Georges Siera "Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant. Georges Syra.

Immagine: "Domenicay Day on Grand-Zhant Island".

Georges Pierre Syra; (P. Georges Seurat, 2 dicembre 1859, Parigi - 29 marzo 1891, Ibid) - Francese post-imagressionist, fondatore della scuola francese del neo-impressionismo del XIX secolo, i cui metodi di trasferimento del gioco della luce con il L'aiuto di piccoli tratti di colore contrastante è diventato noto come numetismo o divisione, come lo stesso dell'artista la chiamò.

Con l'aiuto di questa tecnica, lo zolfo ha creato composizioni con piccoli tratti puri separati, che sono troppo piccoli per evidenziarli quando guardi, ma rendono le foto con singoli lavori solidi deliziosi.

Georges zolfo è nata il 2 dicembre 1859 a Parigi in una famiglia ricca. Suo padre, antoine-crisi di Syra, era un avvocato e un nativo di champagne; Madre, Ernestin fevr, era un parigino. SCUOLA SUCCESSIVATA DI BINE ARTI. Poi ha servito nell'esercito a Brest. Nel 1880 tornò a Parigi. Nella ricerca del suo stile nell'arte ha inventato il cosiddetto numetismo - ricevimento artistico di sfumature e colori utilizzando singoli colori. La reception è utilizzata nel calcolo dell'effetto ottico di fusione di piccole parti quando si guarda l'immagine a distanza. Lavorando dalla natura, Siera amava scrivere su piccole gonne. Una superficie della spazzola solida e non raffinata di un albero, in contrasto con il piano di tela allungato vibrante, ha sottolineato la direzione di ciascuna striscia, che occupa un posto chiaramente definito nella colorata struttura compositiva dell'etudio. Siera si rivolse a scartate da impressionisti il \u200b\u200bmetodo di funzionamento: sulla base di etudi e schizzi scritti nel Plenuel, crea un'immagine di grande formato nel workshop.

Georges Siera ha studiato la prima arte con Justin Lena, scultore. Dopo essere tornato a Parigi, ha lavorato in studio insieme a due amici del periodo degli studenti, e poi equipaggiato il suo laboratorio. Tra gli artisti, la maggior parte di tutti erano interessati a Delacroa, Coro, Coutur, è stato stupito dalla "Intuizione di Monet e Pissarro". Syrahtotel a un metodo di divisione rigorosamente scientifico (la teoria della decomposizione dei colori). Sull'analogia elettronica di questo metodo, si basa il funzionamento del display raster. Nei due anni successivi, l'arte del disegno in bianco e nero è stato imparato. Lo zolfo ha letto molto, vividamente interessato alle scoperte scientifiche nel campo dell'ottica e dei colori e degli ultimi sistemi estetici. Secondo i suoi amici, il suo libro desktop era "Grammatica art figura" "Grammaire des Arts du Dessin" (1867) Charles of the Blanche. Secondo Blanov, l'artista deve "conoscere lo spettatore con la naturale bellezza delle cose, rivelando il loro significato interiore, la loro entità pulita".

Nel 1883, Syra crea il suo primo lavoro eccezionale - un'enorme tela pittoresca di "nuotatori in Anniere". L'immagine della giuria del salone presentata sulla corte è stata respinta. Siera lo ha mostrato alla prima mostra di un gruppo di artisti indipendenti nel 1884 nel padiglione delle Tuileries. La sua conoscenza con Xinyaka, che in seguito ha risposto riguardo alla foto stava accadendo: "Questa foto è stata scritta da grandi tratti piatti, che erano soli su un altro e presi dalla tavolozza, redatto, come Delacroix, da vernici pura e di terra. L'ocra e la terra abbondano il sapore, e l'immagine sembrava meno luminosa delle immagini di impressionisti scritte dai colori della Colt. Ma la conformità con il contrasto, la separazione sistematica di elementi - luce, ombra, colore locale, è il rapporto giusto e l'equilibrio ha dato l'armonia a questa tela ".

Dopo che il suo dipinto è stato respinto dal Salone di Parigi, Syra preferiva la creatività individuale e i sindacati con artisti indipendenti di Parigi. Nel 1884, lui e altri artisti (incluso Maximillene Lusa) hanno formato la società creativa "Soschie de artist indipendenti". Lì incontra l'artista dal campo Xinyak, che in seguito userà anche il metodo di puntilislismo. Nell'estate del 1884, Syra iniziò a lavorare sul suo lavoro più famoso - "Domenicay Day on Grand-Zhant Island". L'immagine è stata completata in due anni.
"Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant" - La famosa immagine di taglie enormi (2, 3 m) dell'artista francese Georges Syra, che è un brillante esempio di indicazione - indicazioni nella pittura, uno dei quali era Syra. È considerato uno dei dipinti più meravigliosi del periodo XIX secolo di posturismo. L'immagine fa parte della collezione del Chicago Institute of Arts.

"Mosaico Boredom" - Il filosofo Ernst Bloch ha risposto sulla tela di Syra. Bloch ha visto su tela solo "povertà domenica" e "paesaggio del suicidio raffigurato".

Editore Felix Feneon, al contrario, considerato il tela allegro e allegro e ha risposto a lui come questo: "Domenica una varietà di folla ... godendo la natura in mezzo all'estate."

Quando la foto è stata esposta nel 1886 all'ottava mostra di impressionisti, vari gruppi letterari lo hanno preso in tasti completamente diversi: i realisti hanno scritto a riguardo come domenica Guliana di Luda parigina, e i simbolisti nella spremuta sagoma di figure ascoltate i seminterrati Processioni dei faraoni e persino processioni di panafine. Tutto ciò ha causato un ridicolo di un artista che voleva solo scrivere "una composizione allegra e luminosa con orizzontali di equilibrio e verticali, dominanti di colori caldi e tonalità di luce con un punto bianco luminoso al centro."

Siera ha fatto molti disegni per i suoi e diversi paesaggi con le viste della Senna. Alcuni critici che hanno scritto sulla Siera suggeriscono che "fare il bagno" e poi scritto "Grand-Zhant" sono dipinti di accoppiamenti, nel primo di cui è rappresentato la classe lavoratrice e nella seconda borghesia. Un'altra opinione è stata rispettata all'estetica inglese e allo storico dell'arte Roger Fry, che ha aperto l'arte dei postmipressionisti dal pubblico inglese. Friggere i neo-semplici molto apprezzati. Nel "bagno", a suo avviso, il principale merito di Syra era che era distratto dall'ordinario, e da un aspetto poetico alle cose e si è trasferito nella zona di "armonia pulita e quasi astratta". Ma non tutti gli impressionisti hanno adottato la creatività neo-suregressionale di Syra. Quindi il Degi in risposta alle parole di Camille Pissarro, ha anche combattuto dal puntualismo, che il "Grand-Zhant" è un'immagine molto interessante, ha notato ITIFICAL: "Noi noterei, ma è molto grande," HINGING sugli ottici Proprietà del nuvolisme, da cui vicino all'immagine sembra essere un ginocchio di colore. La caratteristica caratteristica dello stile di zolfo era il suo nessuno simile all'immagine delle figure. I critici ostili hanno certamente affilato attenzione su questo elemento di dipinti di zolfo, chiamando i suoi personaggi con "bambole di cartone" o "cartoni animati senza vita". Lo zolfo è andato a semplificare la forma, ovviamente, completamente consapevolmente. Gli etuti conservati mostrano che lui, quando è stato richiesto, sapeva come scrivere persone abbastanza "viventi". Ma l'artista ha cercato di raggiungere l'effetto del tempo senza tempo e deliberatamente stilizzato le figure nello spirito degli antichi affreschi greci piatti o geroglifici egiziani. Una volta scritto al suo amico: "Voglio portare le figure dei popoli moderni alla loro essenza, farli muovere allo stesso modo sugli affreschi di Fidia e giacevano sulla tela in armonia cromatica".

Ad un certo periodo, Syra vive con il modello Madelin Nobloch, che raffigura nel lavoro "poodly woman" (1888-1889). Questa "donna impensabile nel debito grottesco degli anni '80" (Roger Fry) è presentato in termini di stessa assenza e contemplazione, così come i personaggi delle altre foto. L'influenza del "Japajenus comune in quegli anni" è stata probabilmente colpita nell'immagine del water Madeleine.

Proprio come la "parata" e "kankan", l'ultima immagine incompiuta di Syra - "Circo" (1890-1891) si applica al mondo degli occhiali e delle idee sulla loro trama. Ma se nei primi due punti di vista dalla sala sul palco, poi nell'ultimo Acrobat e il pubblico sono mostrati dagli occhi di uno che si esibisce nell'arena, il clown, che è raffigurato dalla parte posteriore in primo piano di la foto.

La serie è morta a Parigi il 29 marzo 1891. La causa della morte di Syra è dubbiosa ed è stata attribuita alla forma di meningite, polmonite, endocardite infettiva e / o (molto probabilmente) difterite. Suo figlio è morto due settimane dopo dalla stessa malattia. Georges Pierre Syrah è sepolto nel cimitero di per lachez.

"Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant" è uno dei dipinti più famosi del grande artista francese Georges-Pierre Syra. Georges Syra (1859-1891) è un famoso pittore, un rappresentante luminoso del post-ritmnessismo, uno dei fondatori del neo-simulionismo.

Georges Syra. Domenica giorno sull'isola di Grand-ZAPT

Inoltre, Georges Syra divenne noto per il fatto che ha creato un metodo di pittura, che è noto come numerabile - disegno per punti. L'immagine "Domenicay Day on the Island of Grand-Zhatt", che è anche conosciuta come "domenica pomeriggio sull'isola di Grand-Zhatt" è un vivido esempio di numetismo, che ha inventato Georges Syra. Questo lavoro non è solo un esempio eccellente, ma è considerato uno dei migliori dipinti di questa direzione di postmentalismo. L'arte del nuceletismo qui fornisce la presente perfezione di bellezza e splendore. Forse, è grazie a questo schieramento che il sensolismo ha preso una posizione forte in arte del mondo ed è ancora usato dagli artisti in tutti i continenti.

L'immagine "Domenicay Day on Grand-Zhatt Island" è stata scritta nel 1886, tela, olio. 207 × 308 Vedi attualmente situato nel Chicago Institute of Arts. L'immagine è un paesaggio soleggiato estate con persone che amano la natura. L'immagine sembra molto armoniosa, stagionata, calma, saturata. Seguendo la tua tecnica, Georges Syra non mescola la vernice, ma li rende punti in un determinato ordine.

L'immagine ha causato l'opinione ambigua del pubblico e dei critici dell'arte, ma ha ricevuto il suo posto nella storia dell'arte, la storia del postumnessismo, e divenne uno degli esempi più vivi della bellezza dello stylam of the winelism.

Georges Pierre Syra. (2 dicembre 1859, Parigi - 29 marzo 1891, Parigi) - Francese GradesimiPrecisonist, fondatore di Neo-Simemppressionism, Creatore del metodo originale di pittura sotto il nome "Divisionism" o "Pintelismo".

"Disaccordi" Pubblica la traduzione dell'artista dello storico americano e della critica della Linda Noklin "" Domenicay Day on the Island of Grand-Zhortt "George Syra: Allegoria antiutopica." Questo testo oltre alla sua importanza per la storia dell'arte e per l'urbanistica russa: desideroso disperato e meccanicista del tempo libero della città, che Noklin scrive, è una potente antitesi di un'idea alla moda della primaria importanza di un comodo ambiente di intrattenimento in una città moderna.

L'idea che il capolavoro di George Syor "Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant" - una specie di anti-notte, mi ha visitato quando leggo il capitolo "Paesaggio immaginario nella pittura, opera, letteratura" dal libro "Il principio della speranza "- Il lavoro principale del grande marxista tedesco Ernst Bloch. Questo è ciò che le pulci scrissero nella prima metà del nostro secolo:

"L'opposto della" colazione sull'erba "mana, o meglio, la sua allegria è la scena del paese di zolfo" domenica sull'isola di Grand-Zhatt ". L'immagine è l'attuale noia mosaico, l'immagine dell'officina delle aspettative frustrate di qualcosa e mancanza di significato dolce far niente.. L'immagine raffigura l'isola sulla Senna vicino a Parigi, dove la classe media spende domenica mattina ( sIC!): Solo e tutto, e tutto è mostrato con un eccezionale disprezzo. Le persone con niente che esprimono le persone riposano in primo piano; I personaggi rimanenti sono per lo più collocati tra alberi verticali come bambole in scatole, barcollando in posizione. Sono visibili al fiume pallido e agli yacht, a canottaggio kayak, barche a vista turistica - sfondo, sebbene ricreativo, ma sembrando più probabile come sotto la domenica. La situazione, anche se lo spazio per il tempo libero è raffigurato qui, suggerisce piuttosto il regno dei morti rispetto al giorno della domenica. Una maggiore frazione del silenzioso sconforto, l'immagine è obbligata al bagliore elevato del suo ambiente leggero e dall'acqua inespressiva della Senna della domenica, contemplata come inoppressivamente<…> Insieme al mondo della vita di tutti i giorni lavorativi, tutti gli altri mondi scompaiono, tutto è immerso in uno stupore acquoso. Il risultato è una noia anno, il sogno del diavolo di un piccolo uomo per rompere il Sabbath e estenderlo per sempre. La sua domenica è solo un dazio vincolante, e non il tocco desiderato verso la terra promessa. Domenica mezzogiorno borghese, simile a questo, è un paesaggio suicida che non ha avuto luogo dall'indecisione. In breve, questo è dolce far niente.A meno che non abbia conoscenza, ha la coscienza della più avanzata anti-scoperta sui resti della Sunday Utopia. "

Un'immagine dell'Anti-Nightopia, che è stata scritta da pulci - Non solo una questione di iconografia, non solo una trama o una storia sociale riflessa sulla tela. L'immagine di Siera non è abbastanza da considerare il passivo riflessione La nuova realtà urbana del 1880 o come fase estrema dell'alienazione, che è associata alla ristrutturazione capitalista dello spazio urbano e delle gerarchie sociali di quel tempo. Piuttosto, "Grand-Zhatt" - una tela attivamente producesignificati culturali, inventando i codici visivi per un'esperienza di artista moderna nella vita della città. È qui che l'allegoria opera nel titolo di questo articolo ("antiutopico allegoria"). È il pittoresco design "Grand-Zhant" - le sue tecniche formali - trasformano la scarpa da scarpa in un'allegoria. Questo è ciò che rende i lavori di Syra unici - e, in particolare, questa immagine. Syra è l'unica delle post-accettazioni, che nel tessuto e della struttura dei loro dipinti riuscì a riflettere il nuovo stato degli affari: alienazione, anomia, esistenza nel gioco della performance, subordinazione della vita di un'economia di mercato, dove il costo di scambio ha reso il consumatore e la produzione di massa - artigianato.

Paesaggio con il suicidio non preso da indecisione.

In altre parole, se non Cezanne, e Syra ha preso il posto dell'artista chiave, l'artista, l'arte del ventesimo secolo sarebbe stata completamente diversa. Ma questa affermazione, ovviamente, in sé è utopica - o almeno storicamente insostenibile. Dopotutto, alla svolta dei secoli XIX-XX, parte del paradigma storico dell'arte avanzata è stata la partenza dal globale, sociale e, soprattutto, una posizione critica oggettiva negativa, che è riprodotta nel Grand-Zhante ( Oltre alle immagini della parata e "Cankan" l'autore). Verrativa, non conforme, soggettiva e fenomenologica - in altre parole, la pittura "pura" - è stata presunta come base del modernismo. Come vedremo, la convinzione paradossale che pura visibilità e la superficie piatta della tela sono modernità, è assolutamente l'opposto di ciò che Syra mostra il Grand-Zhatt, come nelle sue altre opere.

A partire dall'alta rinascita dell'ambizioso obiettivo di tutte le arti occidentali era creare una struttura così pittoresca che costruirebbe una narrativa razionale e, soprattutto, la connessione espressiva della parte e il tutto, così come le parti tra loro e al Lo stesso tempo, stabilirebbe una relazione di sensazione con lo spettatore. Si presumeva che la pittura "esprime", cioè, respinge un senso interno a spese della sua connessione strutturale; Che funziona come una manifestazione visiva di riempimento o profondità interne, di cui il tessuto dell'immagine è, ma come manifestazione di superficiale, anche se avendo un valore enorme. In questo prodotto del Rinascimento, come la "scuola di Atene" di Rafael, i personaggi reagiscono e interagire in modo da suggerire (e in realtà per approvare) che c'è un senso dall'altra parte della superficie pittoresca, in modo da trasmettere Qualche valore complicato che viene immediatamente letto e va oltre le circostanze storiche che l'hanno generato.

In un certo senso, la "colazione sull'erba" mana rivendica la fine della tradizione occidentale dell'alta arte come una narrativa espressiva: l'ombra è addensata, la priorità superficiale nega qualsiasi trascendenza, i gesti non soddisfano più la loro missione a stabilire un dialogo. Ma anche qui, come Ernst Bloch Note nello stesso capitolo del suo libro, rimangono emanazioni utopiche. Infatti, le pulci credono "colazione sull'erba" dal contrario di "Grand-Zhant", che lo descrive come "... ... la scena desiderata della felicità epicurea" nelle espressioni più lirico: "Luce morbida, che potevo Scrivi solo un impressionista, flussi tra alberi, avvolge due coppie di amanti, una donna nuda, un'altra - spogliarsi davanti alle figure da balneare - e uomini scuri ". "Raffigurato", continua Bloch, "una situazione incredibilmente francese, piena di etoma, innocenza e perfetta facilità, vita di piacere discreta e serietà spensierata." Bloch ranks "Colazione sull'erba" alla stessa categoria di "Grand-Zhant" - questo domenica pittura;lei "La trama è un'immersione temporanea nel mondo senza preoccupazioni e bisogni di tutti i giorni. Sebbene la riproduzione di questa trama nel XIX secolo non fosse già facile, "La colazione sull'erba" mana era un'eccezione a spese della sua ingenuità e fascino. Questa salute senza fiato di questa domenica sarebbe stata quasi possibile [nel 1863, quando la foto è stata scritta], se la criniera ha fatto in lui trame e personaggi di piccole-borghesi; Si scopre, non potrebbe esistere se non il pittore e il suo modello. " E poi la pulce si muove alla descrizione del "Grand-Zhant" descritto all'inizio di questo saggio: "Presente, persino disegnato, la domenica borghese sembra molto meno desiderabile e diversificata. - eccanizione"Colazione sull'erba" Mana; In altre parole, Syra la noncuranza si accende l'impotenza -questo è ciò che è "Domenica giorno sull'isola di Grand-Zhatt"" Sembra che la creazione di un lavoro sia così accuratamente e in modo convincente che riflette lo stato della modernità, è diventato possibile non prima dei 1880.

Tutti i fattori di formatura del sistema nel progetto SERA potrebbero alla fine fungere da compiti di democratizzazione.

Nella foto di Syra, i personaggi quasi non interagiscono, non ci sono sensori di presenza umana articolata e unica da loro; Inoltre, non c'è anche alcuna sensazione che queste persone disegnate abbiano una specie di nucleo interno profondo. Qui, la tradizione occidentale della rappresentazione non è completamente cancellata, è seriamente minato da una lingua d'arte anti-violenta, negando fortemente l'esistenza di qualsiasi valore interno, che l'artista deve rivelare allo spettatore. Piuttosto, questi contorni meccanici, questi punti ordinati si riferiscono alla moderna scienza e industria con la sua produzione di massa; negozi, pieno di numerosi ed economici beni seriali; Stampa in serie con le sue infinite riproduzioni. In breve, questo è un atteggiamento critico nei confronti della modernità, incarnati in un nuovo agente artistico, ironico e decorativo e sottolineato (anche eccessivamente sottolineato) costi moderni e articoli per la casa. "Grand-Zhant" è fortemente storico, non pretende di altezza o generalizzazione, e lo rende anche anti-resistente. L'esistenza oggettiva dell'immagine all'interno della storia è incorporata, prima di tutto, nel famoso punto del punto ( pointiglio.é ) - L'unità minima e indivisibile di una nuova visione del mondo, a cui, naturalmente, il pubblico ha prestato attenzione principalmente. Questa striscia di Syra deliberatamente e irrevocabilmente elimina la sua unicità che è stata chiamata nel lavoro della scrittura a mano unica dell'autore. Syra stesso non è presentato nella sua striscia. Non ha una sensazione di selezione esistenziale, presumibilmente striscio costruttive di Cezanne, o un profondo allarme personale, come Van Gogh, o dematerializzazione miste della forma, come Gaugaen. La raccolta della vernice si trasforma in un atto prosaico secco - riproduzione quasi meccanica dei "punti" pigmentati. Meyer Shapiro nel più profondo, a mio avviso, l'articolo su "Grand-Zhant" considera la Siera come un "modesto tecnologico" modesto, lavorabile e intelligente "dal" basso strato della classe media a Parigi, gli immigrati da cui stanno diventando ingegneri industriali , tecnici e impiegati. " Si osserva che "Siera moderna lo sviluppo dell'industria ha istruito in esso il rispetto più profondo per il lavoro razionalizzato, la tecnologia scientifica e le invenzioni che guidano i progressi".

Prima di analizzare in dettaglio "Grand-Zhant" sull'argomento del modo in cui l'anti-durata è stato sviluppato in ciascuno degli aspetti della sua struttura stilistica, voglio designare ciò che è stato considerato "utopiano" nei prodotti visivi del XIX secolo. Solo mettendo il "Grand-Zhant" nel contesto della comprensione della Siera utopica e dei suoi contemporanei, è possibile realizzare pienamente come il carattere delle sue opere si oppone a questa utopia.

Naturalmente, c'è un classico utopia della carne - la "età dell'oro" di Engra. Linee armoniose, corpi lisci senza segni di invecchiamento, simmetria attraente della composizione, raggruppamento libero in modo discreto nudo o drappeggiato al classico delle figure in un paesaggio indefinito "A la Poussane" - non tanta utopia, quante nostalgia per il lontano, mai passato esistente, "-Hell. Non c'è ancora un messaggio sociale che di solito associamo con l'utopia. Questo è il desiderio idealizzato piuttosto utopia. Lo stesso, tuttavia, si può dire della successiva interpretazione di un paradiso tropicale in Gaugaen: non ha un temporaneo, ma la distanza geografica del catalizzatore utopico. Qui, come l'Engra, il che significa che l'utopia serve un nudo o leggermente coperto da vestiti irrevocati, di regola, femmina. Come l'utopia di Engra, l'utopia dell'apolite di hogen: si riferisce ai desideri maschi, il cui significato è la carne femminile.

Musée d'Orsay.

Il dipinto di Dominica Papet "Dream of Happiness" del 1843 è molto più adatto per immersi nel contesto della rappresentazione utopica, posata dall'allegoria anti-dietetica della Siera. Ultopic e in forma, e nel contenuto, questa immagine della sua iconografia francamente Chants Furyerism e si impegna per l'idealizzazione classica nel suo stile, un po 'diverso da Engra, gli insegnanti del Papee nell'Accademia Francese di Roma. Ciononostante, i concetti utopici di Papet e Engra differiscono in modo significativo. Sebbene i Fourierist considerassero il presente - le cosiddette condizioni civilizzate - vizioso e artificiale, il passato era più migliore per loro. La vera età dell'oro per loro non era in passato, ma in futuro: da qui il nome " Sognare sulla felicità. " Francamente, il contenuto di FourIist di questa allegoria utopica è supportata dalla firma dell'armonia su un piedistallo di sculture sul lato sinistro del Web, che si riferisce allo "stato di Fourier e Statov", così come il nome del libro "Universal Società ", in cui i giovani scienziati vengono spediti (riferimento diretto alla dottrina di FourIrierist, nonché a uno dei trattati di Fourier). Alcuni aspetti del "Grand-Zhant" possono essere letti come negazione aperta dell'utopia Fourier o, più precisi, l'utopismo del tutto. Nei documenti papale, gli ideali utopici personificano il poeta, "armonia del canto", il gruppo incarna la "tenerezza materna", e l'altra, denotando un'amicizia dei bambini brillanti, e sui bordi - vari lati dell'amore tra i piani. Tutto ciò è accentuato a "Grand-Zhant" - da quando omesso. Papeutte utilizza un'architettura puramente classica, sebbene l'immagine assunta simultaneamente che queste viste utopistiche fossero finalizzate al futuro: ha raffigurato un piroscafo e un telegrafo (successivamente schiacciato dall'artista). E di nuovo vediamo figure morbide e armoniose in pose classiche, più precisamente, neoclassiche; La vernice viene applicata nel modo consueto. Almeno, nelle versioni dell'immagine che è venuta a noi, i segni della modernità sono stati dissolti nel bene dell'utopia, anche se furyarest, ma profondamente radicato nel lontano passato e in estremamente tradizionale, se non per dire il conservatore, il Metodo di presentazione.

Su motivi più materiali, che un'immagine utopica non chiara del Papet, il lavoro del suo Senior contemporaneo Pierre Piewa de Shavannna si riferisce al progetto Anti-Astope Siera. In effetti, "Domenicay Day on Grand-Island" potrebbe sembrare molto diverso o non aver luogo affatto, se a quel punto, quando Syra iniziò a lavorare su questa immagine, non ha visto il lavoro di Pywi "Sacro Grove", Esposto nel salone del 1884. Da un certo punto di vista, "Grand-Zhant" può essere visto come una parodia del "Grove Sacro", che affronta la fondazione di questa immagine e la sua adeguatezza del nostro tempo nella forma e del contenuto. Muses Vernari e la classica Situazione di Piges Syra sostituisce gli abiti più freschi, i più moderni scenari e accessori. Donne da Syra Wear Tournails, corsetti e tappi alla moda e non coperti da drappeggi classici; I suoi uomini tengono nelle loro mani non fluttuando la padella, ma un sigaro e una canna; Sullo sfondo, raffigura un moderno paesaggio urbano, non antichità pastorale.

Un tale lavoro di PWEUV, come "Estate" del 1873, creato due anni dopo la sconfitta della Francia nella guerra franco-prussiana e terribili eventi intorno al comune e le sue conseguenze, la società collaborata, rappresenta uno dei set più puliti dell'utopia . Mentre Claudin Mitchell note nel suo articolo di recente rilasciato, nonostante l'immagine riconoscibile del lontano passato, il sistema di campioni di "estate" suggerisce una scala temporanea più generale, anche universale - un'idea di qualche verità generalizzata della società umana. Secondo l'espressione della critica e scrittrice di teofily gautier, che rifletteva molto sul lavoro di Pyw, "Alla ricerca di un ideale per tempo, spazio, costume o dettagli. Cerca di dipingere l'umanità primitiva, dal momento che [ sic! ] Esegue uno dei compiti che possiamo chiamare il sacro è mantenere la vicinanza alla natura. " Gauthier ha superato Pyw per la loro cura da facoltativo e accidentale e ha notato che le sue composizioni hanno sempre un nome astratto e generale: "pace", "guerra", "pace", "lavoro", "sonno" - o "estate". Gauthier credeva che per i pioli, il che significa un lontano passato, più semplice e più pulito, fissa un ordine più universale - l'ordine della natura stessa.

Quindi, prima di noi è una classica versione pittoresca dell'utopia XIX secolo, identificando u.- topos. (mancanza di spazio) e u.- chronos. (Mancanza di tempo) con tempo di tempo e spazio antichità nebbioso. Il pittoresco mondo di Puwi si trova fuori dal tempo e dallo spazio - mentre il "Grand-Zhatt" di Syra è decisamente e persino in modo aggressivo posto nel suo tempo. È difficile dire se sono definiti temporanei e geograficamente, i nomi secolari dei panni Cyra sono enfatizzati ("Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant (1884)") Una critica antul-cultura dei nomi nebbiosi idealizzati di Pyubi e altro classicisti che hanno lavorato con allegoria. In un modo o nell'altro, nei suoi dipinti di Syra, è molto seriamente combattendo con precisione con l'armonia utopistica delle costruzioni PYW. Sebbene Puwi potesse avere dei singoli gruppi caratterizzarsi, non significava frammentazione sociale o alienazione psicologica. Piuttosto, nei suoi dipinti, esalta valori familiari e collaborazione, durante i quali i rappresentanti di tutte le professioni, età e gruppi di genere eseguono i propri, compiti assegnati. Le opere di Pyubi sono ideologicamente dirette alla creazione di armonia estetica, dove disarmonia, conflitti e contraddizioni sono concentrate nella società moderna, sia la posizione dei lavoratori, la lotta di classe o lo status di una donna. Ad esempio, nella struttura formale della "estate", il valore della maternità per una donna e il lavoro per un uomo è rappresentato come - in sostanza, inseparabile - componente dell'ordine naturale, e non come un problema mutevole e controverso. Syrah, come vedremo, gli elementi classici perdono la loro armonia: sono ipertrofia nella loro deliberata artificità, conservatorismo e isolamento. Tale accentuazione delle contraddizioni fa parte della sua strategia anti-asopa.

Utopia Gogen Apolitical: si riferisce al desiderio maschile, il cui significato è la carne femminile.

Con il contrasto antiutopia Syra non solo le opere classiche e abbastanza tradizionali di pighes. Un artista più progressivo Renoir ha anche creato un sistema semi-cope di immagini della realtà moderna, esistenza urbana quotidiana, che si basa sulla gioia della sana sensualità e dei giovani joie. de. vivre. (gioie della vita) - Ad esempio, in tali opere come "palla in Moulin de la Gatte" del 1876, dove gli assi di macchie multicolori e un ritmo dinamico ad anello nella sua miscelazione gioiosa di tutto e tutti giocano la cancellazione del Divisione di classe e genere presso il tempo libero idealizzato del moderno Parigi. Questo lavoro ristrutturato è il più distinto opposto dell'occhiata dell'ulcera al "nuovo tempo libero". Renoir cerca di immaginare la vita quotidiana di una grande città moderna come naturale, cioè naturalizzato sua; Syra, al contrario, sottolinea e nega qualsiasi naturalizzazione.

Paradossalmente, è l'immagine di un neocespressionista del campo Xinyak, follower e un amico della Siera, dà l'idea più vivida del contesto delle immagini utopiche contro cui si alza il Grand-Zhatt. Signac era completamente consapevole del significato sociale del lavoro creato dal suo amico. Nel giugno del 1891 in un giornale anarchico LA Revolte. ("Ribellione") ha pubblicato un articolo in cui ha sostenuto che, ritrarre scene dalla vita della classe lavoratrice "o, più grande, intrattenimento decadente<…> Come Siera, che ha capito il degrado della nostra epoca di transizione con tale chiarezza, [gli artisti] hanno presentato le loro prove su una grande concessione pubblica, che si svolge tra lavoratori e capitali. "

L'immagine di Xinyak "Durante l'armonia", scritto intorno al 1893-1895 (schizzo di olio per la pittura murale del Comune di Montreus), sembra essere una risposta a uno stato capitalista specifico dell'anomio e dell'assurdità - in altre parole, a Il "tempo di disarmonia", presentato nel più famoso maturo il suo amico. In litografie per il giornale Jean Grava Les. Tempe. noveux. ("Nuovi tempi") Xinyak presentava la sua versione anarco-socialista di Utopia senza classe, in cui l'incuriatura generale e l'interazione umana sostituiscono la statica e l'isolamento delle figure "Grand-Zhant"; A differenza di Syra, Signac enfatizza i valori familiari e non li affila e sostituisce gli scenari urbani più pastorale, rustici, in conformità con la natura utopica del loro progetto. Eroi, nonostante il fatto che siano vestiti relativamente moderni, piuttosto delicatamente idealizzati, come PWeub, che corrispondono alla moda, come Syra. Nella composizione curvilinea con le sue ripetizioni decorative, il tema della generalità - viene effettuata una coppia o una comunità - nel futuro utopico. Anche un pollo e un gallo in primo piano raffigurano assistenza reciproca e interazione a cui tutto il lavoro incontra e che sono così forte esclusi dal mondo con uno sguardo di Syra.

Tuttavia, sono arrivato all'interpretazione antiutopica dell'immagine di Syra non solo a causa delle ovvie differenze dall'immagine utopica del suo tempo. La reazione critica dei contemporanei funge anche da conferma che l'immagine ha letto come critica dello stato attuale degli affari. Secondo Martha Ward in un recente articolo per il catalogo della mostra, "l'osservatore riteneva che le persone private di espressioni, una posizione isolata di corpi e posture inedite - questa è una parodia più o meno fine banalità e pretenziosità del tempo libero moderno[Italic my]. " Ad esempio, uno dei critici, Henri Fevr, ha notato che, guardando l'immagine, "vieni in una comprensione della rigidità del tempo libero di Parigi, stanco e soffocante, dove le persone anche durante il resto stanno continuando." Un altro critico, Paul Adamo, identificato i contorni rigidi e le pose deliberate con la moderna posizione delle cose: "Anche la calma di queste figure stampate sembra essere espressa dalla modernità; Ricordammo immediatamente i nostri costumi grossolani, corpi stretti, corpi stretti, scorte di gesti, un gergo britannico, che imita tutti. Siamo in posa come persone da una foto di Meming. " Un altro critico, alfred campo, sosteneva che "l'artista ha creato personaggi con gesti automatici di soldati, che calpestano la pioggia. Maids, commessi e cavalieri vanno lenti, banale, lo stesso passo, che trasmette accuratamente il carattere della scena ... "

L'idea della monotonia e del miglioramento inumano della vita urbana moderna, questo sentiero fondamentale "Grand-Zhant" penetra anche all'analisi dei più significativi dei critici di questa immagine, Felix Feneon, - analisi che si applica per il formalismo addamensionale: Feneon Descrive l'uniformità della tecnica syeaar come "tessitura monotona e paziente" - toccando errore che causa critiche. Sì, descrive un modo pittoresco, ma attribuisce la tecnica del puntiglilismo "monotonicità" e "pazienza", interpretando legoricamente, in un certo senso come metafora delle proprietà fondamentali della vita urbana. Cioè, in questa figura del discorso di Feneon, il linguaggio formale del Sieru magistralmente viene assorbito sia da uno stato esistenziale che da un lavoro con il materiale.

La figura della ragazza è speranza: un impulso utopico, sepolto nel nucleo del suo opposto.

Qual è la lingua Siera formale nel "Grand-Zhant"? Come potrà mediare e costruire i sintomi dolorosi della società del suo tempo e come crea in un certo senso, la loro allegoria? Daniel Rich è stato completamente giusto quando nel suo studio 1935 enfatizzò l'importanza della primaria importanza dell'innovazione di Syra a livello di forma nel fatto che chiama il "risultato trascendente" "Grand-Zhant". Per questo, ricco utilizza due schemi che semplificano la già complicata composizione di Siera: "L'organizzazione" Grand-Zhant "nelle curve" e "L'organizzazione" Grand-Zhant "in linee rette" è un tipico ricevimento del formale " "Analisi storica dell'arte scientifica del tempo. Ma, poiché Meyer Shapiro note nella sua brillante confutazione di questo studio, Rich è stato sbagliato, senza tener conto, a causa del suo formalismo convinto, il significato sociale e critico primario della pratica di Syra. Secondo Shapiro, tenta di offrire una lettura classica, tradizionale e armonizzante di Siera come errata, per inserire le sue idee innovative al "mainstream" della legislazione della pittoresca tradizione (come sembra gli storici dell'arte!).

Per separare la Siera dal mainstream e realizzare la sua innovazione formale, è necessario utilizzare il concetto di "sistema" specifico per la modernità, che può essere compreso almeno in due modalità: (1) come applicazione sistematica di a certo colore, teoria scientifica o pseudocarborio (a seconda che crediamo l'artista), nella sua tecnica "Chromephuricist";
o (2) come sistema di rinforzo associato a questa teoria - applicando vernici su tela con piccoli punti regolari. In entrambi i casi, il metodo Syra diventa un'allegoria della produzione di massa nell'era moderna e quindi viene rimossa da soggettività impressionista ed espressionista significava e coinvolgimento personale nella produzione artistica o da un riassunto armonioso della caratteristica superficiale dei metodi di rappresentanza classica. Come menzionato nel suo recente articolo, la norma Brud, Siera potrebbe prendere in prestito il suo sistema di verniciatura dalla tecnica effettiva della replicazione di massa dei media visivi del suo tempo - il cosiddetto archiviazione cromatico. La tecnica di Syrah meccanica gli consente di criticare le prestazioni separabili della vita moderna. Pertanto, secondo l'espressione di Brud, "è ovviamente provocatorio in relazione a non solo il pubblico nel suo complesso, ma anche a diverse generazioni di impressionisti e postmonizzatori: l'approccio Syra Antoed ei suoi seguaci di dipingere minacciarono il loro attaccamento al romantico concetto di autenticità e auto-espressione spontanea. " Come nota Brud, era "il meccanismo della tecnologia, alieno alle idee dei contemporanei della Siera sul buon gusto e" alte art ", potrebbe diventare attraente per lui, dal momento che le opinioni politiche radicali e la dipendenza" democratica "a forme d'arte popolari sono diventate importanti fattori formativi nell'evoluzione del suo approccio alla propria arte. " Puoi andare ancora oltre e dirlo qualunque cosai fattori di formazione del sistema nel progetto SYRA - dalla teoria della pseudo-contaminazione del colore alla tecnologia meccanizzata e l'adattamento successivo del "protrattore estetico" informato "scientifico" Charles Henri per raggiungere l'equilibrio della composizione ed espressività - potrebbe in definitiva servire come compiti di democratizzazione. Siera ha trovato un metodo elementare per la creazione di un'arte di successo, nella teoria del disponibile per tutti; Ha inventato una sorta di disegno democraticamente orientato per punti, escludendo pienamente il ruolo del genio come una personalità creativa eccezionale dall'atto di produzione dell'arte, anche "grande arte" (anche se questo concetto in modalità sistematizzazione totale non era necessaria). Da un punto di vista radicale, questo è un progetto utopico, mentre dal punto di vista di più élite è completamente semplificato e anti-dietetico.

Nulla dice di più sul totale rifiuto del fascino dell'immediatezza a favore della rimozione fondamentale rispetto a un confronto dei dettagli di un grande pre-schizzo "Grand-Zhant" (Museo Metropolitan a New York) con i dettagli dell'immagine finita. Quello che potrebbe essere più straniero per riassumere le tendenze del classicismo rispetto alle schematiche sommanti e ai maniere della modernità manifestata in come i disegni Serate, dicono, una coppia in primo piano è così concisa che il suo riferimento viene letto come immediatamente come un segnale di pubblicità referrant. Quello che potrebbe essere più alieno alla morbida idealizzazione del tardo neoclassico, come PWeuv, qual è la modellazione ostrichritica della mano che tiene un sigaro e un arrotondamento meccanico di canne? Entrambe queste forme significano aggressivamente la mascolinità codificata in modo aggressivo, progettando lo schema di un uomo, si è opposto al suo compagno ugualmente socialmente etichettato: la sua figura è caratterizzata da arrotondata a spese di un abito con i promemoria del profilo di come i cespugli vengono tagliati da esso in regola parco. Le differenze di genere sono raffigurate e allineate nel sistema ovviamente mezzi artificiali.

Usando l'esempio della figura del Kormilitsa, vorrei mostrare come Siera con il suo sguardo sardonico al tempo libero del tempo libero dei lavori di bourgheo sui tipi, semplificando l'immagine al significato più semplice, riducendo la vitalità e l'elegante impedita dell'iniziale Schizzo al Geroglifico visivo. Nella descrizione verbale, come deliziosamente accurata, come la foto stessa, Martha Ward ha caratterizzato la versione finale del Web come "una configurazione geometrica senza volto: un quadrangolo irregolare, diviso in due parti nel mezzo del triangolo, e sopra di loro sono cerchi chiusi ". Kormilitsa, più conosciuto come Nounou.- Un carattere modello che è apparso in connessione con il rapido sviluppo della digitazione visiva nella pressa popolare della seconda metà del XIX secolo. Syra, ovviamente, evitava le trappole di caricatura volgare, proprio come non ha cercato di dare le caratteristiche naturalistiche della professione della Cormalità - l'argomento, relativamente popolare nell'arte di questo tempo esposta sui saloni. In contrasto con il Borth Morizo, che nell'immagine di sua figlia di Yulia con il Cormale (1879) crea una rappresentazione dell'allattamento al seno come tale - la figura di Morizo \u200b\u200bFrontalna, indirizzata allo spettatore, è stata scritta e, sebbene sia semplificata A un singolo importo, crea un forte senso di vitalità, - Syra cancella tutti i segni delle attività professionali del cormo e del suo rapporto con un bambino infantile, invece di un processo biologico, imponendo un segno semplificato.

Syra ha seriamente lavorato su questo personaggio; Possiamo osservare il processo di semplificarlo in una serie di disegni con una copertura a matita - da diversi schizzi completamente feltri dalla natura (nella collezione di Huuder) alla vista monumentale della Zepets Zada \u200b\u200b("Cepets e nastri", nel Collezione ITU). Sebbene la figura di una donna sia composta qui da diverse forme rettangolari e cricaronali in bianco e nero, combinate debolmente dai nastri verticali del tono, che stanno portando alimentatori (e come se un asse duplicato della colonna vertebrale), mantiene la comunicazione con i suoi reparti, spingendo la carrozzina. In un altro schizzo (nella collezione Rosenberg), anche se il bambino è versato, si trasforma in privo di individualità eco geometrico del round shepza kormititsy, e la sua figura acquisisce gradualmente una forma trapezoidale simmetrica, che vediamo nella versione finale del Grand -Zhant. La serie è completata con il modello (collezione Albright-Knox), riferendosi alla variante finale del Gruppo Kormititsa. In connessione con questa immagine, Robert Herbert ha notato che "la bambinaia, che vediamo dalla parte posteriore, ingombrante come una pietra. Solo il mantello e il nastro appiattiti sull'asse verticale ci danno per capire che questa è una donna davvero seduta. " In breve, Siera ha portato la figura del Cormale alla funzione minima. Nella versione finale dell'immagine, nulla ricorda il ruolo delle barre cormali, nutriente figlio, sulle delicate relazioni del bambino infantile e della sua "seconda madre", che i kormiliziani furono quindi considerati. Gli attributi delle sue classi - il Capo, il nastro e il Capo - e c'è la sua realtà: come se non vi sia altro in una società di massa, che può presentare la posizione sociale dell'individuo. Si scopre che Siera ha ridotto il modulo di non riassumere le immagini e dare loro la classologia, poiché spiega questo ricco, ma per disumanizzare l'individualità umana, portandola alla designazione critica dei vizi sociali. I tipi non sono più raffigurati in modo pittoresco libero, come nei vecchi codici della caricatura, ma sono ridotti agli emblemi visivi laconici dei loro ruoli sociali ed economici - il processo, uno sviluppo correlato del più capitalismo, come Signac potrebbe essere espresso

Finisco, così come l'inizio, l'interpretazione pessimistica di "Grand-Zhant", nella statica compositiva e nella semplificazione formale di cui vedo l'allegorica negando le promesse del nostro tempo - in breve, la allegoria antidotta. Per me, così come per Roger Fry nel 1926, "Grand-Zhant" rappresenta "il mondo da cui la vita e il movimento da e tutto per sempre si sono congelato nei loro luoghi fissati in un telaio geometrico duro".

Un'immagine dell'oppressione di classe in stile preso in prestito da tavoli e schemi capitalisti.

Eppure c'è un particolare dettaglio che contraddice tale interpretazione è un piccolo, ma contribuendo nel significato del dipinto una complessità dialettica, collocata nel nucleo "Grand-Zhant": una bambina che gestisce lo scout. Questo personaggio era appena premuroso nella sua forma finale, ovviamente controversa, che ha in un grande schizzo. In una versione precedente, è quasi impossibile capire se corre affatto. La figura è meno diagonale e più si fondono con i tratti circostanti; Sembra che sia collegato con un cane marrone bianco, che nella versione finale è già nell'altro luogo della composizione. La bambina è l'unica figura dinamica, il suo dinamismo è enfatizzato da posa diagonale, capelli fluttuanti e nastro volante. Comprende il massimo contrasto con una bambina a sinistra di se stessa, una figura, costruita come cilindro verticale, passivo e conforme, subordinato e come se fosse madre isomorfa, che è all'ombra dell'ombrello al centro della foto. La ragazza correre, al contrario, è gratuita e in movimento, è mirata e insegna qualcosa che si trova al di fuori del nostro campo visivo. Insieme al cane in primo piano e alla farfalla rossa, vendendo un po 'di sinistra, costituiscono le cime di un triangolo invisibile. Possiamo dire che la figura della ragazza è speranza, se parliamo nei termini delle pulci: l'impulso utopico, sepolto nel cuore del suo opposto dialettico; Antitesi alla tesi dell'immagine. Quanto è diversa l'immagine dinamica della speranza a Syra - non tanto una figura allegorica come la figura, che può solo diventare un'allegoria - dall'allegoria rigida e convenzionale di Pyuv, creata dopo la guerra franco-prussiana e il comune! Nadezhda Pyuu, si può dire senza speranza se sotto speranza intendiamo la possibilità di cambiare, un futuro sconosciuto, ma ottimistico, e non un'entità invariata rigida, formulata nel linguaggio classico di adeguata nudità e drappeggio casta.

Gustave Kourba. Laboratorio dell'artista. 1855 Parigi, Museo D "Oseta

La figura di un bambino come simbolo di speranza a Syra è un personaggio attivo in mezzo all'oceano della passività surgelata, che ci ricorda un'altra immagine: immerso nel lavoro del giovane artista, nascosto nella foto dell '"artista Workshop "(1855), il cui sottotitolo è" vera allegoria ". Dalle opere del XIX secolo è la più vicina a Siera: nel fatto che è un'utopia come un problema, e non una soluzione già pronta, così come in un ambiente fortemente moderno e, stranamente, è che è organizzato come composizione statica e congelata. Come "Grand-Zhant", il "laboratorio dell'artista" - il lavoro di tremensime forza e difficoltà in cui gli elementi utopici e non rimozione sono inseparabili e in cui veramente utopici e anti-dietetici sono mostrati come opposti dialettici interconnessi. Nella grotta cupo, il workshop è un piccolo artista semi-spremuto sul pavimento nel lato destro del dipinto, l'unica figura attiva, senza contare l'artista stesso. Alter Ego dell'artista, il ragazzo, ammirato dal lavoro del Kourba, occupando un posto centrale, correlato con il luogo del Maestro, personifica l'ammirazione delle generazioni future; Come una ragazza a Syra, questo bambino può essere considerato un'immagine della speranza - le speranze stabilite nel futuro sconosciuto.

Ciononostante, nelle opere di Syra, prevale una comprensione negativa della modernità, in particolare la modernità della città. Per tutto il suo breve, ma un'attività impressionante, era impegnata con un progetto di critica sociale, che stava progettando un linguaggio nuovo, parzialmente massa, metodicamente formale. In "Software" (nella collezione Barnes), un manifesto saroso merci delle contraddizioni della società moderna contro la "vita" e "arte", i modelli moderni rimuovono i vestiti nel laboratorio, esponendo la loro realtà sullo sfondo della foto - il Grand -Quatt frammento, che sembra più "moderno", più socialmente espressamente di loro. Quale articolo indica l'arte qui? La tradizionale nudità delle "tre grazie", che sono sempre raffigurate in tre angoli, fianco, lato e schienale, o un ottimo panno sulla vita moderna, servendo lo sfondo a loro? Nella pittura "Kabare" 1889-1890 (Museo di Kreller-Muller), intrattenimento separato, un prodotto maleducato del settore emergente dell'industria industriale, è mostrato in tutto il suo vuoto e artificialità; Questi non sono i piaceri fugaci che Renoir avrebbe potuto essere rappresentato e non energia sessuale spontanea nello spirito di Tolosa-Lotter. La trasformazione del naso maschile nella patch Pig-friendly suggerisce francamente per avidità ai piaceri. I ballerini sono tipi standard, pittogrammi decorativi, pubblicità di alta qualità leggermente pericolosa per il tempo libero.

Georges Syra. Il circo. 1891 Parigi, Museo D "Oseta

Nel quadro "circo" (1891), stiamo parlando del fenomeno moderno della performance e della contemplazione passiva che lo accompagnano. L'immagine parodita la produzione artistica, raffigurata allegoricamente come performance pubblica - abbagliante sulla tecnica, ma morto sui movimenti delle acrobazie sulla necessità di un pubblico congelato. Persino i partecipanti alla presentazione sembrano essere congelati nelle loro pose dinamiche ridotte alle pieghe digitate, che sono pittogrammi di movimento rari. Ci sono anche più cupa interpretazione delle relazioni dello spettatore e delle prestazioni nel quadro "circo". Questo pubblico, congelato in uno stato, vicino all'ipnosi, denota non solo la folla dei consumatori dell'arte, ma può essere intesa come lo stato dello spettatore di massa prima che manipola magistralmente. Un lavoro minaccioso di Thomas Mann "Mario and the Wizard", o Hitler di fronte alla folla di Norimberga, o, già nei nostri giorni, i candidati americani elettorato e clown, che, con slogan artistici, deputati e gesticolati in televisione. Oltre al fatto che il "circo" raffigura i moderni problemi sociali, come anti-notte allegorica, conclude di per sé un potenziale profetico.

Mi sembra che "Grand-Zhant" e altre opere di Syra troppo spesso incluse nella "grande tradizione" dell'arte occidentale, una vigorosa marcia proveniente da Pierro a Poussin e Pyuwe, e troppo raramente contattata con strategie più critiche caratteristiche del Arte radicale del futuro. Ad esempio, nel lavoro di un gruppo poco conosciuto di radicali politici lavorato in Germania negli anni '20 e all'inizio degli anni '30 - i cosiddetti progressori di Colonia - la formulazione radicale dell'esperienza della moderna Siera trova i suoi seguaci: questo non è un impatto o continuazione del suo lavoro - nei suoi progressori anti-dietetica andiamo oltre a Siera. Come attivisti politici, hanno altrettanto negato l'arte per l'arte e l'identificazione espressionista moderna del dolore sociale con la pittura agitata e la distorsione espressionista, che per loro non erano più di una sovraesposizione individuale. Progressori - Nel loro numero includevano Franz Wilhelm, Heinrich Erdle, Gerd Arntz, Peter Alma e fotografo August Zander - ricorso alla consapevolezza rivoluzionaria del risveglio dell'impassiva immagine pittografica dell'ingiustizia sociale e dell'oppressione della classe in stile preso in prestito da tavoli e schemi capitalisti.

Antiutopisti per eccellenzaLoro, come Siera, hanno usato i codici della modernità per aumentare la legittimità dell'ordine sociale esistente. A differenza di Syra, fissarono la stessa validità dell'alta arte in questione, ma si può dire che è stato posato in alcuni aspetti del suo lavoro. L'enfasi, che ha fatto su antieroico, e non sul gesto; Su "Tessitura del paziente", implicazione della ripetizione meccanica e non impazienti tratti di pennellati e colpi, che Feneon ha chiamato "pittura virtuoso"; Sul critico sociale invece di individualismo trascendentale, tutto ciò ti permette di parlare di Sieru come precursore di quegli artisti che negano l'eroica e l'altezza apolitica dell'arte modernista, preferendo pratiche visive critiche. Da questo punto di vista, il fotomontaggio dei Dadaisti di Berlino o dei collage di Barbara Kruger è più comune con un patrimonio neo-glpressione rispetto a quello dei dipinti sicuri scritti dagli artisti che utilizzano il popany per creare nel resto dei paesaggi tradizionali e del marino e si chiamano I seguaci di Syra. L'impulso Anti-Astope è contenuto nel cuore dei risultati dei risultati di Syra - nel fatto che Bloch ha chiamato la "Attuale mosaico noia", "Nulla di esprimere le persone", "acqua inespressiva della Senna di domenica"; In breve, il "scenario con il suicidio che non ha avuto luogo dall'indecisione". Era questo eredità di Syra che lasciò i suoi contemporanei e quelli che hanno seguito le sue orme.

Traduzione dall'inglese: Sasha Moroz, Gleb Narenko

Questo testo è stato letto per la prima volta nell'ottobre 1988 nel Chicago Institute of Arts come parte del ciclo delle lezioni in memoria di U. Lifton (trasferito dalla pubblicazione: Linda Nochlin.. La politica della visione: saggi nell'arte e della società del diciannovesimo secolo. Westview Press, 1989. - Ca. per.).

Serata SERA, per la prima volta che esponga questa stoffa nel 1886 all'ottava mostra di impressionisti, non ha indicato il periodo del giorno.

Bloch E. Il principio della speranza. - Cambridge, Messa.: La stampa MIT, 1986, II. P. 815. per. in inglese. Lingua - Neville Ples, Stephen Ples e Paul Knight. Questo frammento è stato anche citato in un altro contesto nell'ultimo catalogo di Syra ed. Erich Franz e Bernd crebbe « Georges. Seurat.: Zeichnungen.» (Kunsthalle. Bielefeld., Staatliche. Kunsthalle. Baden.- Baden., 1983-1984), p. 82-83. Per la comodità della lettura nella traduzione, sono stati fatti piccoli cambiamenti. (Solo un frammento del libro è stato tradotto in russo: E. Bloch. Principio della speranza. // Utopia e pensiero utopico. M., 1991. - Ca. per. "Sacro Grove" nel Chicago Institute of Art - una copia ridotta di un'enorme tela, che è conservata nel museo di Belle Arti di Lione.

Gautier.T.h. Moniteur Universel.. 3 giugno 1867 cit. di: Mitchell Cl. Tempo e l'ideale del Patriarcato nei Pasteri di Puvis de Chavannes // Storia dell'arte, 10, № 2 (giugno 1987). P. 189.

Anon. Impressionistes et RevolutionAires // La Revolte, 13-19 giugno 1891 S. 4. quot. di: Thomson R. Seurat.. - Oxford: Phaidon Press; Salem, N.H.: Salem House, 1985. C. 207.

L'uso stesso del concetto di "armonia" nel titolo si riferisce al furirista e, in seguito, più generalizzata designazione socialista e anarchica di utopia pubblica. La famosa colonia utopica, fondata negli Stati Uniti nel XIX secolo, è stata chiamata nuova armonia ("nuova armonia").

In effetti, se guardi le critiche di questo tempo, diventa chiaro che è la struttura espressiva-formale del Web e non le differenze sociali che notano la selezione dei personaggi - o, più precisamente, un confronto senza precedenti di figure di lavoro con il figure della classe media, che tale enfatizzano TJ Clark nella sua ultima nota su questa immagine ( Clark. T.. J.. Loro Pittura. di. Moderno. Vita.: Parigi. nEL. loro ARTE. di. Manet. e. IL SUO Seguaci.. - N.. Y..: Alfred. UN.. Knopf., 1985. C. 265-267) - ha fatto la più grande impressione sugli spettatori del 1880 e li ha fatti considerare "Grand-Zhant" con una puntura di critica sociale. Come recentemente Martha Ward, Marta Ward, i contemporanei "riconosceva l'eterogeneità dei personaggi, ma non prestava attenzione ai suoi possibili significati. La maggior parte dei critici era molto più inclini a spiegare perché tutte le figure si bloccarono nelle pose cadute, stordite e private di espressioni ... "( Loro Nuovo Pittura.: Impressionismo, 1874-1886, Catalogo della mostra, Museo delle Belle Arti San Francisco e della Galleria Nazionale delle Arti, Washington, 1986. P. 435).

Ward M. Nuova pittura. C. 435.

Cyt. di: Ward M. Nuova pittura. C. 435. Thomson cita lo stesso frammento, ma altrimenti si traduce: "Ci occupiamo molto che ci occupiamo, indoviamo qualcosa e poi - vediamo e ammiremo il grande erba maculato giallo mangiata dal sole, nuvole da polvere dorata in Le cime degli alberi, i cui dettagli non possono vedere la retina leggera-cieca; Allora riteniamo che il lungomare parigino sia inclinato - normalizzato e vuoto che anche il riposo diventa deliberato in esso. " Cyt. di: Thomson R. Seurat.. C. 115, C. 229. Thomson Quotes Henri Fe Fe Fevre H. L "Esposizione des Impressionistes // Revue de Demain, Maggio-giugno 1886, p. 149.

Adam P. Peintres Impressionistes // Revue Contemporaine Litteraire, Politique Et Philosophique 4 (APRILE-MAGGIO 1886). P. 550. Cit. di: Reparto M.. Nuovo Pittura.. C. 435.

L'intero pezzo di questo frammento è simile a questo: "Questa foto è un tentativo di mostrare un trambusto di promenade banale, che rende le persone di domenica, senza piacere, nei luoghi in cui è accettato che la domenica vale la pena camminare. L'artista ha dato ai suoi personaggi i gesti automatici dei soldati che calpestano il raid. Le cameriere, gli impiegati e i cavalieri vanno lo stesso passo lento, banale e identico, che trasmette accuratamente il carattere della scena, ma lo fa troppo costantemente. " Paulet A. Les Impressionistes // Parigi5 giugno 1886 cit. di: Thomson. Seurat.. C. 115.

Feneon F. Les Impressionistes en 1886 (VIIIE ESPOSIZIONE IMPRESSIONISTE.) // La Vogue., 13-20 giugno, 1886 P. 261-75b Lane. - Nochlin L. impressionismo e post-impressionismo, 1874-1904, Fonte e documenti nella storia dell'arte (Gliffs Englewood, n.j.: Prentice Hall, 1966). C. 110. Attraverso il figura del discorso Fenon, che lega l'idea di pazienza e tessitura, ovviamente, assomiglia ad un'immagine dipinta di genere di Penopelope di ricamo pazientemente e storie e metafore di intera premi, comprese le donne e i tessuti - e non meno la famosa dichiarazione di Freud su donne e cucire; Nel suo saggio, "Su Femino", scrive che cucito è l'unico contributo delle donne alla civiltà ( Freud S. Femminity // Freud S. Nuove conferenze introduttive sulla psicoanalisi, trans. J. Stracey.. - N.y.: Norton., 1965, c. 131). Un'analisi dettagliata di percorsi e narrazioni orientati al genere associati a causa per cucire, tessitura e cucito, vedere: Miller n.k. Aracnologie: la donna, il testo e il critico // miller n.k. Soggetto a modifiche: la lettura della scrittura femminista. - n.y.: Columbia University Press, 1988, c. 77-101. La "tessitura del paziente" del Feneon può anche essere letta come antitesi di una metafora più familiare della creatività modernista, metaforandizza il potere, la spontaneità ed l'emotività delle pratiche creative dell'artista (uomini) attraverso la somiglianza del suo pennello per l'energia energica o in cerca di Un fallo e un sottolineatura, rispettivamente, o la cruses passione della vernice si applica, o, al contrario, la sua delicatezza e sensibilità. Come parte di questo contesto discorsivo, le unità fraseologiche Feneon possono essere considerate una decostruzione del modo principale della produzione di avanguardia della modernità - in breve, una figura di crisi di parola.

Ricco D.C. Seurat e l'evoluzione di "La Grande Jatte". - Chicago: Università di Chicago Press, 1935. C. 2.

Vale la pena solo pensare, ad esempio, su famosi grafici dei dipinti Cezanne nel libro Earle Laurent: Loran E. Cezanne Composizione: analisi della sua forma con diagrammi e fotografie dei suoi motivi (Berkeley e Los Angeles, 1943). Queste classifiche in seguito hanno usato Roy Liechtenstein in tali opere come "ritratto di Madame Cesanne" 1962. Parte del libro è stata pubblicata nel 1930 in L'ARS.. Cm.: Rewald J. La storia dell'impressionismo, rev.ed. - n.y.: Museo dell'arte moderna, 1961. C. 624.

Schapiro M. Seurat e "La Grande Jatte". C. 11-13.

Il materiale analitico più recente sulle teorie "scientifiche" del colore della Siera See: Lee. UN.. Seurat. e. Scienza. // ARTE. Storia. 10, № 2 (giugno 1987: 203-26). Lee fa una conclusione inequivocabile: "il suo metodo" cromoluminato "che non ha avuto motivi scientifici, era una pseudo-persona: è stato ingannevole in formulazioni teoriche ed è stata utilizzata con indifferenza rispetto a tutte le stime critiche della sua consistenza empirica" \u200b\u200b(p . 203).

Seurat in prospettiva., Ed. Norma Brounde. (Gliffs Englewood, n.j.: Prentice Hall, 1978). C. 173.

È divertente che Siera ha difeso ferocemente il suo campionato nell'invenzione del neo-simulazione e ha cercato di non dare a Xinyak e ad altri artisti a sviluppare "la sua" tecnica. Discussione sulle contraddizioni all'interno di un gruppo di neo-simulionisti Vedi: Thomson., a partire dal. 130, 185-187. Qui sto parlando delle possibilità del neo-semplicismo come professionisti e non sull'integrità personale della Siera come leader del movimento. Naturalmente, c'era una contraddizione tra il potenziale del neo-simulazione e le sue incarnazioni concrete di Syra e dei suoi seguaci.

A prima vista, l'enorme quadro di Georges Pierre Syra "Domenicay Day on the Grand-Zhatt Island", scritto nel 1884, sembra essere la solita immagine di persone che godono di una calda giornata di sole in un bellissimo parco. Ma, se guardi il lavoro più famoso nel genere del suggerimento o del neo-impressionismo, verrà scoperto un certo numero di fatti interessanti.

1. L'immagine è composta da milioni di punti

Avendo creato un quadro simile, Syra divenne il padre del poentonismo e del neo-impressionismo. Tuttavia, lui stesso ha preferito chiamare la sua tecnica "Lumarism cromografico" - il termine, che sembrava l'artista più appropriato per concentrarsi sul gioco della combinazione di luce e colore.

2. Per finire l'immagine, ci sono voluti più di due anni.

Il lavoro su questo capolavoro del nuvolism è iniziato nel 1884 dalla serie di 60 schizzi, realizzati da Syra nel parco di Parigi. Poi ha iniziato a disegnare la foto stessa con piccole macchie orizzontali. Dopodiché, l'artista fino alla primavera del 1886 ha completato la sua creazione applicando la vernice a piccoli punti.

3. La scelta del colore dell'artista era basata su un approccio scientifico

"Alcuni sostengono che vedono la poesia nei miei dipinti, in qualche modo disse Syra. - Vedo solo la scienza in loro." L'artista era affascinato dalle teorie del colore degli scienziati di Chevreil e Orena Ruda. Di conseguenza, i colori per il dipinto del Siere raccolti, in base ai loro metodi.

4. Schizzi di Dysfunge Paris

L'ispirazione per Schizzi di Parigi era l'antica arte egiziana, antica e fenicia. Syra cercava di perpetuare ciò che Parigi guardava nella sua era, rimasta impressionata dallo studio delle antiche immagini delle persone.

5. I critici colpiscono l'artista con critica

I metodi innovativi della Siera sono diventati una ragione per le critiche rafforzate presso la mostra di impressionisti nel 1886, dove è stato prima esposto alla "Domenicay Day on Grand-Zhant Island". Possiede di persone in questa immagine sono state confrontate con geroglifici egiziani, poi con soldati di latta.

6. L'immagine è stata aggiornata nel 1889

Siera ha rinfrescato l'immagine, disegnando più limiti chiari da punti rossi, arancioni e blu.

7. Siera ha completato il suo lavoro più famoso all'età di soli 26 anni

Era uno dei giovani artisti più promettenti e promettenti. Sfortunatamente, la malattia ha rotto la sua vita nel 1891, quando Syra aveva solo 31 anni.

8. A proposito dell'immagine dimenticata 30 anni dopo la morte dell'artista

Dopo la morte di Syur, per la prima volta, l'immagine è apparsa nel pubblico nel 1924, quando Frederick Bartlett Art Art Amatoriale colla ha acquisito "Domenicay Day on Grand-Zhant's Island" e ha prestato la tela per un periodo indefinito dell'istituto artistico di Chicago .

9. Il filosofo americano ha contribuito a cambiare l'opinione pubblica nell'immagine

Nel 1950, Ernest Bloch nel suo lavoro "il principio di speranza" ha studiato le interpretazioni socio-politiche di "Domenicay Day on Grand-Zhant's Island", ridimensionando in tal modo interesse per l'immagine.

10. Oggi l'immagine sembra questa ricerca ricerca

Dopo che Syra ha disegnato il confine con l'immagine, lo mise in una cornice di legno appositamente fatta di bianco. È in tale cornice che la tela è esposta all'Istituto d'arte di Chicago.

11. I colori dei dipinti sono cambiati

Siera ha usato un nuovo pigmento nella sua pittura, un cromato giallo di zinco, sperando che con il suo aiuto sarebbe stato possibile passare più realisticamente il colore dell'erba del parco. Ma per molti anni questo pigmento ha subito una reazione chimica che ha cambiato il suo colore in marrone.

12. L'immagine è maggiore di ciò che è considerato

"Domenicay Day on the Island of Grand-Zhant" non è solo la foto più famosa di Syra, ma anche la sua immagine più grande. La sua dimensione è 207 × 308 cm.

13. La scena del parco può avere un significato nascosto

Alcuni ricercatori hanno notato una signora con una scimmia nella foto. Sulle scimmie francese sembra "Singese", la stessa parola sul gergo denota una signora di facile comportamento. Si riferiscono anche a una signora che si trova con una canna da pesca sulla riva. Per la pesca, è troppo elegantemente vestito.

14. L'immagine è quasi morta durante un incendio a New York

Il 15 aprile 1958, "Domenicay Day on the Island Grand-Zhatt" è stato esposto al Museo dell'Arte Contemporanea a New York, quando il fuoco è scoppiato nel vicino Museo di Whitney. Il fuoco ha danneggiato sei panni, 31 persone sono state ferite e un lavoratore è stato ucciso. L'immagine della Siera è stata evacuata.

15. Uno dei dipinti più riproducibili e parodia del mondo

"Domenicay Day on Grand-Zhant Island" e le sue repliche sono apparse in una varietà di film, e in qualche modo è stato raffigurato anche sulla copertina di Playboy. Stephen Sondheim e James Lapine fecero un musical sulla sua creazione, che si chiamava "Domenica nel parco con George".

Molto interessante e, che da oltre 500 anni è stato controverso dagli amanti dell'arte in tutto il mondo.