Il corso dell'impressionismo. Impressionismo francese: caratteristiche generali, principali maestri

09.07.2019

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edoardo Manè. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privata

Manet era più antico della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione.

Manet stesso non ha affermato di essere il capo dei rivoluzionari. Era un uomo di mondo. Sognavo premi ufficiali.

Ma ha aspettato molto tempo per il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere le divinità greche o le nature morte nel peggiore dei casi, in modo che fossero belle nella sala da pranzo. Manet voleva dipingere la vita moderna. Ad esempio, le cortigiane.

Il risultato è stato "Colazione sull'erba". Due dandy si rilassano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, siede accanto a uomini vestiti.

Edoardo Manè. Colazione sull'erba. 1863, Parigi

Confronta la sua "Colazione sull'erba" con "Romans in the Decline" di Thomas Couture. La pittura di Couture ha fatto colpo. L'artista divenne subito famoso.

"Colazione sull'erba" è stato accusato di volgarità. Alle donne incinte non era assolutamente raccomandato di guardarla.

Tommaso Couture. Romani in declino. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. archivio.ru

Nella pittura di Couture vediamo tutti gli attributi dell'accademismo (pittura tradizionale del XVI-XIX secolo). Colonne e statue. popolo apollineo. Colori tenui tradizionali. Il manierismo delle posture e dei gesti. Una trama di una vita lontana di un popolo completamente diverso.

“Breakfast on the Grass” di Manet è un format diverso. Prima di lui, nessuno ritraeva le cortigiane così facilmente. Vicino a cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini di quel tempo trascorressero il loro tempo libero in questo modo. Era la vita reale di persone reali.

Una volta ha interpretato una signora rispettabile. Brutto. Non poteva lusingarla con un pennello. La signora è rimasta delusa. Lo ha lasciato in lacrime.

Edoardo Manè. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org

Così ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di ritrarre il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, allora la dipingeva come un blu brillante.

Questo, ovviamente, ha infastidito il pubblico. "Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un blu come l'acqua di Manet", hanno scherzato.

Edoardo Manè. Argenteuil. 1874 Museo delle Belle Arti, Tournai, Belgio. wikipedia.org

Ma il fatto resta. Manet ha cambiato radicalmente lo scopo della pittura. L'immagine è diventata l'incarnazione dell'individualità dell'artista, che scrive a suo piacimento. Dimentica modelli e tradizioni.

Le innovazioni non lo hanno perdonato per molto tempo. Il riconoscimento aspettava solo alla fine della vita. Ma non ne aveva più bisogno. Stava morendo agonizzante per una malattia incurabile.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoritratto in berretto. 1886 Collezione privata

Claude Monet può essere definito un impressionista da manuale. Dal momento che è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.

Dipinse non oggetti e persone, ma una costruzione monocromatica di luci e macchie. Colpi separati. Aria tremante.

Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org

Monet dipinse non solo la natura. Era anche bravo nei paesaggi urbani. Uno dei più famosi - .

C'è molta fotografia in questo dipinto. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.

Fai attenzione: gli alberi e le figure distanti sembrano essere in una foschia.

Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte europea e americana del XIX-XX secolo), Mosca

Davanti a noi c'è un momento fermo della vita frenetica di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno sta posando. Le persone sono raffigurate come un insieme di tratti. Tale mancanza di trama e l'effetto "fermo immagine" sono la caratteristica principale dell'impressionismo.

Entro la metà degli anni '80, gli artisti erano rimasti delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma la mancanza di trama di molti ha oppresso.

Solo Monet ha continuato a persistere, esagerando l'impressionismo. Questo si è sviluppato in una serie di dipinti.

Ha rappresentato lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare quanta temperatura e luce possono cambiare la stessa vista oltre il riconoscimento.

Quindi c'erano innumerevoli covoni di fieno.

Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts, Boston. A sinistra: Haystacks al tramonto a Giverny, 1891 A destra: Haystack (effetto neve), 1891

Si prega di notare che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra delle loro invenzioni.

Monet è riuscito a godere del successo e del benessere materiale. Dopo i 40 anni, si era già dimenticato della povertà. Ho una casa e un bellissimo giardino. E lo fece per il suo piacere per molti anni a venire.

Leggi il dipinto più iconico del maestro nell'articolo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti era Renoir.

Non troverai dramma nei suoi dipinti. Non ha nemmeno usato la vernice nera. Solo la gioia di essere. Anche il Renoir più banale sembra bellissimo.

A differenza di Monet, Renoir dipingeva le persone più spesso. I paesaggi per lui erano meno significativi. Nei dipinti, i suoi amici e conoscenti si rilassano e si godono la vita.

Pierre-Auguste Renoir. Colazione dei rematori. 1880-1881 Collezione Phillips, Washington, USA. wikimedia.commons.org

Non troverai in Renoir e premurosità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti, che rifiutavano completamente i soggetti.

Come lui stesso ha detto, finalmente ha la possibilità di dipingere fiori e chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.

Pierre-Auguste Renoir. Donna con un ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Renoir si sentiva meglio in compagnia delle donne. Ha chiesto alle sue cameriere di cantare e scherzare. Più era stupida e ingenua la canzone, meglio era per lui. Le chiacchiere di un uomo lo stancavano. Non sorprende che Renoir sia noto per i dipinti di nudo.

Il modello nel dipinto "Nude in Sunlight" sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir non c'è niente di secondario. L'occhio della modella o l'area dello sfondo sono equivalenti.

Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org

Renoir ha vissuto una lunga vita. E non mettere mai giù il pennello e la tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente incatenate dai reumatismi, si legò la spazzola al braccio con una corda. E ha dipinto.

Come Monet, ha aspettato il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei dipinti al Louvre, accanto alle opere di famosi maestri.

Leggi uno dei ritratti più affascinanti di Renoir nell'articolo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. colto.com

Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta (all'aperto). Non troverai una tavolozza deliberatamente illuminata con lui.

Al contrario, amava una linea netta. Ha un sacco di nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.

Eppure è sempre messo alla pari con altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista di gesti.

Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi colti alla sprovvista. Ecco gli attributi principali dei suoi dipinti.

Ha fermato i momenti della vita, non permettendo ai personaggi di tornare in sé. Guarda almeno la sua "Orchestra dell'Opera".

Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org

In primo piano c'è lo schienale di una sedia. Il musicista ci dà le spalle. E sullo sfondo, le ballerine sul palco non si adattavano alla "cornice". Le loro teste sono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.

Quindi i suoi ballerini preferiti non sono sempre raffigurati in belle pose. A volte si allungano.

Ma tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha pensato attentamente alla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.

Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelbourne, Wermouth, USA

Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non si è mai sposato. Nessuno l'ha mai visto con una signora.

L'assenza di trame reali nella sua vita personale aggiungeva un erotismo sottile e intenso alle sue immagini.

Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org

Si prega di notare che nella foto "Ballet Star" è disegnata solo la ballerina stessa. I suoi colleghi nel backstage sono appena distinguibili. Solo poche gambe.

Ciò non significa che Degas non abbia finito il quadro. Tale è la ricezione. Tieni a fuoco solo le cose più importanti. Fai sparire il resto, illeggibile.

Leggi altri dipinti del maestro nell'articolo.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edoardo Manè. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan Monet, Parigi.

Bertha Morisot è raramente messa in prima linea dai grandi impressionisti. Sono sicuro che è immeritato. Proprio in lei troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace questo stile, amerai il suo lavoro con tutto il tuo cuore.

Morisot ha lavorato rapidamente e con impeto, trasferendo la sua impressione sulla tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.

Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabre, Montpellier, Francia.

Come Degas, spesso lasciava incompiuti alcuni dettagli. E anche parti del corpo del modello. Non possiamo distinguere le mani della ragazza nel dipinto "Estate".

Il percorso di Morisot verso l'autoespressione è stato difficile. Non solo era impegnata nella pittura "sciatta". Era ancora una donna. A quei tempi, una signora doveva sognare il matrimonio. Dopodiché, qualsiasi hobby è stato dimenticato.

Pertanto, Bertha ha rifiutato il matrimonio per molto tempo. Finché non ha trovato un uomo che ha trattato rispettosamente la sua occupazione. Eugene Manet era il fratello del pittore Edouard Manet. Portava diligentemente un cavalletto e dipingeva per sua moglie.

Berthe Morisot. Eugene Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan Monet, Parigi.

Ma era ancora nel 19° secolo. No, Morisot non indossava i pantaloni. Ma non poteva permettersi una completa libertà di movimento.

Non poteva andare al parco a lavorare da sola, senza essere accompagnata da qualcuno a lei vicino. Non potevo sedermi da solo in un caffè. Pertanto, i suoi dipinti sono persone della cerchia familiare. Marito, figlia, parenti, tate.

Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff.

Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì all'età di 54 anni di polmonite, non avendo venduto quasi nessuna delle sue opere durante la sua vita. Sul suo certificato di morte, c'era un trattino nella colonna "occupazione". Era impensabile che una donna si chiamasse artista. Anche se lo era davvero.

Leggi i dipinti del maestro nell'articolo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camillo Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. wikipedia.org

Camillo Pissarro. Non conflittuale, ragionevole. Molti lo consideravano un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.

Fu un fedele seguace dell'impressionismo. In un disperato bisogno, con una moglie e cinque figli, ha ancora lavorato sodo nel suo stile preferito. E non sono mai passato alla pittura da salone per diventare più popolare. Non si sa dove abbia avuto la forza di credere pienamente in se stesso.

Per non morire affatto di fame, Pissarro dipinge dei ventagli, che vanno a ruba. E il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Poi finalmente riuscì a dimenticare il bisogno.

Camillo Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi

L'aria nei dipinti di Pissarro è densa e densa. Insolita fusione di colore e volume.

L'artista non ha avuto paura di dipingere i fenomeni più mutevoli della natura, che appaiono per un momento e scompaiono. Prima neve, sole gelido, ombre lunghe.

Camillo Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi

Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali, vana folla eterogenea. Di notte, di giorno, con tempo diverso. In qualche modo, fanno eco alla serie di dipinti di Claude Monet.

L'impressionismo (impressionnismo) è uno stile pittorico apparso alla fine del XIX secolo in Francia e poi diffuso nel mondo. L'idea stessa di impressionismo sta nel suo nome: impressione - impressione. Artisti che erano stanchi delle tradizionali tecniche di pittura accademica, che, a loro avviso, non trasmettevano tutta la bellezza e la vivacità del mondo, iniziarono a utilizzare tecniche e metodi di rappresentazione completamente nuovi, che avrebbero dovuto esprimere nella forma più accessibile non un aspetto “fotografico”, ma un'impressione da ciò che si vede. Nella sua pittura, l'artista impressionista, usando la natura dei tratti e della tavolozza dei colori, cerca di trasmettere l'atmosfera, caldo o freddo, vento forte o silenzio pacifico, mattina piovosa nebbiosa o luminoso pomeriggio soleggiato, così come le sue esperienze personali da ciò che ha sega.

L'impressionismo è un mondo di sentimenti, emozioni e impressioni fugaci. Non è il realismo esterno o la naturalezza che viene valutato qui, ma il realismo delle sensazioni espresse, lo stato interno dell'immagine, la sua atmosfera, la profondità. Inizialmente, questo stile è stato pesantemente criticato. I primi dipinti impressionisti furono esposti al Salon des Les Misérables di Parigi, dove furono esposte opere di artisti rifiutati dal Salon d'arte ufficiale di Parigi. Per la prima volta il termine "Impressionismo" è stato utilizzato dal critico Louis Leroy, che ha scritto una recensione denigratoria sulla rivista "Le Charivari" sull'esposizione degli artisti. Come base per il termine, ha preso il dipinto di Claude Monet “Impression. Alba". Ha chiamato tutti gli artisti impressionisti, che possono essere approssimativamente tradotti come "impressionisti". All'inizio, i dipinti furono davvero criticati, ma presto sempre più fan della nuova direzione artistica iniziarono a venire nel salone e il genere stesso si trasformò da emarginato a riconosciuto.

Vale la pena notare che gli artisti della fine del XIX secolo in Francia non hanno escogitato un nuovo stile dal nulla. Hanno preso come base le tecniche dei pittori del passato, compresi gli artisti del Rinascimento. Pittori come El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner e altri, molto prima dell'emergere dell'impressionismo, hanno cercato di trasmettere l'atmosfera dell'immagine, la vivacità della natura, la speciale espressività del tempo usando vari toni intermedi, luminosi o viceversa tratti opachi che sembravano cose astratte. Nei loro dipinti, lo usavano con parsimonia, quindi la tecnica insolita non era evidente allo spettatore. Gli impressionisti, invece, decisero di prendere questi metodi di rappresentazione come base per le loro opere.

Un'altra caratteristica specifica delle opere degli impressionisti è una sorta di quotidianità superficiale, che contiene però una profondità incredibile. Non cercano di esprimere temi filosofici profondi, compiti mitologici o religiosi, eventi storici e importanti. I dipinti di artisti di questa direzione sono intrinsecamente semplici e quotidiani: paesaggi, nature morte, persone che camminano per strada o fanno le loro solite cose e così via. Sono proprio quei momenti in cui non c'è eccessiva tematica che distrae una persona, sentimenti ed emozioni da ciò che vedono emergere. Inoltre, gli impressionisti, almeno all'inizio della loro esistenza, non descrivevano argomenti "pesanti": povertà, guerre, tragedie, sofferenza e così via. I dipinti impressionisti sono spesso le opere più positive e gioiose, dove c'è molta luce, colori brillanti, chiaroscuro levigato, contrasti levigati. L'impressionismo è una piacevole impressione, la gioia di vivere, la bellezza di ogni momento, il piacere, la purezza, la sincerità.

Gli impressionisti più famosi furono grandi artisti come Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro e molti altri.

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Alfred Sisley - Prati in primavera

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Pomeriggio, soleggiato.

L'arte europea della fine del XIX secolo si è arricchita con l'emergere dell'arte modernista, successivamente la sua influenza si è estesa alla musica e alla letteratura. Si chiamava "impressionismo" perché si basava sulle impressioni più sottili dell'artista, sulle immagini e sugli stati d'animo.

Origini e storia dell'avvenimento

Diversi giovani artisti formarono un gruppo nella seconda metà del XIX secolo. Avevano un obiettivo comune e interessi coincidenti. La cosa principale per questa azienda era lavorare nella natura, senza le pareti dell'officina e vari fattori di contenimento. Nei loro dipinti, hanno cercato di trasmettere tutta la sensualità, l'impressione del gioco di luci e ombre. Paesaggi e ritratti riflettevano l'unità dell'anima con l'universo, con il mondo circostante. I loro dipinti sono una vera poesia dei colori.

Nel 1874 ci fu una mostra di questo gruppo di artisti. Paesaggio di Claude Monet “Impression. Sunrise" ha attirato l'attenzione del critico, che nella sua recensione per la prima volta ha chiamato questi creatori impressionisti (dall'impressione francese - "impressione").

I presupposti per la nascita dello stile impressionista, i cui dipinti troveranno presto un incredibile successo, furono le opere del Rinascimento. Il lavoro degli spagnoli Velazquez, El Greco, l'inglese Turner, Constable influenzò incondizionatamente i francesi, che furono i fondatori dell'impressionismo.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir e altri divennero rappresentanti di spicco dello stile in Francia.

La filosofia dell'impressionismo in pittura

Gli artisti che hanno dipinto in questo stile non si sono posti il compito di attirare l'attenzione del pubblico sui problemi. Nelle loro opere non si possono trovare trame sull'argomento del giorno, non si possono ricevere moralismi o notare contraddizioni umane.

I dipinti nello stile dell'impressionismo mirano a trasmettere uno stato d'animo momentaneo, sviluppando combinazioni di colori di natura misteriosa. Nelle opere c'è solo un posto per un inizio positivo, l'oscurità ha aggirato gli impressionisti.

In effetti, gli impressionisti non si sono presi la briga di pensare alla trama e ai dettagli. Il fattore principale non era cosa disegnare, ma come rappresentare e trasmettere il tuo stato d'animo.

Tecnica pittorica

C'è una differenza colossale tra lo stile accademico del disegno e la tecnica degli impressionisti. Hanno semplicemente abbandonato molti metodi, alcuni sono stati modificati in modo irriconoscibile. Ecco le novità che hanno realizzato:

Contorno abbandonato. È stato sostituito con tratti: piccoli e contrastanti.
Abbiamo smesso di usare le tavolozze per Abbiamo selezionato colori che si completano a vicenda e non richiedono la fusione per ottenere un certo effetto. Ad esempio, il giallo è viola.
Smetti di dipingere in nero.
Lavoro completamente abbandonato nelle officine. Hanno scritto esclusivamente sulla natura, in modo che fosse più facile catturare un momento, un'immagine, un sentimento.
Sono state utilizzate solo vernici con buona opacità.
Non aspettare che lo strato successivo si asciughi. Sono stati applicati immediatamente nuovi strisci.
Hanno creato cicli di opere per seguire i cambiamenti di luce e ombra. Ad esempio, "Covoni di fieno" di Claude Monet.

Naturalmente, non tutti gli artisti hanno eseguito esattamente le caratteristiche dello stile impressionista. I dipinti di Edouard Manet, ad esempio, non hanno mai partecipato a mostre collettive e lui stesso si è posizionato come artista separato. Edgar Degas ha lavorato solo nelle officine, ma ciò non ha danneggiato la qualità delle sue opere.

Rappresentanti dell'Impressionismo francese

La prima mostra di opere impressioniste è datata 1874. Dopo 12 anni, ebbe luogo la loro ultima esposizione. Il primo lavoro in questo stile può essere chiamato "Breakfast on the Grass" di E. Manet. Questa foto è stata presentata al Salone dei Respinti. Fu accolto con ostilità, perché era molto diverso dai canoni accademici. Ecco perché Manet diventa una figura attorno alla quale si raccoglie una cerchia di seguaci di questa direzione stilistica.

Sfortunatamente, i contemporanei non apprezzavano uno stile come l'impressionismo. Dipinti e artisti esistevano in disaccordo con l'art.

A poco a poco, Claude Monet viene alla ribalta nella squadra di pittori, che in seguito diventa il loro leader e il principale ideologo dell'impressionismo.

Claude Monet (1840-1926)

Il lavoro di questo artista può essere descritto come un inno all'impressionismo. Fu lui il primo a rifiutarsi di usare il nero nei suoi dipinti, sostenendo che anche le ombre e la notte hanno altri toni.

Il mondo nei dipinti di Monet è contorni vaghi, tratti voluminosi, guardando i quali puoi sentire l'intero spettro del gioco dei colori del giorno e della notte, le stagioni, l'armonia del mondo sublunare. Solo un momento che è stato strappato al flusso della vita, nella comprensione di Monet, è l'impressionismo. I suoi dipinti sembrano privi di matericità, sono tutti saturi di raggi di luce e correnti d'aria.

Claude Monet ha creato opere straordinarie: "Station Saint-Lazare", "Cattedrale di Rouen", il ciclo "Charing Cross Bridge" e molti altri.

Auguste Renoir (1841-1919)

Le creazioni di Renoir danno l'impressione di straordinaria leggerezza, ariosità, etereità. La trama è nata come per caso, ma è noto che l'artista ha pensato attentamente a tutte le fasi del suo lavoro e ha lavorato dalla mattina alla sera.

Una caratteristica distintiva del lavoro di O. Renoir è l'uso della smaltatura, che è possibile solo quando si scrive l'impressionismo nelle opere dell'artista si manifesta in ogni tratto. Percepisce una persona come una particella della natura stessa, motivo per cui ci sono così tanti dipinti con nudi.

Il passatempo preferito di Renoir era l'immagine di una donna in tutta la sua bellezza attraente e attraente. I ritratti occupano un posto speciale nella vita creativa dell'artista. "Umbrellas", "Girl with a Fan", "Breakfast of the Rowers" sono solo una piccola parte della straordinaria collezione di dipinti di Auguste Renoir.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat ha associato il processo di creazione dei dipinti alla fondatezza scientifica della teoria del colore. L'ambiente luce-aria è stato disegnato sulla base della dipendenza dei toni principali e aggiuntivi.

Nonostante J. Seurat sia un rappresentante della fase finale dell'impressionismo e la sua tecnica sia per molti aspetti diversa dai fondatori, allo stesso modo crea con l'aiuto dei tratti una rappresentazione illusoria della forma oggettiva, che può essere visti e visti solo a distanza.

I capolavori della creatività possono essere chiamati il dipinto "Sunday", "Cancan", "Models".

Rappresentanti dell'impressionismo russo

L'impressionismo russo sorse quasi spontaneamente, mescolando molti fenomeni e metodi. Tuttavia, la base, come i francesi, era una visione su vasta scala del processo.

Nell'impressionismo russo, sebbene le caratteristiche del francese siano state preservate, le caratteristiche della natura e dello stato d'animo nazionali hanno apportato cambiamenti significativi. Ad esempio, la visione della neve o dei paesaggi del nord è stata espressa con una tecnica insolita.

In Russia, pochi artisti hanno lavorato nello stile dell'impressionismo, i loro dipinti attirano l'attenzione fino ad oggi.

Il periodo impressionistico può essere distinto nell'opera di Valentin Serov. La sua "Ragazza con le pesche" è l'esempio più chiaro e lo standard di questo stile in Russia.

I dipinti conquistano con la loro freschezza e consonanza di colori puri. Il tema principale del lavoro di questo artista è l'immagine di una persona nella natura. "Northern Idyll", "In the Boat", "Fyodor Chaliapin" sono pietre miliari luminose nell'attività di K. Korovin.

L'impressionismo nei tempi moderni

Attualmente, questa direzione nell'arte ha ricevuto una nuova vita. In questo stile, diversi artisti dipingono i loro dipinti. L'impressionismo moderno esiste in Russia (André Cohn), in Francia (Laurent Parcelier), in America (Diana Leonard).

Andre Kohn è il rappresentante più importante del nuovo impressionismo. I suoi dipinti ad olio colpiscono per la loro semplicità. L'artista vede la bellezza nelle cose ordinarie. Il Creatore interpreta molti oggetti attraverso il prisma del movimento.

Le opere ad acquerello di Laurent Parcelier sono conosciute in tutto il mondo. La sua serie di opere "Strange World" è stata pubblicata sotto forma di cartoline. Bellissimi, vibranti e sensuali, sono mozzafiato.

Come nel 19° secolo, la pittura a cielo aperto rimane per gli artisti al momento. Grazie a lei, l'impressionismo vivrà per sempre. gli artisti continuano a ispirare, impressionare e ispirare.

Oggi i capolavori degli artisti impressionisti sono da noi percepiti nel contesto dell'arte mondiale: per noi sono diventati dei classici da tempo. Tuttavia, questo non è stato affatto sempre il caso. Accadde che i loro dipinti non fossero ammessi alle mostre ufficiali, furono criticati dalla stampa, non volevano acquistare nemmeno per un compenso simbolico. Ci sono stati anni di disperazione, bisogno e privazione. E lottare per l'opportunità di dipingere il mondo come lo vedevano loro. Ci sono voluti molti decenni perché la maggioranza fosse in grado di comprendere e percepire, di vedere se stessa attraverso i propri occhi. Com'era il mondo in cui l'impressionismo invase all'inizio degli anni Sessanta dell'Ottocento, come un vento allegro che elargiva trasformazioni?

Gli sconvolgimenti sociali della fine del 18° secolo, le rivoluzioni in Francia e in America, trasformarono l'essenza stessa della cultura occidentale, che non poteva non influenzare il ruolo dell'arte in una società in rapido mutamento. Abituati all'ordine sociale della dinastia regnante o della chiesa, gli artisti si sono improvvisamente trovati senza i loro clienti. La nobiltà e il clero, i principali committenti dell'arte, incontrarono gravi difficoltà. È iniziata una nuova era, l'era del capitalismo, che ha completamente trasformato le regole e le priorità.

A poco a poco, nelle repubbliche emergenti e nei poteri democratici crebbe una prospera classe media, a seguito della quale iniziò a fiorire un nuovo mercato dell'arte. Sfortunatamente, agli imprenditori e ai mercanti, di regola, mancava la cultura e l'educazione ereditaria, senza la quale era impossibile apprezzare correttamente la varietà di allegorie della trama o abili abilità interpretative che hanno a lungo affascinato l'aristocrazia.

Non caratterizzati da un'educazione e da un'educazione aristocratica, i rappresentanti della classe media, che divennero consumatori d'arte, furono obbligati a concentrarsi inizialmente sulle considerazioni di critici giornalistici ed esperti ufficiali. Le antiche accademie d'arte, che sono custodi delle fondazioni classiche, sono diventate gli arbitri centrali in materia di gravità artistica. Non è paradossale che alcuni pittori giovani e curiosi, malati di conformismo, si siano ribellati al predominio formale dell'accademismo nell'arte.

Una delle roccaforti essenziali dell'accademismo di quei tempi erano le mostre di arte contemporanea patrocinate dalle autorità. Tali mostre erano chiamate Salons - secondo la tradizione riferendosi al nome della sala del Louvre, dove un tempo artisti di corte esponevano i loro dipinti.

La partecipazione al Salone è stata l'unica occasione per attirare l'interesse della stampa e dei clienti verso le loro opere. Auguste Renoir, in una delle sue lettere a Durand-Ruel, parla dello stato attuale delle cose: “In tutta Parigi, non ci sono quasi quindici ammiratori che possono riconoscere l'artista senza l'aiuto del Salon, e ottantamila persone che lo faranno non acquisire nemmeno un centimetro quadrato di tela se l'artista non è ammesso al Salone.

I giovani pittori non avevano altra scelta che apparire nei Salon: alla mostra potevano ascoltare le parole poco lusinghiere non solo dei membri della giuria, ma anche di pittori profondamente stimati, come Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Edouard Manet, che furono i favoriti dei giovani, ricevendo così slancio per la creatività futura. Inoltre il Salone è stata un'occasione unica per acquisire un cliente, farsi notare, organizzare una carriera nell'arte. L'assegnazione del Salon ha segnato per l'artista un impegno di riconoscimento professionale. Al contrario, se la giuria respingeva l'opera presentata, ciò equivaleva a una sospensione estetica.

Spesso il quadro proposto all'esame non corrispondeva ai soliti canoni, per i quali la giuria del Salon lo respinse: in ambito artistico, questo episodio suscitò scandalo e scalpore.

Uno degli artisti il cui coinvolgimento nel Salon creava invariabilmente uno scandalo e causava molta ansia agli accademici era Edouard Manet. Un grande scandalo fu accompagnato dalle dimostrazioni delle sue tele "Colazione sull'erba" (1863) e "Olympia" (1865), realizzate in modo insolitamente duro, contenenti un'estetica estranea al Salon. E nel dipinto "L'incidente della corrida", presentato al Salon del 1864, la passione dell'artista per il lavoro di Goya ha influenzato. In primo piano, Manet dipinse la figura prostrata di un torero. Lo sfondo dell'immagine era l'arena che si estendeva nell'entroterra e le file di spettatori scoraggiati e sbalorditi. Una composizione così tagliente e provocatoria ha provocato molte recensioni sarcastiche e vignette sui giornali. Ferito dalle critiche, Manet ha strappato il suo dipinto in due parti.

Va notato che critici e caricaturisti non si vergognavano di scegliere parole e metodi per offendere più dolorosamente l'artista, per spingerlo a una sorta di azione reciproca. "The Artist Rejected by the Salon", e poi "The Impressionist", sono diventati i bersagli preferiti dei giornalisti che fanno soldi con gli scandali pubblici. Il conflitto incessante del Salon con pittori di altre concezioni e gravitazioni, stanchi dei rigidi confini dell'accademismo obsoleto, significò chiaramente un grave declino che era ormai maturato nell'arte della seconda metà dell'Ottocento. La giuria conservatrice del Salon del 1863 respinse così tanti dipinti che l'imperatore Napoleone III ritenne necessario sostenere personalmente un'altra mostra parallela, in modo che lo spettatore potesse confrontare le opere accettate con quelle rifiutate. Questa mostra, che ha acquisito il nome di "Salon of the Outcasts", è diventata un luogo di intrattenimento estremamente alla moda: le persone sono andate qui per ridere ed essere spiritose.

Per aggirare la giuria accademica, i veri pittori potrebbero anche allestire mostre individuali indipendenti. L'idea della mostra di un artista è stata annunciata per la prima volta dal pittore realista Gustave Courbet. Ha presentato una serie delle sue opere all'Esposizione Universale di Parigi del 1855. Il comitato di selezione ha approvato i suoi paesaggi, ma ha respinto i dipinti del programma tematico. Allora Courbet, contrariamente al costume, eresse un padiglione personale in prossimità dell'Esposizione Universale. Sebbene l'anziano Delacroix sia rimasto colpito dall'ampio stile pittorico di Courbet, c'erano pochi spettatori nel suo padiglione. Durante l'Esposizione Universale del 1867, Courbet riprende questa esperienza con grande trionfo: questa volta appende tutte le sue opere in una stanza separata. Édouard Manet, seguendo l'esempio di Courbet, ha aperto la sua galleria durante la stessa mostra per mostrare i suoi dipinti in modo retrospettivo.

La creazione di gallerie personali e la pubblicazione privata di cataloghi implicavano un dispendio di risorse tangibile, incomparabilmente superiore a quelle spesso possedute dagli artisti. Tuttavia, gli incidenti con Courbet e Manet spinsero i giovani pittori a progettare una mostra collettiva di artisti delle nuove tendenze che non furono accettate dal Salon ufficiale.

Oltre ai cambiamenti sociali, anche la ricerca scientifica ha avuto un effetto significativo sull'arte del XIX secolo. Nel 1839, Louis Daguerre a Parigi e Henry Fox Talbot a Londra dimostrarono apparati fotografici che avevano costruito indipendentemente. Poco dopo questo evento, la fotografia ha sollevato artisti e grafici dall'obbligo di commemorare semplicemente persone, luoghi ed eventi. Liberati dal dovere di copiare l'oggetto, molti pittori si sono precipitati nella sfera di trasferire la propria, soggettiva, espressione sulla tela delle emozioni.

La fotografia ha dato origine ad altri punti di vista nell'arte europea. L'obiettivo, con un angolo di campo diverso rispetto all'occhio umano, formava una rappresentazione frammentaria della composizione. Il cambiamento dell'angolo di ripresa spinse gli artisti a nuove visioni compositive, che divennero la base dell'estetica impressionista. Uno dei principi fondamentali di questa tendenza era la spontaneità.

Nello stesso anno 1839, quando fu creata la macchina fotografica, Michel Eugène Chevreul, un chimico del laboratorio della manifattura parigina di Gobelin, pubblicò per la prima volta un'interpretazione logica della percezione del colore da parte dell'occhio umano. Creando coloranti per i tessuti, si è assicurato che ci fossero tre colori primari: rosso, giallo e blu, quando mescolati, sorgono tutti gli altri colori. Con l'aiuto della ruota dei colori, Chevreul ha dimostrato come nascono le sfumature, che non solo hanno illustrato perfettamente un'idea scientifica difficile, ma hanno anche presentato agli artisti un concetto funzionante di mescolare i colori. Il fisico americano Ogden Rude e lo scienziato tedesco Hermann von Helmholly, da parte loro, hanno integrato questa invenzione con sviluppi nel campo dell'ottica.

Nel 1841, lo scienziato e pittore americano John Rand brevettò i suoi tubi di latta per vernici deperibili. In precedenza l'artista, partendo per scrivere all'aria aperta, era prima costretto a mescolare i colori di cui aveva bisogno in officina e poi a versarli in contenitori di vetro, che spesso battevano, o in bolle dall'interno degli animali, che fuoriuscivano rapidamente. Con l'avvento dei tubi di Rand, gli artisti hanno il vantaggio di portare con sé all'aria aperta tutta la varietà di colori e sfumature. Questa scoperta influenzò in larga misura l'abbondanza di colori degli artisti e inoltre li convinse a passare dalle loro botteghe alla natura. Ben presto, come uno spirito ha sottolineato, c'erano più paesaggisti che contadini nelle campagne.

I pionieri della pittura all'aria aperta furono gli artisti della scuola di Barbizon, che prese il nome dal villaggio di Barbizon vicino alla foresta di Fontainebleau, dove realizzarono la maggior parte dei paesaggi.

Se i pittori più anziani della scuola di Barbizon (T. Rousseau, J. Dupre) nel loro lavoro erano ancora basati sull'eredità del paesaggio eroico, allora i rappresentanti della generazione più giovane (Ch. Daubigny, C. Corot) hanno dotato questo genere con le caratteristiche del realismo. Le loro tele raffigurano paesaggi estranei all'idealizzazione accademica.

Nei loro dipinti, i Barbizon hanno cercato di ricreare la diversità degli stati di natura. Per questo hanno dipinto dalla natura, cercando di catturare in loro l'immediatezza della loro percezione. Tuttavia, l'uso di metodi e mezzi accademici obsoleti nella pittura non li ha aiutati a raggiungere ciò che gli impressionisti in seguito sono riusciti a ottenere. Nonostante ciò, il contributo degli artisti della Scuola di Barbizon alla formazione del genere è inconfutabile: lasciati i laboratori per amore dell'aria aperta, hanno offerto alla pittura di paesaggio nuove modalità di sviluppo.

Uno dei sostenitori della pittura in natura, Eugene Boudin, istruì il suo giovane allievo Claude Monet, cosa bisogna fare all'aria aperta - in mezzo alla luce e all'aria, per dipingere ciò che si contempla. Questa regola divenne la base della pittura plein air. Monet presentò presto ai suoi amici, Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frederic Basil, una nuova teoria: dipingere solo ciò che si osserva a una determinata distanza e in una luce specifica. Nelle serate nei caffè parigini, i giovani pittori condividevano con gioia le loro idee e discutevano con passione delle loro nuove scoperte.

È così che è apparso l'impressionismo - una tendenza rivoluzionaria nell'arte nell'ultimo terzo del XIX e all'inizio del XX secolo. I pittori che hanno intrapreso la strada dell'impressionismo hanno cercato di catturare in modo più naturale e veritiero nelle loro opere il mondo che li circonda e la realtà quotidiana nella loro infinita mobilità e impermanenza, per esprimere le loro fugaci sensazioni.

L'impressionismo era una risposta alla stagnazione dell'accademismo che dominava l'arte in quegli anni, al desiderio di liberare la pittura dalla situazione disperata in cui era caduta per colpa degli artisti del Salon. Il fatto che l'arte contemporanea sia in declino è stato ripetuto da molte persone dalla mentalità progressista: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. L'impressionismo era una sorta di terapia d'urto per "l'organismo sofferente".

Con l'avvento dei giovani pittori di genere Edouard Manet, Auguste Renoir, Edgar Degas, il vento del cambiamento ha fatto irruzione nella pittura francese, dando l'immediatezza della contemplazione della vita, la presentazione di situazioni e movimenti transitori, come inaspettati, instabilità illusoria e squilibrio di forme, composizione frammentaria, punti di vista e angoli imprevedibili.

La sera, quando gli artisti non avevano più l'opportunità di dipingere le loro tele a causa della scarsa illuminazione, lasciavano i loro studi e si sedevano dietro appassionate dispute nei caffè parigini. Così il caffè Guerbois divenne uno degli invariabili luoghi di ritrovo di un pugno di artisti che si unirono attorno a Edouard Manet. Il giovedì si tenevano riunioni regolari e negli altri giorni si poteva trovare lì un gruppo di artisti che parlavano o litigavano animatamente. Claude Monet ha così descritto gli incontri al Café Gerbois: “Non potrebbe esserci niente di più eccitante di questi incontri e dello scontro infinito di opinioni. Hanno affinato le nostre menti, stimolato le nostre nobili e sentite aspirazioni, ci hanno dato una spinta di entusiasmo che ci ha sostenuto per molte settimane fino a quando l'idea non si è completamente formata. Abbiamo lasciato questi incontri di buon umore, con una volontà rafforzata, con pensieri più distinti e chiari.

Alla vigilia degli anni Settanta dell'Ottocento, l'impressionismo si fonda anche nel paesaggio francese: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley furono i primi a sviluppare un sistema plein air coerente. Hanno dipinto le loro tele senza schizzi e schizzi all'aria aperta proprio sulla tela, incarnando nei loro dipinti la luce solare scintillante, la favolosa abbondanza dei colori della natura, la dissoluzione degli oggetti rappresentati nell'ambiente, le vibrazioni della luce e dell'aria , il tripudio dei riflessi. Per raggiungere questo obiettivo, ha contribuito notevolmente il sistema cromatico da loro studiato in tutti i dettagli, in cui il colore naturale è stato scomposto nei colori dello spettro solare. Per creare una trama colorata insolitamente brillante e delicata, gli artisti hanno applicato il colore puro alla tela con tratti separati, mentre la miscelazione ottica era prevista nell'occhio umano. Questa tecnica, successivamente trasformata e teoricamente argomentata, divenne il fulcro di un'altra eccezionale aspirazione artistica: il puntinismo, chiamato "divisionismo" (dal francese "divisore" - dividere).

Gli impressionisti mostrarono un crescente interesse per le connessioni tra l'oggetto e l'ambiente. Oggetto della loro scrupolosa analisi creativa è stata la trasformazione del colore e del carattere di un oggetto in un ambiente mutevole. Per realizzare questa idea, lo stesso oggetto è stato raffigurato ripetutamente. Con l'aggiunta del colore puro nelle ombre e nei riflessi, la vernice nera ha quasi lasciato la tavolozza.

Il critico Jules Laforgue ha parlato del fenomeno dell'impressionismo nel modo seguente: “L'impressionista vede e trasmette la natura così com'è, cioè solo con vibrazioni incantevoli. Disegno, luce, volume, prospettiva, chiaroscuro: tutto questo è una classificazione sfuggente. Si scopre che tutto è determinato dalle vibrazioni del colore e deve essere impresso sulla tela dalle vibrazioni del colore.

Grazie alle attività all'aperto e agli incontri nei caffè il 27 dicembre 1873, "Anonimi, scultori, incisori, ecc." - così all'inizio si chiamavano gli Impressionisti. La prima mostra della società ebbe luogo nella primavera di un anno dopo presso la Commercial Gallery di Nadar, un fotografo sperimentale che vendeva anche arte moderna.

Il debutto avvenne il 15 aprile 1874. La mostra doveva tenersi per un mese, orario di visita - dalle dieci alle sei e, che era anche un'innovazione, dalle otto alle dieci di sera. Il biglietto d'ingresso costava un franco, i cataloghi si compravano a cinquanta centesimi. In un primo momento, la mostra sembrava piena di visitatori, ma la folla era impegnata lì solo per scherno. Alcuni hanno scherzato sul fatto che il compito di questi artisti potesse essere raggiunto caricando una pistola con diversi tubi di vernice, quindi sparando alla tela e finendo con una firma.

Le opinioni erano divise: o la mostra non è stata presa sul serio o è stata criticata a tutti i costi. La percezione generale può essere espressa nel seguente articolo di aspirazione sarcastica "Esposizione impressionista", firmato da Louis Leroy, pubblicato sotto forma di feuilleton. Ecco descritto il dialogo dell'autore con l'accademico-paesaggista, premiato con medaglie, insieme attraversano le sale della mostra:

“... L'artista imprudente è venuto lì, senza presumere nulla di male, si aspettava di vedere lì tele che si possono trovare ovunque, indicative e inutili, più inutili che indicative, ma non lontano da alcuni canoni artistici, una cultura della forma e del rispetto per i vecchi maestri.

Ahimè, forma! Ahimè, vecchi maestri! Non li leggeremo più, povero amico! Abbiamo cambiato tutto!"

La mostra presentava anche un paesaggio di Claude Monet, che mostra l'alba mattutina in una baia avvolta nella nebbia - il pittore lo definì “Impression. Alba" (impressione). Ecco un commento di uno dei personaggi in un articolo satirico di Louis Leroy su questa tela, che ha dato il nome al movimento più clamoroso e famoso nell'arte del XIX secolo:

“...- Che cosa è disegnato qui? Guarda nel catalogo. - "Impressioni. Alba". - Impressione - come mi aspettavo. Stavo solo pensando tra me e me che, dato che ho l'impressione, allora qualche impressione deve essere trasmessa in esso ... e che tipo di scioltezza, che morbidezza di esecuzione! La carta da parati nel grado di elaborazione originale è più perfetta di questo paesaggio marino ... ".

Personalmente, Monet non era in alcun modo contrario a un nome del genere per la tecnica artistica che applicava nella pratica. L'essenza principale del suo lavoro è proprio catturare e catturare i momenti sfuggenti della vita, su cui ha lavorato, dando origine alle sue innumerevoli serie di dipinti: "Hacks", "Poplars", "Cattedrale di Rouen", "Stazione Saint-Lazare" , "Stagno a Giverny" , "Londra. Palazzo del Parlamento e altri. Un altro caso, Edgar Degas, che amava definirsi "indipendente" perché non partecipava al Salon. Il suo stile di scrittura tagliente e grottesco, che servì da esempio per molti sostenitori (tra i quali Toulouse-Lautrec era particolarmente eccezionale), era inammissibile per la giuria accademica. Entrambi questi pittori divennero gli organizzatori più proattivi delle successive mostre degli impressionisti, sia in Francia che all'estero, in Inghilterra, Germania e Stati Uniti.

Auguste Renoir, al contrario, comparendo nelle prime mostre degli Impressionisti, non perse la speranza di conquistare il Salon, mandando alle sue mostre due dipinti ogni anno. Spiega la caratteristica dualità delle sue azioni in corrispondenza con il suo compagno e mecenate Durand-Ruel: “... Non sostengo opinioni penose che un'opera sia degna o indegna, a seconda del luogo in cui viene mostrata. Insomma, non voglio perdere tempo invano e arrabbiarmi con Salon. Non voglio nemmeno fingere di essere arrabbiato. Penso solo che devi disegnare il prima possibile, tutto qui. Se mi si rimproverasse di essere senza scrupoli nella mia arte, o per ambizione assurda rinunci alle mie opinioni, accetterei tali accuse. Ma siccome non c'è niente di simile, non c'è bisogno di rimproverarmi».

Non ritenendosi ufficialmente coinvolto nella direzione degli impressionisti, Edouard Manet si considerava un pittore realista. Tuttavia, l'incessante stretto rapporto con gli impressionisti, visitando le loro mostre, trasformò impercettibilmente lo stile del pittore, avvicinandolo all'impressionista. Negli ultimi anni della sua vita, i colori dei suoi dipinti si illuminano, il tratto è ampio, la composizione è frammentaria. Come Renoir, Manet aspettava il favore di esperti ufficiali nel campo dell'arte ed era ansioso di partecipare alle mostre del Salon. Ma contro la sua volontà, divenne l'idolo degli artisti d'avanguardia parigini, il loro re senza corona. Nonostante tutto, ha ostinatamente preso d'assalto il Salon con le sue tele. Solo prima della sua morte ebbe la fortuna di acquisire la sede ufficiale del Salon. L'ho trovato e Auguste Renoir.

Descrivendo le persone chiave dell'impressionismo, sarebbe brutto non ricordare almeno in modo frammentario la persona con l'aiuto del quale il movimento artistico più volte caduto in disgrazia divenne una significativa acquisizione artistica del XIX secolo e conquistò il mondo intero. Il nome di quest'uomo è Paul Durand-Ruel, un collezionista, mercante d'arte, che si trova più volte sull'orlo del fallimento, ma che non ha abbandonato i suoi tentativi di affermare l'impressionismo come una nuova arte che deve ancora raggiungere il suo apice. Organizzava mostre degli impressionisti a Parigi e Londra, organizzava mostre personali di pittori nella sua galleria, organizzava aste, assisteva semplicemente finanziariamente gli artisti: c'erano volte in cui molti di loro non avevano soldi per dipinti e tele. Prova dell'ardente gratitudine e riverenza degli artisti sono le loro lettere a Durand-Ruel, di cui sono rimaste molte. La personalità di Durand-Ruel è un esempio di collezionista e benefattore intelligente.

"Impressionismo" è un concetto relativo. Tutti i pittori che riconosciamo con questa tendenza hanno seguito una formazione accademica, che ha comportato una scrupolosa elaborazione dei dettagli e una superficie pittorica liscia e lucida. Tuttavia, presto preferirono ai soliti temi e trame prescritti dal Salon, dipinti in una direzione realistica, che rifletteva la realtà reale, la vita di tutti i giorni. Successivamente, ognuno di loro ha scritto per un certo tempo nello stile dell'impressionismo, cercando di trasmettere oggettivamente gli oggetti nei loro dipinti in diverse condizioni di illuminazione. Dopo una tale fase impressionista, la maggior parte di questi artisti d'avanguardia si rivolse alla ricerca indipendente, acquisendo il nome collettivo di "post-impressionismo"; in seguito il loro lavoro ha contribuito alla formazione dell'astrattismo del XX secolo.

Negli anni '70 del XIX secolo, l'Europa divenne dipendente dall'arte giapponese. Edmond de Goncourt nei suoi appunti dice: “... La passione per l'arte giapponese... abbracciava tutto, dalla pittura alla moda. All'inizio era la mania di eccentrici come me e mio fratello, ... successivamente, artisti impressionisti si sono uniti a noi. In effetti, nei dipinti degli impressionisti dell'epoca, venivano spesso catturati gli attributi della cultura giapponese: ventagli, kimono, schermi. Hanno anche imparato metodi stilistici e soluzioni plastiche dall'incisione giapponese. Molti impressionisti erano appassionati collezionisti di stampe giapponesi. Ad esempio, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

In generale, i cosiddetti impressionisti dal 1874 al 1886 allestirono 8 mostre con intervalli di tempo disuguali; la metà dei 55 pittori che appartenevano alla Società Anonima, per varie circostanze, apparve solo nel 1°. Un partecipante d'eccezione a tutte le 8 mostre è stato Camille Pissarro, che si è distinto per il suo carattere calmo e pacifico.

Nel 1886 ebbe luogo l'ultima mostra degli Impressionisti, ma come metodo artistico continuò ad esistere. I pittori non hanno lasciato il duro lavoro. Sebbene la precedente partnership, l'unità, non fosse più disponibile. Ognuno ha aperto la sua strada. Gli scontri storici finirono, finirono nel trionfo di nuove visioni e non c'era bisogno di unire le forze. La gloriosa unità degli artisti impressionisti si scisse, e non poté fare a meno di scindersi: erano tutti dolorosamente dissimili, non solo nel temperamento, ma anche nelle vedute, nelle convinzioni artistiche.

L'impressionismo, come direzione, coerente con il suo tempo, non ha mancato di lasciare i confini della Francia. Domande simili sono state poste da pittori di altri paesi (James Whistler in Inghilterra e negli Stati Uniti, Max Lieberman e Lovis Corinth in Germania, Konstantin Korovin e Igor Grabar in Russia). Il fascino dell'impressionismo per il movimento istantaneo, la forma fluida è stato adottato anche dagli scultori (Auguste Rodin in Francia, Paolo Trubetskoy e Anna Golubkina in Russia).

Dopo aver compiuto una rivoluzione nelle opinioni dei contemporanei, ampliando la sua visione del mondo, gli impressionisti hanno così aperto la strada alla successiva formazione dell'arte e all'emergere di nuove aspirazioni e idee estetiche, nuove forme che non hanno tardato ad aspettare. Il neo-impressionismo, il post-impressionismo, il fauvismo, nati dall'impressionismo, hanno successivamente stimolato anche la formazione e lo sviluppo di nuove tendenze e tendenze estetiche.

Impressionismo- una tendenza nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio del XX secolo, nata in Francia e poi diffusa nel mondo, i cui rappresentanti hanno cercato di catturare in modo più naturale e imparziale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere la loro fugace impressioni. Di solito, il termine "impressionismo" indica una direzione nella pittura, sebbene le sue idee abbiano trovato la loro incarnazione anche nella letteratura e nella musica.

Pittura.

L'impressionismo ebbe origine in Francia nella seconda metà del XIX secolo. I giovani artisti volevano andare oltre la pittura classica. Cosa non così facile: né la critica né il pubblico volevano accettare dipinti così diversi dalla solita pittura accademica in stile "antico".

I dipinti degli artisti della nuova direzione non erano nemmeno considerati dipinti, assomigliavano tanto a schizzi veloci.

Ma questa era l'essenza della nuova direzione: cogliere l'attimo, mostrare la vita così com'è. Gli impressionisti non inventano trame, le prendono dalla quotidianità: questo è tutto ciò che chiunque può vedere, semplicemente uscendo in strada.

Gli artisti hanno iniziato a utilizzare una tecnica di disegno completamente nuova. Le pitture sul cavalletto non sono state mescolate, ma sovrapposte alla tela in pennellate separate. Pertanto, per ottenere una visione olistica dell'immagine, dovrebbero essere visti da una breve distanza e non da vicino. Con una tale percezione, i tratti chiari e separati si incrociano senza intoppi e si forma un'idea dell'immagine.

A differenza dei maestri degli anni passati, gli impressionisti non lavoravano nelle officine, rifinendo e perfezionando lì i loro schizzi. È tra questi che diventa popolare la tecnica del plein air, cioè il lavoro all'aria aperta. Gli artisti si recavano in periferia (la foresta di Fontainebleau era particolarmente popolare), dove disegnavano picnic o rappresentavano scene di vita parigina: Monet e Renoir rappresentavano spesso scene sulle rive della Senna, una serie di dipinti di Renoir dal Moulin de la È anche noto Gallette.

Ma gli impressionisti non erano sempre interessati alle persone o alla natura. Era molto più interessante trasmettere, ad esempio, il movimento dell'aria o la caduta della luce solare. Ad esempio, nel dipinto di Monet "Gare Saint-Lazare", il soggetto principale dell'immagine non è nemmeno la stazione o il treno stesso, ma il fumo che sale nei club da un camino fumante.

La nuova tendenza differiva dalla pittura accademica, sia tecnicamente che ideologicamente. Innanzitutto, gli impressionisti abbandonarono il contorno, sostituendolo con piccoli tratti separati e contrastanti. Il raggio di sole si divide nelle sue componenti: viola, blu, blu, verde, giallo, arancione, rosso, ma poiché il blu è una varietà del blu, il loro numero si riduce a sei. Due colori accostati si rafforzano a vicenda e, al contrario, mescolati perdono di intensità. Inoltre, tutti i colori sono divisi in primari, o primari, e doppi o derivati, con ogni doppia vernice aggiuntiva alla prima:

Blu - Arancio

rosso verde

Giallo - Viola

In generale, molti maestri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo, ma Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas erano la base del movimento. Tuttavia, Manet si è sempre definito un "artista indipendente" e non ha mai partecipato a mostre, e sebbene Degas abbia partecipato, non ha mai dipinto le sue opere en plein air.

Pittori. (Molto, ma abbastanza brevemente per conoscere il loro lavoro)

Come tradizione e innovazione si siano fuse organicamente nell'arte degli impressionisti è testimoniato, in primo luogo, dall'opera dell'eccezionale pittore del XIX secolo Edouard Manet. Nel frattempo, in queste opere, così come nel suo ulteriore lavoro, l'artista fa affidamento sull'esperienza dell'arte classica. Nel tentativo di comprendere esteticamente la vita contemporanea, Manet utilizza i maestosi schemi compositivi dei pittori rinascimentali, a partire da Giorgione e Tiziano, fino a Velazquez e Goya. I suoi dipinti, alcuni ritratti e altre opere degli anni Sessanta dell'Ottocento sono stati scritti in un modo pittorico tradizionale che non è stato ancora completamente superato, sebbene anche qui si possa già sentire il desiderio di colore aperto e luce naturale. Successivamente, la tavolozza di Manet diventa notevolmente più chiara. Fu uno dei primi a dipingere su un fondo bianco puro, a volte "caricandolo" di ricche pennellate di colori luminosi e solari, a volte ricoprendolo con le sfumature più fini di nobili sfumature rosate e grigio-grigie. Aveva il dono di trasmettere l'infinita ricchezza dei colori e il vivace fremito del mondo oggettivo, che si manifestava particolarmente chiaramente nella natura morta - "nessuno dei contemporanei di Manet poteva dipingere una natura morta meglio di lui." L'innovazione di Manet era che è stato in grado di dare uno sguardo nuovo e imparziale alla realtà che la circonda e di ampliare la gamma di fenomeni a cui si rivolgevano le belle arti. Non aveva paura di fare un oggetto di arte veramente alta e di incarnare in forme pittoriche perfette quegli aspetti della vita e delle relazioni umane, da cui gli artisti prima di lui si allontanavano o non se ne accorgevano.

Al centro dell'art Edgar Degas un uomo stava sempre in piedi, mentre il paesaggio, quasi il genere principale degli impressionisti, non giocava un ruolo significativo nel suo lavoro. Grande estimatore di Ingres, attribuiva un'importanza eccezionale al disegno. In Italia ammirava Mantegna, dagli artisti francesi si interessava a Poussin e copiava i suoi dipinti. Degas si muove sotto l'influenza di Manet per rappresentare scene di vita moderna. I suoi temi principali sono il mondo del balletto e delle corse di cavalli, solo in rari casi li supera, riferendosi alla vita della boemia parigina, raffigurando modiste, stiratrici e lavandaie. L'innovazione di Degas nel trasmettere il movimento è indissolubilmente legata alla sua maestria compositiva. In lui, ancor più che in Manet, si avverte l'involontaria, il caso, lo strappo di un episodio separato dal flusso della vita. Ci riesce attraverso un'asimmetria inaspettata e punti di vista insoliti (spesso dall'alto o di lato, ad angolo), dalla "ruffiness" dello spazio, come se sbirciasse in uno specchio, da inquadrature espressive e tagli audaci della cornice. Questa sensazione di naturalezza e completa libertà è stata vinta dal duro lavoro, dal calcolo preciso e dall'allineamento della costruzione compositiva.

È difficile immaginare una maggiore antitesi all'arte di Degas della pittura. Auguste Renoir uno degli artisti francesi più soleggiati e che affermano la vita, che A.V. Lunacharsky definì "il pittore della felicità". Le più alte conquiste di Renoir sono associate all'immagine di donne e bambini. Il suo tipo preferito sono le donne formose con le labbra imbronciate, il naso camuso e gli occhi deliziosamente sconsiderati. Li dipinge vestiti e nudi, all'aperto sotto la pioggia, su un'altalena in giardino, mentre nuotano o fanno colazione con barcaioli abbronzati. Le sue modelle sono ragazze del popolo e povere borghesi, sane e fresche, che non conoscono il corsetto e non si vergognano della loro nudità.