Tutte le immagini di Kandinsky sull'argomento della creatività. Dipinti famosi di Vasily Kandinsky

09.07.2019

Immagine "Composizione VI"

Anno: 1913.

Esposto nel museo: Hermitage, San Pietroburgo

Inizialmente, l'immagine "Composizione VI" Kandinsky voleva nominare il "Flood", perché in questo lavoro il pittore intendeva rappresentare una catastrofe scala universale. E infatti, guardando attentamente, possiamo vedere i contorni della nave, degli animali e degli oggetti, come se affondassero nelle masse della materia whilapal, come nelle onde del mare della tempesta.

Stesso Kandinsky in seguito, parlando di questa tela, ha notato che "non ci sarebbe più sbagliato che attenersi a questa immagine dell'etichetta iniziale della trama". Il Master ha sottolineato che in questo caso il motivo originale del foglio (inondazione) è stato sciolto e spostato nell'esistenza interna, puramente pittoresca, indipendente e oggettiva. "Una catastrofe grande, oggettivamente impegnata è allo stesso tempo assoluta e che possiede un suono indipendente di una canzone laudativa calda, simile all'Imnone di una nuova creazione, che segue un disastro", ha spiegato Kandinsky. Di conseguenza, il pittore ha deciso di assegnare una targa alla tela, poiché qualsiasi altro potrebbe causare associazioni non necessarie da intensità di intensità che li viziano con quelle emozioni che dovrebbero causare un'immagine.

Immagine "Composizione VII"

Picture "Composizione VII". Foto: riproduzione

Anno: 1913.

"Composizione VII" è chiamata la cima della creatività artistica di Kandinsky nel periodo prima della prima guerra mondiale. Dal momento che l'immagine è stata creata molto approssimativamente (è stata preceduta da oltre trenta schizzi, acquerelli e opere d'acquerelli), la composizione finale è una combinazione di diversi argomenti biblici: risurrezione dal giorno morto, dei vasi, il mondo inondazione e il giardino paradiso.

L'idea dell'anima umana viene visualizzata nel centro semantico della tela, un ciclo, prevedeva punto viola e linee nere e colpi accanto a lui. Si ritarda inevitabilmente come un imbuto, spuntando una specie di forme che si diffondono da innumerevoli metamorfosi in tutta la tela. Seguendo, si fondono o, al contrario, sono interrotti l'uno dall'altro, portando il movimento vicino ... è come l'elemento della vita derivante dal caos stesso.

Picture "Composizione VIII"

"Composizione VIII". Foto: "Composizione VIII", Vasily Kandinsky, 1923

Anno: 1923.

Esposto nel museo: Solomon Museum R. Guggenheim, New York

"Composizione VIII" è fondamentalmente diversa dal precedente lavoro di questa serie, perché in esso invece dei contorni sfocati, sono presenti forme geometriche chiare. L'idea principale è assente in questo lavoro, invece di lei l'artista stesso dà una descrizione specifica delle figure e dei colori dell'immagine. Quindi, secondo Kandinsky, i suoni orizzontali "freddi e minori" e il verticale - "caldo e alto". Gli angoli taglienti sono "caldi, nitidi, attivi e gialli" e dritti - "freddi, sobri e rossi". Il colore verde "è equilibrato e corrisponde ai suoni sottili del violino", il rosso "può creare l'impressione di una forte battaglia del tamburo", e il blu è presente "nelle profondità dell'organo". Giallo "ha la capacità di salire sopra e sopra, raggiungendo le altezze insopportabili per gli occhi e lo spirito." Blue "discende in profondità senza fondo." Il blu "sviluppa il suono dei fluti".

Picture "VLOY"

L'immagine è "vaga". Foto: riproduzione

Anno: 1917.

Esposto nel museo: Galleria di Tretyakov di Stato, Mosca

Il nome "Vague" è stato scelto per l'immagine non per caso. L'ambiguità e "travagliate" sono esposte nel lavoro della drammatica collisione Kandinsky delle forze centripetalli e centrifughe, come se fosse diviso nell'altro al centro della tela. Ciò provoca una sensazione di ansia in aumento come "raffreddamento" nel lavoro. La massa di colori aggiuntivi svolge un'orchestrazione peculiare della lotta principale, quindi il pacificazione, quindi esacerbando la confusione.

Immagine "improvvisazione 20"

Picture "Improvvisazione 20". Foto: riproduzione

Anno: 1911.

Esposto nel museo: Museo di Stato di Belle Arti. A. S. Pushkin, Mosca

Nelle loro opere della serie "Improvvisazione", Kandinsky ha cercato di mostrare i processi interni inconsci che sorgono all'improvviso. E il ventesimo lavoro di questa categoria L'artista ha raffigurato l'impressione della sua "natura interiore" dal correre due cavalli sotto il sole di mezzogiorno.

"Rapallo Boats", Vasily Kandinsky, anno sconosciuto.
"Mosca, Piazza Zubovskaya. Etude ", Vasily Kandinsky, 1916.
"Lezione con il canale", Vasily Kandinsky, 1901.
"Vecchia città II", Vasily Kandinsky, 1902 anni.
Gabriel Munter, Vasily Kandinsky, 1905.
"Autunno in Baviera", Vasily Kandinsky, 1908.
"Primo acquerello astratto", Vasily Kandinsky, 1910.
"Composizione IV", Vasily Kandinsky, 1911.
"Moscow I", Vasily Kandinsky, 1916

Probabilmente non ci sono persone simili che, al primo conoscente con il lavoro di Kandinsky, riconoscerebbe il suo genio. La prima occhiata sulla sua "composizione", "improvvisazione" e "impressione" provoca pensieri diversi: "Un bambino potrebbe agitarsi" e prima "cosa ha ritrattato l'artista in questa immagine?". E con una conoscenza più profonda risulta che l'artista non stava per ritrarre nulla, voleva farti sentire.

Il grande scopritore di astrazione Vasily Kandinsky non diventerà completamente un artista e più filosofo del mondo dell'arte. Al contrario, suo padre è un famoso Kommersant di Mosca di quel tempo Vasily Silvestorovich Kandinsky - ha visto il suo avvocato di successo, che ha portato il futuro ufficiale di astrazione presso la Facoltà di Facoltà di Mosca University, dove ha studiato l'economia politica e le statistiche. Certamente, Kandinsky è cresciuto in una famiglia intelligente, che non negata l'importanza dell'arte nella vita di una persona, quindi un altro giovane ha ricevuto vasily conoscenza di base nel mondo della musica e della pittura. Ma è tornato a loro solo dopo che aveva 30 anni, che ancora una volta ha confermato la semplice verità - non è mai tardi per iniziare. Nonostante l'amore della sua patria, in particolare a Mosca, che non apparirà sulle sue tele, Kandinsky nel 1896 per la sua passione per la pittura si muove a Monaco di Baviera - la città, che era famosa per la sua apertura a nuovi generi d'arte e ospitalità per il novizio artisti. L'impulso per lanciare il solito stile di vita e andare all'ignoto, è diventato una ragione che è completamente estranea all'arte, - un evento molto importante si è verificato nel mondo - l'apertura della decomposizione dell'atomo. Mentre lo stesso Kandinsky ha scritto nelle sue lettere nelle sue lettere, questo colpo di stato nel mondo della fisica ha causato strani sentimenti da lui: "Le vavetti spesse sono crollate. Tutto è diventato scorretto, shaky e morbido ... ".

Il fatto che la particella più piccola non sia olistica, ma consiste in una varietà di altri elementi inesplorati, ha guidato il futuro artista in una nuova visione del mondo. Kandinsky ha capito che tutto in questo mondo può essere decomposto in singoli componenti, e lui stesso ha descritto questo sentimento come questo:

"It (scoperta) ha risposto in me, come l'improvvisa distruzione di tutto il mondo".

Un altro motivo per il colpo completo della coscienza di Kandinsky era la mostra di impressionisti francesi portati a Mosca. Su di lei, ha visto l'immagine di Claude Mone "Stack of Sen". Questo lavoro ha colpito vasily vasilyevich con la sua freness, da prima che fosse familiare esclusivamente con una pittura realistica degli artisti russi. Nonostante il fatto che la trama entrino nella foto, colpisce alcuni sentimenti, ispira e rimane in memoria. Erano opere così profonde ed eccitanti che hanno deciso di creare Kandinsky.

In Germania, Vasily Kandinsky maestra rapidamente il disegno classico, la tecnica di impressionisti, post-imagestisti e camminatori, e diventa presto un'avanguardia riconosciuta. Nel 1901, la luce vide la sua prima immagine professionale "Monaco di Baviera. PlanEGG 1, in cui sono stati combinati gli spari luminosi di Bright Van Gogh e la luce delicata del sole degli impressionisti. Successivamente, Kandinsky nel suo lavoro ha iniziato a lasciare il dettaglio delle sue creazioni, spostato dal realismo agli esperimenti con il colore.

"Monaco. Planegg 1 "(1901) - Collezione privata

Il primo passo verso l'astrazione è stata la scrittura del trattato filosofico "nell'arte spirituale" nel 1910. Il libro era fortemente più avanti del suo tempo, quindi l'editore era molto difficile per lei. Interessante è il fatto che l'originale è scritto da Kandinsky in tedesco, e nel libro russo pubblicato solo nel 1967 a New York grazie al Commonwealth Internazionale Letterario e alla moglie dell'artista - Nina Kandinskaya. Nella lingua originale di Monaco di Baviera, il libro è stato pubblicato nel 1911 e ha avuto un incredibile successo. Durante l'anno è stato pubblicato 3 volte, e in Scandinavia, Svizzera e Olanda, dove è stato distribuito il tedesco, il libro è stato letto da tutti coloro che avevano almeno un atteggiamento all'art. Gli avanguardia russi hanno avuto l'opportunità di conoscere il contenuto del trattato nel congresso di artisti di tutto il russo nel dicembre 1911 a causa della relazione di N.I. Tulley "su spirituale nell'arte." In esso, ha usato alcuni capi del libro di Kandinsky, incluso il capitolo su diverse forme geometriche possibili in creatività astratta, che ha influenzato notevolmente gli artisti russi avanzati del tempo, tra cui Casimir Malevich. Ma il lavoro di Kandinsky non è un tutorial. "A proposito di Spiritual nell'arte" è un lavoro filosofico, molto sottile e stimolante, senza il quale è semplicemente impossibile sentire i dipinti del grande astracista. All'inizio del libro, Kandinsky divide tutti gli artisti per 2 tipi, sulla base delle definizioni di Robert Shuman e Lion Tolstoy. Il compositore riteneva che "la vocazione dell'artista è di inviare luce nelle profondità del cuore umano" e lo scrittore ha definito l'artista quell'uomo, "che può disegnare e scrivere tutto". Kandinsky è alieno alla seconda definizione, lui stesso chiama come "artigiani" di persone, il cui lavoro non è pieno di significato e non ha valore.

"C'è una crepa nella nostra anima e l'anima, se è possibile influenzarla, sembra un vaso prezioso progressivo trovato nelle profondità della terra".

La musica ha sempre fornito una grande influenza sull'artista, poiché è l'unica arte assolutamente astratta che rende la nostra immaginazione, evitando la sostituzione. Poiché le note sono piegate in un'ottima melodia e le vernici di Kandinsky nella loro combinazione danno origine a dipinti incredibili. Il più forte ha ispirato l'artista del novizio dell'opphot Opera Richard Wagner. Dopo la conoscenza con lei, Kandinsky si chiedeva se potesse creare un'immagine dello stesso forte riempimento emotivo come il lavoro del grande compositore ", in cui la vernice sarebbe notevole, e la combinazione di colori - una tonalità?".

Alla ricerca di una risposta a questa domanda, Kandinsky ha aiutato la conoscenza con il compositore austriaco Arnold Schönberg. Nel gennaio 1911, a Monaco, l'artista ha ascoltato opere atonali del suo futuro amico e un alleato ed è stato scioccato. Grazie al concerto di Schönberg, non era ancora completamente astratto, ma un'immagine quasi impressionante del Maestro "Impression III. Concerto". Un triangolo scuro sull'immagine simboleggia il pianoforte, sotto puoi vedere la folla con la folla, e la decisione del colore è perfettamente riflettendo che l'impressione vivida che Kandinsky ha ricevuto al concerto di Schönberg.

Kandinsky era sicuro che fosse Shenberg che avrebbe percepito correttamente la sua filosofia della creatività astratta e non fu sbagliata. Il compositore ha sostenuto l'artista nei suoi sforzi con esperimenti di colore e la ricerca di "Antiilogichic" Harmony, per il primo posto in cui i sentimenti sarebbero andati, non la trama. Ma non tutti gli artisti condividevano un punto di vista simile, che ha portato alla spaccatura tra gli artisti e la creazione di una comunità di astrattisti come "cavalieri blu" astrattisti che lastry. Unire con gli artisti Augusto Make, Franz Mark e Robert Dela e, naturalmente, compositore Arnold Schönberg, Kandinsky entra finalmente mercoledì, che contribuisce alla transizione a piena astrazione nella creatività, trovando nuove forme e combinazioni di colori.

"In generale, il colore è uno strumento che può essere direttamente influenzato dall'anima. Il colore è chiavi; occhio - martello; L'anima è un pianoforte multi-portato. L'artista ha una mano, che, attraverso questa o quella chiave, è consigliabile vibrare un'anima umana. "

È impossibile discutere in questa affermazione con Kandinsky, perché molte ricerche moderne dimostrano che il colore influisce anche sui nostri desideri primitivi e stati: tutti sanno che il colore rosso provoca un appetito, lenisce verde e giallo ci aggiunge a noi vigorosi ed energie. E combinando diversi colori e forme nella foto, puoi influenzare i sentimenti più profondi. Voleva raggiungere un grande artista. Gli esperimenti del Kandinsky hanno influenzato molti artisti dell'inizio del 20 ° secolo, tra cui Poule Clee, che doveva incontrare il fondatore del "Blue Horseman" era un programma che evita un delicato nei suoi dipinti, e dopo è stato noto grazie al suo delicato, in un certo senso per ingenuo acquerelli. Gli svizzeri hanno condiviso l'amore per l'astrazione alla musica e sulla sua idea che l'arte dovrebbe causare forti emozioni, aiutando una persona ad ascoltare l'interiore "I" e acquisire la comprensione dei processi che si verificano nell'ambiente.

"L'arte non si riproduce visibile, ma rende visibile ciò che non è sempre così." (c) Paul Clee

È con un messaggio del genere che Kandinsky inizia a scrivere i suoi dipinti dopo il 1911. Ad esempio, nella nostra Galleria Tretyakov puoi vedere una delle opere più significative e su larga scala dell'artista, scritta nel 1913, "Composizione VII". L'artista non dà alcun suggerimento alla trama: c'è solo un colore e forma nella foto su un'enorme rete (il lavoro è considerato il più grande di tutta la creatività di Kandinsky - 2x3m). La scala ha reso possibile posizionare varie intensità sull'immagine nell'immagine e i frammenti di frammenti: elementi bruscamente, sottili, per lo più scuri nel centro e forme più fluide e colori delicati intorno al perimetro ci permettono di sperimentare sensazioni diverse, guardando il stessa immagine. I toni scuri sul contrasto destro con la luce su questa tela, cerchi con bordi sfocati sezionati con rigide rigide linee rette. Le composizioni di Kandinsky è una combinazione di incompatibilità, cerca l'armonia nel caos, questo funziona, piuttosto simile alla musica, poiché sono i più astratti. Sono questi lavori che sono considerati i principali conduttori della filosofia dell'artista e del culmine di tutto il suo lavoro.

Comprendere anche che la maggior parte delle persone ha bisogno di consigli per la consapevolezza della sua arte, Kandinsky continua a scrivere la loro "improvvisazione", in cui il sottile (e in lavori separati e un filo abbastanza chiaro) che collega l'astrazione con la realtà, a causa di elementi specifici. Ad esempio, in diverse immagini, possiamo vedere le immagini di barche e navi: questo motivo appare quando l'artista vuole dirci come una persona combatte il mondo esterno, come se le navi a vela resistono alle onde ed elementi.

In alcune immagini, possiamo difficilmente distinguere gli alberi, come ad esempio, nell'immagine "Improvvisazione 2 8 (Battaglia Sea)", creata alla vigilia della prima guerra mondiale, mentre su altre tele, l'immagine della nave è visibile A prima vista come in "improvvisazione 209, scritta nel 1917, quando lo spirito della rivoluzione è stato sentito in tutta la Russia.

Un altro elemento frequente trovato in "improvvisazioni" è il ciclista che caratterizza i desideri delle persone. L'immagine dei guerrieri a cavallo era di particolare importanza per Kandinsky come persona, combattendo costantemente con standard stabiliti e canoni per le sue convinzioni. Non è per caso che questa allegoria sia presente nel titolo del club di astronavi creativi come gli asfalti.

Mentre le "composizioni" di Kandinsky vengono pensate ai dettagli più piccoli, e la posizione delle figure e l'uso di alcuni colori sono assolutamente consapevoli, quindi quando scrivendo "improvvisazioni", l'artista è stato guidato dai processi interni, ha mostrato il suo improvviso emozioni inconsce.

I cambiamenti notevoli nel percorso creativo di Vasily Kandinsky si verificano durante il suo ritorno a Mosca nel 1914. Come cittadino della Russia, l'artista è stato costretto a lasciare la Germania durante la guerra e continuare a impegnarsi nell'arte. Dal 1914 al 1921 viveva a Mosca e impegnata a promuovere le sue idee nelle masse, ha collaborato con il governo nella preparazione della riforma del museo, ha sviluppato la pedagogia d'arte e fu ispirata dalla sua città natale.

"Mosca: Dualità, complessità, grado superiore di mobilità, collisione e confusione di singoli elementi di apparizione ... Considero questa Mosca esterna e interna, considero questo punto di origine della mia ricerca. Mosca - My Pittoresco Charton "

Durante il suo soggiorno in Russia, l'artista si precipitò tra diversi generi e persino ritratti a Mosca in dettaglio sufficiente (relativo a tutta la sua creatività), e ad un certo punto tornò a schizzi impressionisti.

Su tutto il percorso creativo di Vasily Kandinsky, vediamo molti diversi generi, tecniche e piatti. Nello stesso anno, l'artista potrebbe creare un prodotto abbastanza concreto con un significato chiaro e completa astrazione. Questo fatto enfatizza la versatilità della sua personalità, il desiderio di nuove conoscenze e tecnici e, naturalmente, lo sviluppo costante del genio creativo all'interno di sé. Artista, insegnante, musica conoscitore, scrittore e, naturalmente, il filosofo del mondo dell'arte Vasily Kandinsky non lascia nessuno indifferente, perché il suo compito principale era quello di sentire le persone, sentire, sperimentare le emozioni. E ha raggiunto questo scopo a causa del patrimonio culturale, che ha lasciato generazioni future.

Dove vedere le foto di Kandinsky in Russia?

Galleria d'arte Astrakhan. B. M. KUSTODIYEV.
Ekaterinburg Museum of Fine Arts
Krasnodar Regional Art Museum. F. Kovalenko.
Museo di Belle Arti di Krasnoyarsk
Galleria di Tretyakov di Stato sulla Crimea Valo, Mosca
Museo di Stato di Belle Arti. A.S. Pushkin, Mosca
Nizhny Novgorod State Art Museum
Museo d'arte regionale dello stato di Ryazan. I.p. POSSIBILE
State Hermitage, capo del capo, San Pietroburgo
Museo russo, San Pietroburgo
Tyumen Museum Complex.

Artista russo, teorico d'arte e poeta, uno dei leader della prima linea della prima metà del 20 ° secolo; Entrò nei fondatori dell'arte astratta.

Nato a Mosca il 22 novembre (4 dicembre) 1866 nella famiglia di un commerciante; Apparteneva alla natura dei mercanti senza senso, i discendenti della corteccia siberiana. Nel 1871-1885 viveva con i suoi genitori a Odessa, dove nel Gymnasio cominciò a impegnarsi a musica e pittura. Dal 1885 ha studiato all'Università di Mosca, sognando la carriera di un avvocato, ma ca. 1895 decise di dedicarsi all'art. Due punti hanno determinato la sua scelta: prima, le impressioni delle antichità medievali russe e del folclore artistico, ottenute nella spedizione etnografica sulla provincia di Vologda (1889), in secondo luogo, visitando la mostra francese a Mosca (1896), dove è stato scioccato dal Immagine K. Pila di fieno Monet. Nel 1897 arrivò a Monaco di Baviera, dove dal 1900 fu impegnato nell'accademia delle Arti locali sotto la guida di F.Fon. Viaggiato molto in Europa e in Nord Africa (1903-1907), dal 1902 viveva principalmente a Monaco, e nel 1908-1909 nel villaggio di Murnau (Alpi bavaresi). Entrando organicamente al mercoledì della Boemia modernista tedesca, ha anche funzionato come organizzatore attivo: ha fondato il Gruppo Falang (1901), "New Monaco Art Association" (1909; insieme a A.G.Velensky et al.) E infine, "Blue Horseman" (1911; insieme con F. Lark e altri). - Società che è diventata un importante legame di collegamento tra simbolismo e avanguardia. Pubblicato lettere artistiche e critiche pubblicate da Monaco di Baviera nelle riviste "Il mondo dell'arte" e "Apollo" (1902, 1909), ha partecipato alle mostre del Vault Bubnovaya.

Dal primato, già abbastanza luminoso e succoso dipinti impressionistici, si rivolse a Brixer, fioritura e "folk" da colorare composizioni, dove i motivi caratteristici della modernità nazionale russa con il suo romantico di leggende medievali e la cultura antica del maniero sono stati riassunti (Monaco di Baviera , 1907, Lenbachhaus, Monaco di Baviera; Signore a Krinolines, 1909, Galleria Tretyakov). Nel 1910, ha creato le prime improvvisazioni pittoriche astratte e ha completato il trattato sullo spirituale nell'arte (il libro è stato pubblicato nel 1911 in tedesco). Considerando la principale arte interiore, il contenuto spirituale, riteneva che fosse meglio espresso dagli effetti psicofisici diretti di pura consonanza e ritmi colorati. Nel cuore delle sue "impressioni" successive, "improvvisazioni" e "composizioni" (come lo stesso di Kandinsky distinte i cicli delle sue opere) si trova l'immagine di un eccellente paesaggio di montagna, poiché si scioglieva tra le nuvole, in cosmica Esistenza, come emergere del contemplazione dell'autore-Viewer. Matura dei dipinti di petrolio e acquerelli sono costruiti a causa del gioco libero dei punti di colore, punti, linee, personaggi individuali (tipo di cavaliere, torri, tavolozze, cupola della chiesa, ecc.). La maggior parte dell'attenzione, il Master ha sempre pagato un programma, inclusa l'incisione del legno. Nei suoi poemi di album poetici tedeschi, i suoni (Klänge, 1913) hanno cercato di conoscere l'interconnessione ideale di immagini grafiche visive gratuite con il testo. Gli oggetti della sintesi delle Arti mettono nell'idea di un suono giallo, progettato per combinare colore, luce, movimento e musica (compositore Fagartman, il gioco, il cui testo è stato collocato nell'Almana del cavaliere blu , 1912, non è stato effettuato a causa dell'inizio della prima guerra mondiale).

Nel 1914 tornò in Russia, dove viveva principalmente a Mosca. Una specie di "apocalittica", l'aspirazione della trasformazione universale-in-art, caratteristica delle sue astrazioni, acquisisce sempre più carattere inquietante e drammatico durante questo periodo (Mosca. Piazza rossa, 1916, Galleria Tretyakov; Valigia, Ibid., Twilight. , Museo russo; grigio ovale, galleria d'arte, ekaterinburg; tutte le opere - 1917). Nel 1918 ha rilasciato un filmato autobiografico. Unito attivamente alle attività pubbliche e umanitarie e di ricerca, faceva parte del Commissariato popolare, l'Istituto di Cultura Artistica (Inhuk) e l'Accademia d'arte russa delle Scienze dell'Arte (Rakhn), insegnata nelle altissime laboratori tecnici e tecnici (VHutemas), tuttavia, Irritato da Sgabbelli ideologici, la Russia sinistra per sempre dopo è stata inviata un viaggio d'affari a Berlino (1921).

In Germania, insegnata a Bauhaus (dal 1922, a Weimara e Dessau), era principalmente impegnata nella teoria generale della formazione; delineato la sua esperienza pedagogica nel punto del libro e la linea sull'aereo pubblicato in tedesco nel 1926. Le sue fantasie cosmologiche (la serie grafica di piccoli mondi, 1922) sta guadagnando un carattere geometrico più razionale durante questo periodo con i principi del suprematismo e del costruttivismo, Ma mantenendo la sua decorazione luminosa e ritmica (in piazza nera, 1923; diversi giri, 1926; entrambi i dipinti - nel Museo di S.Guggenheim, New York). Nel 1924, il Maestro si è formato insieme con Yalvsky, L. Finering e P. Kleie l'associazione "Blue Four", organizzando mostre congiunte con loro. Ha fatto come artista della versione panoramica della Suite M.P.MorsorGian immagini della mostra nel teatro Decuau (1928).

Dopo la chiusura dei nazisti "Bauhaus" (1932) trasferiti a Berlino, e nel 1933 - in Francia, dove Nyui-sur-Sen viveva a Parigi e al suo sobborgo. Avendo sperimentato un impatto significativo del surrealismo, sempre più introdotto nelle sue immagini - insieme alle precedenti strutture geometriche e segni - elementi biomorfi come alcuni organismi primistici, vendendo in un vuoto interplanetario (curva dominante, 1936, ibid.; Cielo blu, 1940, centro J.Pompidid, Parigi; una varietà di azioni, 1941, Museo di S.Guggenheim, New York). Con l'inizio dell'occupazione tedesca (1939) destinata a essere emigrata negli Stati Uniti e ha trascorso diversi mesi in Pirenei, ma alla fine tornò a Parigi, dove ha continuato a lavorare attivamente, incluso il progetto del balletto comico, che inteso per creare insieme con il compositore gatman.

All'inizio di dicembre 2011, i nuovi record di prezzo sono stati stabiliti nel commercio russo a Londra. Riassumendo l'anno, abbiamo compilato un elenco delle opere più costose di artisti della Russia secondo i risultati delle vendite all'asta.

33 Il più costoso da. Fonte: 33 il più costoso da.

Se credi che le valutazioni, l'artista russo più costoso è Mark Rotko. Il suo "centro bianco" (1950) venduto per 72,8 milioni di dollari, inoltre, classifica il 12 ° nella lista dei dipinti più costosi del mondo. Tuttavia, Rotko era un ebreo, nato in Lettonia e ha lasciato la Russia di 10 anni. Onestamentecon un tratto simile inseguire Per i record? Pertanto, Rotko, come gli altri emigranti, che ha lasciato la Russia, non ancora diventando artisti (ad esempio, Tamaru de Lempicks e Haim Sutin), abbiamo antico fuori dalla lista.

№ 1. Kazimir Malevich - $ 60 milioni

L'autore della "Black Square" è una persona troppo importante in modo che le sue opere siano spesso incontrate in vendita gratuita. Quindi questa immagine è caduta sull'asta molto difficile. Nel 1927, Malevich, andando a organizzare una mostra, ha portato quasi cento opere del suo laboratorio di Leningrado a Berlino. Tuttavia, fu urgente ricordato nella sua patria, e li ha lasciati per riporre l'architetto Hugo Hugo. Quell'immagine salvando negli anni difficili della dittatura fascista, quando potevano distruggere come "arte degenerativa", e nel 1958, dopo la morte di Malevich, vendette loro al Museo di Stato di Statelek (Olanda).

All'inizio del XXI secolo, un gruppo di eredi Malevich, quasi quaranta persone, ha iniziato un processo - perché l'hauing non era un proprietario legale dei dipinti. Di conseguenza, il museo ha dato loro questa foto, e darà ad altri quattro che causerà certamente Furore su qualche asta. Dopotutto, Malevich è uno degli artisti più falsi del mondo, e l'origine dei dipinti del Museo di Bretheck è impeccabile. E nel gennaio 2012, gli eredi hanno ricevuto un altro dipinto da quella mostra di Berlino, avendo riempito dal museo svizzero.

№ 2. Vasily Kandinsky - $ 22,9 milioni.

Il prezzo dell'asta del lavoro influisce sulla sua reputazione. Questo non è solo un nome forte dell'artista, ma anche "provenance" (origine). Una cosa da una famosa collezione privata o un buon museo è sempre più costoso che lavorare da un incontro anonimo. Il "Fugue" deriva dal famoso Museo di Gugenheim: una volta che il regista Thomas Krenz ha portato fuori dai fondi del museo di questo Kandinsky, l'immagine di Shagal e Modigliani, e li ha messi in vendita. Per i soldi ricevuti, un museo per qualche motivo ha acquistato una raccolta di 200 lavori di concettuali americani. La Krenza per questa decisione è stata condannata molto a lungo.

Questa è una tela del padre dell'astrattismo curioso del fatto che ha stabilito un record nei Distanti anni '90, quando le sale d'asta di Londra e New York non hanno ancora riempite gli acquirenti russi spericolati. Grazie a questo, a proposito, non ha tagliato alcuna collezione molto privata in una lussuosa villa, ma si trova in una mostra permanente nel Museo privato dei Bayieliers in Svizzera, dove chiunque può vederlo. Caso raro per un tale acquisto!

№ 3. Alexey Yalvsky - 9, 43 milioni di sterline

Circa 18,5 milioni di dollari pagati un acquirente sconosciuto per un ritratto, che raffigura una ragazza dal villaggio vicino a Monaco. Shokco non è un nome, ma soprannome. Il modello, venendo allo studio dell'artista, ogni volta che chiedeva una tazza di cioccolata calda. Quindi dietro di lei e Gothes "Shokko".

L'immagine venduta è inclusa nel suo famoso ciclo di prestito, raffigurante i contadini domestici del primo trimestre del XX secolo. E, il giusto raffigurante con tale pancia, che è spaventoso. Qui sotto forma di un pastore, il poeta contadino Nikolai Klyuev, il precursore di Yesenin. Tra le sue poesie ci sono tali: "Sul fognatura, i lampeggiatori decidono dischetti e bloccati - i bambini chiari sbalorditi dal Gaznebushka lontano."

№ 19. Konstantin Makovsky - 2,03 milioni di sterline

Makovsky - il pittore saloon, noto per l'enorme numero di teste haiwkinging a Kokoshniki e a Sundors, così come il dipinto "Bambini che corrono dai temporali", che una volta è stato costantemente stampato su scatole regalo di cioccolatini al cioccolato. I suoi dolci dipinti storici sono in una domanda stabile tra gli acquirenti russi.

Il tema di questa immagine- Vecchio russo "Kiss Rite." Le donne nobili sull'antica Russia non erano autorizzate a lasciare la metà della femmina, e solo per il bene d'onore, potevano uscire, portare il fascino e (la parte più piacevole) da baciarsi. Prestare attenzione alla foto appesa al muro: questa è l'immagine del re di Alexei Mikhailovich, uno dei primi ritratti di cavallo che apparve in Russia. La sua composizione, sebbene sia stata copiata sfacciata da un campione europeo, era considerata un insolitamente innovativo e persino scioccante per quel tempo.

№20. Svyatoslav Roerich - $ 2,99 milioni.

Il figlio di Nikolai Roerich ha lasciato la Russia da un adolescente completamente. Ha vissuto in Inghilterra, Stati Uniti d'America, India. Come il Padre, ero interessato alla filosofia orientale. Come il Padre, ha scritto un sacco di dipinti per temi indiani. Padre ha generalmente occupato un enorme posto nella sua vita - ha scritto più di trenta i suoi ritratti. Questa foto è stata creata in India, dove il clan si stabilì a metà del secolo. Le immagini di Svyatoslav Roerich appaiono raramente alle aste, e a Mosca, le opere della famosa dinastia si possono vedere nelle sale del Museo Est, che gli autori li hanno presentati, così come al Museo del Museo "International Roerich Center ", che si trova nella lussuosa tenuta nobile proprio dietro il museo del Pushkin. Entrambi i musei non sono molto amati l'uno dall'altro: il Museo dell'Est rivendica sia l'edificio che la collezione del centro di Roerich.

№ 21. Ivan Shishkin - 1,87 milioni di sterline

Il capo paesaggio russo russo ha trascorso tre anni di fila su Valaam e ha lasciato molte immagini di questa zona. Questo lavoro è un po 'cupo e non sembra un classico Shishkina. Ma questo è spiegato dal fatto che l'immagine appartiene al suo primo periodo, quando non ha parlato la sua maniera ed era sotto la forte influenza della scena dei paesaggi di Dusseldorf, in cui ha studiato.

Abbiamo già ricordato di questa scuola di Düsseldorf, nella ricetta per falso "Aivazovsky". " Shishkina "sono realizzati secondo lo stesso schema, ad esempio nel 2004 suSotheby "S era un" Paesaggio con un flusso "Periodo di Düsseldorf del pittore. È stato stimato a $ 1 milione. E confermato dall'esperienza della Galleria Tretyakov. Un'ora prima che il lotto di vendita sia stato rimosso - si è rivelato essere un Immagine di un altro studente di questa scuola, il Dutchman Marinus Adriana Kookkuk, acquistato in Svezia per 65 mila dollari.

№ 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 milioni di sterline

Un ritratto di un ragazzo con l'icona della Vergine è stato trovato in una collezione privata a Chicago. Dopo essere stato consegnato alla casa d'asta, gli esperti hanno iniziato la ricerca, cercando di stabilire la sua origine. Si è scoperto che l'immagine era alle mostre nel 1922 e nel 1932. Negli anni '30, l'artista è andato negli Stati Uniti come parte della mostra dell'arte russa. Forse è stato allora che i proprietari hanno acquisito questa immagine.

Prestare attenzione a un posto vuoto sul muro dietro il ragazzo. All'inizio l'autore ha pensato di scrivere una finestra con un paesaggio verde lì. Bilanciarebbe l'immagine e sulla composizione e nei colori - l'erba avrebbe riempito con la Green Tunica della Madonna (a proposito, dovrebbe essere blu sul canone). Perché Petrov-Vodkin ha schiacciato la finestra - sconosciuta.

№ 23. Nikolay Roerich - 1,76 milioni di sterline

Prima di visitare Shambalu e iniziare a corrispondere con Dalai Lama, Nikolai Konstantinovich Roerich è specializzata con successo in un vecchio tema russo e persino ha fatto schizzi di balletto per le "stagioni russe". Venduto lotto si riferisce a questo periodo. La scena raffigurata è un fenomeno meraviglioso sull'acqua, che è osservato dal monaco russo, molto probabilmente - Sergius Radonezh. È curioso che l'immagine sia scritta nello stesso anno in cui un'altra visione di Sergia (quindi il tag del warfolome), che appare nella nostra lista sopra. La differenza stilistica è colossale.

Roerich ha scritto molti vestiti e una quota di un leone di loro in India. Diversi pezzi ha presentato l'Indian Institute of Agricultural Research. Recentemente due, "Himalaya, Kanchenjang" e "Tramonto, Kashmir "Apparso all'asta a Londra. Solo allora i giovani ricercatori dell'Istituto hanno notato che sono stati derubati. Nel gennaio 2011, gli indiani hanno fatto appello al Tribunale di Londra per il permesso di indagare su questo crimine in Inghilterra. L'interesse dei ladri al patrimonio di Roerich è comprensibile, perché c'è una richiesta.

№ 24. Amore Popova - 1,7 milioni di sterline

Lyubov Popova è morto giovane, quindi era famoso come un altro Amazon Avangard Natalia Goncharov, fallito. E la sua eredità è più piccola - quindi è difficile trovare il suo lavoro. Dopo che la sua morte è stata elaborata invenzioni dettagliate di dipinti. Questa natura morta è stata conosciuta per molti anni solo su riproduzioni in bianco e nero, fino a quando non è emerso in una collezione privata, essendo il lavoro più significativo dell'artista in mani private. Prestare attenzione al vassoio Zhostovsky - forse è un suggerimento del gusto di Popova agli artigianato folk. Si è svolto dalla famiglia mercantile Ivanovsky, che era impegnata nei tessuti, e lei stessa ha creato molti schizzi di tessuti per campagne basati sulle tradizioni russe.

№ 25. Aristar Lentolov - 1,7 milioni di sterline

Lentulov è entrato nella storia dell'avanguardia russa alla memorabile immagine della cattedrale di Basil Blessed - non quel cubismo, non quella coperta patchwork. In questo paesaggio, cerca di schiacciare lo spazio lungo un principio simile, ma risulta non così affascinante. In realtà, quindi "Vasily benedetto»Nella Galleria Tretyakov e questa immagine- sul mercato dell'arte. Tuttavia, una volta che i lavoratori del museo avevano l'opportunità di sparare la crema.

№ 26. Alexey Bogolyubov - 1,58 milioni di sterline

Vendita di questo artista poco conosciuto, anche se l'amato Landscape Player Tsar Alexander III, per tali passi soldi - il sintomo del mercato rabbia alla vigilia della crisi del 2008. Poi i collezionisti russi erano pronti ad acquistare anche maestri secondari. Inoltre, gli artisti di prima classe sono venduti raramente.

Forse questa immagine è andata come regalo ad alcuni ufficiali: ha un terreno adatto, perché la Chiesa di Cristo Salvatore ha cessato a lungo di essere solo una chiesa e divenne un simbolo. E l'origine del leisono - la foto è stata conservata nel Palazzo Reale. Prestare attenzione ai dettagli: La torre del Cremlino del mattone è ricoperta di intonaco bianco, e la collina all'interno del Cremlino è completamente superfluo. Bene, perché ha iniziato a provare? Nel 1870, la capitale era Pietroburgo, non Mosca, e il Cremlino non era una residenza.

№ 27. Isaac Levitan - 1,56 milioni di sterline

Il lavoro è stato perfetto atipico per Levitan, il lavoro è stato venduto sulla stessa asta della foto di Bogolyubov, ma si è rivelato più economico. Questo è dovuto, ovviamente, con il fatto che l'immagine non è come "Levitan " La paternità di lei, tuttavia, è indubbiamente simile alla trama nel museo del Dnipropetrovsk. 40 mila lampadine, con l'aiuto di cui il Cremlino è stato decorato, acceso in onore della Coronazione di Nicholas II. Alcuni giorni dopo la catastrofe khodyan accadrà.

№ 28. Archka Quinji - $ 3 milioni.

Il famoso paesaggio del paesaggio ha scritto tre dipinti simili. Il primo è in Tretyakovka, il terzo - nel Museo dello Stato della Bielorussia. Il secondo, presentato all'asta, era destinato al principe Pavel Pavlovich Demidov-San Donato. Questo rappresentante della famosa Dynasty Ural viveva nella villa vicino a Firenze. In generale, Demidov, diventare principi italiani, è stato intrattenuto come potevano. Ad esempio, lo zio Paolo, da cui ha ereditato il titolo principesco era così ricco e impressionato dal fatto che fosse sposato con la nipote di Napoleone di Bonaparte, e un giorno di cattivo umore dei suoi sensi. La povera signora difficilmente è stata in grado di raggiungere un divorzio. L'immagine, tuttavia, non è arrivata a Demidov, il Sakharozavoder ucraino Tereshchenko lo ha acquisito.

№ 29. Konstantin Korovin - 1,497 milioni di sterline

Impressionisti inerente molto "luce", spalmando lo stile della lettera.Korovin - il principale impressionista russo. È molto popolare tra i truffatori; Secondo le voci, il numero dei suoi falsi alle aste raggiunge l'80%. Se l'immagine dell'Assemblea privata è stata esposta alla fiera personale dell'artista nel famoso Museo di Stato, la sua reputazione è rafforzata, e nell'asta successiva è molto più costoso. Nel 2012, la Galleria Tretyakov pianifica una mostra su larga scala di Korovin. Forse ci sarà il lavoro da Assemblea privata. Questo paragrafo è un esempio della manipolazione della coscienza del lettore con un esempio di trasferimento di fatti che hanno una connessione logica diretta.

Si prega di notare che dal 26 marzo al 12 agosto 2012, la Galleria Tretyakov promette di organizzareesposizione Korovina. . Dettagli sulla biografia dei più affascinanti artisti del secolo d'argento Legginella nostra recensione Vernissages GTG nel 2012.

No. 30. Yuri Annenkov - $ 2,26 milioni

Annenkov è riuscito a emigrare nel 1924 e ha fatto una buona carriera in Occidente. Ad esempio, nel 1954 è stato nominato per Oscar come artista nei costumi per il film "Madame de ...". Il più famoso dei suoi primi ritratti sovietici- Facce di cubistica, sfaccettata, ma completamente riconoscibile. Ad esempio, ha ripetutamente disegnato il leone Trotsky in questo modo - e persino ripetuto l'immagine molti anni dopo dopo il ricordo quando i tempi volevano decorarli con la copertina.

Carattere - scrittore Tikhonov-Silver raffigurato su un ritratto record. Entrò nella storia della letteratura russa, principalmente con la sua stretta amicizia con. Così chiudilo, su voci sporche, la moglie dell'artista Varvara Shaikevich ha anche dato alla luce una figlia dal grande scrittore proletario. Sulla riproduzione non è molto evidente, ma il ritratto è realizzato nella tecnica del collage: sopra il livello di vernice ad olio ci sono vetro e gesso, e anche un vero campanello è stato allegato.

No. 31. Lev Lagorio - 1,47 milioni di sterline

Un altro sistema di paesaggio secondario, per qualche motivo venduto per un prezzo record. Uno degli indicatori dell'asta è l'eccesso di stima ("stime") - il prezzo minimo, quali esperti della casa d'aste installati per lot. La stima di questo paesaggio era di 300-400 mila sterline. E la vendette 4 volte più costoso. Come un Assistatore di Londra disse: "La felicità è quando due oligarchi russi competono nello stesso argomento. "

№ 32. Victor Vasnetsov - 1,1 milioni di sterline

Bogatisyri divenne un biglietto da visita negli anni '70. Ritorna al suo tema stellare, come altri veterani di pittura russa, durante la giovane Repubblica sovietica - e su motivi finanziari, e per sentirsi di nuovo in richiesta. Questa immagine è la ripetizione dell'autore "Ilya Muromets" (1915), che è tenuto nel Museo della Casa dell'artista (sulla via del mondo).

No. 33. Eric Bulotov - 1.084 milioni di sterline

Il secondo artista attuale sulla nostra lista (ha anche detto che per l'artista il modo migliore per aumentare i prezzi per il loro lavoro è morire). A proposito, questo è il Soviet Warhol, sotterraneo e anti-comunista. Ha lavorato nel genere dell'arte sociale, che è stato creato dal sottofondo sovietico, come la nostra versione di Pop Art. "SLAVA CPSU" è una delle opere più famose dell'artista. Secondo le sue spiegazioni, le lettere qui simboleggiano la griglia, bloccando il cielo da noi, cioè la libertà.

Bonus: Zinaida Serebryakova - 1,07 milioni di sterline

Serebryakova amava disegnare donne nude, autoritratti e i loro quattro figli. Questo perfetto mondo femminista è armonioso e calmo, che non dirai della vita dell'artista stesso, che difficilmente è sfuggito dalla Russia dopo la rivoluzione e ha trascorso molta forza per tirare fuori i suoi figli da lì.

"Nude" non è una pittura ad olio, ma un modello di pastello. Questo è il disegno russo più costoso. Un simile importo pagato per la grafica è paragonabile ai prezzi per i disegni di impressionisti e ha causato una grande sorpresa a Sotheby, che ha iniziato a scambiare da 150 mila sterline e ha ricevuto un milione.

L'elenco si basa sui prezzi specificati sui siti ufficiali delle case d'asta. Questo prezzo è costituito da pura valore (espresso quando il martello è abbassato), e« premi dell'acquirente "(percentuale aggiuntiva della casa d'asta). In altre fonti può essere indicato "Pulito» prezzo. Il tasso del dollaro a sterlina spesso fluttua, così britannici e lotti americani si trovano relativi l'uno con l'altro con precisione approssimativa (non siamo forbes).

Aggiunte e correzioni della nostra lista sono i benvenuti.