Georges Seurat. Domenica pomeriggio sull'isola di La Grande Jatte

Differences pubblica una traduzione di "Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" di Georges Seurat della storica e critica d'arte americana Linda Nocklin: A Dystopian Allegory. Oltre al suo significato per la storia dell'arte, questo testo è rilevante anche per gli studi urbani russi: la natura disperata, malinconica e meccanicistica del tempo libero urbano, di cui scrive Noklin, è una potente antitesi all'idea alla moda dell'importanza fondamentale di un ambiente di intrattenimento confortevole in una città moderna.

Il pensiero che il capolavoro di Georges Seurat "Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte" fosse una sorta di distopia mi è venuto quando ho letto il capitolo "Paesaggio immaginario in pittura, opera, letteratura" dal libro "Il principio della speranza" - l'opera principale del grande tedesco il marxista Ernst Bloch. Ecco cosa scrisse Bloch nella prima metà di questo secolo:

“L'opposto della Colazione sull'erba di Manet, o meglio della sua allegria, è la scena campestre di Seurat “Domenica sulla Grande Jatte”. Il dipinto è un mosaico consolidato di noia, una rappresentazione magistrale dell'aspettativa delusa di qualcosa e dell'insignificanza dolce far niente... Il dipinto raffigura un'isola sulla Senna vicino a Parigi, dove la classe media trascorre la domenica mattina ( sic!): tutto qui, e tutto è mostrato con eccezionale disprezzo. Persone dai volti inespressivi riposano in primo piano; il resto dei personaggi è per lo più posizionato tra le verticali degli alberi, come bambole in scatole, che camminano tese sul posto. Dietro di loro puoi vedere un fiume pallido e yacht, un kayak a remi, barche da escursione - uno sfondo, anche se ricreativo, ma che assomiglia più al mondo sotterraneo che a una domenica pomeriggio. L'ambientazione, sebbene qui sia raffigurato uno spazio per il tempo libero, è più suggestivo del regno dei morti che della domenica. L'immagine deve una quota maggiore di triste sconforto al bagliore sbiancato del suo ambiente arioso e luminoso e all'acqua inespressiva della Senna domenicale, contemplata in modo altrettanto inespressivo<…>Insieme al mondo del lavoro quotidiano scompaiono tutti gli altri mondi, tutto precipita in un torpore acquoso. Il risultato è una noia senza precedenti, il sogno diabolico di un piccolo uomo di infrangere il Sabbath e prolungarlo per sempre. La sua domenica è solo un fastidioso dovere, e non un gradito tocco alla terra promessa. Una domenica pomeriggio borghese come questa è un paesaggio di suicidi non combattuto dall'indecisione. In breve, è dolce far niente se solo possiede coscienza, ha la coscienza della più perfetta anti-resurrezione sui resti dell'utopia della domenica”.

La rappresentazione della distopia di cui ha scritto Bloch non è solo una questione di iconografia, non solo una trama o una storia sociale riflessa sulla tela. La pittura di Seurat non basta per essere vista come passiva riflessione la nuova realtà urbana del 1880, o come una fase estrema di alienazione, che è associata alla ristrutturazione capitalista dello spazio urbano e delle gerarchie sociali di quel tempo. Piuttosto, "La Grande Jatte" è una tela che è attivamente produce significati culturali, inventando codici visivi per l'artista contemporaneo per sperimentare la vita urbana. Qui è dove l'allegoria nel titolo di questo articolo ("distopian allegoria"). È la costruzione pittoresca de "La Grande Jatte" - i suoi dispositivi formali - che trasforma la distopia in un'allegoria. Questo è ciò che rende uniche le opere di Seurat e, in particolare, questo dipinto. Seurat è l'unico post-impressionista che, nel tessuto e nella struttura stessa dei suoi dipinti, ha saputo riflettere il nuovo stato di cose: alienazione, anomia, esistenza di uno spettacolo nella società, subordinazione della vita a un'economia di mercato, dove il valore di scambio ha sostituito il valore del consumatore e la produzione di massa - artigianato.

Un paesaggio con un suicidio che non nasce dall'indecisione.

In altre parole, se non fosse stato per Cézanne, ma Seurat avesse preso il posto dell'artista modernista chiave, l'arte del ventesimo secolo sarebbe stata completamente diversa. Ma questa affermazione è, ovviamente, utopica di per sé - o almeno storicamente insostenibile. Infatti, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, parte del paradigma storico dell'arte avanzata è stato un allontanamento dalla posizione oggettivo-critica globale, sociale e, soprattutto, negativa, che viene riprodotta nella "La Grande Jatte" ( così come nei dipinti "Parade" e "Cancan" dello stesso autore). La pittura senza tempo, asociale, soggettiva e fenomenologica - in altre parole, la pittura "pura" - si affermava come fondamento del modernismo. Come vedremo, la convinzione paradossale che l'apparenza pura e la superficie piatta della tela siano modernità è esattamente l'opposto di ciò che Seurat mostra in La Grande Jatte, come nelle altre sue opere.

A partire dall'Alto Rinascimento, l'obiettivo ambizioso di tutta l'arte occidentale era quello di creare una tale struttura pittorica che costruisse una narrazione razionale e, soprattutto, una connessione espressiva tra la parte e il tutto, nonché le parti tra loro, e allo stesso tempo stabilire una connessione semantica con lo spettatore. Si presumeva che la pittura "esprimesse", cioè facesse emergere un significato interiore per la sua coerenza strutturale; che funziona come una manifestazione visiva del contenuto interiore o della profondità che compongono il tessuto dell'immagine, ma come una manifestazione superficiale, sebbene sia di grande importanza. In un'opera rinascimentale come la "Scuola di Atene" di Raffaello, i personaggi reagiscono e interagiscono in modo tale da suggerire (e di fatto affermare) che c'è un certo significato dall'altra parte della superficie dipinta, così da trasmettere un significato complesso, immediatamente leggibile e che va al di là delle circostanze storiche che lo hanno originato.

In un certo senso, Lunch on the Grass di Manet afferma la fine della tradizione occidentale dell'alta arte come narrazione espressiva: l'ombra si addensa, la priorità della superficie nega ogni trascendenza, i gesti non assolvono più alla loro missione di stabilire un dialogo. Ma anche qui, come nota Ernst Bloch nello stesso capitolo del suo libro, permangono emanazioni utopiche. Bloch, infatti, considera Colazione sull'erba come l'opposto di La Grande Jatte, descrivendola come "... una gradita scena di felicità epicurea" nei termini più lirici: una donna nuda, un'altra - che si spoglia prima di fare il bagno - e figure maschili scure . " "Rappresentato", continua Bloch, "è una situazione incredibilmente francese, piena di languore, innocenza e perfetta leggerezza, godimento discreto della vita e serietà spensierata". Bloch classifica Pranzo sull'erba nella stessa categoria di La Grande Jatte - è pittura domenicale; la sua “trama è un'immersione temporanea nel mondo senza preoccupazioni e bisogni quotidiani. Sebbene non fosse più facile riprodurre questa trama nel XIX secolo, La colazione sull'erba di Manet divenne un'eccezione per la sua ingenuità e fascino. La sana domenica di Manet sarebbe stata difficilmente possibile [nel 1863, quando il quadro fu dipinto] se Manet vi avesse consentito trame e personaggi piccolo-borghesi; si scopre che non potrebbe esistere se non fosse per il pittore e i suoi modelli». E poi Bloch passa alla descrizione de La Grande Jatte all'inizio di questo saggio: “Una vera domenica borghese, anche disegnata, sembra molto meno desiderabile e varia. Esso - lato sbagliato La colazione sull'erba di Manet; in altre parole, Seurat la disattenzione si trasforma in impotenza - ecco cos'è "Domenica pomeriggio all'isola di La Grande Jatte"". Sembra che solo negli anni 1880 sia stato possibile creare un'opera che riflettesse in modo accurato, completo e convincente lo stato della modernità.

Tutti i fattori di formazione del sistema nel progetto di Seurat potrebbero in definitiva servire i compiti della democratizzazione.

Nella pittura di Seurat, i personaggi interagiscono a malapena, senza lasciare alcuna sensazione di presenza umana articolata e unica; inoltre, non c'è nemmeno la sensazione che queste persone dipinte abbiano una sorta di profondo nucleo interiore. Qui, la tradizione della rappresentazione occidentale, se non del tutto abolita, poi seriamente minata da un linguaggio artistico antiespressivo, nega risolutamente l'esistenza di qualsiasi significato interno che l'artista deve rivelare allo spettatore. Piuttosto, questi contorni meccanici, questi punti ordinati si riferiscono alla scienza moderna e all'industria con la sua produzione di massa; a negozi pieni di merce in pronta consegna numerosa ed economica; stampa di massa con le sue infinite riproduzioni. Si tratta, insomma, di un atteggiamento critico nei confronti della modernità, incarnata in un nuovo medium artistico, ironico e decorativo, e di una modernità accentuata (anche troppo accentuata) dei costumi e degli oggetti per la casa. La Grande Jatte è decisamente storica, non ha pretese di atemporalità o generalizzazione, e questo la rende anche distopica. L'esistenza oggettiva di un dipinto nella storia si incarna, prima di tutto, nel famoso tratto punteggiato ( pointillé ) - l'unità minima e indivisibile di una nuova visione del mondo, alla quale, ovviamente, il pubblico ha prestato attenzione prima di tutto. Con questa pennellata, Seurat elimina deliberatamente e irrevocabilmente la sua unicità, che l'inimitabile calligrafia dell'autore intendeva proiettare nell'opera. Lo stesso Seurat non è rappresentato in alcun modo nel suo tratto. Non ha senso la scelta esistenziale implicita nella pennellata costruttiva di Cézanne, né la profonda angoscia personale, come in Van Gogh, né la smaterializzazione decorativa, mistica della forma, come in Gauguin. L'applicazione della vernice si trasforma in un atto di prosa secca - una riproduzione quasi meccanica di "punti" pigmentati. Meyer Shapiro, in quello che ritengo l'articolo più approfondito su La Grande Jatte, vede Seurat come un “tecnologo umile, laborioso e intelligente” proveniente dalla “borghesia parigina, da cui diventano ingegneri industriali, tecnici e impiegati». Egli osserva che "il moderno sviluppo industriale di Seurat ha instillato in lui il più profondo rispetto per il lavoro razionalizzato, la tecnologia scientifica e le invenzioni che guidano il progresso".

Prima di analizzare nel dettaglio La Grande Jatte per come si sviluppa il distopismo in ogni aspetto della sua struttura stilistica, voglio delineare ciò che era considerato “utopico” nella produzione visiva del XIX secolo. Solo inserendo "La Grande Jatte" nel contesto della comprensione dell'utopico Seurat e dei suoi contemporanei, ci si può rendere pienamente conto di quanto sia opposta a questa utopia la natura delle sue opere.

Certo, c'è la classica utopia della carne: l'età dell'oro di Ingres. Linee armoniose, corpi lisci senza segni di invecchiamento, simmetria attraente della composizione, libero raggruppamento di figure discretamente nude o drappeggiate in uno stile classico in un paesaggio indefinito "a la Poussin" - qui viene presentata non tanto l'utopia quanto la nostalgia per un passato lontano che non è mai esistito, " -chrony ". Il messaggio sociale che solitamente associamo all'utopia è qui completamente assente. È piuttosto l'utopia del desiderio idealizzato. Lo stesso, tuttavia, si può dire della successiva interpretazione di Gauguin del paradiso tropicale: per lui, il catalizzatore dell'utopia non è la distanza temporale, ma geografica. Qui, come in Ingres, il significato di utopia è un corpo nudo o leggermente coperto da abiti non moderni - di regola, di una donna. Come l'utopia di Ingres, l'utopia di Gauguin è apolitica: si riferisce al desiderio maschile, per il quale la carne femminile funge da suo significante.

Museo d'Orsay

Il dipinto A Dream of Happiness del 1843 di Dominic Papeti è molto più adatto a immergersi nel contesto di una rappresentazione utopica che fa scattare l'allegoria distopica di Seurat. Utopico sia nella forma che nel contenuto, questo dipinto con la sua iconografia elogia francamente il Fourierismo e tende all'idealizzazione classica nel suo stile, che non è molto diverso da Ingres, il maestro di Papeti all'Accademia di Francia a Roma. Eppure i concetti utopici di Papeti e Ingres differiscono sostanzialmente. Sebbene i Fourieristi considerassero il presente - le cosiddette condizioni civilizzate - vizioso e artificiale, il passato era poco meglio per loro. La vera età dell'oro per loro non era nel passato, ma nel futuro: da qui il nome “ Sogno sulla felicità”. Il contenuto francamente fourieristico di questa allegoria utopica è avvalorato dalla firma “Harmony” sul piedistallo della statua sul lato sinistro della tela, che si riferisce allo “stato di Fourier e alla musica dei satiri”, nonché dal titolo del libro “Società Universale”, in cui sono immersi giovani scienziati (riferimento diretto alla dottrina di Fourier e anche a uno dei trattati di Fourier). Alcuni aspetti de La Grande Jatte possono essere letti come un'aperta negazione dell'utopia di Fourier o, più precisamente, dell'utopismo in generale. Nella pittura di Papeti, gli ideali utopici sono personificati da un poeta che "loda l'armonia", un gruppo che incarna la "tenerezza materna", e un altro, che denota una brillante amicizia infantile, e ai bordi - diversi lati dell'amore tra i sessi. Tutto questo è sottolineato in La Grande Jatte - perché è omesso. Papeti utilizza un'architettura puramente classica, sebbene il dipinto allo stesso tempo suggerisse che queste rappresentazioni utopiche fossero rivolte al futuro: raffigurava un piroscafo e un telegrafo (poi rimosso dall'artista). E ancora vediamo figure morbide, armoniose in pose classiche, più precisamente neoclassiche; la vernice viene applicata nel modo consueto. Almeno nella versione della pittura che ci è pervenuta, i segni della modernità si sono dissolti a favore di un'utopia, sia pure fourierista, ma profondamente radicata nel lontano passato e in un modo estremamente tradizionale, se non conservatore, di rappresentazione.

Su basi più materiali dell'oscura immagine utopica di Papeti, il lavoro del suo contemporaneo più anziano Pierre Puvis de Chavanne è correlato al progetto distopico di Seurat. In effetti, "Domenica pomeriggio sull'Ile de la Grande Jatte" avrebbe potuto avere un aspetto molto diverso o non si sarebbe svolto affatto, se nello stesso anno in cui Seurat iniziò a lavorare su questo dipinto, non avesse visto l'opera di Puvi "Sacred Grove", esposta al Salon del 1884... Da un certo punto di vista, La Grande Jatte può essere vista come una parodia del Bosco Sacro di Puvi, che mette in discussione il fondamento di questo dipinto e la sua adeguatezza alla modernità, sia nella forma che nel contenuto. Puvi Seurat sostituisce muse senza tempo e ambienti classici con gli abiti più freschi, le decorazioni e gli accessori più moderni. Le donne di Seurat indossano busti, corsetti e cappelli alla moda, piuttosto che essere coperte con i classici drappeggi; i suoi uomini non tengono in mano il flauto di Pan, ma un sigaro e un bastone; sullo sfondo, raffigura un paesaggio urbano moderno piuttosto che un'antichità pastorale.

L'opera di Puvi Summer of 1873, creata due anni dopo la sconfitta della Francia nella guerra franco-prussiana e gli orribili eventi intorno alla Comune e alle sue conseguenze che divisero la società, è uno degli esempi più puri di utopia. Come osserva Claudine Mitchell nel suo articolo pubblicato di recente, nonostante l'immagine riconoscibile del lontano passato, il sistema figurativo di "Estate" assume una scala temporale più generale, persino universale - un'idea di una verità generalizzata della società umana. Secondo il critico e scrittore Théophile Gaultier, che ha pensato molto all'opera di Puvi, “cerca l'ideale al di fuori del tempo, dello spazio, del costume o dei dettagli. Cerca di dipingere l'umanità primitiva, poiché [ sic! ] svolge uno dei compiti che possiamo chiamare sacro: stare vicino alla Natura. " Gaultier ha elogiato Puvi per aver evitato il superfluo e l'accidentale e ha notato che le sue composizioni hanno sempre un nome astratto e generale: "Pace", "Guerra", "Pace", "Lavoro", "Dormire" - o "Estate". Gaultier credeva che per Puvi, il significato del lontano passato, più semplice e più puro, stabilisse un ordine più universale: l'ordine della Natura stessa.

Quindi, davanti a noi c'è la classica versione pittorica dell'utopia del XIX secolo, che identifica tu- topos(senza spazio) e tu- crono(assenza di tempo) con il tempo e lo spazio nebbioso dell'antichità. Il mondo pittorico di Puvi si colloca al di fuori del tempo e dello spazio, mentre La Grande Jatte di Seurat è collocata decisamente e persino aggressivamente all'interno del proprio tempo. È difficile dire se i nomi temporalmente e geograficamente definiti, decisamente laici dei dipinti di Seurat ("Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte (1884)") implichino una critica distopica dei nomi vaghi idealizzati di Puvi e di altri classicisti che hanno lavorato con allegoria. In un modo o nell'altro, nei suoi dipinti Seurat lotta più seriamente proprio con l'armonia utopica delle costruzioni di Puvi. Sebbene Puvis potesse avere i personaggi in gruppi separati, ciò non implicava la frammentazione sociale o l'alienazione psicologica. Piuttosto, nei suoi dipinti, esalta i valori della famiglia e il lavoro di squadra, durante i quali rappresentanti di tutte le professioni, gruppi di età e genere svolgono i compiti assegnati. Le opere di Puvi sono ideologicamente finalizzate a creare armonia estetica proprio dove disarmonia, conflitti e contraddizioni si concentrano nella società moderna, sia che si tratti della posizione dei lavoratori, della lotta di classe o della condizione delle donne. Così, ad esempio, nella struttura formale di Summer, il valore della maternità per una donna e del lavoro per un uomo si presenta come - di fatto, inscindibile - una componente dell'ordine naturale, e non come una questione volatile e controversa. In Seurat, come vedremo, gli elementi classici perdono la loro armonia: sono ipertrofizzati nella loro deliberata artificialità, conservatorismo e isolamento. Questa accentuazione delle contraddizioni fa parte della sua strategia distopica.

L'utopia di Gauguin è apolitica: si riferisce al desiderio maschile, il cui significante è la carne femminile.

La distopia di Seurat è in contrasto non solo con le opere classiche e piuttosto tradizionali di Puvi. L'artista più progressista Renoir ha anche creato un sistema semi-utopico di immagini della sua realtà contemporanea, l'esistenza urbana quotidiana, che si basa sulle gioie della sana sensualità e della giovinezza gioia de vivere(le gioie della vita), - per esempio, in opere come The Ball at the Moulin de la Galette del 1876, dove una manciata di pennellate multicolori e un ritmo dinamico circolare nella loro gioiosa miscela di tutto il tempo libero della moderna Parigi. Quest'opera di Renoir è il contrasto più netto con la visione caustica di Seurat del "nuovo tempo libero". Renoir cerca di presentare la vita quotidiana di una grande città moderna come naturale, cioè naturalizza sua; Seurat, invece, lo diffama e nega ogni naturalizzazione.

Paradossalmente, è la pittura del neoimpressionista Paul Signac, seguace e amico di Seurat, a fornire il quadro più vivido del contesto di immagini utopiche contro cui si ribella La Grande Jatte. Signac era pienamente consapevole del significato sociale dell'opera realizzata dall'amico. Nel giugno 1891 in un giornale anarchico La Rivolta(Rivolta), pubblicò un articolo in cui sosteneva che, raffigurando scene della vita della classe operaia, "o, meglio ancora, il divertimento dei decadenti<…>come Seurat, che ha compreso con tanta chiarezza il degrado della nostra epoca di transizione, loro [gli artisti] presenteranno le loro prove al grande tribunale pubblico che si svolge tra lavoratori e Capitale".

In Harmony, 1893-1895 circa di Signac (bozzetto ad olio per un murale nel municipio di Montreuil) sembra essere una risposta allo stato specificamente capitalista di anomia e assurdità - in altre parole, il "tempo di disarmonia" presentato nel più famoso film maturo lavorare il suo amico. In una litografia per il quotidiano Jean Grave meno Tempes novità("Tempi moderni") Signac ha presentato la sua versione anarco-socialista di un'utopia senza classi, in cui l'incuria generale e l'interazione umana sostituiscono la staticità e l'isolamento delle figure de "La Grande Jatte"; Contrariamente a Seurat, Signac enfatizza i valori della famiglia, piuttosto che oscurarli, e sostituisce l'arredo urbano con altri più pastorali e rustici, in accordo con la natura utopica del suo progetto. Gli eroi, nonostante siano vestiti in modo relativamente moderno, sono leggermente idealizzati, come quelli di Puvi, piuttosto che alla moda, come quelli di Seurat. In una composizione curvilinea con le sue ripetizioni decorative, il tema di una comunità - una coppia o una comunità - in un futuro utopico è portato avanti con sottigliezza. Anche la gallina e il gallo in primo piano raffigurano l'assistenza e l'interazione reciproca che l'intero pezzo richiede e che sono così decisamente escluse dal mondo dallo sguardo di Seurat.

Tuttavia, sono arrivato a un'interpretazione distopica della pittura di Seurat non solo per le evidenti differenze rispetto all'immaginario utopico del suo tempo. La reazione critica dei contemporanei serve anche a confermare che il dipinto è stato letto come una critica feroce dello stato attuale delle cose. Come ha affermato Martha Ward in un recente articolo per il catalogo della mostra, “i recensori credevano che i volti inespressivi, le posizioni del corpo isolate e le posture rigide fossero una parodia più o meno sottile di la banalità e la pretenziosità del tempo libero moderno[corsivo mio]”. Ad esempio, uno dei critici, Henri Fevre, ha osservato che guardando l'immagine "si arriva a capire la rigidità del tempo libero parigino, stanco e soffocante, dove le persone continuano a posare anche durante il riposo". Un altro critico, Paul Adam, ha identificato contorni rigidi e posture deliberate con lo stato di cose molto moderno: “Anche l'immobilità di queste figure stampate sembra suonare modernità; Ricorda immediatamente i nostri abiti su misura, i corpi attillati, la gestualità, il gergo britannico, che tutti imitiamo. Posiamo come le persone in un dipinto di Memling". Un altro critico, Alfred Pole, ha affermato che “l'artista ha creato personaggi con gesti automatici di soldati che calpestano la piazza d'armi. Le cameriere, gli impiegati e i cavalieri camminano con passo lento, banale, uniforme, che trasmette con precisione il carattere della scena…”

La nozione di monotonia e schiavitù disumana della vita urbana moderna, questo tropo fondamentale de La Grande Jatte, permea anche l'analisi del critico più significativo del dipinto, Felix Feneon, un'analisi che pretende di essere un inflessibile formalismo: Feneon descrive l'uniformità del tecnica come “tessitura monotona e paziente” è un errore toccante che ribatte alle critiche. Sì, descrive una maniera pittorica, ma attribuisce la tecnica del puntinismo alla "monotonia" e alla "pazienza", interpretandola allegoricamente, quindi, come metafora delle proprietà fondamentali della vita urbana. Cioè, in questa figura del discorso di Feneon, il linguaggio formale di Seurat è magistralmente assorbito sia dallo stato esistenziale che dalla tecnica di lavorazione della materia.

La figura della ragazza è Speranza: un impulso utopico sepolto al centro del suo opposto.

Qual è il linguaggio formale di Seurat a La Grande Jatte? Come media e costruisce i sintomi dolorosi della società del suo tempo e come crea, in un certo senso, la loro allegoria? Aveva perfettamente ragione Daniel Rich quando, nel suo studio del 1935, sottolineava l'importanza fondamentale dell'innovazione di Seurat a livello di forma in quella che chiama la realizzazione “trascendente” de La Grande Jatte. Per fare ciò, Rich utilizza due schemi che semplificano la già schematica composizione di Seurat: "Organizzazione della Grande Jatte in curve" e "Organizzazione della Grande Jatte in linee rette" - una tecnica tipica della critica d'arte formale e "scientifica" del tempo. Ma, come sottolinea Meyer Shapiro nella sua brillante confutazione di questo studio, Rich ha sbagliato a ignorare, a causa del suo formalismo convinto, l'importanza fondamentale e sociale della pratica di Seurat. Ugualmente imperfetti, sostiene Shapiro, sono i tentativi di Rich di proporre una lettura classica, tradizionale e armonizzante di Seurat al fine di adattare le sue idee innovative al "mainstream" rispettoso della legge della tradizione pittorica (quanto come gli storici dell'arte!).

Per separare Seurat dal mainstream e realizzare la sua innovazione formale, è necessario utilizzare il concetto moderno-specifico di "sistema", che può essere inteso in almeno due modalità: (1) come applicazione sistematica di un certo colore teoria, scientifica o pseudoscientifica (a seconda che si creda all'artista), nella sua tecnica “cromoluministica”;
o (2) come un sistema di puntinismo correlato a questa teoria: l'applicazione della pittura sulla tela in piccoli punti regolari. In entrambi i casi, il metodo di Seurat diventa un'allegoria della produzione di massa nell'era moderna e quindi si allontana dai significanti sia impressionisti che espressionisti della soggettività e del coinvolgimento personale nella produzione artistica, o dall'armoniosa generalizzazione della superficie caratteristica dei modi di rappresentazione classici. Come ha notato Norma Brood nel suo recente articolo, Seurat potrebbe aver preso in prestito il suo sistema di pittura dall'attuale tecnica di replica di massa dei media visivi del suo tempo, la cosiddetta incisione cromotipica. La tecnica meccanicistica di Seurat gli permette di criticare lo spettacolo reificato della vita moderna. Pertanto, come afferma Brood, "è ovviamente provocatoria non solo verso il pubblico in generale, ma anche diverse generazioni di impressionisti e post-impressionisti: l'approccio impersonale di Seurat e dei suoi seguaci alla pittura ha minacciato il loro attaccamento al concetto romantico di autenticità. ed espressione spontanea." Come osserva Brood, era “la natura meccanicistica della tecnologia, estranea alle nozioni di buon gusto e 'arte alta' dei contemporanei di Seurat, che poteva diventare attraente per lui, dal momento che le opinioni politiche radicali e una dipendenza 'democratica' dalle forme d'arte popolari divennero fattori determinanti importanti nell'evoluzione del suo approccio alla propria arte”. Puoi andare anche oltre e dirlo Tutti i fattori di formazione del sistema nel progetto di Seurat - dalla teoria pseudoscientifica del colore alla tecnica meccanizzata e al successivo adattamento del "goniometro estetico" "scientificamente" fondato di Charles Henri per raggiungere un equilibrio di composizione ed espressività - potrebbero in definitiva servire ai compiti della democratizzazione. Seurat ha trovato un metodo elementare per creare arte di successo, in teoria accessibile a tutti; ha inventato una sorta di disegno a punti orientato democraticamente, escludendo completamente il ruolo del genio come persona creativa eccezionale dall'atto di produrre arte, anche "grande arte" (sebbene questo stesso concetto nel regime di Sistematizzazione Totale fosse ridondante). Da un punto di vista radicale, questo è un progetto utopico, mentre da un punto di vista più elitario, è completamente semplicistico e distopico.

Nulla dice di più sul completo abbandono da parte di Seurat del fascino dell'immediatezza a favore del distacco di principio che un confronto dei dettagli di un grande schizzo preliminare della Grande Jatte (Metropolitan Museum di New York) con i dettagli del dipinto finito. Cosa potrebbe esserci di più estraneo alle tendenze generalizzanti del classicismo dello schema riassuntivo e della modernità del modo, manifestato nel modo in cui Seurat costruisce, ad esempio, una coppia in primo piano - questa immagine è così laconica che il suo referente viene letto immediatamente come il referente di un cartello pubblicitario. Cosa potrebbe esserci di più estraneo alla gentile idealizzazione dei tardo neoclassici come Puvi della modellazione acutamente critica della mano che tiene il sigaro e dell'arrotondamento meccanicistico della canna? Entrambe queste forme significano aggressivamente una mascolinità codificata in classe, costruendo lo schema di un uomo opposto al suo compagno altrettanto socialmente segnato: la sua figura, con i suoi caratteristici contorni arrotondati dovuti al suo costume, assomiglia al modo in cui tutti gli arbusti non necessari nella forma di palle in un parco normale le vengono tagliate. Le differenze di genere sono rappresentate e strutturate con mezzi apparentemente artificiali.

Prendendo come esempio la figura di un'infermiera, vorrei mostrare come Seura, con la sua visione sardonica dell'ozio congelato del borghese, lavora sui tipi, semplificando l'immagine al più semplice significante, riducendo la vitalità e l'affascinante spontaneità del schizzo iniziale a un geroglifico visivo. In una descrizione verbale deliziosamente accurata come il dipinto stesso, Martha Ward ha caratterizzato la versione finale della tela come "una configurazione geometrica senza volto: un quadrilatero irregolare diviso in due da un triangolo incuneato nel mezzo, con cerchi chiusi in cima". Infermiera, meglio conosciuta come nome, è un personaggio stereotipato apparso in connessione con il rapido sviluppo della dattilografia visiva nella stampa popolare della seconda metà del XIX secolo. Seurat, ovviamente, evitò le trappole della caricatura volgare, così come non cercò di dare una caratterizzazione naturalistica della professione infermieristica, argomento relativamente diffuso nell'arte esposta ai Salons dell'epoca. A differenza di Berthe Morisot, che nella raffigurazione della figlia Julia con un'infermiera (1879), crea una rappresentazione dell'allattamento al seno in quanto tale - la figura di Morisot è frontale, di fronte allo spettatore, scritta in modo vivido e, sebbene semplificata in un unico volume, crea un acuto senso di spontaneità vitale, - Seurat cancella tutti i segni dell'attività professionale dell'infermiera e del suo rapporto con il bambino, invece di un processo biologico, ci presenta un segno semplificato.

Seura ha lavorato duramente su questo personaggio; possiamo vedere il processo di semplificazione in una serie di disegni a matita di Conte, da alcuni schizzi molto sentiti dal vero (nella collezione Goodyear) a una monumentale veduta dell'infermiera di spalle (Cappello e nastri, nella collezione Tou). Sebbene la figura della donna sia qui composta da diverse forme rettangolari e curvilinee in bianco e nero, unite da un nastro verticale debolmente tonico indossato dalle infermiere (e come se duplicasse l'asse spinale), mantiene una connessione con il suo reparto spingendo un bambino carrozza. In un altro bozzetto (della collezione Rosenberg), pur essendo presente, il bambino si trasforma in un'eco geometrica del berretto rotondo della nutrice privo di individualità, e la sua figura assume gradualmente la forma trapezoidale simmetrica che vediamo nella versione finale di La Grande Jatte. La serie si conclude con un disegno (collezione Albright-Knox) ​​della versione finale del gruppo dell'infermiera. In relazione a questo disegno, Robert Herbert ha osservato che “la tata che vediamo di spalle è ingombrante come una pietra. Solo il berretto e il nastro, appiattito sull'asse verticale, ci fanno sapere che questa è davvero una donna seduta». Insomma, Seurat ha ridotto al minimo la figura dell'infermiera. Nella versione finale del quadro nulla ricorda il ruolo di balia che nutre il bambino, il tenero rapporto tra un neonato e la sua “seconda madre”, che allora era considerata una balia. Gli attributi della sua occupazione - un berretto, un nastro e un mantello - sono la sua realtà: come se non ci fosse più nulla nella società di massa che potesse rappresentare la posizione sociale di un individuo. Si scopre che Seurat ha ridotto la forma non per generalizzare le immagini e renderle classiche, come spiega Rich, ma per disumanizzare l'individualità umana, riducendola a una designazione critica dei vizi sociali. I personaggi non sono più rappresentati in modo vagamente pittorico, come nei vecchi codici caricaturali, ma sono ridotti a laconici emblemi visivi dei loro ruoli sociali ed economici - un processo simile allo sviluppo del capitalismo stesso, come potrebbe dire Signac.

Concluderò, come ho iniziato, con un'interpretazione pessimistica de La Grande Jatte, nella cui statica compositiva e semplificazione formale vedo un'allegorica negazione delle promesse della modernità, insomma un'allegoria distopica. Per me, come per Roger Fry nel 1926, "La Grande Jatte" rappresenta "un mondo da cui la vita e il movimento vengono espulsi e tutto è per sempre congelato al suo posto, fissato in una rigida cornice geometrica".

Rappresentazione dell'oppressione di classe in uno stile preso in prestito dalle tabelle e dai grafici capitalisti.

Eppure c'è un dettaglio che contraddice questa interpretazione, una piccola complessità dialettica che si aggiunge al significato del quadro, posto proprio al centro de La Grande Jatte: una bambina che salta. Questo personaggio è stato appena pensato nella sua forma finale, apparentemente contraddittoria, che ha in un grande schizzo. Nella versione precedente, è quasi impossibile dire se sta correndo. La forma è meno diagonale e si fonde maggiormente con le pennellate circostanti; sembra che sia associata a un cane bianco-marrone, che nella versione finale è già in un posto diverso nella composizione. La bambina è l'unica figura dinamica, il suo dinamismo enfatizzato da una posa diagonale, capelli fluenti e un nastro volante. Fa un completo contrasto con la bambina alla sua sinistra, una figura costruita come un cilindro verticale, passiva e conforme, subordinata e per così dire isomorfa alla madre, che sta all'ombra di un ombrello al centro del foto. Una ragazza che corre, d'altra parte, è libera e mobile, è determinata e insegue qualcosa che si trova al di fuori del nostro campo visivo. Insieme al cane in primo piano e una farfalla rossa che si libra leggermente a sinistra, formano i vertici di un triangolo invisibile. Possiamo dire che la figura della ragazza è Hope, nei termini di Bloch: un impulso utopico sepolto nel cuore del suo opposto dialettico; antitesi alla tesi del quadro. Quanto è diversa la rappresentazione dinamica della speranza di Seurat - non tanto una figura allegorica quanto una figura che può solo diventare un'allegoria - dall'allegoria dura e convenzionale di Puvi, creata dopo la guerra franco-prussiana e la Comune! La speranza di Puvi, si potrebbe dire, è senza speranza se per speranza intendiamo la possibilità del cambiamento, un futuro sconosciuto ma ottimista, e non una rigida essenza immutabile formulata nel linguaggio classico della schiva nudità e dei casti panneggi.

Gustave Courbet. Laboratorio d'artista. 1855 Parigi, Museo d'Orsay

La figura di un bambino di Seurat come simbolo di speranza è un personaggio attivo nel mezzo di un oceano di gelida passività, che ci ricorda un'altra immagine: un giovane artista, immerso nel lavoro, nascosto nel dipinto di Courbet La bottega dell'artista (1855), il cui sottotitolo è "una vera allegoria". Tra le opere dell'Ottocento, questa è la più vicina a Seurat: in quanto presenta l'utopia come un problema, non come una soluzione preconfezionata, oltre che in un contesto decisamente moderno e, stranamente, nel fatto che è organizzata come una composizione statica e congelata. Come La Grande Jatte, The Artist's Workshop è un'opera di immensa forza e complessità, in cui elementi utopici e non o distopici sono inestricabilmente intrecciati e in cui il vero utopico e il distopico sono mostrati come opposti dialettici reciprocamente riflessi. Nella cupa grotta dello studio, il piccolo artista, seminascosto sul pavimento sul lato destro del dipinto, è l'unica figura attiva, a parte l'artista stesso all'opera. L'alter ego dell'artista, un ragazzo ammirato dall'opera di Courbet, che occupa un posto centrale corrispondente a quello del maestro, personifica l'ammirazione delle generazioni future; come la ragazza di Seurat, questo bambino può essere considerato un'immagine di speranza - speranza inerente a un futuro sconosciuto.

Eppure le opere di Seurat sono dominate da una comprensione negativa della modernità, in particolare della modernità urbana. Durante la sua breve ma imponente carriera, fu impegnato nel progetto di critica sociale, che consisteva nella costruzione di un nuovo linguaggio, in parte di massa, metodicamente formale. In Models (nella collezione Barnes), manifestazione sardonicamente beffarda delle contraddizioni della società moderna in relazione a "vita" e "arte", i modelli contemporanei si spogliano in studio, rivelando la loro realtà sullo sfondo del dipinto - un frammento di "La Grande Jatte", che sembra più "moderno", più socialmente espressivo di loro stessi. Quale dettaglio rappresenta l'arte qui? La tradizionale nudità delle "tre grazie", che sono sempre rappresentate in tre angoli - frontale, laterale e di schiena, o una grande tela sulla vita moderna, che fa da sfondo? Nel dipinto Cabaret del 1889-1890 (Museo Kröller-Müller), l'intrattenimento mercificato, prodotto grezzo di un'industria emergente della cultura di massa, è mostrato in tutta la sua vacuità e artificiosità; non sono piaceri fugaci che Renoir potrebbe aver ritratto, o energia sessuale spontanea nello spirito di Toulouse-Lautrec. La trasformazione del naso di un uomo in una macchia simile a un maiale allude francamente all'avidità di piacere. I ballerini sono personaggi standard, pittogrammi decorativi, pubblicità di alta qualità per attività ricreative leggermente pericolose.

Georges Seurat. Il circo. 1891 Parigi, Museo d'Orsay

Il dipinto Circus (1891) tratta del fenomeno contemporaneo dello spettacolo e della contemplazione passiva che lo accompagna. Il dipinto parodia la produzione artistica, rappresentata allegoricamente come una performance pubblica - abbagliante nella tecnica, ma morta nel movimento, acrobazie per le esigenze di un pubblico congelato. Anche i partecipanti alla performance sembrano congelati nelle loro pose dinamiche, ridotti a curve digitate, pittogrammi eterei di movimento. Ci sono anche interpretazioni più oscure del rapporto tra lo spettatore e la performance nel film "Circus". Questo pubblico, congelato in uno stato vicino all'ipnosi, denota non solo una folla di consumatori d'arte, ma può essere inteso come lo stato di uno spettatore di massa di fronte a qualcuno che li manipola abilmente. Viene in mente l'opera minacciosa di Thomas Mann, Mario and the Wizard, o Hitler davanti a una folla a Norimberga, o, già oggi, l'elettorato americano e i candidati clown che, con arte colta, pronunciano slogan e gesticolano in televisione. Oltre al fatto che "Circus" dipinge problemi sociali contemporanei, come una distopia allegorica, contiene anche un potenziale profetico.

Mi sembra che le altre opere di La Grande Jatte e Seurat siano state troppo spesso incluse nella “grande tradizione” dell'arte occidentale, in marcia svelta da Pierrot a Poussin e Puvis, e troppo raramente associate alle strategie più critiche proprie dell'arte radicale del futuro. Ad esempio, nell'opera di un gruppo poco noto di radicali politici che operò in Germania negli anni '20 e nei primi anni '30 - i cosiddetti progressisti di Colonia - la formulazione radicale di Seurat dell'esperienza della modernità trova i suoi seguaci: non si tratta di un'influenza o una continuazione del suo lavoro - i progressisti nel loro distopismo sono andati oltre Seurat. Come attivisti politici, negavano ugualmente l'arte per l'arte e la moderna identificazione espressionista della morbilità sociale con la pittoricità agitata e la distorsione espressionista, che per loro non era altro che una sovraesposizione individualistica. I progressisti - tra cui Franz Wilhelm Seivert, Heinrich Herle, Gerd Arnz, Peter Alma e il fotografo August Sander - hanno fatto ricorso a una rappresentazione pittografica spassionata dell'ingiustizia sociale e dell'oppressione di classe che risveglia la coscienza rivoluzionaria in uno stile preso in prestito dalle tabelle e dai grafici capitalisti.

distopici per eccellenza, come Seurat, hanno usato i codici della modernità per mettere in discussione la legittimità dell'ordine sociale esistente. A differenza di Seurat, hanno messo in dubbio la legittimità stessa dell'arte alta, ma possiamo dire che questo era inerente a certi aspetti del suo lavoro. L'enfasi che ha posto sull'antieroismo piuttosto che sul gesto; sulla "tessitura paziente", che implica la ripetizione meccanica, piuttosto che i tratti impazienti e le pennellate del pennello, che Feneon chiamava "pittura virtuosa"; alla critica sociale anziché all'individualismo trascendentale - tutto ciò ci permette di parlare di Seurat come il precursore di quegli artisti che rifiutano l'eroismo e la sublimità apolitica dell'arte modernista, preferendo la pratica visiva critica. Da questo punto di vista, il fotomontaggio dei dadaisti di Berlino o i collage di Barbara Kruger hanno più in comune con l'eredità neoimpressionista che i dipinti innocui dipinti da artisti che usano i pointillis per creare paesaggi e marine altrimenti tradizionali e si definiscono seguaci di Seurat. L'impulso distopico è al centro delle realizzazioni di Seurat - in quello che Bloch chiamava "il mosaico prevalente della noia", "volti inespressivi", "l'acqua inespressiva della Senna domenicale"; insomma "un paesaggio con un suicidio che non è avvenuto per indecisione". È questa eredità che Seurat ha lasciato ai suoi contemporanei ea coloro che hanno seguito le sue orme.

Tradotto dall'inglese: Sasha Moroz, Gleb Napreenko

Questo testo è stato letto per la prima volta nell'ottobre 1988 all'Art Institute di Chicago come parte di una serie di conferenze in memoria di Norm W. Lifton. Linda Nochlin. La politica della visione: Saggi sull'arte e la società dell'Ottocento. Westview Press, 1989. - ca. per.).

Lo stesso Seurat, che espose per la prima volta questa tela nel 1886 all'ottava mostra degli impressionisti, non indicò l'ora del giorno.

Bloch E. Il principio della speranza. - Cambridge, Massachusetts: The MIT Press, 1986, II. S. 815. Trad. in inglese. lingua - Neville Ples, Stephen Ples e Paul Knight. Questo passaggio è stato citato in un contesto diverso anche nell'ultimo catalogo di Seurat, ed. Erich Franz e Bernd Grow « Georges Seurat: Zeichnungen» (Kunsthalle Bielefeld, Staatliche Kunsthalle Baden- Baden, 1983-1984), p. 82-83. Sono state apportate modifiche minori alla traduzione per la leggibilità. (Solo un frammento del libro è stato tradotto in russo: E. Blokh. Il principio della speranza. // Utopia e pensiero utopico. M., 1991. - ca. per. The Sacred Grove all'Art Institute of Chicago è una copia in miniatura di un'enorme tela conservata nel Musée des Beaux-Arts di Lione.

GautierTh. Monitor universali... 3 giugno 1867 Citato. Su: Mitchell Cl. Il tempo e l'ideale del patriarcato nella pastorale di Puvis de Chavannes // Storia dell'arte, 10, n.2 (giugno 1987). pag. 189.

Anon. Impressionisti e rivoluzionari // La Rivolta, 13-19 giugno 1891, pag 4. Cit. Su: Thomson R. Seurati. - Oxford: Pressa Phaidon; Salem, N.H.: Salem House 1985, pagina 207.

L'uso stesso del concetto di "armonia" nel titolo si riferisce alla designazione fourierista e, successivamente, socialista e anarchica più generalizzata di un'utopia sociale. La famosa colonia utopica fondata negli Stati Uniti nel XIX secolo si chiamava New Harmony ("New Harmony").

Infatti, se si guarda alla critica di questo tempo, diventa chiaro che è la struttura espressivo-formale della tela, e non le differenze sociali che segnano la selezione dei personaggi - o, più precisamente, l'inedita giustapposizione di lavoratori con figure della classe media, che TJ Clark, nella sua ultima nota su questo dipinto ( Clark T. J. Il La pittura di Moderno Vita: Parigi in il Arte di Manet e Il suo Seguaci. - n. sì.: Alfredo UN. Knopf, 1985. C. 265-267), - fece la più grande impressione sul pubblico degli anni 1880 e fece considerare "La Grande Jatte" una pungente critica sociale. Come ha recentemente notato Martha Ward, i contemporanei “hanno riconosciuto l'eterogeneità dei personaggi, ma non hanno prestato attenzione ai suoi possibili significati. La maggior parte dei critici era molto più incline a spiegare perché tutte le figure si bloccassero in pose posate, sbalordite e prive di espressione ... "( Il Nuovo La pittura: Impressionismo, 1874-1886, catalogo della mostra, San Francisco Museum of Fine Arts e National Gallery of Art, Washington, 1986, p. 435).

Ward M. Nuovo dipinto... pag. 435.

cit. Su: Ward M. Nuovo dipinto... P. 435. Thomson cita lo stesso frammento, ma lo traduce diversamente: “A poco a poco guardiamo da vicino, indoviniamo qualcosa e poi vediamo e ammiriamo una grande macchia gialla d'erba mangiata dal sole, nuvole di polvere dorata tra le cime degli alberi , i cui dettagli non possono vedere la retina accecata dalla luce; poi sentiamo che la passeggiata parigina è come inamidata, normalizzata e vuota, che anche il riposo vi diventa deliberato». cit. Su: Thomson R. Seurati... C.115, p. 229. Thomson cita Henri Febvre: Fevre H. L "Exposition des impressionistes // Revue de demain, maggio-giugno 1886, p. 149.

Adam P. Peintres impressionistes // Revue contemporaine litteraire, politique et philosophique 4 (aprile-maggio 1886). P. 550. Citato. Su: reparto m. Nuovo La pittura... pag. 435.

L'intero frammento del Polo si presenta così: “Questa immagine è un tentativo di mostrare il trambusto di una passeggiata banale che le persone in abiti domenicali fanno senza piacere, in luoghi dove è consuetudine camminare la domenica. L'artista ha dato ai suoi personaggi i gesti automatici dei soldati che scandiscono il tempo sulla piazza d'armi. Le cameriere, gli impiegati e i cavalieri camminano con lo stesso passo lento, banale, identico, che trasmette accuratamente il carattere della scena, ma lo fa con troppa insistenza". Paulet A. Les Impressionistes // Parigi, 5 giugno 1886 Citato. Su: Thomson. Seurat... pag. 115.

Feneon F. Les Impressionistes en 1886 (VIIIe Esposizione impressionista) // La Vogue, 13-20 giugno 1886 S. 261-75b per. - Nochlin L. Impressionismo e Post-Impressionismo, 1874-1904,Fonte e documenti nella storia dell'arte (Englewood Cliffs, N.J.: Prentice Hall, 1966). P. 110. La figura accattivante del discorso di Feneon, che collega l'idea di pazienza e tessitura, ovviamente, ricorda l'immagine di genere di Penelope che ricama pazientemente e tutta una serie di storie e metafore che includono donne e tessuti - non almeno la famosa affermazione di Freud sulle donne e il cucito; nel suo saggio Sulla femminilità, scrive che il cucito è l'unico contributo delle donne alla civiltà ( Freud S. Femminilità // Freud S. Nuove lezioni introduttive alla psicoanalisi, trad. J. Strachey. - N.Y.: Norton, 1965, p. 131). Per una ripartizione dettagliata dei tropi e delle narrazioni sensibili al genere associati al cucito, alla tessitura e al cucito, vedere: Miller N.K. Aracnologie: la donna, il testo e il critico // Miller N.K. Soggetto a modifiche: leggere la scrittura femminista. - N.Y.: Columbia University Press, 1988, c. 77-101. Il "Patient Weaving" di Feneon può anche essere letto come l'antitesi delle metafore più familiari della creatività modernista, metaforizzando il potere, la spontaneità e l'emotività delle pratiche creative dell'artista (dell'uomo) paragonando il suo pennello a un fallo assertivo o alla ricerca e sottolineando, rispettivamente , sia la passione schiacciante di applicare la pittura, sia, al contrario, la sua delicatezza e sensibilità. In questo contesto discorsivo, l'unità fraseologica di Feneon può essere considerata una decostruzione dell'immagine principale della produzione avanguardistica della modernità, insomma una figura retorica in crisi.

Ricco D.C. Seurat e l'evoluzione de "La Grande Jatte". - Chicago: University of Chicago Press, 1935. C. 2.

Basti pensare, ad esempio, ai famosi diagrammi dei dipinti di Cézanne nel libro di Earle Laurent: Loran E. Cezanne Composizione: analisi della sua forma con diagrammi e fotografie dei suoi motivi (Berkeley e Los Angeles, 1943). Questi diagrammi sono stati successivamente utilizzati da Roy Lichtenstein in opere come "Ritratto di Madame Cézanne" nel 1962. Parte del libro è stata pubblicata nel 1930 in Le arti... Cm.: Rewald J. La storia dell'impressionismo, rev.ed. - N.Y.: Museo d'Arte Moderna, 1961. C. 624.

Schapiro M. Seurat e "La Grande Jatte"... S. 11-13.

Per il materiale analitico più recente sulle teorie "scientifiche" del colore di Seurat, vedere: Lee UN. Seurat e Scienza // Arte Storia 10, n.2 (giugno 1987: 203-26). Lee trae una conclusione inequivocabile: "Il suo metodo 'cromoluministico', che non aveva basi scientifiche sotto di sé, era pseudoscientifico: era ingannevole nelle formulazioni teoriche e veniva applicato con indifferenza a qualsiasi valutazione critica della sua validità empirica" ​​(p. 203).

Seurat in prospettiva, ed. Norma Broude (Englewood Cliffs, N.J.: Prentice-Hall, 1978). pag.173.

È divertente che Seurat abbia difeso ferocemente il suo primato nell'invenzione del neoimpressionismo e abbia cercato di impedire a Signac e ad altri artisti di sviluppare la "sua" tecnica. Per una discussione sulle contraddizioni all'interno del gruppo neoimpressionista si veda: Thomson, insieme a. 130, 185-187. Qui sto parlando delle possibilità del neoimpressionismo come pratica, non dell'integrità personale di Seurat come leader del movimento. Certo, c'era una contraddizione tra il potenziale del neoimpressionismo e le sue incarnazioni concrete in Seurat e nei suoi seguaci.

Il dipinto di Georges Seurat "Domenica pomeriggio sull'isola di La Grande Jatte" è stato dipinto nel 1886 nello stile del puntinismo. Per questa volta, questa tecnica di scrittura era del tutto inaspettata. Ogni colore viene applicato dall'artista in piccoli tratti separati; fondendosi in un unico insieme quando vengono visualizzati, si trasformano in un'immagine significativa.

Presentato alla mostra, il quadro ha suscitato reazioni molto contraddittorie. Gli spettatori erano anche perplessi dal fatto che i volti delle persone non fossero disegnati ... Sembra che i manichini siano raffigurati ... Ma l'artista lo ha spiegato con il fatto che tutto ciò che è terreno non è così importante per trasmettere il significato spirituale. La cosa principale è il riposo dei parigini nel loro posto preferito: qualcuno è a un picnic, qualcuno sta ammirando il fiume, qualcuno sta camminando lungo il prato, raccogliendo fiori ... L'artista sottolinea l'ozio della domenica, l'opportunità di godersi "facendo nulla".

Grazie all'uso di diverse tonalità, l'immagine si è rivelata molto ricca.

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Georges Seurat è nato nel 1859 a Parigi nella famiglia di un ufficiale giudiziario.

La pittura originariamente studiò in una piccola scuola municipale sotto la direzione di Justine Lequin, dove entrò nel 1875. Dal marzo 1878 al novembre 1879 studiò alla Scuola di Belle Arti nella classe di Henri Lehmann, allievo di Ingres.

Dal novembre 1879 prestò servizio nell'esercito per un anno.

Nel 1880 tornò a Parigi e continuò a dipingere, passando da soggetti culturali e storici a raffigurare la vita quotidiana della città.

La quarta mostra degli Impressionisti ha fatto una forte impressione sull'aspirante artista. Inizialmente affascinato dal loro stile, Seurat ha cercato di sviluppare il proprio. Sperimentando con il colore e la luce, ha inventato il puntinismo (la ricezione della trasmissione di sfumature e colori da punti di colore separati), contando sull'effetto ottico di unire piccoli dettagli quando si guarda un'immagine a distanza.

Nel 1883, Seurat crea la sua prima opera eccezionale, Bagnanti ad Asnieres.

Dopo che la sua pittura è stata rifiutata dal Salon di Parigi, Seurat ha optato per la creatività individuale e le alleanze con artisti parigini indipendenti.

Il dipinto più famoso in seguito "Domenica pomeriggio all'isola della Grande Jatte".

Seurat morì a Parigi all'età di 32 anni nel 1891 per una grave infezione.

Nella sua breve vita, Seurat creò solo sette grandi tele: la tecnica che creò era laboriosa e complessa.

La trama della tela, le vernici di qualità e le stampe di grande formato consentono alle nostre riproduzioni di dipinti di Georges Seurat di corrispondere all'originale. La tela verrà allungata su una barella speciale, dopodiché l'immagine può essere incorniciata nella cornice che preferisci.

Georges-Pierre Seurat Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte, 1884-1886 Un dimanche après-midi à l "Île de la Grande Jatte Olio su tela. 207 × 308 cm Art Institute, Chicago

Analisi del dipinto "Domenica pomeriggio all'isola della Grande Jatte"

L'artista ha lavorato a quest'opera d'arte per due anni esatti, venendo alla Grande Jatte più di una volta e trascorrendo più di una mattinata sulla riva, con le spalle al ponte di Courbvois, dipingeva una folla di persone la domenica che passeggiavano in l'ombra degli alberi. Per ricordare meglio il terreno, le pose e la posizione dei personaggi, per chiarire la scelta dei dettagli, il maestro ha fatto molti schizzi per poi scegliere elementi di maggior successo per la sua tela. Analizzò tutto: il dosaggio dei toni e della luce locali, i colori e gli effetti che si ottenevano quando vi si esponeva. E ha disegnato tutti intorno, quelli che hanno attirato la sua attenzione e quelli le cui figure erano inanimate.

Come risultato dell'opera, il dipinto prende il nome di "Domenica pomeriggio sull'isola di La Grande Jatte" e oltre al paesaggio, dove ci sono alberi e un fiume, l'artista riesce a collocare più di trenta personaggi. Tra loro c'è una signora in piedi con un ombrello, e un uomo in uniforme militare, e una donna con una canna da pesca, e molti bambini che si divertono, e una scimmia al guinzaglio, e persino un cane che annusa l'erba con la coda innalzata. Già al lavoro in studio, il maestro confronta i croquetoni e decide quali personaggi saranno presenti sulla tela, e quali dovranno essere scartati o disegnati sullo sfondo. Seurat si avvicina seriamente alla scelta e include le immagini nella composizione solo dopo la loro perfetta combinazione.

L'artista inizia a lavorare con un paesaggio senza persone che camminano, solo con un fiume, con alberi, con zone soleggiate e ombrose, con due navi e una barca a vela. E solo allora procede ai personaggi di questa immagine. Lui a sua volta li incarna e dona loro un pizzico di ironia, sottolineandone i tratti buffi con fredda malizia. Solo Seurat di tutti gli impressionisti non ha paura di trasferire le osservazioni sulla tela, in cui traspare l'umorismo (che è solo una creatura inaspettata come una scimmia, tenuta al guinzaglio da una signora vestita alla moda).

Nel dipinto, vediamo Seurat collocare figure utilizzando e aderendo a linee compositive, precisione geometrica con orizzontali, verticali e diagonali verificati. L'immagine è divisa visivamente verticalmente da una donna che tiene la mano della ragazza ed è qui la figura centrale. La composizione è bilanciata da due gruppi di persone a destra ea sinistra: da una parte sono disegnate tre persone nelle loro pose, dall'altra una coppia in piedi.

L'immagine che ha dipinto con la sua tecnica inventata, che si chiama puntinista, in parole semplici, punto. Grazie a ciò, il lavoro è uscito in una veste così insolita. Durante la creazione di un dipinto, l'artista utilizza una speciale tavolozza di colori: blu indaco, bianco titanio, oltremare, terra d'ombra grezza, giallo ocra e cadmio, terra di Siena bruciata, giallo Winsor e rosso, oltre a vernice nera.

Esaminando l'immagine in dettaglio, puoi vedere la cosiddetta trasformazione geometrica. L'intero litorale de "La Grande Jatte" e lo spazio è abitato non da personalità e personaggi animati, ma da tipologie che differiscono tra loro solo per contegno e abbigliamento. Una figura che colpisce l'occhio è priva di caratteristiche e tratti individuali. Un cappello con nastri ci fa sapere che si tratta di un'infermiera, e la sua immagine, disegnata da dietro, è ridotta a una figura geometrica grigia, coronata da un cerchio rosso sulla testa e tagliata con una striscia rossa.

Anche una donna con una canna da pesca, che si staglia molto netta sullo sfondo dell'acqua blu, grazie a un vestito arancione, attira l'attenzione. Qui l'artista ci presenta il doppio significato del verbo "perher", che dal francese significa "peccare" e "prendere". Ecco perché vediamo l'immagine di una prostituta di fronte a noi, che presumibilmente "cattura" gli uomini.

Se osserviamo la ragazza con i capelli svolazzanti al vento, che galoppa, così come il cane in primo piano, vediamo figure congelate. I loro movimenti non aggiungono alcuna dinamica alla composizione e le farfalle che volano sembrano appuntate sulla tela.

In primo piano dell'immagine, possiamo contemplare una coppia alla moda, qui c'è un uomo che fuma un sigaro e una donna moderna gli tiene il braccio, la cui silhouette è contorta dalle lussureggianti sporgenze del trambusto. E ancora notiamo come Seurat ci trasmetta la vita mondana e quotidiana, tirando in mano un guinzaglio con una scimmia. È lei che funge da simbolo evidente, perché a quel tempo, nel gergo parigino, le prostitute erano molto spesso chiamate scimmie.

Sulphur, terminando il quadro, dipinse una cornice insolita, con la quale volle enfatizzare l'intensità dei colori primari. Dopo averlo completato da punti colorati, ha completato i colori principali sulla tela, situata vicino al bordo dell'immagine.

A prima vista, l'enorme dipinto del 1884 di Georges-Pierre Seurat "Domenica pomeriggio sull'Ile de la Grande Jatte" di Georges-Pierre Seurat sembra essere una rappresentazione comune di persone che si godono una calda giornata di sole in un bellissimo parco. Ma se guardi da vicino l'opera più famosa nel genere del puntinismo o del neoimpressionismo, troverai una serie di fatti interessanti.

1. Il dipinto è composto da milioni di punti

Avendo creato un dipinto simile, Seurat divenne il padre del puntinismo e del neoimpressionismo. Tuttavia, lui stesso ha preferito chiamare la sua tecnica "luminarismo contenente cromo" - un termine che è sembrato all'artista più adatto per concentrarsi sul gioco di luci e colori.

2. Ci sono voluti più di due anni per completare il dipinto.

I lavori su questo capolavoro del puntinismo iniziarono nel 1884 con una serie di 60 schizzi di Seurat in un parco parigino. Quindi iniziò a dipingere l'immagine stessa usando piccoli tratti orizzontali. Successivamente, l'artista, fino alla primavera del 1886, completò la sua creazione applicando la pittura con piccoli punti.

3. La scelta del colore dell'artista si è basata su un approccio scientifico

"Alcune persone dicono di vedere la poesia nei miei dipinti, disse una volta Seurat." Vedo solo scienza in loro. " L'artista era affascinato dalle teorie del colore degli scienziati Chevreul e Ogden Rude. Di conseguenza, Seurat ha selezionato i colori per il dipinto in base ai loro metodi.

4 Ispirazioni per schizzi parigini

L'ispirazione per gli schizzi parigini era l'antica arte egizia, greca e fenicia. Seurat ha cercato di immortalare l'aspetto dei parigini nella sua epoca, rimanendo colpito dallo studio delle antiche immagini delle persone.

5. I critici hanno attaccato l'artista con critiche

I metodi innovativi di Seurat furono oggetto di intense critiche alla mostra degli impressionisti nel 1886, dove fu esposto per la prima volta il dipinto "Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte". Le pose delle persone in questa immagine sono state confrontate con i geroglifici egiziani o con i soldatini di stagno.

6. Il dipinto è stato aggiornato nel 1889

Seurat ha aggiornato l'immagine disegnando bordi più nitidi da punti rossi, arancioni e blu.

7. Seurat ha completato la sua opera più famosa all'età di soli 26 anni

È stato uno dei giovani artisti più promettenti e promettenti. Sfortunatamente, la malattia gli interruppe la vita nel 1891, quando Seurat aveva solo 31 anni.

8. Il dipinto è stato dimenticato per 30 anni dopo la morte dell'artista

Dopo la morte di Seurat, il dipinto apparve per la prima volta in pubblico nel 1924, quando l'amante dell'arte Frederic Bartlett Clay acquistò "Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" e prestò la tela a tempo indeterminato all'Art Institute di Chicago.

9. Il filosofo americano ha contribuito a cambiare l'opinione pubblica sul dipinto

Nel 1950 Ernest Bloch, nella sua opera "Il principio della speranza", esplora le interpretazioni socio-politiche della "Domenica all'isola della Grande Jatte", rinnovando così l'interesse per il dipinto.

10. Oggi la foto sembra che Seurat l'abbia voluta

Dopo che Seurat ha finito di dipingere i bordi del dipinto, lo ha inserito in una cornice di legno bianca appositamente realizzata. È in questa cornice che la tela è esposta all'Art Institute of Chicago.

11. I colori del dipinto sono cambiati

Seurat ha usato un nuovo pigmento nella sua pittura, il cromato di zinco giallo, nella speranza che potesse essere usato per riprodurre il colore dell'erba del parco in modo più realistico. Ma nel corso degli anni, questo pigmento ha subito una reazione chimica che ha cambiato il suo colore in marrone.

12. Il dipinto è più grande di quanto comunemente si creda

"Domenica pomeriggio sull'Ile de la Grande Jatte" non è solo il dipinto più famoso di Seurat, ma anche il suo più grande. Le sue dimensioni sono 207 × 308 cm.

13. La scena del parco può avere un significato nascosto

Alcuni ricercatori hanno notato una signora con una scimmia nella foto. In francese, una scimmia suona come "singesse", la stessa parola in gergo significa una signora di facili costumi. Si riferiscono anche a una signora che sta in piedi con una canna da pesca sulla riva. È vestita troppo elegantemente per andare a pescare.

14. Il dipinto è quasi morto in un incendio a New York

Il 15 aprile 1958, "Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" era in mostra al Museum of Modern Art di New York quando scoppiò un incendio nel vicino Whitney Museum. L'incendio ha danneggiato sei tele, 31 persone sono rimaste ferite e un lavoratore è stato ucciso. Il dipinto di Seurat è stato evacuato.

15. Uno dei dipinti più riprodotti e parodiati al mondo

"Sunday Afternoon on the Isle of La Grande Jatte" e le sue battute sono apparse in molti film, e in qualche modo sono apparse anche sulla copertina di Playboy. Stephen Sondheim e James Lapine hanno realizzato un musical sulla sua creazione, intitolato "Sunday in the Park with George".

Molto interessante e controverso tra gli amanti dell'arte di tutto il mondo da oltre 500 anni.

Set di colori Pelikan. К12"- dipinti

Con l'uscita della serie "Original K12" di Pelikan, vorremmo portare alla vostra attenzione idee per l'utilizzo del kit di colori Pelikan in una lezione di disegno. Il focus è sul lavoro dell'artista Georges Seurat.

Materiali per questa lezione:

Un set di colori "K12", pennelli Pelikan di varie dimensioni e tipi di setole, un album da disegno e tamponi di cotone.

Guida allo studio "Domenica pomeriggio sulla Grande Jatte"

Disegnare un'immagine di punti può essere un compito arduo, ma solo a prima vista. L'artista francese Georges Seurat (1859-1891) riuscì a creare un metodo di pittura completamente nuovo: il "puntinismo". Esaminare i singoli punti in un dipinto realizzato con questa tecnica non porterà da nessuna parte. Ma prova a dare un'occhiata all'intera immagine nel suo insieme e sarai in grado di vedere: l'immagine è come se fosse tessuta da punti.

Se guardi l'immagine da lontano, vedrai che i punti si fondono e formano oggetti colorati e immagini tridimensionali. Da un lato, questo metodo veniva utilizzato nell'antichità per creare mosaici, e dall'altro questo principio è alla base dei moderni metodi di stampa.

È così che funziona:

1. Scarica il pacchetto di risorse Sunday Afternoon su La Grande Jatte.
2. Stampa immagini modello:
   • Mosaico antico, motivo a pavimento
   • Occhio di rana
   • Ritaglio di giornale (punti di controllo del colore)
     

     

     
     Queste immagini danno luogo ad alcune riflessioni: pavimento in mattonelle solide, epoca antica; un'immagine computerizzata ingrandita in modo moltiplicato di pixel colorati; punti di interruzione del colore su un giornale a quattro colori.
     1. Invita gli studenti a discutere la domanda: "Cosa hanno in comune tutti questi dipinti?" Forse, durante la discussione, domande di questo tipo ti saranno utili:
        
        • Che materiale viene utilizzato? Ad esempio, pietra, carta o stoffa?
        • O sono vernici?
        • I motivi principali della composizione?
        • Con che tecnica sono realizzati i disegni?
     2. Quando i bambini capiscono che le immagini su superfici, motivi o oggetti sono costituiti da piccoli punti individuali, invitali a pensare alla creazione dei loro dipinti e agli strumenti e ai metodi necessari per farlo.
     3. Parla con i tuoi studenti di un piano d'azione. Inizia disegnando motivi semplici, passando gradualmente a quelli più complessi, quando i punti vengono applicati in più strati.
     4. Ogni studente disegna la propria immagine con i punti.
     5. Discutere i pro ei contro di questa tecnica di disegno può ravvivare la lezione. Vale la pena menzionare aspetti della moderna tecnologia di stampa (vedi illustrazioni sui modelli scaricati). Il modello può essere stampato su una diapositiva trasparente e mostrato a tutta la classe. In conclusione, è necessario citare ancora una volta l'artista Seurat e il suo metodo di disegno progressivo.

     Consigli:
     È imperativo che tu chiarisca tutto chiaramente! Quindi, quando hai scelto l'opzione più interessante e i materiali adatti, sentiti libero di metterti al lavoro.

     Possibilità di combinazione separate

     Iniziamo disegnando punti sulla carta con un pennello. In questa fase ci si aspetta che gli studenti utilizzino pennelli di diverso spessore, ottenendo ogni volta un risultato diverso. Puoi sperimentare e applicare punti usando spine o oggetti rotondi simili.

     Tecnica per applicare puntini con cotton fioc (effetto coriandoli)

     Per cambiare, puoi usare tamponi di cotone invece di un pennello. Prepara le vernici per la punteggiatura. Per fare questo, usando un pennello normale, aggiungi alcune gocce d'acqua nella latta di vernice. Mescola la vernice con un pennello finché non compaiono le bolle. Quindi riempire la tavolozza sul coperchio del kit con vernice diluita. Sentiti libero di mettere dei punti sulla carta, immergendo periodicamente un batuffolo di cotone nella vernice risultante.

     

     

     
     Punti realizzati con un batuffolo di cotone. (Esempi di punti di disegno).

     Colora i punti

     Puoi anche iniziare colorando diversi tipi di punti. Per farlo, usa i nostri modelli. La casa nella foto sembra abbastanza riconoscibile. Gli studenti possono semplicemente colorare il resto dei punti, ad esempio, con pennarelli colorati.

     

     
     Modello dal kit di download - "Casa dei punti".

     Rappresentazione schematica delle figure

     Per iniziare, gli studenti disegnano semplici forme geometriche su carta con una matita sottile. In alternativa, scarica e stampa i modelli pronti per l'uso durante la lezione.

     

     

     
     Puoi scaricare modelli con forme semplici e iniziare subito.

     Ora diluisci più vernice nella tavolozza (vedi la tecnica dei coriandoli). Per iniziare, prova a sperimentare con i colori primari giallo, rosso magenta e ciano.

     Quindi, immergi un batuffolo di cotone in una vernice preparata in precedenza, come il rosso porpora, e dipingi sulla forma selezionata. Ora dipingi lo spazio attorno alla forma con un colore di base diverso, come l'azzurro.
     Infine, copri l'intera pagina con un terzo colore primario, in questo caso il giallo.

     

     

     

     
     Prima dipingi la forma con punti rosso magenta, poi blu lo spazio attorno ad essa e infine copri l'intero disegno con punti gialli.

     

     
     Nel kit di download troverai istruzioni dettagliate per la tecnica di cui sopra.

     Incoraggia i tuoi studenti a sperimentare diverse combinazioni di colori. La varietà di colori risultante può sorprendere.

     

     

     
     Varie combinazioni di colori: giallo e rosso magenta, rosso magenta e ciano.

     

     
     Ed ecco uno spazio riempito uniformemente di punti gialli, rosso porpora e ciano. Ottieni un effetto altrettanto interessante se usi i colori secondari: arancione, viola e verde.

     Lavorare con i coriandoli

     Un modo interessante per aggiungere punti è usare coriandoli veri. Versare i coriandoli su un grande pezzo di carta. Chiedi a ogni studente di "disegnare" una forma semplice, come un quadrato o una casa, con i coriandoli su cartone. Come sempre, puoi utilizzare i nostri modelli. Ad esempio, l'immagine di una casa. Le linee di contorno audaci rendono facile per gli studenti riempire la forma con una manciata di coriandoli.

     

     
     Scarica il modello "Casa" per lavorare con i coriandoli.

     Ulteriori consigli:

     Forma del punto
     Il disegno risulterà più interessante e naturale se applichi i punti con un pennello. In questo caso, i punti escono in una forma irregolare, al contrario dei punti circolari uniformemente in un motivo stampato o stampato.

     Effetto colore
     Il risultato di un'immagine bitmap dipende in gran parte dal colore selezionato e dalla sua densità. Quelli. più punti di un colore specifico, più chiara sarà la sfumatura di questo particolare colore che verrà acquisita da altri colori.

     Lavorare con la "Ruota dei colori"
     Usa la ruota dei colori di Pelikan per ottenere una tonalità specifica. Ti aiuterà a scegliere i colori da abbinare a quelli principali.

     Contrasti complementari
     Sperimenta con diversi effetti e combinazioni di colori. Per creare contrasti complementari, abbiamo bisogno di colori contrastanti. Per fare ciò, applica alternativamente entrambi i colori contrastanti. Sono facili da trovare sul "Color Kuga".

     vari motivi
     Puoi dipingere con punti non solo motivi semplici, come una casa o un cuore, ma anche quelli più complessi. La Guida pedagogica di Pelikan offre un altro modello da scaricare, il Mulino.