Spalva impresionistų tapyboje. Geriausios Impressionistai su pavadinimais ir nuotraukomis

Man, impresionizmas yra pirmiausia kažkas oro, efemeriškumo, nenuosekliai pabėgo. Tai yra apsvaiginimo momentas, kurį akis vos turi laiko pataisyti ir vėliau lieka didžiausios harmonijos MIG atmintyje. Impresionizmo magistras buvo žinomas dėl galimybės lengvai perkelti šį momentą į drobę, išgelbėdamas jį su apčiuopiamais pojūčiais ir subtiliais vibracijomis, kurios kyla su visomis realybe, kai sąveikaujate su vaizdu. Kai žiūrite į išskirtinius šio stiliaus menininkų darbą, visada išlieka tam tikra nuotaika.

Impressionizm. (Nuo įspūdžio - įspūdis) yra meno kryptis, kilęs iš Prancūzijos 1860-ųjų pabaigoje. Jo atstovai paprašė natūralaus ir nereikalingiausio užfiksuoti realaus pasaulio savo mobilumu ir kintamumu, perduoti savo mumbling įspūdžius. Ypatingas dėmesys buvo skiriamas spalvų ir šviesos perdavimui.

Žodis "impresionizmas" kilęs iš mone paveikslų įspūdžio vardo. "Sunrise" pristatyta 1874 parodoje. Mažai žinoma žurnalisto Lorua savo žurnale suderinta su menininkais "Impressionists", kad išreikštų jų nepaisymą. Tačiau pavadinimas nufotografavo ir prarado savo pradinę neigiamą reikšmę.

Pirmoji svarbi impresionistų paroda įvyko nuo 1874 m. Balandžio 15 d. Iki gegužės 15 d., NADAR fotografo seminare. Buvo 30 menininkų, tik 165 darbų. Jauni menininkai persekiojo į "nesąžiningumą" ir "Rusty tapybos", jų kūrinių skonio ir prasmės nebuvimas ", bandė tikrą meną", maištinga nuotaika ir net amoralumas.

Pirmaujančių įspūdingų atstovų - Alfred Sisley ir Frederiko baziliko. Kartu su jais įdėti savo nuotraukas Edward Mana ir. Impressionists taip pat klasifikuoja Johd Johną.

Kraštovaizdžiai ir scenos iš miesto gyvenimo - galbūt būdingiausi impresionistinės tapybos žanrai - rašė "Penier", t.y. tiesiogiai iš gamtos, o ne pagal eskizus ir parengiamuosius eskizus. Impressiontai trumpai pažvelgti į gamtą, pastebi spalvas ir atspalvius, paprastai nematomas, pavyzdžiui, mėlynos šešėliai.

Jų meninis metodas buvo sudėtingų tonų skilimo į savo gryną spalvų spektrą. Spalvoti šešėliai ir švarūs ryškiai trepidacijos tapyba. Impresionistai įvedė dažus su atskiru smūgiais, kartais naudojant kontrastinius tonus vienoje nuotraukos dalyje. Pagrindinis impresioninąstų paveikslų bruožas yra gyvas dažų efektas.

Norint perkelti objekto spalvą, impresionistai pradėjo naudoti spalvas, tarpusavyje stiprinant vieni kitus: raudona ir žalia, geltona ir violetinė, oranžinė ir mėlyna. Tos pačios spalvos sukuria nuoseklų kontrasto efektą. Pavyzdžiui, jei tam tikrą laiką pažvelgsime į raudoną spalvą, ir tada mes perkeliame į baltą pažvelgti, tai atrodys žalsvai JAV.

Impressionizmas nepadidino filosofinių problemų ir netgi nesistengė prasiskverbti į apribojimo spalvų paviršių. Vietoj to, menininkai sutelkti dėmesį į akimirkų, nuotaikos, apšvietimo ar regos anglies. Jų paveikslai buvo atstovaujami tik teigiamų gyvenimo pusių, nepažeidžiant ūminių socialinių problemų.

Menininkai dažnai nudažė žmones linksmybės ar poilsio metu. Flirtų sklypai buvo paimti, šokti, apsistojantys kavinėje ir teatre, valčių pasivaikščiojimai, paplūdimiuose ir soduose. Jei vertinate impresionistų nuotraukas, tada gyvenimas yra kietos mažų atostogų serijos, vakarėliai, malonūs žaidimai už miesto ribų ar draugiškoje aplinkoje.

Impressionizmas paliko turtingą paveldą tapyboje. Visų pirma, tai yra susidomėjimas spalvų problemomis ir nestandartiniais metodais. Impressionizmas išreiškė norą atnaujinti meninę kalbą ir nutraukimą su tradicija, kaip protestą prieš kruopštaus klasikinės mokyklos meistrų techniką. Na, dabar mes galime pasigrožėti šiuos nuostabius puikių menininkų darbus.

Dabar impresionistinių menininkų šedevrus mus suvokia pasaulio meno kontekste: mums jie jau seniai tapo klasikiniu. Nepaisant to, tai ne visada buvo. Tai atsitiko, kad jų drobės nepraleido oficialių parodų, kritikuojamos spaudoje, nenorėjo pirkti net už simbolinį mokestį. Buvo daugelio nevilties, poreikių ir atėmimo. Ir kova už galimybę dažyti pasaulį, nes jie yra jo tikėjimu. Prireikė daug dešimtmečių, kad dauguma galėtų suprasti ir suvokti save su savo akimis. Kas buvo jis, pasaulis, kuriame impresionizmas įsiveržė į 1860-ųjų pradžioje, tarsi budras vėjas, transformacija?

XVIII a. Pabaigos pabaigoje, revoliucija Prancūzijoje ir Amerikoje transformavo pačios Vakarų kultūros esmę, kuri negalėjo paveikti meno vaidmens sparčiai besikeičiančioje visuomenėje. Įpratęs prie socialinės tvarkos iš valdančios dinastijos ar bažnyčios, menininkai staiga atrado, kad jie buvo palikti be savo klientų. Bajorų ir dvasininkų, pagrindiniai meno klientai, patyrė rimtų sunkumų. Buvo naujas laikas, kapitalizmo eros, visiškai transformuojančios taisyklės ir prioritetai.

Palaipsniui, nustatytose respublikose ir demokratiškai išdėstyti įgaliojimai, turtingos vidurinės klasės buvo išaugo, dėl kurių naujoji meno rinka pradėjo kurti. Deja, verslininkai ir prekybininkai, kaip taisyklė, neturėjo pakankamai paveldimų kultūros ir auklėjimo, be kurių neįmanoma teisingai įvertinti sklypo alegorijų ar sumanių vykdomųjų įgūdžių įvairovę, kuri sudarė aristokratiją.

Nenaudojant aristokratinio švietimo ir švietimo, vidurinės klasės atstovai, kuriuos pateikė meno vartotojai, buvo įpareigoti naršyti iš pradžių už laikraščių kritikų ir oficialių ekspertų aspektus. Senoji dailės akademija, kuri yra klasikinių vyrų saugotojai, tapo centriniais arbitražais meniniais klausimais. Tai nėra paradoksalu, kad kai kurie jauni ir ieško dailininkų, kurie priešinosioms konformizmui, pagal oficialų akademiklį.

Vienas iš esminės optikos akademikos tų laikų buvo patronizuota pagal šiuolaikinio meno parodos valdžios institucijų. Tokios parodos buvo vadinamos salonais - pagal tradiciją, kreipdamiesi į salės pavadinimą Luvre, kur kartą teismo menininkai eksponavo savo drobę.

Dalyvavimas salone buvo viena galimybė nukniaukti į spaudos ir klientų interesų kūrinius. Auguste Renoir Vienoje iš raidžių į Durane-Rueel kalba apie nustatytas dalykų nuostatas: "visose Paryžiuje, tai vargu ar yra penkiolika gerbėjų, kurie gali atpažinti menininką be salono pagalbos, o tūkstančiai aštuoniasdešimt žmonių, kurie ne aštuoniasdešimt žmonių Netgi gauti kvadratinį centimetro drobę, jei menininkas nepriimamas į saloną. "

Jauni dailininkai nieko nešviečia, be to, kaip išsiaiškinti salonuose: jie galėjo išgirsti ne tik žiuri nariai, bet ir giliai gerbiamų dailininkų, tokių kaip Eugene Delacroix, Gustave Kourba, Eduard Mana , buvę jaunimo augintiniai, taip gaunant stumti į vėlesnį kūrybiškumą. Be to, salonas buvo unikali galimybė įsigyti klientą, pažymėti, organizuoti karjerą meno. Salono apdovanojimas pažymėtas menininkui, raktas į profesionalų pripažinimą. Ir priešingai, jei žiuri atmetė pateiktą darbą, tai buvo lygiavertė estetiniam pašalinimui.

Dažnai siūloma apsvarstyti nuotrauką neatitiko įprastų kanonų, dėl kurių salono žiuri buvo atmesta: meninėje aplinkoje šis epizodas iškėlė skandalą ir pojūtį.

Vienas iš menininkų, kurių dalyvavimas salone visada sukūrė skandalą ir sukėlė akademikus daug rūpesčių, Eduard Mana buvo. Didelį skandalą lydėjo demonstracijas savo drobes "pusryčiai ant žolės" (1863) ir "olimpia" (1865), sukurta neįprastai aštrių būdų, kuriuose yra užsienietis į estetiką. Ir paveikslėlyje "incidentas" Corrida ", pristatyta 1864 m. Salone, dailininko aistra dėl goyos kūrybiškumo. Į pirmąją vietą žmogus nudažė atvirą fiksatoriaus figūrą. Paveikslėlio fonas buvo deramas kaip derybų kroviniai ir atbaido, onmalinių žiūrovų eilutės. Toks ūminis ir sukeltas kompozicija sukėlė sarkastinio grįžtamojo ryšio ir laikraščių karikatūrų masę. Crazy kritika, mana sukasi savo nuotrauką į dvi dalis.

Pažymėtina, kad kritikai ir karikatoristai nebuvo gėda atrenkant žodžius ir būdus sparčiai įžeisti menininką, stumti jį į tam tikrus atsakymo veiksmus. "Menininkas, atmestas salone", o vėliau "Impressionist", tapo mėgstamiausiais žurnalistų, kurie uždirba viešuosiuose skandaluose, tikslais. Neramiai nesuderinami su kitų sąvokų dailininkai ir našta, pavargusi nuo griežtų pasenusių akademiškumo sienų, prasmingai pažymėta apie rimtą nuosmukį, kuris iki to laiko atsisakoma XIX a. Pusės meno mene. Konservatyvus salono žiuri 1863 atmetė tiek daug audinių, kad imperatorius Napoleonas III nustatė, kad būtina asmeniškai remti kitokią, lygiagrečiai parodą, kad žiūrovas galėtų palyginti priimtus darbus su atmestu. Ši paroda, kuri įsigijo pavadinimą "Kraštovaizdžio salonas" tapo labai madinga vieta voko - nuėjo čia juoktis ir pabrėžti.

Kad būtų pripratę prie akademinio žiuri, vaizdo dailininkai galėtų sukurti nepriklausomas atskiras parodas. Vieno menininko parodos idėja pirmiausia paskelbė menininką-realistinę Gustina Kourba. Jis pateikė savo darbų seriją į 1855 m. Paryžiaus pasaulio parodą. Reikalavimus atitinkantis komitetas patvirtino savo kraštovaizdžius, tačiau atmetė temines programos nuotraukas. Tada Kourba, priešingai nei, pastatyta šalia Pasaulio parodos asmeninio paviljono. Nors plataus vaizdingos slaugytojo būdo buvo sužavėtas senyvo amžiaus Delacroe, jo paviljono auditorija buvo šiek tiek. Per Pasaulio parodą 1867 m., Kursbe atnaujino šią patirtį su dideliu triumfu - šį kartą jis laimėjo visus savo darbus atskirame kambaryje. Eduard mana, atsižvelgiant į Kourba, atidarė savo galeriją per tą pačią parodą dėl retrospektyvaus demonstravimo jo drobes.

Asmeninių galerijų kūrimas ir privataus publikacijos katalogų prisiėmė apčiuopiamų išteklių sąnaudas - nepalyginamai didelius nei tie, kurie dažnai priklauso menininkams. Tačiau atvejai su "Kourba" ir "Mana" stumdavo jaunus dailininkus apie grupės naujų tendencijų menininkų grupės parodą.

Be XIX a. Socialinių pokyčių, moksliniai tyrimai buvo sergantiems. 1839 m. Louis Dagerr Paryžiuje ir Henry Fox talbot Londone parodė, kad jie buvo sukurti nepriklausomai vienas nuo kito. Netrukus po šio įvykio nuotrauka atsikratė menininkų ir tvarkaraščių nuo pareigos, tiesiog išliko žmonių, vietų ir incidentų. Objektas išlaisvintas iš skolos, daug dailininkų skubėjo į savo pačių, subjektyvių, išraiškos emocijų drobės sferą.

Nuotrauka sukėlė kitų Europos meno nuomonę. Objektyvas, su kitu požiūriu, o ne asmens akys, sudarė fragmentišką kompozicijos vaizdą. Keičiant filmavimo kampą stumti menininkai į naujas sudėties vizijas, kurios tapo iš impresionizmo estetikos pagrindu. Vienas iš pagrindinių šio srauto principų buvo spontaniškumas.

Tuo pačiu 1839, kai buvo sukurta fotoaparatas, chemikas iš Paryžiaus manufaktūrų Michel Eugene Shevreyl Laboratorijos pirmiausia paskelbė logišką spalvų suvokimo aiškinimą žmogaus akimi. Dažų kūrimas audiniams, jis pasirūpino, kad atsiranda trijų pagrindinių spalvų - raudonos, geltonos ir mėlynos spalvos, kai kyla. Naudodamiesi spalvų ratu, chevreyl įrodė, kaip atspalviai yra gimę nei ne tik nepaprastai iliustruota sudėtinga mokslinė idėja, bet taip pat pateikė menininkams darbo koncepciją dažų mišinio. Amerikos fizikas Oddenas Rud ir Vokietijos mokslininkas Hermann Fonas Helmgoli už savo dalį papildo šį išradimą pagal pokyčius optikos srityje.

1841 m. Amerikos mokslininkas ir dailininkas John Rand patentuota alavo vamzdžiai, kuriuos sukūrė gendantys dažai. Prieš menininką, paliekant rašyti ant pakloto, buvo priverstas būti pirmiausia sumaišyti į jų reikalingų dažų dirbtuves ir po to, kai jie buvo pilstomi į stiklinius konteinerius, kurie dažnai buvo kovoti, arba burbuliukai iš gyvūnų viduje, kurie buvo greitai srautas. Atvykę į Randovskio vamzdžius, meno žmonės gavo pranašumą su jais naudotis visomis spalvomis ir atspalviais. Šis atradimas buvo dideliu mastu turėjo įtakos menininkų spalvų schemos gausa, be to, jie yra įsitikinusi, kad jie išeis iš savo gamtos seminarų. Per trumpą laiką, kaip jis pažymėjo vieni, kaimo aplinkoje kraštovaizdžio žaidėjai tapo daugiau nei valstiečių.

Ponierai tapybos prašymu buvo menininkai iš Barbizon mokyklos, kurie įgijo savo slapyvardį iš Barbizon kaimo netoli Fontaineblo miško, kur buvo sukurta dauguma kraštovaizdžių.

Jei vyresni Barbizon mokyklos dailininkai (T. Rousseau, J. Dupre) savo darbe vis dar buvo grindžiami didvyriškos kraštovaizdžio paveldu, tada jaunosios kartos atstovai (S. Kotovi, K. Coro) buvo suteikta ši žanras realizmas. Ant jų drobės vaizduoja kraštovaizdžius, užsienietis akademinis idealizavimas.

Jų paveiksluose barbizonsy bandė atkurti gamtos valstybių įvairovę. Štai kodėl jie nudažė nuo gamtos, bando užfiksuoti savo suvokimo nedelsiant. Tačiau saulės akademinių metodų ir fondų naudojimas tapyboje nepadėjo pasiekti, kas vėliau buvo valdoma impresionistikai. Priešingai, Barbizonkaya mokyklos dailininkų indėlis į žanro formavimą yra negrįžtamas: paliekant seminarus už etapo labui, jie pasiūlė kraštovaizdžio tapybą naujų būdų vystymosi.

Vienas iš pobūdžio pobūdžio pobūdžio rėmėjų, Eugenijus Budy, nurodė savo jaunuoliui Claude Monet, kuris yra būtinas, kad būtų sukurta į vimerį - tarp šviesos ir oro, dažyti tai, kas svarsto. Ši taisyklė tapo plenarinio paveikslo pagrindu. Moneta trumpas pateikė savo draugams, Auguste Renuar, Alfred Sisley ir Frederick Basile, nauja teorija: dažyti tik tai, ką mes stebime konkrečiu atstumu ir su konkrečiu apšvietimu. Vakarais jauni dailininkai Paryžiaus kavinės buvo laimingai pasidalijo ir pastebėjo savo naujus atradimus su "Fervo".

Taigi pasirodė impresionizmas - revoliucinė kryptimi XIX XIX - XX amžiaus pradžioje. Dailininkai, kurie ištraukė į impresionizmo kelią, bandė daugiau natūraliai ir teisingai užfiksuoti aplinkinį pasaulį savo darbuose ir kasdienėje realybėje savo begaliniu judumu ir nesniekinimu, išreiškia savo trumpalaikius pojūčius.

Impressionizmo tapo atsakas į stagnaciją akademizmo meno tais metais, noras laisvai tapyti nuo tos beviltiškos pozicijos, kurioje ji buvo patenkinta su salono menininkų kaltės. Tai, kad šiuolaikinis menas mažėja, daug progresyvių žmonių pasakė: Eugenijus Delacroix, Gustav Kourbe, Charles Bodler. Impresionizmo pasirodė "kenčiančiam kūnui" dėl šoko terapijos.

Su jaunų menininkų generatorių pareigūnų "Edward Man", "Engarpe Renuara", "Edgar Dega" vėjo kaita sprogo į prancūzų tapybą, suteikiant gyvybės apmąstymui priklausomybę, šėrimą atsitiktinai, tarsi netikėtos situacijos ir judėjimai, iliuzinis Formos, kompozicijos gebėjimas, nenuspėjami požiūriai ir perspektyva.

Vakarais, kai menininkai nebebuvo suteikta galimybė parašyti savo drobę dėl vargu ar paaiškinti, jie paliko savo seminarus ir išgelbėjo už valgyti ginčus Paryžiaus kavinėse. Taigi Cafe Arboua tapo viena iš nekintančių vietų, kad patenkintų menininkų, vienijančių aplink Edwardą. Ketvirtadieniais vyko reguliarūs susitikimai, o kitomis dienomis buvo gyvybingų pokalbių ar lanko menininkų grupė. Claude Moneta Aprašė Cafe Gerbua susitikimus: "Tai negalėjo būti nieko įdomesnis nei šie susitikimai ir begalinis susitikimas su vaizdu. Jie pablogino mūsų protą, paskatino mūsų kilnius ir širdies siekius, davė mums entuziazmo mokestį, sustiprino mus daugelį savaičių, kol buvo įvykdyta idėja. Šiuos susitikimus palikome iškelta nuotaika, su sustiprinta valia, su trupiniais labiau atvirkštine ir aiški. "

1870-ųjų išvakarėse buvo įkurta įspūdingumas ir prancūzų kraštovaizdžio: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sicleele pirmoji sukūrė nuoseklią nelaisvę sistemą. Jie parašė savo drobę be eskizų ir eskizų atvirame ore nedelsiant ant drobės, įkūnijant putojančią saulės šviesą savo paveiksluose, nuostabaus pobūdžio pobūdžio gausa, ištirpintų terpėje, šviesos ir oro vibracijai, refleksų riaušės. Norint pasiekti šį tikslą, buvo apsimetama, kad jų visose dalyse buvo apsimesti, kokia yra natūrali saulės spektro spalvos spalva. Norėdami sukurti neįprastai ryškų, švelnų spalvingą tekstūrą, menininkai įdėti švarios spalvos ant drobės su atskirais tepiniais, o optinis maišymas asmens akyse buvo tikimasi. Šis metodas, vėliau transformuotas ir teoriškai teigė, tapo centriniu kitais neįvykdyti meno aspiracija - pointelizmas, pavadintas "padengimas" (nuo Franz "dalimis" - padalinti).

Padidėjusi interesų impresionistai parodė objekto ir aplinkos ryšiams. Iš jų kruopos kūrybinės analizės objektas buvo spalvų ir pobūdžio objekto konvertavimas kintančioje aplinkoje. Norint pasiekti šią idėją, tas pats elementas buvo pavaizduotas pakartotinai. Be grynos spalvos šešėlyje ir refleksuose, juoda dažai beveik paliko paletę.

Kritikas Jules Lafort taip atsakė apie impresionizmo fenomeną: "Impressionist mato ir perduoda gamtą, nes tai yra vienintelė žavinga vibracija. Figūra, šviesa, tūris, perspektyva, šviesa - visa tai palieka nemokamą klasifikaciją. Pasirodo, kad viskas nustatoma pagal spalvų vibracijas ir turi būti uždarytas ant spalvų vibracijos drobės.

Dėl atviro oro ir susitikimų kavinėje gruodžio 27, 1873, anoniminių, skulptorių, graviūrų ir tt "pasirodė. - pirmiausia buvo paleisti impresionistai. Pirmasis visuomenės paroda vyko pavasarį po metų, kai NADAR komercinėje galerijoje, fotografas eksperimentinis, kuris keliavo be šiuolaikinio meno kūrinių.

Debiutas buvo 1874 m. Balandžio 15 d. Paroda buvo planuojama praleisti mėnesį, vizitų laikas - nuo dešimties iki šešių ir, kurie taip pat tapo naujovėmis, aštuonių iki dešimties vakare. Įėjimo bilietas buvo verta vieno franko, katalogai gali būti įsigyti penkiasdešimt centime. Iš pradžių paroda buvo užpildyta lankytojais, tačiau minia buvo tik šoktelėjo ten. Kažkas juokavo, kad šių menininkų užduotis gali būti pasiekta, jei pistoletas yra kaltinamas su skirtingais dažų vamzdžiais, tada šaudyti drobės ir baigė pasirašytą verslą.

Nuomonės buvo padalintos: arba paroda nebuvo rimtai ar kritikuojama pūkų ir dulkių. Bendras suvokimas gali būti išreikštas kitame sarkastinio aspiracijos "Impressionists parodos" straipsnyje ", su Louis Lerew parašu, paskelbtas Faketon forma. Autoriaus dialogas čia aprašytas su akademinio ir kraštovaizdžio sistema, suteikta medaliais, kartu jie praeina per parodų sales:

"... negudinamas menininkas atėjo ten, nesiūlyti nieko blogo, jis tikėjosi pamatyti drobė ten, kurią galima rasti visur, eksponentiniu ir nidigitalu, daugiau nei bet koks aiškus, bet ne tolimais meniniais standartais, formų kultūra ir Pagarba senam matemah.

Deja, forma! Deja, senieji meistrai! Mes nebesimėsime juos skaityti, mano vargšai! Mes visi esame transformuojami! "

Paroda taip pat įdėjo Claude Monet kraštovaizdį, kuris buvo rytinis aušra apgaubtoje rūko įlankoje - tapytojas pavadino jį "įspūdį. Saulėtekis "(įspūdis). Čia yra vienas iš satyrinio straipsnio Louis Lerua simbolių už šią drobę, kurie davė vardą į labiausiai jutimo ir žinomas kursas XIX a. Meno:

"... - kas čia nubrėžta? Bendrinkite kataloge. - "įspūdis. "Sunrise". - įspūdis - todėl aš manau. Aš tiesiog protyčiau save savimi, kad nuo aš esu sužavėtas, jame turėtų būti suteikta tam tikra įspūdis ... ir kokio tipo atsidavimas, kas yra našumo lygumas! Tapetai pradiniame perdirbimo laipsnyje yra tobulesnis nei šis seascape ... ".

Asmeniškai Monetas nebuvo prieš tokį meno priėmimo vardą, kurį jis taikė praktikoje. Pagrindinė jo darbo esmė yra teismas ir užfiksuoti gyvybės slydimo akimirkas, apie tai, ką jis dirbo, generuoja savo daugybę audinių serijos: "Stacks", "Poplar", "Rueny katedra", "Station Saint-Lazar", "Tvenkinys Zevny", "Londonas. Parlamento pastatas "ir kiti. Kitas atvejis, Edgaras Dega, kuris mylėjo padaryti save "nepriklausomą", nes jis nedalyvavo salone. Jo aštrus, groteskas stilius Raštų, kuris tarnavo kaip pavyzdį daugeliui rėmėjų (tarp kurių Tulūza-Lotaku buvo ypač neįvykdyta), buvo nesugebėjimas į akademinę žiuri. Abu šie dailininkai tapo labiausiai iniciatyvų organizatoriais vėlesnių parodų impresionistų, tiek Prancūzijoje, tiek užsienyje - Anglijoje, Vokietijoje, Jungtinėse Valstijose.

Auguste Renoir, priešingai, pasirodys pirmosios parodos impresionistų, neprarado vilties užkariauti saloną, siunčiant du paveikslus kasmet jo parodoje. Jo veiksmai būdingas dvejumas, jis plinta į savo draugą ir Durane-Rueley globlą: "... Aš nepalaiko skausmingų nuomonių, kad darbas yra vertas ar netinkamas, priklausomai nuo vietos, kur ji yra įrodyta. Trumpai tariant, aš nenoriu nužudyti laiko veltui ir būti piktas su salonu. Aš net nenoriu apsimesti būti piktas. Aš tiesiog manau, kad jums reikia atkreipti, kai tik tai yra geriau, tai viskas. Wah, kad aš buvau paniekintas, kad buvau nebaigtas savo meno ar nuo juokingo ambicijų, atnaujinau iš mano požiūrių, aš norėčiau imtis tokių kaltinimų. Bet kadangi nieko panašaus į tai nėra arti, tada man reikia meluoti mane. "

Nesvarbu, kaip oficialiai dalyvauja impresionistų kryptimi, Eduard mana perskaito dailininko realistą. Tačiau nepaliaujami glaudžiai susiję su impresionistiniais ryšiais, apsilankydami jų parodose, nepastebimai pakeitė dailininko stilių, atnešdamas jį į impresionistinį. Jo gyvenimo metų mirties metais dažai savo paveiksluose yra ryškūs, sūpynės, sudėtis - fragmentiška. Kaip ir Renoir, Mana laukė oficialių ekspertų, esančių meno srityje ir skubėjo dalyvauti salono parodose. Tačiau, nepaisant jo troškimo, jis tapo Paryžiaus avangardų stabdymu, jų priešingu karaliumi. Priešingai viskas, jis atkakliai užsikabino savo lino saloną. Prieš mirtį jis pasisekė įsigyti oficialią salono vietą. Jis rado jį ir Auguste Renoir.

Apibūdinant pagrindinius asmenis impresionizmo, tai būtų bjaurus ne prisiminti bent fragmentiškai apie asmenį, kurio pagalba pakartotinai žlugo meninė kryptis tapo svarbiu meno įsigijimu XIX amžiuje, užkariavo visą pasaulį. Šio asmens vardas yra Paul Duran-Ruel, kolektorius, meno prekybininkas, pakartotinai teikė bankroto ribą, bet ne atsisakė nustatyti impresionizmą kaip naują meną, kuris pasieks savo apogėją. Jis užsiėmė parodų impresionistų Paryžiuje organizavimą ir Londone organizavo asmenines dailininkų parodos savo galerijoje, organizavo aukcionus, tiesiog skatino menininkus finansiškai: buvo kartų, kai daugelis jų neturėjo dažų ir drobės. Flos dėkingumo įrodymas ir menininkų pagarba - jų Durane-Rueley laiškai, kurie lieka gausūs. "Durane-Rueel" asmenybė yra protingo kolektoriaus ir naudos pavyzdžių pavyzdys.

"Impressionizmas" yra santykinio sąvoka. Visi dailininkai, kuriuos mes manome, kad šis srautas praėjo akademinį mokymą, kuris prisiėmė kruopščiai dirbant iš dalių ir plokščiu, blizgus vaizdingu paviršiumi. Tačiau jie netrukus pasirinko įprastas temas ir sklypus, kuriuos skiria interjero, tapybos realia kryptimi, atspindinčios realią tikrovę, kasdien. Vėliau kiekvienas iš jų parašė tam tikrą laiką impresionizmo stiliaus, bando objektyviai perduoti objektus savo paveiksluose su skirtingu apšvietimu. Po tokio impresionio etapo dauguma šių anti-gardų menininkų persikėlė į nepriklausomus tyrimus, kurie įgijo surinkimo pavadinimą "postpreStramizmo"; Vėliau jų kūrybiškumas prisidėjo prie XX amžiaus abstrakcijos formavimo.

XIX a. 70-aisiais Europa buvo priklausoma nuo Japonijos meno. Edmond de Gonkur savo įrašuose praneša: "... Japonijos meno aistrai ... Aš padariau viską nuo tapybos iki mados. Iš pradžių tai buvo tokių ekscentrics manija, kaip mano brolis ir aš, vėliau prisijungė prie menininkų-impresionistų. " Iš tiesų, į impresionistų tuo metu nuotraukas, Japonijos kultūros atributai buvo dažnai užfiksuoti: vanduo, kimono, shirm. Jie taip pat išmoko stilistinius metodus ir plastikinius tirpalus iš japonų graviūrų. Daugelis impresionistų buvo entuziastingi kolekcininkai japonų graviūrų. Pavyzdžiui, Eduard mana, Claude Monet, Edgar Degas.

Apskritai, vadinamieji impresionininkai nuo 1874 iki 1886 m. Pastato 8 parodos su nevienodais intervalais; Pusė 55 dailininkų priklausė anoniminei visuomenei dėl skirtingų aplinkybių, pasirodė tik pirmoje. Išskirtinis visų 8 parodų dalyvis buvo Camille Pissarro, išduotas ramus taikus nuotaika.

1886 m. Buvo atlikta galutinė impresionistų paroda, bet kaip meno metodas, jis ir toliau egzistuoja. Dažai nepaliko sunkaus darbo. Nors buvusi partnerystė, vienybė, nebėra. Kiekvienas išmetė savo kelią. Istoriniai konfrontacijos baigėsi, baigėsi naujų nuomonių triumfu, ir nereikėjo suvienyti jėgos. Menininkų-impresionistikų adestrators padalijimo, ir jie negalėjo, bet padalijimo: jie buvo skausmingi, jie visi buvo ne tik temperamento, bet ir nuomonėmis, apie meninius įsitikinimus.

Impressionz, kaip kryptis, pagal jo laiką, nepavyko palikti Prancūzijos sienų. Tokie klausimai buvo užduodami dailininkai ir kitose šalyse (James Whistler Anglijoje ir JAV, Max Lieberman ir Corrint žuvis Vokietijoje, Konstantin Korovin ir Igoris Grabar Rusijoje). Impressionizmo akimirksniu judėjimas, skysčio forma buvo priimta ir skulptoriai (Auguste Roden Prancūzijoje, Paolo Trubetskoy ir Anna Golubank Rusijoje).

Baigęs perversmą dėl amžininkų nuomonėmis, plečiant savo pasaulėžiūrą, todėl impresionistai paruošė pagrindą tolesniam meno formavimosi ir naujų estetinių siekių ir idėjų atsiradimo, naujų formų, kurios nebuvo ilgai laukti. Atvykimas iš impresionizmo, neo-simpresizmo, postprestizmo, plėšrūnų, vėliau paskatino naujų estetinių tendencijų ir orientacijų formavimąsi ir formavimąsi.

"Impressionizm" yra 70-aisiais atsirado funkcijų kursas. XIX a. Prancūzų tapyboje ir tada pasireiškė muzikoje, literatūroje, teatre.

Impressionizmas tapyboje pradėjo vystytis ilgai prieš gerai žinomą parodą 1874 m. Prime impresionistų vežėjas tradiciškai laikomas Edward Mana. Jis buvo labai įkvėptas klasikiniai kūriniai titijos, Rembrandt, Rubens, Velasqueza. Jo matos vaizdų vizija išreiškė savo drobes, pridedant "vibracinius" smūgius, kurie sukūrė netinkamumo poveikį. 1863 m. Manne sukūrė Olympia, kuri sukėlė didelį skandalą kultūros draugijoje.

Iš pirmo žvilgsnio paveikslėlis buvo pagamintas pagal tradicinius kanonus, tačiau tuo pačiu metu ji jau buvo vykdoma ir naujoviškos tendencijos. Apie 87 atsiliepimus buvo parašyta įvairiuose Paryžiaus leidiniuose apie Olympia. Jos surinkta neigiamos kritikos masė - menininkas buvo apkaltintas vulgarumu. Ir tik keli straipsniai gali būti vadinami geranorišku.

Mana savo darbe naudojo vieno sluoksnio dažų, kurie sukūrė dėmių poveikį, prietaisai. Vėliau šis dažų taikymo metodas buvo atliktas menininkų-impresionistikai kaip vaizdų dėl vaizdingų drobių pagrindas.

Skirtingas impresionizmo bruožas buvo geriausias mumbling įspūdžių fiksavimas, ypatingu būdu žaisti šviesos terpę, padedant sudėtingą švarių dažų mozaiką, išbėgęs dekoratyvinius smūgius.

Smalsu, kad jo paieškos menininkų pradžioje naudojamas cianometras - tai priemonė, skirta nustatyti mėlyną dangų. Juoda spalva buvo išbraukta iš paletės, jis buvo pakeistas su kitais spalvų atspalviais, kurie leido neužkerti saulėtą paveikslų nuotaiką.

Impressionists orientuota į naujausius savo laiko mokslinius atradimus. Tempelio ir helmholtz spalvos teorija yra sumažinta iki taip: Saulė yra padalinta į spalvų komponentus, ir, atitinkamai du dažai ant drobės pagerina vaizdinį poveikį, o kai dažai yra sumaišyti, intensyvumas praranda intensyvumą.

Impresionizmo estetika buvo besivystanti, iš dalies, iš dalies, kaip bandymas ryžtingai atlaisvinti nuo klasicizmo konvencijos mene, taip pat nuo patvarios simbolizmo ir vėlyvos vidaus tapybos gilumu, kuris pasiūlė visiems pamatyti šifruotus ketinimus, kurie turi atidžiai stebėti interpretacija. Impressionizmas teigė ne tik kasdieninės realybės grožį, bet spalvingos atmosferos fiksavimas, o ne išsamiai ir negesinant, vaizduojant pasaulį kaip amžinai besikeičiančią optinį reiškinį.

Menininkai-impresionistai sukūrė baigtą nelaisvę sistemą. Šios stilistinės funkcijos pirmtakai buvo dažų menininkai, imigrantai iš "Barbizon" mokyklos, kurių pagrindiniai atstovai buvo Camille Coro ir John Constable.

Darbas atviroje erdvėje davė daugiau galimybių užfiksuoti menkiausius spalvų pokyčius įvairiais dienos laikais.

"Claude Monet" buvo sukurta kelių serijų tame pačiame sklype, pvz., Rueny katedra (50 paveikslų serija), "kaminai" (15 paveikslų serija), "tvenkinys su vandens lelijomis" ir tt Pagrindinis jų rodiklis Serija buvo šviesos ir spalvų schemos pokytis to paties objekto vaizde, parašytame įvairiais dienos laikais.

Kitas impresionizmo pasiekimas yra originalios vaizdingos sistemos, kur sudėtingi tonai yra suskaidomi dėl grynų spalvų, perduodamų atskirų smūgių. Menininkai nesumažėjo spalvų ant paletės, bet norėjo tiesiogiai nustatyti smūgius tiesiai ant drobės. Toks aparatas, pritvirtintas prie tapybos specialaus pagarbos, kintamumo ir palengvinimo. Menininkų darbai buvo užpildyti spalvomis ir šviesa.

Paroda 1874 m. Balandžio 15 d. Paryžiuje buvo formavimo laikotarpio rezultatas ir pateikimas visuomenei apie naują kursą. Ekspozicija buvo dislokuota studijoje fotografo Felix Nadar ant Kapuchin bulvaro.

Pavadinimas "Impressionizmas" atsirado po parodos, kuriai eksponuojami "Monet" paveikslėlis. "Sunrise". Kritikas L. Lerua jo peržiūros leidinyje "Charievari" davė 1874 m. Parodos ypatumus, vedantį į Moneto pavyzdį. Kitas kritikas, Maurice Denis, priekaištavo impresionistus, nesant individualumo, jausmų, poezijos.

Pirmojoje parodoje apie 30 menininkų parodė savo darbus. Tai buvo didžiausia, palyginti su vėlesnėmis parodomis iki 1886 m.

Neįmanoma pasakyti apie teigiamą atsiliepimą iš Rusijos visuomenės. Rusijos menininkai ir kritikai-demokratai, visada ryškiai domina Prancūzijos meno tarnavimo laikas - I. V. Kramskaya, I. E. Repin ir V. V. V. V. Stasovas - labai įvertino impresionistų pasiekimus iš pirmosios parodos.

Naujasis meno istorijos etapas, kuris prasidėjo 1874 paroda, nebuvo staigus revoliucinių tendencijų sprogimas - jis buvo lėto ir nuoseklaus vystymosi kulminacija.

Su visais, kad visi didžiojo praeities meistrai padarė savo indėlį į impresionizmo principų plėtrą, artimiausi srauto šaknys gali būti lengvai aptinkamas dvidešimties praėjusio istorinėje parodoje.

Lygiagrečiose parodose salone jie įgijo parodų impresionistų apyvartą. Jūsų darbuose buvo įrodyta naujos tapybos tendencijos. Jis buvo kaltinamas salono kultūros ir parodų tradicijas. Be to, menininkai-impresionistai sugebėjo pritraukti gerbėjų naujų meno tendencijų.

Teorinės žinios ir impresionizmo formuluotė pradėjo vystytis gana vėlai. Menininkai pageidauja daugiau praktikų ir jų pačių eksperimentų apie šviesą ir spalvą. Impressionz, visų pirma vaizdingų, atsekti realizmo palikimas, anti-akademinės, antisaloninės orientacijos ir montavimo aplinkinės realybės to laiko įvaizdis yra išreikštas jame. Kai kurie mokslininkai pažymi, kad impresionizmas tapo specialiu realizmo šakuiu.

Be abejo, impresionistiniame mene, kaip ir kiekviename meno sraute, atsiradusių per lūžių ir senųjų tradicijų krizę, buvo austi, su visais savo išorės vientisumu, įvairiomis ir net prieštaringomis tendencijomis.

Pagrindinės savybės buvo menininkų kūrinių tema meninio išraiškingumo priemonėmis. Irina Vladimirovos knyga apie impresionistus apima keletą skyrių: "Kraštovaizdžio, gamtos, įspūdžių", "miestas, susitikimų vietos ir atsiskyrimo", "pomėgiai, kaip gyvenimo būdas", "žmonės ir simboliai", "Portretai ir savęs portretai" , "Vis dar gyvenimas". Jame taip pat aprašoma kiekvieno darbo kūrimo ir vietos istorija.

Grayday metu impresionizmo menininkai rado harmoninę pusiausvyrą tarp objektyvios realybės ir jo suvokimo. Menininkai bandė užfiksuoti kiekvieną šviesos spinduliuotę, vėjo judėjimą, gamtos kintamumą. Siekiant išsaugoti paveikslų šviežumą, impresionistai sukūrė originalią vaizdingą sistemą, kuri vėliau buvo labai svarbi meno plėtrai ateityje. Nepaisant bendrų paveikslų krypčių tendencijų, kiekvienas menininkas rado savo kūrybinį kelią ir pagrindinius žanrus tapyboje.

Klasikinis impresionizmas atstovauja menininkai kaip Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Bazilikas, Berta Morizo, Edgar Dega.

Apsvarstykite kai kurių menininkų indėlis į impresionizmo formavimą.

Eduard Mana (1832-1883)

Pirmosios tapybos mane pamokos, gautos iš T. Couture, dėka ateities menininkas įgijo daug reikalingų profesinių įgūdžių. Dėl to, kad trūksta tinkamo mokytojo dėmesio, mane palieka kapitono magistro ir pasiūlo savęs ugdymą. Jis apsilanko parodose muziejuose, senieji meistrai turėjo didelę įtaką jo kūrybinei formavimosi, ypač ispanų.

1860-aisiais "Mane" rašo du darbus, kuriuose laikomi pagrindiniai jo meno pabrėžimo principai. "Lola iš Valensijos" (1862 m.) Ir "Fleetist" (1866) rodo mane kaip menininkas, kuris atskleidžia modelio pobūdį spalvų perdavimu.

Jo idėjos dėl tepinių taikymo techniką ir požiūrį į spalvą buvo priimta kitų menininkų impresionistų. 1870 m. "Mane" priartėja prie savo pasekėjų ir dirba pallette be juodos. Atvykimas į impresionizmą buvo savęs kūrybinės raidos rezultatas. Labiausiai įspūdinantys manos nuotraukos yra laikomos "laivu" (1874 m.) Ir "Claude Monet valtyje" (1874).

Mana taip pat parašė daugybę skirtingų pasaulietinių ponios, aktorės, simuliatorių, gražių moterų. Kiekviename portrete buvo perduota modelio unikalumas ir individualumas.

Netrukus prieš jo mirtį Mana rašo vieną iš savo šedevrų - "Baro folio" (1881-1882). Šiame paveikslėlyje keli žanrai yra sujungti vienu metu: portretas, vis dar gyvenimas, buitinė scena.

N. N. Kalitina rašo: "Magic Magic Magic yra tai, kad mergina priešinasi aplinkiniam, tiek daug akivaizdžiai atskleidžia savo nuotaiką, ir tuo pačiu metu yra viso nugaros planas, neaiškiai atspėti, neaišku, nerimą, taip pat išspręsta mėlyna-juoda , melsvai baltos, geltonos spalvos tonai. "

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet buvo neabejotinas lyderis ir klasikinio impresionizmo įkūrėjas. Pagrindinis jo tapybos žanras buvo kraštovaizdis.

Jo jaunystėje mone buvo mėgsta karikatūrą ir animaciją. Pirmieji modeliai savo darbams buvo jo mokytojai, draugai. Pavyzdžiui, jis naudojo karikatūras laikraščiuose ir žurnaluose. Jis nukopijavo brėžinius "Golua" E. Karzha, poetas ir karikatoristas, Gustava Kouris draugas.

Kolegijoje, tapybos monetas mokė Jacques-Francois Oshar. Tačiau teisingai pastebi įtaką Monte Budenei, kuri palaikė menininką, davė jam patarimus, motyvuotus tęsti kūrybiškumą.

1862 m. Lapkričio mėn. Paryžiaus Monet tęsė studijas Paryžiuje Gleira. Dėl šio moneto, jis susitiko su juo dirbtuvėse su baziniu, Renoir, Sisty. Jauni menininkai ruošėsi priėmimo į grakštų meno mokyklą, gerbiant jų mokytoją, kuris paėmė mažai pamokas savo pamokas ir minkšta forma davė patarimų.

Monetas sukūrė savo paveikslus ne kaip istorija, o ne kaip idėjos ar temos iliustracija. Jo tapyba, kaip ir gyvenimas, neturėjo aiškių tikslų. Jis pamatė pasaulį, o ne sutelkiant dėmesį į detales, kai kuriais principais jis vaikščiojo į "kraštovaizdžio viziją" (terminas istorikas A. A. Fedorova-Davydova). Monetas siekė inkubacijos, žanrų susijungimo ant drobės. Jo inovacijų įsikūnijimų priemonės buvo etituos, kurios turėjo būti baigtos tapybos. Visi eskizai buvo paimti iš gamtos.

Jis parašė pievą ir kalvos, gėlės ir uolos ir sodai ir kaimiški gatvės ir jūra, paplūdimiai ir daug daugiau, jis kreipėsi į gamtos įvaizdį skirtingais dienos laikais. Dažnai jis rašė tą pačią vietą skirtingais laikais, taip sukuriant visą ciklą nuo jų darbų. Jo darbo principas nebuvo objektų paveikslėlyje, bet tiksliai perduodant šviesą.

Leiskite mums pateikti keletą menininko darbo - "Makovo lauko iš Argeneii" (1873), "grindys" (1869), "tvenkinys su vandens lelija" (1899), "kviečių kaminai" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir reiškia išskirtinius pasaulietinio portreto meistrus, be to, jis dirbo kraštovaizdžio žanruose, buitinės scenoje, vis dar gyvenime.

Jo darbo bruožas yra žmogaus asmenybės interesas, jo charakterio ir sielos atskleidimas. Savo drobėse Renoir bando pabrėžti būtybės išsamumo jausmą. Dailininkas pritraukia pramogas ir šventes, jis rašo kamuoliukus, eina su savo judėjimu ir įvairiais simboliais, šokiais.

Garsiausi menininko darbai - "aktorės portretas" Aktorė Zhanna Samari "," skėčiai "," plaukimas apie tinklus "ir kt.

Įdomu tai, kad Renoir buvo pasižymi muzikalumu ir dainavimu Bažnyčios chore pagal išskirtinio kompozitoriaus ir mokytojo Charles Guno vadovybę Paryžiuje Saint-Esthedroje. Sh. Gunno primygtinai rekomendavo berniuką užsiimti muzika. Tačiau tuo pačiu metu Renoir atrado meninį talentą - nuo 13 metų jis jau išmoko dažyti porceliano patiekalus.

Muzikos klasės turėjo įtakos menininko asmenybės formavimui. Daugelis jo kūrinių yra susiję su muzikos temomis. Jie rado savo atspindžio žaidimą fortepijonui, gitara, mandolin. Tai yra paveikslai "gitaros gitara", "jauna ispanų moteris su gitara", "jaunoji ponia fortepijonui", "moteris groja gitara", "fortepijono pamoka" ir kt.

Jean Frederiko bazilikas (1841-1870)

Pasak jo menininkų draugų, Bazil buvo perspektyviausias ir išskirtinis impresionistas.

Jo darbai išsiskiria ryškiomis spalvų schema ir rankomis plaukuotais vaizdais. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley ir Claude Monet labai paveikė jo kūrybinis kelias. Jean Frederica Butas pradedantiesiems tapytojams buvo studija ir būstas.

Bazilikas pageidautina parašė įplanuotoju. Pagrindinė jo kūrybiškumo idėja buvo asmens įvaizdis, atsižvelgiant į gamtos foną. Pirmieji paveikslų herojai buvo jo draugai - menininkai; Daugelis impresionistų mėgsta piešti vieni kitus savo darbuose.

Frederiko bazilikas labai kūrybiškumu nustatė realaus impresionizmo kursą. Garsiausias jo nuotraukos vaizdas yra "šeimos susijungimas" (1867) - autobiografinis. Menininkas vaizduoja savo šeimos narius. Šis darbas buvo pristatytas salone ir gavo patvirtinantį visuomenės vertinimą.

1870 m. Menininkas mirė Prūsijos-Prancūzijos karo metu. Jau po dailininko mirties, jo draugai - menininkai surengė trečią parodą impresionistų, kur jo drobė buvo eksponuojami.

Camille Pissarro (1830-1903)

"Camille Pissarro" yra viena iš didžiausių dažų menininkų atstovų po K. Monet. Jo darbai buvo nuolat veikiami impresionistų ekspozicijomis. Savo darbuose Pissarro pageidaujamos laukai, valstiečių gyvenimas ir darbas. Jo paveikslai buvo būdingi formų struktūra ir kompozicijos aiškumas.

Vėliau menininkas pradėjo rašyti paveikslus apie miesto temas. N. Kalitina savo knygoje Pastabos: "Jis žiūri į miesto gatves iš viršutinių grindų arba iš balkonų langų, nepateikdami jų kompozicijos."

Pagal Georges Pierre Syros įtaką menininkas paėmė poentilizmą. Šis metodas reiškia kiekvieno tepinėjimo įvedimą atskirai, tarsi nustatydami tašką. Tačiau kūrybinės perspektyvos šioje srityje nebuvo realizuota, o pissarro grįžo į impresionizmą.

Garsiausi Pissarro paveikslai tapo "Montmartre bulvaras. Po pietų, saulėta, "Opera Pass Paryžius", "Prancūzijos teatro aikštė Paryžiuje", "sodas Pontoise", "Havita", "Senokos" ir kt.

Alfred Sisley (1839-1899)

Pagrindinis "Alfred Sisley" tapybos žanras buvo kraštovaizdis. Jo ankstyvuose darbuose jis gali būti vertinamas daugiausia K. Coro. Palaipsniui, bendradarbiaujant su K. Monte, J. F. Bazil, P. O. Renoir, šviesos tonai pradeda atsirasti savo darbuose.

Menininkas pritraukia šviesos žaidimą, keičiant atmosferos būseną. Tam pačiam Sisley kraštovaizdžiui kelis kartus kreipėsi, užfiksuoti jį skirtingais dienos laikais. Jo darbų prioritetas dailininkas davė vandens ir dangaus įvaizdį, kuris pakeitė kas sekundę. Menininkas sugebėjo pasiekti tobulumą su spalvų pagalba, kiekvienas jo pavėsyje yra toks simbolis.

Jo garsiausi darbai: "Kaimo alėja" (1864), "šalčio Luveseyne" (1873), "Montmartre tipas su gėlių sala" (1869), "ankstyvasis sniegas Luvurezenne" (1872), "tiltas Argente" (1872) 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas yra menininkas, kuris pradėjo savo kūrybinį kelią su mokymosi grakštų meno mokykloje. Jis buvo įkvėptas Italijos renesanso menininkų, kurie turėjo įtakos jo darbui. Dego pradžioje parašė istorinius paveikslus, pavyzdžiui, "Spartano mergaites sukelia Spartano berniukai. (1860). Pagrindinis jo tapybos žanras yra portretas. Savo darbuose menininkas remiasi klasikinėmis tradicijomis. Jis sukuria darbus, pažymėtus ryškiu jų laiko jausmu.

Skirtingai nuo jo kolegos, Dega nesidalina džiaugsmu, lauko požiūriu į gyvenimą ir būdingus įspūdingus dalykus. Menininkas yra arčiau kritinės meno tradicijos: paprasto žmogaus likimo užuojauta, gebėjimas pamatyti žmonių sielas, vidinį pasaulį, nenuoseklumą, tragediją.

Siekiant didelio vaidmens kuriant portretą, objektus ir interjerą, aplinkinį žmogų. Mes pateikiame keletą darbo kaip pavyzdys: "Nepriimkite Dio su orkestro" (1868-1869), "Moterų portretas" (1868), "Chet Morbilli" (1867) ir kt.

Portreto principas Degi darbuose yra atsekamas per savo kūrybinį kelią. 1870 m. Visiškai šlovėje menininkas vaizduoja Prancūzijos visuomenę, ypač Paryžiuje jo darbuose. Menininko interesais - miesto gyvenimu. "Judėjimas buvo vienas iš svarbiausių gyvenimo apraiškų, ir jo gebėjimas perduoti tai yra svarbiausias šiuolaikinės tapybos užkariavimas," N.N. rašo Kalitin.

Per šį laikotarpį tokios nuotraukos yra sukurtos kaip "žvaigždė" (1878), "Miss Lola Circus Fernando", "Racing Epsoma" ir kt.

Naujasis "Degi" kūrybiškumo pasukimas tampa jo susidomėjimu balete. Jis parodo backstage gyvenimą balerin, pasakoja apie savo sunkiųjų darbų ir užsispyręs treniruotes. Bet nepaisant to, menininkas sugebėjo rasti lėktuvų ir lengvai perduoti savo vaizdus.

"Degi" paveikslų baleto serijoje matomi pasiekimai apie dirbtinių šviesos rampų perdavimo sistemą, jie kalba apie spalvingą dailininko suteikimą. Garsiausi paveikslai "Blue Dancers" (1897), "šokių klasė" (1874), "šokėja su puokštė" (1877), "šokėjai rožiniai" (1885) ir kt.

Gyvenimo pabaigoje dėl to, kad dėl pragyvenimo sutrikimo jis bando savo stiprybę skulptūroje. Jo objektai yra tie patys balerinai, moterys, arkliai. Degi skulptūroje bando perduoti judėjimą ir norint įvertinti skulptūrą, turite jį apsvarstyti iš skirtingų pusių.

"Naujasis pasaulis gimė, kai impresionistai parašė"

Henri kanveyLer.

XIX a. Prancūzija. Tapant tai įvyko precedento neturintis. Jaunųjų menininkų grupė nusprendė pakelti 500 metų tradiciją. Vietoj aiškaus piešinio jie naudojo platų "neatsargus" tepinėlį.

Ir nuo įprastų vaizdų ir apleistų, vaizduojant visus iš eilės. Ir plaučių elgesio ponios ir abejotinos reputacijos valdovai.

Visuomenė nebuvo pasirengusi tapyti impresionistų. Jie buvo naikinami, nuskendo. Ir svarbiausia, jie nieko nepirko.

Tačiau atsparumas buvo sugadintas. Ir kai kurie impresionininkai gyveno į savo triumfą. Tiesa, jie jau buvo 40. Kaip Claude Monet arba Auguste Renuar. Kiti laukė pripažinimo tik gyvenimo pabaigoje, kaip Camille Pissarro. Kažkas prieš jį negyveno kaip Alfred Sisley.

Kas yra revoliucinis įsipareigojo kiekvienas iš jų? Kodėl visuomenė neturėjo jų taip ilgai? Čia yra 7 garsiausių prancūzų impresionistų, kurie žino visą pasaulį.

1. Eduard mana (1832-1883)

Eduard mana. Savęs portretas su palete. 1878 Privatus kolekcija

Mana buvo vyresnė nei dauguma impresionistų. Jis buvo jų pagrindinis įkvėpimas.

Mana pats už revoliucionieriaus lyderio vaidmenį neprašė. Jis buvo pasaulietinis žmogus. Svajojo apie oficialius apdovanojimus.

Bet jis ilgai laukė pripažinimo. Visuomenė norėjo pamatyti graikų deivė arba vis dar gyvena blogiausiu galu, gražiai pažvelgė į valgomąjį. Mane norėjo parašyti šiuolaikinį gyvenimą. Pavyzdžiui, užuolaidos.

Kaip rezultatas, pasirodė "pusryčiai ant žolės". Du dandie yra šviesos elgesio ponios visuomenėje. Vienas iš jų, kaip niekas sėdi šalia apsirengusių vyrų.

Eduard mana. Pusryčiai ant žolės. 1863, Paryžius

Palyginkite savo "pusryčius ant žolės" su Tom Couture "romėnų darbu nuosmukio metu." Couture tapyba pagamino furor. Menininkas iš karto tapo žinomas.

"Pusryčiai ant žolės" buvo apkaltintas vulgarumu. Nėštumas buvo visiškai rimtai rekomenduojamas žiūrėti.

Tomas Kutur. Nuosmukio laiko romėnai. 1847 m. Muziejus D'Ors, Paryžius. Artchive.ru.

"Couture" paveikslėlyje matome visus akademiklio atributus (tradicinis XVI-XIX acisijų tapymas). Stulpeliai ir statulos. Žmonės Apollo išvaizda. Tradicinės spalvos. Mannernas kelia ir gestai. Sklypas nuo tolimojo visiško žmonių gyvenimo.

"Pusryčiai ant žolės" Mana yra dar vienas formatas. Prieš jį niekas neatsirado tokių užuolaidų. Šalia gerbiamų piliečių. Nors daugelis laiko praleido laisvalaikį. Tai buvo tikras realių žmonių gyvenimas.

Kai aš pavaizdavau vieną garbingą ponia. Negraži. Jis negalėjo su šepečiu. Ponia buvo nusivylusi. Nuėjo iš jo ašaros.

Eduard mana. Angelina. 1860 m. Muziejus D'Ors, Paryžius. Wikimedia.commons.org.

Todėl jis ir toliau eksperimentuoja. Pavyzdžiui, su spalva. Jis nesistengė pavaizduoti vadinamojo natūralaus skonio. Jei jis atrodo, kad jis yra ryškus mėlynas, jis taip pat pavaizdavo savo ryškiai mėlynai.

Tai, žinoma, erzina visuomenę. "Galų gale, net Viduržemio jūros regionas negali pasigirti tokios mėlynos kaip vandens žmogus." - Yazvili jie.

Eduard mana. Arzhante. 1874 m. Dailės muziejus, kelionė, Belgija. Wikipedia.org.

Bet tai lieka faktas. Mana dvaroje pakeitė tapybos tikslą. Vaizdas tapo menininko individualumo įsikūnijimu, kuris rašo, kai jis nori. Pamiršdami apie šablonus ir tradicijas.

Naršymas jam nepaleido ilgą laiką. Pripažinimai laukė tik gyvenimo pabaigoje. Bet tai jau nebuvo būtina. Jis skausmingai išnyko nuo nepagydomos ligos.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Savęs portretas. 1886 Privatus kolekcija

Claude Monet gali būti vadinamas vadovėlio impresionistiniu. Kadangi jis buvo ištikimas šiai sričiai visą savo ilgą gyvenimą.

Jis rašė ne daiktus ir žmones, bet vieno atspalvio ir dėmių spalvų dizainas. Atskirus smūgius. Oro drebėjimas.

Claude Monet. Plaukimo baseinas. 1869 Metropolitan muziejus, Niujorkas. Metmuseum.org.

Monetas rašė ne tik gamtą. Jis vadovavo ir miestų kraštovaizdžiai. Vienas garsiausių -.

Šiame paveikslėlyje yra daug nuotraukų. Pavyzdžiui, judėjimas perduodamas neryškiu vaizdu.

Atkreipkite dėmesį: Ilgalaikiai medžiai ir skaičiai yra tarsi jie yra dūmuose.

Claude Monet. Kapuchin bulvaras Paryžiuje. 1873 (Europos ir Amerikos meno galerija 19-20 VZ.), Maskva

Prieš mus yra sustabdytas greito Paryžiaus gyvenimo momentas. Nėra judrumo. Niekas kelia. Žmonės vaizduojami kaip tepalai. Toks imunitetas ir "Stop Frame" poveikis yra pagrindinis impresionizmo bruožas.

Iki 1980 m. Vidurio menininkai buvo nusivylę impresionizme. Estetika, žinoma, yra gerai. Bet daugelio priespaudų nenuoseklumas.

Tik Monetas toliau išlieka, hipertropavimas impresionizmo. Ji tapo paveikslų serija.

Tas pats kraštovaizdis, kurį jis pavaizdavo dešimtys kartų. Skirtingais laikais. Skirtingais metų laikais. Norėdami parodyti, kiek temperatūros ir šviesos gali pakeisti tą pačią išvaizdą be pripažinimo.

Taigi buvo daugybė šieno kaminų.

"Claude Monet" nuotraukos Bostone esančiame dailės muziejuje. Kairė: šieno kaminai saulėlydžio zhiverny, 1891 dešinėje: šieno krūva (sniego efektas), 1891

Atkreipkite dėmesį, kad šių nuotraukų šešėliai yra spalvoti. Ir ne pilka arba juoda, kaip buvo įprasta impresionistai. Tai dar vienas jų išradimas.

"Monet" sugebėjo mėgautis sėkme ir materialine gerove. Po 40 jis jau pamiršo apie skurdą. Turite namą ir gražią sodą. Ir ilgą laiką praleido daugelį metų.

Apie labiausiai pasirašyto Meistro paveikslą Straipsnyje

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportretas. 1875 Meno sterlingų ir Francin Clark, Masačusetsas, JAV. Pinterest.ru.

Impressionizmas yra labiausiai teigiamas tapyba. Ir labiausiai teigiamas tarp impresionistų buvo Renoir.

Jo paveiksluose nerasite dramų. Net juoda dažai nenaudojo. Tik būtybės džiaugsmas. Net labiausiai paplitęs renovas atrodo gražus.

Skirtingai nuo Monet, Renoir dažniau rašė žmones. Jam kraštovaizdžiai buvo mažiau reikšmingi. Nuotraukos yra poilsio ir mėgautis jo draugų ir pažįstamų gyvenimu.

Pierre-Auguste Renoir. Pusryčiai. 1880-1881. Phillips, Vašingtono, JAV kolekcija. Wikimedia.commons.org.

Jūs negalite rasti Renoaros ir gylio. Jis labai džiaugėsi galėdamas prisijungti prie impresionistų, kurie buvo užteršti sklypai.

Kaip jis pats pasakė, galiausiai jis turi galimybę rašyti gėles ir paskambinti juos tik "gėlės". Ir neatrodo jokių istorijų apie juos.

Pierre-Auguste Renoir. Moteris su skėčiu sode. 1875 m. Tissen-Burnis muziejus, Madridas. arteuam.com.

Geriausias Renoir jaučiamas moterų visuomenėje. Jis paprašė savo tarnautojo dainuoti ir pokštai. Kuo daugiau kvailas ir daina buvo labiau naivi, tuo geriau jam. Ir vyrų pokalbis buvo pavargęs. Nenuostabu, kad "Renoir" garsėja nuogas šluostėmis.

Paveikslėlio modelis "nuogas saulės šviesoje", tarsi pasireiškia spalvinga abstrakčiais fone. Kadangi Renuara nėra nieko nepilnamečio. Modelio akys arba galinio fono sekcijos yra lygiavertis.

Pierre-Auguste Renoir. Nuogas saulės šviesoje. 1876 \u200b\u200bm. D'Orsov muziejus, Paryžius. wikimedia.commons.org.

Renoir gyveno ilgą gyvenimą. Ir niekada neuždėkite šepetėlio ir paletės. Net tada, kai jo rankos visiškai maitino reumatizmą, jis susietas su savo rankomis su virvele. Ir nudažyti.

Kaip Monte, jis laukė pripažinimo po 40 metų. Jis pamatė savo paveikslus į Luvrą, šalia žinomų meistrų darbų.

Apie vieną iš žavingiausių Renuaros portretų skaitymo straipsnyje

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Autoportretas. 1863 Galustų muziejus Gulbenkyan, Lisabona, Portugalija. Kultivuoti.com.

Degi nebuvo klasikinis impresionistas. Jis nenorėjo dirbti nelaisvėje (lauke). Jis neranda sąmoningos paletės.

Priešingai, jis mylėjo aiškią eilutę. Jis turi juodą spalvą. Ir jis dirbo tik studijoje.

Bet vis tiek jis visada yra iš eilės su kitais puikiais impresionaliais. Nes jis buvo impresionistinis gestas.

Netikėtos perspektyvos. Asimetrija objektų vietoje. Krekingo nustebinimo simboliai. Čia yra pagrindiniai jo paveikslų atributai.

Jis sustabdė gyvenimo akimirkas nesuteikdami simbolių ateiti į savo jausmus. Pažvelkite bent jau savo "operos orkestre".

Edgar Degas. Operos orkestras. 1870 m. D'Orso muziejus, Paryžius. Commons.wikimedia.org.

Pirmininkui, kėdės gale. Muzikantas mums atgal. Ir ant nugaros fone, balerina ant scenos netelpa į "rėmelį". Jų galvai yra negailestingai "apipjaustyti" paveikslų kraštą.

Taigi šaukytojai myli juos ne visada pavaizduoti gražiose kelionėse. Kartais jie tiesiog daro ruožą.

Tačiau šis improvizacija yra sutrikusi. Žinoma, Dega apgalvotai apgalvojo kompoziciją. Tai tik sustabdymo rėmo efektas, o ne tikras pėdų rėmelis.

Edgar Degas. Du baleto šokėjai. 1879 m. Muziejus Shelbourne, Vermutas, JAV

Edgar Degas mėgstu rašyti moteris. Tačiau kūno liga ar savybės neleido jam turėti fizinio kontakto su jais. Jis niekada nebuvo vedęs. Niekas niekada nematė jo su ponia.

Nekilnojamojo sklypų trūkumas jo asmeniniame gyvenime jo vaizdams buvo plona ir intensyvi erotika.

Edgar Degas. Baleto žvaigždė. 1876-1878. D'Ors muziejus, Paryžius. wikimedia.comons.org.

Atkreipkite dėmesį, kad "Baleto žvaigždės" paveikslėlyje yra tik pats balerina. Jos kolegos už scenos vos skiriasi. Yra tai, kad kelios kojos.

Tai nereiškia, kad Dega nebaigė nuotraukos. Tai yra priėmimas. Palikite tik svarbiausią dalyką. Likusi dalis išnyks, neįskaitomi.

Apie kitus magistro paveikslus Straipsnyje

5. BERTA MORIZO (1841-1895)

Eduard mana. Krantinės morizo \u200b\u200bportretas. 1873 Marotono Monet muziejus, Paryžius.

Bert Morizo \u200b\u200bretai įdėti į pirmąją didelių impresionistų eilutę. Esu tikras, kad jis yra nepakankamas. Tiesiog jūs turite visas pagrindines funkcijas ir metodus impresionizmo. Ir jei jums patinka šis stilius, jums patinka jos darbas su visa siela.

Morizo \u200b\u200bgreitai dirbo ir stumia, perkeliant savo įspūdį ant drobės. Skaičiai, kaip jei apie tai ištirpsta erdvėje.

Bert Morizo. Vasara. 1880 m. Famono muziejus, Montpellier, Prancūzija.

Kaip Degi, ji dažnai neišmokė keletą detalių. Ir net kūno modelio dalys. Mes negalime atskirti mergaičių "vasarą".

Saviraiškos kelias Morizo \u200b\u200bbuvo sunku. Ji ne tik užsiėmė "neatsargaus" tapybos. Ji vis dar buvo moteris. Tomis dienomis ponia turėjo svajoti apie santuoką. Po to buvo pamiršta bet koks hobis.

Todėl Berta jau seniai atsisakė santuokos. Kol aš rasiu žmogų, kuris pagarbiai paėmė savo pamoką. Eugenijus Mana buvo jo gimtoji dailininko Eduardo brolis. Jis panaikino nuostabų ir dažų.

Bert Morizo. Eugenijus su savo dukra Buhval. 1881 Marotono Monet muziejus, Paryžius.

Tačiau dar atvejai buvo XIX a. Ne, Morizo \u200b\u200bkelnės dėvėjo. Bet ji negalėjo sau leisti visiškos judėjimo laisvės.

Ji negalėjo eiti į parką dirbti vieni, nelydimi kažkas iš artimųjų. Negalėjo sėdėti vieni kavinėje. Todėl jos paveikslai yra šeimos iš šeimos rato. Vyras, dukra, giminaičiai, auklė.

Bert Morizo. Moteris su vaiku sandėlyje. 1881 Nacionalinis Velso muziejus, Kardifas.

Morizo \u200b\u200batpažinimas nelaukė. Ji mirė per 54 metus nuo plaučių uždegimo, beveik niekas ne gyvenime. Savo liudijimą mirties skiltyje "strypų klasės" stovėjo griovys. Ji buvo neįsivaizduojama moteriai, vadinamu menininku. Net jei ji tikrai buvo.

Apie meistro skaitymo paveikslą straipsnyje

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportretas. 1873 m muziejus d'Ors, Paryžius. Wikipedia.org.

Camille Pissarro. Nesilaikymas, pagrįstas. Daugelis žmonių suvokiami kaip mokytojai. Netgi esmingiausi kolegos apie "Pissarro" nekalbėjo blogai.

Jis buvo ištikimas impresionizmo pasekėjas. Labai reikia, turintys žmoną ir penkis vaikus, jis vis dar sunkiai dirbo savo mylimam stiliui. Ir niekada nesijaudinkite į salono tapybą, kad taptumėte populiaresni. Nežinoma, kur jis paėmė galią tikėti savimi.

Norint ne visai mirti su badu, Pisserrro dažytas ventiliatorius, kuris būtų laimingas. Ir šis pripažinimas atėjo po 60 metų! Tada pagaliau jis galėjo pamiršti apie poreikį.

Camille Pissarro. Kruopštumas Liuzeienne. 1869 m. D'Orso muziejus, Paryžius

Oras paveiksluose pissarro storio ir tanki. Neįprastas spalvų ir tūrio lydinys.

Dailininkas nebijo parašyti labiausiai kintamų gamtos reiškinių, kurie rodomi trumpam ir išnyksta. Pirmasis sniegas, frosty saulė, ilgi šešėliai.

Camille Pissarro. Šalčio. 1873 m. D'Orsov muziejus, Paryžius

Jo garsiausi darbai yra Paryžiaus tipai. Su plačiais bulvaruose, įlankos Motley minia. Naktį, po pietų, skirtingais oru. Tai, ką jie aido su "Claude Monet" nuotraukų serijos.

Impresionizmo (FR. impressionnize., OT. Įspūdis - įspūdis) - Paskutinės trečdalio XIX trečdalio meno kryptis - XX a. Pradžioje, kilę iš Prancūzijos ir tada išplito visame pasaulyje, kurio atstovai siekė sukurti metodus ir taikytojus, leidžiančius užfiksuoti natūraliausią ir ryškumą Nekilnojamasis pasaulis savo mobilumoje ir kintamokyje perduoda savo mimlingus įspūdžius. Paprastai pagal sąvoką "impresionizmo" reiškia kryptimi tapyboje (tačiau tai visų pirma - metodų grupė), nors jo idėjos taip pat nustatė savo idėjimus literatūroje ir muzikoje, kur impresionizmas taip pat atliekamas tam tikruose metodų rinkinyje ir Literatūros ir muzikos kūrinių kūrimo metodai, kuriuose autoriai stengėsi perteikti gyvenimą sensuale, tiesiogine forma, kaip savo įspūdžių atspindys

Tuo metu atlikto menininko užduotis buvo labiausiai patikima tikrovės įvaizdis, o ne parodyti subjektyvius menininko pojūčius. Jei jis buvo užsakytas parado portretas - tada buvo būtina parodyti klientui palankios šviesos: be deformacijų, kvaila veido išraiška ir kt. Jei religinis sklypas - tada buvo būtina sukelti pagarbos ir nuostabos jausmą. Jei kraštovaizdis yra parodyti gamtos grožį. Tačiau, jei menininkas paniekino turtingą, kuris įsakė portretą, ar buvo netikinčio, nebuvo jokio kito pasirinkimo ir išliko tik savo unikalia technika ir viltis sėkmės. Tačiau antroje pusėje XIX a. Fotografija pradėjo aktyviai plėtoti ir realistišką tapybą pradėjo palaipsniui palikti nuošalyje, nes net tada buvo labai sunku perteikti realybę, kaip tikėtina, kaip ir nuotraukoje.

Daugeliu atžvilgių su impresionistų atsiradimu tapo aišku, kad menas galėtų pateikti vertę kaip subjektyvų autoriaus atstovavimą. Galų gale, kiekvienas asmuo suvokia realybę įvairiais būdais ir taip pat reaguoja į jį. Kuo įdomiau išvaizda, kaip ir skirtingų žmonių akyse, realybė atsispindi ir kokias emocijas jie patiria.

Menininkas turi neįtikėtiną saviraiškos galimybių skaičių. Be to, savaime saviraiška tapo daug laisvesnė: imtis nestandartinio sklypo, tema, pasakyti kažką kita nei religinės ar istorinės temos, naudokite savo unikalią techniką ir pan. Pavyzdžiui, impresionistai norėjo išreikšti mumbling įspūdį, pirmąją emociją. Štai kodėl jų darbai yra neaiškūs ir lyg jie nebūtų. Tai buvo padaryta siekiant parodyti daugiklį įspūdį, kai nėra jokių objektų sąmonės ir tik šviesos šviesos, puslankiai ir neryškus kontūrai yra matomi. Mainorizės žmonės supras mane) Įsivaizduokite, kad jūs nepasirinkote viso dalyko, pamatyti jį iš tolo arba tiesiog nesijaudinkite, bet jau yra įspūdis apie tai. Jei bandote jį pavaizduoti, tada tikėtina, kad gausite kažką panašaus į impresionistų nuotraukas. Kažkas panašaus į kontūrą. Todėl paaiškėjo, kad tai buvo svarbesnė už tai, kad jis buvo rodomas, bet kaip.

Pagrindiniai šio žanro atstovai tapyboje buvo: Monet, Mana, Sislai, Degas, Renoir, Cezanne. Atskirai būtina atkreipti dėmesį į Umlama Turnner kaip savo pirmtaką.

Kalbant apie sklypą:

Jų paveikslai buvo atstovaujami tik teigiamų gyvenimo pusių, nepažeidžiant socialinių problemų, įskaitant tokius kaip badas, liga, mirtis. Tai vėliau buvo padalinta tarp pačių impresionistų.

Spalvų schemos.

Impressionists mokėjo didelį dėmesį į spalvą, iš esmės atsisako niūrus atspalvių, ypač nuo juodos. Toks dėmesys savo darbų spalva buvo iškelta sau labai svarbi vieta paveikslėlyje ir stumdavo tolesnes kartas menininkų ir dizainerių atsargiai, kaip tokia spalva.

Sudėtis. \\ T

Impresionistų sudėtis priminė japonų tapybą, buvo panaudotos sudėtingos kompozitinės schemos, kiti kanonai (ne aukso sekcija ar centras). Apskritai tapybos struktūra tapo labiau paplitusi asimetriniu, sudėtingesniu ir įdomiu šiuo požiūriu.

Impressionistų sudėtis pradėjo turėti daugiau nepriklausomos reikšmės, jis tapo vienu iš paveikslo elementų, skirtingai nuo klasikinio, kur jis dažniau atliko (bet ne visada) schemos, kuriomis buvo pastatyta bet koks darbas, vaidmuo. XIX a. Pabaigoje tapo aišku, kad tai buvo aklavietė, o pats kompozicija gali turėti tam tikras emocijas ir išlaikyti paveikslų sklypą.

Anksčiau

EL GRECO - nes aš naudoju panašius metodus dažų ir jo spalva įgijo simbolinę vertę. Jis taip pat išsiskyrė į labai originalų, individualumą, kuris taip pat ieškojo impresionistų.

Japonijos graviravimas - nes jis įgijo didelį populiarumą Europoje tų metų ir parodė, kad vaizdas gali būti pastatytas visose kitose taisyklėse nei klasikiniai Europos meno kanonai. Tai taikoma kompozicijai, spalvų, detalių naudojimui ir kt. Japonijos ir apskritai rytiniuose brėžiniuose ir graviūrose buvo daug dažniau vaizduojami buitinėmis scenomis, kurios beveik niekada nebuvo Europos mene.

Vertė

"Impressionists" paliko ryškų pėdsaką pasaulyje, sukūręs unikalius laiškų metodus ir turintys didžiulį poveikį visoms vėlesnėms menininkų kartoms su savo ryškiu ir įsimintinu darbu, protestu dėl klasikinės mokyklos ir unikalaus darbo su spalvomis. Vis dėlto iki maksimalaus darbo Neatiau ir tikslumas klampio pasaulio perkėlimo, jie pradėjo rašyti daugiausia lauke ir iškėlė etude iš gamtos prasmę, beveik tradicinio tipo paveikslėlį, kruopščiai ir lėtai sukūrė seminare.

Nuosekliai apšviesti savo paletę, impresionistai išlaisvino tapybą nuo žemiškų ir rudų lakų ir dažų. Sąlyginis "muziejus" juoda jų drobėje yra prastesnis už begalinis įvairaus žaidimo refleksų ir spalvų šešėlių. Jie neišnamai išplėtė vizualinio meno galimybes, atidarančią ne tik saulės, šviesos ir oro pasaulį, bet ir Londono rūmus, neramus didelio miesto gyvenimo atmosfera, jo naktinių žibintų ir ritmo sklaidos atmosfera nenutrūkstamo judėjimo.

Pagal darbo metodas Plenuera metodas, kraštovaizdis, įskaitant miesto kraštovaizdį, paėmė labai svarbią vietą impresionistų meno. Tačiau jis neturėtų manyti, kad jų tapybai būdingas tik "kraštovaizdžio" realybės suvokimas, ką jie dažnai buvo paniekinti. Jūsų kūrybiškumo teminiai ir scenos asortimenta buvo gana plati. Susidomėjimas asmeniu, ypač šiuolaikiniam Prancūzijos gyvenimui plačiui, buvo keletas šios krypties atstovų. Jo gyvybės patvirtinimas, Demokratinė Paphos idėja aiškiai prieštaravo buržuaziniam pasaulio tvarka.

Tuo pačiu metu, impresionizmo ir, kaip mes matysime, postpreSpession yra dvi pusės, arba, o du iš eilės laikinų etapų tos šaknies lūžio, kuris padėjo pasienyje tarp naujo ir naujausio laiko meno. Šia prasme, įspūdį, viena vertus, užbaigia viską po Renesanso meno plėtrą, kurio pagrindinis principas buvo apylinkės atspindys vizualiai patikimas formas pati paties, ir kita - tai pradžia didžiausių dailės istorijos, kuri padėjo kokybiškai naujos etapo įkūrimo -

dvidešimtojo amžiaus menas.