Il Medioevo è l'era culturale più lunga della storia dell'Europa occidentale. Copre nove secoli - con VI al XIV secolo. Era il momento del dominio della Chiesa cattolica, che dai primi passi era la patrona delle arti. La Parola della Chiesa (preghiera) in diversi paesi dell'Europa e in vari strati sociali è stata inestricabilmente legata alla musica: i salmi, gli inni, i coroli sono stati suonati - focalizzati, melodie distaccate, distanti dal trambusto quotidiano.

Inoltre, per ordine della Chiesa, furono eretti templi maestosi, decorati con sculture e vetrate colorate; Grazie al patrocinio della Chiesa, architetti e artisti, scultori e cantanti si dedicarono a un'arte senza pauramente amata, cioè la Chiesa cattolica li sosteneva dal lato materiale. Pertanto, la parte più significativa dell'arte in generale e musicale, in particolare, era sotto il mantenimento della religione cattolica.

Chiesa che canta in tutti i paesi dell'Europa occidentale ha suonato in latino rigoroso e al fine di rafforzare ulteriormente l'unità, la comunità del mondo cattolico, Papa Gregory I, che si unì al trono all'inizio del IV secolo, raccolse tutti i canti della chiesa e è stato prescritto per eseguire ciascuno di loro un certo giorno del calendario della Chiesa. La melodia raccolta dal papà era chiamata Grigorian Choralov, e la tradizione di canto basata su di loro è chiamata canto gregoriano.

Nel senso melodico, il corale Grigoriano si concentra sugli Occhiali - il sistema di otto reparti. Era il ragazzo che spesso rimase l'unica indicazione su come eseguire il corale. Tutti i tasti erano ottavi e sono stati modificazioni di un sistema di tricord antico. I Fretsmen avevano solo la numerazione, i concetti di "Dorian", "Lidy" e così via. Escluso. Ogni via ha rappresentato la connessione di due tetrachords.

Le coralas groriormente corrispondevano perfettamente alla loro nomina di preghiera: le melodie piacevoli sono state fatte dai motivi impercettibilmente l'uno nell'altro, la linea melodica era limitata alle temperature, gli intervalli tra i suoni erano piccoli, il modello ritmico era anche liscio, basato su Choralas basato su Sono stati costruiti una mano sottile dizionario. Le coralas groriorni erano sole con un coro maschile e formato come cantare principalmente nella tradizione orale. Le fonti scritte di Grigoryaniciani sono un modello di notazione inetta (le icone speciali si fermarono sul testo latino), tuttavia, questo tipo di record musicale ha indicato solo l'altezza approssimativa del suono, la direzione generalizzata della linea melodica e non ha toccato il lato ritmico Attualmente e quindi è stato considerato difficile da leggere. I cantanti che hanno eseguito Church Chorals non erano sempre formati e addestrati il \u200b\u200bloro artigianale oralmente.

Il corale gregoriano divenne un simbolo di un'eva enorme, che rifletteva la sua comprensione della vita e della pace in esso. Il significato e il contenuto di Choralov riflettono la rappresentazione di una persona medievale sull'essenza dell'essere. In questo senso, il Medioevo è spesso indicato come la "giovane cultura europea", quando, dopo la caduta dell'antica Roma nel 476, le tribù dei barbari, Galov e tedeschi invasero l'Europa e cominciarono a costruire di nuovo le loro vite. La loro fede nei santi cristiani si distingueva per l'ozio, la semplicità e le melodie dei corali groriorni erano basati sullo stesso principio della naturalezza. Qualche monotonia di Choralov riflette la rappresentazione di una persona medievale sullo spazio, che è limitata al campo della sua visione. Inoltre, l'idea del tempo era associata all'idea di ripetibilità e immutabilità.

Canto di Grigoriano, come uno stile musicale dominante, al secolo IX finalmente approvato in tutta Europa. Allo stesso tempo, nell'arte della musica, è avvenuta la più grande scoperta, che ha avuto un impatto sulla sua intera ulteriore storia: uno scienziato di monaco, il musicista italiano Guido di Arezzo (Aretinsky) ha inventato il record del record, che usiamo ancora in questo giorno . D'ora in poi, il corale gregoriano potrebbe essere sentito sulle note, e si è unito alla nuova fase del suo sviluppo.

Dal VII al IX secolo, il concetto di "musica" e "corale Grigoriano" esisteva internamente. Studiare la melodia di Choralov, musicisti medievali e cantanti volevano decorarli, ma il canto della Chiesa non è stato permesso. È stata trovata la produzione: sopra la melodia corale ad una distanza uguale da tutti i suoi suoni, è stata prescritta una seconda voce, che ha ripetuto esattamente il modello melodico del roorato. La melodia sembrava gemella addensata. Tali e saggi a due vocali hanno ricevuto i nomi di organum, come la voce più bassa in cui è stato suonato la cofale, si chiamava Vox Principalis (voce di base), e il top, Capleen - Vox Organalis (voce aggiuntiva). Il suono del organico ha causato associazioni con l'acustica del tempio: è stato fangoso, profondo. Inoltre, durante i secoli XI-XIII, due modi aumentati a tre (triptum) e quattro smalti.

Forme ritmiche di organum - un esempio di ritmo di modus (modale). I loro sei: Jamb (L ¡), Trohai (Corea) (¡l), Dactyl (¡ . L ¡), Anapest (l ¡¡ . ), spondes (¡ . ¡ . ), trattato (l l l).

Oltre all'arte della Chiesa, con lo sviluppo di città ed economia europee, la nascita di nuove arti si è verificata nel Medioevo. Persone semplici (cittadini, contadini) sono stati visti spesso nei loro insediamenti attori e musicisti randagi che hanno ballato, ha giocato idee teatrali per diversi argomenti: circa gli angeli e la vergine più santa o sui tormenti infernale e infernale. Questa nuova arte secolare ha dovuto assaggiare i ministri ascetici della Chiesa, che sono stati trovati in canzoni frivoli e le idee del Chinny del Diavolo.

Il fiorente delle città medievali e dei castelli feudali, l'interesse per l'arte secolare, che copriva tutte le proprietà, ha portato all'emergere della prima scuola professionale di poesia e musica secolare - la scuola di Troubadulov, che è nata nel sud della Francia nel XII secolo. I poeti e i musicisti tedeschi simili sono stati chiamati Minnesingers (Maistezingers), Sesofranzes-Tidificanti. Come autori delle poesie, i poeti-Trubadura si sono esibiti simultaneamente sia come compositori, sia come esectri di cantanti.

Le canzoni musicali dei Troubadur sono cresciute dalla poesia e imitano la sua semplicità, joggy, incuria. Il contenuto di tali canzoni ha discusso tutti gli argomenti vitali: Amore e separazione, l'offensiva della primavera e la sua gioia, la divertente vita degli studenti erranti-studiosi, i burloni della fortuna e il suo temperamento capriccioso, ecc. Iscrizione ritmica, chiara Su frasi musicali, enfasi, frequenza - Tutto ciò è stato peculiare canzoni Troufradurov.

Il canto e i testi di Grigoriano di Troubadurov sono due direzioni indipendenti in musica medievale, tuttavia, con tutto il loro contrasto, è possibile notare le caratteristiche generali: relazione interiore con una parola, una tendenza a un voto ornato e ornato.

La cima della prima polifonia (polifonia) è diventata la scuola delle notre signore. I musicisti appartenenti a lei lavoravano a Parigi nella Cattedrale della Madonna Parigina nei secoli XII-XIII. Sono riusciti a creare tali strutture multistrato, grazie alla quale l'arte musicale è diventata più indipendente, meno dipendente dalla pronuncia del testo latino. La musica ha cessato di essere percepito come suo sostegno e decorazione, ora era intesa specificamente per l'udito, sebbene gli organi dei maestri di questa scuola siano stati ancora eseguiti nella Chiesa. I compositori professionisti si fermarono al capo della scuola Notre-signore: nella seconda metà del XII secolo - Leonin, alla svolta dei secoli XII-XIII - il suo discepolo di Arabhs.

Il concetto di "compositore" nell'epoca del Medioevo esisteva nel secondo piano di culture musicali e la stessa parola originata da "Componenti" - I.e. Combina, crea qualcosa di nuovo degli elementi ben noti. La professione del compositore è apparsa solo nel XII secolo (nel lavoro del Troubadur e dei Maestri della Scuola di Nortr-Dame). Ad esempio, le regole della composizione trovate da Leonin sono uniche perché, a cominciare da uno studio profondo del materiale musicale creato davanti a lui, il compositore è stato successivamente combinato per combinare le tradizioni di rigoroso canto Grigoriano con le norme libere dell'arte del Troubadur.

Già in Organum Perath, è stato inventato un modo per estendere la forma musicale. Quindi, il tessuto musicale è stato smembrato per brevi motivi, costruita secondo il principio di somiglianza (rappresentano tutte le varianti abbastanza vicine l'una dell'altra). Peroth trasmette questi motivi da un voto all'altro, creando qualcosa come una catena motivata. Usando tali combinazioni e permutazioni, Araths ha permesso all'organo di crescere su scala. I suoni del corale Grigoriano, collocato nella voce di Cantus Firmus, si trovano ad alta distanza l'uno dall'altro - e contribuisce anche all'espansione della forma musicale. Quindi c'era un nuovo genere - Mott; Di norma, questo è un saggio a tre vocali che è stato distribuito nel XIII secolo. La bellezza del nuovo genere fu conclusa nella combinazione simultanea di diverse linee melodiche, sebbene fossero essenzialmente un'opzione, una duplicazione, la riflessione del pit-cantus principale. Tali motori sono stati chiamati "ordinati".

Tuttavia, il pubblico più popolare al pubblico, che, in contrasto con il canto segno, esagerava i principi della differenza: alcuni di loro composti anche su testi multilingue.

I moti medievali potrebbero essere sia con contenuti spirituali che secolari: amore, satirico, ecc.

La polifonia precoce esisteva non solo come arte vocale, ma anche come strumentale. Per carnavali e festività, la musica danza è stata composta, le canzoni Troubaduri sono state anche accompagnate giocando gli strumenti. Fantasie strumentali peculose simili ai moti erano popolari.

Il XIV secolo nell'arte dell'Europa occidentale è chiamato "Autunno" del Medioevo. L'Italia ha già ricevuto una nuova era - rinascita; Già creato Dante, Petrarch, Jotto - i grandi maestri del primo Rinascimento. Il resto dell'Europa ha fallito i risultati del Medioevo e hanno sentito la nascita di un nuovo argomento nell'arte - i soggetti dell'individualità.

L'introduzione della musica medievale in una nuova era è stata segnata dall'apparizione del trattato Philip de Vitrate "Ars Nova" - "Nuova arte". In esso, lo scienziato e il musicista hanno cercato di delineare una nuova immagine di un musicalmente bello. Il nome di questo trattato ha dato il nome e l'intera cultura musicale del XIV secolo. D'ora in poi, la musica avrebbe dovuto abbandonare i suoni semplici e grossolani e si precipitò a morbidezza, fascino il suono: invece di vuoto, la consonante a freddo Ars Antiqua è stato prescritto per utilizzare consonanze complete e cantante.

Si consiglia di andarsene nel passato e nel ritmo monotono (modale) e utilizzare la notazione menzurale appena aperta (misurazione), quando i suoni corti e lunghi appartengono a vicenda come 1: 3 o 1: 2. Molte più Durazioni - Maxim, Long, Brevis, Semibrisevis; Ognuno di loro ha il suo disegno: i suoni più lunghi non sono ombreggiati, più brevi sono raffigurati in nero.

Il ritmo è diventato più flessibile, vario, è possibile utilizzare le sincope. Meno severi è stata la restrizione sull'uso di altri, ad eccezione dei tasti della chiesa diatonica: è possibile utilizzare le alterazioni, aumentando, abbassando i toni musicali.

Musica del Medioevo - il periodo di sviluppo della cultura musicale, che copre un periodo di tempo da circa V al XIV secolo d.C.

Il Medioevo è una grande era della storia umana, il tempo del dominio del sistema feudale.

Periodo di cultura:

Inizio medievale - V - secoli.

Medioevo maturo - XI - XIV secoli.

Nel 395, l'Impero Romano ha rotto due parti: Western e orientale. Nella parte occidentale delle rovine di Roma nei secoli V-IX, c'erano stati barbari: affilatori, modalità, franchi, ecc. Nel IX secolo, tre stati sono stati formati nel decadimento dell'Impero Karl Great qui: Francia, Germania, Italia. Costantinopoli divenne la capitale, fondata dall'imperatore Konstantin sul sito della colonia greca di Byzantium - da qui e il nome dello stato.

Nell'era del Medioevo in Europa c'è una nuova cultura musicale di tipo - un feudale, combinando arte professionale, musica amatoriale e folklore. Dal momento che la Chiesa prevale in tutte le aree della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è le attività dei musicisti nei templi e nei monasteri. L'arte professionale secolare è stata presentata in primo luogo solo cantanti che creano ed eseguono leggende epiche al cortile, nelle case di conoscenza, tra i guerrieri, ecc. (Barcs, scottature, ecc.). Nel tempo, le forme amatoriali e semi-professionali di malitalizzazione della cavalleria si stanno sviluppando: in Francia - l'arte del Trubadurov e dei trover (Adam de la, il XIII secolo), in Germania - Minnesinger (Tungsten von Eschenbach, Walter von der Foelweid, Xi- XIII secolo) e anche artigiani urbani. Nelle serrature feudali e nelle città vengono coltivate ogni sorta di parto, generi e forme di canzoni (epope, "Dawn", Rondo, Le, Velel, ballatori, chancies, terre, ecc.).

Nuovi strumenti musicali sono inclusi nella vita, compresi quelli che provenivano da est (viola, liuto, ecc.), Ensembles (composizioni instabili) sorgono. Folklores fiorisce nel mezzo contadino. "I professionisti delle persone" operano: l'osservanza degli artisti sintetici erranti (juggle, mimi, menestrelli, spipens, briciole). La musica ribadisce principalmente le funzioni applicate e spirituali e pratiche. La creatività si esibisce nell'unità con l'esecuzione (come regola in una sola persona).

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, le forme, i mezzi di espressività sono arricchiti. Nell'Europa occidentale dai secoli VI-VII. C'è un sistema rigorosamente regolato di musica chiesa mono-voce (monodica) sulla base di terre diatoniche (canto grorior), che combina la recitazione (salmodia) e cantando (inni). Alla fine del 1 ° e 2 ° millennia sono nati multi-raggi. I nuovi generi vocali (coro) e vocali-strumentali (coro e organo) sono formati: organi, Mott, condotta, poi mesia. In Francia nel XII secolo, la prima scuola compositore (creativa) è formata con la cattedrale della Madre di Dio di Parigi (Leonin, Arati). Alla fine del Rinascimento (stile Ars Nova in Francia e in Italia, il XIV secolo) Nella musica professionale di un multi-viaggio con i capelli con i capelli, la musica inizia a essere liberata dalle funzioni puramente pratiche (manutenzione di riti della Chiesa), aumenta l'importanza di generi secolari, comprese canzoni (Gille de Masha).

La base materiale del Medioevo è stata una relazione feudale. La cultura medievale è formata nelle condizioni di una tenuta rurale. In futuro, la base sociale della cultura diventa l'ambiente urbano - Burgemi. Con la formazione degli stati, la domanda principale è formata: clero, nobiltà, persone.

L'arte del Medioevo è strettamente connessa con la Chiesa. Christian Creed è la base della filosofia, dell'etica, dell'estetica, dell'intera vita spirituale di questo tempo. Pieno di simboli religiosi, l'arte è diretta da terreni, transitori a spirituali, eterni.

Insieme alla cultura ufficiale della Chiesa (alta), c'era una cultura laica (inferiore) - folk (strati pubblici inferiori) e knightly (Courti).

I fuochi principali della musica professionale del primo medioevo - cattedrali, cantando scuole in loro, i monasteri sono gli unici centri per la formazione di quel tempo. Hanno studiato greco e latino, aritmetico e musica.

Il centro principale della musica della Chiesa nell'Europa occidentale nell'epoca del Medioevo era Roma. Alla fine del VI - primo secolo VII. La principale varietà della musica occidentale della Chiesa europea è formata - corale gregoriana, chiamato così chiamato Papa Gregory I, che ha effettuato la riforma della chiesa che canta, raccogliendo insieme e snellando vari canti della chiesa. Grigorian Choral è un canto cattolico dai capelli singoli, che ha fuso le tradizioni di canto secolari di vari popoli mediorientali ed europei (siriani, ebrei, greci, romani, ecc.). Era il liscio implementazione dai capelli singoli di una singola melodia che era destinata a personificare la volontà unita, al focus dell'attenzione dei parrocchiani in conformità con i dogmi del cattolicesimo. Il carattere della musica è severo, straordinario. È stato eseguito da coro coro (da qui il nome), alcune sezioni - solista. Prevale ad adulto sulla base di tasti diatonici. Il canto gregoriano ha permesso a molte gradazioni, che vanno dalla dura-slow slow Psalmody e finendo con gli anniversari (sillaba della sillaba di fusione) che richiedono abilità vocali virtuose per le sue prestazioni.

Il canto Grigoriano dà un ascoltatore dalla realtà, causa l'umiltà, conduce alla contemplazione, all'estensione mistica. Tale impatto contribuisce al testo in massa latina, incomprensibile dei parrocchiani. Il ritmo del canto è stato determinato dal testo. È vago, indefinito, a causa del carattere degli accenti di registrazione del testo.

I diversi tipi di canto gregoriano sono stati riassunti nel culto principale della Chiesa cattolica - Messe, in cui sono state stabilite cinque parti stabili:

Kyrie Eleison (Signore, Pomelia)

Gloria (gloria)

Credo (credi)

Sanctus (santo)

Agnus dei (Agnello di Dio).

Nel corso del tempo, gli elementi della musica folk attraverso gli inthems, le sequenze e i sentieri iniziano a perdite nel corale gregoriano. Se la Psalmodia è stata eseguita da un coro professionale di cantanti e clero, allora gli inni all'inizio sono parrocchiani. Erano inserimenti in culto ufficiale (erano inerenti alle caratteristiche della musica folk). Ma presto i grammi della massa cominciarono a spingere il salmodico, che ha portato all'aspetto della massa polifonica.

Le prime sequenze erano a valle sotto la melodia dell'anniversario in modo che un suono della melodia avrebbe una sillaba separata. La sequenza diventa un genere comune (il più popolare "Veni, Santa Spiritus", "Dies Irae", "Stabat Mater"). "Dies Irae" usato Berlioz, foglia, Tchaikovsky, Rachmaninov (molto spesso come simbolo della morte).

I primi campioni di polifonia si sono verificati dai monasteri - organi (movimento di quinta o quarti paralleli), Gimel, Fogrammasdon (parallelo sestaccord), condotta. Compositori: Leonin e Arabhs (12-13 secoli - Cattedrale della madre parigina di Dio).

I portatori della musica folk secolare nel Medioevo erano mimi, juggle, menstrelli in Francia, guglie - nei paesi della cultura tedesca e Chogres - in Spagna, Scomerculos - in Russia. Questi artisti erranti erano master universali: hanno combinato canto, danza, gioco su vari strumenti con focus, arte del circo, teatro dei burattini.

L'altro lato della cultura laica era una cultura knightly (corteriosa) (cultura del feudale secolare). I cavalieri erano quasi tutte le persone nobili - dai poveri guerrieri ai re. Un codice speciale del cavaliere è formato, secondo il quale il cavaliere, insieme al coraggio e al valoro, avrebbe dovuto possedere maniere squisite, per essere educati, generosi, generosi, per servire come una signora eccellente. Tutti i lati della vita cavalziosa si riflettono nell'arte musicale e poetica del Trubadov (Provenza - Southern France), conducenti (Francia del Nord), Minners (Germania). L'arte di Trubadurov è principalmente connessa con i testi di amore. I testi del genoma of love più popolari è stato Chancend (a Minnesinger - "Morning Songs" - Alba).

Trombe, ampiamente utilizzando la ricerca di Troubadur, ha creato i loro generi originali: "Songs tessive", "May Songs". L'area importante dei generi musicali di Troubadurov, drovers e Minneseringer era il canto e i generi di danza: Rondo, Ballad, VISELLE (forme riunioni), così come Eroic EPos (Francese Epos "Song di Roland", Tedesco - "Canzone di Nibelunga "). I Minnesiani avevano le canzoni dei crociati.

Caratteristiche caratteristiche dell'arte del Troubadurov, Drovers e Minnezinger:

Unidirezionale - è una conseguenza della comunicazione inseparabile della voce con il testo poetico, che segue la stessa essenza dell'arte poetica della musica. Una singola banda corrispondeva all'installazione su un'espressione individualizzata delle proprie esperienze, alla valutazione personale del contenuto della dichiarazione (spesso l'espressione delle esperienze personali è stata incorniciata dallo delineando i dipinti naturali).

Per lo più esecuzione vocale. Il ruolo degli strumenti non è stato significativo: è stato ridotto all'adempimento dell'entrata, dell'intermedia e dell'intermedia e degli inganni vocali incorniciati.

Informazioni sull'arte del cavaliere non può essere speso sia per il professionista, ma per la prima volta nel contesto della musiization secolare, una potente direzione musicale e poetica è stata creata con un complesso sviluppato di mezzi espressivi e una scrittura musicale relativamente eseguita.

Uno degli importanti risultati del Medioevo Maturo, a partire dai secoli X-XI, lo sviluppo delle città (Cultura Burgher) era lo sviluppo delle città. Le caratteristiche principali della cultura urbana erano anti-carcal, liberazione di orientamento, connessione con folclore, le sue risate e carattere di carnevale. Sviluppa stile architettonico gotico. Nuova forma di generi di polifonia: da 13-14 a 16 secoli. - Motet (da Franz. - "Word". Per il Mott. Tipicamente vivaio melodico dei voti che ha intonificato diversi testi - spesso anche in lingue diverse), Madrigal (da Ital. - "Canzone nella lingua madre", I.e. Italiano. Italiano. Italiano Lyubovoy-lirical, pastorale), Kachche (da Ital. - "Caccia" è un gioco vocale sul testo, la caccia alla pittura).

I musicisti vagabondiolosi folk si stanno muovendo da uno stile di vita nomade per un sistema sistemato, popolando interi blocchi di città e aggiungere i peculiari "negozi musicisti". A partire dal XII secolo, i Vagatants e Goliada sono stati uniti ai musicisti popolari - dichiarati immigrati da diverse classi (Scholas-studenti, runchays, clerici erranti). A differenza delle juggle analfabete - i rappresentanti tipici dell'arte della tradizione orale - vaganti e Goliada erano competenti: possedevano il linguaggio latino e le regole delle poesie classiche, la musica composta - canzoni (il cerchio delle immagini è associato alla scienza scolastica e alla vita studentesca) e persino Composizioni complesse di tipo di condotti e moti.

Le università sono diventate un significativo focus della cultura musicale. Musica, più precisamente - acustica musicale - insieme ad astronomia, matematica, fisico è entrato nel quadio, cioè. Il ciclo di quattro discipline ha studiato presso le università.

Così, nella città medievale c'erano vari fuochi di cultura musicale nella natura e nell'orientamento sociale: associazione di musicisti popolari, musica da giudiziaria, musica di monasteri e cattedrali, pratica musicale universitaria.

La teoria della musica del Medioevo era strettamente collegata alla teologia. In pochi trattati musicali e teorici, la musica era considerata come un "servo della Chiesa". Tra i trattati prominenti del primo medioevo, 6 libri "sulla musica" Agostino, 5 libri "sugli insediamenti musicali" e altri hanno un posto grande in questi trattati.

Il sistema medievale del piede è stato sviluppato da rappresentanti dell'arte musicale professionale della Chiesa - quindi, il nome "Church Staks" era radicato per tasti medievali. Ionian ed Eolic ed Eolista sono stabiliti come i tasti principali.

La teoria della musica del Medioevo ha proposto la dottrina di Hexahorda. In ogni Lada, sono stati utilizzati 6 passi in pratica (ad esempio: A, RE, MI, FA, Sale, LA). Xi poi evitato, perché Cibo insieme con la mossa della FA sull'aumento del litro, che era considerato molto intatto e figurativamente chiamato il "diavolo nella musica".

La registrazione incorporabile è stata ampiamente utilizzata. Guido Aretinsky ha migliorato un sistema di registrazione del serbatoio. L'essenza della sua riforma era la seguente: la presenza di quattro linee, la relazione territrice tra le singole linee, il segno chiave (inizialmente alfabeto) o la colorazione delle linee. Ha anche introdotto la notazione dei fanghi per i primi sei livelli di Lada: UT, RE, MI, Fa, Sale, La.

La notazione menzular è stata introdotta, dove una determinata misura ritmica è stata fissata per ogni notevole (lat. Mensura - misura, misurazione). Nome delle Durazioni: Maxim, Long, Brevis, ecc.

Il XIV secolo è il periodo di transizione tra il medievale e l'era della rinascita. L'arte della Francia e dell'Italia del XIV secolo ricevette il nome "Ars Nova" (dal Lat. - Nuova arte), e in Italia, ha tutte le proprietà del revival precoce. Caratteristiche di base: rifiuto di utilizzare esclusivamente generi di musica della Chiesa e appello ai generi da camera strumentale da vocali secolari (Ballad, Kachche, Madrigal), riavvicinamento con suole domestiche, l'uso di vari strumenti musicali. Ars Nova è opposto al cosiddetto. Ars Antikva (Lat. Ars Antiqua è la vecchia arte), implicando l'arte musicale prima dell'inizio del XIV secolo. I maggiori rappresentanti dell'Ars Nova erano Guillaume de Masho (14 ° secolo, Francia) e Francesco Landino (XIV secolo, Italia).

Così, la cultura musicale del Medioevo, nonostante la relativa limitazione dei fondi, è un livello più alto rispetto alla musica del mondo antico e contiene i prerequisiti per la magnifica fiorente dell'arte musicale nell'era rinascimentale.

museo musicale Grigorian Troubadur

Musicisti medievali. Manoscritto XIII secolo Museo musicale del Medioevo Il periodo di sviluppo della cultura musicale, coprendo un periodo di tempo da circa V al XIV secolo d.C. ... Wikipedia

Include una varietà di generi viventi e storici di musica folk, popolare, pop e classica. La musica classica indiana, presentata dalle tradizioni di Carnataka e Hindustani, risale a "Veda stessa" ed è descritta come complesso e diversa ... Wikipedia

Un gruppo di musicisti sulla musica francese di Montmartre è una delle culture musicali europee più interessanti e influenti, che disegna le origini di ... Wikipedia

Contenuto 1 musica folk 2 musica classica, opera e balletto 3 musica popolare ... Wikipedia

Questo è un articolo sullo stile musicale. Per un gruppo di opinioni filosofiche, vedere l'articolo di New Age.

I musica (dal greco. Musik, letteralmente musica artistica) Tipo di arte, che riflette la realtà e influenza una persona per mezzo di sequenze sonore significative e appositamente organizzate composte principalmente dai toni ... ... Grande enciclopedia sovietica.

- (greco. Moysikn, da Mousa Muse) L'aspetto della rivendicazione, a segale riflette la realtà e colpisce una persona per mezzo di un'altezza significativa e appositamente organizzata in altezza e in tempo di sequenze sonore composte principalmente dai toni ... ... Enciclopedia musicale

Articoli di culla ... Wikipedia

La musica belga disegna le sue origini dalle tradizioni musicali dei Flemis, abitata dal nord del paese, e le tradizioni di Wallonov vivevano a sud e avevano sperimentato l'influenza delle tradizioni francesi. La formazione della musica belga ha proceduto in complesso storico ... ... Wikipedia

Libri

• Storia dell'arte illustrata. Architettura, scultura, pittura, musica, simpatia in .. Lifting Edition. San Pietroburgo, 1884. Edizione A. S. Suvorin. Edizione con 134 disegni. Legatura di proprietà con radice di cuoio e angoli. Pelliccia Bintovaya. La conservazione è buona ...
• Storia dell'arte illustrata. Architettura, scultura, pittura, musica (per scuole, auto-studio e riferimenti), Lyubka. Lifting Edition. San Pietroburgo, 1884. Edizione A. S. Suvorin. Prenota con 134 disegni. Copertina tipografica. La sicurezza è buona. Piccoli fori sulla copertina. Ornato illustrato ...

Music Art Medioevo. Riempimento figo-semantico. Personalità.

Medioevo - a lungo, coprendo più di mille anni di sviluppo dell'umanità.

Se rivolgiamo all'ambiente figurativo ed emotivo del periodo di "cupo medievale", poiché spesso vengono chiamati, vedremo che era pieno di un'intensa vita spirituale, estasi creativa e la ricerca della verità. La Chiesa cristiana aveva un potente impatto sulla mente e sulle cuori. I fili, le storie e le immagini delle Sacre Scritture hanno capito come la storia che si svolge dalla creazione del mondo attraverso la venuta di Cristo e fino al giorno del terribile tribunale. La vita terrena è stata percepita come la lotta continua di forze scure e leggere, e l'anima di un uomo era la sospensione di questa lotta. Il restauro della fine del mondo è permeato dalla globlibilità del popolo medievale, dipinge l'arte di questo periodo in toni drammatici. In queste condizioni, la cultura musicale ha sviluppato due potenti formazioni. Da un lato, la musica della Chiesa professionale, che è passata in tutto il periodo medievale, un enorme modo di sviluppo; D'altra parte, la creatività musicale popolare, perseguitata dai rappresentanti della chiesa "ufficiale" e della musica secolare, esistenti come amatoriali, per quasi l'intero periodo medievale. Nonostante l'antagonismo di queste due direzioni, hanno subito un'influenza reciproca, e entro la fine di questo periodo i risultati dell'interpenetrazione della musica laica e della Chiesa sono diventati particolarmente tangibili. Dal lato del contenuto emotivo-semantico, il più caratteristico per la musica medievale è la predominanza del principio perfetto, spirituale e didattico - sia nei generi secolari e della Chiesa.

Il contenuto emotivo e semantico della musica della chiesa cristiana era diretta alla lode della divinità, la negazione dei beni terreni per il bene della ricompensa dopo la morte, la predicazione dell'ascetismo. La musica si concentra di per sé ciò che era associato all'espressione del "puro", privo di qualsiasi "corpo", la forma materiale del desiderio per l'ideale. L'impatto della musica si è intensificato da acustica delle chiese con le loro elevate volte che riflettono il suono e creando l'effetto della presenza divina. Particolarmente focalizzando la musica con l'architettura manifestata con l'emergere dello stile gotico. La musica multi-vocale creata da questo tempo ha creato il gonfiore aspirato, la pulizia gratuita dei voti, ripetendo le linee architettoniche del tempio gotico, creando una sensazione dell'infinito dello spazio. I campioni più vivi del gotico musicale hanno creato compositori della cattedrale di Notre Dame - Magister Leonin e Magister Arafoths, chiamato Great.

Music Art Medioevo. Generi. Caratteristiche del linguaggio musicale.

La formazione dei generi secolari durante questo periodo è stata preparata dal lavoro dei musicisti randagi - giocoliere, minstrelles e spieQuali erano cantanti, attori, circo e strumentisti in una sola persona. Anche a manipoli, guglie e menestrelli uniti vagante e Goliada. - Studenti sfortunati e monaci sfuggiti aventi diritto all'alfabetizzazione media "artistica" e una certa erudizione. Le canzoni di persone sembravano non solo sulle lingue nazionali emergenti (francese, tedesco, inglese e altre), ma anche in latino. Gli studenti erranti e Scholas (Vagatants) hanno spesso avuto grandi abilità nel risentimento latino, che ha attaccato una particolare nitidezza alle loro canzoni accusatorie dirette contro i feudalisti secolari e la Chiesa cattolica. A poco a poco, gli artisti randagi cominciarono a formare obiettivi, stabilirsi nelle città.

Nello stesso periodo, un peculiare intercalatore "intelligente" è nominato - cavalleria, nel cui ambiente (in periodi di tregua) si affascina anche l'interesse per l'arte. I castelli si trasformano in centri di cultura knightly. L'arco delle regole del comportamento knightly ha richiesto il comportamento "Courti" (squisito, educato). Nel 12 ° secolo in Provenza con i tribunali di segni feudali, nasce l'arte troubadurov., Rappresentando la caratteristica espressione della nuova cultura di Sivo Knightly proclamando il culto dell'amore terreno, godendo della natura, gioia terrena. Nel cerchio delle immagini, l'arte musicale e poetica di Trubadurov conosceva alcune specie associate principalmente con testi d'amore o militari, canzoni ufficiali, che riflettono l'atteggiamento del vassallo al suo suzero. Spesso, il testo dell'amore di Trubadurov è stato scelto sotto forma di ministero feudale: il cantante si è riconosciuto con il vassallo delle signore, che di solito era la moglie del suo senario. Ha inseguito la sua dignità, la bellezza e la nobiltà, hanno glorificato la sua dominazione e "languita" ad un obiettivo sfavorevole. Naturalmente, questo è stato un sacco di condizionati dettati dal tornio della corte del tempo. Tuttavia, spesso dietro le forme condizionali del ministero del cavaliere è stata posata una sensazione genuina, luminosa e impressionante nelle immagini poetiche e musicali. L'arte del Trubadurov è stata in gran parte avanzata per il loro tempo. Attenzione alle esperienze personali dell'artista, l'enfasi sul mondo interiore di una personalità amorevole e sofferente suggerisce che i pipetel si oppongono apertamente stessi tendenze delle attività dell'ideologia medievale. Troubadour glorifica il vero amore terreno. Vede la "fonte e origine di tutti i benefici".

Sotto l'influenza della poesia di Troubadur, creatività troverEra più democratico (la maggior parte dei conducenti provengono da cittadini) Qui gli stessi argomenti sono stati sviluppati qui, e lo stile artistico delle canzoni è stato sviluppato. In Germania, un secolo dopo (XIII secolo) è stato formato minnezingerIn cui le canzoni del contenuto morale e di edificazione sono state sviluppate più spesso di quelle dei pipetel e dei tubi, i motivi d'amore sono stati spesso acquisiti dal dipinto religioso, erano associati al culto della Vergine Maria. Le canzoni del sistema emotivo si distinguono per una maggiore serietà, scanalature. Minneseringer per la maggior parte serviva come cortili, dove soddisfano i loro concorsi. Nomi noti di Tungsten von Eshenbach, walter background der foelweid, tangayizer - eroe della famosa leggenda. A Wagner Opera basata su questa leggenda, l'immagine centrale è la scena della concorrenza dei cantanti, dove l'eroe verso l'indignazione universale glorifica sentimenti e piaceri terreni. Libretto "Tangayizer" Wagner scritto da Wagner - Un campione di notevole penetrazione nella visione del mondo dell'era, cantando ideali morali, amore spettrale e in costante lotta drammatica con passioni peccaminose.

Generi della Chiesa

CORAL GRIGORIA. C'erano molte opzioni per le canzoni della chiesa e i testi latini nella chiesa paleocristiana. C'era bisogno di creare un singolo rituale di culto e la corrispondente musica liturgica. Questo processo è stato completato da 6 e 7 VV. Papa Gregory I. Tunes della chiesa, selezionati, canonizzati, distribuiti all'interno dell'anno della Chiesa, ammontava all'arco ufficiale - Antifoneary. Le melodie corali incluse divennero la base del canto liturgico della Chiesa cattolica e ottenuto il nome del corale gregoriano. È stato eseguito da un coro dai capelli o un ensemble di voti maschili. Lo sviluppo dell'umorismo è tranquillo e si basa su variando l'altoparlante iniziale. Il ritmo libero della melodia è subordinato al ritmo delle parole. Testi - Prosaic in latino, il cui suono stesso ha creato estensione da tutto il mondo. Movimento melodico liscio Se appaiono piccoli salti, compensano immediatamente il movimento nella direzione opposta. Le melodie dei canti gregoriani vengono disintegrati in tre gruppi: una recitazione, dove ogni sillama del testo corrisponde a un suono della fossa, salmodia, dove sono permesse alcune sillabe e l'anniversario, quando le sillabe sono state versanti in complessi schemi melodici, più spesso "alleluia" ("lode a Dio"). Di grande importanza, come in altri tipi di arte, ha un simbolismo spaziale (in questo caso, "Top" e "Bottom"). L'intero stile di questo canto con un lato, l'assenza di un "secondo piano" in esso, la "prospettiva del suono" ricorda il principio di un'immagine piana nella pittura medievale.
Inno . La palestra che fiorisce è 6 V. Gli inni, distinti per maggiore immediatezza emotiva, portò lo spirito dell'arte mondana. Erano basati sulle melodie di un magazzino del brano vicino a folk. Alla fine del V secolo, furono espulsi dalla Chiesa, ma per secoli esistono come musica extra-lavorata. Il ritorno di loro alla fonte della chiesa (9b.) Era una specie di concessione ai sentimenti mondani dei credenti. A differenza di Choralov, gli inni si basarono sui testi poetici e appositamente composti (e non presi in prestito dai libri sacri). Ciò ha determinato la struttura più chiara dei brani, oltre a una maggiore libertà della melodia, non subordinata a ciascuna parola del testo.
Mesa.. La massa rituale è stata piegata per molti secoli. La sequenza delle sue parti nelle caratteristiche principali è stata determinata da 9 V., l'aspetto finale del Mesa acquisito solo dal XI secolo. Durevole è stato il processo di formare la sua musica. Il tipo più antico di canto liturgico - Psalmody; Direttamente associato all'azione liturgica stessa, suonava in tutto il servizio ed è stata eseguita da sacerdoti e cantanti della Chiesa. L'introduzione di inni ha arricchito la massa di musica musicale. Evidenziato Haymaker sembrava in alcuni momenti del rituale, esprimendo i sentimenti collettivi dei credenti. All'inizio hanno cantato i loro parrocchiani stessi, in seguito - un coro della Chiesa professionista. L'impatto emotivo degli inni era così forte che gradualmente cominciarono a sopportare il Salmody, prendendo il posto nella musica della Mascia. Era sotto forma di inni, cinque parti principali della massa (il cosiddetto ordinario) ha preso forma.
I. "Kyrie Eleison"("Signore, Pomemui") - Molver per il perdono e il perdono;
II. "Gloria"("Gloria") - l'inno grato del creatore;
III. "Credo"("Io credo") - la parte centrale della liturgia, che stabilisce i principali dogmi del credo cristiano;
IV. "Sanctus" ("Santo") - una solenne esclamazione solenne ripetuta di tre anni, che sostituita dall'accogliente esclamazione di "Osanna", che incorniciata l'episodio centrale "Benedictus" ("beato che sta arrivando");
V. "Agnus dei" ("Agnello di Dio") - un altro ampio scio, fedele al sacrificio di Cristo; L'ultima parte è completata con le parole: "Dona Nobis Pacem" ("Dacci il mondo").
Generi silenziosi

Musica vocale
L'arte medievale musicale e poetica era per lo più amatoriale. Ha assunto un sufficiente universalismo: lo stesso uomo era sia un compositore, un poeta e un cantante, e un strumentista, dal momento che la canzone fu spesso eseguita accompagnata da liuto o viola. I testi poetici delle canzoni, in particolare i campioni di Cavaliere, sono di grande interesse. Per quanto riguarda la musica, ha sperimentato l'influenza dei canti Grigoriani, la musica dei musicisti randagi, così come la musica dei popoli orientali. Spesso dagli artisti, e talvolta gli autori della musica delle canzoni dei Troubadur erano giochi che erano guardati con cavalieri, accompagnando il loro canto e l'esecuzione delle funzioni di servitori e assistenti. Grazie a questa cooperazione, i confini stavano cancellando tra le persone e la creatività musicale cavaliere.
Musica dance L'area in cui l'importanza della musica strumentale si è manifestata particolarmente fortemente era la musica musicale. Dalla fine del XII secolo sorgono un certo numero di generi musicali e di danza, progettati esclusivamente per l'esecuzione sugli strumenti. Nessuna vacanza di raccolta, nessun matrimonio o altro costo di celebrazione della famiglia senza danze. Le danze spesso eseguivano sotto cantando da sé danzando o sotto il corno, in alcuni paesi - sotto l'orchestra composta da un tubo, un tamburo, una chiamata, piatti.
Brano. Danza popolare francese. Nel Medioevo è stato il più popolare nelle città e nei villaggi. Poco dopo la sua apparizione, l'attenzione dell'aristocrazia e divenne una danza da ballo. Grazie ai movimenti semplici, Branley potrebbe ballare tutto. I suoi partecipanti si tengono per mano, formando un cerchio chiuso che può essere suddiviso sulla linea, girando in mosse di zigzag. C'erano molti tipi di brano: semplice, doppio, divertente, cavallo, branle Prachk, brano con torce, ecc. Sulla base dei movimenti di Beran, gavot, paspie e burre sono stati costruiti, da Branles gradualmente sorge.
Stella. La danza ha eseguito pellegrini che sono venuti al monastero per adorare la statua della Vergine Maria. Si fermò sulla cima della montagna illuminata dal sole, e sembrava che la luce ultraterra lo scorre da lei. Da qui il nome della danza (Stella - dal lat. Star). Le persone ballavano in un unico impulso, scioccato dalla magnificenza e dalla purezza della madre di Dio.
Karol. Era popolare in 12 V. Karol - Cerchio aperto. Durante l'esecuzione di Karol Dancing ha cantato, si tengono per mano. Davanti alla danza è stato camminato. Chorus ha eseguito tutti i partecipanti. Il ritmo della danza era liscia e lento, poi diminuito e passò a correre.
Dancing Death. Nel periodo del tardo Medioevo nella cultura europea il tema della morte è diventato piuttosto popolare. L'epidemia di peste, portando un enorme numero di vite ha colpito l'atteggiamento nei confronti della morte. Se prima fu consegnata dalla sofferenza terrena, poi nel XIII secolo. Era percepita con l'orrore. La morte è stata raffigurata in disegni e incisioni sotto forma di immagini spaventose, discusse nei testi delle canzoni. La danza viene eseguita in un cerchio. La danza inizia a muoversi, come se la loro forza sconosciuta li implichi. A poco a poco, padroneggiano la musica che la morte della morte sta giocando, iniziano a ballare e cadere alla fine.
Basan deve Promenade Dancing Marches. Indossavano un personaggio solenne ed erano tecnicamente senza complicazioni. Avendo raccolto sul cantante nei loro migliori abiti passati davanti al proprietario, come se fosse dimostrato se stessi e il loro costume - questo era il significato della danza. Le processioni di danza sono fermamente entrate nella vita della corte, senza di loro non c'era un festival.
Estamp. (ethammidi) danze accoppiate, accompagnate da musica strumentale. A volte il "Ethambi" è stato completato da tre: un uomo ha portato due donne. La musica ha interpretato un ruolo importante. Consisteva in diverse parti e ha causato la natura dei movimenti e il numero di orologi su ciascuna parte.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292.

Guiraut Riquier - Poeta provenzale, che viene spesso chiamato "Ultimo tubo". Il maestro prolifico e abile (48 delle sue melodie conservate), ma non alieno a tema spirituale e significativamente complicato la sua lettera vocale, rimuovendo dalla canzone. Per molti anni fu al tribunale di Barcellona. Partecipato a una campagna incrociata. Di interesse è anche la sua posizione in relazione all'art. La sua corrispondenza con il famoso patrono delle arti di Alphonse Saggio, re Castiglia e Leon. In esso, si è lamentato che le persone disoneste, il "degradante titolo di giocoliere", spesso mescolato con i conosciuti troubadras. È "vergognosamente e dannoso" per i rappresentanti della "Alta arte della poesia e della musica che può comporre poesie e creare opere istruttive e incredit". Sotto la spinta della risposta, il re Richier ha suggerito la sua sistematizzazione: 1) "Medici di arte poetica" - il meglio del Trubadurov, "coprendo la strada per la società", gli autori di "versi esemplari e canson, graziosi romanzi e works didattici "Nella lingua parlata; 2) Trubadras che compongono canzoni e musica per loro creare melodie di danza, ballatori, alba e sirvents; 3) I giocolieri si rivolgono al degustazione del nobile: giocano strumenti diversi, raccontano la storia e le fiabe, hanno poesie e cansoni di altre persone; 4) Buffons (Jesters) "La sua bassa arte per le strade e le piazze mostra e si comportano indegne." Rimuovono scimmie qualificate, cani e capre, dimostrano i burattini, imitano la pene degli uccelli. Buffon sta giocando per piccoli aggiudicatori sugli strumenti o whines prima della fortuna ... Viaggiando dal cortile alla corte, senza vergogna, trasferisce pazientemente tutti i tipi di umiliazione e disprezzano le classi piacevoli e nobili.

Rikiera, come molti Troubadurov, ha disturbato la questione delle virtù cavaliere. Ha considerato il massimo vantaggio. "In nessun modo non dico, sono male per il valore e la mente, ma la generosità è tutto eccedente."

I sentimenti di amarezza e fastidio sono bruscamente arricchiti dalla fine del XIII secolo, quando il crollo delle crociate si è trasformato in una realtà ingescana, con la quale era impossibile non essere considerata in cui era impossibile non pensare. "È ora che io finisca!" - in questi versetti (hanno già 1292) hanno espresso la sua delusione da parte della delusione delle imprese di crociata Giraut Richier:
"È venuto a noi un'ora - rovinare la rovina - per lasciare la terra santa!" Il poema "È il momento per me con le canzoni del genere" (1292) è considerata l'ultima canzone Troubadur.

Compositori, musicisti

Guillaume de Masho ok. 1300 - 1377.

Machaut è un poeta francese, un musicista e compositore. Ha servito alla corte del re ceco, con il 1337 fu il Canonon della Cattedrale dei Reimeri. Uno dei musicisti più importanti del tardo Medioevo, la più grande figura dei francesi Ars Nova. Conosciuto come compositore multi-intestato: ha raggiunto i suoi motori, ballads, viros, le, rondo, canoni e altre forme di canzoni (canzoni-dance). La sua musica si distingue per una sofisticata espressività, raffinata sensualità. Inoltre, Masha ha creato il primo della storia della Messa dell'autore (per la Coronazione del re Charles V in Reims in 1364G .. è la prima nella storia della musica da parte della Mesca dell'autore - il pezzo unico e completato il lavoro del Compositore famoso. Nella sua arte, così com'erano, le linee importanti che passano, con un lato, dalla cultura musicale e poetica dei tubi dei condutture e dei tubi nella sua vecchia data, la base, dall'altra, dalle scuole francesi di A Polyphony di 12-13 secoli.

Leonin (metà del XII secolo)

Leonin è un compositore eccezionale, insieme a un peroth appartenente alla scuola di Notre-Lady. La storia ci ha tenuti il \u200b\u200bnome di questo famoso creatore del "Big Book of Orgens", progettato per il cerchio annuale della Chiesa cantando. Leonin Organum ha sostituito il carello cantando all'unisono con solisti di canto a due vocali. I suoi organi a due vocali si sono distinti da uno sviluppo così approfondito, una "coerenza" armoniosa del suono, che era impossibile senza pensieri e registrazione precedenti: nell'arte di Leonin, non era un cantante-improvvisatore, ma un compositore. La principale innovazione di Leonin era un record ritmico, che ha permesso di stabilire un ritmo chiaro principalmente dalla voce in movimento. La natura stessa dei voti principali si è distinta dalla generosità melodica.

Peroten.

Perotina, perotinus - Compositore francese della fine del 12 - 1 ° terzo di 13 secoli. Nei trattati moderni, "Master Peroth Great" (che era destinato, è decisamente sconosciuto, perché c'erano diversi musicisti a cui questo nome può essere attribuito). Arabhs ha sviluppato il genere di un canto multi-voce, che ha stabilito nel lavoro del suo predecessore Leonin, apparteneva anche al cosiddetto parigino, o notre Dame, scuola. I perti hanno creato elevati campioni di un organico melmamatico. Scrisse non solo 2 voti (come Leonin), ma anche 3, saggi a 4 occhi, e apparentemente complicati e arricchiti in ritmo multifrucy e strutturati. I suoi 4 organi vozionali non hanno ancora obbedito alle leggi esistenti della polifonia (imitazione, canone, ecc.). Nell'opera di perothsum c'era una tradizione di canti multi-voce della Chiesa cattolica.

Zokene de Ok. 1440-1524.

Compositore fiammingo Franco. Dalla chiesa della giovane età che canta. Ha prestato servizio in varie città d'Italia (nel 1486-99 Cappelle Papali cantante a Roma) e Francia (Cambone, Parigi). Era un musicista da giudiziario di Luigi XII; Ha ricevuto riconoscimento come maestro di non solo musica di culto, ma anche canzoni secolari, anticipando Chanson francese. Gli ultimi anni di vita è l'abate della cattedrale di Konde-sur-Esco. Zoskien rugiada - uno dei più grandi compositori del Rinascimento, che ha avuto un'influenza versatile sul successivo sviluppo dell'arte dell'Europa occidentale. Riassumendo in modo creativo il raggiungimento della scuola olandese, ha creato gli innovativi saggi di generi spirituali e secolari (massa, motette, salmi, frottols), subordinando un'elevata tecnica polifonica con nuovi compiti artistici. La melodia delle sue opere associate alle fonti di genere è più ricca e sfaccettata rispetto ai precedenti maestri olandesi. "Clearing" in stile polifonico Zoshen rugiada, libero dalla complicazione contropunzionale, era un punto di svolta nella storia della scrittura corale.

Generi vocali

Per l'intera era, in generale, l'ovvia predominanza dei generi vocali e in particolare vocale polifoni. L'abilità insolitamente complessa della rigida polifonia di stile, autentica borsa di studio, la tecnica virtuoso era adiacente all'arte luminosa e fresca della distribuzione domestica. La musica strumentale acquisisce una certa indipendenza, ma la sua dipendenza immediata dalle forme vocali e dalle fonti nazionali (danza, canzone) sarà superata solo leggermente in seguito. I grandi generi musicali rimangono associati al testo verbale. L'essenza dell'umanesimo rinascimentale si rifletteva nella composizione delle canzoni del Chorus nello stile di Fottol e Vilall.
Generi di danza

Nell'era del revival della danza delle famiglie acquisisce grande importanza. In Italia, Francia, Inghilterra, in Italia, ci sono molte nuove forme di danza. Vari strati della società hanno le loro danze, producono la loro esecuzione, regole per il comportamento durante le palle, le serate, le festività. La danza del Rinascimento è più complessa dei brani spaiati del tardo Medioevo. Dance (Duet) Dances, costruita su movimenti complessi e figure vengono a sostituire la danza con la danza e la composizione lineare cornuta.
Volta. - Accoppia la danza dell'origine italiana. Il suo nome deriva dalla parola italiana Voltare, il che significa "ruotare". La dimensione è tre tonica, il tempo moderatamente veloce. Il disegno principale della danza è che il cavalier è prontamente e bruscamente trasforma la signora in aria. Questo aumento è solitamente fatto molto alto. Richiede una grande forza e dextercy dal cavaliere, poiché, nonostante la nitidezza e qualche impurità di movimenti, l'aumento deve essere eseguito in modo chiaro e magnificamente.
Gallarda. - Ballo antico di origine italiana, comune in Italia, Inghilterra, Francia, Spagna, Germania. Il tempo del primo Gallurgard è moderatamente veloce, la dimensione del tre tonno. Galjard fu spesso eseguito dopo il compagno, con il quale a volte è stato correlato tematicamente. Gallard 16 V. È sostenuto in una trama melodica-armonica con una melodia nella voce superiore. Le melodie di Gallard erano popolari in ampi strati della società francese. Durante l'esecuzione, gli studenti Serenad Orleans giocano melodie del frammento a lutes e chitarre. Come i carilloni, Galharda indossava il personaggio di un tipo di dialogo di danza. Kavaler si è trasferito intorno alla sala con la sua signora. Quando un uomo si è esibito da solo, la signora rimase in atto. L'assolo maschio consisteva in una varietà di movimenti complessi. Dopo di ciò, si avvicinò di nuovo alla signora e continuò la danza.
Pavana. - Allegare la danza dei 16-17 secoli. Il ritmo è moderatamente lento, dimensioni 4/4 o 2/4. In diverse fonti non c'è consenso sulla sua origine (Italia, Spagna, Francia). La versione più popolare è una danza spagnola che imita i movimenti della marcatura del pavone con una coda splendidamente arrossata. Era vicino a Babdança. Varie marche cerimoniali hanno avuto luogo per la musica del Pavana: gli ingressi delle autorità della città, le spose visibili nella Chiesa. In Francia e in Italia, Pavan è approvato come ballo da corte. Il carattere solenne del Pavana ha permesso alla società della Corte di risplendere alla grazia e alla grazia dei suoi modi e dei suoi movimenti. Persone e borghesia Questa danza non ha funzionato. Pavana, come il menu, è stato rigorosamente nei ranghi. La danza del re e della regina iniziò, poi il Dofin è stato introdotto in esso con una signora notevole, poi i principi, ecc. I cavalieri eseguiti con una parrucca nella spada e in pelletteria. Le signore erano negli abiti anteriori con pesanti TPS lunga, che dovevano essere abilmente proprio durante i movimenti, senza sollevarli dal pavimento. Il movimento della trincea ha fatto le mosse belle, dando al PAWAN una pompa e solennità. Per la regina delle signore approssimative portavano il ciclo. Prima dell'inizio della danza, si presumeva di bypassare la sala. Alla fine della danza, la coppia con fiocchi e inversioni è andata in giro per la sala. Ma prima di indossare un cappello, il cavalier avrebbe dovuto mettere la mano destra sulla spalla della signora, la sinistra (tenendo il cappello) - sulla sua vita e baciarla sulla guancia. Durante la danza, la signora è stata abbassata; Solo di volta in volta guardava il suo cavaliere. Il pavalano più lungo è stato conservato in Inghilterra, dove era molto popolare.
Allemanda. - Danza lenta di origine tedesca in una dimensione di 4 dollari. Appartiene alla massiccia danza "bassa", nepral. Gli artisti divennero coppie l'una con l'altra. Il numero di vapore non è limitato. Kavaler ha tenuto una signora dalle sue braccia. La colonna si muoveva intorno alla sala, e quando raggiunse la fine, i partecipanti hanno fatto un giro sul posto (non separando le mani) e continuò la danza nella direzione opposta.
Kuranta. - Ballo del tribunale di origine italiana. Il quarant era semplice e complicato. Il primo consisteva in gradini semplici e brillanti che si sono esibiti principalmente in anticipo. Il complesso chimes era un personaggio pantomimico: tre cavalieri sono stati invitati a tre signore per partecipare alla danza. Le signore furono assegnate all'angolo opposto della sala e chiese di ballare. Le signore hanno rifiutato. I cavalieri, avendo ricevuto un rifiuto, andarono, ma poi tornarono di nuovo e divennero davanti alle donne in ginocchio. Solo dopo la scena Pantomimen iniziò la danza. I campioni dei tipi italiani e francesi differiscono. Quartante italiano - Una danza rianimata di 3/4 o 3/8 con un semplice ritmo in una trama armonica di melodia. Francese - Danza solenne ("Dance of Manners"), lagolazione predominale liscia. Dimensione 3/2, ritmo moderato, struttura polifonica abbastanza sviluppata.
Sarabanda. - Danza popolare 16 - 17 secoli. È successo dalla danza femminile spagnola con i kastagneti. Originariamente accompagnato dal canto. Il famoso Balletmaster e l'insegnante Karlo Blazis in una delle loro opere danno una breve descrizione di Sarabanda: "In questa danza, tutti sceglie una signora a cui non è indifferente. La musica dà un segnale, e due amanti eseguono il ballo, nobile, misurato , Tuttavia, l'importanza di questo ballo non interferisce con piacere, e la modestia gli dà ancora più graziosità; le opinioni di tutti sono felici di essere seguite dalla danza che svolgono varie figure, esprimono tutte le fasi dell'amore con il loro movimento. " Inizialmente, il ritmo di Sarabanda era moderatamente veloce, in seguito (dal 17 ° secolo) c'era un sarabando francese lento con un caratteristico motivo ritmico: ...... nella sua patria Sarabanda è entrata nella categoria di danze oscene e nel 1630. È stato bandito dal Consiglio Castigliano.
Zhiga. - Dance of English Origine, il più veloce, tre tel, trasformandosi in triolity. Inizialmente, l'album era una danza del paio, tra i marinai si diffonde come una danza solista molto rapida di una natura comica. Più tardi è nella musica strumentale come parte finale dell'antica suite di danza.

Generi vocali

Le caratteristiche barocche più ovvie si sono manifestate in quei generi in cui la musica si intreccia con altre arti. Questi erano, prima di tutto, Opera, Oratoria e tali generi di musica spirituale, come Passonese e Cantata. Musica in congiunzione con la parola, e nell'opera - con costumi e decorazioni, cioè con elementi di pittura, arte applicata e architettura, sono stati chiamati ad esprimere il complesso mondo spirituale dell'uomo, vissuto dai complessi e diversi eventi . Quartiere di eroi, divinità, azione reale e irrembale, tutti i tipi di magia erano naturali per il gusto barocco, erano la più alta espressione di variabilità, dinamismo, trasformazione, miracoli non erano elementi esterni, puramente decorativi, ma erano una parte indispensabile dell'articolo sistema.

Musica lirica.

Opera Genere ha ricevuto la più grande popolarità in Italia. Un gran numero di teatri d'opera sono stati aperti, che era un fenomeno straordinario e unico. Innumerevoli, drappeggiati da pesanti logge di velluto, recintato con una barriera di Parterter (dove in quel momento è rimasto, e non si sedette) che hanno raccolto durante le 3 operazioni di seasons quasi tutta la popolazione della città. Le logge sono state acquistate per l'intera stagione dei cognomi patriziani, una persona semplice era affollata nella parter, a volte viscata gratuitamente - ma tutti si sentivano a proprio agio, nell'atmosfera di un festival continuo. C'erano buffet, divani, tavoli solitari per giocare a "Pharaoh"; Ognuno di loro è collegato con locali speciali, dove il cibo si stava preparando. Il pubblico è andato alle casette vicine come una visita; Incontri, gli intrighi di amore sono iniziati qui, le ultime notizie sono state scambiate, un gioco di carte è stato scambiato per grandi soldi, ecc. E sul palco, un lussuoso spettacolo extranarario è stato schierato, progettato per influenzare la mente e i sentimenti del pubblico, a cantare vista e udito. Il coraggio e il valore degli eroi dell'antichità, le favolose avventure di personaggi mitologici sono apparse prima di ammirare gli ascoltatori in tutta la magnificenza del design musicale e decorativo, ottenuto per quasi un'esistenza di controversia del teatro dell'opera.

Arrivando sul risultato del XVI secolo a Firenze, nel cerchio ("Camerata") di umanisti, poeti e compositori, Opera diventa presto il principale genere musicale d'Italia. Un ruolo particolarmente importante nello sviluppo dell'opera svolto da K. Monteverdi, che ha lavorato a Mantu e Venezia. I due dei suoi più famosi lavori di palcoscenico, "Orpheus" e "Coronazione di Poppai" sono segnati dalla sorprendente perfezione della drammaturgia musicale. Nella vita di Monteverdi a Venezia c'era una nuova scuola di opera guidata da F. Kawalli e M. onore. Con l'apertura nel 1637 a Venezia del primo teatro pubblico di San Cassiano, c'è stata un'opportunità per raggiungere l'Opera chiunque abbia comprato un biglietto. A poco a poco, il significato dei momenti spettacolari, esternamente spettacolari aumenta a scapito degli ideali antichi di semplicità e naturalezza, ispirati ai ritardanti aperti del genere dell'opera. Enorme sviluppo riceve una tecnica di produttore, che consente le più fantastiche avventure di eroi in scena - fino ai naufragi, i voli per via aerea, ecc. Grande, scenario colorato, creando l'illusione delle prospettive (la scena dei teatri italiani era una forma ovale), Trasferito lo spettatore in palazzi favolosi e sulle distese marittime, in misteriosi dungeon e giardini magici.

Allo stesso tempo, nell'opera musicale, una crescente enfasi è stata fatta presso l'inizio da parte della voce solista, presentata a se stesso i restanti elementi di espressività; Questo nel futuro ha inevitabilmente portato all'entusiasmo di virtuosismo vocale autosufficiente e una diminuzione degli effetti drammatici, che spesso divennero solo una ragione per la dimostrazione di dati vocali fenomenali dei cantanti. In conformità con gli abitudini, i cantanti-castrati eseguiti come salti che si sono esibiti e dalle parti da uomo e dalle donne. La loro esecuzione ha combinato il potere e glitter delle voci degli uomini con facilità e mobilità delle donne. Questo uso di voti elevati nelle parti del magazzino coraggioso-eroico era tradizionale e non percepito come innaturale; È diffuso non solo nella Roma papale, dove le donne ufficialmente vietate a esibirsi nell'opera, ma anche in altre città d'Italia.

Dalla seconda metà del 17 ° secolo Il ruolo guida nella storia del teatro musicale italiano procede all'opera napoletana. I principi sviluppati dai compositori napoletani sono i principi dei drampture dell'opera diventa universale, e l'opera napoletana è identificata con il tipo nazionale dell'opera italiana Seria. Un ruolo enorme nello sviluppo della scuola opera napoletana è stata interpretata dal giardino d'inverno, è cresciuto da rifugi per gli orfani a speciali istituzioni educative musicali. Hanno prestato particolare attenzione alle classi con cantanti, che includevano la formazione in aria, sull'acqua, in luoghi rumorosi affollati e dove l'eco, come lo era, controllato il cantante. La lunga striscia di brillanti vocalisti virtuoso - gli animali domestici del conservatorio - diffondono la fama della musica italiana e "eccellente canto" per il mondo intero (bel canto). Per l'opera napoletana, il Conservatorio ha costituito una costante riserva di personale professionale, erano la chiave per il suo aggiornamento creativo. Tra i numerosi compositori dell'opera italiana dell'era barocca, il fenomeno più eccezionale era Claudio Monteverdi. Nei suoi lavori successivi, i principi di base del lavoro di opera dell'opera e varie forme di canto da solista dell'opera, che avrebbero dovuto seguire la maggior parte dei compositori italiani del XVII secolo.

Genry Pörswell era genuino e l'unico creatore dell'opera national britannica. Ha guidato un gran numero di opere teatrali, inclusa l'unica opera - Didona e Eney. "Didona e Eney" - quasi l'unica opera inglese senza inserti e dialoghi pronunciati, in cui un'azione drammatica dall'inizio della fine è messa sulla musica. Tutte le altre produzioni musicali e teatrali di Peresella contengono dialoghi conversazionali (nel nostro tempo tali opere sono chiamate "musical").

"L'opera - la sua deliziosa posizione è un paese di trasformazioni; in un batter d'occhio, le persone diventano dei, e gli dei diventano persone. Non c'è modo di viaggiare nei paesi, perché il paese sta viaggiando di fronte a lui . Sei annoiato in un terribile deserto? Istantaneamente solido fischietto ti tollera nei giardini idylli; l'altro di voi dall'inferno nella dimora degli dei conducono: un altro altro - e tu sei nel villaggio di Fay, le fate dell'Opera sono affascinate Come i volti delle nostre fiabe, ma la loro arte è più naturale ... "(Dufrena).

"Opera - La performance è strana, che magnificamente, dove gli occhi e le orecchie sono più soddisfatti della mente; dove la sopravvivenza della musica è divertente assurdità, dove, quando la città è distrutta, gli Arias cantano, e intorno alla tomba danzante ; dove si vede il plutone e i palazzi del sole, così come dei, dei demoni, dei maghi, delle mandali, della stregoneria, i palazzi sono costruiti e distrutti in un batter d'occhio. Queste stranezze soffrono e addirittura ammirano, per l'opera - Paese Fay " (Voltaire, 1712).

Oratorio

Ocaker, incluso spirituale, i contemporanei erano spesso percepiti come un'opera senza costumi e paesaggi. Tuttavia, gli oratori di culto e la passione sembravano nei templi, dove il tempio stesso e le versioni dei sacerdoti servivano e paesaggi e vestiti.

Oratoria ed era principalmente un genere spirituale. La parola Oratoria stessa (It. Oratorio) proviene dall'oratorio Latelatinsky - "Mellery", e latino-wow - "Dico, prega." Oratorion nacque allo stesso tempo di Opera e Canta, ma nel tempio. Il suo predecessore era il dramma liturgico. Lo sviluppo di questa azione della Chiesa è andata in due direzioni. Da un lato, un acquisto sempre più è comune, si è gradualmente trasformato in una rappresentazione comica. D'altra parte, il desiderio di preservare la gravità della comunicazione di preghiera con Dio tutto il tempo spinto alla statica della performance, anche con la trama più sviluppata e drammatica. Questo ha portato, in definitiva, all'emergere di un Oratorio come un primo tempio indipendente, primo tempio, e poi un genere di concerti.

Musica le epoche del Medioevo - Periodo di sviluppocultura musicaleC'è un intervallo di tempo di presaV al XIV secolo d.C. .
Nell'era del Medioevo in Europa C'è una cultura musicale di un nuovo tipo -feudale Uniting Professional Art, Amateur Musication efolclore. Dalla chiesa Domina in tutte le aree della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è le attività dei musicisti intempli e monasteri . L'arte professionale secolare è stata presentata ai primi solo cantanti che creano ed eseguono leggende epiche nel cortile, nelle case per sapere, tra i guerrieri, ecc. (bards, SCOLDY. e così via.). Nel tempo, gli stampi di musiitizzazione amatoriale e semi-professionale si stanno sviluppando.cavalieri: in Francia - L'arte del Trubadurov e dei trover (Adam de la, il XIII secolo), in Germania - Minnesinger ( Tungsten von Eschenbach., Walter background der fogelweed, XII - XIII secolo ), così come urbanoartigiani. In castelli feudali e nelle città sono coltivati \u200b\u200bogni sorta di parto,generi e forme di canzoni (Epic, "Dawn", Rondo, Le, Velel, Ballads, Chancests, Lands, ecc.).
Incluso nella vita nuovostrumenti musicali, compresi quelli che vengono conEst (viola, liuto Etc.), Ensembles sorgono (composizioni instabili). Folklores fiorisce nel mezzo contadino. "I professionisti delle persone" operano anche:sportatori. , Indossando artisti sintetici (juggles, Mimes, Minstrels, Spiens, Scolles ). La musica ribadisce principalmente le funzioni applicate e spirituali e pratiche. La creatività si esibisce nell'unità conprestazione (di solito in una sola persona).
E nel contenuto della musica, e nella sua forma dominacollettività ; Un inizio individuale è soggetto al generale, senza stare fuori da esso (il master musicista è il miglior rappresentantecomunità ). In tutto il regno rigorosotradizionale e canonismo . Consolidamento, conservazione e distribuzionetradizioni e standard.
A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica è arricchito, leigeneri, forme , Mezzi espressivi. NELEuropa occidentale con VI - VII secoli . C'è un sistema rigorosamente regolamentato.ai peli (monodico ) Musica della Chiesa basata suladins diatonica ( canto groriano.), unire la recitazione (salmody) e il canto (inni ). Alla fine del 1 ° e 2 ° millennio è natopolifonia . Formato nuovovocale (coro ) e vocale strumentale (coro eorgani) Generi: organi, Mott, Kondoutto, poi Mesia. In Francia nel XII secolo Il primo è formatoscuola compositrice (creativa) con Cattedrale della madre parigina di Dio. (Leonin, Arabhs). Alla fine del Rinascimento (Ars Nova Style in Francia e Italia, il XIV secolo) in musica professionale Single-Glazier è soppiantatopolifonia La musica inizia a essere liberata dalle funzioni puramente pratiche (manutenzione della Chiesaritiro ), aumenta il valoresecolare Generi, comprese canzoni (Gille de Masho).

Rinascita.

Musica nel periodo dei secoli XV-XVII.
Nel Medioevo, la musica era la prerogativa della Chiesa, quindi la maggior parte delle opere musicali erano sacre, erano basate sui canti della chiesa (coro gregoriano), che facevano parte della religione fin dall'inizio del cristianesimo. All'inizio del XVII secolo, le voci di culto, con la partecipazione diretta di Papa Gregory I, sono state finalmente canonizzate. Gregorian Khoral è stato eseguito da cantanti professionisti. Dopo lo sviluppo della musica della Chiesa, il corale di Grigoriano è rimasto la base tematica delle opere religiose polifoniche (casino, Motetov, ecc.).

Il Medioevo ha seguito il Rinascimento, che era per i musicisti delle scoperte dell'era, le innovazioni e la ricerca, l'era della rinascita di tutti i livelli di manifestazione culturale e scientifica della vita da musica e pittura all'astronomia e alla matematica.
Anche se la musica per lo più è rimasta religiosa, ma l'indebolimento del controllo della Chiesa sulla Società ha aperto compositori e artisti con grande libertà nella manifestazione dei loro talenti.
Con l'invenzione della macchina da stampa, è stato possibile stampare e distribuire note, da ora in poi e inizia ciò che chiamiamo musica classica.
Durante questo periodo è apparso nuovi strumenti musicali. Gli strumenti più popolari su cui gli amanti della musica sono stati facili e semplicemente, senza richiedere competenze speciali.
Era in questo momento che Viola apparve - il predecessore del violino. Grazie ai ragazzi (strisce di legno sulla Griff), è stato facile da giocare, e il suo suono era tranquillo, delicato e sembrava bene nelle piccole sale.
Gli utensili in ottone erano anche popolari - blocca flauto, flauto e corno. La musica più complessa è stata scritta per il grappolo appena creato, alberi (Italiano Harpsichin, distinto da piccole dimensioni) e organo. Allo stesso tempo, i musicisti non hanno dimenticato di estrarre la musica più facile, che non richiedeva abilità ad alta prestazione. Allo stesso tempo, c'erano cambiamenti nella lettera musicale: il cellulare mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile mobile Mobile Lisers è venuto a sostituire i pesanti blocchi stampati in legno. Le opere musicali pubblicate sono rapidamente comprate, sempre più persone hanno iniziato a unirsi alla musica.
La fine dell'era rinascita è stata segnata dall'evento più importante nella storia musicale - la nascita dell'opera. A Firenze, un gruppo di umanisti, musicisti, poeti sotto il patrocinio del loro capo del grafico Jovani de Bardi (1534 - 1612) sono stati raccolti. Il gruppo è stato chiamato "Camera", i suoi membri principali erano Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilea (Padre Astronoma Galileo Galileo), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii e Ottavio Rhinucchini nei giovani anni.
Il primo assemblea documentato del gruppo ha avuto luogo nel 1573 e gli anni di lavoro più attivi "Camerata fiorentina "Era il 1577-1582. Credevano che la musica fosse" rovinata "e ha cercato di tornare alla forma e allo stile dell'antica Grecia, credendo che l'arte musicale potesse essere migliorata e, di conseguenza, la società avrebbe anche migliorato. La fotocamera ha criticato la musica esistente per l'uso eccessivo della polifonia a scapito dell'intestino. Il testo e la perdita della componente poetica del lavoro hanno anche proposto di creare un nuovo stile musicale in cui il testo nello stile monodico è stato accompagnato dalla musica strumentale. I loro esperimenti Ha portato alla creazione di una nuova forma vocale-musicale - una clottata utilizzata da Emilio de Cavalieri, successivamente direttamente correlata allo sviluppo dell'opera.
Prima ufficialmente riconosciutomusica lirica Corrispondenti agli standard moderni, il "Daphne" Opera (Daphne) è stato presentato per la prima volta nel 1598 dagli autori "Daphne" erano Jacopo Pier e Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhinucchini. Questa opera non è conservata. La prima opera sopravvissuta è "Eurydick" (1600) degli stessi autori - Jacopo per. E Ottavio Rhinucchini. Questa Unione creativa ha anche creato un sacco di opere, la maggior parte dei quali è persa.

Musica del primo barocco (1600-1654)

Il punto condizionale della transizione tra l'era barocco e rinascimentale può essere considerata la creazione del compositore italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) del suo stile recitativo e dello sviluppo coerente dell'opera italiana. L'inizio delle prestazioni dell'opera a Roma e specialmente a Venezia ha significato il riconoscimento e la distribuzione di un nuovo genere nel paese. Tutto ciò era solo una parte di un processo più ampio che ha catturato tutte le arti, e particolarmente manifestata luminosa nell'architettura e scrivendo dipinti.
I compositori rinascimentali hanno prestato attenzione all'elaborazione di ciascuna parte del lavoro musicale, quasi senza prestare attenzione al confronto di queste parti. Separatamente, ogni parte potrebbe suonare eccellente, ma il risultato armonioso dell'aggiunta era, piuttosto, il caso del caso rispetto ai modelli. La comparsa di un basso figurato ha indicato un cambiamento significativo del pensiero musicale - vale a dire il fatto che l'armonia, che è "aggiunta di parti a un intero", importante quanto parti melodiche (polifonia) da soli. Sempre più polifonia e armonia sembravano due lati di un'idea della composizione della musica armoniosa: quando si scrive, le sequenze armoniose è stata data la stessa attenzione dei tritoni durante la creazione della dissonanza. Anche il pensiero armonico esisteva anche in alcuni compositori dell'era precedente, ad esempio, Karlo Jesualdo, ma nell'era barocca, è diventato generalmente accettato.
Quelle parti delle opere in cui è impossibile separare chiaramente la modalità dalla tonalità, ha segnato come un maggiore misto, o un minore minore (in seguito per questi concetti, ha introdotto i termini "maggiori maggiori" e "minore monsimo", rispettivamente) . Dal tavolo, si può vedere come l'armonia tonale già nel primo periodo barocco sposta quasi l'armonia dell'era precedente.
L'Italia diventa il centro di un nuovo stile. Il papato, sebbene catturato dalla lotta con la riforma, ma tuttavia possiede enormi risorse monetari, reintegrata dalle campagne militari degli Asburgo, stava cercando la possibilità della diffusione della fede cattolica espandendo l'influenza culturale. La magnificità, la grandezza e la complessità dell'architettura, delle arti visive e della musica, del cattolicesimo, come lo erano, sostenevano di protestantesmismo ascetico. Ricche repubbliche e principati italiani, hanno anche condotto una competizione attiva nel campo delle belle arti. Uno dei centri importanti dell'arte musicale era Venezia, precedentemente al momento della secolare e sotto il mecenatismo della Chiesa.
Una figura significativa del primo periodo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, opposta alla crescente influenza ideologica, culturale e pubblica del protestantesimo, era Giovanni Gabrieli. Il suo lavoro appartiene allo stile della "rinascita alta" (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo degli strumenti (nominando un determinato strumento per i propri compiti specifici) indicano chiaramente che è stato uno dei compositori che hanno influenzato l'aspetto di un nuovo stile.
Uno dei requisiti imposti dalla Chiesa al lavoro della musica spirituale era che i testi nelle opere con voce erano schizzinanti. Ha chiesto il carico dalla polifonia alle tecniche musicali, dove le parole sono andate alla ribalta. Le voci sono diventate più complicate, Vitivat rispetto all'accompagnamento. Quindi ho lo sviluppo dell'omofonia.
Monteverd Claudio. (1567-1643), compositore italiano. Niente lo ha attratto come l'esposizione della pace interiore, mentale dell'uomo nei suoi drammatici conflitti e conflitti con il mondo esterno. Monteverdi è una vera primunità del dramma del conflitto del piano della tragedia. È un cantante di uragano della doccia umana. Cercato persistentemente alla naturale espressività della musica. "Il discorso è umano - la Signora dell'armonia, e non il servo di esso."
"Orfeo" (1607) -La musica dell'opera è concentrata sulla divulgazione del mondo interiore del tragico eroe. La sua festa è insolitamente sfaccettata, fonde varie correnti emotive ed espressive e linee di genere. Appare entusiasticamente le sue foreste e le sue coste native o piange la perdita del suo eurouridico nelle canzoni di non discutibili del magazzino popolare.

Musica musicale barocco (1654-1707)

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato assolutismo. L'assolutismo ha raggiunto il suo apogeo con il re francese Louis Xiv. Per tutta l'Europa, Louis Louis era un modello di ruolo. Compresa la musica eseguita presso la corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (era particolarmente correlata alla tastiera) ha dato impeto allo sviluppo della musica da camera.
Il barocco maturo è diverso dal primo diffuso diffuso di un nuovo stile e una separazione rafforzata delle forme musicali, specialmente nell'opera. Come nella letteratura, la capacità di stampare la stampa di opere musicali ha portato a un'estensione del pubblico; Ingerito lo scambio tra i centri della cultura musicale.
Un rappresentante eccezionale dei compositori del tribunale del cantiere Louis XIV era Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Già a 21 anni, ha ricevuto il titolo di "compositore cortecciato della musica strumentale". Lavoro creativo Lully fin dall'inizio era strettamente collegato al teatro. Seguendo l'organizzazione della musica da camera del tribunale e la scrittura "Airs de Cour", ha iniziato a scrivere musica di balletto. Louis Xiv ha ballato in balletti, che sono stati quindi intrattenimento preferito della nobiltà cortesia. Lully era un danzatore eccellente. È stato in grado di partecipare alla produzione, ballare insieme al re. È noto per la sua collaborazione con il Moliere, sui giochi di cui scriveva musica. Ma la cosa principale nelle opere di Lully stava ancora scrivendo l'opera. Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo di opera francese; La cosiddetta tragedia lirica in Francia (fr. Tragedie Lyrique) e ha raggiunto l'indubbia maturità creativa nei primi anni del suo lavoro presso l'Opera House. Rentramò spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale e semplici destinatari e arie. Il linguaggio musicale della scogliera non è molto complicato, ma, naturalmente, la chiarezza dell'armonia, dell'energia ritmica, la chiarezza dell'appartenenza alla forma, la purezza della consistenza parla della vittoria dei principi del pensiero di omofono. In larga misura, il suo successo è stato anche facilitato dalla sua capacità di selezionare i musicisti all'orchestra, e il suo lavoro con loro (lui stesso ha condotto le prove). Un elemento integrale del suo lavoro era attenzione all'armonia e ad uno strumento di risoluzione.
In Inghilterra, il barocco maturo era segnato dal genio luminoso di Henry Peressella (1659-1695). Morì i giovani, all'età di 36 anni, scrivendo un gran numero di lavori e diventando ampiamente conosciuto durante la sua vita. Purcell ha familiarità con il lavoro di Corelli e altri compositori barocchi italiani. Tuttavia, i suoi clienti e i suoi clienti erano persone di un'altra varietà rispetto al laico e alla Chiesa italiana e francese da sapere, quindi gli scritti di Pörslla sono molto diversi dalla scuola italiana. Purcell ha lavorato in una vasta gamma di generi; Dai semplici inni religiosi alla musica in marcia, dai saggi vocali di un grande formato alla musica in scena. Il suo catalogo ha più di 800 opere. Purcell è diventato uno dei primi compositori della musica da tastiera, l'influenza dei quali si applica alla modernità.
A differenza dei compositori sopra riportati Dietrich Buxthehud (1637-1707) non era un compositore da corte. Buxtehude ha funzionato da un organista, primo a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinor (1660-1668), e poi, a partire dal 1668, nella Chiesa di Sant'Orca Maria a Lübeck. Non ha guadagnato la pubblicazione delle sue opere, ma la loro esecuzione, e il patrocinio della nobiltà preferivano un saggio di musica sui testi della Chiesa e l'esecuzione del proprio lavoro di organi. Sfortunatamente, non tutti i lavori di questo compositore sono stati preservati. La musica della stazione del pennello è in gran parte costruita sulla scala delle idee, della ricchezza e della libertà di fantasia, tendenza a patetico, drammatismo, diverse intoniazioni orari. La sua creatività ha avuto una forte influenza su tali compositori come I. S. Bach e Temen.

Musica in ritardo barocco (1707-1760)

La linea esatta tra maturo e tardo barocco è un argomento di discussione; Si trova da qualche parte tra il 1680 e il 1720. In un considerevole grado di complessità della sua determinazione, il fatto che in diversi paesi di stili è stato sostituito da incomprensibile; Le innovazioni già adottate dalla Regola in un posto nell'altro erano reperti freschi
Le forme aperte dal precedente periodo hanno raggiunto la scadenza e la grande variabilità; Concerto, Suite, Sonata, Confrato Grosso, Oratoria, Opera e Ballet non avevano più caratteristiche nazionali pronunciate. Universalmente stabilito schemi generalmente accettati di opere: un dente grafico ripetitivo (AABB), una semplice tre parte (ABC) e Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositore italiano, nato a Venezia. Nel 1703 accettava il sacerdote del San Cattolico. È in questi, pur sviluppando ancora generi strumentali (sonata barocca e un concerto barocco), Vivaldi e ha fatto il loro contributo più significativo. Vivaldi ha composto più di 500 concerti. Ha anche dato i nomi dei programmi ad alcuni dei suoi lavori, come le famose "stagioni".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Era uno dei principali compositori e artisti di tastiera del suo tempo. Ma forse il compositore del tribunale più famoso è diventato Georg Friedrich Handel (1685-1759).È nato in Germania, ha studiato in Italia per tre anni, ma nel 1711 a sinistra a sinistra, dove ha iniziato la sua brillante carriera brillante e commercialmente di successo di un compositore d'opera indipendente, eseguendo ordini per la nobiltà. Avere un'energia instancabile, Handel ha riciclato il materiale degli altri compositori, e continuamente rielaborato i suoi saggi. Ad esempio, è noto per rielaborato dai famosi parlanti "Messiah" tutte le volte che ora non c'è versione che può essere chiamata "autentico".
Dopo la morte, è stato riconosciuto come il principale compositore europeo e fu studiato dai musicisti dell'epoca del classicismo. Handel mescolato nella sua musica le ricche tradizioni di improvvisazione e contrappunto. L'arte dei gioielli musicali ha raggiunto un livello molto alto di sviluppo nelle sue opere. Ha viaggiato in tutta Europa per studiare la musica di altri compositori, e quindi aveva una vasta gamma di dating tra compositori di altri stili.
Johann Sebastian Bach Nato il 21 marzo 1685 nella città di Eisenah, in Germania. Per la sua vita, ha composto più di 1000 opere in vari generi, ad eccezione dell'opera. Ma durante la sua vita, non ha raggiunto alcun successo significativo. Molte volte in movimento, Bach ha sostituito una posizione non troppo alta per l'altra: a Weimar, era un musicista del tribunale a Weimar Duke Johanna Ernst, divenne un custode nella Chiesa di Sant'Anno Bonifacea ad Arnstadt, dopo alcuni anni ha preso la posizione di un organista nella Chiesa di San Mussea a Mülhausen, dove ha lavorato solo circa un anno, dopo di che è tornato a Weimar, dove prese il posto dell'organista della corte e l'organizzatore di concerti. In questa posizione è stato ritardato per nove anni. Nel 1717, Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, assunse Baha fino alla posizione di Kapelmeister, e Bach ha iniziato a vivere e lavorare a Koten. Nel 1723, Bach si è trasferito a Lipsia, dove è rimasto fino alla sua morte nel 1750. Negli ultimi anni di vita, dopo la morte di Bach, la sua fama come compositore cominciò a diminuire: il suo stile era considerato vecchio stile rispetto al fiorente classicismo. Lo conosceva di più e ricordato come artista, l'insegnante e il padre di Bakhov Junior, prima di tutto, Charles Philip Emmanuel, la cui musica era famosa.
Solo l'esecuzione di "passioni Matteo" di Mendelson, 79 anni dopo la morte di I. S. Baha, risortò l'interesse per il suo lavoro. Ora I. S. Bach è uno dei compositori più popolari.
Classicismo
Classicismo - stile e direzione dell'arte del XVII - primi secoli XIX.
La parola è accaduta dal latino classico - esemplare. Il classicismo era basato sulla convinzione nell'intelligenza dell'essere, nel fatto che la natura umana è armoniosa. Il suo ideale di classici è stato visto nell'arte anticata, che era considerata la più alta forma di perfezione.
Nel diciottesimo secolo, inizia una nuova fase di sviluppo della coscienza sociale - l'era dell'illuminazione. Il vecchio ordine pubblico è distrutto; Le idee del rispetto per la dignità umana, la libertà e la felicità sono di fondamentale importanza; La personalità guadagna l'indipendenza e la maturità, usa la sua mente e il pensiero critico. Un nuovo stile di vita, basato sulla naturalezza e la semplicità, viene a sostituire gli ideali dell'era barocca e della solennità. Il tempo delle viste idealistiche di Jean-Jacques Rousseau, richiamando alla natura, alla virtù naturale e alla libertà. Insieme alla natura, l'antichità è idealizzata, dal momento che si credeva che fosse durante il periodo dell'antichità alle persone riuscì a incarnare tutte le aspirazioni umane. Arte anticata ottiene il nome del classico, è riconosciuto dall'esempio, il più veritiero, perfetto, armonioso e, a differenza dell'arte dell'era barocca, sono considerati semplici e comprensibili. Il centro dell'attenzione, insieme ad altri aspetti importanti, c'è un'educazione, la posizione di persone semplici in una struttura sociale, genio come proprietà umana.

La mente regna nell'arte. Volendo sottolineare l'alto appuntamento dell'arte, il suo ruolo pubblico e civile, l'enlightener filosofico francese Denis Denis ha scritto: "Ogni opera di sculture o dipinti dovrebbe esprimere qualsiasi grande regola della vita, dovrebbe insegnare".

Il teatro allo stesso tempo era un libro di testo della vita, e la sua vita stessa. Inoltre, nel teatro, l'azione è molto ordinata, misurata; È diviso in atti e scene, quelli a loro volta, sezionati su repliche separate di personaggi, creando un tale ideale dell'arte che è così costoso del 18 ° secolo, dove tutto è al suo posto ed è soggetto alle leggi logiche.
La musica del classicismo è estremamente teatrale, sembra essere copiata dall'arte del teatro, lo imita.
La separazione di Sonata classica e sinfonia su sezioni di grandi dimensioni - parti, in ognuna delle quali c'è un sacco di musica "eventi", come la divisione della performance sulle azioni e le scene.
Nella musica del secolo classico, la trama è spesso intesa, una sorta di azione implementata di fronte agli ascoltatori e all'azione dell'attore schierato davanti al pubblico.
L'ascoltatore rimane solo per includere l'immaginazione e scoprire nei "vestiti musicali" dei personaggi di una commedia classica o della tragedia.
L'arte del teatro aiuta a spiegare il grande cambiamento nella performance della musica, che sono stati compiuti nel XVIII secolo. In precedenza, il luogo principale in cui la musica sembrava il tempio: c'era un uomo in lui sotto, in uno spazio enorme, dove la musica come se lo aiutò a guardare giù e dedica i suoi pensieri a Dio. Ora, nel XVIII secolo, i suoni della musica nel salone aristocratico, nella Baln Hall of the Noble Estate o sulla piazza della città. L'ascoltatore dell'istruzione dell'illuminazione sembra girare con la musica "su di te" e non sperimenta più delizia e timidezza che lo ha ispirato quando suonava nel tempio.
Non c'è suono potente e solenne dell'organo, il ruolo del coro è già stato ridotto. La musica dello stile classico suona facilmente, ci sono molti meno suoni, come se fosse "meno pesa" del carico, musica multistrato del passato. Il suono dell'organo e del coro ha cambiato il suono dell'orchestra sinfonica; Ariate elevate hanno lasciato il posto alla musica con luce, ritmica e danza.
Grazie alla fede senza limiti nella possibilità della mente umana e il potere della conoscenza del XVIII secolo cominciava a chiamare la metà della mente o un'epoca dell'illuminazione.
Il classicismo fiorente avviene negli anni '80 del diciottesimo secolo. Nel 1781, Y. Gaidn crea diverse opere innovative, tra cui il suo quartetto di corda è. 33; La premiere di opera v.a. Mozart "abduzione di seryla"; Drama F. Schiller "Ladrirs" e "Cleaver per la pulizia" I. Kant sono pubblicati.

I rappresentanti più luminosi del periodo classico sono compositori della scuola classica di Vienna Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. La loro arte ammira la perfezione dell'attrezzatura compositrice, l'originario umanistico e il desiderio, particolarmente tangibile nella musica di V. A. Mozart, per riflettere strumenti di bellezza perfetti.

Il concetto stesso di una scuola classica di Vienna è apparsa poco dopo la morte di L. Beethoven. L'arte classica si distingue da un sottile equilibrio tra sentimenti e ragione, forma e contenuto. La musica rinata riflette lo spirito e il respiro della loro era; Nell'era barocca, il soggetto dello stato di visualizzazione di una persona nella musica; La musica dell'era del classicismo canta le azioni e le azioni di una persona che ha sperimentato emozioni e sentimenti, mente umana attenta e olistica.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Il compositore tedesco, che spesso considera il più grande creatore di tutti i tempi.
La sua creatività è indicata come classicismo e romanticismo.
A differenza del suo predecessore di Mozart, Beethoven composto da difficoltà. I libri del manuale BEETONON mostrano quanto gradualmente, una composizione grandiosa sorge passo dallo schizzo incrementale, segnato con logica convincente di costruzione e bellezza rara. È la logica che la principale fonte di grandezza Bethensky, la sua incomparabile capacità di organizzare elementi di contrasto in un intero monolitico. Beethoven cancella le cesuras tradizionali tra sezioni di forma, evita la simmetria, fonde parti del ciclo, sviluppa la costruzione estesa da motivi tematici e ritmici, a prima vista che non contengono nulla di interessante. In altre parole, Beethoven crea uno spazio musicale della forza della mente, la sua stessa volontà. Ha anticipato e ha creato quelle direzioni d'arte che erano decisive per l'arte musicale 19 V.

Romanticismo.
copertine Condizionalmente 1800-1910 anni
Compositori-Romance provato con l'aiuto dei mezzi musicali per esprimere la profondità e la ricchezza del mondo interiore dell'uomo. La musica diventa più goffrata, individuale. Si ottiene lo sviluppo dei generi di canzoni, incluse le ballate.
I principali rappresentanti del romanticismo nella musica sono: inAustria - Franz Schubert. ; in Germania - Ernest Theodore Hoffman., Karl Maria Weber., Richard Wagner, Felix Mendelson., Robert Schuman, Spur di Ludwig; nel
eccetera.................