Cultura musicale europea occidentale del Rinascimento. Segnala: musica del Rinascimento
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introduzione
1.2 Francia
1.3 Italia.
1.3.2 Scuola veneziana
1.4 Inghilterra
1.5 Germania.
1.6 Spagna
2. Estetica musicale
2.4 Mesetzinger e la loro arte
Conclusione
Bibliografia
introduzione
Rinascimento, o rinascimentale (fr. Rinascimento), - una svolta nella storia della cultura dei popoli europei. La determinazione del mondo del Rinascimento, al contrario del teocentrismo medievale (il concetto filosofico, che si basa sulla comprensione di Dio, come un assoluto, perfetto, il più alto dell'essere, la fonte della vita e ogni bene) e l'ascetismo, divennero umanesimo ( Dal Lat. Humanus - "umano", "umano"). Il valore individuale della persona umana è stato nominato per la prima, l'interesse per la consapevolezza del mondo circostante e il riflesso realistico della realtà è aumentato. L'ideale di un uomo armonioso gli umanisti stavano cercando l'antichità e l'antica arte greca e romana servita come modello per la creatività artistica. Il desiderio di "rivivere" l'antica cultura e ha dato il nome di questa era, il periodo tra il Medioevo e il nuovo tempo (dal centro del XVII secolo ai giorni nostri).
La prima metà del XV secolo è caratterizzata come l'inizio della rinascita nella musica. In questo momento, l'ideale rinascimentale di armonia e bellezza, le norme del cosiddetto stile rigoroso sono formate. A differenza di altri tipi di arte, i principali ideali e criteri della musica rinascita non erano gli ideali dell'antichità, come i documenti musicali dell'antica Grecia e dell'antica Roma dal XIII-XVI secolo. non sono ancora stati completamente decifrati e analizzati. Pertanto, il più delle volte le basi delle opere musicali di questa epoca erano poetiche, opere letterarie dell'antichità. Quindi, ad esempio, entro la fine del XVI secolo. Opera opere concluse canoni antichità. Nella musica, come in altri tipi di arte, la tendenza verso l'immagine della diversità del mondo è in aumento, e l'idea della diversità è combinata con il desiderio di armonia e la proporzionalità di tutti gli elementi del complesso. C'è un ripensamento dello stato sociale della musica - appare un pubblico democratico, la musica amatoriale è ampiamente applicata - l'esecuzione dei giochi non è solo conosciuta compositori, ma anche un saggio personale. Pertanto, era nella rinascita dell'epoca che i prerequisiti per il periodo di tiro della famiglia e della creatività musicale secolare professionale, che indossavano la natura dell'affermazione della vita, la gioia della vita, dell'umanesimo e delle immagini luminose.
Allo stesso tempo, c'erano cambiamenti nella lettera musicale: il cellulare mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile Mobile Lisers è venuto a sostituire i pesanti blocchi stampati in legno. Le opere musicali pubblicate sono rapidamente comprate, sempre più persone hanno iniziato a unirsi alla musica.
Le opere musicali di questo periodo si sono distinte per la parte grande, la canzone, che era inerente alla musica folk; Un certo numero di canzoni è stato scritto nel nativo e non in latino.
Le caratteristiche principali della musica erano melodiosità e un certo ritmo, che differiva più flessibilità, espressione piuttosto che nell'era del Medioevo. L'emergere della polifonia ha spiegato principalmente dal fatto che il musicista, il compositore, il performer, il cantante aveva la libertà di azione musicale, ha espresso la loro anima nelle canzoni, un atteggiamento emotivo, il diritto di interpretare, inventare le loro variazioni in conformità con i sentimenti e stato interno.
Importante In questa ERA ha avuto l'assegnazione e l'approvazione del maggiore Lada (più leggero, gioioso, chiamato rispetto a minore, triste, triste, triste), soprattutto nei secoli XV-XVI.
Lo sviluppo speciale ha ricevuto una canzone sotto l'accompagnamento di liuto o la multi-voce eseguibile.
Nell'era del Rinascimento, è stato sviluppato lo sviluppo della musica strumentale. Spesso combinato vari strumenti in un argomento. Allo stesso tempo, le forme di danza e le melodie sono state conservate e migliorate, che erano unite in Suite. Le prime opere strumentali che portano carattere indipendente, varianti, preludi, apparvero fantasie.
Così come l'architettura, la scultura, la pittura, l'arte musicale del Rinascimento si distingueva da un personaggio laico e al XIV-XVI secolo. Si riferisce alla formazione di scuole di musica nazionale.
1. Cultura musicale del Rinascimento
La cultura artistica rinascimentale è un inizio personale con un supporto per la scienza. L'abilità insolitamente complessa dei polifonisti dei secoli XV-XVI, la loro tecnica virtuoso è entrata con la luminosa arte delle danze domestiche, la sofisticazione dei generi secolari. Un'espressione crescente nei lavori è ottenuta dal dramma lirico. Inoltre, sono più luminosi della personalità dell'autore, l'individualità creativa dell'artista (questa è caratteristica non solo per l'arte musicale), che ci consente di parlare di umanizzazione come principale principio dell'arte rinascimentale. Allo stesso tempo, la musica della chiesa, rappresentata da generi così grandi, come massa e mobile, continua ad essere una linea "gotica" nell'arte della rinascita, diretta, prima di tutto, per ricreare il canone già esistente e attraverso di esso per il glorificazione del divino.
Dal XV secolo, la cosiddetta polifonia "rigida lettera", le regole (norme di voto, formazione, ecc.) Sono state registrate in trattaistici teorici di quel tempo ed erano una legge immutabile di creare musica della Chiesa. I compositori hanno composto i loro messaggi usando le melodie prese in prestito come il tematissimo principale (corale gregoriana e altre fonti canoniche, così come la musica casalinga della gente) - il cosiddetto cantus di Firmus, mentre dà un'enorme importanza per la tecnica delle lettere polifoniche, complesse, A volte sofisticato contrappunto. Allo stesso tempo, c'era un continuo processo di aggiornamento e superamento delle norme stabilite, in relazione ai quali i generi secolari sono gradualmente sempre più importanti.
Così, come potete vedere che il periodo del Rinascimento è un periodo difficile nella storia dello sviluppo dell'arte musicale, quindi sembra ragionevole considerarlo in modo più dettagliato, pagando la dovuta attenzione ai singoli individui e paesi.
1.1 Paesi Bassi Scuola polifonica
I Paesi Bassi - La regione storica del nord-ovest dell'Europa (il loro territorio ha coperto l'attuale Francia nord-orientale, il sud-ovest dell'Olanda, Belgio, Lussemburgo). Al XV secolo I Paesi Bassi hanno raggiunto un alto livello economico e culturale e trasformati in un prospero paese europeo con legami commerciali più ampi. L'intensità dello sviluppo economico del paese è stata causata dal fiorente della scienza, della cultura, delle arti nei Paesi Bassi. Insieme ai brillanti risultati della pittura, la musica ha raggiunto un enorme successo. La creatività del compositore professionale nei Paesi Bassi sviluppata in stretta connessione con il folklore, che aveva tradizioni di lunga data e ricche. Era qui che è stata formata la scuola polifonica olandese - uno dei più grandi fenomeni della musica rinascita. Le origini della Polyphony Paesi Bassi possono essere trovate in inglese, francese, tedesco e lesioni italiane. Allo stesso tempo, i Paesi Bassi riassumono l'esperienza di molte scuole nazionali e ha creato uno stile polifonico vocale-coordico originale, che è diventato una fase importante nello sviluppo di una lettera rigida. Ha anche inventato l'imitazione - ripetizione della melodia in alcuni voti direttamente dopo un'altra voce. (Più tardi, durante il tempo di Bach, l'imitazione sarà la fondazione della fondazione della più alta forma di polifonia.) Paesi Bassi la stessa imitazione magistralmente usata nei canoni di 15-16 secoli. Nell'arte di creare tali cannoni, i Virtuosos olandesi hanno mostrato un sacco di ingenuità e finzione tecnica. Il compositore inscritto nelle note: "Kriki senza cessare". Ciò significava che il gioco può essere eseguito saltando tutte le pause. "Girare la notte notturna" - gli artisti dovrebbero indovinare che le note nere possano essere lette come bianche e viceversa. Un gioco suonerà ugualmente bene in un record normale e nel trasformato. Compositore Okhem Composto da 36-Voice Canon - Un grattacielo musicale di quattro canoni da nove.
Un rappresentante eccezionale e uno dei rodeschalters della scuola olandese - Guida Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 11/27/1474), Compositore fiammingo Franco. Era colui che posava le fondamenta di una tradizione polifonica nella musica olandese (circa 1400 - 1474). Guillaume Dufai è nato nella città di Cambra in Fiandre (provincia nel sud dei Paesi Bassi) e ha già cantato in chiesa coro dai piccoli anni. In parallelo, il futuro musicista ha preso lezioni di composizione privata. Nell'età giovanile Dufoi è andata in Italia, dove ha scritto i primi saggi - ballatori e motes. Nel 1428-1437. Servivò come cantante in una cappella papale a Roma; Negli stessi anni, ha viaggiato in Italia e in Francia. Nel 1437, il compositore ha accettato la san spirituale. Al cortile del Duca di Savoia (1437-1439), ha composto musica per solenne cerimonie e festività. Dufai ha goduto di un grande rispetto per le persone nobili - tra i suoi ammiratori, ad esempio, Cheta Medici (sovrano della città italiana Firenze). Dal 1445 Kanonik e il capo dell'attività musicale della Cattedrale di Cambra. Maestro di spirituali (masse da 3, 4-vocali, motori), così come secolari
(3-, 4-Voice Chanson, Canzoni italiani, Ballads, Rondo) Generi associati alla popolare polifonia e alla cultura umanistica del revival. L'arte di Dufai, che ha assorbito i risultati dell'arte musicale europea, ha avuto una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della musica polifonica europea. C'era anche un riformatore di una lettera musicale (Dufai attribuita all'introduzione di note con teste bianche). Le opere complete raccolte di Dufai pubblicate a Roma (6 TT, 1951-66). Il primo Dufai tra i compositori ha iniziato a comporre la massa come una composizione musicale intera. Per creare musica della Chiesa, è richiesto un talento eccezionale: l'abilità con il materiale specifico e materiale per esprimere concetti distratti e intangibili. La difficoltà è che un tale saggio, da un lato, non ha lasciato l'ascoltatore indifferente, e d'altra parte, non ha distratto dall'adorazione, ha contribuito a concentrarsi sulla preghiera. Molta massa di Duza è ispirata, piena di vita interna; Sembrano aiutare il MIG ad aprire il velo della rivelazione divina.
Spesso, creando massa, Dufai ha preso una famosa melodia, a cui ha aggiunto il suo. Tali prestiti sono caratteristici del Rinascimento. Era considerato molto importante che la massa fosse basata su una melodia familiare, che potrebbe essere facilmente riconosciuta anche in un lavoro polifonico. Spesso usato il frammento del canto gregoriano; I lavori secolari non sono stati esclusi. Oltre alla musica della Chiesa, Dufai ha composto motori a testi secolari. In loro, ha anche applicato una tecnica polifonica complessa.
Rappresentante della scuola polifonica olandese della seconda metà del XV secolo. C'era una rugiada gosquata (circa il 1440-1521 o il 1524), che ha avuto una grande influenza sul lavoro dei compositori di prossima generazione. Nella sua giovinezza, ha servito cantanti della Chiesa a Cambray, prese lezioni musicali da Okemem. All'età di vent'anni, il giovane musicista è arrivato in Italia, cantò a Milano ai Duchi di Sforza e nella cappella PAPAL a Roma. In Italia, Dep, probabilmente cominciò a comporre musica. All'inizio del XVI secolo. Si è trasferito a Parigi. A quel tempo, Delera era già conosciuta, ed è stato invitato alla posizione di un musicista del tribunale King francese Luigi XII. Dal 1503, Delena si stabilì di nuovo in Italia, nella città di Ferrara, con la Corte del Duca
d "Este. Il composto di rugiada molto, e la sua musica ha rapidamente vinto il riconoscimento nei circoli più ampi: è stata amata e conosciuta, e una persona semplice. Il compositore ha creato non solo la chiesa funziona, ma anche laico. In particolare, si rivolse al Genere della canzone folk italiana - Frottol (IT. Frottola, da Frotta - "Folla"), per cui un ritmo di danza e veloce è caratterizzato. In musica della chiesa, la rugiada ha portato le caratteristiche delle opere secolari: l'intonazione fresca e vivace violata severa estensione e ha causato la sensazione di gioia e completezza dell'essere. Tuttavia, il senso di misura il compositore non è mai cambiato. La tecnica polifonica di profondità non si distingue per sofisticazione. Le sue opere sono elegantemente semplici, ma sentono il potente intelletto dell'autore. Questo è il segreto della popolarità delle sue creazioni.
Junior Contemporari Gioma Dufai erano Johannes (Jean) uscì (circa il 1425-1497) e Jacob Obrecht. Come Dufai, passò dalle Fiandre. Tutta la sua vita ha lavorato diligentemente; Oltre alla scrittura della musica, ha eseguito le responsabilità della testa della cappella. Il compositore ha creato quindici casini, tredici moti, più di venti Chanson. Per lavori di Okemem, siamo caratterizzati da rigore, concentrazione, implementazione a lungo termine di linee melodiche lisce. Ha prestato grande attenzione alla tecnica polifonica, cercò tutte le parti della massa percepita nel suo complesso. La scrittura creativa della mano del compositore è indovinata nelle sue canzoni - sono quasi privati \u200b\u200bdi una leggerezza secolare, più come i motides, e talvolta frammenti di Messe. Johannes Okhevyz ha usato onorevole sia nella sua patria che all'estero (è stato nominato consigliere del re della Francia). Jacob Orecht stava cantando nelle cattedrali di varie città dei Paesi Bassi, cappelle supervisionate; Diversi anni serviti presso la Corte del Duca D "Este a Ferraré (Italia). È autore di venticinque mesz, venti mottetti, trenta Chanson. Usando i risultati dei predecessori, obrecht ne ha reso molti nuovi in \u200b\u200buna tradizione polifonica . La sua musica è piena di contrasti, osa, anche quando il compositore si avvicina ai generi tradizionali della Chiesa.
La sfaccettata e la profondità della creatività Orlando lazo. Completa la storia del Musica Netherlands Renaissance Orlando Lasso (nome reale e cognome Roland de Lasso, circa 1532-1594), chiamato i contemporanei "belga orfeit" e "Prince of Music". Lazo è nato nella città di Mons (Fiandre). Dall'ornamento, ha cantato nel coro della chiesa, colpendo i parrocchiani che meraviglioso voce. Gonzaga, il duca della città italiana di Mantova, ascoltando accidentalmente il giovane cantante, lo ha invitato alla sua cappella. Dopo che Mantova Lasso ha lavorato per un breve periodo a Napoli, e poi si è trasferito a Roma - lì ha ricevuto il posto della testa della Cappella di una delle cattedrali. A venticinque anni, il Lasso era già noto come compositore, e i suoi scritti erano richiesti per i notoizders. Nel 1555, la prima collezione di opere contenenti motori, madrigali e Chanson uscì. Lazo ha studiato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori (olandese, francese, tedesco e italiano compositori), e ha usato la loro esperienza nel loro lavoro. Essendo una personalità straordinaria, la lazo ha cercato di superare la natura distratta della musica della Chiesa, dare la sua individualità. A tal fine, il compositore a volte ha usato i motivi di genere-domestici (temi delle canzoni popolari, delle danze), quindi, una chiesa approssimativa e tradizioni secolari. La complessità delle tecniche polifoniche è stata combinata con laccio con grande emotività. Era particolarmente in grado di Madrigalls, nei testi di cui lo stato mentale delle persone che agisce, ad esempio le lacrime di San Pietro "(1593) sulle poesie del poeta italiano Luigi TRANSILLO. Il compositore ha spesso scritto per un grande Numero di voti (da cinque a sette), quindi le sue opere sono difficili da eseguire. Dal 1556, Orlando Lasso viveva a Monaco di Baviera (Germania), dove si diresse la cappella. Alla fine della sua vita, la sua autorità nei circoli musicali e artistici era Molto alto, e gloria diffuso in tutta Europa.
La scuola polifonica olandese ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura musicale dell'Europa. I principi di polifoni sviluppati dai compositori olandesi sono diventati universali e molte tecniche artistiche utilizzavano compositori nel loro lavoro già secoli XX.
1.2 Francia
Per la Francia, il XV-XVI secolo è diventato un'epoca di importanti cambiamenti: il centenario della guerra (1337-1453) con l'Inghilterra, entro la fine del XV secolo. L'Unione di stato è stata completata; Nel XVI secolo, il paese è sopravvissuto alle guerre religiose tra cattolici e protestanti. In uno stato forte con una monarchia assoluta, il ruolo delle celebrazioni giudiziarie e dei festival folk è aumentato. Ciò ha contribuito allo sviluppo dell'arte, in particolare la musica, accompagnata tali azioni. Il numero di ensemble vocali e strumentali (cappella e consorti), consisteva in un numero significativo di artisti. Durante i viaggi militari in Italia, i francesi sono diventati familiarizzati con i risultati della cultura italiana. Si sentivano profondamente e percepivano le idee del revival italiano - l'umanesimo, il desiderio di armonia con il mondo in giro, per godersi la vita.
Se in Italia, il Rinascimento musicale è stato associato principalmente a Mesia, poi i compositori francesi, insieme alla musica della Chiesa, hanno prestato particolare attenzione a una canzone polifonica laica - Chanson. L'interesse in Francia è apparso nella prima metà del XVI secolo, quando è stata rilasciata la collezione di luoghi musicali di Clender Zaequen (circa 1485-1558). È questo compositore che è considerato uno dei creatori del genere.
Da bambino, Zainen cantava nel coro della chiesa nella città natale della Chatelleral (Francia centrale). In futuro, secondo gli storici della musica, ha studiato al Maestro Paesi Bassi della rugiada di Zhen o da un compositore del suo ambiente. Avendo ricevuto un sacerdote san, Zainen ha lavorato come reggente (capo del coro) e un organista; Poi è stato invitato al Duke Giz. Nel 1555, il musicista è diventato il cantante della cappella reale e nel 1556-1557. - Composer Royal Court.
Clemen ZaneCen ha creato duecentoottanta chanson (pubblicato tra il 1530 e il 1572); Ha scritto musica della Chiesa - massa, motettes, salmi. Le sue canzoni erano spesso il carattere grafico. Prima dello sguardo premuroso dell'ascoltatore, dipinti in battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia di affitto"), scene di caccia ("caccia"), immagini della natura ("canto degli uccelli", "usignolo"), scene domestiche ("Chatter da donna"). Un compositore straordinariamente brillante è riuscito a trasmettere l'atmosfera della vita quotidiana di Parigi a Chanson "Creek Paris": ha fatto il testo dei venditori dei venditori. Il Jequen non ha quasi usato argomenti lunghi e lisci per le singole voci e le complesse tecniche polifoniche, dando la preferenza per rotolare chiamate, ripetere la risoluzione del suono.
Un'altra direzione della musica francese è associata al movimento paneuropeo della Riforma. Nei servizi della Chiesa, i protestanti francesi (Huguenotes) hanno rifiutato latino e polifonia. La musica spirituale ha acquisito un carattere più aperto, democratico. Uno dei luminosi rappresentanti di questa tradizione musicale era Claude Gudimel (tra il 1514 e il 1520-1572) - l'autore dei Psalms sui testi biblici e sui testi protestanti.
Uno dei principali generi musicali del Rinascimento francese è Chanson (fr. Chanson - "canzone"). Le origini di esso - nell'arte folk (le poesie in rima dei racconti epici spostò sulla musica), nell'arte dei pipelisti e dei tubi medievali. Con il contenuto e l'umore, Chanson potrebbe essere il più vario - c'erano canzoni d'amore, famiglie, emotorie, satirico, ecc. Come testi, compositori prese poesie folk, poesia moderna.
1.3 Italia.
Con il verificarsi del Rinascimento in Italia, è stata diffusa la musitizzazione domestica su vari strumenti; C'erano tazze di amanti della musica. Nuove forme di vita musicale e pubblica appaiono - Accademie musicali e istituzioni educative musicali professionali del nuovo tipo di conservatorio. Nella regione professionale, si sono formate due scuole più forti: romano e veneziano.
Nel XVI secolo, il Notifet è stato rilasciato per la prima volta, nel 1501, la documentazione veneziana di Ottaviano Petrucci ha pubblicato Harmonice Musices Odhecaton - la prima importante collezione di musica secolare. Era una rivoluzione nella diffusione della musica, e ha anche contribuito al fatto che lo stile franco-fiammingo è diventato la lingua musicale dominante dell'Europa nel prossimo secolo, perché dall'italiano Petruchci nella sua collezione, includeva principalmente la musica di Franco fiammingo compositori. Successivamente, ha pubblicato molte opere e compositori italiani, sia laici che spirituali.
Il ruolo dei generi secolari è aumentato nell'epoca rinascimentale. Nel XIV secolo Nella musica italiana, Madrigal è apparso (dal Lat. Matricale - "canzone nella sua lingua madre"). Si è sviluppato sulla base delle canzoni folk (shephent). Madrigals erano canzoni per due tre voti, spesso senza supporto strumentale. Madrigal ha raggiunto la cima del suo sviluppo e divenne il genere musicale più popolare dell'era. A differenza dei precedenti e semplici Madrigalls, Tryteno, i Madrigals Renaissance sono stati scritti per diversi (4-6) voti, c'erano spesso stranieri che servivano nei tribunali di influenti famiglie settentrionali. I madrigalisti hanno cercato di creare arti elevate, spesso usando la poesia riciclata dei grandi poeti italiani del tardo Medioevo: Francesco Petrorski, Giovanni Boccaccio e altri. La mancanza di severi canoni strutturali era caratteristica della Madrigala, il principio di base era l'espressione libera dei pensieri e dei sentimenti.
Compositori come il rappresentante della Scuola di Venezia di Ciprian de Roretto e il rappresentante della Scuola Flamiano Franco Roland de Lassus (Orlando di Lasso) - Durante la sua vita creativa italiana, sperimentato con un crescente cromatismo, armonia, ritmo, texture e altri mezzi di espressività musicale. La loro esperienza continuerà e porterà al climax durante i tempi del porcoismo Carlo Jesualdo. Durante il XV secolo, i compositori quasi appellati a questo genere; L'interesse è stato rianimato solo nel XVI secolo. La caratteristica caratteristica del Madrigala XVI secolo è una stretta connessione musicale e poesia. La musica ha seguito in modo flessibile il testo, riflette gli eventi descritti nella fonte poetica. Nel corso del tempo, c'erano peculiare simboli melodici, che hanno denotato sospiri delicati, lacrime, ecc. Nei lavori di alcuni simbolismo i compositori erano filosofici, ad esempio, in Madrigan Jesualdo di Venoza "Sto morendo, sfortunato" (1611). Il periodo di massimo splendore del genere rappresenta il turno dei secoli XVI-XVII. A volte simultaneamente con l'esecuzione della canzone è stata giocata dalla sua trama. Madrigal è diventata la base della commedia madrigale (composizione corale sul testo del gioco commedia), che ha preparato l'aspetto dell'opera.
1.3.1 scuola polifonica romana
Giovanni de Palestrina (1525-1594). Il capo della scuola romana era Giovanni Pieroluji da Palestrina - uno dei più grandi compositori del Rinascimento. È nato nella città italiana di Palestrin, con il nome di cui è arrivato cognome. Dall'infanzia, Palestrina cantava nel coro della Chiesa, e al raggiungimento dell'età matura è stata invitata al posto di Kapelmeister (capo del coro) nella Cattedrale di San Pietro a Roma; Più tardi serviva nella cappella sistina (la cappella della corte di Papa romana).
Roma, centro cattolico, ha attratto molti musicisti principali. In momenti diversi, i Paesi Bassi Maestri dei polifonisti guidano Dufai e Zoshen Dere ha lavorato qui. La loro attrezzatura compositore sviluppata a volte ha interferito con il testo del culto: è stato perso dietro il sofisticato plesso di voti e parole, infatti, non sono stati ascoltati. Pertanto, le autorità church hanno trattato diffidenti di tali opere e sostenevano il ritorno di uno-satellitare a base di canti groriorni. La questione della ricevibilità della polifonia in chiesa la musica è stata discussa anche alla provata cattedrale cattolica della Chiesa cattolica (1545-1563). Avvicinato a Papa Roman, Palestrina ha convinto le figure della Chiesa nella possibilità di creare opere, dove l'attrezzatura compositore non impedirebbe il testo del testo. Nella prova, ha composto "Mass Papa Marcello" (1555), in cui la complessa polifonia è combinata con il suono chiaro ed espressivo di ogni parola. Così, il musicista "salvato" musica polifonica professionale della persecuzione delle autorità church. Nel 1577, il compositore è stato invitato a discutere la riforma del graduale - l'assemblea dei canti sacri della Chiesa cattolica. Negli anni '80 Palestrina ha accettato san spirituale, e nel 1584 entrò nella società dei maestri musicali - Associazione dei musicisti, presentati direttamente a Papa romano.
La creatività di Palestrina è intrisa di un globalismo leggero. Le opere create da loro sono state colpite contemporaneamente come la più alta abilità e quantità (più di cento messen, trecento motette, cento madrigali). La complessità della musica non ha mai servito un ostacolo per la sua percezione. Il compositore sapeva come trovare un'identità dorata tra la raffinatezza delle composizioni e l'accessibilità di loro per l'ascoltatore. Il principale compito creativo di Palestrina ha visto nello sviluppo di un grande lavoro. Ogni voce nei suoi canti si sta sviluppando in modo indipendente, ma allo stesso tempo forma un intero intero con il resto, e spesso le voci sono in una combinazione sorprendente di accordi. Spesso la sintonizzazione della voce superiore come sarebbe paraitica sul resto, delineando la polifonia "cupola"; Tutte le voci sono caratterizzate da levigatezza e sviluppo.
L'arte di Giovanni da Palestrina I musicisti della prossima generazione consideravano esemplari, classici. Molti compositori eccezionali dei secoli XVIIXVIIIIIIIXVIII studiati sui suoi scritti.
1.3.2 Scuola veneziana
Un'altra direzione della musica rinascimentale è associata al lavoro dei compositori della scuola veneziana, il fondatore di cui è diventato Adrian Villert (circa 1485-1562). I suoi studenti erano organis e compositore Andrea Gabriel (tra il 1500 e il 1520 - dopo il 1586), il compositore di Cyprian de Papa (1515 o 1516-1565) e altri musicisti. Se le opere di Palestrina sono caratterizzate da chiarezza e modesta moderazione, il Vullart ei suoi seguaci hanno sviluppato uno stile corale lussureggiante. Per ottenere un suono volumetrico, il gioco dei timbri, usati nelle composizioni di diversi cori situati in diversi luoghi del tempio. L'uso di rotoli tra i cori ha permesso di riempire lo spazio della chiesa con effetti senza precedenti. Tale approccio rifletteva gli ideali umanistici dell'epoca nel suo complesso - con la sua allegria, la sua libertà e la vera tradizione artistica veneziana - con il suo desiderio di tutti i luminosi e insoliti. Nel lavoro dei maestri veneziani, il linguaggio musicale è stato complicato: è stato pieno di combinazioni audaci di accordi, armonie inaspettate.
La figura brillante del Rinascimento era Carlo Jesualdo di Venosa (circa il 1560-1613), il principe della città di Venose, è uno dei più grandi maestri della Madrigala secolare. Ha acquisito fama come patrono, performer su poco, compositore. Il principe Jesualdo era amico del poeta italiano Torquato Tasso; Le lettere più interessanti sono rimaste, in cui entrambi gli artisti discutono questioni di letteratura, musica, arte visiva. Molte delle poesie di Tasso Jesualdo di Venosa si sono spostate sulla musica - quindi è apparso un numero di madrigali altamente artistici. Come rappresentante del tardo Rinascimento, il compositore ha sviluppato un nuovo tipo di Madrigala, dove i sentimenti erano in primo luogo - violenti e imprevedibili. Pertanto, è caratterizzato da volumi di volume, intonazione, simili ai sospiri e persino singhiozzi, accordi taglienti sul suono, contrastando i turni del tempo. Queste tecniche hanno dato la musica del carattere espressivo di Jesualdo, un po 'lussuoso, è stata stupita e allo stesso tempo attratto i contemporanei. L'eredità della Jesualdo di Venoza è sette collezioni di madrigali multi-doppia; Tra saggi spirituali - "canti sacri". La sua musica e oggi non lascia l'ascoltatore indifferente.
1.4 Inghilterra
La vita culturale dell'Inghilterra nell'epoca del Rinascimento era strettamente correlata alla Riforma. Nel XVI secolo, il protestantesimo si diffuse nel paese. La Chiesa cattolica ha perso una posizione dominante, la Chiesa anglicana, che si è rifiutata di riconoscere alcuni dogmi (le principali disposizioni) del cattolicesimo; La maggior parte dei monasteri ha fermato la loro esistenza. Questi eventi hanno influenzato la cultura inglese, compresa la musica.
L'arte musicale inglese del Rinascimento si è dichiarata brillantemente nella prima metà del XV secolo, avendo presentato l'unica identità creativa di John Dunstaybla, che ha fatto un'impressione più forte nel continente. Il lavoro di Dunstale è un legame importante tra la musica del Medioevo e il Polyphon Rinascimance Epoch. Il ruolo storico generalmente accettato dei suoi lavori per lo sviluppo della polifonia nell'Europa occidentale era anche predeterminata da una significativa tradizione di polifonia (fondata in Inghilterra medievale), ereditata e sviluppata Dunstaibl. Oltre a lui, nel XV secolo, i nomi di molti compositori inglesi che hanno creato i motori, i messaggi di parti, a volte erano conosciuti Chansons e Ballads. Alcuni di loro lavoravano nel continente, alcuni di loro sono entrati nella Kapella del Duca di Borgogna. Il loro potere Lionel è di proprietà di uno dei primi in Inghilterra Messe - insieme a Mesa Dunstybla. I contemporanei erano J. Bedingham, Foresta, J. Benet, R. Morton. Nella seconda metà del XV secolo, J. Banaster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. La maggior parte di loro erano cantanti nelle cappelle e hanno scritto un sacco di musica della Chiesa. Sia nella scelta dei generi principali, sia nel costante sviluppo di abilità polifoniche, erano in gran parte chiusi con la scuola olandese, che a loro volta era considerevole se l'esempio stilistico del Dustybla è nella propria emergere.
Nel XVI secolo, l'arte musicale dell'Inghilterra raggiunge un varietà significativa. Insieme alle forme tradizionali di musica cattolica e motori spirituali sui testi latini a partire dal centro del secolo, i salmi con un pelo in inglese sono già stati creati - un caratteristico fenomeno della Riforma. È curioso che lo stesso John Merbek (circa 1510-1585), che ha creato il vescovo della massa di Vinchester e dei motori latini del servizio, pubblicati nel 1549 la prima collezione di PSALMS in testi inglesi. Insieme a Lui, nella prima metà del secolo, i polifonisti inglesi hanno agito, gli autori delle principali forme di John Taverner, John Redford, Nicolae Lyudford; Vita creativa di Christopher Thaya, Thomas Tallisa, Robert Bianco è durato un po 'più a lungo.
Allo stesso tempo, le fondamenta umanistiche della nuova era guidata in Inghilterra del XVI secolo alla prima elevata fioritura dell'arte musicale laica sia in forma vocale che in forme strumentali. Nuove generazioni di compositori inglesi che hanno parlato nell'ultimo quarto del XVI secolo e che hanno colto i primi decenni del XVII, ha creato la scuola dei Madrigalisti inglesi. E hanno anche segnato l'inizio di una nuova area di musica strumentale - le partite per Virinel (Rod di Clavsin), che erano ampiamente distribuite nel XVII secolo.
Autori inglesi Madrigalls William Berd (1543 o 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) e altri originariamente affidati ai moderni campioni italiani (Madrigal, come sai, originati in Italia), specialmente per Marreinsio, ma poi ha scoperto l'originalità - se non nell'interpretazione del genere, poi nella natura della polifonia. Arrivando allo stadio successivo dello sviluppo della polifonia, alla stessa frattura del nuovo stile del XVII secolo, il Madrigal inglese è più semplice nella trama multi-beamistic rispetto all'italiano, più omofono, non è nemmeno privato di caratteristiche di danza ritmiche . A differenza del tempo del Danstybla, la scuola polifonica inglese entro la fine del XVI secolo rappresenta il beneficio di un interesse nazionale (le sue tradizioni vengono trasferite nel XVII secolo e raggiungono Peressella), ma spostando il proprio modo, non ha più Un impatto evidente sull'arte musicale dell'Europa occidentale.
È anche necessario notare un ruolo significativo della musica nel teatro inglese del Rinascimento. Questo ruolo è specifico nel suo tempo: in Inghilterra, non c'erano prerequisiti per l'emergere dell'opera per molto tempo, e nulla lo ha ancora preparato. La musica suonava in un teatro drammatico per il beneficio di un fenomeno della vita (ma non come componente drammaturgico internamente), e nel genere delle "maschere" partecipò a prestazioni lussureggianti presso la Corte Royal si unì agli effetti spettacolari, alle scene di balletto, vocali e Frammenti strumentali, testo poetico.
Nei pezzi di Shakespeare, spesso nel corso dell'azione sono chiamati brani popolari su determinate parole o danze ben note, come Galliard. La musica è diventata lo sfondo dell'azione, alcuni "medium", hanno fatto alcune sfumature psicologiche, perché Shakespeare non aveva bisogno di più dei generi della famiglia.
Allo stesso tempo, i dipartimenti musicali sono stati aperti nelle università di Oxford e Cambridge.
1.5 Germania.
Dal XVI secolo. In Germania, c'era già un ricco folklore, prima di tutto vocale. La musica suonava ovunque: su festeggiamenti, nella Chiesa, in eventi secolari e in un campo militare. La guerra contadina e la riforma ha causato una nuova ascesa dell'arte folk della canzone. Ci sono molti inni luteran espressivi la cui paternità è sconosciuta. Il canto coro è diventato una forma integrale di servizio di culto luterano. Il corale protestante ha influenzato lo sviluppo tardivo di tutta la musica europea. Ma prima di tutto, sulla musicalità dei tedeschi stessi, che oggi, l'educazione musicale non è considerata meno importante delle scienze naturali - e altrimenti come partecipare al coreno multi-catena?
Il collettore di forme musicali in Germania XVI secolo. Amazza: balletti, opere messe sul carnevale. È impossibile non chiamare nomi come K. Puman, P. Hofheimer. Questi sono compositori che hanno scritto musica secolare e chiesa, prima di tutto per l'organo. Sono adiacenti a un eccezionale compositore fiammingo Franco, un rappresentante della scuola olandese O. Lasso. Ha lavorato in molti paesi europei. Ha sviluppato e innovativo ha sviluppato i risultati di varie scuole musicali europee del Rinascimento. Master of iconic e Secular Choral Music (oltre 2000 scritti.).
Ma Henry Schütz (1585-1672), un compositore, un Cappermaster, un organista, un insegnante, sono invertiti nella musica tedesca. Il fondatore della scuola nazionale compositore, il più grande predecessore I.S. Baha. La prima opera tedesca "Daphne" (1627), Opera Ballet "Orpheus ed Eurydick" (1638); Madrigali, cantieri spirituali e scritti oratorici ("passioni", concerti, motori, salmi, ecc.).
Il fondatore della Riforma di Martin Lutero (1483-1546) riteneva che la riforma della musica della Chiesa fosse necessaria. La musica, in primo luogo, dovrebbe contribuire a una partecipazione più attiva dei parrocchiani in adorazione (nell'esecuzione delle composizioni polifoniche era impossibile), e in secondo luogo, per dare alla luce l'empatia degli eventi biblici (che feriscono il servizio in latino). Pertanto, sono stati presentati i seguenti requisiti in chiesa cantando: semplicità e chiarezza delle melodie, persino ritmo, chiara forma di canti. Su questa base, il corale protestante ha avuto origine - il genere principale della musica della Chiesa del Rinascimento tedesco. Nel 1522, Lutero ha tradotto il Nuovo Testamento in tedesco, ora è diventato possibile fare adorazione nella sua lingua madre.
Nella selezione di suonerie per Choralov, Luther stesso è stato coinvolto attivamente, così come il suo amico, un teorico musicale tedesco Johann Walter (1490-1570). Le principali fonti di tali melodie erano canzoni spirituali e secolari folk - ben note e facili da percezione. Le melodie ad alcuni dei luther khoralov si sono composti. Uno di questi, il "Signore - sostenere le prospettive, è diventato un simbolo della Riforma durante il periodo delle XVI Guerre religiose.
1.6 Spagna
Per molto tempo, la musica della Spagna era sotto l'influenza della Chiesa, in cui la risposta feudale-cattolica è stata rimessata. Non importa quanto fosse l'assalto della contro-elaborazione alla musica, non è ancora riuscito a restituire le posizioni precedenti. Installazione relazioni borghese dettated nuovi ordini.
In Spagna, i segni di rinascita sono stati chiaramente manifestati nel XVI secolo, e i prerequisiti per questo sembrano apparire anche prima. È noto che già nel XV secolo, c'erano cravatte musicali di lunga data e forti tra la Spagna e l'Italia, tra cappelle spagnole e parte del loro compositore cantanti - e cappella papale a Roma, così come il Duca del Duca di Borgogna e Duke Sforza a Milano, per non parlare degli altri centri musicali europei. A partire dalla fine del XV secolo, in Spagna, come è ben noto, a causa della totalità delle condizioni storiche (la fine dei riconquisti, l'apertura dell'America, i nuovi legami dinastici all'interno dell'Europa), ha trovato una forza molto maggiore nell'Europa occidentale, restando uno stato cattolico conservativo allo stesso tempo e mostrando una notevole aggressività nel catturare i territori di altre persone (che ha pienamente sperimentato l'Italia su di lui). I più grandi musicisti spagnoli del XVI secolo, come prima, erano nel servizio della Chiesa. Non potevano quindi non sperimentare l'impatto della scuola polifonica olandese con le sue tradizioni prevalenti. È già stato detto che i rappresentanti eccezionali di questa scuola erano più di una volta in Spagna. D'altra parte, i maestri spagnoli, per poche eccezioni, incontrati costantemente con compositori italiani e olandesi, a sinistra dalla Spagna e ha lavorato a Roma.
Quasi tutti i principali musicisti spagnoli prima o in seguito caddero in una cappella papale e partecipò alla sua attività, quindi ancora più fortemente padroneggiava la tradizione radice della rigida polifonia di stile nella sua espressione ortodossa. Il più grande compositore spagnolo Cristobal de Morales (1500 o 1512-1553), glorificato al di fuori del suo paese, nel 1535-1545 faceva parte della cappella papale a Roma, dopo di che ha diretto la metrica a Toledo, e poi la cappella della cattedrale a Malaga.
Morales era un grande polifonista, l'autore di Messe, Motttes, Inni e altre opere vocali, soprattutto corale. La direzione della sua creatività era basata sulla sintesi delle tradizioni spagnole native e dell'abilità polifonica dei Paesi Bassi e degli italiani del tempo. Per molti anni (1565-1594), c'era un rappresentante principale della prossima generazione di maestri spagnoli Thomas Luis de Victoria (circa 1548-1611) (circa 1548-1611), che non è molto accurato per la scuola di Palestrinov. Compositore, cantante, organista, Dropmester, Victoria creato massa, motettes, salmi e altri scritti spirituali nello stile rigoroso della polifonia una cappella, più vicina a Palestrine rispetto ai Paesi Bassi, ma ancora non ha coinciso con Palestrinsky - il Maestro spagnolo aveva un modesto restrizione meno rigoroso e più espressione. Nei lavori tardo di Victoria, Victoria appare e il desiderio di interrompere la tradizione palestrinoviana a favore del polihoreismo, del concertezza, dei contrasti timbri e di altre innovazioni che portano la loro origine piuttosto dalla scuola veneziana.
Altri compositori spagnoli che lavoravano principalmente nel campo della musica spirituale sono stati portati anche nei cantanti della cappella papale a Roma. Nel 1513-1523, A. de Ribera faceva parte di Capella, dal 1536 c'era un cantante B. Escobedo, nel 1507-1539 - X. Escribano, in qualche modo dopo - M. roblibleo. Tutti hanno scritto musica spirituale polifonica in uno stile rigoroso. Solo Francisco Gouserro (1528-1599) ha sempre vissuto e lavorato in Spagna. Tuttavia, le sue grazie, i motori, le canzoni hanno avuto successo e fuori dal paese, spesso attirando l'attenzione dei butterfesters e dei vitelli come materiale per trattamenti strumentali.
Dai generi vocali laici i più comuni. Era il wilianistiko-genere di una canzone polifonica in Spagna, poi un po 'più polifonico, quindi, più spesso, con omofono, le origini associate alla vita, ma oltre lo sviluppo professionale. Tuttavia, dovrebbe essere detto l'essenza di questo genere, senza strapparlo dalla musica strumentale. WILIANSIKO XVI secolo - la maggior parte la canzone sotto Viuela o sotto Lutno, la creazione di un grande artista e un compositore per lo strumento scelto a loro.
E in innumerevoli wiliansikos, e in generale, la Spagna nella musica familiare è estremamente ricca e caratterizzata dal melodismo nazionale - un tipo, preservando le loro differenze dall'italiano, dal francese e da tutto il tedesco, melodico. La melodia spagnola ha portato questa caratteristiche attraverso il secolo, attirando l'attenzione su non solo nazionale, ma anche compositori stranieri fino al nostro tempo. Non solo il suo sistema di intonazione è peculiare, ma ritmo profondamente intradotto, ornamentalismo originale e modo improvvisativo, collegamenti molto forti, con mosse di danza. Nella suddetta opera estesa di Francisco de Salinas "Sette libri musicali" (1577), vengono assegnate molte melodie castigliane, che hanno attirato l'attenzione di un musicista scienziato principalmente dal loro lato ritmico. Questi brevi frammenti melodici che a volte coprono solo la gamma della politica sono sorprendentemente interessanti nei loro ritmi: frequenti sincope in vari contesto, interruzioni affilate del ritmo, la completa assenza di movimento elementare, in generale l'attività permanente della sensazione ritmica, nessuna inerzia! Le stesse qualità sono state percepite dalla tradizione popolare con generi vocali secolari, la maggior parte di tutti i wilianisti e altre varietà della canzone vicino a Viuela.
I generi strumentali in Spagna sono ampiamente rappresentati dal lavoro dei compositori organici guidati dal più grande Antonio de Cabestoons (1510-1566), nonché tutti i brillanti vouchelisi di Pleiad con un numero ragionevole delle loro opere, in parte correlate alla voce Melone di varie origini (da canzoni folk e danza agli scritti spirituali). Ritorneremo specificamente a loro nel capitolo sulla musica strumentale dell'era rinascimentale per determinare il loro posto nello sviluppo generale.
Dal XVI secolo, le prime fasi della storia del teatro musicale spagnolo hanno anche originato il risultato del secolo precedente all'iniziativa del poeta e del compositore Juan del Essin ed esisteva da molto tempo come un teatro drammatico con una grande partecipazione musica in particolari luoghi d'azione.
Infine, le attività scientifiche dei musicisti spagnoli, dei quali sono già stati apprezzati da Ramis di Pareh, per la progressività dei punti di vista teorica e della Francisco Salinas per la considerazione unica del folclore spagnolo per il tempo unico per quel tempo. Menzioniamo anche diversi teorici spagnoli che hanno dedicato il loro lavoro sui temi delle prestazioni su vari strumenti. Compositore, Performer (su Volone - Basovoy Violea da Gamba), Diego Ortis, Diego Ortis ha pubblicato il suo "Trattato su Gloss" 1553 a Roma), in cui le regole sono state mobilitate in modo improvvisato nell'ensemble (Volone e Clavasin). Organista e compositore Thomas De Sante Maria ha pubblicato a Valladolid un trattato "Art Play Fantasy" (1565) - un tentativo di riassumere metodicamente l'esperienza dell'improvvisazione sul corpo: Juan Bermoudo, che ha rilasciato la sua "Dichiarazione di strumenti musicali" a Grenada (1555), coperti da Oltre a informazioni su strumenti e gioco, alcune domande di lettere musicali (obiettate, in particolare, contro il sovraccarico della polifonia).
Quindi, l'arte musicale spagnola nel suo complesso (insieme alla sua teoria), senza dubbio, sopravvisse al suo rinascimento nel XVI secolo, scoprendo e alcuni articoli con altri paesi in questa fase e differenze significative causate dalle tradizioni storiche e dal social contemporaneo Spagna stessa.
2. Estetica musicale
2.1 Sviluppo di generi e forme di musica strumentale
musica rinascimentale Mason Musseserger
Siamo obbligati a formare musica strumentale come un tipo di arte indipendente. In questo momento, un certo numero di giochi strumentali, varianti, preludi, fantasie, Rondo, appaiono TOCCAT. Violino, Clausius, organo gradualmente trasformato in strumenti da solista. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talenti non solo per il compositore, ma anche dal contraente. Prima di tutto, il virtuosismo è valutato (la capacità di far fronte a difficoltà tecniche), che gradualmente divenne per molti musicisti di per sé in sé stesso e valore artistico. I compositori dei secoli XVII-XVIII di solito non sono solo la musica composta, ma anche suonati strumenti, impegnati in attività pedagogiche. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio ha cercato di ottenere un posto nel cortile del monarca o un ricco aristocratico (molti rappresentanti hanno avuto le proprie orchestre o teatri d'opera), o nel tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la musica della Chiesa con il servizio di un patrono laico.
La natura di molte opere vocali dei secoli XIV-XV-XV nei compositori italiani e francesi è piuttosto strumentale della voce (nella gamma, la natura del voto, il rapporto con il testo verbale o l'assenza di parole firmate). Questo è pienamente applicato all'assistenza italiana ARS Nova, a un certo numero di scritti del periodo "transitorio" in Francia (l'inizio del XV secolo). Non ci sono istruzioni dirette per l'uso di determinati strumenti in un record di nota. Apparentemente, è stato fornito alla volontà di artisti a seconda delle loro capacità, specialmente dopo che l'autore stesso era di solito tra loro.
In linea di principio, ogni lavoro vocale fa parte di Messa, Motore, Chanson, Fottol, Madrigal (ad eccezione di Mesz, destinata alla Cappella Sistina, in cui gli strumenti non erano ammessi) - In pratica potrebbe essere eseguito con il raddoppiamento della voce Le parti utensili o parzialmente (una o due voci) solo strumenti o interamente sull'organo o il gruppo di strumenti. Era essenzialmente un tipo costante di prestazioni, vale a dire il processo di introdurre strumenti in vocale sull'origine della polifonia. Quindi è sorto, ad esempio, "massa d'organo" - un fenomeno intermedio, transitorio. In tali scritti dove la voce superiore si distingue nel loro significato (come spesso in Dufai o Benshua), l'uso di strumenti era molto probabilmente collegato con la melodia "accompagnatrice" con le voci o con un basso armonico. Ma con l'allineamento delle parti in un multi-campione particolarmente sviluppato della scuola olandese, si può presumere (ad esempio, in Chanson) qualsiasi rapporto tra le forze vocali e strumentali fino al compimento dell'intero prodotto del gruppo di utensili . Va tenuto presente e alcune altre caratteristiche private che non sono registrate in un record di nota. È noto che sul corpo, ad esempio, già nel XV secolo, gli artisti esperti durante la lavorazione dei "colori" della canzone (forniti con decorazioni) della sua melodia. Forse anche lo strumentista, con una diversa partecipazione alla performance della musica vocale, potrebbe anche fare decorazioni improvvisate nella sua festa, che era particolarmente naturale, se l'autore stesso si sedette per il corpo. Dopo tutto questo, non sorprende che nel XVI secolo, quando i generi strumentali siano già stati piegati, e ci sono ancora opere polifoniche con la designazione "per cantaggio su sonaco" ("per cantare o gioco"). È stato finalmente il riconoscimento completo della pratica esistente!
Nella musica delle famiglie, specialmente nel ballare, se non sono andati sotto la canzone (in Spagna, il collegamento della canzone e della danza), gli strumenti sono rimasti, per così dire, sono privi di campioni vocali, ma sono collegati dalla base del genere di ogni danza, ritmo, tipo di movimento. Il sincretismo di questo tipo di arte era ancora in vigore.
Da questa massa totale di fenomeni assenti, dalla pratica che non si riflette nel record musicale, dal processo di lunga durata dell'assimilazione di vocali e strumentali è iniziato nel tempo, è iniziato lo sviluppo dei generi strumentali reali. Solo ilineato solo nel XV secolo, è diventato tangibile in tutto il XVI, sul percorso dell'indipendenza, c'era ancora un minore, e solo in alcune forme (improvvisativo), è stato osservato il vero strumentista della lettera musicale. Nelle prime fasi del percorso della musica strumentale all'autodeterminazione, sono state designate due aree di genere delle sue tendenze caratteristiche. Uno di questi è vantaggioso del beneficio di una tradizione polifonica, "accademica", con grandi forme. L'altro è basato sulla tradizione della musica domestica, canzoni e danza. Il primo è rappresentato principalmente dalle composizioni per l'organo, il secondo - prima di tutto il repertorio del liuto. Non esiste un volto impraticabile tra loro. Può solo essere sulla predominanza di determinate tradizioni, ma a ovvi punti di contatto. Pertanto, le tecniche polifoniche non sono escluse nei lavori per liuto, e le varianti sulle canzoni appariranno presto nella musica d'organo. E su questo e su un altro strumento, inizia lo sviluppo di forme improvvisazionali, in cui sono le specifiche di questo strumento con il più chiaro - con la libertà quasi completa dai campioni vocali. Questi modesti, sembrerebbe che il successo dell'intrumentalismo sia stato raggiunto dopo la preparazione a lungo termine, che è andato all'epoca del Rinascimento ed era radicato nella pratica più musicale di quel tempo.
2.2 Strumenti musicali del Rinascimento
Nell'era della rinascita, la composizione degli strumenti musicali è stata significativamente ampliata, nuove varietà aggiunte alla serie e al vento già esistenti. Tra questi, un posto speciale è occupato da violas - una famiglia di corde di ruscello, che colpisce la bellezza e la nobiltà del suono. In forma, assomigliano agli strumenti di una moderna famiglia di violino (violino, alt, violoncello) e sono anche considerati i loro immediati predecessori (si sono coesistiti nella pratica musicale fino alla metà del XVIII secolo). Tuttavia, la differenza, e significativa, eppure ce ne sono. I violi hanno un sistema di corde risonanti; Di norma, ci sono tante di loro come il principale (da sei a sette). Le fluttuazioni delle corde risonanti rendono il suono di una viola morbida, vellutata, ma lo strumento è difficile da usare nell'orchestra, poiché a causa di un gran numero di stringhe, è rapidamente sconvolto. Per molto tempo, il suono della viola è stato considerato nella musica con un campione di raffinatezza. Nella famiglia Viola, si distinguono tre tipi principali. Viola da Gamba è un grande strumento che l'esecutore ha messo verticalmente e bloccato dalle sue gambe (la parola italiana Gamba significa "ginocchio"). Due altre varietà - Viola da Braccho (da esso. Braccio - "avambraccio") e violino D "Amur (fr. Viole D" Amour - "Viola Love") sono stati orientati orizzontalmente, e quando furono premuti contro il gioco. Viola Sì Gamba nella gamma di suoni è vicino al violoncello, Viola da Braccho - al violino, e violino D "Amur - ad Alto. Tra gli strumenti di pinza del Rinascimento, il posto principale occupa un liuto (polacco. Lutnia, da Arabo. "Ad alta voce" - "albero"). In Europa, venne dal Medio Oriente alla fine del XIV secolo, e all'inizio del XVI secolo, per questo strumento, c'era un grande repertorio; prima di tutto , Suchni eseguita sull'accompagnamento. Nel caso corto liuto; la parte superiore è piatta, e il fondo ricorda l'emisfero. A un ampio collo era attaccato al collo separato da freaks, e la testa dell'utensile viene affittata quasi ad angolo retto . Se lo desideri, puoi vedere la somiglianza dalla ciotola nell'aspetto del liuto. Dodici corde sono raggruppate in coppia, e il suono viene rimosso sia con le dita che con un record speciale - il mediatore. Nei secoli XV i secoli XVI Avere diversi tipi di tastiere. I principali tipi di tali strumenti sono Harpsichin, un keycorder, Chamblock, Virhzhyel - sono stati utilizzati attivamente nella musica del revival, ma il loro vero fiorente fiorentenne è arrivato più tardi.
2.3 Opera di nascita (fotocamera fiorentina)
La fine dell'era rinascita è stata segnata dall'evento più importante nella storia musicale - la nascita dell'opera.
A Firenze, un gruppo di umanisti, musicisti, poeti sotto il patrocinio del loro capo del grafico Jovani de Bardi (1534 - 1612) sono stati raccolti. Il gruppo è stato chiamato "Camera", i suoi membri principali erano Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilea (Padre Astronoma Galileo Galileo), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii e Ottavio Rhinucchini nei giovani anni.
Il primo assemblea documentato del Gruppo ha avuto luogo nel 1573, e gli anni di lavoro più attivi del lavoro "Camerats fiorentini" erano 1577-1582.
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L'estetica del rinascita è associata alla Grand Rivoluzione, che viene eseguita in questa epoca in tutte le aree della vita pubblica: in economia, ideologia, cultura, scienza e filosofia. A questo punto includono il fiorente della cultura urbana, grandi scoperte geografiche, orizzonti immensamente ampliati dell'uomo, transizione dal mestiere alla manifattura.
Lo sviluppo rivoluzionario delle forze produttive, la decomposizione delle cellule feudale e delle relazioni del workshop, che sono state dimostrate la produzione, portano alla liberazione dell'individuo, creano le condizioni per il suo sviluppo gratuito e universale. Non c'è dubbio che tutto ciò non poteva non influire sulla natura della visione del mondo. Nell'era rinascita, il processo della rottura della radice del sistema medievale delle opinioni sul mondo e la formazione di una nuova, umanistica, ideologia. Questo processo si riflette nell'estetica musicale. Già il XIV secolo in sé i sintomi del risveglio di una nuova visione del mondo estetico. Ars Nova Art and Estetics, i trattati di John de Grorho e Market Paduansky hanno gradualmente allentato il sistema tradizionale della teoria musicale medievale. Una visione teologica della musica è stata minata qui, basata sul riconoscimento di un sentimento insensibile di musica paradisiaca. Tuttavia, la tradizione secolare della teoria musicale medievale non è stata completamente distrutta. Ci è voluto un altro secolo in modo che l'estetica musicale finalmente fuggita dal quadro del rendimento dei regimi tradizionali.
L'estetica musicale del Rinascimento nell'interpretazione della questione della nomina della musica è basata sulla pratica reale caratterizzata dallo straordinario sviluppo della musica nella vita pubblica. In questo momento, centinaia di cerchi musicali sono formati nelle città d'Italia, in Francia, in cui sono impegnati in una composizione o una partita su vari strumenti musicali. La sua musica e conoscenza diventano necessari elementi della cultura laica e dell'istruzione laica. Il famoso scrittore italiano Baldasar Castiglion nel suo trattato "sulla corte" (1518) scrive che una persona non può essere cortese: "Se non è un musicista, non sa come leggere la musica dal foglio e non sa nulla dei diversi strumenti . Sulla straordinaria prevalenza della musica nella vita civile del XVI secolo, viene evidenziato il dipinto di questo tempo. In numerose foto raffiguranti la privacy della nobiltà, incontriamo costantemente centinaia di persone impegnate nella musica: cantando, giocando, ballando, improvvisando, ecc.
In precedenza, la cultura della rinascita è sorta e sviluppata in Italia. Il secolo del Rinascimento è segnato qui dal potente sviluppo della poesia e della musica folk, e le tradizioni più ricche del mantenimento della canzone in tali generi come Laud, Fottol, Vilall, sono occupate dal ruolo principale. Un genere meno popolare nella musica urbana della famiglia era Kachchia, di solito mostrando una succosa scena di genere utilizzando nel testo e nella musica delle intonazioni esistenti - fino ai disegni del venditore ambulante e dei venditori. Kachchia era spesso accompagnata da una danza circolare di danza. Italian Ballad è anche un genere comune di testi di canzoni di canzoni associati alla performance solo coro (in Francia di quel tempo, caratteristiche simili avevano un genere di Voell). L'intonazione delle persone e delle canzoni, un certo peso di un principio melodico, l'ingegnosità della fattura - queste qualità della musica domestica laica penetrano anche nella musica spirituale, fino al casino polifonico.
La natura melodica della musica è stata associata al fatto che in Italia, le tradizioni della musiization da solista e dell'ensemble su stringhe di strumenti di Brook sono state rapidamente sviluppate. In generale, la grande distribuzione della musica strumentale ha contribuito alla formazione di un magazzino omofono e un'armonia funzionale.
Prima dei circoli della musica d'Italia, apparve un violino (nell'ultimo quarto del XVI secolo) e la produzione di violini di maestri creamosi Amati, Stradivari, Gwarnerty, ecc., Era particolarmente popolare con un lottero (il compositore più famoso Burro - Francesco Milano), Viola, Chitarra spagnola, Tereor (bass liuto di grandi dimensioni).
L'abilità del violino è formata in precedenza nelle opere di B. Donati, L.viadan, J.Giacomelly (era famosa per l'abilità del mantenimento a lungo termine dell'arco e della tecnica di Legato). Un nuovo passo nello sviluppo della recitazione del violino è associata al lavoro di K.Montverdi, che sviluppa la tecnica del passaggio, applica Tremolo, Pizzicato, arricchisce le dinamiche del PP e dei contrasti Polar FF.
Grande recupero è stato osservato nel campo dell'argomento e dell'azionamento classico. Dagli anni '40 Il XVI secolo aumenta drasticamente il numero di collezioni organiche, un intero Pleiad di organismi eccezionali - Willaert, Andrea e Giovanni Gabrieli, Claudio Merul, Cavazoni, appare. Questi maestri gettano le basi dell'Autorità italiana e creano generi di musica strumentale - Racherkar, Chancend, Toccata.
Le esecuzioni classiche utilizzano ampiamente le danze domestiche, elaborando canzoni secolari popolari. Un eccezionale compositore-improvvisatore sull'organo e la chiave era Girolamo Frescobaldi, nel cui lavoro è apparsa intere collezioni di musica clutter - cicli di danza.
La composizione della scuola compositrice italiana è rappresentata anche dalle attività dei compositori professionisti-polifonisti - ADRIANA Villatert e dei suoi studenti Chiprian de Roor, Andrea e Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluiga da Palestrina. La loro eredità creativa è diversificata e, per lo più, consiste in opere polifoniche vocali - molte dozzine di madrigali di massa, madri spirituali e secolari, moti che sono stati eseguiti principalmente dal coro a Capella.
Il potente sviluppo della polifonia nei Paesi Bassi è dovuto alla ricchezza della popolare polifonia e alla presenza di scuole di dormitori speciali di cantanti (metriche) nelle cattedrali delle ricche città olandesi.
Alcune generazioni di compositori appartenevano alla scuola polifonica olandese. La loro attività procedeva non solo nei Paesi Bassi, coperta dal territorio del Belgio moderno, del Lussemburgo, del sud-ovest dei Paesi Bassi e del Nord della Francia (da qui - l'altro nome della scuola è Franco Flemadskaya). Grandi rappresentanti della scuola olandese hanno lavorato feconda a Roma (Dufai, Obrecht, Joskin) e altre città (Villaners, Rail - a Venezia, Isacco - in Austria e Germania, Bensua - a Digione presso il cortile della Borgogna).
La scuola olandese ha riassunto lo sviluppo secolare della polifonia in tutti i paesi dell'Europa. Anche se nel lavoro di questi master, la musica della chiesa occupata, naturalmente, il posto principale, il torto
meno, insieme a opere spirituali, i compositori hanno scritto molte canzoni polifoniche secolari, in cui si riflettevano il mondo ricco di idee e sentimenti, caratteristica del Rinascimento.
Il genere più monumentale della creatività dei polifonisti dei Paesi Bassi era il Mesia, in cui si è verificata la quintessenza dei principi della polifonia di stile rigoroso. Tuttavia, le attività di ciascun master scoprono funzionalità innovative associate alla ricerca dell'uscita dei canoni espressivi stabiliti. Il sostegno sull'ampio materiale di canzone e di danza, l'influenza reciproca dei generi spirituali e laici conduce a un'allocazione graduale nella polifonia di una voce melodica, alla formazione del pensiero verticale e funzionale della corda.
La corona della polifonia olandese del XVI secolo fu opera di Orlando Lazo. Era nel suo lavoro che gli interessi generici più ampi del Rinascimento si concentrano: ha dato omaggio a quasi tutte le forme vocali del suo tempo - Madrigan, Messe, Motetu, Chanson francese e persino una canzone tedesca di polifonia. Le opere del compositore sono saturi di immagini vitale veritiere, hanno una melodia brillante, un ritmo di sollievo e diversificato, costantemente sviluppato dal piano armonico, che ha assicurato la loro straordinaria popolarità (sono state ripetutamente utilizzate da altri compositori per trattamenti liti e organici).
Lo sviluppo delle tendenze rinascimentali e la formazione della cultura nazionale francese è già stata pianificata nel XIV secolo. I rappresentanti eccezionali dell'arte della rinascita precoce della musica francese erano Philip de Vitrate e Gille de Masha, che hanno lasciato un grande patrimonio nei generi di Virléel, Le, Rondo Ballades.
Profondamente vitale e realistico è stato il più caratteristico per la musica francese Genre Chanson, che è una forma di canzoni multi-vocale con testo laico e di solito la melodia domestica della gente. Era in questo genere che le nuove funzionalità rinascimentali sono apparse più luminose nel contenuto, dalle Plots, dalle caratteristiche degli agenti espressivi.
Il Chanson francese dei secoli XV-XVI è una specie di "enciclopedia" della vita francese di quel tempo. Il suo contenuto è vario e può essere narrativo, lirico, intimo, triste, comico, descrittivo, galante. Caratterizzato e varietà della loro scala - da diversi orologi fino a 42 pagine.
Semplicità e direttiva di agenti espressivi, una struttura periodica con determinati terminazioni su D e T, la ricezione delle fogne, che viene poi raccolta da tutta l'ensemble - caratteristiche tipiche del genere, la cui musica a volte assomiglia a una danza popolare, lirica-epica Entanglement o una canzone di città di strada perky - un modernista del futuro Waterville. Per la musica, Chanson è caratterizzato dalla base ritmica sottolineata, a volte è caratterizzata da un magazzino acquistato o da una circolare rondò-umanità, gli strumenti folk possono essere utilizzati per la scorta.
Il compositore più eccezionale del Rinascimento francese era Clement Zhenken, nel cui lavoro è stato riflesso e sottili testi di amore (in canzoni sui testi del poeta Ronsar), e l'espressione della tristezza e del sentimento del dolore e della piena vita e dei movimenti del dolore Scena del divertimento popolare. Nel suo patrimonio, il grande software di canzoni del coro-fantasy, pieno di ingenuità e spiritosi trovati nell'area delle lettere corali sono attratti. In loro, Zainen è stata mostrata con colori la vita e la vita del suo tempo. La più famosa "battaglia", "caccia", "cantando di uccelli", "Street grida di Parigi".
Oltre a più di 200 canzoni, Jequen ha scritto e motori e massa. Ma nel campo della musica per il culto cattolico, utilizza audacemente le melodie folk, intonati testi spirituali per il fatturato di fanfara della musica militare, introduce i ritmi di danza.
In larga misura, un tale appello per la canzone e il materiale di danza del popolo era caratteristico di molti compositori del Rinascimento, uniti nel loro interesse di lavoro nei generi spirituali e secolari, che ha portato all'assegnazione finale della musica secolare in un'area di Indipendenza artistica e professionalità.
La parola italiana rinascimentale nei suoni originali come la Rinascita, è inventata da George Vazari. Per la prima volta, il termine è stato usato da lui nel manodopera dei "modi di vita" nel significato della "fioritura delle arti" per indicare il periodo in cui gli artisti nel loro lavoro furono liberati dal greco-bizantino e dal latino-latino Forme canoniche.
Per determinare il movimento culturale in Europa dal 14 al XVII secolo, il termine "rinascita" o "Rinascimento" (dal verbo italiano "Rinascere" "rianimato") utilizzato nel 19 ° secolo nel lavoro di "storia della Francia" Storico francese Jules Mishal.
Un po 'dell'era della rinascita in generale
L'era della rinascita è caratterizzata dalla recontivazione del classico classico (che significa classicismo greco-romano) della cultura. Molti ricercatori ritengono che le idee rinascimentali abbiano la loro origine alla fine del XIII secolo a Firenze in letteratura e nelle arti visive, e sono associate, in particolare, con le opere di Dante Aligiery, Francesco Petrarchi e gli affreschi di Jotto di Bondon.
Nonostante il fatto che i poeti, gli artisti, i filosofi di rinascita Epoch erano e non meno religiosi dei loro predecessori
Hanno cercato di riconciliare le pratiche teologiche con una nuova ricerca spirituale (la filosofia chiamata dall'umanesimo, permea l'intera epoca). Era il momento di attivare gli insegnamenti, i risultati scientifici, le grandi scoperte geografiche. Nella musica che diventerà parte integrante della vita religiosa, civile e della corte, i cardinali sono stati segnati, a partire dal XV secolo.
Periodo e evoluzione della musica rinascita
La maggior parte degli storici musicali ritiene che l'evoluzione della musica rinascimentale copre il periodo in 200 anni. Tradizionalmente, è diviso in:
- musica del primo periodo rinascimentale, dal 1400 al 1467 ° anni;
- musica del periodo medio del Rinascimento, dal 14 settembre al 1534;
- musica di ritardo (o alto) rinascimentale, dal 1534 al 1600.
Tale periodizzazione a sua volta è associata al fiorente e al dominio di varie scuole di compositori nell'Europa occidentale. Le caratteristiche stilistiche che determinano la musica del Rinascimento è una struttura polifonica che obbedisce alle leggi del contrappunto e regolamentate ereditate dal Medioevo dal sistema modale di Khorala Gregorian.
La cultura musicale del rinascita è talvolta posizionata come la "età dell'oro della musica corale". In effetti, gli orizzonti della musica sono stati ampliati in modo significativo.
Se, durante il Medioevo, i compositori e i musicisti hanno lavorato principalmente alla Chiesa, a causa della spaccatura religiosa e laica, avvenuta nell'Europa occidentale nell'epoca del Rinascimento, la musica ha trovato diversi clienti: chiese cattoliche e protestanti, metri reali, ricchi Aristocratici, una nuova classe borghese. Tutti sono diventati fonti di reddito per compositori, tra cui, ovviamente, e melnotipo: la cultura musicale rinascimentale è strettamente correlata alle nuove tecnologie (invenzione della tipografia delle linee mobili di Johann Guttenberg).
Caratteristiche estetiche del revival della musica
Come altre arti, la musica era in gran parte sotto l'influenza degli eventi che determinano l'era della rinascita nel suo insieme: la crescita del pensiero umanistico, il restauro del patrimonio classico greco-romano, le scoperte innovative. I testi antichi sono stati rivisti, di nuovo parlando come oggetto per lo studio, ed erano modificati, ma solo in conformità con le scienze in via di sviluppo.
Mentre tutte le arti e le scienze furono considerate interconnesse nell'antica cultura greca, gli umanisti delle epoca rinascimentali erano divisi, evidenziando e studiano le loro qualità individuali. La musica, in particolare, è stata considerata un'arte espressiva in grado di colpire le emozioni e i sentimenti, cosa era inaudito per il tempo medievale.
Gli sforzi per organizzare la conoscenza nella musica includevano l'ordinamento dell'esterna in modo che sia possibile stabilire la relazione tra note e emozioni umane.
È anche importante che la cultura musicale del revival sia caratterizzata dal concetto di umanesimo. A causa di esso, lo spostamento degli accenti intellettuali si è verificato - dal diffuso dominanza del pensiero religioso alle possibilità e ai risultati di una persona laica. Il singolo genio creativo dell'uomo era in una posizione molto più alta. Ciò significava che molti compositori sono stati riconosciuti.
Tuttavia, la musica per lo più rinascimentale era tuttavia spirituale, come nel tempo medievale, ma le modifiche "umanistiche" hanno influenzato la ricerca di un'espressività più luminosa in esso - per raggiungere la perfezione.
La musica principale del periodo di rinascita precoce, scritto per importanti chiese e le cappelle reali, è masse polifoniche e canti (moti) in latino. Ma alla luce delle riformazioni religiose, nuovi tipi di musica spirituale sono nati, inoltre, tali ampi sconsiderati sulla scena della chiesa hanno portato al fatto che la musica secolare stava guadagnando un potere reale e potrebbe già competere con il suo collega "sacre".
Scuole composite del Rinascimento
All'inizio del XV secolo, la scuola inglese di polifonisti guidata da John Dunstaibl è proposta. Un nuovo stile inglese basato sull'uso di un sobrio, dettato da un ritmo musicale (con ogni linea vocale che si muove insieme nello stile "verticale") ha notevolmente influenzato la Burgundy Compositor School.
Il più importante tra i compositori della Scuola Burgundiana era Guillaume Dufai, la cui creatività musicale comprendeva canti, massa, lavori secolari caratterizzati da lirica melodica.
Il movimento contrassegnato da una scuola di Franco fiamminga è caratterizzata dal forte sviluppo di una composizione musicale vocale polifonica che ha posato la base dell'armonia moderna. I rappresentanti più famosi - "Compositore dei tre re francesi": Johannes Okhem e Jacob Obrecht.
La cultura musicale della rinascita della prima metà del XVI secolo è caratterizzata dal fatto che i compositori fiamminghi Franco continuano a dominarlo, tra cui il più famoso era un Goskien Dere, il cui stile ha copiato molti compositori. Nella musica polifonica, sono stati utilizzati canoni che hanno precedentemente esistito strutture compositive, ma unitamente combinate con melodie che enfatizzano le linee poetiche e non mascherandole.
Per quell'epoca, era abbastanza comune che i principali compositori hanno viaggiato molto, ha lavorato su diversi clienti in Italia, Spagna, Germania, Francia. Lo scambio di idee musicali formata, se potete contare questo, il primo stile internazionale, dal momento del momenti del corale Grigoriano nel IX secolo.
Dalla seconda metà del XVI secolo di padronanza insuperabile nell'arte della musica, i compositori italiani cercano. Tra le figure dell'icona - Giovanni Pierluja da Palestrina.
Generi musicali rinascimentali.
I generi vocali spirituali sono Mesia e Motet. I generi secolari - Madrigal (in Italia e Inghilterra), Chanson (in Francia), Leed (in Germania).
Nonostante il fatto che la musica sull'era preferibilmente dipendeva dalla voce, gli strumenti sono sempre più utilizzati. Gli artisti sugli strumenti a volte hanno accompagnato i cantanti, di volta in volta hanno sostituito alcuni voti se non ci fossero cantanti.
Gli strumenti variavano da grandi, come il corpo e il clacsemine, Viola de Gamba, a un piccolo - arpa (più tardi liuto), registratore (blockball). A poco a poco, i compositori iniziano a scrivere opere solo per strumenti senza vocalist.
La musica ha notevolmente influenzato le danze della Corte, introducendo una vasta gamma di strumenti per la loro manutenzione. Gli strumenti sono stati utilizzati nella Chiesa, durante gli eventi festivi e pubblici, nelle produzioni teatrali, nelle case private.
Il XV secolo si è rivelato decisivo per lo sviluppo della musica sia nel senso artistico che nell'evoluzione della tecnica dell'esecuzione. Il conflitto culturale derivante tra la Chiesa cristiana e il mondo secolare predeterminavano il successivo rapido sviluppo delle direzioni musicali che non sono legate ai riti e ai servizi della Chiesa.
La società di quel tempo è un po '"stanca" dello stesso tipo, anche se matematicamente corrette canoni medievali e necessarie creando musica più facile, mondana. La ricerca creativa di diverse generazioni di musicisti e compositori ha portato allo sviluppo di molti nuovi generi musicali, danza e teatro.
Le prime idee della Riforma della Polphony sono nate all'inizio del XV secolo e appartenevano a Borgogna, Inglese, Flandershic, così come scuole di musica italiana. John Dunstabeble, il rappresentante della scuola inglese, delineato le fondamenta della tecnica di Foburdon (letteralmente, falso basso). Nei lavori multi-vocale, è stato notato solo la voce media e le voci superiori e inferiori sono state aggiunte durante l'esecuzione.
Ulteriore sviluppo di questa tecnica si rifletteva negli scritti di Guillaume Dufai (1400-1474), che non solo masse cicliche sistematizzate, ma hanno anche aggiunto elementi della musica secolare. È stato seguito da Joan Okkhem e Jacob Oberech, e il musicista più famoso di quel tempo era Zoshen Deps (1440-1521).
I maestri della scuola italiana, tra cui Giovanni Palestrina (1525-1594), Tomazo de Victoria (1548-1611), ha anche elaborato l'attaccamento della polifonia di stile più leggero e alto, ei nuovi testi sembravano equalizzarsi musica e parola in arte musicale italiana.
Rinascimento. Madrigale
Uno dei generi più comuni della musica secolare del Rinascimento è stato Madrigal, una canzone letteralmente denotando nella sua lingua nativa (materna). La base del nuovo genere musicale era le canzoni dei pastori italiani.
Inizialmente, nel XIV secolo, i Madrigals erano composti per due o tre voti sotto l'accompagnamento di uno strumento musicale che ripeté la torre della voce superiore. Madrigali sembravano spesso in vacanze secolari, matrimoni. Nel mezzo del XVI, i Madrigals sono già eseguiti da cinque voti, il rapporto tra le parti aumenta, la musica del genere diventa più espressiva.
Insieme alla "leggerezza", allegro, Madrigale ha assorbito le antiche tradizioni secolari della musica cristiana. Questa combinazione è stata utilizzata da prominenti madrigalisti di quel tempo Sipriano de Roor e Giuseppe Palestrina. Alla fine del XVI secolo, Madrigal è sempre più influenzato da AFFETTI: Piacere d'amore, note di malinconia e sottomissione al destino.
I più grandi maestri del genere dell'acciaio di Luca Marreinsio (1553-1599), Jesualdo da Venose (1561-1613) e. Creato da loro numerose collezioni di Madrigalls, melodio incredibile, una varietà di forme ritmiche e numerose soluzioni musicali innovative ha svolto un ruolo cruciale nello sviluppo della musica del Rinascimento.
Intermedia. Opera di nascita
Un ulteriore sviluppo dell'arte musicale ha predeterminato l'emergere del intermedio. Il fiorente di questo genere cadde nella prima metà del XVI secolo, quando diversi BARTOLOMEO intermentati trombonecho suonavano al matrimonio di Alfonso d'Est e Lucretia di Borgia, rappresentanti del grande clan italiano.
Successivamente, l'Intermedia ha iniziato a suonare con i più grandi cantieri europei aristocratici. La musica dell'Intermedio non è praticamente conservata, ma le prove raccolte ci raccontano la straordinaria portata del predecessore dell'opera: alcune orchestre che parlano a matrimoni di grandi nobili, ci sono più di venti corde, strumenti musicali di vento e shock. La voce dei contemporanei della Intermedia è stata soddisfatta di Viola da Gamba, liuto, flauti Piccolo, vortici, lira, oboe e doppio basso.
Le idee innovative dei compositori del Rinascimento, nonché l'emergere di nuovi strumenti musicali hanno portato a un cambiamento fondamentale nell'arte musicale - l'aspetto dell'opera. I primi passi in questa direzione sono stati effettuati da filosofi, musicisti e poeti, uniti in una specie di accademia culturale - la macchina fotografica fiorentina.
Conte Giovanni del Vernio (1534-1612), l'autore di diversi trattati sulla storia e sulla teoria della musica, compositori di Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilea (1520-1591), padre del famoso astronomo, e anche Julio Kachchini, Luca Marreinsio e Claudio Monteverdi.
I primi lavori creati sulla base dei concetti musicali dei telecamere fiorentini, divennero l'opera "Daphne" e "Evridika" dei compositori di Peri e Kachchini, e i principi più luminosi dei telesaminari sono stati incarnati nelle operazioni dell'Opera Montoverdi, Upheva Ritorno e "pappie di incoronazione".
Rinascimento. Parole chiave:
L'invenzione nella seconda metà del sistema XV secolo di segnali speciali per utensili da tastiera e liuto (tabulature), l'aspetto delle collezioni per l'organo e il liuto è stato il fondamento per lo sviluppo della musica degli strumenti dell'epoca rinascimentale.
Il più antico frammento della composizione per l'organo trovato dagli storici risale al 1425 (un autore sconosciuto del monastero Slesiano di Sagan). Nel 1448, i primi saggi sono apparsi per il corpo in cui è stato utilizzato il pedale (cinque prele preliminari di Adam Ileborgo). Il più famoso performer della musica d'organo del XV secolo è il musicista tedesco Konrad Poifan (1410-1473). Il suo Perù appartiene alla collezione "Buxheimer Orgelbuch", che ha 250 opere per l'organo del proprio saggio e altri accordi musicali.
I musicisti e i compositori spagnoli hanno anche rappresentato una parte significativa del patrimonio musicale del Rinascimento Epoch. Pubblicato nel 1557 da Louis Endrose "Nuova dimensione musicale per tastiera, violino e arpa", incluso molte canzoni, fantasie, danza e inni di famosi compositori spagnoli. Il lavoro di Antonio de Kabestov, uno dei musicisti più famosi dell'Europa, è anche vividamente distinto. Le sue opere raccolte in "scritti per tastiere, viti e arpa" (1578), divennero conosciuti ben oltre la Spagna.
Rinascimento. Musica per liuto e viola
L'arte musicale del XVI secolo è caratterizzata da un'ampia distribuzione nella musica europea di nuovi strumenti musicali - liuto e viola. Questi strumenti erano ideali sia per l'accompagnamento che per il risveglio in alcuni momenti di opere musicali. La prima compilazione contenente non solo opere polifoniche, ma anche i primi campioni di musica liuta, divennero il manodopera dell'eblisher italiano Ottaviano Petruchci "Intabulatura de Lauto", datato 1507.
LUTY ha diverse impostazioni e schede. Molti compositori e teorici musicali, tra cui Hans Görle, Juan Bermudo, Galilea Vincenzo, divergente in opinioni riguardanti il \u200b\u200bnumero ottimale di ragazzi. Ma, nonostante i disaccordi, tutti gli esperti convergano nella cosa principale: un liuto, come le tastiere, ha permesso di eseguire opere multi-voce senza l'uso di altri strumenti.
Live era il più grande diffuso in Italia, Francia, Germania e successivamente in Inghilterra. Tra i famosi compositori che rugosi mille musica non dovrebbero essere notati Vicyzo Kapirla, Petrucci, Mathais Weiselle, Matias Reiman, John Dowland e Thomas Morney.
Tra i musicisti spagnoli, un liuto non è stato guadagnato una grande popolarità. Gli artisti preferivano il violino, che era poco, ma aveva un peculiare, simile a una chitarra moderna, uno scafo. Sono noti due tipi di Violi da Gamba: "Viola manuale" e "Foot Viola". Louis de Milano, Alonso Midarra, Arriches de Valderrabano divenne i maestri più famosi che sono stati scritti per "Viola manuale", Alrikes de Valderrabano e Thomas de Santa Mary.
Rinascimento. Rivoluzione del sigillo musicale
L'invenzione del John Gutenberg della nuova tecnologia di stampa, tenutasi nel XV secolo, si rifletteva in tutte le sfere della vita culturale dell'Europa. Non lasciato a parte e arte musicale. Già nella seconda metà del 20 ° secolo, le prime case di stampa specializzata nelle pubblicazioni musicali appaiono in Olanda e in Germania. Il processo di creazione di libri dedicato alla musica era piuttosto laborioso. Ogni pagina è stata stampata tre volte: il primo sigillo - per un nuovo mulino, il secondo sigillo - e il terzo - per il testo e i numeri di pagina.
Collectorium Super Magnificat, creato da Hesson da Essson nel 1473, e Misso Romanum, stampato nel 1476 nel laboratorio romano Ulrich Khan, sono considerati la prima raccolta musicale della musica.
Inizialmente, i centri di pubblicazioni musicali divennero culturalmente sviluppate città italiane a Venezia, Milano, Firenze e Napoli, dove i ricchi aristocratici locali in ogni modo sostenevano gli editori. Le più famose stampanti italiane erano Ottaviano Petrucci, Andrea Antiko, e successivamente Antonio Gardano.
Il più famoso Rinascimento Paris Primer - Pierre Athannat (1494-1551), un musicista che ha dedicato la vita alla pubblicazione di canzoni, Chiesa Messe e Cantenti. L'edizione Othannata più popolare è la collezione Chansons Nouvelles, pubblicata nel 1527. Il rapido sviluppo della stampa di pubblicazioni musicali è stato possibile grazie alle attività e ad altre grandi stampanti: Jacques Mozhell (Lione), Tillman Sustato (Amberres), Thomas Tallisa e Villama Bird (Londra).
Ministero dell'Istruzione della Federazione Russa
Università pedagogica all'aperto di stato di Mosca
loro. M.a.sholokhova.
Dipartimento dell'istruzione estetica
SAGGIO
"Musica del Rinascimento"
Studenti 5 (conteggio)
A tempo pieno - compartimento assente
Amore assonnato Pavlovna.
Insegnante:
Zatsepina Maria Borisovna.
Moscow 2005.
REVIVAL - L'era del periodo di massimo splendore della cultura dell'Europa occidentale e centrale durante la transizione del Medioevo al nuovo tempo (XV-XVII secoli). La cultura del revival non si restringe e spesso riflette l'umore delle ampie masse, nella cultura musicale presenta diverse nuove scuole creative influenti. La principale canna ideologica dell'intera cultura di questo periodo è stata l'umanesimo - una nuova idea senza precedenti di una persona come creatura gratuita e comprensamente sviluppata in grado di progressi illimitati. L'uomo è il principale argomento dell'arte e della letteratura, la creatività dei più grandi rappresentanti della cultura rinascimentale - F. Petrarki e D. Boccacio, Leonardo da Vinci e Michelangelo, Raffaello e Tiziano. Le figure più culturali di questa epoca erano persone versatemente dotate di persone. Quindi, Leonardo da Vinci non era solo un artista eccezionale, ma anche uno scultore, scienziato, scrittore, architetto, compositore; Michelangelo è noto non solo come scultore, ma anche come pittore, poeta, musicista.
Lo sviluppo della visione del mondo e l'intera cultura di questo periodo ha imposto un'impronta digitale seguendo gli antichi campioni. Nella musica, insieme a nuovi contenuti, anche nuove forme e generi si stanno sviluppando (canzoni, madrigali, ballatori, opere, cantata, oratorio).
Con tutta l'integrità e le finiture della cultura rinascimentale nella cosa principale, è caratterizzata dalle caratteristiche del contraddittorio associato all'assoluvio degli elementi della nuova cultura con il vecchio. I temi religiosi nell'arte di questo periodo continua non solo per esistere, ma anche per svilupparsi. Allo stesso tempo, è così trasformato che il lavoro basato su di esso è percepito come scene di genere della vita di persone nobili e ordinarie.
La cultura italiana del Rinascimento ha avuto luogo alcune fasi di sviluppo: essendo emerse alla fine del XIV secolo, raggiunse il suo periodo di massimo pieno del XV del XV secolo. Nella seconda metà del XVI secolo. Vi è una lunga reazione feudale a causa del declino economico e politico del paese. L'umanesimo sta vivendo una crisi. Tuttavia, il declino dell'arte non è indicato da non immediatamente: altri decenni sono artisti e poeti italiani, scultori e architetti creati opere della più alta importanza artistica, lo sviluppo di legami tra varie scuole creative, lo scambio di esperienze tra musicisti, passando da Il paese in campagna ha lavorato in diverse cappelle, diventa un tempo di segnale e ci consente di parlare delle tendenze comuni a tutta l'era.
Il Rinascimento - una delle brillanti pagine della storia della cultura musicale europea. La costellazione dei grandi nomi del Goskene, Ombrecht, Palestrina, O.lomo, Jesualdo, che ha aperto nuovi orizzonti alla creatività musicale nei mezzi di espressività, ricchezza della polifonia, la scala delle forme; Aggiornamento fiorente e di alta qualità dei generi tradizionali - Mott, Messa; Approvazione di nuovi modelli, nuove intonazioni nella sfera di composizioni multistrato, rapido sviluppo della musica strumentale, pubblicata in prima linea dopo una posizione subordinata quasi in cinque: altre forme di musinizzazione, la crescita della professionalità in tutti i settori della creatività musicale : Un cambiamento dei punti di vista sul ruolo e sull'opportunità dell'arte musicale, la formazione di nuovi criteri di bellezza: l'umanesimo come una tendenza davvero manifesta in tutti i campi dell'arte - tutto ciò è dovuto alle nostre idee sul Rinascimento. La cultura artistica rinascimentale è un inizio personale con un supporto per la scienza. L'abilità insolitamente complessa dei polifonisti dei secoli XV - XVI, la loro tecnica virtuoso è entrata con la luminosa arte delle danze domestiche, la raffinatezza dei generi secolari. Un'espressione crescente nei lavori è ottenuta dal dramma lirico. Inoltre, la personalità della persona, l'individualità creativa dell'artista appare più luminosa (questa è caratteristica non solo per l'arte musicale), che ci consente di parlare della gengivale come principio principale dell'arte rinascimentale. Allo stesso tempo, la musica della chiesa, rappresentata da generi così grandi, come massa e mobile, continua ad essere una linea "gotica" nell'arte della rinascita, diretta, prima di tutto, per ricreare il canone già esistente e attraverso di esso per il glorificazione del divino.
Le opere di quasi tutti i generi principali di entrambi i secolari e spirituali sono costruiti sulla base di qualsiasi materiale musicale pre-ben noto. Potrebbe essere una fonte dai capelli singoli in mottas e vari generi secolari, lavorazione strumentale; Questi potrebbero essere due voci prese in prestito da una composizione a tre vicoli e incluse in un nuovo prodotto dello stesso o di altri generi e, infine, pieno di tre - o quattro smalti (Motet, Madrigal, agendo su un "modello" preliminare del lavoro di una forma più grande (Massa).
La fonte primaria agisce allo stesso modo e l'entanglement popolare e famoso (canzone corale o secolare) e una specie di saggio di copyright (o voti da esso), elaborato da altri compositori e, di conseguenza, dotato di altre caratteristiche del suono, altre idee artistiche .
Nel genere di Motta, ad esempio, non ci sono quasi opere che non hanno alcun originale originale. La maggior parte dei compositori di massa dei secoli XV - XVI ha anche le prime fonti: quindi, il Paletseris del numero totale di oltre cento messaggi troviamo solo sei scritti in base al prestito in base alla base. O. Lasso non ha scritto alcuna massa (su 58) sul materiale dell'autore.
Si può notare che è chiaramente indicato da un cerchio di fonti primarie, che si basano sugli autori. Dufai, I. Okhem, Ya. Oberecht, Palestrina, O. Lasso e altri. Come se gareggiano tra loro, ancora e ancora riferendosi a una melodie, disegnando da loro ogni volta, nuovi impulsi artistici per le loro opere, in un nuovo Way comprendendo i brani come primordiale iniziale di intonificazione per le forme polifoniche.
Nella performance del lavoro, è stata utilizzata la ricezione - Polyphony. La polifonia è una polifonia in cui tutte le voci sono uguali. Tutte le voci ripetono una melodia, ma in tempi diversi, come Echo. Questa tecnica è chiamata imitazione polifonia.
Dal XV secolo, la cosiddetta polifonia "rigida lettera", le regole (norme di voto, formazione, ecc.) Sono state registrate in trattaistici teorici di quel tempo ed erano una legge immutabile di creare musica della Chiesa.
Un'altra connessione quando l'esecuzione pronunciata allo stesso tempo diverse melodie e testi diversi sono chiamati polifonia a contrasto. In generale, lo stile "rigoroso" implica necessariamente una polifonia di uno dei due tipi: simulazione o contrasto. È una simulazione e una polifonia a contrasto che ha permesso a comporre motides multi-voce e mesi per i servizi della Chiesa.
Il motet è una piccola canzone corale, che di solito è stata composta da qualsiasi melodia popolare, più spesso su una delle vecchie melodie della chiesa ("corali grorior" e altre fonti canoniche, nonché musica di alta classe).
Dall'inizio del secolo del XV secolo, nella cultura musicale di un certo numero di paesi europei, appaiono i tratti inerenti all'epoca del Rinascimento. Il visibile tra i primi polifonisti dei Paesi Bassi Rinascimento, Guillae Dufa (Dufai) è nata nelle Fiandre intorno al 1400. Le sue opere, in sostanza, sono più di mezzo secolo nella storia della Scuola di Musica Netherlands, che ha stabilito nel secondo trimestre del XV secolo.
Dufai ha guidato diverse cappelle, tra cui Pakaya a Roma, ha lavorato a Firenze e Bologna, e gli ultimi anni di vita trascorsi nelle sue chiacchiere native. L'eredità del Dufai è ricca e abbondante: include circa 80 canzoni (generi da camera - Veros, Ballads, Rondo), circa 30 motel (entrambi i contenuti spirituali e secolari, "canzoni"), 9 casini completi e le loro singole parti.
Un'eccellente melodia che ha raggiunto il calore lirico e l'espressione di piccoli sci, rara nell'era di uno stile rigoroso, ha fatto appello volontariamente alle melodie popolari, esponendole in un'elaborazione brillante. Dufai introduce molte cose nuove in massa: più ampio trasforma la composizione dell'intera composizione, usa liberamente i contrasti del suono corale. Una delle sue migliori opere è la massa "pallida", "uomo armato", in cui vengono utilizzate le melodie di origine della canzone prese in prestito. Queste canzoni in una varietà di versioni costituiscono una base ampia estensione tematica intontazionale che fissa l'unità di grandi cicli corani. Nello sviluppo polifonico di una meravigliosa controncista, rivelano la devastante nelle loro profondità, bellezza sconosciuta ed opportunità espressive. La melodia del Dufai combina armoniosamente la freschezza della crostata delle canzoni dei Paesi Bassi con un cantante italiano e grazia francese. La polifonia di simulazione è privata di artificialità e getti. A volte la tessitura diventa eccessiva, si verifica un vuoto. Colpisce non solo la gioventù dell'arte, che non ha ancora trovato l'equilibrio ideale della struttura, ma anche caratteristico del Maestro Cambriano, il desiderio di raggiungere un risultato artistico ed espressivo con il mezzo più umile.
Il lavoro dei moderi contemporanei Dufai - Iohannes Okhemema e Jacob Oberachta sono già indicati dalla cosiddetta scuola olandese. Entrambi i compositori sono le figure più grandi del loro tempo che ha determinato lo sviluppo della polifonia olandese nella seconda metà del XV secolo.
Johannes Okhem (1425 - 1497) La maggior parte della vita lavorava nella cappella dei re francesi. Di fronte all'Okhemema di fronte all'Europa, affascinato dal morbido lisismo del cantante di Dufai, il ingenuo-mansueto e arcaicamente sfoglia il suo mesa e il suo Motetov, era un artista completamente diverso - "razionalista con occhio impassibile" e una sofisticata penna tecnica, A volte evitato il Lyrianismo e mescolato presto a catturare la musica, alcuni schemi estremamente generali di esistenza oggettiva. Ha scoperto la straordinaria padronanza dello sviluppo di linee melodiche in ensemble polifoniche. La sua musica è inerente in alcune caratteristiche gotiche: immagini, natura fuori-in-peripo della espressività, ecc. Ha creato 11 pasticceria (e un certo numero di parti), incluso l'argomento "Muned Man", 13 motes e 22 canzoni. Sono i grandi generi polifonici che stanno in primo luogo. Alcune canzoni hanno acquisito popolarità nei contemporanei e hanno ripetutamente servito primario per trattamenti polifonici in forme più grandi.
L'esempio creativo di Okhemema come il più grande maestro e puro polifonista era di grande importanza per i contemporanei e i seguaci: la sua concentrazione intransigente sui problemi speciali del rispetto ispirato alla polifonia, se non un adorazione, ha dato origine alla leggenda e circondava il suo nome al suo nome alone.
Tra coloro che hanno legato il XV secolo con il seguente non solo cronologicamente, ma anche lo sviluppo creativo, il primo posto, senza dubbio, appartiene a Jacob Obrech. È nato nel 1450 a Bergen-Op-Zoom. Obracht ha lavorato a Cappelle Anversa, Cambre, Brunet, ecc., Servito in Italia.
Nel patrimonio creativo di Obrecht - 25 mes, circa 20 motel, 30 canzoni polifoniche. Dai suoi predecessori e ai contemporanei, ha ereditato altamente sviluppato, persino tecniche polifoniche virtuose, imitazione e tecniche canoniche di polifonia. Nella musica oracle, completamente polifonica, sentiamo a volte una fortezza speciale di almeno emozioni implicite, il coraggio di contrasti in limiti grandi e bassi, piuttosto la "terra", quasi le connessioni domestiche nella natura del suono e dei partiti della formazione . La sua visione del mondo cessa di essere gotico. Si muove verso la rugiada di Goskien - un autentico rappresentante del Rinascimento nell'arte musicale.
È caratterizzato da caratteristiche individuali, incluso uno spreco di assenza gotica, causando opposizione, il potere delle emozioni, della comunicazione con i generi domestici.
Il primo terzo del XVI secolo in Italia è un periodo di alta resssuance, il tempo di sollevamento creativo e perfezione senza precedenti, che è stata incarnata nelle grandi opere di Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Si sta sviluppando un certo strato pubblico, le forme dei quali sono organizzate performance teatrali, festività musicali. Le attività di varie accademie di sviluppo artistico.
Un po 'più tardi, l'alta fioritura si verifica nell'arte della musica, non solo dall'Italia, ma anche dalla Germania, dalla Francia, in altri paesi. L'imprinting è imperativa a diffondere opere musicali.
Le tradizioni della scuola polifonica rimangono ancora forti (in particolare, in particolare, c'è lo stesso valore del supporto per il campione), ma l'atteggiamento verso la scelta degli argomenti è cambiato, la saturazione a forma emotiva delle opere aumenta, il personale, il copyright sta aumentando. Tutte queste caratteristiche appaiono già nel lavoro del compositore italiano Zosken Dew, nacque circa il 1450 in Borgogna e il primo dei più grandi compositori della scuola olandese della fine del XV - primo XVI secolo. Dotato di eccellente voce e udito, ha servito come paradiso in chiesa cori nella sua patria e in altri paesi. È in anticipo e stretto contatto con elevate arti chorali, l'apprendimento attivamente pratico dei grandi tesori artistici della musica iconica ha in gran parte determinato la direzione in cui sono state quindi sviluppate l'individualità del futuro del brillante maestro, i suoi interessi di stile e di genere.
Nei giovani anni, la rugiada ha imparato l'arte della composizione a I. Okhemema, che ha anche seduto soddisfatto nel gioco in vari strumenti musicali.
In futuro, Zoskien Dew ha provato le sue forze in tutti coloro che esistevano al momento dei generi musicali, creando salmi, motori, massa, musica sulla passione del Signore, saggi in onore di Santa Maria e canzoni secolari.
La prima cosa che si precipita negli occhi nelle composizioni di DePe è una straordinaria tecnica contropunzionale, che consente all'autore di essere considerato un vero controparte-virtuoso. Tuttavia, nonostante il pieno possesso del materiale, la rugiada ha scritto molto lentamente, molto critico esaminando le sue opere. Durante l'esecuzione del processo degli scritti, ha portato un sacco di cambiamenti in essi, cercando di ottenere una compensazione impeccabile, che non ha mai portato alla vittima dei plessi contro-protettivi.
Usando solo forme polifoniche, il compositore in alcuni casi dà la voce superiore insolitamente splendidamente splendidamente melodia, a causa del quale il suo lavoro è diverso non solo con la colata, ma anche melodica.
Non volendo andare oltre la rigorosa contropunzione, la rugiada per mitigare le dissonanze, come li preparerebbe usando una nota di dissony nella consonanza precedente come conservazione. Molto fortuna come mezzo per rafforzare l'espressione musicale degli elesi utilizza la dissonanza.
È necessario mangiare troppo che J. Delera con pieno diritto può essere considerato non solo un talentuoso contropolkyist e un musicista sensibile, ma anche un magnifico artista che può trasmettere nelle sue opere le sfumature di sentimenti più sottili dei sentimenti e vari stati d'animo.
Zoskien era tecnicamente ed esteticamente più forte dei polifonisti italiani e francesi del XV secolo. Ecco perché nella zona di un puro musicale, li ha influenzati significativamente, piuttosto che sperimentare la loro influenza. Prima della sua morte, Dele è stata guidata dalle migliori cappelle di Roma, Firenze, Parigi. Era sempre ugualmente dedicato al suo lavoro, contribuendo alla diffusione e al riconoscimento della musica. Rimase olandese, "Maestro da Conde". E non importa i conquiste e gli onori del fratello erano brillanti, mentre il Signore della musica "era vitale (così chiamato i suoi contemporanei), lui, obbedendo all'ormonota della" chiamata della terra ", già sul pendio dei suoi anni tornò Le rive di Shelda e si sono laureate modestamente dal suo percorso di vita con il canone.
In Italia, nell'era dell'alto Rinascimento, si osserva il fiorente dei generi secolari. I generi vocali si sviluppano in due aree principali - uno di loro è vicino alla canzone domestica e alla danza (Fotoli, Villaners, ecc.), L'altro è associato a una tradizione polifonica (Madrigal).
Madrigale come forma musicale e poetica speciale ha dato straordinarie opportunità per la manifestazione della personalità del compositore. Il contenuto principale dei suoi testi, scene di genere. Nella scuola veneziana, i generi della musica panoramica stavano fiorendo (un tentativo di far rivivere l'antica tragedia). Ottenuto forme strumentali indipendenti (gioca per liuto, viuela, organo e altri strumenti).
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