały "straszliwym boiskiem", ale program Ikonograficzny rozszerza się. Zainteresowanie osobą i atrakcją dla samoprzylepności historii znalazł wyrażenie na obrazach scen z życia świętych. Znakomity przykład wizerunku legend na temat świętych jest ostatni kwartał XIII-wiecznego timan "Historia św. Stephena" na portalu katedry w Paryż Matki Bożej.

Włączenie prawdziwych motywów jest charakterystyczne dla różnych małych ulg. Podobnie jak w świątyniach romańskich, wspaniałe miejsce zajmują się w gotyckich katedrach potworów i fantastycznych stworzeń, tzw. Chimer.

Obraz. W okresie średniowiecza malarstwo stało się jednym z najważniejszych rodzajów sztuk. Zmiany w społeczeństwie i nowych technikach technicznych dały artystom możliwość stworzenia realistycznego, penetrowanego głębokim humanizmu, praca była przeznaczona do osiągnięcia prawdziwej rewolucji w Europie Zachodniej. Wesoły i elegancki styl w artysty wizualny był najbardziej jasno objawiany w portrecie (malowniczym i ołówkiem) takich niezwykłych mistrzów, takich jak J. Fuki (znany jako wybitny mistrz miniaturowy), J. I F. CUE, Cornell de Lyon.

Chociaż religia stała w pierwszym miejscu w pierwszej kolejności, sztuka świecka została przydzielona niezwykle ważną rolę. Wiodący artystów - architekci, rzeźbiarze, malarze byli wysokimi powierzchniami, bardzo często kapłanami, ich nazwy były znane i otoczone honorem. Ponieważ sztuka została uznana za przewoźnikiem życia wiecznego, został zwolniony z całej chwili, lotny, niestabilny.

Architektura starożytnego Egiptu jest ściśle związana z kultem pogrzebowym.

Klasyczna próbka struktur architektonicznych to piramidy faraonów czwartej dynastii (27 V. BC) heops, hefren i Michrodyna (Greek. Opcje ich nazw). Ich składowa forma oparta na proporcjach "złotej sekcji" była niezwykle zwięzła i nieskończenie ekspresyjna. Dwa elementy były określone przez wzorce formy: podstawy, kwadrat w planie, a konwergencja boków w pewnym momencie, podobnie jak wszystkie życie egipskie zbieżne, koncentruje się na deferaoh. Piramidalna konstrukcja w swojej prostocie nosiła artystyczną uogólnienie samej istoty społeczeństwa egipskiego, podporządkowanego nieskończonej mocy faraona.

Charakterystyczną cechą piramidów jako rozważania architektoniczne było stosunek masy i przestrzeni: komora pogrzebowa, gdzie sarkofag stanął z mumią, bardzo małą i doprowadziło do długich i wąskich korytarzach. Element przestrzenny został zminimalizowany.

Nad tymi piramidami są jeden z siedmiu cudów świata, który przyszedł do dziś. Znajdują się oni na pustynnym płaskowyżu zachodnich obrzeżach Giza i imponujące z ich rozmiarami. Najbardziej ambitny z nich, wielka piramida heops (rys. 7), jest dumnie wieże nad opuszczonym krajobrazem, przylegającym do olbrzymiego sfinksa rzeźbionego z monolitu. Wysokość grobowca osiąga 150 m. Piramida Hefrena (rys. 8), zlokalizowana na południe od Wielkiej Piramidy, jest drugim co do wielkości. Jest 8 metrów poniżej kości policzkowych Heops, ale został zachowany znacznie lepiej. Część ocalającym okładziny daje pomysł na wysoką technikę pracy w czasie kamienia. Budowa trzeciej piramidy (rys. 9) została uruchomiona przez mikronos, następcę Heffren. Jest to najmniejszy grób, jego wysokość wynosi tylko 66 m. Trzy wielkie piramidy otoczono dużą liczbą grobowców należących do królewskich krewnych i ważnych urzędników.

starożytna kultura Egiptu Religijna

Rys.7.

Rys.8.

Rzeźba w Egipcie pojawiła się w związku z wymaganiami religijnymi i opracowana w zależności od nich. Wymogi kulturowe doprowadziły do \u200b\u200bwyglądu rodzaju posągów, ich ikonografii i miejsca instalacji.

Egipskie posągi były kształty stojące z nogą nominowaną albo siedząc na tronie z prasowanym do klatki piersiowej lub leżąc na kolanach i zamknięte nogi. Wysłany w pomnikowych świątyniach i grobowcach posągi personifikowały umarłych i były istnieniem ich dusz, a zatem różniły się z podobieństwem portretu. Każda rzeźba została wyrzeźbiona z prostokątnego bloku kamienia na z góry określonym znacznikom, a następnie dokładnie rozdzielony szczegółowo.

Na obrazie faraona przyjęto następujące typy: przechodzenie - z wydłużoną stopą; spokojnie siedząc na tronie - jego ręce leżą na kolanach; Zmarły - w pojawieniu się Boga Ozyris z rękami skrzyżowanymi na piersi, która trzyma symbole mocy - pręta i bat. Symbole faraona były pasiastą chusteczką z końcami malejącymi na ramionach; Opaska; Korona - biała, w formie Kegli (symbol Najwyższego Egiptu) i cylindryczny czerwony, z wysokim zaokrąglonym występem za (symbolem Dolnego Egiptu). Na bandażu na środku czoła, wizerunek świętej kobry, opiekuna władzy królewskiej na Ziemi i Niebo.

Reliefy są zwykle płaskie, prawie nie wystają nad powierzchnią ściany. Sylwetka figury jest jasna i graficzna. Części figury ludzkiej - głowa, ramiona, nogi, ręce - mogą być przedstawione w różnych płaszczyznach. Podczas wykonywania reliefów (rzeźbirowe obrazy na płaszczyźnie) i malowidła ścienne zastosowano tradycyjny odbiór układu płaskiego o postaci: jej nogi i twarz były przedstawione w profilu, oczy w FAS, a ramiona i dolna część ciało - w trzech hard-fuzzy obrotu. Faraon, szlachetny lub właściciel nieruchomości zawsze przedstawił więcej dużych w porównaniu do ich otoczenia.

Kilku mistrzów uczestniczyło w tworzeniu ulgi. Początkowo doświadczony artysta przedstawił ogólną kompozycję na ścianie, która została następnie zakończona w szczegółach swoich asystentów. Następnie frezy przetłumaczyły rysunek do ulgi; Na ostatnim etapie pomalowano gęstymi grubymi farbami. Na obrazie grana była główna rola, a nie kolor. Wszystkie liczby są nieodłączne w wielkości pomostowania i dobrego spokoju. Formy zamrożone - "znak korporacyjny" starożytnej sztuki egipskiej.

Reliefy charakteryzują się zasadą fryzury działek, rozwija scenę na scenę. Reliefy wdrożone na drugą; Każdy był narracyjnym wierszem. Figurki znajdowały się z reśniętymi, były przedstawione prace wiejskie, dzieło rzemieślników, polowań, rybołówstwa, procesji prezentów, procesji turystycznych, fałszywych świąt, budowy łodzi, gier dla dzieci i wiele innych scen.

Jego heyday, starożytna rzeźba egipska osiągnęła w XIX wieku. pne mi. Najlepsze, które powstały w tym okresie, to rzeźbiarskie portrety ehnatona (rys. 10) i jego żona Nefertiti (Fig. 11), wykonana z ulgą i okrągłe tworzywa sztucznego. Po raz pierwszy w historii sztuki egipskiej obraz faraona pojawił się w kółku rodzinnym. Portret Nefertiti w wysokiej koronie malowanego wapienia stał się symbolicznym wizerunkiem Egiptu. Dumny z głowy królowej na cienkiej szyi zadziwia doskonałość dokładnych cech pięknej twarzy, niezwykłą harmonię, zakończenie kompozycji, wspaniałą kombinację farb.

Rys.10.

Obrazy były szeroko rozpowszechnione podczas produkcji ceramiki GERSA, której wystrój, którego wystrój, którego przeważnie świecki znak obejmuje obrazy łodzi, roślin, zwierząt i ptaków i sporadycznie. W dalszym malarstwie (rys. 12) i rzeźba reliefowa zmieniła się w ściśle powiązane sztuki. W grobowcach i świątyniach zarządu dynastii IV, V i VI, sztuka te osiągnęły wysoki poziom rozwoju. Pomalowano wszystkie ulgi Starożytnego Królestwa Starożytnego Królestwa i malowanie na mieszkaniu, pozbawionym wyciętych powierzchni powierzchni przez długi czas, została przeprowadzona stosunkowo rzadko.

Sztuka krajów arabskich jest trudna w ich pochodzeniem. W południowej Arabii wznoszą się do kultur państw Sabeysky, ministerialnych i Himjarit (1 tys. BC. E. - 6 V. N. E.), związane z Morzem Śródziemnym i Vostu. Afryka. Starożytne tradycje są śledzone w architekturze domów wieżowych Hadramaut i wielopiętrowych budynków Jemenu, których fasady są ozdobione kolorowym wytłoczonym wzorem. W Syrii, Mezopotamii, Egipcie i Maghrebie style średniowiecznej sztuki arabskiej zostały również utworzone na zasadzie lokalnej, doświadczają pewnego wpływu kultur irańskiego, bizantyjskiego i innych kultur.

Architektura. Głównym budynkiem religijnym islamu stał się meczetem, w którym wyznawcy proroka idą na modlitwę. Meczety składające się z ogrodzonego podwórza i kolumnady (umieszczone "Yard", lub "kolumna", rodzaj meczetu), w pierwszej połowie siódmego wieku. Basry (635), Coft (638) i przymocowany (40, 7 wieku) powstały. Typ kolumny przez długi czas pozostał główny w monumentalnej kultowej architekturze krajów arabskich (meczety: Ibn Tulun Kair., 9. wiek; Mutavakkil w Samarrze, 9 wieku; Hassan w Rabat i Kutubia w Marrakeszu, zarówno XII wieku; Duży meczet w Algierii, XI wieku i innych) i miał wpływ na muzułmańską architekturę Iranu, Kaukazu, CP. Azja, Indie. Architektura otrzymała również rozwój budynków kopuły, wczesną próbkę, której znajduje się osiem-maszerowany meczet Kubbat As-Sahra w Jerozolimie (687-691). W kolejnych kopułach, różne budynki kultowe i memoriczne są zakończone, najczęściej z mauzoleum nad grobami znanych osób.

Od XIII wieku przed początkiem XVI wieku Architektura Egiptu i Syrii była ściśle ze sobą powiązana. Przeprowadzono dużą konstrukcję twierdzy: Cytadela w Kairze, Khalebe (Aleppo) i inni. W monumentalnej architekturze tego czasu zasada przestrzenna zdominowała na poprzednim etapie (Meczet dziedzińca), ustąpił drogę do wielkości architektonicznej Grandiose: przez udar Potężne ściany i duże portale z głębokim niszami podnoszą wysokie bębny prowadzące kopuły. Majestatyczne budynki czterech pchniętych (patrz Ayvan.) Typ (znany przed tym w Iranie): Maristan (szpital) Kalaun (XIII wiek) i Meczet Hassana (XIII wiek) w Kairze, Meczet i Madrasa (duchowe szkoły) w Damaszku i innych miastach Syrii. Zbudowane są liczne mauzoley z kopułą, czasami tworząc malowniczy zespół (Cmentarz Mamluk w Kairze, 15-16 stuleci). Aby ozdobić ściany na zewnątrz i we wnętrzu, wraz z rzeźbami, wkłady są szeroko stosowane przez wielokolorowy kamień. W Iraku za 15-16 stuleci. Kolorowe glazury i złocenie są używane w wystroju (meczety: Al-Qadim Musa w Baghdadzie, Hussein w Kerbel, Imam Ali w styczniu).

Wysokie kwitnienie przetrwały w ciągu 10-15 stuleci. Architektura arabska Maghreba i Hiszpania. W dużych miastach (Rabat, Marakesz, Fez itp.), Budynek KASBA, wzmacniający potężne ściany z bramami i wieżami oraz handel mediami i kwartałami rzemieślniczymi. Duże kolumny Mosques Magrib z wielopoziomowym, kwadratem pod względem minaretów wyróżniają się obfitością przecinające oleje, bogactwo rzeźbionego ornamentu (meczet w Powietrzu, w miednicy itp.) I bujna jest ozdobiona rzeźbionym drewnem, marmuru i mozaiki z wielobarwnych kamieni, takich jak liczne wybuchowe Madrasa 13-14 w Marokwie. W Hiszpanii, wraz z meczetem w Kordobie zachowane są inne wybitne zabytki architektury arabskiej: Minaret "La Hiralda", wzniesiony w Sewilli przez Zodhi Jerber w 1184-96, brama do Toledo, pałac Alhambra. Granada jest arcydziełem architektury arabskiej i sztuki dekoracyjnej 13-15 stuleci. Architektura arabska miała wpływ na romans i gotycką architekturę Hiszpanii ("styl Mudjar"), Sycylia i inne kraje śródziemnomorskie.

Dekoracyjne i stosowane i sztuki wizualnej. W arabskiej sztuce otrzymał żywy przykład wykonania artystycznego myślenia średniowiecza, zasadę dekoracyjności, która wygenerowała najbogatszy ornament, specjalny w każdym z obszarów świata arabskiego, ale związany ogólnymi przepisami rozwoju. Arabeska, rosnąco do zabytkowych motywów, jest nowym typem wzoru stworzonego przez Arabów, w których matematyczna nasilenie konstrukcji łączy się z darmową fantazją artystyczną. Opracowano również ornament epigraficzny - napisy kaligraficznie wykonane zawarte w dekoracyjnym wzorze.

Ornament i kaligrafia, szeroko stosowany w dekoracji architektonicznej (rzeźba kamienna, drewno, pukanie, są charakterystyczne dla obu sztuki zastosowanej, która osiągnęła wysoką heyday i szczególnie w pełni wyrażoną specyficzność dekoracyjną arabskiej kreatywności artystycznej. Kolorowy wzór zdobiony ceramika: podlewanie dania kuchni domowej w mezopotamii (centra - Rakka, Samarra); Malowany złotymi, różnymi odcieniami naczyniami żyrandolami wykonane w fatymidu Egipt; Spanish-Moorish Chandelier ceramika wynosi 14-15 stuleci, co ma ogromny wpływ na europejską sztukę stosowaną. Arabskie wzorzyste tkaniny jedwabne - Syryjski, Egipski, Mauritanan, również cieszył się sławą światową. Wykonane przez arabów i dywanów do stosu. Najlepsze gonienie, grawerowanie i wkładanie ze srebra i złota ozdobione z brązowymi artykułami (miski, dzbanki, palacze i inne naczynia); Produkty 12-14 stuleci charakteryzują się specjalnymi umiejętnościami. Mosula w Iraku i niektórych ośrodkach rzemieślniczych Syrii. Syryjsko zakryte szkło pokryte najlepszym szkłem do malowania emalii i ozdobione wyrafinowanym rzeźbionym wzorem grafiki Egiptu z kryształu górskiego, kości słoniowej, drogich gatunków drewna.

Sztuka w krajach islamu rozwinął się, trudno jest współdziałać z religią. Meczety, a także święta książka Koranu, były ozdobione wzorem geometrycznym, warzywnym i epigraficznym. Jednak islam, w przeciwieństwie do chrześcijaństwa i buddyzmu, odmówił szeroko stosowania sztuk wizualnych w celu promowania pomysłów religijnych. Co więcej, w t. N Niezawodne hadisowie, zalegalizowane w IX wieku, zawiera zakaz przedstawienia żywych istot, a zwłaszcza osobę. Teolog 11-13 stuleci. (Gasali i in. Te obrazy zadeklarowały największy grzech. Niemniej jednak artystów w średnim wieku przedstawili ludzi i zwierzęta, prawdziwe i mitologiczne sceny. W pierwszych stuleciach islam, podczas gdy teologia nie rozwinęła jeszcze kanonów estetycznych, obfitości realistycznych na interpretacji obrazkowych i rzeźbiarskich obrazów w pałacach Omeyadowa zeznał na siłę tradycji artystycznych Houseloman. W przyszłości pikantność w arabskiej sztuce jest wyjaśniona obecnością estetycznego poglądów o atrakcyjności estetycznej w swojej istocie. Na przykład w "Bracia Zakupu" (XI wieku) Sztuka artystów jest zdefiniowana "jako naśladowanie obrazów istniejących obiektów, zarówno sztucznych, jak i naturalnych, zarówno ludzi, jak i zwierząt".

Meczet w Damaszku. 8 w. Wnętrze. Republika Syryjsko-Arabska.

Mauzoleum na cmentarzu Mamluk w pobliżu Kairu. 15 - Nach. 16 stuleci. Zjednoczona Republika Arabska.

Malarstwo. Wysoki rozkwit przeżył sztuki wizualne w Egipcie 10-12 stuleci: obrazy ludzi i scen gatunków zdobionych ścian budynków fustat, potraw ceramicznych i wazonów (Master Saad itp.), Tkane w wzór wątków na kości i drewno (panel 11 c. z pałacu fatmidów w Kairze itp.), jak również tkaniny lnu i jedwabiu; Statki z brązu zostały wykonane w postaci postaci zwierząt i ptaków. Podobne zjawiska miały miejsce w dziedzinie sztuki Syrii i Mezopotamii 10-14 stuleci.: Trybunał i inne sceny są zawarte w ornamentie produktów z brązu, wyrafinowany i inkrustowany, do wzoru obrazu na szkle i ceramiki.

Zasada wizualna była mniej rozwinięta w dziedzinie krajów Arabskiego Zachodu. Jednak tworzono tutaj ozdobną rzeźbę w postaci zwierząt, wzory z motywami żywych istot, a także miniaturę (manuskrypt "Bayad i Riyad", XIII wiek, biblioteka Watykańska). Sztuka arabska jako całość była jasnym, charakterystycznym zjawiskiem w historii światowej kultury artystycznej średniowiecza. Jego wpływ stosowany do całego świata muzułmańskiego i poszedł daleko poza ograniczenia.

5. Postrzeganie dzieł sztuki. Analiza dzieł sztuki. Wartość sztuki w życiu człowieka. Największe muzea sztuki.

6. Krótki przegląd metod nauczania sztuki wizualnej. Studiujemy rysunek w starożytności i w ery średniowiecza. Wkład artystów renesansowych do metody nauczania sztuk wizualnych.

7. Szkolenie rysunek w szkołach w Rosji w wieku 18-19 stuleci.

8. Poprawa metod nauczania rysunków w szkole radzieckiej. Zaawansowane doświadczenie pedagogiczne artystów nauczycieli i jego roli w edukacji artystycznej dzieci.

11. Edukacja artystyczna uczniów. Cel, zadania, wymagania dotyczące sztuki nauczania w klasach podstawowych.

12 Typy, treść programów, tematyzm.

14. Zasady planowania klas. Kalendarz tematyczny, ilustrowany planowanie sztuki wizualnej w 1-4 klasach

15. Cechy planowania lekcji sztuki wizualnej w klasie 1.

16. Planowanie lekcji sztuki wizualnej w drugiej klasie.

17. Planowanie lekcji sztuki wizualnej w klasie 3

1. Wyjaśnij znaczenie słowa.

2. Krzyżówka "Zgadnij słowo kluczowe".

1. Gra Pantomime "Żywa rzeźby".

2. Gra "Najlepsza wycieczka z przewodnikiem".

22. Rodzaje i utrzymanie pracy pozalekcyjnej na temat sztuk wizualnych. Organizacja pracy Obiektów w sztukach wizualnych. Zajęcia planowania w kręgu według sztuk wizualnych.

1. Typy i treść prac pozalekcyjnych na temat sztuk wizualnych.

2. Organizacja pracy obiektów na temat sztuk wizualnych.

3. Zajęcia planowania w okręgu dla sztuk wizualnych.

23. Diagnozę poszczególnych charakterystyk psychologicznych studentów. Metody prowadzenia testów i zadań kontrolnych.

24. Rozwój umiejętności twórczych uczniów o stopach 1-4. Zróżnicowanie i indywidualizacja uczenia się sztuki wizualnej.

25. Sprzęt zajęć w sztuce wizualnej. Technicy sztuki i materiały stosowane w lekcjach dzieł sztuki w klasach podstawowych

26. Cechy psychologiczne i wiekowe rysunku dzieci. Analiza i kryteria oceny dzieł dziecięcych, edukacyjnych i kreatywnych "

27. Rysunek pedagogiczny na lekcjach dzieł sztuki w klasach 1 - 4. "Album nauczyciela". Technologie rysunku pedagogicznego. Metoda rysunku pedagogicznego.

28. Demonstracje wykonywane przez nauczyciela w lekcjach pracy artystycznej. Pokazać technikę.

30. Warunki i koncepcje na temat sztuk wizualnych. Metody uczenia się studentów ocen: 1-4 w systemie terminów i koncepcji na temat sztuk wizualnych w lekcjach i pracach pozalekcyjnych.

4. Architektura jako rodzaj sztuki

Architektura jest jednym z najstarszych rodzajów sztuki, wyrażających w kultowych i socjalnych obiektach, światopoglądu ludzi w określonej epoce historycznej, pewien styl artystyczny. Architektura (Lat. Architektura, Cutter. Architektonik - Builder), Architektura - Budynki. , Inne udogodnienia lub ich kompleksy, które tworzą materialne, artystycznie zorganizowane środowisko życia ludzkiego. Również - sztuka tworzenia tego środowiska przestrzennego, tworząc nową rzeczywistość, która ma wartość funkcjonalną, przynosząc osobę, która ma korzyść i zapewnić przyjemność estetyczną. Termin obejmuje konstrukcję wyglądu struktury; organizacja przestrzeni wewnętrznej; Wybór materiałów do użytku na zewnątrz i wewnętrznego, projektowanie systemu oświetlenia naturalnego i sztucznego, a także systemy inżynieryjne; Dostawa elektro- i wody; Dekoracyjna dekoracja. Każde struktury mają określoną wizytę: na życie lub pracę, rekreację lub studium, handel lub transport. Wszystkie są trwałe, wygodne i niezbędne dla osób - są to ich obowiązkowe właściwości.

Rodzaje architektury

Trzy główne typy wyróżniania architektury:

Architektura struktur objętościowych. Obejmuje budynki religijne i serfalne, budynki mieszkalne, budynki publiczne (szkoły, teatry, stadiony, sklepy itp.), Struktury przemysłowe (rośliny, fabryki itp.);

Architektura krajobrazowa związana z organizacją ogrodu i przestrzeni parkowej (kwadraty, bulwary i parki z "małą" architekturą - Arbos, fontanny, mosty, schody)

Planowanie miejskie, obejmujące budowę nowych miast i wsi oraz rekonstrukcja starych obszarów miejskich.

Style architektury

Architektura jest ściśle związana z życiem społeczeństwa, jego poglądów i ideologii. Podstawą starożytnej architektury greckiej jest idea doskonałej, fizycznie i duchowo rozwiniętej osoby. Antique Architects Wszystkie ich budynki zostały zbudowane zgodnie z proporcjami ludzkiego ciała, ucieleśniania harmonii, konfrontacji natury natury, majestatycznej jasności i ludzkości "styl ery" (styl romański, gotycki itp.) Powstaje głównie Okresy historyczne, gdy percepcja dzieł sztuki jest inną infleksowalnością porównawczą, gdy jest nawet łatwo dostosowany do zmiany stylu.

Świetne style - romański, gotycki, renesansowy, barokowy, klasycyzm, ampir / zmienność późnego klasycyzmu / - są zwykle uznawane za równoważne i równoważne. Rozwój stylów jest asezery, który jest wyrażony zewnętrznie w tym, że każdy styl stopniowo się zmienia prosty do złożony; Jednak jest to zwrócone z trudnej dla prostości tylko w wyniku skoku. Dlatego też zmiany stylów występują inaczej: powoli - od prostego do złożonego i ostro - z kompleksu do prostego. Styl krawędzi jest zastępowany przez gotyk przez ponad sto lat - od środka XII wieku. aż do środka XIII wieku. Proste formy romańskiego architektury stopniowo poruszają się w skomplikowany styl gotycki. Z ograniczeniami gotyckim następnie dojrzewają renesans. Wraz z pojawieniem się renesansu, okres ideologicznych, pojawił się ponownie pojawienie się solidnego systemu światopoglądu. W tym samym czasie proces stopniowego komplikacji i podziału prostego: renesans staje się bardziej skomplikowany, a barok jest. Barokowy, z kolei staje się bardziej skomplikowany, przechodzi w niektórych typach sztuki (architektura, malarstwo, sztuka stosowana) w ROCOCO. Następnie powraca do prostego, aw rezultacie klasykism przychodzi do wymiany baroku, którego rozwój w niektórych krajach zastąpiło AmPIR.

Przyczyny zmieniających się par stylów: rzeczywistość nie wybiera stylu wśród istniejących, ale tworzy nowy styl i konwertuje stary. Utworzony styl jest głównym stylem, a transformowany jest drugorzędny.

Architektura ojczystej ziemi

Architektura regionu Grodno

Borisoglebskaya (Cleaner) Kościół, pomnik starożytnego rosyjskiego architekturyzatora w połowie.

Zamek Mirski wliczony w listę UNESCO, Zamek LIDA (XIV-XV wiek)

Architektura regionu Mińska

Archkafoundral Kościół Katolicki Najświętszej Maryi Panny (druga połowa XVII-początkującegoIIIIV.)

Kościół świętych Simeon i Eleny (Czerwony Kościół) - pomnik architektury Neoety z funkcjami nowoczesnych (1908 - 1910)

Nesvizhsky Palace and Park Complex (XVII-XVIIIV)

Kościół Bernardynów w miejscowości Budslav Mojelsky District, Pomnik Architektury Barochki (XVIIIV)

Architektura regionu Witebsk

Katedra Sophia, zabytek architektury XI -XVIIIIIV.

Kościół Zbawiciela-Evphrosinyevskaya, pomnik starożytnej architektury rosyjskiej (1152 - 1161). Na jego ścianach i kolumnach zachowuje się unikalne freski.

Literatura:

1. Herchuk Y.l. Podstawy umiejętności artystycznej. -M., 1998

2. DANILOV V.N. Metody nauczania sztuki wizualnej i artystycznej pracy. MN, 2004.

3. Ciężka N.P. Rysunek szkoleniowy. -M.: Edukacja, 1996

4. Lazuka B. Slўnіk Terminaў Pa Arhiteekture, Execute MastTing Mastactva. - Mn., 2001

5. Nemensky B.m. Sztuka pedagogiki. -M.: Oświecenie, 2007

Architektura, projektowanie, dekoracyjne i stosowane sztuki należą do rodzajów sztuki utylitarnej kreatywności. Oznacza to, że rozwiązują zadania Utylitarne - Ruch, Organizacja Życia, Miasta, Mieszkania, Różne rodzaje życia człowieka i społeczeństwa. W przeciwieństwie do twórczości artystycznej (sztuka wizualna, literatura, teatr, kino, poezja, rzeźba), które tworzą tylko wartości duchowe, kulturowe i estetyczne, które nie mają znaczenia utylitarnego.

Projekt różni się od sztuki dekoracyjnej i stosowanej z produkcją masowej technologicznej, w przeciwieństwie do rękodzieła w dniu grudnia Sztuka użytkowa. Koncepcje pokrewne architektury i projektowania różnią się tylko w skali przestrzennej; Miasto, Microdistrict, kompleks, budynek w architekturze i środowisko uliczne wnętrze, projektowanie przemysłowe, sztuka. Zaprojektuj w "Design", ale na przykład wnętrze i poprawę jest przedmiotem i architekturą i projektowaniem.

Design and Architecture - Utylitarne i artystyczne działania na rzecz stworzenia obiektu i środowiska przestrzennego. Architektura jest bardziej starożytna koncepcja, projekt jest bardziej nowoczesny, ale różnica między nimi jest minimalna, często nie rozróżniana.

Formularze projektantów - krajobraz, kwadratowy, miejski element - kiosk, fontanna, przystanek, zegar lampowy, hol / pokój, meble, biuro, wnętrze.

Przestrzenie wewnętrzne tworzą architekt, a nasycenie projektanta często jeden lub inny robi wszystko, to praktycznie jest to bliskość i często odróżnienie zawodu Arh. i projektant.

Architektura i projekt należą do ekspresyjne Sztukiktóre bezpośrednio nie odzwierciedlają ważności i jest tworzony. w odróżnieniu sztuki piękne (Malarstwo, grafika, literatura, teatr, rzeźba) artystyczny sposób odzwierciedlający materiał i duchową rzeczywistość.

Wykład 1. Metodologia projektu

1. Związek między państwem społeczeństwa społeczno-promenady i projektu.

Nowoczesna praktyka "nowego eklektyki"

2. Metoda kreatywna - metoda profesjonalna - "indywidualny sposób".

Interakcja metod na różnych etapach kreatywności.

Interakcja metody i etapów działalności zawodowej

Przykłady różnych

3. Subiektywny i cel w procesie twórczym.

1. Wszelkie działanie i bardziej kreatywne jak konstrukcja jest podłączona, a własne fundusze odzwierciedla społeczną organizację społeczeństwa, rozwoju kulturalnego, ideały estetyczne ....... Odzwierciedla Egipt Kompletny degenydant obiektywnego świata i architektury, średniowiecza, sprzeciw, klasycyzm, konstruktywizm. W XX wieku przeżyliśmy upadek historyzmu, narodziny modernizmu i konstruktywizmu w architekturze sztuki i projektu. Odmowa do tradycyjnych form składników części, zasada swobodnego planowania była postrzegana jako rewolucja i jakby odzwierciedlała rewolucję społeczną, ale na Zachodzie nie było rewolucji, a ruch krewny urodził się. Najnowszy ruch między nimi był Prawdziwe połączenie (grupa stylu Holandii i lider konstruktywizmu w Rosji). Jednak ta rewolucja została przygotowana przez nowe technologie i materiały (JB) farmy wiązki i nowych przepływów artystycznych -Cubizmu, futuryzm, ekspresjonizm, ale także przez wstrząsy społeczne (obroty, 1 wojna światowa), nowe prądy filozoficzne (socjalizm. Komunizm, Faszizm socjalizm nacjonalizmu) ............., kryzys burżuazyjnej moralności. Wiele rozmawiali o prawdziwości w przeciwieństwie do burżuazyjnej dekorologii i odbarwiania. Zmiany w temacie i medium przestrzennym zostały przygotowane przez rozwój myśli filozoficznej i naukowej oraz nowych artystycznych strumień przepływów i rozwoju sprzętu, ale także wstrząsy społeczne, które przywiązywały pewne patos ideologiczny i tworzyli i rozwinęli zasadę przyjazny dla życiowej, które możesz Zmień rzeczywistość w oparciu o pomysły i koncepcje i koncepcje artystyczne i przestrzenne. Już utworzył idee nowoczesnego ruchu i konstruktywizmu

Nowoczesny jako modny kurs nowej burżuazji i kupców (Morozov Mansion).

Naprzeciwko domu gminy, idea społecznego. Miasta, Społeczeństwo życia jako manifestacje w temacie pomysłów socjalizmu. Utopic idea, że \u200b\u200bzmiana siedliska można zmienić przez samą osobę.

Oczywiście, materialny świat środowiska i architektury odzwierciedla własne fundusze system gospodarczy i poziom rozwoju i społeczeństwa oraz ideologii i systemu wartości dominujących w społeczeństwie, ale zależność ta nie jest bezpośrednia i złożona, często, często Pomysły na sztukę dla sztuki dostosowują się w przemyśleniu do obiektywnych rzeczywistości.

Architektura i inżynieria i budowa, dekoracja wnętrz i organizacja krajobrazu zajmowanego w kulturze renesansowej. Zmiana konstrukcji, układ i dekoracji mieszkań.
W prostych domach liczba pomieszczeń wzrasta z powodu partycji wewnętrznych. W miastach i w miesiącach narodzin, zbudowane są całe pałace w stylu renesansowym. Rozwój systemu absolutystycznego był nierozerwalnie związany ze strukturą zamków zamieszkania króla i jednocześnie obiektów fortyfikacji. Rozprzestrzenianie się pomysłów renesansowych w architekturze doprowadziły do \u200b\u200brozwoju projektów "idealnych" budynków i całej osiedli. Bridal, tłumaczenie, traktaty lokalne dla architektury i budowy pojawiają się. Ze względu na granicę, głównie z Holandii, wybitni mistrzowie różnych specjalności wydawanych jest: Adrian de Fryci, Hans Van Steenwinkel Senior (OK.1550-1601) i jego synowie - Lawrence, Hans, Mortens, a także Hans Van Oberberk i Hans Van Oberberk i inni. Skandynawowie pożyczyli próbki stylu architektonicznego z Niemiec, Holandii, Włoch, Francji. Duńska renesansowa architektura z jego czerwonym smakiem, ogromne budynki prostokątne i dyskretny wystrój zwykle koncentruje się na architekturze severogertic.
Najwyższa konstrukcja startu w Danii osiągnęła 60-letnią zarząd chrześcijańskiej IV, zwłaszcza do 1617 roku, toczyło się w tym samym czasie w różnych kierunkach. Kraje zostały zbudowane z nowym układem i regularnym formularzem geometrycznym lub promieniowym. W sumie z inicjatywy króla - w Scone, Zelandia, Jutlandii Południowej, Norwegii.
347

Potężne fortece zostały wzniesione: Frederisborg w Hillerg (1602-1625), Kronborg w Helsinger itp, który obejmował zamek, biurowiec, magazyny i koszary, otoczone wałów, fosise i bastionów. Sam Król był dobrze zorientowany w architekturze i kontrolował budowę struktur. Zapasowa konstrukcja w XVII wieku. Całkowicie zmienił wygląd Kopenhagi i znacznie rozszerzył swój rozmiar. Pałac IV, port wojskowy, wymiana renesansowa (1619-1625) została zbudowana lub położona podczas chrześcijanina. Architekci L. i X. Van Steenvinkel otrzymali zadanie, aby zbudować go jako "Świątynia nowej polityki gospodarczej". W wyniku budowy entuzjazmu Kopenhaga zamieniła się w XVII wieku. W jednej z najpiękniejszych stolic w Europie. Jest przylega do różnych linii stylistycznych: gotycki, manieryzm, paskudny barokowy.
W Szwecji okres ten jest również naznaczony zmianą starego i budowy nowych budynków. W stylu renesansowym zamki infrasholm, Vadutnay i up pałace, pałace, ratusz i prywatne domy w miastach są wzniesione. Konstrukcja kościelna, wręcz przeciwnie, przechodząc spadek.
Budynki czasu odpowiadają bogatej dekoracji wnętrz, bardziej wspaniały w Szwecji, bardziej ograniczony w Danii: ławki, sekretarze, szafki. Drewniane meble i panele były pokryte najbardziej skomplikowaną scenerią lub niciami na historie biblijne i świeckie, stały z drogich kamieni i metali, fajans, drewna. Ściany zabrano z oryginalną świecącą kratę, nosząc portrety, obrazy. W halach dziedzińce i ogrody wydają się rzeźby, często całe grupy, zwykle w starożytnym duchu mitologicznym. Była specjalna moda do pieców malowanych i kręconych, a także pieców żelaznych i żelaznych, z gwintami.
Innowacje inżynierskie i budowlane w tym czasie można przypisać zaopatrzenie w wodę: rury z dźwigami, skomplikowane fontanny pojawiły się w zamkach i pałacach. Dekoracja pałaców i zamków były zaangażowane zarówno w indywidualnych mistrzów, jak i całych warsztatach. Połączenie wpływu zachodniego europejskiego, zwłaszcza z Holandii i Niemiec, oraz lokalnych tradycji utworzyło próbkę unikalną w stylu.
W tym okresie sztuka została zastosowana głównie. W ważnej części wnętrza służył do wyrażania i zabezpieczenia prestiżu. Dlatego na przykład jest niezwykłym rozprzestrzenianiem się w czasie bujnych epitaficznych, paradowych portretów (rzeźbiarskie i malownicze), alegoryczne obrazy.
Najbardziej imponującym i prestiżowym rodzajem sztuki była rzeźba, której kwitnący wystąpiło później, z oświadczeniem baroku. Większość rzeźbiarzy była obcokrajowcami, którzy wykonywali głównie rozkazy króla. "Royal Builder" Hans Steenwinkel poprowadził stworzenie wielu rzeźbionych
348
pozycje do fontann. Na życzenie Christian IV w Amsterdamie, rzeźby Handrick De Caerrew. Słynna fontanna Neptuna w Frederisborg wyprodukowała Dutchman Adrian de Frykies (1546-1626).
Płaskorzeźby, głównie nagrobek, ale także dekoracyjne.
Zainteresowanie wizerunkiem osoby, w szczególności do portretów rodzinnych, stał się jedną z cech malowania tego okresu. Często portrety były nadal wykonane na starych próbkach: statyczne, warunkowo, bez charakterystyki psychologicznej. Główne obrazy suwerennego i członków ich rodzin - uroczyste, z symbolami mocy - z XVII wieku. Wytrzymały najczęściej w sposób klasycyzmu. Okres charakteryzuje również obfitość portretów miejskich patryków i naukowców; Wszystkie z nich wykazują czarne szaty i oznaki ich zajęć. Być może najwcześniejszym portretem burgera naukowca jest obraz humanistycznego Vellera (1578). Portret rodziny Rodmanna z Flensborg (1591) jest ekspresyjny, gdzie sam, jego dwa żony i 14 dzieci stoją wokół ukrzyżowania. Sam Rodman, jeden z jego żon i czworości dzieci, jak zmarły, są oznaczone krzyżem nad głową. Niektóre inne rodzina-portrety-epitapy mieszczanki są również wykonane w ten sam sposób. Połączenie zmarłych i życia, niewątpliwie odzwierciedla reprezentacje czasu o jedności życia i śmierci, na nierozłącznej komunikacji dwóch światów. Autorzy nazwanych portretów są nieznani, anonimowo wykonywane w ogóle, większość portretów mieszczaninów i prowincjonalnej szlachty przeciwnej, rodziny królewskiej i poznać usługi słynnych mistrzów. Około 200 portretów ludzi Royal and Noble'a napisał Hollandy Jacob Van Dajordt, zestaw - Dutchman IOT Verdeyden.
Stopniowo, w Danii, nowy rodzaj artysta - wykształcony i kulturowy, dość bogaty i blisko naukowców, często przestarzały artysta i kolekcjoner. Tak więc, szczególnie płodny portret, Dutchman Karel Van Mandera, którego autoportret z żoną i teściową jest rzadkim obrazem artysty intelektualnego. W przybliżeniu taka sama była artystyczna rodzina Izaakza, która podała zauważalny wkład w kulturę duńskiego renesansu; Jej założyciel jest potomkiem emigrantów z Amsterdamu, dzieł handlowych sztuki, a jednym z wnuków i humanistycznych i historyk Johann Pontanus. Wśród artyści byli specjalistami specjalistami w historycznym płótnie, w malowaniu kościoła itp., Ale większość miała szeroką specjalizację.
Ważny rodzaj sztuki dekoracyjnej była następnie gobelin, zarówno bridal, jak i lokalne, szkice, dla których były widoczne
349

artyści, a produkcja przeprowadzono w warsztatach obcego lub duńskiej pałacu.
W następnym wystroju, jak już zauważył, zauważalne miejsce zostało wykonane przez rzeźbę, tradycyjne i rozwinięte w Skandynawii. W kościołach ozdobiono rzeźbią Altari, gdzie sceny były przedstawione z Biblii, a także działek klasycznych autorów charakterystycznych dla duńskiego renesansu. Gwintowany gotyckimi i renesansowymi ornamentami z wykresami świecnymi wykształconych mebli w obudowie. W Norwegii i Finlandii wielki sukces dotarł do rzeźbienia drewnianych ludowych, urządzonych budynków prowincjonalnych i artykułów gospodarstwa domowego.

Różnorodność gatunków sztuki pozwala estetycznie opanować świat we wszystkich jego złożoności i bogactwie. Nie ma dużych i niewielkich sztuk, ale każdy gatunek ma swoje silne i słabe partie w porównaniu z innymi sztukami.

Architektura. Kiedy osoba nauczyła się dokonywać narzędzi pracy, nie był już obudową ani gniazdem, ale odpowiednim budynkiem stopniowo zyskując wygląd estetyczny. Budowa stała się architekturą.

Architektura - tworzenie rzeczywistości zgodnie z prawami piękna podczas tworzenia budynków i struktur zaprojektowanych w celu służby potrzebom osoby w mieszkaniach i lokalach publicznych. Architektura tworzy zamkniętego świata opanowania utylitariatyzm, wykluczone z natury, przeciwstawiając się środowisku naturalnym i pozwalając ludziom wykorzystać humanizowaną przestrzeń zgodnie z ich materiałami i potrzebami duchowymi. Obraz architektoniczny wyraża wizytę budynku i artystycznej koncepcji pokoju i osobowości, prezentacja osoby o sobie jest samą istotą jego epoki.

Architektura - sztuka i budynki mają określony styl. Lomonosov, określający cechy architektury, napisał, że sztuka architektoniczna "wzniesie budynek, do habitatu jest wygodne, dla wizji jest piękna, do długotrwałego ciała stałego". Dzięki architekturze integralną część "drugiej natury" powstaje - materialne środowisko, które jest tworzone przez pracę osoby, w której mają miejsce jego życie i działalność.

Forma architektury jest należna: 1) naturalna (zależy od warunków geograficznych i klimatycznych, o charakterze krajobrazu, intensywność światła słonecznego, bezpieczeństwa sejsmicznego); 2) społecznie (zależy od charakteru systemu społecznego, ideały estetyczne, użyteczności i artystycznych potrzeb społeczeństwa; architektura jest ściślejsza związana z rozwojem sił produkcyjnych, z rozwojem technologii).

Sztuka użytkowa. Jednym z najstarszych i tak starych gatunków artystycznych kreatywności jest sztuka stosowana. Odbywa się to w przedmiotach domowych stworzonych pod prawami piękna. Sztuka stosowana - to są rzeczy otaczające i służąc nam, którzy tworzą nasze życie i komfort, sprawy, które nie tylko były jako przydatne, ale także piękne, mające styl i artystyczny wizerunek, który wyraża ich spotkanie i prowadzi uogólnione informacje o rodzaju życia, o epoka, o świecie ludzi. Estetyczne efekty sztuki stosowanej dziennie, co godzinę, co minutę. Prace sztuki stosowanej mogą wznieść się na wierzchołki artystyczne.

Sztuka stosowana jest w całym naturze, zrodziła się z zwyczajów, nawyków, przekonań ludzi i bezpośrednio w przybliżeniu do swoich działań produkcyjnych i życia codziennego. Szczyt sztuki stosowanej jest biżuteria, utrzymując swoje niezależne znaczenie i rozwijanie dzisiaj.

Sztuka dekoracyjna. Sztuka dekoracyjna jest estetyczny rozwój środowiska, środowisko, dekoracja "drugiej przyrody stworzonej przez człowieka" Druga natura ": budynki, struktury, pomieszczenia, kwadraty, ulice, drogi. Ta sztuka atakuje codzienne życie, tworzenie piękna i wygoda wewnątrz, w pobliżu mieszkalnych i publicznych pomieszczeń. Prace sztuki dekoracyjnej mogą być klamką i ogrodzeniem, szkło okienne w witrażowym i lampie, która wchodzi w syntezę z architekturą.

Sztuka dekoracyjna pochłania osiągnięcia innych sztuk, zwłaszcza malarstwa i rzeźby. Malowanie po raz pierwszy istniał w postaci skalistej i ściany i tylko wtedy utworzone jako szkło. Monumentalne malowanie na ścianie - Fresco (nazwa wydarzyła się z jego techniki: "Al Fresco" - malowanie farbami surowego tynku) - gatunek sztuki dekoracyjnej.

Sztuka służy jako wyraz myśli, uczuć, osobliwej i wyjątkowej osobowości artysty, ale jest to także lustro kultury i historii epoki, w której ta osoba była przeznaczona do stworzenia. Energia kreatywności, określająca całą historię sztuki, łączy jednolity wątek mistrzów podzielonych na czas. A jeśli spojrzeć z tego punktu widzenia, nie ma potrzeby rozważenia różnych przepływów artystycznych i ich przedstawicieli oddzielnie, ponieważ są to różne fazy wielkiego, ciągłe w ruchu ruchu. Inni przychodzą, aby zmienić jedno pokolenia; Pomysły, teorie i pasje są starzejące się, jak ludzie, ustępują drogę do nowych trendów. Kiedy własna kreatywność artysty udało się obudzić o nowym procesie głębokich poszukiwań duchowych i artystycznych, urodziły się nowe style, a nić, łącząc je z przeszłością, nigdy nie został przerwany, jak niewiele wydawał się.
Ta książka reprezentuje historię sztuki z starożytnych cywilizacji do najnowszych prądów: w środkach ekspresji - malarstwa, rzeźby, architektury - i jako panorama dużych ruchów, jasnych mistrzów i prac charakteryzujących ich osiągnięć. Historia jest stwierdzana przez rozdziały, zgodnie z głównymi ruchami artystycznymi i różnymi epokami, i jest podporządkowany do porządku chronologicznego - od sztuki w starożytnym społeczeństwie do pierwszego kwitnienia średniowiecznej kreatywności w epoce kolędowania, od renesansu do baroku, od impresjonizmu i symbolika XIX wieku. Do wczesnej awangardy, od abstrakcji do architektury postmodernistycznej. Każdy rozdział rozpoczyna się wraz z tezem wyjaśniającym istotę procesu na jednym lub innym etapie.

Sztuka w starożytnym świecie.
Niezwykłe formy komunikacji i wyrażenia artystyczne, przede wszystkim rodzaj magii religijnej, wyróżniają się starożytnym społeczeństwem: wystarczy przypomnieć sobie świątynie i pałace w mezopotamii lub egipskich piramidach i kompleksach świątynnych, ale były jeszcze produkty dekoracyjne i piękne metalowe przedmioty przedstawiony w kulturze prawie wszystkich narodów.

Celts są grupą narodów indoeuropejskich z siedzibą w II tys. BC. mi. W obszarze między górnym przepływem Dunaju a wschodnią częścią obecnej Francji, skąd rozprzestrzeniają się (z VII wieku pne) prawie w całej Europie Zachodniej, Bałkanach, we Włoszech i Malaya Azji. Okres tej ekspansji zakończył się stuleciami Rubel II-I. pne er, gdy moc Rzymu wzrósł już, a fale przesiedlonych narodów niemieckich zaczęły się wyrzucić z głębi Azji. Towarzystwo Celtic, z jego rodzinną strukturą, był kontrolowany przez króla i uzupełniane zasoby na koszt wojny, polowania i hodowli bydła. Bardzo silny był poczuciem akcesoriów plemiennych. Produkty artystyczne. Sztuka Celtycka charakteryzuje się jasno zdefiniowaną i niezmienną anty-kultywistą. Zanurzony w atmosferze magicznej i religijnej, znalazł najbardziej odpowiedni wyraz w abstrakcyjnym ornamonie, zdobionym przede wszystkim produktom metalowym (początek epoki żelaza, pierwszej połowy I tysięcy do n. E.); Pachniało wszystkim elementy asymilowane w kontakcie z różnymi narodami.

Bezpłatne pobieranie e-book w wygodnym formacie, zobacz i czytaj:
Pobierz książkę Wszystkie historia sztuki, malarstwo, architektura, rzeźba, sztuka dekoracyjna, Kotelnikova T.m., 2007 - filesKachat.com, szybkie i bezpłatne pobieranie.

• Sztuka, 9, Kultura Sztuki Krajowej i World, Colbysheva S.i., Zakharina Yu.yu., Tomasheva I.g., 2019

Jak żaden inny rodzaj rzeźby wizualnej jest blisko architektury. Oba typy trójwymiarowych i tworzących artystyczny obraz są zaangażowane światło i cień. Nawet materiał, jeśli chodzi o rzeźbę kamienia, może być taki sam. Istnieją również rzeźby zbiegające się z konstrukcjami architektonicznymi, takimi jak Sfinks w Gizie, kolosalny Brąz Buddha w Kamakur (Japonia) lub posąg wolności w porcie w Nowym Jorku. Utworzono specjalnie do budynków i związanych z organicznie z nimi pracują nazwy tworzyw sztucznych, choć oczywiście kamienną rzeźbę i plastik z metalu, betonu lub gipsu różnią się od siebie. Plastik architektury tylko w rzadkich przypadkach służy tylko scenerii, najczęściej wyraźnie wyraża znaczenie i cel struktury, a tym samym przywiązuje dodatkową ekspresję do budowy.

Żaden z elementów nie nadaje się już do tego celu i nie przyciąga rzeźbiarza silniejszego niż postać osoby, jej obrazu, ciała, plastiku. Figury zwierząt były również przedmiotem tworzyw sztucznych. Certyfikat Jaki jest portal romański z lwami i Koenigsślakiem i czworobami na Bramie Brandenburskiej w Berlinie i na budynku Opery w Dreźnie. Obejmuje to również takie wspaniałe zwierzęta i ptaki jako sępy, chimeras i sfinks. Formy obrazów osób w ramach tworzyw sztucznych są ogólnie różnorodne. Rozciągają się z portretów głowy w medalionach i mniej lub bardziej groteskowych maskach, takich jak głowa meduzy, bustom i postacie w pełnym wzroście, przedstawiający ubrany i nagiego ciała osoby, czasami ogromny rozmiar. Siedzący kolosalne postacie egipskiej skalistej świątyni Abu-Simbel mają wysokość 20 m.

Oddzielna osoba lub grupa osób jest reprezentowana na budynkach lub w pobliżu w różnych działaniach i stanowiskach. W tym samym czasie stosuje się różne rodzaje rzeźb, w tym obrazy pomocy, rzeźby w niszach i okrągłych rzeźbie. W niektórych przypadkach posągi podjęły również funkcje elementu architektonicznego przewoźnika. Karyatydy są spokojni i największe dla ich głowic odprowadzać. Atlants i Giants noszą ich dotkliwość na ramionach lub ramionach, wydaje się, że masa zakończeń portalu, balkony lub marsze ich tarasów prawie ich miażdży. Karyatydy hermitic lub po prostu Herma nazywane są rzeźbami łożyskowymi, dolną częścią ciała przechodzi w zwężenie książki do pilasta.

W architekturze Bliskiego Wschodu rzeźba sięgająca w XIII wieku. Jego pierwszy headraday, przedstawiający sceny religijne, postacie świętych i ktitorów. Na przykład jakość rzeźb wybielizny w katedrze naburcina jest doskonała. 500 rzeźb, głównie przekraczający ludzki wzrost, udekoruj zachodni portal katedry w Reims; 1800 posągów pierwotnie wszedł do scenerii katedry w Chartra. Z wybitnym artystycznym geniuszem przeszłości Michelangelo, jesteśmy zobowiązani przez rzeźby Grobowca Medici w nowym malowniczym katedrze florenckiej San Lorenzo. Charakterystyka na okres po 1500 roku była zmiana motywów religijnych przez antyczne mitologiczne i wizerunek władców. Obie tematy są bardzo ściśle splecione w okresie barokowym. Rzeźby Marsa, Zeusa lub Herkulesa często należy rozumieć jako Alleranius siły księcia lub króla. Często władcy przedstawili w Rzymianach.

Do czysto architektonicznych tworzyw sztucznych, świętując swoje triumf w Drezna Zwinger lub zamek San Susta, rzeźby ogrodowe i rzeźby uwielbiają fontanny. Wewnętrznie i nierozerwalnie związany z rzeźbą architektury XVIII wieku. Upadł podczas klasycyzmu do pewnej izolacji. Pożyczonym z reliefów starożytnych, figur i koni milczący wydawały się czasami tylko dekoracyjnym dodatkiem i mniej niż organiczne detal architektoniczny.

Ta odległość między rzeźbą a budynkiem różni się jeszcze bardziej w XX wieku. Ze względu na sprzeczności między grafiką a masywnym produktem przemysłowym - budynku. Jednak celem nowoczesnej kreatywności architektonicznej jest zachowanie nowych i dobrze udowodnionych formularzy związanych z architekturą i wykorzystując je, aby dać większą emocjonalność otoczenia architektonicznego wokół nas.

Schmalcalden (Dystrykt Zul), tzw. "Szef architekt" w odpowiedniku ołtarz Kościoła św. Jerzy. Ten portret pojawił się po 1437 r. W fałszywym klapie okiennym z okiennicami, żelazo tapicerowane. Można założyć, że architekt przedstawił się w ciągu dnia.