renesansas, arba renesansas(fr. renesansas), – lūžis Europos tautų kultūros istorijoje. Italijoje naujos tendencijos atsirado XIII-XIV amžių sandūroje, kitose Europos šalyse - XV-XVI a. Renesanso veikėjai žmogų – jo gėrį ir teisę į laisvą asmenybės vystymąsi – pripažino aukščiausia vertybe. Tokia pasaulėžiūra vadinama „humanizmu“ (iš lot. humanus – „žmogus“, „humaniškas“). Humanistai senovėje ieškojo harmoningo žmogaus idealo, o senovės graikų ir romėnų menas jiems tarnavo kaip meninės kūrybos pavyzdys. Noras „atgaivinti“ senąją kultūrą davė pavadinimą ištisai erai – Renesansui, laikotarpiui tarp viduramžių ir naujųjų amžių (nuo XVII a. vidurio iki šių dienų).

Menas, įskaitant muziką, labiausiai atspindi Renesanso pasaulėžiūrą. Šiuo laikotarpiu, kaip ir viduramžiais, pirmaujanti vieta priklausė vokalinei bažnytinei muzikai. Polifonijos raida paskatino polifonijos atsiradimą (iš graikų kalbos „polis“ – „daug“ ir „fonas“ – „garsas“, „balsas“). Naudojant šį polifonijos tipą, visi kūrinio balsai yra lygūs. Polifonija ne tik apsunkino kūrinį, bet leido autoriui išreikšti asmeninį teksto supratimą, suteikdama muzikai didelio emocionalumo. Polifoninė kompozicija sukurta laikantis griežtų ir sudėtingų taisyklių, reikalaujančių iš kompozitoriaus gilių žinių ir virtuoziškų įgūdžių. Bažnyčios ir pasaulietiniai žanrai vystėsi polifonijos rėmuose.

Olandų polifoninė mokykla. Nyderlandai – istorinis regionas šiaurės vakarų Europoje, apimantis šiuolaikinės Belgijos, Olandijos, Liuksemburgo ir Šiaurės rytų Prancūzijos teritorijas. Iki XV a. Nyderlandai pasiekė aukštą ekonominį ir kultūrinį lygį ir tapo klestinčia Europos šalimi.

Čia susiformavo olandų polifoninė mokykla – vienas didžiausių Renesanso muzikos reiškinių. Meno raidai XV amžiuje didelę reikšmę turėjo įvairių šalių muzikantų bendravimas, abipusė kūrybinių mokyklų įtaka. Olandų mokykla perėmė Italijos, Prancūzijos, Anglijos ir pačių Nyderlandų tradicijas.

Žymūs jo atstovai: Guillaume'as Dufay'us (1400-1474) (Dufay) (apie 1400 m. - 1474-11-27, Cambrai), prancūzų-flamandų kompozitorius, vienas iš olandų mokyklos įkūrėjų. Olandų muzikos polifoninės tradicijos pamatus padėjo Guillaume'as Dufay (apie 1400-1474). Jis gimė Cambrai mieste Flandrijoje (Nyderlandų pietų provincijoje) ir nuo mažens dainavo bažnyčios chore. Lygiagrečiai būsimasis muzikantas vedė privačias kompozicijos pamokas. Jaunystėje Dufay išvyko į Italiją, kur parašė pirmąsias savo kompozicijas – balades ir motetus. 1428-1437 metais. jis dainavo popiežiaus koplyčioje Romoje; tais pačiais metais keliavo į Italiją ir Prancūziją. 1437 metais kompozitorius buvo įšventintas. Savojos kunigaikščio dvare (1437-1439) kūrė muziką ceremonijoms ir šventėms. Dufay buvo labai gerbiamas kilmingų asmenų – tarp jo gerbėjų buvo, pavyzdžiui, Medici pora (Italijos miesto Florencijos valdovai). [Dirbo Italijoje ir Prancūzijoje. 1428-37 buvo Romos ir kitų Italijos miestų popiežių kapelų dainininkas, 1437-44 tarnavo pas Savojos kunigaikštį. Nuo 1445 m. Cambrai katedros kanauninkas ir muzikinės veiklos vadovas. Dvasinių (3, 4 balsų mišių, motetų), taip pat pasaulietinių (3, 4 balsų prancūziškas šansonas, italų dainos, baladės, rondo) žanrų, susijusių su liaudies polifonija ir Renesanso humanistine kultūra, meistras. Dantės dailė, perėmusi Europos muzikos meno laimėjimus, turėjo didelės įtakos tolesnei Europos daugiabalsės muzikos raidai. Jis taip pat buvo muzikinės notacijos reformatorius (D. priskiriamas natų su baltomis galvomis įvedimu). Visi Dufay kūriniai buvo išleisti Romoje (6 t., 1951–1966).] Dufay pirmasis iš kompozitorių pradėjo kurti mišias kaip vientisą muzikinę kompoziciją. Kurti bažnytinę muziką reikia nepaprasto talento: gebėjimo išreikšti abstrakčias, nematerialias sąvokas konkrečiomis, materialiomis priemonėmis. Sunkumas slypi tame, kad tokia kompozicija, viena vertus, nepalieka klausytojo abejingo, kita vertus, neatitraukia nuo dieviškojo tarnavimo, padeda giliau susitelkti maldai. Daugelis Dufay mišių yra įkvėptos, pilnos vidinio gyvenimo; jie tarsi padeda akimirkai atverti Dieviškojo apreiškimo šydą.

Dažnai kurdamas mišias Dufay pasiimdavo gerai žinomą melodiją, prie kurios pridėdavo savo. Tokie skoliniai būdingi Renesansui. Manoma, kad labai svarbu, kad mišios būtų paremtos pažįstama melodija, kurią maldininkai nesunkiai atpažintų net ir daugiabalsiame kūrinyje. Dažnai buvo naudojamas grigališkojo choralo fragmentas; nebuvo atmesti ir pasaulietiniai darbai.

Be bažnytinės muzikos, Dufay kūrė motetus pasaulietiniams tekstams. Juose jis panaudojo ir sudėtingą polifoninę techniką.

Josquin Despres (1440-1521). XV amžiaus antrosios pusės olandų polifoninės mokyklos atstovas. buvo Josquin Despres (apie 1440-1521 arba 1524), turėjęs didelę įtaką naujos kartos kompozitorių kūrybai. Jaunystėje jis tarnavo bažnyčios chore Cambrai mieste; vedė muzikos pamokas iš Okegemo. Būdamas dvidešimties jaunasis muzikantas atvyko į Italiją, dainavo Milane pas Sforcų kunigaikščius (vėliau čia tarnavo didysis italų menininkas Leonardo da Vinci) ir popiežiaus koplyčioje Romoje. Italijoje Despres tikriausiai pradėjo kurti muziką. Pačioje XVI amžiaus pradžioje. jis persikėlė į Paryžių. Tuo metu Despresas jau buvo žinomas, o į teismo muzikanto pareigas jį pakvietė Prancūzijos karalius Liudvikas XII. Nuo 1503 metų Despres vėl apsigyveno Italijoje, Feraros mieste, kunigaikščio d'Este dvare. Despres daug kūrė, o jo muzika greitai susilaukė pripažinimo plačiausiuose sluoksniuose: ją pamilo ir aukštuomenė, ir paprasti žmonės. kompozitorius kūrė ne tik bažnytinius, bet ir pasaulietinius kūrinius, ypač atsigręžė į italų liaudies dainos žanrą – frottola (ital. frottola, iš frotta – „minia“), kuriai būdingas šokio ritmas ir greitas tempas. gyva intonacija sulaužė griežtą atsiribojimą ir sukėlė džiaugsmo bei būties pilnatvės jausmą...

Johannesas Okegemas (1430-1495), Jokūbas Obrechtas (1450-1505). Jaunesni Guillaume'o Dufay amžininkai buvo Johannesas (Jeanas) Okegemas (apie 1425–1497) ir Jacobas Obrechtas. Kaip ir Dufay, Okegem kilęs iš Flandrijos. Visą gyvenimą jis sunkiai dirbo; be muzikos kūrimo, ėjo kapelos vadovo pareigas. Kompozitorius sukūrė penkiolika mišių, trylika motetų, daugiau nei dvidešimt šansonų. Okegemo kūriniams būdingas griežtumas, susikaupimas, užsitęsęs tekančių melodinių linijų plėtojimas. Daug dėmesio skyrė polifoninei technikai, siekė, kad visos mišios dalys būtų suvokiamos kaip vientisa visuma. Dainose spėjama ir kompozitoriaus kūrybinė rašysena – jos beveik neturi pasaulietinio lengvumo, charakteriu labiau primena motetus, o kartais net mišių fragmentus. Johanesas Okegemas buvo gerbiamas tiek namuose, tiek užsienyje (jis buvo paskirtas Prancūzijos karaliaus patarėju). Jokūbas Obrechtas buvo įvairių Nyderlandų miestų katedrų choristas, vadovavo koplyčioms; kelerius metus tarnavo kunigaikščio d'Este dvare Feraroje (Italija).Jis yra dvidešimt penkių mišių, dvidešimties motetų, trisdešimties šansonų autorius.Panaudodamas savo pirmtakų pasiekimus, Obrechtas įnešė daug naujų dalykų. Jo muzika kupina kontrastų, drąsi net tada, kai kompozitorius kreipiasi į tradicinius bažnytinius žanrus.

Orlando Lasso kūrybiškumo universalumas ir gilumas. Olandų renesanso muzikos istoriją užbaigia Orlando Lasso (tikrasis vardas ir pavardė Rolandas de Lasso, apie 1532–1594 m.), amžininkų vadinto „Belgijos Orfėju“ ir „muzikos princu“, kūryba. Lasso gimė Monse (Flandrija). Nuo vaikystės jis dainavo bažnyčios chore, žavėdamas parapijiečius nuostabiu balsu. Italijos miesto Mantujos kunigaikštis Gonzaga, atsitiktinai išgirdęs jaunąjį dainininką, pakvietė jį į savo koplyčią. Po Mantujos Lasso trumpai dirbo Neapolyje, o paskui persikėlė į Romą – ten gavo vienos iš katedrų koplyčios vadovo pareigas. Dvidešimt penkerių metų Lasso jau buvo žinomas kaip kompozitorius, o jo kūriniai buvo paklausūs tarp muzikos leidėjų. 1555 m. buvo išleistas pirmasis kūrinių rinkinys, kuriame yra motetų, madrigalų ir šansonų. Lasso studijavo visa, kas geriausia, ką sukūrė jo pirmtakai (olandų, prancūzų, vokiečių ir italų kompozitoriai), ir panaudojo jų patirtį savo kūryboje. Būdamas nepaprastas žmogus, Lasso stengėsi įveikti abstraktų bažnytinės muzikos charakterį, suteikti jai individualumo. Tam kompozitorius kartais pasitelkdavo žanrinius motyvus (liaudies dainų, šokių tematika), taip suartindamas bažnytines ir pasaulietines tradicijas. Lasso derino polifoninės technikos sudėtingumą su dideliu emocionalumu. Ypač jam sekėsi madrigaluose, kurių tekstuose atsiskleidė veikėjų dvasios būsena, pavyzdžiui, „Šv. Petro ašaros“ (1593) pagal italų poeto Luigi Tranzillo eiles. Kompozitorius dažnai rašė daug balsų (nuo penkių iki septynių), todėl jo kūrinius sunku atlikti...

Nuo 1556 m. Orlando Lasso gyveno Miunchene (Vokietija), kur vadovavo koplyčiai. Iki gyvenimo pabaigos jo autoritetas muzikiniuose ir meniniuose sluoksniuose buvo labai didelis, o šlovė išplito visoje Europoje. Olandų polifoninė mokykla turėjo didelę įtaką Europos muzikinės kultūros raidai. Nyderlandų kompozitorių išplėtoti polifonijos principai tapo universalūs, o daugelį meninių technikų savo kūryboje kompozitoriai panaudojo jau XX a.

Prancūzija. Prancūzijai XV–XVI a. tapo svarbių permainų epocha: XV amžiaus pabaigoje baigėsi Šimtametis karas (1337–1453) su Anglija. valstybės suvienijimas buvo baigtas; XVI amžiuje šalis patyrė religinius karus tarp katalikų ir protestantų. Stiprioje valstybėje su absoliučia monarchija išaugo dvaro švenčių ir liaudies švenčių vaidmuo. Tai prisidėjo prie meno, ypač tokius renginius lydinčios muzikos, raidos. Daugėjo vokalinių ir instrumentinių ansamblių (kapelų ir konsortų), kuriuos sudarė nemažai atlikėjų. Karinių žygių Italijoje metu prancūzai susipažino su italų kultūros pasiekimais. Jie giliai jautė ir priėmė italų renesanso idėjas – humanizmą, harmonijos su juos supančiu pasauliu troškimą, mėgautis gyvenimu.

Jei Italijoje muzikinis Renesansas pirmiausia buvo siejamas su mišiomis, tai prancūzų kompozitoriai kartu su bažnytine muzika ypatingą dėmesį skyrė pasaulietinei polifoninei dainai – šansonui. Susidomėjimas juo Prancūzijoje kilo XVI amžiaus pirmoje pusėje, kai buvo išleistas Klemenso Janequino (apie 1485-1558) muzikinių kūrinių rinkinys. Būtent šis kompozitorius laikomas vienu iš žanro kūrėjų.

Svarbiausi choriniai programiniai Clemento Janequino (1475-1560) kūriniai. Vaikystėje Jeannequin dainavo bažnyčios chore savo gimtajame Chatellerault mieste (Centrinė Prancūzija). Vėliau, anot muzikos istorikų, mokėsi pas olandų meistrą Josquiną Desprezą arba pas vieną kompozitorių iš jo aplinkos. Gavęs kunigo šventimus, Žanekenas dirbo choro vadovu ir vargonininku; tada jį į pamaldas pakvietė kunigaikštis Gizas. 1555 metais muzikantas tapo Karališkosios koplyčios dainininku, o 1556-1557 m. - karališkojo rūmų kompozitorius. Klemensas Jeannekinas sukūrė du šimtus aštuoniasdešimt šansonų (išleistas 1530–1572 m.); rašė bažnytinę muziką – mišias, motetus, psalmes. Jo dainos dažnai buvo vaizdingos. Mūšio nuotraukos ("Marinjano mūšis", "Rentos mūšis", "Meco mūšis"), medžioklės scenos ("Medžioklė"), gamtos vaizdai ("Paukščių giedojimas", "Lakštingala") , "Lark" ), kasdienės scenos ("Moterų plepalai"). Nuostabiai vaizdingai kompozitoriui šansonu „Paryžiaus riksmai“ pavyko perteikti kasdienybės Paryžiaus atmosferą: į tekstą įvedė pardavėjų šūksnius („Pienas!“ – „Pyrageliai!“ – „Artišokai!“). - "Žuvis!" - "Degutukai!" - "Balandžiai! ! "-" Seni batai! "-" Vynas! "). Janequin beveik nenaudojo ilgų ir sklandžių temų atskiriems balsams ir sudėtingoms polifoninėms technikoms, pirmenybę teikdamas vardiniams skambučiams, kartojimams, onomatopoei.

Kita prancūzų muzikos kryptis siejama su visos Europos reformacijos judėjimu.

Bažnyčios pamaldose prancūzų protestantai (hugenotai) atsisakė lotynų kalbos ir polifonijos. Sakralinė muzika įgavo atviresnį, demokratiškesnį pobūdį. Vienas ryškiausių šios muzikinės tradicijos atstovų buvo Klodas Gudimelis (1514–1520–1572 m.) – psalmių apie Biblijos tekstus ir protestantų giesmes autorius.

Chansonas. Vienas pagrindinių prancūzų renesanso muzikos žanrų yra šansonas (pranc. chanson – „daina“). Jo ištakos – liaudies mene (epo legendų rimuotos eilės buvo perkeltos į muziką), viduramžių trubadūrų ir truverų mene. Turinio ir nuotaikos požiūriu šansonas galėjo būti labai įvairus – buvo meilės dainų, kasdieninių, humoristinių, satyrinių ir kt. Kompozitoriai kaip tekstus ėmėsi liaudies eilėraščių ir šiuolaikinės poezijos.

Italija. Prasidėjus Renesansui Italijoje paplito kasdienis muzikavimas įvairiais instrumentais; susikūrė melomanų ratas. Profesinėje srityje išryškėjo dvi galingiausios mokyklos: romėnų ir venecijiečių.

Madrigalas. Renesanso laikais pasaulietinių žanrų vaidmuo išaugo. XIV amžiuje. madrigalas atsirado italų muzikoje (iš pozlnelat. matricale – „daina gimtąja kalba“). Ji susiformavo liaudies (piemenų) dainų pagrindu. Madrigalai buvo dainos dviem ar trim balsams, dažnai be instrumentinio akompanimento. Jie buvo parašyti šiuolaikinių italų poetų eilėmis, kuriose buvo pasakojama apie meilę; buvo dainų kasdieninėmis ir mitologinėmis temomis.

XV amžiuje kompozitoriai beveik niekada nesikreipė į šį žanrą; susidomėjimas juo atgijo tik XVI a. Būdingas XVI amžiaus madrigalo bruožas – glaudus muzikos ir poezijos ryšys. Muzika lanksčiai sekė tekstą, atspindėdama poetiniame šaltinyje aprašytus įvykius. Laikui bėgant susiformavo saviti melodiniai simboliai, žymintys švelnius atodūsius, ašaras ir kt. Kai kurių kompozitorių kūriniuose simbolika buvo filosofinė, pavyzdžiui, Gesualdo di Venosos madrigale „Mirstu, nelaimingas“ (1611).

Žanro klestėjimas patenka į XVI-XVII amžių sandūrą. Kartais kartu su dainos atlikimu buvo suvaidintas jos siužetas. Madrigalas tapo madrigalinės komedijos (choro kompozicija pagal komedijos pjesės tekstą) pagrindu, parengusios operos pasirodymą.

Romos polifoninė mokykla. Džovanis de Palestrina (1525-1594). Romėnų mokyklos vadovas buvo Giovanni Pierluigi da Palestrina, vienas didžiausių Renesanso epochos kompozitorių. Jis gimė Italijos mieste Palestrinoje, kurio vardu gavo savo pavardę. Nuo vaikystės Palestrina dainavo bažnyčios chore, o sulaukęs pilnametystės buvo pakviestas į dirigento (choro vadovo) pareigas Šv.Petro bazilikoje Romoje; vėliau tarnavo Siksto koplyčioje (popiežiaus teismo koplyčioje).

Roma, katalikybės centras, pritraukė daug pirmaujančių muzikantų. Skirtingais laikais čia dirbo olandų meistrai, polifonistai Guillaume'as Dufay ir Josquinas Despres. Jų išvystyta komponavimo technika kartais trukdydavo suvokti paslaugos tekstą: jis pasimetė už išskirtinio balsų susipynimo ir žodžių, tiesą sakant, nesigirdėjo. Todėl bažnyčios valdžia tokius kūrinius vertino atsargiai ir pasisakė už grigališkojo choralo monofonijos grąžinimą. Polifonijos leistinumo bažnytinėje muzikoje klausimas buvo svarstomas net Katalikų bažnyčios Tridento susirinkime (1545-1563). Popiežiui artima Palestrina įtikino Bažnyčios vadovus galimybe kurti kūrinius, kuriuose kompozicinė technika netrukdytų suprasti teksto. Kaip įrodymą jis sukūrė popiežiaus Marcello mišias (1555), kurioje sudėtinga polifonija derinama su aiškiu ir išraiškingu kiekvieno žodžio skambesiu. Taip muzikantas „išgelbėjo“ profesionalią polifoninę muziką nuo bažnyčios valdžios persekiojimo. 1577 metais kompozitorius buvo pakviestas aptarti laipsnišką reformą – Katalikų bažnyčios šventųjų giesmių rinkinį. 80-aisiais. Palestrina buvo įšventinta, o 1584 metais tapo Muzikos magistrų draugijos – tiesiogiai popiežiui pavaldžių muzikantų asociacijos – nare.

Palestrinos kūrybiškumas persmelktas šviesaus požiūrio. Jo sukurti kūriniai amžininkus stebino ir aukščiausiu meistriškumu, ir kiekybe (daugiau nei šimtas mišių, trys šimtai motetų, šimtas madrigalų). Muzikos sudėtingumas niekada nebuvo kliūtis jos suvokimui. Kompozitorius mokėjo rasti aukso vidurį tarp kūrinių įmantrumo ir jų prieinamumo klausytojui. Palestrina pamatė pagrindinę kūrybinę užduotį kuriant vientisą didelį kūrinį. Kiekvienas jo giesmių balsas vystosi savarankiškai, bet kartu su likusiu sudaro vientisą visumą, o dažnai balsai susideda į nuostabiai gražius akordų derinius. Dažnai viršutinio balso melodija sklando virš kitų, nubrėždama polifonijos „kupolą“; visi balsai sklandūs ir išvystyti.

Kitos kartos muzikantai Giovanni da Palestrinos meną laikė pavyzdiniu, klasikiniu. Daugelis iškilių XVII–XVIII amžių kompozitorių studijavo jo kūrinius.

Kita Renesanso muzikos kryptis siejama su Venecijos mokyklos kompozitorių kūryba, kurios pradininkas buvo Adrianas Villartas (apie 1485-1562). Jo mokiniai buvo vargonininkas ir kompozitorius Andrea Gabrieli (1500–1520 m. – po 1586 m.), kompozitorius Cyprian de Pope (1515 arba 1516–1565) ir kiti muzikantai. Nors Palestrinos kūriniai pasižymi aiškumu ir griežtu santūrumu, Willartas ir jo pasekėjai išvystė didingą chorinį stilių. Norėdami pasiekti erdvinį garsą, grojant tembrus, jie savo kompozicijose panaudojo keletą chorų, esančių skirtingose ​​šventyklos vietose. Vardinių skambučių naudojimas tarp chorų leido užpildyti bažnyčios erdvę precedento neturinčiais efektais. Šis požiūris taip pat atspindėjo humanistinius visos epochos idealus – savo linksmumu, laisve ir pačia Venecijos meno tradicija – siekiu visko, kas šviesu ir neįprasta. Venecijos meistrų kūryboje komplikavosi ir muzikinė kalba: prisipildė drąsių akordų derinių, netikėtų harmonijų.

Įspūdinga Renesanso figūra buvo Carlo Gesualdo di Venosa (apie 1560–1613), Venosos miesto princas, vienas didžiausių pasaulietinio madrigalų meistrų. Išgarsėjo kaip filantropas, liutnios atlikėjas, kompozitorius. Princas Gesualdo draugavo su italų poetu Torquato Tasso; vis dar yra įdomių laiškų, kuriuose abu menininkai aptaria literatūros, muzikos, vaizduojamojo meno klausimus. Tasso Gesualdo di Venosa daugelį eilėraščių perkėlė į muziką – taip atsirado daugybė itin meniškų madrigalų. Būdamas vėlyvojo Renesanso atstovu, kompozitorius sukūrė naują madrigalo tipą, kur jausmai buvo pirmoje vietoje – smurtiniai ir nenuspėjami. Todėl jo kūrybai būdinga apimties, intonacijos kaita, panaši į atodūsius ir net verkšlenimus, aštriai skambantys akordai, kontrastingi tempo kaitai. Šios technikos suteikė Gesualdo muzikai ekspresyvų, kiek keistą charakterį, ji stebino ir kartu traukė amžininkus. Gesualdo di Venosa palikimą sudaro septynios polifoninių madrigalų kolekcijos; tarp dvasinių kūrinių – „Šventosios giesmės“. Jo muzika šiandien nepalieka abejingo klausytojo.

Instrumentinės muzikos žanrų ir formų raida. Instrumentinė muzika taip pat pasižymėjo naujų žanrų atsiradimu, ypač instrumentiniu koncertu. Smuikas, klavesinas, vargonai pamažu virto soliniais instrumentais. Jiems parašyta muzika leido parodyti talentą ne tik kompozitoriui, bet ir atlikėjui. Visų pirma buvo vertinamas virtuoziškumas (gebėjimas susidoroti su techniniais sunkumais), kuris daugeliui muzikantų palaipsniui tapo savitiksliu ir menine vertybe. XVII-XVIII amžių kompozitoriai dažniausiai ne tik kūrė muziką, bet ir meistriškai grojo instrumentais, vertėsi pedagogine veikla. Menininko savijauta daugiausia priklausė nuo konkretaus kliento. Paprastai kiekvienas rimtas muzikantas siekė gauti vietą monarcho ar turtingo aristokrato dvare (daug aukštuomenės atstovų turėjo savo orkestrus ar operos teatrus), arba šventykloje. Be to, dauguma kompozitorių lengvai derino bažnytinį muzikavimą su tarnavimu pasaulietiniam mecenatui.

Anglija. Renesanso epochos Anglijos kultūrinis gyvenimas buvo glaudžiai susijęs su reformacija. XVI amžiuje protestantizmas išplito visoje šalyje. Katalikų bažnyčia prarado dominuojančią padėtį, anglikonų bažnyčia tapo valstybine, kuri atsisakė pripažinti kai kurias katalikybės dogmas (pagrindines nuostatas); dauguma vienuolynų nustojo egzistuoti. Šie įvykiai paveikė anglų kultūrą, įskaitant muziką. Muzikos katedros buvo atidarytos Oksfordo ir Kembridžo universitetuose. Bajorų salonuose skambėjo klavišiniais instrumentais: mergele (klavesino rūšis), nešiojamaisiais (mažaisiais) vargonais ir kt. Populiarios buvo nedidelės kompozicijos, skirtos namų muzikai groti. Ryškiausias to meto muzikinės kultūros atstovas buvo Viljamas Birdas (1543 arba 1544-1623) – muzikos leidėjas, vargonininkas ir kompozitorius. Paukštis tapo anglų madrigalo protėviu. Jo kūriniai išsiskiria paprastumu (vengė sudėtingų polifoninių technikų), tekstą sekančios formos originalumu, harmonine laisve. Visos muzikinės priemonės skirtos gyvenimo grožiui ir džiaugsmui patvirtinti, o ne viduramžių griežtumui ir santūrumui. Kompozitorius turėjo daug madrigalų žanro pasekėjų.

Taip pat paukštis kūrė dvasinius kūrinius (mišias, psalmes) ir instrumentinę muziką. Savo kūriniuose mergelei jis panaudojo liaudies dainų ir šokių motyvus.

Kompozitorius labai norėjo, kad jo parašyta muzika „smagiai neštų bent šiek tiek švelnumo, atsipalaidavimo ir pramogų“ – taip Williamas Birdas rašė vienos iš savo muzikinių rinkinių pratarmėje.

Vokietija. Vokiečių muzikinės kultūros ryšys su reformacijos sąjūdžiu. XVI amžiuje Vokietijoje prasidėjo reformacija, kuri gerokai pakeitė religinį ir kultūrinį šalies gyvenimą. Reformacijos lyderiai buvo įsitikinę, kad reikia keisti pamaldų muzikinį turinį. Tai lėmė dvi priežastys. Iki XV amžiaus vidurio. bažnytinės muzikos žanruose dirbančių kompozitorių polifoninis įgūdis pasiekė nepaprastą sudėtingumą ir įmantrumą. Kartais buvo kuriami kūriniai, kurių dėl melodingo balsų sodrumo ir ilgų giesmių dauguma parapijiečių negalėjo suvokti ir dvasiškai išgyventi. Be to, pamaldos vyko italams suprantama, bet vokiečiams svetima lotynų kalba.

Reformacijos judėjimo įkūrėjas Martinas Liuteris (1483-1546) manė, kad reikia reformuoti bažnytinę muziką. Muzika, pirma, turėtų skatinti aktyvesnį parapijiečių dalyvavimą pamaldose (atliekant polifonines kompozicijas tai buvo neįmanoma), antra – ugdyti empatiją į biblinius įvykius (kam trukdė pamaldos lotyniškai). Taigi bažnytiniam giedojimui buvo keliami tokie reikalavimai: melodijos paprastumas ir aiškumas, tolygus ritmas, aiški giedojimo forma. Tuo remiantis atsirado protestantų giesmė - pagrindinis vokiečių renesanso bažnytinės muzikos žanras. 1522 m. Liuteris išvertė Naująjį Testamentą į vokiečių kalbą – nuo ​​šiol atsirado galimybė vesti pamaldas jų gimtąja kalba.

Renkant choralų melodijas aktyviai dalyvavo pats Liuteris, taip pat jo draugas vokiečių muzikos teoretikas Johanas Walteris (1490-1570). Pagrindiniai tokių melodijų šaltiniai buvo liaudies dvasinės ir pasaulietinės dainos – plačiai žinomos ir lengvai suprantamos. Melodijas kai kuriems choralams Liuteris kūrė pats. Vienas iš jų „Viešpats – mūsų atrama“ tapo Reformacijos simboliu XVI amžiaus religinių karų laikotarpiu.

Meistersingers ir jų menas. Kitas ryškus vokiečių renesanso muzikos puslapis yra susijęs su Meistersinger (vok. Meistersinger - "meisteris dainininkas") - poetų dainininkų iš amatininkų kūryba. Tai buvo ne profesionalūs muzikantai, o visų pirma amatininkai – ginklininkai, siuvėjai, stiklininkai, batsiuviai, kepėjai ir kt. Tokių muzikantų miesto sąjungoje buvo įvairių amatų atstovai. XVI amžiuje Meistersinger asociacijos egzistavo daugelyje Vokietijos miestų.

„Meistersingers“ savo dainas kūrė pagal griežtas taisykles, kūrybinę iniciatyvą glumino daugybė suvaržymų. Pradedantysis pirmiausia turėjo išmokti šias taisykles, tada išmokti atlikti dainas, tada kurti žodžius kitų žmonių melodijoms ir tik tada galėjo sukurti savo dainą. Melodijomis buvo laikomos garsių meisterdainininkų ir minnesingerių melodijos.

Išskirtinis XVI amžiaus Meistersinger Hansas Sachsas (1494-1576) buvo kilęs iš siuvėjo šeimos, tačiau jaunystėje paliko tėvų namus ir išvyko keliauti į Vokietiją. Klajonių metu jaunuolis išmoko batsiuvio amato, bet svarbiausia – susipažino su liaudies menu. Sachsas buvo gerai išsilavinęs, puikiai išmanė senovės ir viduramžių literatūrą, skaitė Bibliją vokišku vertimu. Jį giliai persmelkė reformacijos idėjos, todėl rašė ne tik pasaulietines, bet ir dvasines dainas (iš viso apie šešis tūkstančius dainų). Hansas Sachsas išgarsėjo ir kaip dramaturgas (žr. straipsnį „Renesanso teatro menas“).

Renesanso muzikos instrumentai. Renesanso laikais muzikos instrumentų kompozicija gerokai išsiplėtė, prie jau esamų styginių ir pučiamųjų atsirado naujos atmainos. Tarp jų ypatingą vietą užima smuikai – lenktinių stygų šeima, stebinanti savo grožiu ir skambesio kilnumu. Savo forma jie primena šiuolaikinės smuikų šeimos instrumentus (smuikas, altas, violončelė) ir netgi laikomi tiesioginiais jų pirmtakais (muzikinėje praktikoje kartu egzistavo iki XVIII a. vidurio). Tačiau skirtumas ir reikšmingas vis dar egzistuoja. Altai turi rezonuojančių stygų sistemą; kaip taisyklė, jų yra tiek pat, kiek ir pagrindinių (nuo šešių iki septynių). Dėl rezonuojančių stygų vibracijos altas skamba švelniai, aksomiškai, tačiau instrumentą sunku naudoti orkestre, nes dėl didelio stygų kiekio jis greitai išsiderina.

Ilgą laiką alto skambesys buvo laikomas muzikos rafinuotumo pavyzdžiu. Altų šeimoje yra trys pagrindiniai tipai. Viola da gamba – didelis instrumentas, kurį atlikėjas pastatė vertikaliai ir suspaudė iš šonų kojomis (itališkas žodis gamba reiškia „kelis“). Dar dvi atmainos – viola da braccio (iš italų braccio – „dilbis“) ir viol d „cupid“ (fr. Viole d“ amour – „meilės altas“) buvo orientuotos horizontaliai, o grojant buvo prispaustos prie peties. Viola da gamba skambesio diapazonu artima violončelei, viola da braccio – smuikui, o viol d „cupid – altui.

Tarp plėšiamųjų Renesanso instrumentų pagrindinę vietą užima liutnia (lenk. lutnia, iš arabų „alud“ – „medis“). Į Europą iš Artimųjų Rytų jis atkeliavo XIV amžiaus pabaigoje, o XVI amžiaus pradžioje buvo sukurtas didžiulis šio instrumento repertuaras; pirmiausia buvo atliekamos dainos, pritariant liutniui. Litnia turi trumpą korpusą; viršus plokščias, o apačia primena puslankį. Prie plataus kaklo pritvirtintas grifas, o instrumento galvutė atlenkta beveik stačiu kampu. Jei norite, galite pamatyti panašumą į dubenį, prisidengusį liutnia. Dvylika stygų sugrupuota poromis, o garsas išgaunamas ir pirštais, ir specialia plokštele – kirtikliu.

XV-XVI amžiuje atsirado įvairių tipų klaviatūros. Pagrindinės tokių instrumentų rūšys – klavesinas, klavikordas, klavesinas, klavesinas, mergelė – buvo aktyviai naudojami Renesanso epochos muzikoje, tačiau tikrasis jų klestėjimas atėjo vėliau.

Renesanso epochos muzikinėje kultūroje galima išskirti keletą apibrėžiančių naujoviškų bruožų.

Pirma, sparti pasaulietinio meno raida, išreikšta daugelio pasaulietinių dainų ir šokių žanrų paplitimu. Tai italaifrottols („Liaudies dainos, iš frottola žodžiai - minia), villanelles („Kaimo dainos“),kachchii , canzone (pažodžiui – dainos) ir madrigalai, ispanųVillancico (iš vilos – kaimas), prancūzų šansono dainos, vokMelavo , Anglų baladės kitas. Visi šie žanrai, šlovinantys būties džiaugsmą, besidomintys vidiniu žmogaus pasauliu, siekiantys gyvenimo tiesos, tiesiogiai atspindėjo grynai renesansinę laikyseną. Jų išraiškingoms priemonėms būdingas platus liaudies muzikos intonacijų ir ritmų vartojimas.

Pasaulietinės linijos kulminacija Renesanso mene -madrigalas ... Žanro pavadinimas reiškia „daina motinos (tai yra italų) kalba“. Jame pabrėžiamas skirtumas tarp madrigalų ir sakralinės muzikos, atliekamos lotynų kalba. Žanro raida perėjo nuo nepretenzingos vieno balso piemens dainos iki 5-6 balsų vokalinio-instrumentinio kūrinio su rafinuotu ir rafinuotu lyrikos tekstu. Tarp poetų, kurie kreipėsi į madrigalo žanrą, yra Petrarca, Boccaccio, Tasso. Kompozitoriai A. Villart, J. Arcadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, K. Monteverdi buvo puikūs madrigalo meistrai. Iš Italijos kilęs madrigalas greitai išplito į kitas Vakarų Europos šalis.

Prancūziška polifoninės dainos versija vadinamašansonas ... Nuo madrigalo jis skiriasi tuo, kad yra artimesnis tikram, kasdieniniam gyvenimui, tai yra, žanrui. Tarp šansono kūrėjų -Klemensas Jeannekinas , vienas žymiausių Renesanso prancūzų kompozitorių.

Antra, didžiausias chorinės polifonijos suklestėjimas, tapęs pirmaujančiu epochos muzikos stiliumi. Orus ir palankus, jis puikiai atitiko bažnytinės apeigos iškilmingumą. Tuo pat metu daugiabalsė polifonija buvo dominuojanti išraiškos forma ne tik dvasiniuose, bet ir pasaulietiniuose žanruose.

Chorinės polifonijos raida pirmiausia buvo susijusi su olandų (prancūzų-flamandų) mokyklos kompozitorių Guillaume'o Dufay'aus, Johanneso Okegemo, Jacobo Obrechto, Josquino Despreso, Orlando Lasso kūryba.

Orlando Lasso (apie 1532-1594 m.) dirbo daugelyje Europos šalių. Jo talentas, tikrai fenomenalus, užkariavo ir džiugino visus. Didžiulėje Orlando Lasso kūryboje reprezentuojami visi Renesanso muzikos žanrai (sekuliari muzika vyrauja prieš dvasinę). Populiariausi jo kūriniai yra „Aidas“, parašytas italų kasdieninės dainos žanru. Kompozicija paremta spalvingu dviejų chorų sugretimu, sukuriančiu aido efektą. Jo tekstas priklauso pačiam kompozitoriui.

Kartu su Orlando Lasso italas buvo didžiausias aukštojo renesanso atstovas muzikoje.Palestrina (pilnas vardas Giovanni Pierlui-gi da Palestrina, apie 1525–1594). Didžiąją dalį Palestrinos gyvenimo praleido Romoje, kur jis nuolat buvo susijęs su darbu bažnyčioje, ypač vadovavo Šv. Petras. Pagrindinė jo muzikos dalis – dvasiniai kūriniai, pirmiausia mišios (jų yra daugiau nei šimtas, tarp kurių ypač ryškios garsiosios „Popiežiaus Marcello mišios“) ir motetai. Tačiau Palestrina noriai kūrė ir pasaulietinę muziką – madrigalus, kanzonetus. Palestrinos kūriniai chorui a Sarrellatapo klasikiniu Renesanso polifonijos pavyzdžiu.

Polifonistų kompozitorių kūryba vaidino pagrindinį vaidmenį plėtojant pagrindinį Renesanso muzikos žanrą -masės ... Mišių žanras, atsiradęs viduramžiaisXIV- Xvišimtmečius ji sparčiai transformuojasi, nuo pavyzdžių, reprezentuojamų atskiromis, išsklaidytomis dalimis, pereinant prie harmoningos ciklinės formos kūrinių.

Priklausomai nuo bažnyčios kalendoriaus, Mišių muzikoje kai kurios dalys buvo praleistos, o kitos dalys buvo įterptos. Yra penkios privalomos dalys, kurios nuolat yra bažnyčioje. Vaš ir V - « Kyrieeleison» („Viešpatie pasigailėk“) ir« AgnusDei» (« Dievo avinėlis“) - buvo išreikšta atleidimo ir gailestingumo malda. ĮII ir IV - « Gloria"(" Šlovė ") ir" Sanctus» (« Šventasis“) - pagyrimas ir dėkingumas. Centrinėje dalyje "Credo» (« Tikiu “), buvo išdėstytos pagrindinės krikščioniškos doktrinos dogmos.

Trečia, didėjantis instrumentinės muzikos vaidmuo (su aiškiai vyraujant vokaliniams žanrams). Jei Europos viduramžiai beveik nepažino profesionalaus instrumentalizmo, tai Renesanso epochoje daug kūrinių buvo sukurta liutniai (to meto labiausiai paplitusiam muzikos instrumentui), vargonams, altui, vihuelai, virginalinėms, išilginėms fleitoms. Jie vis dar laikosi vokalinių schemų, tačiau susidomėjimas instrumentiniu grojimu jau nustatytas.

Ketvirta, Renesanso laikais aktyviai kūrėsi nacionalinės muzikos mokyklos (olandų polifonistai, anglų virginistai, ispanų vihuelistai ir kt.), kurių darbas buvo paremtas savo krašto folkloru.

Galiausiai, muzikos teorija pasistūmėjo į priekį, iškeldama daugybę nuostabių teoretikų. Tai prancūzų kalbaFilipas de Vitris , traktato autorius“ Arsnova» (« Naujasis menas“, kuris suteikia teorinį pagrindą naujam polifoniniam stiliui); italųJosefas Zarlino , vienas iš harmonijos mokslo pradininkų; šveicarųGlareanas , melodijos doktrinos pradininkas.

FEDERALINĖ ŠVIETIMO AGENTŪRA

GOU VPO „Mari State University“

Pradinių klasių fakultetas

Specialybė: 050708

„Pedagogika ir pradinio ugdymo metodai“

Padalinys: „Pradinio ugdymo pedagogika“

Testas

"Renesanso muzika"

Yoshkar-Ola 2010 m

Renesanso (Renesanso) epocha yra visų meno rūšių klestėjimas ir jų figūrų patrauklumas senovės tradicijoms ir formoms.

Renesansas įvairiose Europos šalyse turi netolygias istorines ir chronologines ribas. Italijoje jis prasideda XIV amžiuje, Nyderlanduose - XV amžiuje, o Prancūzijoje, Vokietijoje ir Anglijoje jo ženklai ryškiausiai pasireiškia XVI amžiuje. Tuo pat metu įvairių kūrybinių mokyklų ryšių plėtojimas, iš šalies į šalį persikėlusių, skirtingose ​​kapelose dirbusių muzikantų keitimasis patirtimi tampa laiko ženklu ir leidžia kalbėti apie visai bendras tendencijas. era.

Renesanso meninė kultūra yra asmeninis mokslu pagrįstas principas. Neįprastai sudėtingas XV – XVI amžių polifonistų įgūdis, virtuoziška technika sugyveno su ryškiu kasdieninių šokių menu, pasaulietinių žanrų įmantrumu. Jo kūryboje vis labiau pasireiškia lyrika ir drama.

Taigi, kaip matome, Renesanso laikotarpis yra sunkus laikotarpis muzikos meno raidos istorijoje, todėl atrodo tikslinga jį nagrinėti išsamiau, skiriant deramą dėmesį atskiroms asmenybėms.

Muzika yra vienintelė pasaulio kalba, jos nereikia versti, siela joje kalba su siela.

Averbachas Bertoldas.

Renesanso muzika arba Renesanso muzika reiškia Europos muzikos raidos laikotarpį nuo maždaug 1400 iki 1600 m. Italijoje naujos eros pradžia muzikos menui prasidėjo XIV amžiuje. Olandų mokykla susiformavo ir pirmąsias viršūnes pasiekė XV amžiuje, po to jos raida toliau plėtėsi, o įtaka vienaip ar kitaip patraukė ir kitų tautinių mokyklų meistrus. Renesanso ženklai ryškiai pasireiškė Prancūzijoje XVI amžiuje, nors jos kūrybiniai pasiekimai buvo dideli ir neginčijami ir ankstesniais amžiais.

Meno iškilimas Vokietijoje, Anglijoje ir kai kuriose kitose Renesanso orbitos šalyse prasidėjo XVI a. Ir vis dėlto ilgainiui naujasis kūrybinis judėjimas tapo lemiamu visai Vakarų Europai ir savaip atsiliepė Rytų Europos šalyse.

Renesanso muzikai pasirodė visiškai svetimi šiurkštūs ir atšiaurūs garsai. Harmonijos dėsniai sudarė pagrindinę jos esmę.

Pirmaujančią poziciją vis dar išlaikė dvasinė muzika skambantis per pamaldas bažnyčioje. Renesanso laikais ji išlaikė pagrindines viduramžių muzikos temas: šlovę Viešpačiui ir pasaulio Kūrėjui, šventumą ir religinio jausmo grynumą. Pagrindinis tokios muzikos tikslas, kaip sakė vienas iš jos teoretikų, yra „džiuginti Dievą“.

Mišios, motetai, giesmės ir psalmės buvo muzikinės kultūros pagrindas.

Mišios – tai muzikinis kūrinys, sudarytas iš lotynų apeigų katalikiškos liturgijos dalių, kurių tekstai muzikuojami monofoniniam ar polifoniniam giedojimui, su muzikos instrumentais arba be jų, muzikiniam akompanimentui iškilmingų pamaldų romėnų kalba. Katalikų bažnyčia ir aukštosios protestantų bažnyčios, pavyzdžiui, Švedijos bažnyčioje.

Mišios, turinčios muzikinę vertę, atliekamos ir ne pamaldų metu koncertuose, be to, daugelis vėlesnių laikų mišių buvo specialiai sukurtos koncertų salėje ar kokios nors šventės proga.

Muzikinės kultūros esmę ryškiausiai išreiškė bažnytinės mišios, kurios grįžta prie tradicinių grigališkojo choralo melodijų. Kaip ir viduramžiais, Mišios susidėjo iš penkių dalių, tačiau dabar jos tapo didingesnės ir platesnės. Pasaulis žmogui nebeatrodė toks mažas ir matomas. Įprastas gyvenimas su savo žemiškais džiaugsmais nustojo būti laikomas nuodėmingu.

Motetas (fr. motetas iš mot- žodis) yra vokalinis polifoninis polifoninio sandėlio kūrinys, vienas iš centrinių Vakarų Europos viduramžių ir Renesanso muzikos žanrų.

Giesmė (senovės graikų ὕμνος) – iškilminga daina, kuri šlovina ir šlovina ką nors ar ką nors (iš pradžių dievybę).

Psalmė (gr. ψαλμός „šlovinimo giesmė“), r.p. psalmė, pl. psalmės (gr. ψαλμοί) – žydų (hebrajų תהילים) ir krikščionių religinės poezijos ir maldos giesmės (iš Senojo Testamento).

Jie sudaro Psalterį, 19-ąją Senojo Testamento knygą. Psalmių autorystė tradiciškai priskiriama karaliui Dovydui (apie 1000 m. pr. Kr.) ir keliems kitiems autoriams, įskaitant Abraomą, Mozę ir kitas legendines asmenybes.

Iš viso psalme yra 150 psalmių, suskirstytų į maldas, šlovinimą, giesmes ir mokymus.

Psalmės padarė didžiulę įtaką folklorui ir buvo daugelio patarlių šaltinis. Judaizme psalmės buvo atliekamos himnologinių giesmių pavidalu, jai pritariant. Kiekvienai psalmei, kaip taisyklė, buvo nurodytas atlikimo būdas ir „modelis“ (grigališkojo choralo intonacija), tai yra, atitinkama melodija. Psalteris užėmė svarbią vietą krikščionybėje. Psalmės buvo atliekamos pamaldų metu, namų maldose, prieš mūšį ir judėjimo metu. Iš pradžių juos bažnyčioje giedojo visa bendruomenė. Psalmės buvo atliekamos a cappella, tik namuose buvo leidžiama naudoti instrumentus. Spektaklio tipas buvo rečitatyvinis-psalmodinis. Be ištisų psalmių, buvo panaudotos ir kai kurios išraiškingiausios jų eilės. Tuo remiantis atsirado nepriklausomos giesmės – antifoninė, laipsniška, traktinė ir aleliuja.

Palaipsniui pasaulietinės tendencijos pradeda skverbtis į bažnytinių kompozitorių kūrybą. Į daugiabalsį bažnytinių giesmių audinį drąsiai įvedamos visai nereliginio turinio liaudies dainų temos. Tačiau dabar tai neprieštaravo bendrai epochos dvasiai ir nuotaikai. Priešingai, muzikoje dieviškasis ir žmogiškasis buvo nuostabiai sujungti.

Sakralinė muzika savo viršūnę pasiekė XV amžiuje. Nyderlanduose. Čia muzika buvo gerbiama labiau nei kitos meno rūšys. Olandų ir flamandų kompozitoriai pirmieji sukūrė naujas taisykles polifoninis(polifoninis) atlikimas - klasika " griežtas stilius“. Svarbiausia olandų meistrų kompozicinė technika buvo imitacija- tos pačios melodijos kartojimas skirtingais balsais. Pagrindinis balsas buvo tenoras, kuriam buvo patikėta pagrindinė pasikartojanti melodija – cantus firmus („nekintanti melodija“). Žemiau tenoro buvo bosas, o virš alto. Aukščiausias, tai yra, iškilęs virš visų, balsas buvo pavadintas sopranas.

Naudodami matematinius skaičiavimus, olandų ir flamandų kompozitoriai sugebėjo apskaičiuoti muzikinių intervalų derinių formulę. Pagrindinis rašymo tikslas – sukurti darnią, simetrišką ir grandiozinę, viduje išbaigtą garso struktūrą. Vienas ryškiausių šios mokyklos atstovų Johannesas Okegemas (apie 1425-1497), remdamasis matematiniais skaičiavimais, sukūrė 36 balsų motetą!

Okegemo kūryboje reprezentuojami visi olandų mokyklai būdingi žanrai: mišios, motetas ir šansonas. Jam svarbiausias žanras yra mišios, jis pasitvirtino kaip puikus polifonistas. Okegem muzika labai dinamiška, melodinė linija juda plačiu diapazonu, turi plačią amplitudę. Kartu Okegemui būdinga sklandi intonacija, grynas diatonizmas ir senovinis modalinis mąstymas. Todėl Okegemo muzika dažnai apibūdinama kaip „nukreipta į begalybę“, „skraidanti“ kiek atitrūkusioje figūrinėje aplinkoje. Jis mažiau susietas su tekstu, gausus skanduočių, improvizacinis, ekspresyvus.

Okegemo kūrinių išliko labai nedaug:

Apie 14 mišių (iš viso 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (pirmasis polifoninis requiem pasaulio muzikos literatūros istorijoje);

9-13 (pagal įvairius šaltinius) motetai:

Daugiau nei 20 šansonų

Yra daug kūrinių, kurių priklausymu abejojama Okegem, tarp jų garsusis motetas „Deo gratias“ 36 balsams. Kai kurie anoniminiai šansonai priskiriami Okegemui dėl stiliaus panašumo.

Trylika Okegemo mišių saugomos XV amžiaus rankraštyje, žinomame kaip Čigi kodeksas.

Tarp mišių vyrauja keturių dalių, yra dvi penkiabalsės ir viena aštuonių dalių. Okegemas kaip masių temas naudoja liaudies („L’homme armé“), savo („Ma maistresse“) ar kitų autorių melodijas (pavyzdžiui, Benshua „De plus en plus“). Yra mišių be skolintų temų („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).

Motetai ir šansonas

Okegemo motetai ir šansonas yra tiesiogiai greta jo mišių ir skiriasi nuo jų daugiausia savo mastu. Tarp motetų – sodrių, šventiškų kūrinių, taip pat griežtesnių dvasingų chorinių kūrinių.

Žymiausias – šventinis padėkos motetas „Deo gratias“, parašytas keturioms devynių dalių kompozicijoms, todėl laikomas 36 dalių. Tiesą sakant, jis susideda iš keturių devynių dalių kanonų (keturiomis skirtingomis temomis), kurie eina vienas po kito, šiek tiek sutapdami kito pradžią, baigiant ankstesnįjį. Sutampančiose 18 balsų vietose motete nėra tikrų 36 balsų.

Ne mažiau įdomi olandų kompozitoriaus Orlando Lasso (apie 1532-1594) kūryba, sukūrusi daugiau nei du tūkstančius kulto ir pasaulietinio pobūdžio kūrinių.

Lasso yra produktyviausias savo laiko kompozitorius; dėl didžiulių jo paveldo apimčių jo darbų (daugelis jų buvo užsakomieji) meninė reikšmė dar nėra iki galo įvertinta.

Jis dirbo išskirtinai vokaliniais žanrais, įskaitant daugiau nei 60 mišių, rekviemų, 4 aistrų ciklų (visiems evangelistams), Didžiosios savaitės biuruose (ypač reikšmingi Matinių atsakymai Didįjį Ketvirtadienį, Didįjį Penktadienį ir Didįjį Šeštadienį), daugiau nei 100 magnifikatų, himnų, foburdonų, apie 150 frankų. šansonas (jo šansonas „Susanne un jour“, biblinės Siuzanos istorijos perfrazė, buvo viena populiariausių pjesių XVI a.), italų (villanelles, moreski, canzones) ir vokiškų dainų (daugiau nei 140 Lieder), apie 250 madrigalų.

Lasso išsiskiria detaliausiu tekstų raida įvairiomis kalbomis – tiek liturginiais (įskaitant ir Šventojo Rašto tekstus), tiek laisvai sukurtus. Koncepcijos rimtumas ir dramatiškumas, išplėsti tomai išskiria kompoziciją „Šv. Petro ašaros“ (7 balsų dvasinių madrigalų ciklas pagal Luigi Tranzillo eiles, išleistas 1595 m.) ir „Atgailos psalmės Dovydo“ (1571 m. rankraštis folio formatu, dekoruotas). su G. Milicho iliustracijomis, pateikiančiomis vertingos ikonografinės medžiagos apie Bavarijos dvaro gyvenimą, įskaitant muzikines pramogas).

Tuo pačiu metu pasaulietinėje muzikoje Lasso nebuvo svetimas humoras. Pavyzdžiui, šansone „Puotose dalijamas gėrimas trimis“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) perpasakojamas senas anekdotas iš valkatų gyvenimo; garsiojoje dainoje „Matona mia cara“ vokiečių kareivis dainuoja meilės serenadą, iškraipydamas itališkus žodžius; himne „Ut queant laxis“ imituojamas nelaimingas solfeingas. Nemažai ryškių trumpų Lasso pjesių parašytos labai nerimtomis eilėmis, pavyzdžiui, šansonas „Ponia susidomėjusi pažvelgė į pilį / Gamta į marmurinę statulą“ (En un chasteau ma dame ...) ir kai kurios dainos. (ypač moreski) yra nepadoraus žodyno.

Pasaulietinė muzika Renesansui atstovavo įvairūs žanrai: madrigalai, dainos, kanzonos. Muzika, nustojusi būti „bažnyčios tarnu“, dabar ėmė skambėti ne lotyniškai, o jų gimtąja kalba. Populiariausiu pasaulietinės muzikos žanru tapo madrigalai (it. Madrigal – daina gimtąja kalba) – daugiabalsės chorinės kompozicijos, parašytos meilės turinio lyrinės poemos tekstu. Dažniausiai šiam tikslui buvo naudojami garsių meistrų eilėraščiai: Dante, Francesco Petrarca ir Torquato Tasso. Madrigalus atliko ne profesionalūs dainininkai, o visas mėgėjų ansamblis, kur kiekvienai partijai vadovavo po vieną dainininką. Pagrindinė madrigalo nuotaika – liūdesys, ilgesys ir liūdesys, tačiau buvo ir džiugių, gyvų kompozicijų.

Bendradarbis muzikinės kultūros tyrinėtojas D.K. Kirnarskaya pažymi:

„Madrigalas apvertė aukštyn kojomis visą Renesanso epochos muzikinę sistemą: žlugo tolygi ir harmoninga mišių plastika... išnyko nekintantis cantus firmus, muzikinės visumos pagrindas... įprasti „griežto rašymo“ kūrimo metodai. ... užleido vietą emociniams ir melodiniams epizodų kontrastams, kiekvienam Jis stengėsi kuo išraiškingiau perteikti tekste glūdinčią poetinę mintį. Madrigalas galutinai pakirto silpstančias „griežto stiliaus“ jėgas.

Daina su muzikos instrumentais buvo ne mažiau populiarus pasaulietinės muzikos žanras. Skirtingai nuo bažnyčioje grojamos muzikos, dainas atlikti buvo gana paprasta. Jų rimuotas tekstas buvo aiškiai suskirstytas į 4-6 eilučių posmus. Dainose, kaip ir madrigaluose, tekstas įgavo didelę reikšmę. Atliekant, poetinės eilutės neturėtų pasiklysti daugiabalsiame dainavime. Ypač garsios buvo prancūzų kompozitoriaus Klemenso Žanekino (apie 1485-1558) dainos. Clementas Jeannequin parašė apie 250 šansonų, daugiausia 4 balsams, Pierre'o Ronsard'o, Clement'o Marot, M. de Saint-Jelly, anoniminių poetų eilėraščiuose. Dar 40 šansonų šiuolaikinis mokslas ginčija Janequin autorystę (tačiau tai nesumenkina pačios šios ginčytinos muzikos kokybės). Pagrindinis jo pasaulietinės polifoninės muzikos skiriamasis bruožas yra programinis ir vizualinis. Prieš klausytojo akis – mūšio nuotraukos („Marinjano mūšis“, „Renti mūšis“, „Meco mūšis“), medžioklės scenos („Paukščių giedojimas“, „Lakštingalos giedojimas“, „ Lark“), kasdienės scenos („Moterų plepalai“). Janequin vaizdingai perteikia Paryžiaus kasdienybės atmosferą į šansoną „Paryžiaus riksmai“, kur girdėti gatvės prekeivių šūksniai („Pienas!“ – „Pyrageliai!“ – „Artišokai!“ – „Žuvis!“ – „ Degtukai!“ – „Balandėliai!“ – „Seni batai!“ – „Vynas!“). Nepaisant faktūros ir ritmo išradingumo, Janequin muzika harmonijos ir kontrapunkto srityje išlieka labai tradicinė.

Renesansas buvo pradžia profesionalaus kompozitoriaus kūryba... Ryškus šios naujos tendencijos atstovas neabejotinai yra Palestrina (1525–1594). Jo palikime yra daug sakralinės ir pasaulietinės muzikos kūrinių: 93 mišios, 326 giesmės ir motetai. Jis yra dviejų pasaulietinių madrigalų tomų Petrarkos žodžiams autorius. Ilgą laiką dirbo choro vadovu Romos Šv.Petro bazilikoje. Jo sukurta bažnytinė muzika išsiskiria tyrumu ir jausmų didingumu. Pasaulietinė kompozitoriaus muzika persmelkta nepaprasto dvasingumo ir harmonijos.

Mes skolingi Renesansui, kad susiformuotų instrumentinė muzika kaip savarankiška meno forma. Šiuo metu pasirodė nemažai instrumentinių kūrinių, variacijų, preliudų, fantazijų, rondo, tokatų. Iš muzikos instrumentų populiariausi vargonai, klavesinas, altas, įvairios fleitos, o XVI a. pabaigoje. - smuikas.

Renesanso epocha baigiasi naujų muzikos žanrų atsiradimu: solo daina, oratorija ir opera. Jei anksčiau šventykla buvo muzikinės kultūros centras, tai nuo to laiko muzika pradėjo skambėti operos teatre. Ir atsitiko taip.

Italijos mieste Florencijoje XVI amžiaus pabaigoje. pradėjo burtis talentingi poetai, aktoriai, mokslininkai ir muzikantai. Tada nė vienas iš jų negalvojo apie jokį atradimą. Ir vis dėlto būtent jiems buvo lemta padaryti tikrą revoliuciją teatro ir muzikos mene. Tęsdami senovės graikų dramaturgų kūrinių pasirodymus, jie pradėjo kurti savo muziką, atitinkančią, pagal jų idėjas, antikinės dramos prigimtį.

Nariai kamerata(taip buvo vadinama ši draugija) kruopščiai apgalvojo mitologinių veikėjų monologų ir dialogų muzikinį akompanimentą. Aktoriai turėjo atlikti šnekamąsias dalis rečitatyvus(deklamavimas, giedojimas kalba). Ir nors žodis ir toliau vaidino pagrindinį vaidmenį muzikos atžvilgiu, buvo žengtas pirmasis žingsnis link jų suartėjimo ir harmoningo susiliejimo. Toks spektaklis leido plačiau perteikti žmogaus vidinio pasaulio turtus, asmeninius išgyvenimus ir jausmus. Remiantis tokiomis vokalinėmis partijomis, arijos- užbaigti epizodai muzikiniame spektaklyje, įskaitant operą.

Operos teatras greitai pelnė meilę ir išpopuliarėjo ne tik Italijoje, bet ir kitose Europos šalyse.

Naudotos literatūros sąrašas

1) Enciklopedinis jauno muzikanto žodynas / komp. V.V. Meduševskis, O.O. Očakovskaja. - M .: Pedagogika, 1985 m.

2) Pasaulio meno kultūra. Nuo pradžios iki XVII amžiaus: vadovėlis. už 10 cl. bendrojo išsilavinimo. humanitarinio profilio institucijos / G.I. Danilovas. - 2 leidimas, Stereotipas. - M .: Bustard, 2005 m.

Ryškiausias reiškinys buvo tuo metu plačiai paplitę pasaulietiniai vokaliniai žanrai, persmelkti humanistinių krypčių dvasia. Ypatingą vaidmenį jų raidoje suvaidino muzikos meno profesionalizavimas: augo muzikantų meistriškumas, kūrėsi dainavimo mokyklos, kuriose nuo mažens buvo mokoma dainavimo, vargonavimo, muzikos teorijos. Visa tai paskatino patvirtinti griežto stiliaus polifoniją, reikalaujančią aukšto meistriškumo, profesionalaus kompozicijos ir atlikimo technikos įvaldymo. Šio stiliaus rėmuose veikia gana griežtos balso vedimo ir ritminės organizavimo taisyklės, išlaikant maksimalų balsų savarankiškumą. Nors bažnytinė muzika užėmė svarbią vietą griežtojo stiliaus meistrų kūryboje, kartu su kūriniais apie dvasinius tekstus, šie kompozitoriai parašė daug pasaulietinių daugiabalsių dainų. Ypač domina muzikiniai ir poetiniai pasaulietinių vokalinių žanrų įvaizdžiai. Tekstai išsiskiria turinio gyvumu ir aktualumu. Be meilės lyrikos, itin populiarūs buvo satyriniai, lengvabūdiški, ditirambiški tekstai, kurie buvo derinami su puikia profesionalia polifoninio rašymo technika. Štai keletas prancūziško šansono tekstų, kurie yra kasdienės poezijos pavyzdys "Kelkis, miela Kolinette, laikas išgerti; juoko ir malonumo aš siekiu. Tegul visi pasiduoda džiaugsmui. Atėjo pavasaris... .“, „Tebūna prakeiktas turtas, jis atėmė Aš turiu savo draugą: aš paėmiau jos meilę, o kita - turtus, nuoširdi meilė meilės reikaluose mažai verta“.

Renesanso kultūra pirmiausia pasirodė Italijoje, o vėliau ir kitose šalyse. Istorija išsaugojo žinių apie dažnus žymių muzikantų judėjimus iš šalies į šalį, apie jų darbą vienoje ar kitoje koplyčioje, apie dažną įvairių tautybių atstovų bendravimą ir kt.. Todėl Renesanso laikotarpio muzikoje pastebime reikšmingas ryšys tarp skirtingų tautinių mokyklų kompozitorių sukurtų kūrinių.

XVI amžius dažnai vadinamas „šokių amžiumi“. Italų renesanso humanistinių idealų įtakoje bažnytinių draudimų užtvanka galutinai buvo pralaužta, o potraukis „pasauliniams“, žemiškiems džiaugsmams atsiskleidė kaip neregėtas šokio ir dainos elementų sprogimas. Galingas dainos ir šokio populiarinimo veiksnys XVI a. suvaidino muzikos spausdinimo metodų išradimas: dideliais tiražais leidžiami šokiai ėmė klajoti iš vienos šalies į kitą. Kiekviena tauta prisidėjo prie bendro pomėgio, todėl šokiai, atitrūkdami nuo gimtosios žemės, keliavo po žemyną, keisdami išvaizdą, o kartais ir pavadinimą. Jų mada greitai plito ir greitai keitėsi.

Tuo pat metu Renesansas buvo plačių religinių judėjimų metas (husitai Bohemijoje, liuteronybė Vokietijoje, kalvinizmas Prancūzijoje). Visas šias įvairias to meto religinių judėjimų apraiškas gali vienyti bendra protestantizmo samprata. Protestantizmas įvairiuose tautiniuose judėjimuose vaidino svarbų vaidmenį kuriant ir stiprinant bendras tautų muzikines kultūras, be to, daugiausia liaudies muzikos srityje. Priešingai nei humanizmas, kuris apėmė gana siaurą žmonių ratą, protestantizmas buvo masiškesnė tendencija, išplitusi tarp plačių žmonių sluoksnių. Vienas ryškiausių Renesanso epochos muzikos meno reiškinių yra protestantų giesmė. Atsirado Vokietijoje reformacijos judėjimo įtakoje, priešingai nei katalikų garbinimo atributai, pasižymėjo ypatingu emociniu ir semantiniu turiniu. Liuteris ir kiti protestantizmo atstovai didelę reikšmę teikė muzikai: "Muzika džiugina žmones, pamiršta pyktį. Pašalina pasitikėjimą savimi ir kitus trūkumus... Jaunimą reikia nuolat mokyti muzikos, nes ji ugdo gudrius, visiems tinkamus žmones. “. Taigi muzika Reformacijos sąjūdyje buvo laikoma ne prabanga, o savotiška „kasdienine duona“ – ji buvo raginama atlikti didelį vaidmenį protestantizmo propagandoje ir plačiųjų masių dvasinės sąmonės formavime.

ŽANRAS:

Vokaliniai žanrai

Visa era kaip visuma pasižymi ryškiu vokalinių žanrų, o ypač vokalo, vyravimu. polifonija... Neįprastai sudėtingas griežto stiliaus polifonijos įvaldymas, tikras moksliškumas, virtuoziška technika sugyveno su ryškiu ir gaiviu kasdienės sklaidos menu. Instrumentinė muzika įgauna tam tikrą savarankiškumą, tačiau jos tiesioginė priklausomybė nuo vokalinių formų ir kasdienių šaltinių (šokio, dainos) bus įveikta tik kiek vėliau. Pagrindiniai muzikos žanrai išlieka susiję su žodiniu tekstu. Renesanso humanizmo esmė atsispindėjo Frottol ir Vilanell stilių chorinių dainų kūrime.
Šokių žanrai

Renesanso laikais kasdienis šokis įgijo didelę reikšmę. Italijoje, Prancūzijoje, Anglijoje, Ispanijoje atsiranda daug naujų šokio formų. Įvairūs visuomenės sluoksniai turi savo šokius, lavina jų atlikimo manierą, elgesio taisykles per balius, vakarus, šventes. Renesanso šokiai yra sudėtingesni už paprastus vėlyvųjų viduramžių prakeiksmus. Šokius su apvaliu šokiu ir linijinio rango kompozicija keičia poriniai (duetiniai) šokiai, sukurti sudėtingais judesiais ir figūromis.
Volta – italų kilmės porinis šokis. Jo pavadinimas kilęs iš italų kalbos žodžio voltare, kuris reiškia „pasukti“. Dydis trijų taktų, tempas vidutiniškai greitas. Pagrindinis šokio raštas – džentelmenas vikriai ir staigiai apverčia su juo šokančią damą ore. Šis lipimas paprastai daromas labai aukštai. Tai reikalauja iš džentelmeno didelės jėgos ir miklumo, nes, nepaisant judesių aštrumo ir tam tikro veržlumo, kėlimas turi būti atliktas aiškiai ir gražiai.
Galliard – senas italų kilmės šokis, paplitęs Italijoje, Anglijoje, Prancūzijoje, Ispanijoje, Vokietijoje. Ankstyvųjų galliardų tempas vidutiniškai greitas, dydis – trijų taktų. „Galliarda“ dažnai buvo atliekama po pavanos, su kuria kartais buvo temiškai susieta. Galiardai XVI a išlaikoma melodingoje-harmoninėje tekstūroje su melodija viršutiniame balse. Galliard melodijos buvo populiarios tarp plačių Prancūzijos visuomenės sluoksnių. Serenadų metu Orleano studentai liutniomis ir gitaromis grojo galliardines melodijas. Kaip ir varpelis, galliardas turėjo savotiško šokio dialogo charakterį. Kavalierius judėjo po salę su savo ponia. Kai vyras atliko solo, dama liko vietoje. Vyrų solą sudarė įvairūs sudėtingi judesiai. Po to jis vėl priėjo prie ponios ir tęsė šokį.
Pavana - šoninis XVI-XVII amžiaus šokis. Tempas vidutiniškai lėtas, 4/4 arba 2/4 ritmo. Įvairūs šaltiniai nesutaria dėl jo kilmės (Italija, Ispanija, Prancūzija). Populiariausias variantas – ispaniškas šokis, imituojantis povo, vaikštančio gražiai slenkančia uodega, judesius. Buvo arti boso šokio. Skambant pavanų muzikai, vyko įvairios iškilmingos procesijos: valdžios įėjimas į miestą, kilmingos nuotakos išlydėjimas į bažnyčią. Prancūzijoje ir Italijoje pavana yra žinoma kaip teismo šokis. Iškilmingas pavanos pobūdis leido dvaro visuomenei spindėti malone ir malone savo manierose ir judesiuose. Žmonės ir buržuazija šio šokio nešoko. Pavane, kaip ir menuetas, buvo atliktas griežtai pagal rangą. Karalius ir karalienė pradėjo šokį, tada į šokį įžengė dofinas ir kilminga ponia, tada princai ir kt. Kavalieriai atliko pavaną su kardu ir drapanais. Moterys buvo pasipuošusios iškilmingomis suknelėmis su sunkiomis ilgomis tranšėjomis, kurias reikėjo meistriškai vedžioti judesių metu, nepakeliant jų nuo grindų. Trankos judėjimas padarė judesius gražius, suteikdamas pavanei puošnumo ir iškilmingumo. Karalienei damų palydovės vežė traukinį. Prieš prasidedant šokiui, jis turėjo apeiti salę. Pasibaigus šokiui, poros vėl vaikštinėjo po salę nusilenkusios ir pasilenkusios. Tačiau prieš užsidėdamas kepurę, džentelmenas turėjo uždėti dešinę ranką damai ant peties, kaire ranka (laikydamas skrybėlę) ant juosmens ir pabučiuoti į skruostą. Šokio metu damos akys buvo nuleistos; tik karts nuo karto pažiūrėdavo į savo gražuolę. Pavana ilgiausiai buvo saugoma Anglijoje, kur buvo labai populiari.
Allemande - lėtas vokiečių kilmės šokis 4 taktais. Jis priklauso masiniams „žemiems“, be šuolių šokiams. Atlikėjai viena po kitos tapo poromis. Porų skaičius nebuvo ribojamas. Ponas laikė ponios rankas. Kolona judėjo aplink salę, o pasiekę pabaigą dalyviai apsisuko vietoje (neatskirdami rankų) ir tęsė šokį priešinga kryptimi.
Courant - italų kilmės teismų šokis. Skambutis buvo paprastas ir sudėtingas. Pirmąjį sudarė paprasti obliavimo žingsniai, daugiausia atliekami į priekį. Sudėtingas varpelis buvo pantomiminio pobūdžio: trys džentelmenai pakvietė tris damas dalyvauti šokyje. Ponios buvo nuvestos į priešingą salės kampą ir pakviestos šokti. Ponios atsisakė. Ponai, gavę atsisakymą, išėjo, bet vėl grįžo ir atsiklaupė prieš damas. Tik po pantomimos scenos prasidėjo šokis. Yra skirtumų tarp italų ir prancūzų tipų varpelių. Itališkas varpelis – tai gyvas 3/4 ar 3/8 metrų šokis paprastu ritmu melodingoje-harmoniškoje tekstūroje. Prancūzų – iškilmingas šokis („dance of way“), sklandi, išdidi procesija. 3/2 dydžio, vidutinio tempo, gerai išvystyta polifoninė tekstūra.
Sarabandė – populiarus XVI – XVII amžių šokis. Kilęs iš ispanų moteriško šokio su kastanetėmis. Iš pradžių jį lydėjo dainavimas. Garsus choreografas ir mokytojas Carlo Blazis viename iš savo kūrinių trumpai apibūdina sarabandą: "Šiame šokyje kiekvienas pasirenka damą, kuriai nėra abejingas. Muzika duoda ženklą, o du įsimylėjėliai atlieka šokį, kilnus išmatuota, tačiau šio šokio svarba nė kiek netrukdo malonumui, o kuklumas suteikia jam dar daugiau grakštumo, visų akys mielai seka šokėjus, kurie atlieka įvairias figūras, savo judesiu išreiškia visas meilės fazes. Iš pradžių sarabandos tempas buvo vidutiniškai greitas, vėliau (nuo XVII a.) atsirado lėta prancūziška sarabanda su būdingu ritminiu raštu: ...... Savo tėvynėje sarabanda 1630 m. pateko į nepadorių šokių kategoriją. buvo uždraustas Kastilijos tarybos.
Gigue - anglų kilmės šokis, greičiausias, trynukas, virstantis trijuliu. Iš pradžių gigas buvo porinis šokis, tačiau tarp jūreivių paplito kaip solo, labai greitas komiško personažo šokis. Vėliau jis pasirodė instrumentinėje muzikoje kaip paskutinė senos šokių siuitos dalis.

Santrauka: Renesanso muzika

FEDERALINĖ ŠVIETIMO AGENTŪRA

GOU VPO „Mari State University“

Pradinių klasių fakultetas

Specialybė: 050708

„Pedagogika ir pradinio ugdymo metodai“

Padalinys: „Pradinio ugdymo pedagogika“

Testas

"Renesanso muzika"

Yoshkar-Ola 2010 m

Renesanso (Renesanso) epocha yra visų meno rūšių klestėjimas ir jų figūrų patrauklumas senovės tradicijoms ir formoms.

Renesansas įvairiose Europos šalyse turi netolygias istorines ir chronologines ribas. Italijoje jis prasideda XIV amžiuje, Nyderlanduose - XV amžiuje, o Prancūzijoje, Vokietijoje ir Anglijoje jo ženklai ryškiausiai pasireiškia XVI amžiuje. Tuo pat metu įvairių kūrybinių mokyklų ryšių plėtojimas, iš šalies į šalį persikėlusių, skirtingose ​​kapelose dirbusių muzikantų keitimasis patirtimi tampa laiko ženklu ir leidžia kalbėti apie visai bendras tendencijas. era.

Renesanso meninė kultūra yra asmeninis mokslu pagrįstas principas. Neįprastai sudėtingas XV – XVI amžių polifonistų įgūdis, virtuoziška technika sugyveno su ryškiu kasdieninių šokių menu, pasaulietinių žanrų įmantrumu. Jo kūryboje vis labiau pasireiškia lyrika ir drama.

Taigi, kaip matome, Renesanso laikotarpis yra sunkus laikotarpis muzikos meno raidos istorijoje, todėl atrodo tikslinga jį nagrinėti išsamiau, skiriant deramą dėmesį atskiroms asmenybėms.

Muzika yra vienintelė pasaulio kalba, jos nereikia versti, siela joje kalba su siela.

Averbachas Bertoldas.

Renesanso muzika arba Renesanso muzika reiškia Europos muzikos raidos laikotarpį nuo maždaug 1400 iki 1600 m. Italijoje naujos eros pradžia muzikos menui prasidėjo XIV amžiuje. Olandų mokykla susiformavo ir pirmąsias viršūnes pasiekė XV amžiuje, po to jos raida toliau plėtėsi, o įtaka vienaip ar kitaip patraukė ir kitų tautinių mokyklų meistrus. Renesanso ženklai ryškiai pasireiškė Prancūzijoje XVI amžiuje, nors jos kūrybiniai pasiekimai buvo dideli ir neginčijami ir ankstesniais amžiais.

Meno iškilimas Vokietijoje, Anglijoje ir kai kuriose kitose Renesanso orbitos šalyse prasidėjo XVI a. Ir vis dėlto ilgainiui naujasis kūrybinis judėjimas tapo lemiamu visai Vakarų Europai ir savaip atsiliepė Rytų Europos šalyse.

Renesanso muzikai pasirodė visiškai svetimi šiurkštūs ir atšiaurūs garsai. Harmonijos dėsniai sudarė pagrindinę jos esmę.

Pirmaujančią poziciją vis dar išlaikė dvasinė muzika skambantis per pamaldas bažnyčioje. Renesanso laikais ji išlaikė pagrindines viduramžių muzikos temas: šlovę Viešpačiui ir pasaulio Kūrėjui, šventumą ir religinio jausmo grynumą. Pagrindinis tokios muzikos tikslas, kaip sakė vienas iš jos teoretikų, yra „džiuginti Dievą“.

Mišios, motetai, giesmės ir psalmės buvo muzikinės kultūros pagrindas.

Mišios – tai muzikinis kūrinys, sudarytas iš lotynų apeigų katalikiškos liturgijos dalių, kurių tekstai muzikuojami monofoniniam ar polifoniniam giedojimui, su muzikos instrumentais arba be jų, muzikiniam akompanimentui iškilmingų pamaldų romėnų kalba. Katalikų bažnyčia ir aukštosios protestantų bažnyčios, pavyzdžiui, Švedijos bažnyčioje.

Mišios, turinčios muzikinę vertę, atliekamos ir ne pamaldų metu koncertuose, be to, daugelis vėlesnių laikų mišių buvo specialiai sukurtos koncertų salėje ar kokios nors šventės proga.

Muzikinės kultūros esmę ryškiausiai išreiškė bažnytinės mišios, kurios grįžta prie tradicinių grigališkojo choralo melodijų. Kaip ir viduramžiais, Mišios susidėjo iš penkių dalių, tačiau dabar jos tapo didingesnės ir platesnės. Pasaulis žmogui nebeatrodė toks mažas ir matomas. Įprastas gyvenimas su savo žemiškais džiaugsmais nustojo būti laikomas nuodėmingu.

Motetas (fr. motetas iš mot- žodis) yra vokalinis polifoninis polifoninio sandėlio kūrinys, vienas iš centrinių Vakarų Europos viduramžių ir Renesanso muzikos žanrų.

Giesmė (senovės graikų ὕμνος) – iškilminga daina, kuri šlovina ir šlovina ką nors ar ką nors (iš pradžių dievybę).

Psalmė (gr. ψαλμός „šlovinimo giesmė“), r.p. psalmė, pl. psalmės (gr. ψαλμοί) – žydų (hebrajų תהילים) ir krikščionių religinės poezijos ir maldos giesmės (iš Senojo Testamento).

Jie sudaro Psalterį, 19-ąją Senojo Testamento knygą. Psalmių autorystė tradiciškai priskiriama karaliui Dovydui (apie 1000 m. pr. Kr.) ir keliems kitiems autoriams, įskaitant Abraomą, Mozę ir kitas legendines asmenybes.

Iš viso psalme yra 150 psalmių, suskirstytų į maldas, šlovinimą, giesmes ir mokymus.

Psalmės padarė didžiulę įtaką folklorui ir buvo daugelio patarlių šaltinis. Judaizme psalmės buvo atliekamos himnologinių giesmių pavidalu, jai pritariant. Kiekvienai psalmei, kaip taisyklė, buvo nurodytas atlikimo būdas ir „modelis“ (grigališkojo choralo intonacija), tai yra, atitinkama melodija. Psalteris užėmė svarbią vietą krikščionybėje. Psalmės buvo atliekamos pamaldų metu, namų maldose, prieš mūšį ir judėjimo metu. Iš pradžių juos bažnyčioje giedojo visa bendruomenė. Psalmės buvo atliekamos a cappella, tik namuose buvo leidžiama naudoti instrumentus. Spektaklio tipas buvo rečitatyvinis-psalmodinis. Be ištisų psalmių, buvo panaudotos ir kai kurios išraiškingiausios jų eilės. Tuo remiantis atsirado nepriklausomos giesmės – antifoninė, laipsniška, traktinė ir aleliuja.

Palaipsniui pasaulietinės tendencijos pradeda skverbtis į bažnytinių kompozitorių kūrybą. Į daugiabalsį bažnytinių giesmių audinį drąsiai įvedamos visai nereliginio turinio liaudies dainų temos. Tačiau dabar tai neprieštaravo bendrai epochos dvasiai ir nuotaikai. Priešingai, muzikoje dieviškasis ir žmogiškasis buvo nuostabiai sujungti.

Sakralinė muzika savo viršūnę pasiekė XV amžiuje. Nyderlanduose. Čia muzika buvo gerbiama labiau nei kitos meno rūšys. Olandų ir flamandų kompozitoriai pirmieji sukūrė naujas taisykles polifoninis(polifoninis) atlikimas - klasika " griežtas stilius“. Svarbiausia olandų meistrų kompozicinė technika buvo imitacija- tos pačios melodijos kartojimas skirtingais balsais. Pagrindinis balsas buvo tenoras, kuriam buvo patikėta pagrindinė pasikartojanti melodija – cantus firmus („nekintanti melodija“). Žemiau tenoro buvo bosas, o virš alto. Aukščiausias, tai yra, iškilęs virš visų, balsas buvo pavadintas sopranas.

Naudodami matematinius skaičiavimus, olandų ir flamandų kompozitoriai sugebėjo apskaičiuoti muzikinių intervalų derinių formulę. Pagrindinis rašymo tikslas – sukurti darnią, simetrišką ir grandiozinę, viduje išbaigtą garso struktūrą. Vienas ryškiausių šios mokyklos atstovų Johannesas Okegemas (apie 1425-1497), remdamasis matematiniais skaičiavimais, sukūrė 36 balsų motetą!

Okegemo kūryboje reprezentuojami visi olandų mokyklai būdingi žanrai: mišios, motetas ir šansonas. Jam svarbiausias žanras yra mišios, jis pasitvirtino kaip puikus polifonistas. Okegem muzika labai dinamiška, melodinė linija juda plačiu diapazonu, turi plačią amplitudę. Kartu Okegemui būdinga sklandi intonacija, grynas diatonizmas ir senovinis modalinis mąstymas. Todėl Okegemo muzika dažnai apibūdinama kaip „nukreipta į begalybę“, „skraidanti“ kiek atitrūkusioje figūrinėje aplinkoje. Jis mažiau susietas su tekstu, gausus skanduočių, improvizacinis, ekspresyvus.

Okegemo kūrinių išliko labai nedaug:

Apie 14 mišių (iš viso 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (pirmasis polifoninis requiem pasaulio muzikos literatūros istorijoje);

9-13 (pagal įvairius šaltinius) motetai:

Daugiau nei 20 šansonų

Yra daug kūrinių, kurių priklausymu abejojama Okegem, tarp jų garsusis motetas „Deo gratias“ 36 balsams. Kai kurie anoniminiai šansonai priskiriami Okegemui dėl stiliaus panašumo.

Trylika Okegemo mišių saugomos XV amžiaus rankraštyje, žinomame kaip Čigi kodeksas.

Tarp mišių vyrauja keturių dalių, yra dvi penkiabalsės ir viena aštuonių dalių. Okegemas kaip masių temas naudoja liaudies („L’homme armé“), savo („Ma maistresse“) ar kitų autorių melodijas (pavyzdžiui, Benshua „De plus en plus“). Yra mišių be skolintų temų („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).

Motetai ir šansonas

Okegemo motetai ir šansonas yra tiesiogiai greta jo mišių ir skiriasi nuo jų daugiausia savo mastu. Tarp motetų – sodrių, šventiškų kūrinių, taip pat griežtesnių dvasingų chorinių kūrinių.

Žymiausias – šventinis padėkos motetas „Deo gratias“, parašytas keturioms devynių dalių kompozicijoms, todėl laikomas 36 dalių. Tiesą sakant, jis susideda iš keturių devynių dalių kanonų (keturiomis skirtingomis temomis), kurie eina vienas po kito, šiek tiek sutapdami kito pradžią, baigiant ankstesnįjį. Sutampančiose 18 balsų vietose motete nėra tikrų 36 balsų.

Ne mažiau įdomi olandų kompozitoriaus Orlando Lasso (apie 1532-1594) kūryba, sukūrusi daugiau nei du tūkstančius kulto ir pasaulietinio pobūdžio kūrinių.

Lasso yra produktyviausias savo laiko kompozitorius; dėl didžiulių jo paveldo apimčių jo darbų (daugelis jų buvo užsakomieji) meninė reikšmė dar nėra iki galo įvertinta.

Jis dirbo išskirtinai vokaliniais žanrais, įskaitant daugiau nei 60 mišių, rekviemų, 4 aistrų ciklų (visiems evangelistams), Didžiosios savaitės biuruose (ypač reikšmingi Matinių atsakymai Didįjį Ketvirtadienį, Didįjį Penktadienį ir Didįjį Šeštadienį), daugiau nei 100 magnifikatų, himnų, foburdonų, apie 150 frankų. šansonas (jo šansonas „Susanne un jour“, biblinės Siuzanos istorijos perfrazė, buvo viena populiariausių pjesių XVI a.), italų (villanelles, moreski, canzones) ir vokiškų dainų (daugiau nei 140 Lieder), apie 250 madrigalų.

Lasso išsiskiria detaliausiu tekstų raida įvairiomis kalbomis – tiek liturginiais (įskaitant ir Šventojo Rašto tekstus), tiek laisvai sukurtus. Koncepcijos rimtumas ir dramatiškumas, išplėsti tomai išskiria kompoziciją „Šv. Petro ašaros“ (7 balsų dvasinių madrigalų ciklas pagal Luigi Tranzillo eiles, išleistas 1595 m.) ir „Atgailos psalmės Dovydo“ (1571 m. rankraštis folio formatu, dekoruotas). su G. Milicho iliustracijomis, pateikiančiomis vertingos ikonografinės medžiagos apie Bavarijos dvaro gyvenimą, įskaitant muzikines pramogas).

Tuo pačiu metu pasaulietinėje muzikoje Lasso nebuvo svetimas humoras. Pavyzdžiui, šansone „Puotose dalijamas gėrimas trimis“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) perpasakojamas senas anekdotas iš valkatų gyvenimo; garsiojoje dainoje „Matona mia cara“ vokiečių kareivis dainuoja meilės serenadą, iškraipydamas itališkus žodžius; himne „Ut queant laxis“ imituojamas nelaimingas solfeingas. Nemažai ryškių trumpų Lasso pjesių parašytos labai nerimtomis eilėmis, pavyzdžiui, šansonas „Ponia susidomėjusi pažvelgė į pilį / Gamta į marmurinę statulą“ (En un chasteau ma dame ...) ir kai kurios dainos. (ypač moreski) yra nepadoraus žodyno.

Pasaulietinė muzika Renesansui atstovavo įvairūs žanrai: madrigalai, dainos, kanzonos. Muzika, nustojusi būti „bažnyčios tarnu“, dabar ėmė skambėti ne lotyniškai, o jų gimtąja kalba. Populiariausiu pasaulietinės muzikos žanru tapo madrigalai (it. Madrigal – daina gimtąja kalba) – daugiabalsės chorinės kompozicijos, parašytos meilės turinio lyrinės poemos tekstu. Dažniausiai šiam tikslui buvo naudojami garsių meistrų eilėraščiai: Dante, Francesco Petrarca ir Torquato Tasso. Madrigalus atliko ne profesionalūs dainininkai, o visas mėgėjų ansamblis, kur kiekvienai partijai vadovavo po vieną dainininką. Pagrindinė madrigalo nuotaika – liūdesys, ilgesys ir liūdesys, tačiau buvo ir džiugių, gyvų kompozicijų.

Bendradarbis muzikinės kultūros tyrinėtojas D.K. Kirnarskaya pažymi:

„Madrigalas apvertė aukštyn kojomis visą Renesanso epochos muzikinę sistemą: žlugo tolygi ir harmoninga mišių plastika... išnyko nekintantis cantus firmus, muzikinės visumos pagrindas... įprasti „griežto rašymo“ kūrimo metodai. ... užleido vietą emociniams ir melodiniams epizodų kontrastams, kiekvienam Jis stengėsi kuo išraiškingiau perteikti tekste glūdinčią poetinę mintį. Madrigalas galutinai pakirto silpstančias „griežto stiliaus“ jėgas.

Daina su muzikos instrumentais buvo ne mažiau populiarus pasaulietinės muzikos žanras. Skirtingai nuo bažnyčioje grojamos muzikos, dainas atlikti buvo gana paprasta. Jų rimuotas tekstas buvo aiškiai suskirstytas į 4-6 eilučių posmus. Dainose, kaip ir madrigaluose, tekstas įgavo didelę reikšmę. Atliekant, poetinės eilutės neturėtų pasiklysti daugiabalsiame dainavime. Ypač garsios buvo prancūzų kompozitoriaus Klemenso Žanekino (apie 1485-1558) dainos. Clementas Jeannequin parašė apie 250 šansonų, daugiausia 4 balsams, Pierre'o Ronsard'o, Clement'o Marot, M. de Saint-Jelly, anoniminių poetų eilėraščiuose. Dar 40 šansonų šiuolaikinis mokslas ginčija Janequin autorystę (tačiau tai nesumenkina pačios šios ginčytinos muzikos kokybės). Pagrindinis jo pasaulietinės polifoninės muzikos skiriamasis bruožas yra programinis ir vizualinis. Prieš klausytojo akis – mūšio nuotraukos („Marinjano mūšis“, „Renti mūšis“, „Meco mūšis“), medžioklės scenos („Paukščių giedojimas“, „Lakštingalos giedojimas“, „ Lark“), kasdienės scenos („Moterų plepalai“). Janequin vaizdingai perteikia Paryžiaus kasdienybės atmosferą į šansoną „Paryžiaus riksmai“, kur girdėti gatvės prekeivių šūksniai („Pienas!“ – „Pyrageliai!“ – „Artišokai!“ – „Žuvis!“ – „ Degtukai!“ – „Balandėliai!“ – „Seni batai!“ – „Vynas!“). Nepaisant faktūros ir ritmo išradingumo, Janequin muzika harmonijos ir kontrapunkto srityje išlieka labai tradicinė.

Renesansas buvo pradžia profesionalaus kompozitoriaus kūryba... Ryškus šios naujos tendencijos atstovas neabejotinai yra Palestrina (1525–1594). Jo palikime yra daug sakralinės ir pasaulietinės muzikos kūrinių: 93 mišios, 326 giesmės ir motetai. Jis yra dviejų pasaulietinių madrigalų tomų Petrarkos žodžiams autorius. Ilgą laiką dirbo choro vadovu Romos Šv.Petro bazilikoje. Jo sukurta bažnytinė muzika išsiskiria tyrumu ir jausmų didingumu. Pasaulietinė kompozitoriaus muzika persmelkta nepaprasto dvasingumo ir harmonijos.

Mes skolingi Renesansui, kad susiformuotų instrumentinė muzika kaip savarankiška meno forma. Šiuo metu pasirodė nemažai instrumentinių kūrinių, variacijų, preliudų, fantazijų, rondo, tokatų. Iš muzikos instrumentų populiariausi vargonai, klavesinas, altas, įvairios fleitos, o XVI a. pabaigoje. - smuikas.

Renesanso epocha baigiasi naujų muzikos žanrų atsiradimu: solo daina, oratorija ir opera. Jei anksčiau šventykla buvo muzikinės kultūros centras, tai nuo to laiko muzika pradėjo skambėti operos teatre. Ir atsitiko taip.

Italijos mieste Florencijoje XVI amžiaus pabaigoje. pradėjo burtis talentingi poetai, aktoriai, mokslininkai ir muzikantai. Tada nė vienas iš jų negalvojo apie jokį atradimą. Ir vis dėlto būtent jiems buvo lemta padaryti tikrą revoliuciją teatro ir muzikos mene. Tęsdami senovės graikų dramaturgų kūrinių pasirodymus, jie pradėjo kurti savo muziką, atitinkančią, pagal jų idėjas, antikinės dramos prigimtį.

Nariai kamerata(taip buvo vadinama ši draugija) kruopščiai apgalvojo mitologinių veikėjų monologų ir dialogų muzikinį akompanimentą. Aktoriai turėjo atlikti šnekamąsias dalis rečitatyvus(deklamavimas, giedojimas kalba). Ir nors žodis ir toliau vaidino pagrindinį vaidmenį muzikos atžvilgiu, buvo žengtas pirmasis žingsnis link jų suartėjimo ir harmoningo susiliejimo. Toks spektaklis leido plačiau perteikti žmogaus vidinio pasaulio turtus, asmeninius išgyvenimus ir jausmus. Remiantis tokiomis vokalinėmis partijomis, arijos- užbaigti epizodai muzikiniame spektaklyje, įskaitant operą.

Operos teatras greitai pelnė meilę ir išpopuliarėjo ne tik Italijoje, bet ir kitose Europos šalyse.

Naudotos literatūros sąrašas

1) Enciklopedinis jauno muzikanto žodynas / komp. V.V. Meduševskis, O.O. Očakovskaja. - M .: Pedagogika, 1985 m.

2) Pasaulio meno kultūra. Nuo pradžios iki XVII amžiaus: vadovėlis. už 10 cl. bendrojo išsilavinimo. humanitarinio profilio institucijos / G.I. Danilovas. - 2 leidimas, Stereotipas. - M .: Bustard, 2005 m.

3) Medžiaga iš Renesanso muzikos archyvo: http://manfredina.ru/